Art Déco , abreviatura de Artes decorativas francesas ( literalmente, 'Artes decorativas'), [1] es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño de productos , que apareció por primera vez en París en la década de 1910 (justo antes de la Primera Guerra Mundial ). [2] y floreció en los Estados Unidos y Europa durante la década de 1920 y principios de la de 1930. A través del estilo y diseño del exterior e interior de cualquier cosa, desde grandes estructuras hasta pequeños objetos, incluyendo la apariencia de las personas (ropa, moda y joyería), el Art Deco ha influido en puentes, edificios (desde rascacielos hasta cines), barcos, transatlánticos , trenes, automóviles, camiones, autobuses, muebles y objetos cotidianos, incluidas radios y aspiradoras. [3]
Art Déco debe su nombre a la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) de 1925 celebrada en París . [4] El Art Déco combinó los estilos de la vanguardia modernista de principios del siglo XX, con la fina artesanía y los ricos materiales del diseño histórico francés, pero a veces también con motivos tomados de culturas no occidentales. Desde sus inicios, el Art Déco estuvo influenciado por las audaces formas geométricas del cubismo y la Secesión de Viena ; los colores vivos del fauvismo y de los Ballets Rusos ; la artesanía actualizada de los muebles de las épocas de Luis XVI y Luis Felipe I ; y los exóticos estilos de arte de China , Japón , India , Persia , el antiguo Egipto y los mayas .
Durante su apogeo, el Art Déco representó lujo, glamour, exuberancia y fe en el progreso social y tecnológico. El movimiento presentaba materiales raros y costosos, como ébano y marfil, y una artesanía exquisita. En Nueva York, el Empire State Building , el Chrysler Building y otros edificios de las décadas de 1920 y 1930 son monumentos de este estilo.
En la década de 1930, durante la Gran Depresión , el Art Déco se volvió gradualmente más moderado, allanando el camino para el estilo internacional y el estilo moderno de mediados de siglo . Llegaron nuevos materiales, entre ellos el cromado , el acero inoxidable y el plástico. Una forma más elegante de este estilo, llamada Streamline Moderne , apareció en la década de 1930, presentando formas curvas y superficies lisas y pulidas. [5] El Art Déco era un estilo verdaderamente internacional, pero su dominio terminó con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de los estilos estrictamente funcionales y sin adornos de la arquitectura moderna y el Estilo Internacional de arquitectura que siguió. [6] [7]
El Art Déco tomó su nombre, abreviatura de Arts Décoratifs , de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925, [4] aunque los diversos estilos que lo caracterizaron ya habían aparecido en París y Bruselas antes de la Primera Guerra Mundial .
Artes decorativas se utilizó por primera vez en Francia en 1858 en el Bulletin de la Société française de photographie . [8] En 1868, el periódico Le Figaro utilizó el término objetos de arte decorativos para designar los objetos de escenografía creados para el Théâtre de l'Opéra . [9] [10] [11] En 1875, el gobierno francés otorgó oficialmente el estatus de artistas a los diseñadores de muebles, textiles, joyeros, vidrieros y otros artesanos. En respuesta, la École royale gratuite de dessin (Real Escuela Libre de Diseño), fundada en 1766 bajo el rey Luis XVI para formar artistas y artesanos en oficios relacionados con las bellas artes, pasó a llamarse École nationale des arts decoratifs ( Escuela Nacional de Diseño Decorativo). Letras). Tomó su nombre actual, ENSAD ( École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs ), en 1927.
En la Exposición de 1925, el arquitecto suizo-francés Le Corbusier escribió una serie de artículos sobre la Exposición para su revista L'Esprit Nouveau , bajo el título EXPO 1925. LETRAS. DECORACIÓN. , que se combinaron en un libro, L'art decoratif d'aujourd'hui (El arte decorativo hoy). El libro fue un enérgico ataque a los excesos de los coloridos y lujosos objetos de la Exposición, y a la idea de que los objetos prácticos, como los muebles, no deberían tener decoración alguna; su conclusión fue que "la decoración moderna no tiene decoración". [12]
El actual término art déco no apareció impreso hasta 1966, en el título de la primera exposición moderna sobre el tema, celebrada en el Museo de Artes Decorativas de París, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau , que cubrió una variedad de estilos importantes en las décadas de 1920 y 1930. [13] El término fue utilizado luego en un artículo periodístico de 1966 escrito por Hillary Gelson en The Times (Londres, 12 de noviembre), describiendo los diferentes estilos en la exposición. [14]
El Art Déco ganó popularidad como etiqueta estilística ampliamente aplicada en 1968, cuando el historiador Bevis Hillier publicó el primer libro académico importante sobre este tema, Art Déco de los años 20 y 30 . [3] Señaló que el término ya estaba siendo utilizado por los marchantes de arte y cita The Times (2 de noviembre de 1966) y un ensayo titulado Les Arts Déco en la revista Elle (noviembre de 1967) como ejemplos. [15] En 1971, organizó una exposición en el Instituto de Artes de Minneapolis , que detalla en su libro El mundo del Art Déco . [16] [17]
En su época, el Art Déco fue etiquetado con otros nombres, como estilo moderne , moderne , modernista o estilo contemporain , y no fue reconocido como un estilo distinto y homogéneo. [7]
El surgimiento del Art Déco estuvo estrechamente relacionado con el ascenso del estatus de los artistas decorativos, que hasta finales del siglo XIX eran considerados simplemente artesanos. El término artes decorativas se inventó en 1875 [ cita necesaria ] , otorgando a los diseñadores de muebles, textiles y otras decoraciones un estatus oficial. La Société des artistas decoradores (Sociedad de Artistas Decorativos), o SAD, se fundó en 1901 y los artistas decorativos obtuvieron los mismos derechos de autoría que los pintores y escultores. Un movimiento similar se desarrolló en Italia. La primera exposición internacional dedicada íntegramente a las artes decorativas, la Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna , se celebró en Turín en 1902. En París se fundaron varias revistas nuevas dedicadas a las artes decorativas, entre ellas Arts et decoración y L'Art decoratif moderne . Se introdujeron secciones de artes decorativas en los salones anuales de la Sociéte des artistas franceses , y más tarde en el Salón de Otoño . El nacionalismo francés también jugó un papel en el resurgimiento de las artes decorativas, ya que los diseñadores franceses se sintieron desafiados por las crecientes exportaciones de muebles alemanes menos costosos. En 1911, SAD propuso una nueva e importante exposición internacional de artes decorativas en 1912. No se permitirían copias de estilos antiguos, sólo obras modernas. La exposición se pospuso hasta 1914; y luego, a causa de la guerra, hasta 1925, cuando dio nombre a toda la familia de estilos conocida como "Déco". [18]
Los grandes almacenes y los diseñadores de moda parisinos también desempeñaron un papel importante en el auge del Art Déco. Empresas destacadas como la firma de platería Christofle , el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron comenzaron a diseñar productos en estilos más modernos. [19] [20] A partir de 1900, los grandes almacenes reclutaron artistas decorativos para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salón de Otoño de 1912 se encargó a los grandes almacenes Printemps , [21] [22] y ese año creó su propio taller, Primavera . [22] En 1920 Primavera empleaba a más de 300 artistas, cuyos estilos iban desde versiones actualizadas de Luis XIV , Luis XVI y especialmente muebles de Luis Felipe hechos por Louis Süe y el taller Primavera , hasta formas más modernas del taller del Au Louvre. grandes almacenes. Otros diseñadores, incluidos Émile-Jacques Ruhlmann y Paul Follot, se negaron a utilizar la producción en masa, insistiendo en que cada pieza se hiciera individualmente. El estilo Art Déco temprano presentaba materiales lujosos y exóticos como el ébano , el marfil y la seda, colores muy brillantes y motivos estilizados , particularmente cestas y ramos de flores de todos los colores, dando un aspecto modernista. [23]
Los arquitectos de la Secesión de Viena (formada en 1897), especialmente Josef Hoffmann , tuvieron una notable influencia en el Art Déco. Su Palacio Stoclet , en Bruselas (1905-1911), fue un prototipo del estilo Art Déco, con volúmenes geométricos, simetría, líneas rectas, hormigón cubierto con placas de mármol, adornos finamente esculpidos e interiores lujosos, incluidos frisos de mosaicos de Gustav. Klimt . Hoffmann también fue uno de los fundadores de Wiener Werkstätte (1903-1932), una asociación de artesanos y diseñadores de interiores que trabajaban con el nuevo estilo. Este se convirtió en el modelo de la Compagnie des arts français , creada en 1919, que reunió a André Mare y Louis Süe , los primeros diseñadores y decoradores franceses destacados del Art Déco. [24]
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Los nuevos materiales y tecnologías, especialmente el hormigón armado , fueron claves para el desarrollo y aparición del Art Déco. La primera casa de hormigón fue construida en 1853 en las afueras de París por François Coignet. En 1877, Joseph Monier introdujo la idea de reforzar el hormigón con una malla de varillas de hierro en forma de rejilla. En 1893, Auguste Perret construyó el primer garaje de hormigón en París, luego un edificio de apartamentos, una casa y luego, en 1913, el Teatro de los Campos Elíseos . El teatro fue denunciado por un crítico como el "Zeppelin de la Avenue Montaigne", una supuesta influencia germánica, copiada de la Secesión de Viena . A partir de entonces, la mayoría de los edificios Art Déco se hicieron de hormigón armado, lo que dio mayor libertad de forma y menos necesidad de reforzar pilares y columnas. Perret fue también pionero en revestir el hormigón con baldosas cerámicas , tanto para protección como para decoración. El arquitecto Le Corbusier aprendió por primera vez los usos del hormigón armado trabajando como dibujante en el estudio de Perret. [25]
Otras nuevas tecnologías que fueron importantes para el Art Déco fueron los nuevos métodos para producir placas de vidrio , que eran menos costosas y permitían ventanas mucho más grandes y resistentes, y para la producción en masa de aluminio , que se utilizó para la construcción y los marcos de ventanas y, más tarde, por Corbusier, Warren McArthur y otros, para muebles livianos.
El Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), de Auguste Perret , fue el primer edificio Art Déco emblemático terminado en París. Hasta entonces, el hormigón armado sólo se utilizaba en edificios industriales y de viviendas; Perret construyó en 1903-1904 el primer edificio de viviendas moderno de hormigón armado en París, en la rue Benjamin Franklin. Henri Sauvage , otro importante futuro arquitecto Art Déco, construyó otro en 1904 en el número 7 de la rue Trétaigne (1904). De 1908 a 1910, Le Corbusier, de 21 años, trabajó como dibujante en el despacho de Perret, aprendiendo las técnicas de construcción con hormigón. El edificio de Perret tenía una forma rectangular limpia, decoración geométrica y líneas rectas, las futuras marcas del Art Déco. La decoración del teatro también fue revolucionaria; la fachada estaba decorada con altos relieves de Antoine Bourdelle , una cúpula de Maurice Denis , pinturas de Édouard Vuillard y un telón Art Déco de Ker-Xavier Roussel . El teatro se convirtió en la sede de muchas de las primeras representaciones de los Ballets Rusos . [26] Perret y Sauvage se convirtieron en los principales arquitectos Art Déco en París en la década de 1920. [27] [28]
En su nacimiento, entre 1910 y 1914, el Art Déco fue una explosión de colores, con tonos brillantes y a menudo contradictorios, frecuentemente en diseños florales, presentados en tapizados de muebles , alfombras, biombos, papel tapiz y telas. En el Salón de artistas decoradores de 1912 se presentaron muchas obras coloridas, incluidas sillas y una mesa de Maurice Dufrêne y una brillante alfombra Gobelin de Paul Follot . En 1912-1913, el diseñador Adrien Karbowsky realizó una silla floral con un diseño de loro para el pabellón de caza del coleccionista de arte Jacques Doucet . [29] Los diseñadores de muebles Louis Süe y André Mare hicieron su primera aparición en la exposición de 1912, bajo el nombre de Atelier français , combinando tejidos policromáticos con materiales exóticos y caros, como el ébano y el marfil. Después de la Primera Guerra Mundial, se convirtió en una de las firmas francesas de diseño de interiores más destacadas, produciendo muebles para los salones y cabinas de primera clase de los transatlánticos franceses . [30]
Los tonos vivos del Art Déco procedían de muchas fuentes, incluidas las exóticas escenografías de Léon Bakst para los Ballets Russes , que causaron sensación en París justo antes de la Primera Guerra Mundial. Algunos de los colores se inspiraron en el anterior movimiento fauvista liderado por Henri. Matisse ; otros por el orfismo de pintores como Sonia Delaunay ; [31] otros por el movimiento conocido como Les Nabis , y en la obra del pintor simbolista Odilon Redon, que diseñó mamparas de chimeneas y otros objetos decorativos. Los tonos brillantes fueron una característica del trabajo del diseñador de moda Paul Poiret , cuyo trabajo influyó tanto en la moda Art Déco como en el diseño de interiores. [30] [32] [33]
El movimiento artístico conocido como cubismo apareció en Francia entre 1907 y 1912, influyendo en el desarrollo del Art Déco. [26] [31] [32] En Art Deco Complete: La guía definitiva de las artes decorativas de las décadas de 1920 y 1930, Alastair Duncan escribe "El cubismo, de una forma bastarda u otra, se convirtió en la lengua franca de los artistas decorativos de la época". [32] [34] Los cubistas, ellos mismos bajo la influencia de Paul Cézanne , estaban interesados en la simplificación de las formas a sus elementos geométricos esenciales: el cilindro, la esfera, el cono. [35] [36]
En 1912, los artistas de la Sección de Oro expusieron obras mucho más accesibles al público en general que el cubismo analítico de Picasso y Braque. El vocabulario cubista estaba preparado para atraer a diseñadores de moda, muebles e interiores. [31] [33] [36] [37]
Los escritos de 1912 de André Vera , de estilo Le Nouveau , publicados en la revista L'Art decoratif , expresaban el rechazo de las formas del Art Nouveau (asimétricas, policromadas y pintorescas) y pedían simplicité volontaire, symétrie manifeste, l'ordre et l'harmonie. , temas que eventualmente se volverían comunes dentro del Art Déco; [20] aunque el estilo Deco era a menudo extremadamente colorido y complejo. [38]
En la sección Art Décoratif del Salón de Otoño de 1912 se exhibió una instalación arquitectónica conocida como La Maison Cubiste . [39] [40] La fachada fue diseñada por Raymond Duchamp-Villon . La decoración de la casa fue de André Mare . [41] [42] La Maison Cubiste era una instalación amueblada con una fachada, una escalera, barandillas de hierro forjado, un dormitorio, una sala de estar: el Salón Bourgeois , donde se exhiben pinturas de Albert Gleizes , Jean Metzinger , Marie Laurencin , Marcel Duchamp , Fernand Léger y Roger de La Fresnaye fueron colgados. [43] [44] [45] Miles de espectadores en el salón pasaron por el modelo a escala real. [46]
La fachada de la casa, diseñada por Duchamp-Villon, no era muy radical para los estándares modernos; los dinteles y frontones tenían formas prismáticas, pero por lo demás la fachada parecía una casa corriente de la época. Para las dos habitaciones, Mare diseñó el papel tapiz, que presentaba rosas estilizadas y motivos florales, junto con tapizados, muebles y alfombras, todos con motivos extravagantes y coloridos. Fue una clara ruptura con la decoración tradicional. El crítico Emile Sedeyn describió el trabajo de Mare en la revista Art et Décoration : "No se avergüenza de la sencillez, pues multiplica las flores dondequiera que se puedan poner. El efecto que busca es obviamente pintoresco y alegre. Lo logra". [47] El elemento cubista lo aportaron las pinturas. La instalación fue atacada por algunos críticos como extremadamente radical, lo que contribuyó a su éxito. [48] Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913 , en la ciudad de Nueva York, Chicago y Boston. [31] [36] [49] [50] [51] Gracias en gran parte a la exposición, el término "cubista" comenzó a aplicarse a cualquier cosa moderna, desde cortes de pelo de mujer hasta ropa y representaciones teatrales". [48]
