La balsa de la Medusa ( en francés : Le Radeau de la Méduse [lə ʁado d(ə) la medyz] ), originalmente titulada Scène de Naufrage ( Escena del naufragio ), es una pintura al óleo de 1818-19 delpintor y litógrafo romántico francés Théodore Géricault (1791-1824). [1] Completada cuando el artista tenía 27 años, la obra se ha convertido en un ícono del romanticismo francés. Con unas dimensiones de 491 x 716 cm (16 pies 1 pulgada por 23 pies 6 pulgadas), [2] es una pintura de tamaño superior al natural que representa un momento de las consecuencias del naufragio de la fragata naval francesa Méduse , que encalló frente a la costa de la actual Mauritania el 2 de julio de 1816. El 5 de julio de 1816, al menos 147 personas fueron abandonadas a la deriva en una balsa construida a toda prisa; todas menos 15 murieron en los 13 días anteriores a su rescate, y los que sobrevivieron sufrieron hambre y deshidratación y practicaron el canibalismo (una costumbre del mar ). El evento se convirtió en un escándalo internacional, en parte porque su causa se atribuyó ampliamente a la incompetencia del capitán francés.
Géricault eligió esta obra de gran formato no encargo para lanzar su carrera, utilizando un tema que ya había generado un amplio interés público. [3] El evento lo fascinó y, antes de comenzar a trabajar en la pintura final, realizó una amplia investigación y produjo muchos bocetos preparatorios. Entrevistó a dos de los sobrevivientes y construyó un modelo a escala detallado de la balsa. Visitó hospitales y morgues donde pudo ver, de primera mano, el color y la textura de la carne de los moribundos y los muertos. Como había anticipado, la pintura resultó muy controvertida en su primera aparición en el Salón de París de 1819 , atrayendo apasionados elogios y condenas en igual medida. Sin embargo, estableció su reputación internacional y hoy en día se considera ampliamente como seminal en la historia temprana del movimiento romántico en la pintura francesa.
Aunque La balsa de la Medusa conserva elementos de la tradición de la pintura histórica , tanto en la elección de los temas como en su presentación dramática, representa una ruptura con la calma y el orden de la escuela neoclásica imperante . La obra de Géricault atrajo una gran atención desde su primera exhibición y luego se exhibió en Londres. El Louvre la adquirió poco después de la muerte del artista a los 32 años. La influencia de la pintura se puede ver en las obras de Eugène Delacroix , JMW Turner , Gustave Courbet y Édouard Manet . [4]
En junio de 1816, la fragata francesa Méduse , capitaneada por Hugues Duroy de Chaumereys , partió de Rochefort con destino al puerto senegalés de Saint-Louis . Encabezaba un convoy de otros tres barcos: el buque de almacenamiento Loire , el bergantín Argus y la corbeta Écho . El vizconde Hugues Duroy de Chaumereys, un emigrado realista recientemente retornado , había sido nombrado capitán de la fragata por la recién restaurada administración borbónica a pesar de haber navegado apenas en 20 años. [6] [7] Después del naufragio, la indignación pública atribuyó erróneamente la responsabilidad de su nombramiento a Luis XVIII , aunque se trataba de un nombramiento naval rutinario realizado dentro del Ministerio de la Marina y muy fuera de las preocupaciones del monarca. [8] La misión de la fragata era aceptar la devolución británica de Senegal bajo los términos de la aceptación de Francia de la Paz de París . Entre los pasajeros se encontraban el gobernador francés designado de Senegal, el coronel Julien-Désiré Schmaltz , su esposa y su hija. [9]
En un esfuerzo por ganar tiempo, el Méduse adelantó a los otros barcos, pero debido a la mala navegación se desvió 160 kilómetros (100 mi) de su curso. El 2 de julio, encalló en un banco de arena frente a la costa de África occidental, cerca de la actual Mauritania . La colisión fue ampliamente atribuida a la incompetencia de De Chaumereys, un emigrado que había regresado y que carecía de experiencia y habilidad, pero que había obtenido su puesto como resultado de un acto de preferencia política. [10] [11] [12] Los esfuerzos por liberar el barco fracasaron, por lo que, el 5 de julio, los asustados pasajeros y la tripulación comenzaron un intento de viajar los 100 km (60 mi) hasta la costa africana en los seis botes de la fragata. Aunque el Méduse transportaba a 400 personas, incluidos 160 tripulantes, solo había espacio para unas 250 en los botes. El resto de la dotación del barco y la mitad de un contingente de infantes de marina destinados a guarnecer Senegal [13] —al menos 146 hombres y una mujer— fueron amontonados en una balsa construida a toda prisa, que se sumergió parcialmente una vez cargada. Diecisiete miembros de la tripulación optaron por quedarse a bordo del Méduse encallado . El capitán y la tripulación a bordo de los otros barcos tenían la intención de remolcar la balsa, pero después de sólo unas pocas millas la balsa se soltó. [14] Para el sustento, la tripulación de la balsa sólo tenía una bolsa de galletas de barco (consumida el primer día), dos barriles de agua (perdidos por la borda durante los combates) y seis barriles de vino. [15]
