La representación de la noche en las pinturas es común en el arte occidental . Las pinturas que presentan una escena nocturna como tema pueden ser pinturas religiosas o históricas , escenas de género , retratos , paisajes u otros tipos de temas. Algunas obras de arte involucran temas religiosos o de fantasía utilizando la calidad de la luz tenue de la noche para crear atmósferas misteriosas. La fuente de iluminación en una escena nocturna, ya sea la luna o una fuente de luz artificial , puede representarse directamente, o puede estar implícita por el carácter y la coloración de la luz que se refleja de los sujetos representados. A veces se las llama nocturnos [ 3] o piezas nocturnas, como La ronda de noche de Rembrandt o Dos hombres contemplando la luna de 1819 del romántico alemán Caspar David Friedrich .
En Estados Unidos, James Abbott McNeill Whistler tituló obras como nocturnos para identificar aquellas pinturas con un "estado de ánimo soñador y pensativo" aplicando el término musical, [4] y, del mismo modo, también tituló (y retituló) obras utilizando otras expresiones musicales, como "sinfonía", "armonía", "estudio" o "arreglo", para enfatizar las cualidades tonales y la composición y para restar importancia al contenido narrativo. [5] El uso del término "nocturno" puede asociarse con el movimiento tonalista estadounidense de finales del siglo XIX y principios del XX, que se "caracteriza por una luz suave y difusa, tonos apagados y objetos de contornos borrosos, todo lo cual imbuye a las obras de un fuerte sentido del estado de ánimo". [6] Junto con las escenas invernales, los nocturnos fueron un tema tonalista común. [7] Frederic Remington también utilizó el término para sus escenas nocturnas del Viejo Oeste estadounidense . [8] [9]
A principios del Renacimiento , artistas como Giotto , Bosch , Uccello y otros contaron historias con sus obras pintadas, a veces evocando temas religiosos y a veces representando batallas, mitos, historias y escenas de la historia, utilizando la noche como escenario. En los siglos XVI y XVII, los pintores del Renacimiento tardío, los manieristas y los pintores de la época barroca , incluidos El Greco , Tiziano , Giorgione , Caravaggio , Frans Hals , Rembrandt , Velázquez y Jusepe de Ribera , a menudo retrataron personas y escenas en entornos nocturnos, ilustrando historias y representaciones de la vida real.
Los pintores rococó del siglo XVIII Antoine Watteau , François Boucher , Jean-Honoré Fragonard y otros utilizaron el tema de la noche para ilustrar escenas de la imaginación, a menudo con connotaciones literarias dramáticas, incluidas escenas de amoríos secretos y relaciones románticas que recuerdan al popular libro de 1782 Les Liaisons dangereuses de Pierre Choderlos de Laclos . Jean-Baptiste-Siméon Chardin y Jean-Baptiste Greuze utilizaron los temas de la noche para representar ilustraciones de la vida cotidiana. El poeta y pintor William Blake y el pintor Henry Fuseli utilizaron la noche en su obra como escenario de muchas de sus visiones más imaginativas. El uso más dramático de la noche se puede ver en la pintura de 1793 de Jacques-Louis David , llamada La muerte de Marat , que retrata al líder revolucionario francés Jean-Paul Marat después de su asesinato a manos de Charlotte Corday .
La noche en las pinturas del siglo XIX se utilizó para transmitir un complejo de significados diversos. Una reverencia mística, religiosa y sublime por la naturaleza se ve en Caspar David Friedrich , Thomas Cole , Frederick Church , Albert Bierstadt , Albert Pinkham Ryder y otros, mientras que el romanticismo poderoso y dramático de Francisco Goya , Théodore Géricault y Eugène Delacroix sirvió como reportaje visual de los acontecimientos actuales, y en el caso de Géricault reveló un escándalo. Gustave Courbet , quien con Honoré Daumier , Jules Breton , Jean-François Millet y otros creó la escuela realista , retrató a gente común trabajando duro, viajando o absorta en su vida cotidiana, de noche y de día. Los impresionistas y postimpresionistas de finales del siglo XIX utilizaron el tema nocturno para expresar una multitud de reflexiones emocionales y estéticas que se ven de forma más dramática en las pinturas de Edgar Degas , Paul Cézanne , Vincent van Gogh y otros.