La influencia cubista continuó dentro del Art Déco, incluso cuando éste se expandió en muchas otras direcciones. [31] [32] En 1927, los cubistas Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , el escultor Gustave Miklos y otros colaboraron en la decoración de una casa estudio, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , diseñada del arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet, también coleccionista de arte postimpresionista de Henri Matisse y de pinturas cubistas (entre ellas Les Demoiselles d'Avignon , que compró directamente en el estudio de Picasso). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñó la escalera de Doucet, [52] Lipchitz hizo la repisa de la chimenea y Marcoussis hizo una alfombra cubista. [31] [53] [54] [55]
Además de los artistas cubistas, Doucet contrató a otros diseñadores de interiores Deco para ayudar en la decoración de la casa, incluido Pierre Legrain, que se encargó de organizar la decoración, y Paul Iribe , Marcel Coard, André Groult , Eileen Gray y Rose Adler para proporcionar muebles. . La decoración incluía piezas masivas hechas de ébano de Macassar, inspiradas en el arte africano, y muebles cubiertos con cuero marroquí, piel de cocodrilo y piel de serpiente, y patrones tomados de diseños africanos. [56]
La geometría esbozada del cubismo se convirtió en moneda corriente en la década de 1920. El desarrollo del Art Déco de la geometría selectiva del cubismo en una gama más amplia de formas llevó el cubismo como taxonomía pictórica a un público mucho más amplio y a un atractivo más amplio. (Richard Harrison Martin, Museo Metropolitano de Arte) [57]
El Art Déco no era un estilo único, sino una colección de estilos diferentes y a veces contradictorios. En arquitectura, el Art Déco fue el sucesor (y la reacción contra) el Art Nouveau, un estilo que floreció en Europa entre 1895 y 1900, y coexistió con las Bellas Artes y el neoclásico que predominaban en la arquitectura europea y americana. En 1905, Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, [59] en el que exploraba sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de elementos geométricos, formas, motivos y sus variaciones, en contraste con (y como desviación de) el ondulante estilo Art Nouveau de Héctor Guimard , tan popular en París unos años antes. Grasset destacó el principio de que varias formas geométricas simples, como triángulos y cuadrados, son la base de todos los arreglos compositivos. Los edificios de hormigón armado de Auguste Perret y Henri Sauvage, y en particular el Théâtre des Champs-Élysées , ofrecieron una nueva forma de construcción y decoración que fue copiada en todo el mundo. [60]
En decoración, el Art Déco tomó prestados y utilizó muchos estilos diferentes. Incluían arte premoderno de todo el mundo y se podían observar en el Musée du Louvre , el Musée de l'Homme y el Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie . También hubo interés popular en la arqueología debido a las excavaciones en Pompeya , Troya y la tumba del faraón Tutankamón de la XVIII Dinastía . Artistas y diseñadores integraron motivos del antiguo Egipto , África , Mesopotamia , Grecia , Roma , Asia, Mesoamérica y Oceanía con elementos de la Era de las Máquinas . [64] [65] [66] [67] [68] [69]
Otros estilos tomados prestados incluyeron el futurismo , el orfismo, el funcionalismo y el modernismo en general. El cubismo descubre su potencial decorativo dentro de la estética Art Déco, cuando se traspone del lienzo a un material textil o papel pintado. Sonia Delaunay concibe sus modelos de vestidos en un estilo abstracto y geométrico, "como pinturas vivas o esculturas de formas vivas". Louis Barrilet crea diseños de estilo cubista en las vidrieras del bar americano del Atrium Casino de Dax (1926), pero también incluye nombres de cócteles de moda. En arquitectura, el claro contraste entre volúmenes horizontales y verticales, específico tanto del constructivismo ruso como de la línea Frank Lloyd Wright - Willem Marinus Dudok , se convierte en un recurso común en la articulación de fachadas Art Déco, desde casas individuales y edificios de viviendas hasta cines o gasolineras. [76] [36] [64] [77] [78] El Art Déco también utilizó los colores y diseños contrastantes del fauvismo, especialmente en el trabajo de Henri Matisse y André Derain , inspiró los diseños de textiles, papel tapiz y pinturas art decó. cerámica. [36] Tomó ideas del vocabulario de la alta costura de la época, que presentaba diseños geométricos, galones, zigzags y ramos de flores estilizados. Fue influenciado por los descubrimientos en egiptología y el creciente interés por Oriente y el arte africano. A partir de 1925, a menudo se inspiró en la pasión por las nuevas máquinas, como dirigibles, automóviles y transatlánticos, y en 1930 esta influencia dio como resultado el estilo llamado Streamline Moderne . [79]
El Art Déco se asociaba tanto con el lujo como con la modernidad; combinó materiales muy caros y una artesanía exquisita plasmada en formas modernistas. El Art Déco no tenía nada de barato: los muebles incluían incrustaciones de marfil y plata, y las piezas de joyería Art Déco combinaban diamantes con platino, jade, coral y otros materiales preciosos. El estilo se utilizó para decorar los salones de primera clase de los transatlánticos, trenes de lujo y rascacielos. Se utilizó en todo el mundo para decorar los grandes cines de finales de los años 1920 y 1930. Posteriormente, tras la Gran Depresión , el estilo cambió y se volvió más sobrio.
Un buen ejemplo del estilo de lujo del Art Déco es el boudoir de la diseñadora de moda Jeanne Lanvin , diseñado por Armand-Albert Rateau (1882-1938) realizado entre 1922 y 1925. Estaba ubicado en su casa del número 16 de la rue Barbet de Jouy, en París, que fue demolida en 1965. La sala fue reconstruida en el Museo de Artes Decorativas de París. Las paredes están cubiertas con lambris moldeados debajo de bajorrelieves esculpidos en estuco. La alcoba está enmarcada con columnas de mármol sobre basas y un pedestal de madera esculpida. El suelo es de mármol blanco y negro, y en los armarios se exponen objetos decorativos sobre un fondo de seda azul. Su baño tenía una bañera y un lavabo de mármol siena, con una pared de estuco tallado y herrajes de bronce. [80]
En 1928, el estilo se había vuelto más cómodo, con sillones de cuero. El estudio diseñado por la firma parisina Alavoine para un empresario estadounidense en 1928-1930 se encuentra ahora en el Museo de Brooklyn .