Según el crítico Jonathan Miles, la balsa llevó a los supervivientes "a las fronteras de la experiencia humana. Enloquecidos, resecos y hambrientos, masacraron a los amotinados, se comieron a sus compañeros muertos y mataron a los más débiles". [10] [16] Después de 13 días, el 17 de julio de 1816, la balsa fue rescatada por el Argus por casualidad; los franceses no hicieron ningún esfuerzo particular para buscarla. [17] En ese momento, solo 15 hombres seguían con vida; los demás habían sido asesinados o arrojados por la borda por sus compañeros, murieron de hambre o se habían arrojado al mar en desesperación. [18] El incidente se convirtió en una gran vergüenza pública para la monarquía francesa, recién restaurada al poder después de la derrota de Napoleón en 1815. [ 19] [20]
La balsa de la Medusa retrata el momento en el que, tras trece días a la deriva en la balsa, los quince supervivientes restantes ven acercarse un barco desde la distancia. Según un crítico británico de los primeros tiempos, la obra se sitúa en un momento en el que «se puede decir que la ruina de la balsa es total». [21] La pintura tiene una escala monumental de 491 cm × 716 cm (193 pulgadas × 282 pulgadas), de modo que la mayoría de las figuras representadas son de tamaño natural [22] y las del primer plano tienen casi el doble de tamaño natural, están empujadas hacia el plano del cuadro y se agolpan sobre el espectador, que se ve atraído a la acción física como participante. [23]
La balsa improvisada se muestra apenas apta para navegar mientras se desliza por las profundas olas, mientras que los hombres se muestran destrozados y en una desesperación absoluta. Un anciano sostiene el cadáver de su hijo sobre sus rodillas; otro se arranca el pelo en señal de frustración y derrota. Varios cuerpos se encuentran esparcidos en primer plano, esperando ser arrastrados por las olas circundantes. Los hombres del medio acaban de ver un barco de rescate; uno se lo señala a otro, y un miembro africano de la tripulación, Jean Charles, [24] se para sobre un barril vacío y agita frenéticamente su pañuelo para llamar la atención del barco. [25]
La composición pictórica del cuadro se construye sobre dos estructuras piramidales. El perímetro del gran mástil situado a la izquierda del lienzo forma la primera. La agrupación horizontal de figuras muertas y moribundas en primer plano forma la base desde la que emergen los supervivientes, que avanzan hacia la cima emocional, donde la figura central saluda desesperadamente a un barco de rescate. [ cita requerida ]
La atención del espectador se dirige primero al centro del lienzo, luego sigue el flujo direccional de los cuerpos de los supervivientes, vistos desde atrás y estirándose hacia la derecha. [22] Según el historiador de arte Justin Wintle, "un único ritmo diagonal horizontal [nos lleva] desde los muertos en la parte inferior izquierda, hasta los vivos en el vértice". [26] Se utilizan otras dos líneas diagonales para aumentar la tensión dramática. Una sigue el mástil y su aparejo y lleva la mirada del espectador hacia una ola que se acerca y amenaza con engullir la balsa, mientras que la segunda, compuesta por figuras que se extienden, conduce a la silueta distante del Argus , el barco que finalmente rescató a los supervivientes. [3]
La paleta de Géricault se compone de tonos pálidos de piel y los colores turbios de las ropas de los supervivientes, el mar y las nubes. [27] En general, la pintura es oscura y se basa en gran medida en el uso de pigmentos sombríos, en su mayoría marrones, una paleta que Géricault creía que era eficaz para sugerir tragedia y dolor. [28] La iluminación de la obra ha sido descrita como " caravaggesca ", [29] en honor al artista italiano estrechamente asociado con el tenebrismo , el uso de un contraste violento entre la luz y la oscuridad. Incluso el tratamiento que Géricault hace del mar es apagado, ya que está representado en verdes oscuros en lugar de los azules profundos que podrían haber proporcionado contraste con los tonos de la balsa y sus figuras. [30] Desde el área distante del barco de rescate, brilla una luz brillante, proporcionando iluminación a una escena marrón opaca. [30]
Géricault quedó cautivado por los relatos del naufragio de 1816, ampliamente publicitado, y se dio cuenta de que una representación del evento podría ser una oportunidad para establecer su reputación como pintor. [31] Habiendo decidido seguir adelante, emprendió una investigación exhaustiva antes de comenzar la pintura. A principios de 1818, conoció a dos sobrevivientes: Henri Savigny, un cirujano, y Alexandre Corréard , un ingeniero de la École nationale supérieure d'arts et métiers . Sus descripciones emocionales de sus experiencias inspiraron en gran medida el tono de la pintura final. [21] Según el historiador de arte Georges-Antoine Borias, "Géricault estableció su estudio frente al hospital Beaujon. Y aquí comenzó un triste descenso. Tras puertas cerradas se entregó a su trabajo. Nada lo repelía. Era temido y evitado". [32]