Los tonos negros y grises suelen simbolizar la tristeza , el miedo , el misterio, las supersticiones , el mal , la muerte, el secreto y la tristeza . La fuente de luz en la mayoría de las pinturas religiosas simboliza la esperanza , la guía o la divinidad .
Uno de los primeros intentos de representar la noche en pinturas fue el de Taddeo Gaddi , pintor y arquitecto italiano. [12] : 67 Gaddi, fascinado por la iluminación nocturna, representó el efecto de la luz en la escena nocturna El anuncio angelical a los pastores. El fresco de la Basílica de Santa Croce en Florencia, Italia, presenta un ángel incandescente mientras se cierne sobre un pastor . [11] : 91 Contra el cielo nocturno, el brillo del resplandor del ángel, probablemente concebido como "verificación de la presencia de Dios y como metáfora de la iluminación espiritual", parece sobresaltar al pastor. El uso de colores monocromáticos por parte de Gaddi dentro y alrededor del pastor revela cómo los colores se vuelven pálidos debido a la notable iluminación. [13] : 177, 179 [nb 1]
Giotto di Bondone (1266/7–1337), maestro y padrino de Taddeo Gaddi, [12] : 67 [nb 2] creó el fresco de la Crucifixión , uno de los múltiples frescos que cuentan la historia de la vida de Cristo, para la Capilla de la Arena. Representa a Cristo en una cruz, mientras que la Virgen María es consolada por Juan . Arrodillada a sus pies está María Magdalena , y girando en el cielo sobre Jesús y las cabezas de la multitud que observa hay varios ángeles. Giotto representa la noche y el cielo mediante el uso de un fondo azul profundo en el panel del fresco y el uso de estrellas en el techo azul. [14] : 383 [15] Pudo crear profundidad y dimensión mediante el uso de grados incrementales de sombras claras y oscuras, el precursor del claroscuro . También usó la luz de una manera que representara la divinidad de las personas y los ángeles de la Biblia, como lo hizo en otros frescos de la Capilla de la Arena. [14] : 383
La tradición occidental comenzó propiamente en el siglo XV, especialmente con representaciones en manuscritos iluminados de las escenas nocturnas bíblicas de la Anunciación a los pastores en la historia de la Natividad, y el Arresto de Cristo y la Agonía en el Huerto en la Pasión de Cristo .
En el libro de miniaturas Très Riches Heures du Duc de Berry, la escena de Cristo en Getsemaní es apocalíptico y predice la muerte de Cristo mediante la presencia de tres cometas en el cielo del atardecer. [16]
Niccolò Mauruzi da Tolentino en la batalla de San Romano es una de las tres pinturas de la serie que captura la Batalla de San Romano. [17] El paso del tiempo, desde el amanecer hasta el anochecer, se ilustra en las tres pinturas con el uso inicial de tonos pastel pálidos y tonos cada vez más oscuros a medida que avanza la batalla. [18] : 84, 90
Influenciado por una visión de Santa Brígida de Suecia (1303-1373), la Natividad nocturna de Geertgen tot Sint Jans representa al niño Jesús que "irradiaba una luz y un esplendor tan inefables, que el sol no era comparable a él, ni la vela que San José había puesto allí, daba luz alguna, la luz divina aniquilando totalmente la luz material de la vela". [19] : 78 Para reforzar el mensaje sobre el niño Jesús como fuente de luz, Geertgen representa al niño como la única fuente de iluminación para la escena principal dentro del establo. Resplandecen los rostros de los ángeles, San José y la Virgen María. Aunque el fuego de los pastores en la colina detrás y el ángel fuera de la ventana crean una fuente de luz, es tenue en comparación con la proporcionada por el niño infante. El marcado contraste de la luz divina contra la oscuridad es una herramienta utilizada para hacer que la escena parezca más profunda para sus espectadores. [20] : 232 [21] La National Gallery de Londres describe la obra de Geertgen como: "uno de los tratamientos tempranos más atractivos y convincentes de la Natividad como escena nocturna. [21]
En la quietud de la noche, la única fuente de luz que irradia la Anunciación a los pastores proviene de un ángel que ha venido a comunicarles el nacimiento del niño Jesús. La luz es tan brillante que los pastores de Belén deben protegerse los ojos. Aparte del sorprendente ángel, la pintura nocturna es una agradable y tranquila escena pastoral con un grupo de ángeles a lo lejos. [22]