En la década de 1930, el estilo se había simplificado un poco, pero seguía siendo extravagante. En 1932, el decorador Paul Ruaud realizó el Salón de Cristal para Suzanne Talbot. Presentaba un sillón serpentino y dos sillones tubulares de Eileen Gray, un piso de losas de vidrio plateado mate, un panel de patrones abstractos en laca plateada y negra y una variedad de pieles de animales. [81]
El evento que marcó el cenit del estilo y le dio nombre fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas que tuvo lugar en París de abril a octubre de 1925. Esta fue patrocinada oficialmente por el gobierno francés y cubrió un sitio en París de 55 hectáreas, que van desde el Grand Palais en la margen derecha hasta Los Inválidos en la margen izquierda, y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, la sala más grande de la ciudad, se llenó de exposiciones de artes decorativas de los países participantes. Había 15.000 expositores de veinte países diferentes, entre ellos Austria, Bélgica, Checoslovaquia, Dinamarca, Gran Bretaña, Italia, Japón, Países Bajos, Polonia, España, Suecia y la nueva Unión Soviética . Alemania no fue invitada debido a las tensiones posteriores a la guerra; Estados Unidos, al no entender el propósito de la exposición, se negó a participar. El evento fue visitado por dieciséis millones de personas durante sus siete meses de duración. Las reglas de la exposición exigían que todas las obras fueran modernas; no se permitieron estilos históricos. El objetivo principal de la exposición era promocionar a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, vidrio, orfebrería, textiles y otros productos decorativos. Para promocionar aún más los productos, todos los grandes almacenes parisinos y los grandes diseñadores tenían sus propios pabellones. La Exposición tenía un objetivo secundario de promover los productos de las colonias francesas en África y Asia, incluido el marfil y las maderas exóticas.
El Hôtel du Collectionneur fue una atracción popular en la Exposición; exhibía los nuevos diseños de muebles de Emile-Jacques Ruhlmann, así como telas, alfombras y un cuadro Art Déco de Jean Dupas . El diseño interior siguió los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo diferencian del Art Nouveau, y colores brillantes, fina artesanía, materiales raros y costosos que lo diferencian de la estricta funcionalidad del estilo modernista. Si bien la mayoría de los pabellones estaban profusamente decorados y llenos de muebles de lujo hechos a mano, dos pabellones, el de la Unión Soviética y el Pabellón de L'Esprit Nouveau , construido por la revista del mismo nombre dirigida por Le Corbusier, fueron construidos en un estilo austero. estilo con paredes blancas y sin decoración; estaban entre los primeros ejemplos de arquitectura modernista . [82]
En 1925, dentro del Art Déco coexistían dos escuelas diferentes en competencia: los tradicionalistas, que habían fundado la Sociedad de Artistas Decorativos; Entre ellos se encontraban el diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand , el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret; combinaron formas modernas con artesanía tradicional y materiales caros. Del otro lado estaban los modernistas, que rechazaban cada vez más el pasado y querían un estilo basado en los avances de las nuevas tecnologías, la sencillez, la falta de decoración, los materiales baratos y la producción en masa. Los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa de Artistas Modernos , en 1929. Entre sus miembros se encontraban los arquitectos Pierre Chareau , Francis Jourdain , Robert Mallet-Stevens , Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov ; la diseñadora irlandesa Eileen Gray; la diseñadora francesa Sonia Delaunay; y los joyeros Georges Fouquet y Jean Puiforcat . Atacaron ferozmente el tradicional estilo art déco, que decían que fue creado sólo para los ricos, e insistieron en que los edificios bien construidos deberían estar disponibles para todos y que la forma debería seguir a la función. La belleza de un objeto o edificio residía en si estaba perfectamente apto para cumplir su función. Los métodos industriales modernos permitieron producir muebles y edificios en masa, no a mano. [83] [84] [ página necesaria ]
El interiorista Art Déco Paul Follot defendió el Art Déco de esta manera: "Sabemos que el hombre nunca se contenta con lo indispensable y que lo superfluo siempre es necesario... Si no, tendríamos que deshacernos de la música, las flores y ¡Perfumes...!” [85] Sin embargo, Le Corbusier fue un brillante publicista de la arquitectura modernista; afirmó que una casa era simplemente "una máquina para vivir", y promovió incansablemente la idea de que el Art Déco era el pasado y el modernismo el futuro. Las ideas de Le Corbusier fueron adoptadas gradualmente por las escuelas de arquitectura y se abandonó la estética del Art Deco. Las mismas características que hicieron popular al Art Déco al principio, su artesanía, ricos materiales y adornos, llevaron a su declive. La Gran Depresión que comenzó en Estados Unidos en 1929 y llegó a Europa poco después, redujo en gran medida el número de clientes adinerados que podían pagar los muebles y objetos de arte. En el clima económico de la Depresión, pocas empresas estaban dispuestas a construir nuevos rascacielos. [36] Incluso la empresa Ruhlmann recurrió a la producción de muebles en serie, en lugar de artículos individuales hechos a mano. Los últimos edificios construidos en París con el nuevo estilo fueron el Museo de Obras Públicas de Auguste Perret (hoy Consejo Económico, Social y Medioambiental Francés ), el Palacio de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu y Léon Azéma , y el Palacio de Tokio de la Exposición Internacional de París de 1937 ; contemplaron el grandioso pabellón de la Alemania nazi, diseñado por Albert Speer , que estaba frente al igualmente grandioso pabellón socialista-realista de la Unión Soviética de Stalin.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el estilo arquitectónico dominante se convirtió en el estilo internacional iniciado por Le Corbusier y Mies van der Rohe . Se construyeron un puñado de hoteles Art Déco en Miami Beach después de la Segunda Guerra Mundial, pero en otros lugares el estilo desapareció en gran medida, excepto en el diseño industrial, donde continuó utilizándose en el diseño de automóviles y en productos como máquinas de discos. En la década de 1960, experimentó un modesto resurgimiento académico, gracias en parte a los escritos de historiadores de la arquitectura como Bevis Hillier. En la década de 1970, se hicieron esfuerzos en Estados Unidos y Europa para preservar los mejores ejemplos de arquitectura Art Déco, y muchos edificios fueron restaurados y reutilizados. La arquitectura posmoderna , que apareció por primera vez en la década de 1980, al igual que el Art Déco, a menudo incluye elementos puramente decorativos. [36] [64] [86] [87] Deco continúa inspirando a los diseñadores y se usa a menudo en moda, joyería y artículos de tocador contemporáneos. [88]
En la Exposición de 1925 no se dedicó ninguna sección a la pintura. La pintura Art Déco era, por definición, decorativa, diseñada para decorar una habitación u obra arquitectónica, por lo que pocos pintores trabajaron exclusivamente en este estilo, pero dos pintores están estrechamente asociados con el Art Déco. Jean Dupas pintó murales Art Déco para el Pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 en París, y también pintó el cuadro sobre la chimenea en la exhibición de la Maison du Collectionneur en la Exposición de 1925, que presentaba muebles de Ruhlmann y otros destacados diseñadores Art Déco. Sus murales también destacaron en la decoración del transatlántico francés SS Normandie . Su obra era puramente decorativa, pensada como fondo o acompañamiento de otros elementos de la decoración. [89]
La otra pintora muy asociada al estilo es Tamara de Lempicka . Nacida en Polonia, emigró a París después de la Revolución Rusa . Estudió con Maurice Denis y André Lhote y tomó prestados muchos elementos de sus estilos. Pintó retratos en un estilo Art Déco realista, dinámico y colorido. [90]
En la década de 1930, apareció en Estados Unidos una nueva y espectacular forma de pintura Art Déco. Durante la Gran Depresión, se creó el Proyecto Federal de Arte de la Works Progress Administration para dar trabajo a artistas desempleados. A muchos se les encomendó la tarea de decorar edificios gubernamentales, hospitales y escuelas. No se utilizó ningún estilo art déco específico en los murales; los artistas contratados para pintar murales en edificios gubernamentales procedían de muchas escuelas diferentes, desde el regionalismo estadounidense hasta el realismo social ; entre ellos estaban Reginald Marsh , Rockwell Kent y el pintor mexicano Diego Rivera . Los murales eran Art Déco porque todos eran decorativos y estaban relacionados con las actividades del edificio o ciudad donde fueron pintados: Reginald Marsh y Rockwell Kent decoraron edificios postales de EE. UU. y mostraban a empleados postales trabajando, mientras que Diego Rivera representaba a trabajadores de fábricas de automóviles para el Instituto de Artes de Detroit . El mural de Diego Rivera El hombre en la encrucijada (1933) para el número 30 de Rockefeller Plaza presentaba un retrato no autorizado de Lenin . [91] [92] Cuando Rivera se negó a sacar a Lenin, la pintura fue destruida y el artista español Josep Maria Sert pintó un nuevo mural . [93] [94] [95]
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La escultura era una característica muy común e integral de la arquitectura Art Deco. En Francia, los bajorrelieves alegóricos que representan la danza y la música de Antoine Bourdelle decoraron el primer hito Art Déco de París, el Théâtre des Champs-Élysées , en 1912. La Exposición de 1925 tuvo importantes obras escultóricas colocadas alrededor del sitio, los pabellones fueron decorados con esculturas frisos y varios pabellones dedicados a esculturas de estudio más pequeñas. En la década de 1930, un gran grupo de destacados escultores realizó obras para la Exposición Internacional de Artes y Técnicas de la Vida Moderna de 1937 en Chaillot. Alfred Janniot realizó las esculturas en relieve de la fachada del Palacio de Tokio. El Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París y la explanada frente al Palacio de Chaillot, frente a la Torre Eiffel, estaban repletos de nuevas estatuas de Charles Malfray , Henry Arnold y muchos otros. [96]
La escultura pública art déco casi siempre era representativa, generalmente de figuras heroicas o alegóricas relacionadas con el propósito del edificio o habitación. Los temas solían ser seleccionados por los mecenas, no por el artista. La escultura abstracta para decoración era extremadamente rara. [97] [98]
En los Estados Unidos, el escultor Art Déco más destacado para el arte público fue Paul Manship , quien actualizó temas y temas clásicos y mitológicos en un estilo Art Déco. Su obra más famosa fue la estatua de Prometeo en el Rockefeller Center de la ciudad de Nueva York, una adaptación del siglo XX de un tema clásico. Otras obras importantes para el Rockefeller Center fueron realizadas por Lee Lawrie , incluida la fachada escultórica y la estatua del Atlas .