En sus viajes anteriores, Géricault había estado expuesto a víctimas de locura y peste, y mientras investigaba sobre la Méduse, su esfuerzo por ser históricamente preciso y realista lo llevó a una obsesión con la rigidez de los cadáveres. [11] Para lograr la representación más auténtica de los tonos de piel de los muertos, [3] hizo bocetos de cuerpos en la morgue del Hospital Beaujon, [31] estudió los rostros de los pacientes moribundos del hospital, [33] llevó miembros amputados a su estudio para estudiar su descomposición, [31] [34] y durante quince días dibujó una cabeza cortada, prestada de un asilo de lunáticos y almacenada en el techo de su estudio. [33]
Trabajó con Corréard, Savigny y otro de los supervivientes, el carpintero Lavillette, para construir un modelo a escala de la balsa con todos los detalles, que se reprodujo en el lienzo terminado, mostrando incluso los huecos entre algunas de las tablas. [33] Géricault posó modelos, compiló un dossier de documentación, copió pinturas relevantes de otros artistas y fue a Le Havre para estudiar el mar y el cielo. [33] A pesar de sufrir fiebre, viajó a la costa en varias ocasiones para presenciar las tormentas que estallaban en la orilla, y una visita a artistas en Inglaterra le brindó otra oportunidad de estudiar los elementos mientras cruzaba el Canal de la Mancha . [28] [35]
Dibujó y pintó numerosos bocetos preparatorios mientras decidía cuál de varios momentos alternativos del desastre representaría en la obra final. [36] La concepción de la pintura resultó lenta y difícil para Géricault, y luchó por seleccionar un solo momento pictóricamente efectivo para capturar mejor el drama inherente del evento.
Entre las escenas que consideró se encuentran el motín contra los oficiales desde el segundo día en la balsa, el canibalismo que se produjo después de sólo unos días y el rescate. [37] Géricault finalmente se decidió por el momento, relatado por uno de los sobrevivientes, cuando vieron por primera vez, en el horizonte, el barco de rescate Argus que se acercaba —visible en la parte superior derecha del cuadro— y al que intentaron hacer señales. El barco, sin embargo, pasó de largo. En palabras de uno de los miembros de la tripulación superviviente, "Del delirio de alegría, caímos en un profundo desaliento y dolor". [37]
Para un público familiarizado con los detalles del desastre, la escena habría sido entendida como las consecuencias del abandono de la tripulación, centrándose en el momento en que toda esperanza parecía perdida [37] —el Argus reapareció dos horas después y rescató a los que quedaban. [39]
El autor Rupert Christiansen señala que en el cuadro aparecen más figuras de las que había en la balsa en el momento del rescate, incluidos cadáveres que no fueron registrados por los rescatadores. En lugar de la mañana soleada y el agua tranquila del día del rescate, Géricault representó una tormenta inminente y un mar oscuro y agitado para reforzar la tristeza emocional. [33]
Géricault, que acababa de verse obligado a romper una dolorosa relación con su tía, se afeitó la cabeza y desde noviembre de 1818 hasta julio de 1819 vivió una existencia monástica disciplinada en su estudio del Faubourg du Roule, recibiendo comidas de su portero y saliendo sólo ocasionalmente por la noche. [33] Él y su ayudante de 18 años, Louis-Alexis Jamar, dormían en una pequeña habitación adyacente al estudio; ocasionalmente discutían y en una ocasión Jamar se marchó; después de dos días Géricault lo convenció de que volviera. En su ordenado estudio, el artista trabajaba de manera metódica en completo silencio y descubrió que incluso el ruido de un ratón era suficiente para romper su concentración. [33]
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Jamar utilizó a amigos como modelos, en particular al pintor Eugène Delacroix (1798-1863), que posó para la figura del primer plano con el rostro vuelto hacia abajo y un brazo extendido. Dos de los supervivientes de la balsa se ven en la sombra al pie del mástil; [36] tres de las figuras fueron pintadas del natural: Corréard, Savigny y Lavillette. Jamar posó desnudo para el joven muerto que se muestra en primer plano a punto de caer al mar, y también fue el modelo para otras dos figuras. [33]
Mucho más tarde, Delacroix, que se convertiría en el abanderado del Romanticismo francés tras la muerte de Géricault, escribió: «Géricault me permitió ver su Balsa de Medusa mientras todavía estaba trabajando en ella. Me causó una impresión tan tremenda que cuando salí del estudio eché a correr como un loco y no paré hasta que llegué a mi propia habitación». [40] [41] [42] [43]
Géricault, que era abolicionista , [44] [45] contrató a un modelo haitiano llamado Joseph para pintar al menos a dos individuos negros en la balsa. [46] En particular, Joseph sirvió como modelo para lo que se considera una representación de Jean Charles, un oficial militar que agita un pañuelo rojo oscuro con la esperanza de ser notado por el barco que pasa. Influenciada por una antigua escultura clásica griega titulada Belvedere Torso y con la espalda vuelta hacia el espectador, la silueta de Joseph se coloca sobre la agrupación piramidal de sobrevivientes en la mitad derecha de la composición. [47] Además, una pequeña representación del rostro de Joseph, con su mirada dirigida hacia el espectador, se coloca dentro de un grupo de tres figuras colocadas entre el mástil de madera y la cuerda de soporte en el lado derecho del mástil. [46]