Dosso Dossi ( c. 1490 – 1542) [nb 3] , fue un pintor renacentista italiano que perteneció a la Escuela de Pintura de Ferrara . [12] : 56
Albrecht Altdorfer ( c. 1480 – 12 de febrero de 1538) fue un pintor, grabador y arquitecto alemán del Renacimiento de la llamada Escuela del Danubio que ambientaba temas bíblicos e históricos sobre fondos paisajísticos de colores expresivos. [23]
Giuseppe Cesari ( c. 1568 – 3 de julio de 1640) fue un pintor manierista italiano e instructor de Caravaggio . [ cita requerida ]
El artista del Barroco temprano Adam Elsheimer creó escenas nocturnas que eran muy originales. Sus obras se apartaban ligeramente [ cita requerida ] de otras obras del período barroco, eran dramáticas y abundantemente detalladas. [24] Las pinturas barrocas presentaban "iluminación exagerada, emociones intensas, liberación de la moderación e incluso una especie de sensacionalismo artístico ". [25] Los efectos de iluminación de Elsheimer en general eran muy sutiles y muy diferentes de los de Caravaggio . A menudo usa hasta cinco fuentes de luz diferentes y gradúa la luz con relativa suavidad, con las partes menos iluminadas de la composición que a menudo contienen partes importantes de ella.
Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un artista italiano activo entre 1593 y 1610. Sus pinturas, que combinan una observación realista del estado humano, tanto físico como emocional, con un uso dramático de la iluminación, tuvieron una influencia formativa en la escuela barroca de pintura . [14] : 298–299 [26] La novedad de Caravaggio fue un naturalismo radical que combinaba la observación física cercana con un uso dramático, incluso teatral, del claroscuro . Esto llegó a conocerse como tenebrismo , el cambio de la luz a la oscuridad con poco valor intermedio. [14] : 299 [27]
Georges de La Tour fue un pintor barroco francés que pintó principalmente escenas religiosas en claroscuro iluminadas con velas, que estaban más desarrolladas que sus predecesores artísticos, pero carecían de los efectos dramáticos de Caravaggio. Creó algunas de las obras más sorprendentes de este género, retratando una amplia gama de escenas a la luz de las velas, desde juegos de cartas hasta narraciones del Nuevo Testamento. [28]
El pintor holandés del Siglo de Oro, Aert van der Neer , fue un pintor de paisajes especializado en pequeñas escenas nocturnas iluminadas únicamente por la luz de la luna y el fuego, y paisajes invernales nevados, a menudo ambos con vistas a un canal o río.
Anthony van Dyck (22 de marzo de 1599 - 9 de diciembre de 1641) fue un artista barroco flamenco y un destacado pintor de la corte de Inglaterra.
En el norte de Europa, la pintura holandesa del Siglo de Oro produjo algunos nocturnos, aunque la única obra real de Rembrandt (1606-1669) en el género es su Descanso en la huida a Egipto (1647, Galería Nacional de Irlanda), que se desarrolla en un paisaje nocturno. [29] Su gran retrato de grupo, La compañía de milicia del capitán Frans Banning Cocq (1642), es conocido popularmente como La ronda de noche , aunque no es una escena nocturna. [30]
Joseph Mallord William Turner (23 de abril de 1775 - 19 de diciembre de 1851) fue un pintor paisajista romántico inglés , [31] conocido comúnmente como "el pintor de la luz". [32]
Claude-Joseph Vernet (14 de agosto de 1714 - 3 de diciembre de 1789) fue un pintor francés cuyos paisajes, incluidos los de la luz de la luna, fueron populares entre los aristócratas ingleses. Su obra El puerto de Rochefort (1763, Museo Nacional de la Marina) es particularmente notable; en la pieza Vernet es capaz de lograr, según el historiador de arte Michael Levey , uno de sus cielos más «cristalinos y atmosféricamente sensibles». [33]
Joseph Wright de Derby (3 de septiembre de 1734 - 29 de agosto de 1797) fue un pintor de paisajes y retratos inglés que se destacó por su uso del efecto de claroscuro , que enfatiza el contraste entre la luz y la oscuridad, y por sus pinturas de temas iluminados con velas. Wright se ve en su mejor momento en sus temas iluminados con velas. Los tres caballeros observando al 'Gladiador' (1765). Un filósofo dando una conferencia sobre el planetario muestra un mecanismo temprano para demostrar el movimiento de los planetas alrededor del sol. Un experimento con un pájaro en la bomba de aire (1768) muestra a personas reunidas observando un experimento temprano sobre la naturaleza del aire y su capacidad para sustentar la vida.