Durante la Gran Depresión en Estados Unidos, muchos escultores recibieron el encargo de realizar obras para la decoración de edificios del gobierno federal, con fondos proporcionados por la WPA, o Works Progress Administration . Entre ellos se encontraba el escultor Sidney Biehler Waugh, quien creó imágenes estilizadas e idealizadas de trabajadores y sus tareas para los edificios de oficinas del gobierno federal. [99] En San Francisco, Ralph Stackpole proporcionó la escultura para la fachada del nuevo edificio de la Bolsa de Valores de San Francisco . En Washington DC, Michael Lantz realizó obras para el edificio de la Comisión Federal de Comercio .
En Gran Bretaña, las estatuas públicas Deco fueron realizadas por Eric Gill para la BBC Broadcasting House , mientras que Ronald Atkinson decoró el vestíbulo del antiguo edificio Daily Express en Londres (1932).
Una de las esculturas Art Déco públicas más conocidas y ciertamente la más grande es el Cristo Redentor del escultor francés Paul Landowski , terminada entre 1922 y 1931, ubicada en la cima de una montaña con vistas a Río de Janeiro , Brasil.
Muchas de las primeras esculturas Art Déco eran pequeñas y estaban diseñadas para decorar salones. Un género de esta escultura se llamó estatuilla criselefantina , llamada así por un estilo de estatuas de los antiguos templos griegos hechas de oro y marfil. A veces estaban hechos de bronce, o a veces con materiales mucho más lujosos, como marfil, ónix , alabastro y pan de oro.
Uno de los escultores de salón Art Déco más conocidos fue Demétre Chiparus , nacido en Rumania , que produjo pequeñas y coloridas esculturas de bailarines. Otros escultores de salón notables fueron Ferdinand Preiss , Josef Lorenzl , Alexander Kelety, Dorothea Charol y Gustav Schmidtcassel. [100] Otra escultora estadounidense importante en el formato de estudio fue Harriet Whitney Frishmuth , que había estudiado con Auguste Rodin en París.
Pierre Le Paguays fue un destacado escultor de estudio Art Déco, cuyo trabajo se mostró en la Exposición de 1925. Trabajó con bronce, mármol, marfil, ónix, oro, alabastro y otros materiales preciosos. [101]
François Pompon fue un pionero de la escultura animal estilizada moderna . No fue plenamente reconocido por sus logros artísticos hasta los 67 años en el Salón de Otoño de 1922 con la obra Ours blanc , también conocida como El oso blanco , ahora en el Museo de Orsay de París. [102]
Paralelamente a estos escultores Art Déco, escultores modernistas más vanguardistas y abstractos trabajaban en París y Nueva York. Los más destacados fueron Constantin Brâncuși , Joseph Csaky , Alexander Archipenko , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Gustave Miklos , Jean Lambert-Rucki , Jan et Joël Martel , Chana Orloff y Pablo Gargallo . [103]
El estilo Art Déco apareció temprano en las artes gráficas, en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Apareció en París en los carteles y diseños de vestuario de Léon Bakst para los Ballets Rusos y en los catálogos de los diseñadores de moda Paul Poiret. [104] Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepape y las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton captaron a la perfección la elegancia y sensualidad del estilo. En la década de 1920, la apariencia cambió; La moda destacada era más informal, deportiva y atrevida, y las modelos femeninas solían fumar cigarrillos. Revistas de moda estadounidenses como Vogue , Vanity Fair y Harper's Bazaar rápidamente adoptaron el nuevo estilo y lo popularizaron en Estados Unidos. También influyó en el trabajo de ilustradores de libros estadounidenses como Rockwell Kent. En Alemania, el cartelista más famoso de la época fue Ludwig Hohlwein , que creó carteles coloridos y dramáticos para festivales de música, cervezas y, al final de su carrera, para el Partido Nazi. [105]
Durante el período Art Nouveau, los carteles solían anunciar productos teatrales o cabarets. En la década de 1920, los carteles de viajes, hechos para líneas aéreas y navieras, se hicieron extremadamente populares. El estilo cambió notablemente en la década de 1920, para centrar la atención en el producto que se anunciaba. Las imágenes se volvieron más simples, precisas, más lineales, más dinámicas y, a menudo, se colocaban sobre un fondo de un solo color. En Francia, los diseñadores Art Déco populares incluyeron a Charles Loupot y Paul Colin , quienes se hicieron famosos por sus carteles de la cantante y bailarina estadounidense Josephine Baker . Jean Carlu diseñó carteles para películas, telenovelas y teatros de Charlie Chaplin; a finales de la década de 1930 emigró a Estados Unidos, donde, durante la Guerra Mundial, diseñó carteles para fomentar la producción bélica. El diseñador Charles Gesmar se hizo famoso realizando carteles para el cantante Mistinguett y para Air France . Entre los diseñadores de carteles art déco franceses más conocidos se encontraba Cassandre , que realizó el célebre cartel del transatlántico SS Normandie en 1935. [105]
En la década de 1930 apareció un nuevo género de carteles en los Estados Unidos durante la Gran Depresión. El Federal Art Project contrató a artistas estadounidenses para crear carteles para promover el turismo y los eventos culturales.