Géricault pintaba con pinceles pequeños y óleos viscosos, que le dejaban poco tiempo para retocarlos y se secaban a la mañana siguiente. Mantenía sus colores separados entre sí: su paleta consistía en bermellón , blanco, amarillo de Nápoles , dos ocres amarillos diferentes , dos ocres rojos , siena cruda , rojo claro , siena tostada , laca carmesí , azul de Prusia , negro melocotón , negro marfil , tierra de Cassel y betún . [33] El betún tiene un aspecto aterciopelado y brillante cuando se pinta por primera vez, pero con el tiempo se decolora hasta convertirse en una melaza negra, al tiempo que se contrae y crea así una superficie arrugada, que no se puede renovar. [48] Como resultado de esto, los detalles en grandes áreas de la obra apenas se pueden discernir hoy en día. [23]
Géricault dibujó un boceto de la composición sobre el lienzo. Luego, fue colocando a los modelos uno a uno, completando cada figura antes de pasar a la siguiente, en contraposición al método más habitual de trabajar sobre toda la composición. La concentración en los elementos individuales le dio a la obra una "corporeidad impactante" [26] y una sensación de teatralidad deliberada, que algunos críticos consideran un efecto adverso. Más de 30 años después de terminar la obra, su amigo Montfort recordaba:
[El método de Géricault] me sorprendió tanto como su intensa laboriosidad. Pintaba directamente sobre el lienzo blanco, sin bocetos ni preparación de ningún tipo, salvo los contornos firmemente trazados, y sin embargo la solidez de la obra no se veía afectada por ello. Me llamó la atención la gran atención con la que examinaba al modelo antes de poner el pincel sobre el lienzo. Parecía proceder lentamente, cuando en realidad ejecutaba muy rápidamente, colocando un trazo tras otro en su lugar, sin tener que repasar su obra más de una vez. Había muy poco movimiento perceptible de su cuerpo o de sus brazos. Su expresión era perfectamente tranquila... [33] [49]
Trabajando con pocas distracciones, el artista completó la pintura en ocho meses; [28] el proyecto en su conjunto tomó 18 meses. [33]
La Balsa de la Medusa fusiona muchas influencias de los Antiguos Maestros , desde el Juicio Final y el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel (1475-1564) y la Transfiguración de Rafael , [50] hasta el enfoque monumental de Jacques-Louis David (1748-1825) y Antoine-Jean Gros (1771-1835), hasta los eventos contemporáneos. En el siglo XVIII, los naufragios se habían convertido en una característica reconocida del arte marino , así como en un suceso cada vez más común a medida que se realizaban más viajes por mar. Claude Joseph Vernet (1714-1789) creó muchas de esas imágenes, [51] logrando un color naturalista a través de la observación directa, a diferencia de otros artistas de esa época, y se dice que se ató al mástil de un barco para presenciar una tormenta. [52]
Aunque los hombres representados en la balsa habían pasado 13 días a la deriva y padecieron hambre, enfermedades y canibalismo, Géricault rinde homenaje a las tradiciones de la pintura heroica y presenta a sus figuras como musculosas y saludables. Según el historiador de arte Richard Muther , todavía hay una fuerte deuda con el clasicismo en la obra. El hecho de que la mayoría de las figuras estén casi desnudas, escribió, surgió de un deseo de evitar vestimentas "poco pictóricas". Muther observa que hay "algo académico en las figuras, que no parecen estar suficientemente debilitadas por la privación, la enfermedad y la lucha con la muerte". [30]
La influencia de Jacques-Louis David se puede ver en la escala de la pintura, en la tensión escultórica de las figuras y en la manera exaltada en que se describe un "momento fructífero" particularmente significativo: la primera conciencia del barco que se acerca. [29] En 1793, David también pintó un importante evento actual con La muerte de Marat . Su pintura tuvo un enorme impacto político durante la época de la revolución en Francia , y sirvió como un precedente importante para la decisión de Géricault de pintar también un evento actual. El alumno de David, Antoine-Jean Gros, había representado, como David, "las grandiosidades de una escuela irremediablemente asociada con una causa perdida", [54] pero en algunas obras importantes, había dado la misma prominencia a Napoleón y a figuras anónimas muertas o moribundas. [37] [55] Géricault había quedado particularmente impresionado por la pintura de 1804 Bonaparte visitando a las víctimas de la peste de Jaffa , de Gros. [11]
El joven Géricault había pintado copias de obras de Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823), cuyos "cuadros atronadoramente trágicos" incluyen su obra maestra, La justicia y la venganza divina persiguiendo el crimen , donde la oscuridad opresiva y la base compositiva de un cadáver desnudo y tendido obviamente influyeron en la pintura de Géricault. [48]