También se considera que estas pinturas factuales tienen un significado metafórico: la aparición de luz en el fósforo frente a una figura que reza significa la transición problemática de la fe a la comprensión científica y la iluminación, y las diversas expresiones en las figuras alrededor del pájaro en la bomba de aire indican preocupación por la posible inhumanidad de la próxima era de la ciencia. [34]
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Théodore Géricault (26 de septiembre de 1791 - 26 de enero de 1824) fue un influyente artista francés y uno de los pioneros del movimiento romántico .
Atkinson Grimshaw (6 de septiembre de 1836 – 13 de octubre de 1893) fue un artista de la era victoriana [35] : 173 conocido por sus escenas nocturnas y paisajes urbanos. [36] [37] Su cuidadosa pintura y su habilidad para los efectos de iluminación significaron que captó tanto la apariencia como el estado de ánimo de una escena con minucioso detalle. Sus "pinturas de calles húmedas iluminadas con gas y frentes de agua brumosos transmitían una calidez inquietante, así como alienación en la escena urbana". [38] : 99
En Hampstead Hill se considera una de las mejores obras de Grimshaw, que ejemplifica su habilidad con una variedad de fuentes de luz para capturar la atmósfera del crepúsculo que se transforma en noche. En su carrera posterior, sus escenas urbanas bajo el crepúsculo o la iluminación amarilla de las calles fueron populares entre sus mecenas de clase media. [39] : 154
En la década de 1880, Grimshaw mantuvo un estudio en Chelsea , Londres , no lejos del estudio de James Abbott McNeill Whistler . Después de visitar a Grimshaw, Whistler comentó que "me consideraba el inventor de los Nocturnos hasta que vi las imágenes de Grimshaw iluminadas por la luna". [40] : 112 A diferencia de las escenas nocturnas impresionistas de Whistler, Grimshaw trabajaba en una vena realista: "nítidamente enfocadas, casi fotográficas", sus imágenes innovaron al aplicar la tradición de las imágenes rurales a la luz de la luna a la ciudad victoriana, registrando "la lluvia y la niebla, los charcos y la niebla humeante de la Inglaterra industrial victoriana tardía con gran poesía". [40] : 112–113
Petrus van Schendel (1806-1870) fue un pintor, grabador y dibujante romántico holandés. [41] Van Schendel se especializó en escenas nocturnas de mercados holandeses, explorando los efectos que la luz suave tenía sobre sus sujetos, por lo que los franceses lo llamaron Monsieur Chandelle . Van Schendel se inspiró en estos famosos antepasados, pero aportó un ambiente único del siglo XIX a sus escenas nocturnas. Capturó elocuentemente el misterioso mundo de los mercados de la ciudad iluminados por lámparas y la luz de la luna antes del amanecer.