El estilo arquitectónico art déco hizo su debut en París en 1903-04, con la construcción de dos edificios de apartamentos en París, uno de Auguste Perret en la rue Benjamin Franklin y el otro en la rue Trétaigne de Henri Sauvage. Los dos jóvenes arquitectos utilizaron por primera vez hormigón armado en edificios residenciales de París; los nuevos edificios tenían líneas limpias, formas rectangulares y ninguna decoración en las fachadas; Marcaron una clara ruptura con el estilo art nouveau . [106] Entre 1910 y 1913, Perret utilizó su experiencia en edificios de apartamentos de hormigón para construir el Théâtre des Champs-Élysées, 15 Avenue Montaigne . Entre 1925 y 1928, Sauvage construyó la nueva fachada art déco de los grandes almacenes La Samaritaine en París. [107]
El estilo Art Déco no se limitó a las construcciones en tierra; el transatlántico SS Normandie , cuyo primer viaje fue en 1935, presentaba un diseño Art Déco, incluido un comedor cuyo techo y decoración eran de vidrio de Lalique . [108]
La arquitectura Art Déco a veces se clasifica en tres tipos: Zigzag [Moderna] (también conocida como Jazz Moderne [109] ); Clásico moderno; y Streamline Moderne . [110]
Zigzag [Moderne] (también conocido como Jazz Moderne) fue el primer estilo que llegó a Estados Unidos. " Zigzag " se refiere al escalonamiento del contorno de un rascacielos para exagerar su altura, [110] [109] y se utilizaba principalmente para grandes edificios públicos y comerciales, en particular hoteles, cines, restaurantes, rascacielos y grandes almacenes. [111]
Classic Moderne tiene una apariencia más elegante y hay menos ornamentación. Classic Moderne también se conoce a veces como PWA ( Administración de Obras Públicas ) Moderne o Depression Moderne, ya que fue emprendido por la PWA durante la Gran Depresión . [111] [109] [110]
A finales de la década de 1930, se hizo común una nueva variedad de arquitectura Art Déco; se llamó Streamline Moderne o simplemente Streamline, o, en Francia, Style Paquebot , o estilo Ocean Liner. Los edificios de este estilo tenían esquinas redondeadas y largas líneas horizontales; estaban construidas con hormigón armado y casi siempre eran blancas; y en ocasiones tenían elementos náuticos, como barandillas y ojos de buey que se asemejaban a los de un barco. La esquina redondeada no era del todo nueva; había aparecido en Berlín en 1923 en la Mossehaus de Erich Mendelsohn , y más tarde en el edificio Hoover , un complejo industrial en el suburbio londinense de Perivale . En Estados Unidos, se asoció más estrechamente con el transporte; Streamline Moderne era poco común en edificios de oficinas, pero a menudo se usaba para estaciones de autobuses y terminales de aeropuertos, como la terminal del aeropuerto La Guardia en la ciudad de Nueva York que manejó los primeros vuelos transatlánticos, a través de los hidroaviones PanAm Clipper; y en arquitectura al borde de carreteras, como gasolineras y restaurantes. A finales de la década de 1930, se produjeron e instalaron en ciudades de Nueva Inglaterra una serie de restaurantes, inspirados en vagones de ferrocarril aerodinámicos; Aún quedan al menos dos ejemplos que ahora están registrados como edificios históricos. [112]
Los rascacielos americanos marcaron la cumbre del estilo Art Déco; se convirtieron en los edificios modernos más altos y reconocibles del mundo. Fueron diseñados para mostrar el prestigio de sus constructores a través de su altura, su forma, su color y su espectacular iluminación nocturna. [113] El American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinó elementos góticos y déco modernos en el diseño del edificio. Se seleccionó ladrillo negro en la fachada del edificio (que simboliza el carbón) para dar una idea de solidez y darle al edificio una masa sólida. Otras partes de la fachada estaban cubiertas con ladrillos dorados (que simbolizan el fuego) y la entrada estaba decorada con mármol y espejos negros. Otro de los primeros rascacielos Art Déco fue el Guardian Building de Detroit , inaugurado en 1929. Diseñado por el modernista Wirt C. Rowland , el edificio fue el primero en emplear acero inoxidable como elemento decorativo y el uso extensivo de diseños de colores en lugar de adornos tradicionales.
El horizonte de la ciudad de Nueva York fue cambiado radicalmente por el edificio Chrysler en Manhattan (terminado en 1930), diseñado por William Van Alen . Era un anuncio gigante de setenta y siete pisos de altura de automóviles Chrysler. La parte superior estaba coronada por una aguja de acero inoxidable y estaba adornada con "gárgolas" decorativas en forma de adornos de tapas de radiador de acero inoxidable. La base de la torre, treinta y tres pisos sobre la calle, estaba decorada con coloridos frisos art decó, y el vestíbulo estaba decorado con símbolos e imágenes art decó que expresaban modernidad. [114]
El edificio Chrysler pronto fue superado en altura por el Empire State Building de William F. Lamb (1931), en un estilo déco un poco menos fastuoso, y el edificio RCA (ahora 30 Rockefeller Plaza) de Raymond Hood (1933), que juntos cambiaron por completo la nueva El horizonte de la ciudad de York. La parte superior de los edificios estaba decorada con coronas y chapiteles Art Déco cubiertos de acero inoxidable y, en el caso del edificio Chrysler, con gárgolas Art Déco modeladas a partir de adornos de radiadores, mientras que las entradas y vestíbulos estaban profusamente decorados con esculturas Art Déco. cerámica y diseño. Pronto aparecieron edificios similares, aunque no tan altos, en Chicago y otras grandes ciudades estadounidenses. El Rockefeller Center añadió un nuevo elemento de diseño: varios edificios altos agrupados alrededor de una plaza abierta, con una fuente en el medio. [115]
Los grandes escaparates del diseño de interiores Art Déco estadounidense fueron los vestíbulos de los edificios gubernamentales, los teatros y, en particular, los edificios de oficinas. Los interiores eran extremadamente coloridos y dinámicos, combinando esculturas, murales y diseños geométricos ornamentados en mármol, vidrio, cerámica y acero inoxidable. Un ejemplo temprano fue el edificio Fisher en Detroit, de Joseph Nathaniel French ; El vestíbulo estaba muy decorado con esculturas y cerámicas. The Guardian Building (originalmente Union Trust Building) en Detroit, de Wirt Rowland (1929), decorado con mármol rojo y negro y cerámica de colores brillantes, resaltado por puertas y mostradores de ascensor de acero muy pulido. La decoración escultórica instalada en las paredes ilustraba las virtudes de la industria y el ahorro; el edificio fue inmediatamente denominado "Catedral del Comercio". El Edificio Médico y Dental llamado 450 Sutter Street en San Francisco por Timothy Pflueger se inspiró en la arquitectura maya , en una forma muy estilizada; utilizaba formas piramidales y las paredes interiores estaban cubiertas con hileras de jeroglíficos muy estilizadas. [116]
En Francia, el mejor ejemplo de interior Art Déco durante este período fue el Palacio de la Porte Dorée (1931) de Albert Laprade , Léon Jaussely y Léon Bazin . El edificio (ahora Museo Nacional de la Inmigración, con un acuario en el sótano) fue construido para la Exposición Colonial de París de 1931, para celebrar a la gente y los productos de las colonias francesas. La fachada exterior estaba completamente cubierta de esculturas y el vestíbulo creaba una armonía Art Déco con un piso de parquet de madera con un patrón geométrico, un mural que representaba a la gente de las colonias francesas; y una composición armoniosa de puertas verticales y balcones horizontales. [116]