La figura del hombre mayor en primer plano puede ser una referencia a Ugolino del Infierno de Dante —un tema que Géricault había contemplado pintar— y parece tomar prestado de una pintura de Ugolini de Henry Fuseli (1741-1825) que Géricault pudo haber conocido por grabados. En Dante, Ugolino es culpable de canibalismo , que era uno de los aspectos más sensacionales de los días en la balsa. Géricault parece aludir a esto a través del préstamo de Fuseli. [56] Un estudio temprano para La balsa de la Medusa en acuarela , ahora en el Louvre, es mucho más explícito, al representar una figura mordiendo el brazo de un cadáver sin cabeza. [57]
Varias pinturas inglesas y estadounidenses, entre ellas La muerte del mayor Pierson de John Singleton Copley (1738-1815), también pintada dos años después del suceso, habían sentado un precedente para un tema contemporáneo. Copley también había pintado varias representaciones heroicas y de gran tamaño de desastres en el mar que Géricault pudo haber conocido por grabados: Watson y el tiburón (1778), en la que un hombre negro es el centro de la acción y que, como La balsa de la Medusa , se centraba en los actores del drama en lugar del paisaje marino; La derrota de las baterías flotantes en Gibraltar, septiembre de 1782 (1791), que influyó tanto en el estilo como en el tema de la obra de Géricault; y Escena de un naufragio (década de 1790), que tiene una composición sorprendentemente similar. [37] [58] Otro precedente importante del componente político fueron las obras de Francisco de Goya , en particular su serie Los desastres de la guerra de 1810-12, y su obra maestra de 1814 El 3 de mayo de 1808. Goya también produjo una pintura de un desastre en el mar, llamada simplemente Naufragio (fecha desconocida), pero aunque el sentimiento es similar, la composición y el estilo no tienen nada en común con La balsa de la Medusa . Es poco probable que Géricault hubiera visto el cuadro. [58]
La balsa de la Medusa se mostró por primera vez en el Salón de París de 1819 , bajo el título Scène de Naufrage ( Escena de naufragio ), aunque su tema real habría sido inconfundible para los espectadores contemporáneos. [33] La exposición fue patrocinada por Luis XVIII y presentó casi 1.300 pinturas, 208 esculturas y numerosos otros grabados y diseños arquitectónicos. [11] El lienzo de Géricault fue la estrella de la exposición: "Golpea y atrae todas las miradas" ( Le Journal de Paris ). Luis XVIII visitó el lugar tres días antes de la inauguración y, según se dice, dijo: " Monsieur, vous venez de faire un naufrage qui n'en est pas un pour vous ", [59] traducido libremente como "Monsieur Géricault, su naufragio no es ciertamente un desastre". [60] Los críticos estaban divididos: el horror y la "terribilità" del tema ejercían fascinación, pero los devotos del clasicismo expresaron su disgusto por lo que describieron como un "montón de cadáveres", cuyo realismo consideraban muy alejado de la "belleza ideal" representada por Pigmalión y Galatea de Girodet , que triunfó el mismo año. La obra de Géricault expresaba una paradoja: ¿cómo podía traducirse un tema horrible en una pintura poderosa, cómo podía el pintor reconciliar el arte y la realidad? Marie-Philippe Coupin de la Couperie , pintora francesa y contemporánea de Géricault, proporcionó una respuesta: "Monsieur Géricault parece equivocado. El objetivo de la pintura es hablar al alma y a los ojos, no repeler". La pintura también tenía fervientes admiradores, incluido el escritor y crítico de arte francés Auguste Jal , quien elogió su tema político, su posición liberal (su avance del negro y crítica del ultramonarquismo) y su modernidad . El historiador Jules Michelet lo aprobaba: «toda nuestra sociedad está a bordo de la balsa de la Medusa». [3]
Géricault había buscado deliberadamente ser confrontativo tanto política como artísticamente. Los críticos respondieron a su enfoque agresivo de la misma manera, y sus reacciones fueron de repulsión o de elogio, dependiendo de si las simpatías del escritor favorecían el punto de vista borbónico o liberal. La pintura fue vista como en gran medida simpática con los hombres en la balsa, y por extensión con la causa antiimperialista adoptada por los sobrevivientes Savigny y Corréard . [21] La decisión de colocar a un hombre negro en la cima de la composición fue una expresión controvertida de las simpatías abolicionistas de Géricault . La crítica de arte Christine Riding ha especulado que la posterior exhibición de la pintura en Londres fue planeada para coincidir con la agitación antiesclavista allí . [62] Según la crítica de arte y curadora Karen Wilkin , la pintura de Géricault actúa como una "acusación cínica de la mala conducta chapucera de la burocracia postnapoleónica de Francia, gran parte de la cual fue reclutada entre las familias sobrevivientes del Antiguo Régimen ". [27]