James Abbott McNeill Whistler (11 de julio de 1834 - 17 de julio de 1903) fue un artista nacido en Estados Unidos y radicado en Gran Bretaña. [44] : 50
"Nocturno" era un término que normalmente se aplicaba a ciertos tipos de composiciones musicales antes de que Whistler]], inspirado por el lenguaje de la música , comenzara a utilizar la palabra dentro de los títulos de muchas de sus obras, [45] como Nocturno en azul y plata (1871), en la colección de la Tate Gallery , Londres, Reino Unido. [46]
El desafortunado viaje de Whistler a Valparaíso, Chile , en 1866, [44] : 141 dio como resultado las tres primeras pinturas nocturnas de Whistler, que denominó "luces de luna" y luego retituló como "nocturnos", escenas nocturnas del puerto pintadas con una paleta azul o verde claro. Más tarde, en Londres, pintó varios nocturnos más durante los siguientes diez años, muchos del río Támesis y de los jardines de Cremorne , un parque de atracciones famoso por sus frecuentes exhibiciones de fuegos artificiales , que presentaban un nuevo desafío para pintar. En sus nocturnos marítimos, Whistler usó pintura muy diluida como base con color ligeramente difuminado para sugerir barcos, luces y línea de costa. [14] : 368 [47] : 30 Algunas de las pinturas del Támesis también muestran similitudes compositivas y temáticas con los grabados japoneses de Hiroshige . [44] : 187
En 1877 Whistler demandó al crítico de arte John Ruskin por difamación después de que el crítico condenara su pintura Nocturno en negro y oro: el cohete que cae . Ruskin acusó a Whistler de "pedir doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público". [48] Whistler ganó el juicio, pero recibió un cuarto de penique por daños y perjuicios. [49] El costo del caso lo dejó en bancarrota. Se ha sugerido que John Ruskin había tenido CADASIL y que las perturbaciones visuales que esta condición le causó podrían haber sido un factor en su irritación por esta pintura en particular. [50] Whistler publicó su relato del juicio en el panfleto Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics, incluido en su posterior The Gentle Art of Making Enemies (1890).
Frederic Remington (1861-1909) es tan conocido por sus escenas nocturnas del Viejo Oeste estadounidense [51] que se celebraron en 2003-2004 con una exposición, Frederic Remington: The Color of Night , coorganizada y mostrada a su vez por la National Gallery of Art , Washington, DC , y el Gilcrease Museum , Tulsa, Oklahoma . [52] La exposición también generó un colorido libro del mismo título y viajó al Denver Art Museum en Denver , Colorado. Remington pintó muchos de sus nocturnos en los últimos años de su vida, cuando estaba haciendo la transición de una carrera como ilustrador a la de artista plástico y había elegido el impresionismo como el estilo en el que trabajaba en ese momento. Un ejemplo de su obra es The Stampede (también conocida como The Stampede by Lightning, 1908).
Las pinturas que se muestran en la galería a continuación están en orden de fecha de finalización, de izquierda a derecha:
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Other artists who also created nocturne scenes are:
The Night Watch or The Shooting Company of Frans Banning Cocq by Dutch painter Rembrandt van Rijn is one of the most famous paintings in the world.[citation needed] One of its key elements is the effective use of light and shadow (chiaroscuro).[58]: 61, 65 Made in 1642, it depicts the eponymous company moving out, led by Captain Frans Banning Cocq (dressed in black, with a red sash) and his lieutenant, Willem van Ruytenburch (dressed in yellow, with a white sash).[citation needed] With effective use of sunlight and shade, Rembrandt leads the eye to the three most important characters among the crowd, the two gentlemen in the centre (from whom the painting gets its original title), and the small girl in the centre left background.[58]: 65
For much of its existence, the painting was coated with a dark varnish which gave the incorrect impression that it depicted a night scene, leading to the name by which it is now commonly known. The heavy varnish was only discovered in the 1940s and restoration began after 1975.[59]: 224–225
The Third of May 1808 by Spanish painter Francisco Goya commemorates Spanish resistance to Napoleon's armies during the occupation of 1808 in the Peninsular War.[60]: 109 The painting's content, presentation, and emotional force secure its status as a groundbreaking, archetypal image of the horrors of war. Although it draws on many sources from both high and popular art, The Third of May 1808 marks a clear break from convention. Diverging from the traditions of Christian art and traditional depictions of war, it has no distinct precedent, and is acknowledged as one of the first paintings of the modern era.[60]: 116–127 According to the art historian Kenneth Clark, The Third of May 1808 is "the first great picture which can be called revolutionary in every sense of the word, in style, in subject, and in intention".[61]: 130.