Muchos de los mejores ejemplos supervivientes del Art Déco son cines construidos en las décadas de 1920 y 1930. El período Art Déco coincidió con la conversión del cine mudo al sonoro, y las compañías cinematográficas construyeron grandes espacios de exhibición en las principales ciudades para captar la enorme audiencia que venía a ver películas. Los cines de la década de 1920 a menudo combinaban temas exóticos con estilo art déco; El Teatro Egipcio de Grauman en Hollywood (1922) se inspiró en las tumbas y pirámides del antiguo Egipto , mientras que el Teatro Fox en Bakersfield, California, adjuntó una torre al estilo de la Misión de California a una sala Art Deco. El más grande de todos es el Radio City Music Hall en la ciudad de Nueva York, que se inauguró en 1932. Originalmente diseñado como espacio para representaciones teatrales, rápidamente se transformó en un cine con capacidad para 6.015 clientes. El diseño interior de Donald Deskey utilizó vidrio, aluminio, cromo y cuero para crear un escape visual de la realidad. El Teatro Paramount en Oakland, California, de Timothy Pflueger, tenía una colorida fachada de cerámica, un vestíbulo de cuatro pisos de altura y salas de fumadores Art Deco separadas para caballeros y damas. En Europa aparecieron grandes palacios similares. El Grand Rex de París (1932), con su imponente torre, era el cine más grande de Europa después de las 6.000 butacas del Palacio Gaumont (1931-1973). El Gaumont State Cinema de Londres (1937) tenía una torre inspirada en el edificio Empire State, revestida con azulejos de cerámica color crema y un interior de estilo Art Déco-Renacimiento italiano. El Teatro Paramount de Shanghai, China (1933) fue construido originalmente como un salón de baile llamado La puerta de los 100 placeres ; Se convirtió en cine después de la Revolución Comunista de 1949 y ahora es un salón de baile y discoteca. En la década de 1930, arquitectos italianos construyeron un pequeño cine, el Cinema Impero, en Asmara , en lo que hoy es Eritrea. Hoy en día, muchas de las salas de cine se han subdividido en multicines, pero otras han sido restauradas y se utilizan como centros culturales en sus comunidades. [117]
![El medallón en forma de octógono – Letrero de los grandes almacenes La Samaritaine de París, de Henri Sauvage (1928)[122]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Paris_La_Samaritaine_374.JPG/1280px-Paris_La_Samaritaine_374.JPG)
La decoración en el período Art Déco pasó por varias fases distintas. Entre 1910 y 1920, cuando el Art Nouveau se agotó, los estilos de diseño volvieron a la tradición, particularmente en la obra de Paul Iribe. En 1912, André Vera publicó un ensayo en la revista L'Art Décoratif pidiendo un retorno a la artesanía y los materiales de siglos anteriores y utilizando un nuevo repertorio de formas tomadas de la naturaleza, en particular cestas y guirnaldas de frutas y flores. Una segunda tendencia del Art Déco, también de 1910 a 1920, se inspiró en los colores brillantes del movimiento artístico conocido como los fauves y en los coloridos trajes y decorados de los Ballets Rusos. Este estilo se expresaba a menudo con materiales exóticos como piel de tiburón, nácar, marfil, cuero teñido, madera lacada y pintada e incrustaciones decorativas en muebles que enfatizaban su geometría. Este período del estilo alcanzó su punto culminante en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925. A finales de los años 20 y 30 el estilo decorativo cambió, inspirándose en nuevos materiales y tecnologías. Se volvió más elegante y menos ornamental. Los muebles, como la arquitectura, comenzaron a tener bordes redondeados y a adquirir un aspecto pulido y estilizado, tomado del estilo moderno y estilizado. Nuevos materiales, como el acero niquelado o cromado, el aluminio y la baquelita , una de las primeras formas de plástico, comenzaron a aparecer en muebles y decoración. [127]
Durante todo el período Art Déco, y especialmente en los años 1930, los motivos de la decoración expresaban la función del edificio. Los teatros estaban decorados con esculturas que ilustraban música, danza y emoción; las compañías eléctricas mostraban amaneceres, el edificio Chrysler mostraba adornos estilizados en el capó; Los frisos del Palacio de la Porte Dorée en la Exposición Colonial de París de 1931 mostraban los rostros de las diferentes nacionalidades de las colonias francesas. El estilo Streamline hacía parecer que el edificio mismo estaba en movimiento. Los murales de la WPA de la década de 1930 presentaban a gente corriente; trabajadores de fábricas, trabajadores postales, familias y agricultores, en lugar de héroes clásicos. [128]
El Art Déco, al igual que la época compleja que lo engendró, se puede caracterizar mejor por una serie de contradicciones: purista versus ornamental, angular versus fluido, zigurat versus estilizado, simétrico versus irregular, por nombrar algunas. La iconografía elegida por los artistas Art Déco para expresar la época también está cargada de contradicciones. Hermosas doncellas vestidas del siglo XVIII parecen coexistir con damas elegantes y sofisticadas y desnudos yacentes, y destellos de luz iluminan estilizados capullos de rosa. [129]
Los muebles franceses desde 1910 hasta principios de la década de 1920 fueron en gran medida una actualización de los estilos de muebles tradicionales franceses y de los diseños art nouveau de Louis Majorelle , Charles Plumet y otros fabricantes. Los fabricantes de muebles franceses se sintieron amenazados por la creciente popularidad de los fabricantes y estilos alemanes, en particular el estilo Biedermeier , que era simple y de líneas limpias. El diseñador francés Frantz Jourdain, presidente del Salón de Otoño de París, invitó a diseñadores de Múnich a participar en el Salón de 1910. Los diseñadores franceses vieron el nuevo estilo alemán y decidieron afrontar el desafío alemán. Los diseñadores franceses decidieron presentar nuevos estilos franceses en el Salón de 1912. Las reglas del Salón indicaban que sólo se permitirían estilos modernos. En el Salón participaron todos los principales diseñadores de muebles franceses: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare y Louis Suë, que presentaron nuevas obras que actualizaron los estilos tradicionales franceses de Luis XVI y Luis Felipe con estilos más angulares. rincones inspirados en el cubismo y colores más vivos inspirados en el fauvismo y los nabis. [130]
En el Salón de 1912 participaron el pintor André Mare y el diseñador de muebles Louis Süe . Después de la guerra, los dos hombres se unieron para formar su propia compañía, formalmente llamada Compagnie des Arts Française , pero generalmente conocida simplemente como Suë and Mare. A diferencia de destacados diseñadores de art nouveau como Louis Majorelle, que diseñaron personalmente cada pieza, reunieron un equipo de hábiles artesanos y produjeron diseños de interiores completos, incluidos muebles, cristalería, alfombras, cerámica, papel tapiz e iluminación. Su trabajo presentaba colores brillantes y muebles y maderas nobles, como ébano con incrustaciones de nácar, abulón y metal plateado para crear ramos de flores. Diseñaron de todo, desde los interiores de los transatlánticos hasta los frascos de perfume para la marca de Jean Patou . La empresa prosperó a principios de la década de 1920, pero los dos hombres eran más artesanos que hombres de negocios. La empresa se vendió en 1928 y ambos hombres se marcharon. [131]
El diseñador de muebles más destacado en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 fue Émile-Jacques Ruhlmann , de Alsacia. Primero expuso sus obras en el Salón de Otoño de 1913, luego tuvo su propio pabellón, la "Casa del Coleccionista Rico", en la Exposición de 1925. Utilizó sólo los materiales más raros y caros, entre ellos ébano , caoba , palo de rosa , ambón y otras maderas exóticas, decorados con incrustaciones de marfil, carey, nácar y pequeños pompones de seda adornaban los tiradores de los cajones de los armarios. [132] Sus muebles se basaron en modelos del siglo XVIII, pero simplificados y remodelados. En toda su obra la estructura interior del mobiliario quedó completamente oculta. La estructura, generalmente de roble, se recubría completamente con una capa de finas tiras de madera y luego se cubría con una segunda capa de tiras de maderas raras y caras. Luego se cubrió con una chapa y se pulió, de modo que la pieza parecía como si hubiera sido cortada de un solo bloque de madera. El contraste con la madera oscura lo proporcionaban las incrustaciones de marfil y las teclas y tiradores de marfil. Según Ruhlmann, los sillones debían diseñarse de manera diferente según las funciones de las habitaciones donde aparecían; Los sillones de la sala fueron diseñados para ser acogedores, las sillas de oficina cómodas y las sillas de salón voluptuosas. Sólo se fabricaba una pequeña cantidad de piezas de cada diseño de mobiliario, y el precio medio de una de sus camas o armarios era mayor que el precio de una casa media. [133]
Jules Leleu fue un diseñador de muebles tradicional que se trasladó sin problemas al Art Déco en la década de 1920; diseñó los muebles para el comedor del Palacio del Eliseo , y para los camarotes de primera clase del vapor Normandie . su estilo se caracterizó por el uso de ébano, madera de Macassar, nogal, con decoración de placas de marfil y nácar. Introdujo el estilo de muebles art déco lacados a finales de la década de 1920 y, a finales de la década de 1930, introdujo muebles hechos de metal con paneles de vidrio ahumado. [134] En Italia, el diseñador Gio Ponti era famoso por sus diseños estilizados.