La pintura impresionó en general al público que la vio, aunque su temática repelió a muchos, negándole así a Géricault el reconocimiento popular que esperaba conseguir. [33] Al final de la exposición, el jurado le concedió una medalla de oro a la pintura, pero no le dieron el mayor prestigio de seleccionarla para la colección nacional del Louvre. En cambio, a Géricault se le concedió un encargo sobre el tema del Sagrado Corazón de Jesús , que ofreció clandestinamente a Delacroix, cuya pintura terminada firmó como suya. [33] Géricault se retiró al campo, donde se desplomó de agotamiento, y su obra no vendida fue enrollada y almacenada en el estudio de un amigo. [63]
Géricault organizó la exposición del cuadro en Londres en 1820, donde se mostró en el Egyptian Hall de William Bullock en Piccadilly , Londres, desde el 10 de junio hasta finales de año, y fue visto por unos 40.000 visitantes. [64] La recepción en Londres fue más positiva que en París, y el cuadro fue aclamado como representante de una nueva dirección en el arte francés . Recibió críticas más positivas que cuando se mostró en el Salón. [65] En parte, esto se debió a la forma de la exposición del cuadro: en París había sido colgado inicialmente en lo alto del Salón Carré (un error que Géricault reconoció cuando vio la obra instalada), pero en Londres se colocó cerca del suelo, enfatizando su impacto monumental. Puede haber habido otras razones para su popularidad en Inglaterra también, incluyendo "un grado de autocomplacencia nacional", [66] el atractivo de la pintura como entretenimiento escabroso, [66] y dos entretenimientos teatrales basados en los eventos en la balsa que coincidieron con la exposición y tomaron prestado mucho de la representación de Géricault. [67] De la exposición de Londres, Géricault ganó cerca de 20.000 francos, que era su parte de las tarifas cobradas a los visitantes, y sustancialmente más de lo que habría recibido si el gobierno francés le hubiera comprado la obra. [68] Después de la exposición de Londres, Bullock llevó la pintura a Dublín a principios de 1821, pero la exposición allí tuvo mucho menos éxito, en gran parte debido a una exposición competidora de un panorama en movimiento , "El naufragio de la Medusa" de la firma de los hermanos Marshall, que se decía que había sido pintado bajo la dirección de uno de los sobrevivientes del desastre. [69]
La balsa de la Medusa fue defendida por el conservador del Louvre, el conde de Forbin, quien la compró para el museo a los herederos de Géricault después de su muerte en 1824. La pintura ahora domina la galería allí. [19] El epígrafe de la exhibición nos dice que "el único héroe en esta conmovedora historia es la humanidad". [3]
En algún momento entre 1826 y 1830, el artista estadounidense George Cooke (1793-1849) hizo una copia de la pintura en un tamaño más pequeño (130,5 x 196,2 cm; aproximadamente 4 pies × 6 pies), que se mostró en Boston, Filadelfia, Nueva York y Washington, DC a multitudes que conocían la controversia en torno al naufragio. Las críticas favorecieron la pintura, que también estimuló obras de teatro, poemas, actuaciones y un libro infantil. [71] Fue comprada por un ex almirante, Uriah Phillips, quien la dejó en 1862 a la Sociedad Histórica de Nueva York , donde fue catalogada erróneamente como obra de Gilbert Stuart y permaneció inaccesible hasta que se descubrió el error en 2006, después de una investigación de Nina Athanassoglou-Kallmyer, profesora de historia del arte en la Universidad de Delaware . El departamento de conservación de la universidad se encargó de la restauración de la obra. [72]
Debido al deterioro en la condición del original de Géricault, el Louvre encargó entre 1859 y 1860 a dos artistas franceses, Pierre-Désiré Guillemet y Étienne-Antoine-Eugène Ronjat , que hicieran una copia de tamaño completo del original para exposiciones de préstamos. [70]
En el otoño de 1939, la Medusa fue embalada para su traslado desde el Louvre en previsión del estallido de la guerra. Un camión de decorados de la Comédie-Française transportó la pintura a Versalles la noche del 3 de septiembre. Algún tiempo después, la Medusa fue trasladada al castillo de Chambord , donde permaneció hasta después del final de la Segunda Guerra Mundial. [73]
En su insistencia en retratar una verdad desagradable, La balsa de la Medusa fue un hito en el movimiento romántico emergente en la pintura francesa y "sentó las bases de una revolución estética" [74] contra el estilo neoclásico predominante . La estructura compositiva de Géricault y la representación de las figuras son clásicas, pero la turbulencia contrastante del tema representa un cambio significativo en la dirección artística y crea un puente importante entre los estilos neoclásico y romántico. En 1815, Jacques-Louis David, entonces exiliado en Bruselas, era el principal defensor del género de la pintura histórica popular , que había perfeccionado, y un maestro del estilo neoclásico. [75] En Francia, tanto la pintura histórica como el estilo neoclásico continuaron a través de la obra de Antoine-Jean Gros, Jean Auguste Dominique Ingres , François Gérard , Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson , Pierre-Narcisse Guérin —maestro de Géricault y Delacroix— y otros artistas que siguieron comprometidos con las tradiciones artísticas de David y Nicolas Poussin .