It is set in the early hours of the morning following the uprising[59]: 363 and centers on two masses of men: one a rigidly poised firing squad, the other a disorganized group of captives held at gun point. Executioners and victims face each other abruptly across a narrow space; according to Kenneth Clark, "by a stroke of genius [Goya] has contrasted the fierce repetition of the soldiers' attitudes and the steely line of their rifles, with the crumbling irregularity of their target."[61]: 127 A square lantern situated on the ground between the two groups throws a dramatic light on the scene. The brightest illumination falls on the huddled victims to the left, whose numbers include a monk or friar in prayer.[62]: 297 The central figure is the brilliantly lit man kneeling amid the bloodied corpses of those already executed, his arms flung wide in either appeal or defiance.[60]: 116
The painting is structurally and thematically tied to traditions of martyrdom in Christian art, as exemplified in the dramatic use of chiaroscuro, and the appeal to life juxtaposed with the inevitability of imminent execution.[60]: 121 However, Goya's painting departs from this tradition. Works that depicted violence, such as those by Jusepe de Ribera, feature an artful technique and harmonious composition which anticipate the "crown of martyrdom" for the victim.[60]: 118
The lantern as a source of illumination in art was widely used by Baroque artists, and perfected by Caravaggio.[60]: 119 Traditionally a dramatic light source and the resultant chiaroscuro were used as metaphors for the presence of God. Illumination by torch or candlelight took on religious connotations; but in The Third of May the lantern manifests no such miracle. Rather, it affords light only so that the firing squad may complete its grim work, and provides a stark illumination so that the viewer may bear witness to wanton violence. The traditional role of light in art as a conduit for the spiritual has been subverted.[60]: 119
The Starry Night, made by Dutch artist Vincent van Gogh, depicts his memory of the view outside his sanitorium room window at Saint-Rémy-de-Provence (located in southern France) at night.[63]: 225 Although Van Gogh was not very happy with the painting,[64] art historian Joachim Pissarro cites The Starry Night as an exemplar of the artist's fascination with the nocturnal.[65] One of Van Gogh's most popular pieces, the painting is widely hailed as his magnum opus.[63]: 225
Edward Hopper had a lifelong interest in capturing the effect of light on the objects it touched, including the nighttime effect of artificial, man-made light spilling out of windows, doorways and porches. Nighthawks was probably Hopper's most ambitious essay in capturing the night-time effects of man-made light. For one thing, the diner's plate-glass windows cause significant light to spill out onto the sidewalk and the brownstones on the far side of the street. As well, interior light comes from more than a single lightbulb, with the result that multiple shadows are cast, and some spots are brighter than others as a consequence of being lit from more than one angle. Across the street, the line of shadow caused by the upper edge of the diner window is clearly visible towards the top of the painting. These windows, and the ones below them as well, are partly lit by an unseen streetlight, which projects its own mix of light and shadow. As a final note, the bright interior light causes some of the surfaces within the diner to be reflective. This is clearest in the case of the right-hand edge of the rear window, which reflects a vertical yellow band of interior wall, but fainter reflections can also be made out, in the counter-top, of three of the diner's occupants. None of these reflections would be visible in daylight.[citation needed]
In his 1950 painting The Empire of Light, René Magritte (1898–1967),[66] explores the illusion of night and day, and the paradox of time and light. On the top half of his canvas Magritte paints a clear blue sky and white clouds that radiate bright daytime; while on the bottom half of his canvas below the sky, he paints a street, sidewalk, trees and houses all steeped in the darkness of night. The darkened trees and darkened houses appear to be in nighttime shadows, in the middle of the night; and the sidewalk streetlight is on to guide the way. Some of the questions implied by these pictures include is it night-time? is it daytime? or is it just a painting? The Empire of Light is one of a series of paintings that René Magritte painted between 1950 and 1954 that explores his surrealist insight into illusion and reality, using night and day as his subject.[67][66]
![Taddeo Gaddi, Natividad, hacia 1325, Fundación Colección Thyssen-Bornemisza, Pedralbes[10]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e8/Taddeo_Gaddi_-_Nativity_-_WGA08390.jpg/1280px-Taddeo_Gaddi_-_Nativity_-_WGA08390.jpg)
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