En su introducción a The Journal of Eugène Delacroix , Hubert Wellington escribió sobre la opinión de Delacroix sobre el estado de la pintura francesa justo antes del Salón de 1819. Según Wellington, "La curiosa mezcla de clasicismo y perspectiva realista que había impuesto la disciplina de David estaba perdiendo ahora tanto animación como interés. El propio maestro se acercaba a su fin y se exilió en Bélgica. Su alumno más dócil, Girodet, un clasicista refinado y culto, estaba produciendo cuadros de una frialdad asombrosa. Gérard, pintor de retratos inmensamente exitoso bajo el Imperio, algunos de ellos admirables, se sumó a la nueva moda de los cuadros grandes de historia, pero sin entusiasmo". [42]
La balsa de la Medusa contiene los gestos y la gran escala de la pintura histórica tradicional; sin embargo, presenta a gente común, en lugar de héroes, reaccionando ante el drama que se desarrolla. [76] La balsa de Géricault carece de un héroe, y su pintura no presenta ninguna causa más allá de la mera supervivencia. La obra representa, en palabras de Christine Riding, "la falacia de la esperanza y el sufrimiento inútil, y en el peor de los casos, el instinto humano básico de supervivencia, que había superado todas las consideraciones morales y hundido al hombre civilizado en la barbarie". [21]
Se dice que las opiniones abolicionistas del artista se expresaron en su decisión de presentar de forma destacada al menos a dos individuos negros, en particular la figura dominante que se ve agitando un pañuelo rojo oscuro. Según los académicos Klaus Berger y Diane Chalmers Johnson, Géricault lo convirtió en "el punto focal del drama, el más fuerte y perceptivo de los sobrevivientes, en cierto sentido, el 'héroe de la escena ' " . [45] Argumentan que la elección del artista de hacerlo no fue una decisión de "último minuto", como lo evidencian los primeros bocetos de la obra, incluido un estudio de retrato del modelo haitiano Joseph, y señalan las preocupaciones de Géricault con respecto a las "crueldades extremas" del comercio ilegal de esclavos en las colonias francesas . [45] Representar a una figura negra como un héroe para transmitir un mensaje abolicionista era poco común en esa época, ya que el símbolo oficial del grupo abolicionista francés, la Société des amis des Noirs , era un emblema, creado originalmente por Josiah Wedgewood , titulado "¿No soy un hombre y un hermano?" (o "¿No soy yo un hermano?") que representa a un hombre negro suplicando de rodillas por la liberación. La académica Susan Libby destaca cómo este tropo de un esclavo indefenso y servil se volvió común en el arte europeo. [77] La elección de Géricault de colocar al hombre negro como el "héroe" activo se desvió de las ideas populares sobre las personas esclavizadas. El tema de la tragedia marina fue abordado por JMW Turner (1775-1851), quien, como muchos artistas ingleses, probablemente vio la pintura de Géricault cuando se exhibió en Londres en 1820. [78] [79] Su Un desastre en el mar ( c. 1835 ) narra un incidente similar, esta vez una catástrofe británica, con un barco hundido y figuras moribundas también colocadas en primer plano. Colocar a una persona de color en el centro del drama fue retomado por Turner, con connotaciones abolicionistas similares, en su El barco de esclavos (1840). [78]
La musculatura inmaculada de la figura central que saluda al barco de rescate recuerda al neoclásico, pero el naturalismo de la luz y la sombra, la autenticidad de la desesperación mostrada por los supervivientes y el carácter emocional de la composición la diferencian de la austeridad neoclásica. Se apartó aún más de los temas religiosos o clásicos de obras anteriores porque representaba acontecimientos contemporáneos con figuras ordinarias y nada heroicas. Tanto la elección del tema como la forma exaltada en que se representa el momento dramático son típicos de la pintura romántica, fuertes indicios de hasta qué punto Géricault se había alejado del movimiento neoclásico predominante. [27]
Hubert Wellington dijo que, si bien Delacroix fue un admirador de Gros durante toda su vida, el entusiasmo dominante de su juventud fue por Géricault. La composición dramática de Géricault, con sus fuertes contrastes de tono y gestos poco convencionales, estimuló a Delacroix a confiar en sus propios impulsos creativos en una obra de gran tamaño. Delacroix dijo: "Géricault me permitió ver su Balsa de Medusa mientras aún estaba trabajando en ella". [42] La influencia de la pintura se ve en La barca de Dante (1822) de Delacroix y reaparece como inspiración en obras posteriores de Delacroix, como El naufragio de Don Juan (1840). [74]
Según Wellington, la obra maestra de Delacroix de 1830, La libertad guiando al pueblo , surge directamente de La balsa de la Medusa de Géricault y de La masacre de Quíos del propio Delacroix . Wellington escribió que "mientras que Géricault llevaba su interés por los detalles reales hasta el punto de buscar más supervivientes del naufragio como modelos, Delacroix sentía su composición más vívidamente como un todo, pensaba en sus figuras y multitudes como tipos y las dominaba la figura simbólica de la Libertad Republicana, que es una de sus mejores invenciones plásticas". [80]
El historiador de arte Albert Elsen creía que La balsa de la Medusa y La masacre de Quíos de Delacroix sirvieron de inspiración para la grandiosa obra de Auguste Rodin , La puerta del infierno . Escribió que « La masacre de Quíos de Delacroix y La balsa de la Medusa de Géricault confrontaron a Rodin en una escala heroica con las víctimas inocentes y anónimas de tragedias políticas... Si Rodin se inspiró para rivalizar con El juicio final de Miguel Ángel , tenía La balsa de la Medusa de Géricault frente a él para alentarse». [81]
Aunque Gustave Courbet (1819-1877) podría ser descrito como un pintor antirromántico, sus obras principales como Un entierro en Ornans (1849-1850) y El taller del artista (1855) tienen una deuda con La balsa de la Medusa . La influencia no está solo en la enorme escala de Courbet, sino en su voluntad de retratar a la gente común y los acontecimientos políticos actuales, [82] y de registrar personas, lugares y eventos en entornos reales y cotidianos. La exposición de 2004 en el Clark Art Institute , Bonjour Monsieur Courbet: The Bruyas Collection from the Musee Fabre, Montpellier , buscó comparar a los pintores realistas del siglo XIX Courbet, Honoré Daumier (1808-1879) y el primer Édouard Manet (1832-1883) con artistas asociados con el Romanticismo, incluidos Géricault y Delacroix. Al citar La balsa de la Medusa como una influencia instrumental en el realismo, la exposición planteó comparaciones entre todos los artistas. [83] El crítico Michael Fried ve a Manet tomando prestada directamente la figura del hombre que acuna a su hijo para la composición de Ángeles en la tumba de Cristo . [84]
La influencia de La balsa de la Medusa se dejó sentir en artistas más allá de Francia. Francis Danby , un pintor británico nacido en Irlanda, probablemente se inspiró en el cuadro de Géricault cuando pintó Puesta de sol en el mar después de una tormenta en 1824, y escribió en 1829 que La balsa de la Medusa era "el cuadro histórico más bello y grandioso que he visto jamás". [85]
La corriente del Golfo (1899), del artista estadounidense Winslow Homer (1836-1910), reproduce la composición de La balsa de la Medusa con un barco averiado, amenazado por una tromba marina y rodeado de tiburones. Al igual que Géricault, Homer convierte a un hombre negro en la figura central de la escena, aunque aquí es el único ocupante del barco. Un barco en la distancia refleja el Argus del cuadro de Géricault. [86] El paso del drama del Romanticismo al nuevo Realismo se ejemplifica con la resignación estoica de la figura de Homer. [87] La condición del hombre, que en obras anteriores podría haberse caracterizado por la esperanza o la impotencia, se ha convertido en una "rabia hosca". [86]
A principios de la década de 1990, el escultor estadounidense John Connell , en su Raft Project , un proyecto de colaboración con el pintor Eugene Newmann, recreó La balsa de la Medusa haciendo esculturas de tamaño natural con madera, papel y alquitrán y colocándolas sobre una gran balsa de madera. [88]
Al comentar el contraste entre las figuras moribundas en primer plano y las figuras en segundo plano saludando al barco de rescate que se acerca, el historiador de arte francés Georges-Antoine Borias escribió que la pintura de Géricault representa, "por un lado, la desolación y la muerte. Por el otro, la esperanza y la vida". [89]
Para Kenneth Clark , La balsa de la Medusa "sigue siendo el principal ejemplo del patetismo romántico expresado a través del desnudo; y esa obsesión por la muerte, que llevó a Géricault a frecuentar cámaras mortuorias y lugares de ejecución pública, da veracidad a sus figuras de muertos y moribundos. Sus contornos pueden tomarse de los clásicos, pero se los ha vuelto a ver con un anhelo de experiencia violenta". [50]
En la actualidad, un bajorrelieve de bronce de La balsa de la Medusa de Antoine Étex adorna la tumba de Géricault en el cementerio de Père Lachaise en París. [90]
![Antoine-Jean Gros, detalle de Napoleón en el campo de batalla de Eylau, 1807, Louvre. Al igual que Gros, Géricault había visto y sentido la euforia de la violencia y estaba consternado por las consecuencias humanas.[11]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Gros_-_Napoleon_on_the_Battlefield_of_Eylau_cropped.png/1280px-Gros_-_Napoleon_on_the_Battlefield_of_Eylau_cropped.png)
'...Il me permit d'aller voir sa Méduse colgante qu'il l'exécutait dans un atelier bizarre qu'il avait près des Ternes. L'impression que j'en reçus fut si vive, qu'en sortant je revins toujours courant et comme un fou jusqu'à la rue de la Planche ou j'habitais alors.'
![Eugène Delacroix, La barca de Dante, 1822. La influencia de La balsa de la Medusa en la obra del joven Delacroix fue inmediatamente evidente en esta pintura, así como en obras posteriores.[74]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/ca/Delacroix_barque_of_dante_1822_louvre_189cmx246cm_950px.jpg/1280px-Delacroix_barque_of_dante_1822_louvre_189cmx246cm_950px.jpg)
![Eugène Delacroix, Masacre de Quíos, 1824, 419 cm × 354 cm, Louvre. Esta pintura surge directamente de La balsa de la Medusa de Géricault y fue pintada en 1824, el año en que murió Géricault.[91]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/54/Sc%C3%A8ne_des_massacres_de_Scio.jpg/1280px-Sc%C3%A8ne_des_massacres_de_Scio.jpg)