Los costosos y exóticos muebles de Ruhlmann y otros tradicionalistas enfurecieron a los modernistas, incluido el arquitecto Le Corbusier, lo que le llevó a escribir una famosa serie de artículos denunciando el estilo de las artes decorativas . Atacó los muebles hechos sólo para los ricos y pidió a los diseñadores que crearan muebles hechos con materiales baratos y un estilo moderno, que la gente común y corriente pudiera permitirse. Diseñó sus propias sillas, creadas para ser económicas y producidas en masa. [135]
En la década de 1930, los diseños de muebles se adaptaron a la forma, con superficies más lisas y formas curvas. Los maestros del estilo tardío incluyeron a Donald Deskey, uno de los diseñadores más influyentes; Creó el interior del Radio City Music Hall. Utilizó una mezcla de materiales tradicionales y muy modernos, como aluminio, cromo y baquelita, una de las primeras formas de plástico. [136] Otros diseñadores destacados de muebles Art Déco de la década de 1930 en los Estados Unidos fueron Gilbert Rohde , Warren McArthur y Kem Weber .
El estilo Cascada fue popular en las décadas de 1930 y 1940, la forma de mobiliario Art Déco más predominante en ese momento. Las piezas eran típicamente de madera contrachapada acabada con chapa rubia y con bordes redondeados, asemejándose a una cascada. [137]
Streamline fue una variedad de Art Déco que surgió a mediados de la década de 1930. Fue influenciado por principios aerodinámicos modernos desarrollados para la aviación y la balística para reducir la resistencia aerodinámica a altas velocidades. Los diseñadores aplicaron las formas de bala a automóviles, trenes, barcos e incluso objetos que no estaban destinados a moverse, como refrigeradores , surtidores de gasolina y edificios. [66] Uno de los primeros vehículos de producción con este estilo fue el Chrysler Airflow de 1933. No tuvo éxito comercial, pero la belleza y funcionalidad de su diseño sentó un precedente; significaba modernidad. Continuó utilizándose en el diseño de automóviles mucho después de la Segunda Guerra Mundial. [138] [139] [140] [141]
Los nuevos materiales industriales empezaron a influir en el diseño de automóviles y objetos del hogar. Entre ellos se encontraban el aluminio, el cromo y la baquelita , una de las primeras formas de plástico. La baquelita podía moldearse fácilmente en diferentes formas y pronto se utilizó en teléfonos, radios y otros electrodomésticos.
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Los transatlánticos también adoptaron un estilo de Art Déco, conocido en francés como Style Paquebot , o "Ocean Liner Style". El ejemplo más famoso fue el SS Normandie , que realizó su primer viaje transatlántico en 1935. Fue diseñado especialmente para llevar a los estadounidenses ricos a París para hacer compras. Las cabañas y salones presentaban lo último en mobiliario y decoración Art Deco. El Gran Salón del barco, que era el restaurante de los pasajeros de primera clase, era más grande que el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles . Estaba iluminado por luces eléctricas dentro de doce pilares de cristal Lalique; Treinta y seis pilares a juego se alineaban en las paredes. Este fue uno de los primeros ejemplos de iluminación integrada directamente en la arquitectura. El estilo de los barcos pronto se adaptó a los edificios. Un ejemplo notable se encuentra en el paseo marítimo de San Francisco, donde el edificio del Museo Marítimo, construido como baño público en 1937, se asemeja a un ferry, con barandillas y esquinas redondeadas. La terminal Star Ferry de Hong Kong también utilizó una variación del estilo. [36]
Los textiles eran una parte importante del estilo Art Déco, en forma de coloridos papeles pintados, tapizados y alfombras. En la década de 1920, los diseñadores se inspiraron en las escenografías de los Ballets Rusos , los diseños de telas y el vestuario de Léon Bakst y las creaciones de Wiener. Werkstätte . Los primeros diseños de interiores de André Mare presentaban guirnaldas de rosas y flores muy estilizadas y de colores brillantes que decoraban las paredes, los pisos y los muebles. Los motivos florales estilizados también dominaron el trabajo de Raoul Dufy y Paul Poiret , y en los diseños de muebles de JE Ruhlmann. La alfombra floral fue reinventada en estilo Deco por Paul Poiret . [142]
El uso del estilo mejoró enormemente con la introducción del sistema de impresión basado en plantillas pochoir , que permitió a los diseñadores lograr líneas nítidas y colores muy vivos. Las formas Art Déco aparecieron en la vestimenta de Paul Poiret , Charles Worth y Jean Patou . Después de la Primera Guerra Mundial, las exportaciones de ropa y tejidos se convirtieron en una de las fuentes de divisas más importantes de Francia. [143]
El papel tapiz y los textiles del Art Déco tardío a veces presentaban escenas industriales estilizadas, paisajes urbanos, locomotoras y otros temas modernos, así como figuras femeninas estilizadas, acabados metálicos y diseños geométricos. [143]
La nueva mujer de los días anteriores a la Primera Guerra Mundial se convirtió en la Amazona de la era Art Deco. La moda cambió drásticamente durante este período, gracias en particular a los diseñadores Paul Poiret y más tarde a Coco Chanel . Poiret introdujo una importante innovación en el diseño de moda, el concepto de drapeado , un alejamiento de la sastrería y el patronaje del pasado. [144] Diseñó ropa cortada en líneas rectas y construida con motivos rectangulares. [144] Sus estilos ofrecían simplicidad estructural [144] El aspecto encorsetado y los estilos formales del período anterior se abandonaron y la moda se volvió más práctica y simplificada. con el uso de nuevos materiales, colores más brillantes y diseños impresos. [144] La diseñadora Coco Chanel continuó la transición, popularizando el estilo deportivo y casual chic. [145]
Una tipología particular de la época fue la Flapper , una mujer que se cortaba el pelo en una sacudida corta, bebía cócteles, fumaba en público y bailaba hasta altas horas de la noche en clubes de moda, cabarets o antros bohemios. Por supuesto, la mayoría de las mujeres no vivían así, siendo la Flapper más un personaje presente en el imaginario popular que una realidad. Otro estilo Art Déco femenino fue la andrógina garçonne de la década de 1920, con pecho aplanado, cintura disipada y piernas descubiertas, reduciendo la silueta a un tubo corto, rematado con un sombrero campana que abrazaba la cabeza. [146]
En las décadas de 1920 y 1930, diseñadores como René Lalique y Cartier intentaron reducir el predominio tradicional de los diamantes introduciendo piedras preciosas más coloridas, como pequeñas esmeraldas, rubíes y zafiros. También pusieron mayor énfasis en ambientes muy elaborados y elegantes, con materiales menos costosos como esmalte, vidrio, cuerno y marfil. Los propios diamantes se cortaban en formas menos tradicionales; En la Exposición de 1925 se vieron muchos diamantes cortados en forma de pequeñas varillas o cerillas. Otros cortes Art Deco populares incluyen:
Los engastes de diamantes también cambiaron; Cada vez más, los joyeros utilizaban platino en lugar de oro, ya que era fuerte y flexible y podía engarzar racimos de piedras. Los joyeros también comenzaron a utilizar materiales más oscuros, como esmaltes y ónix negro , que aportaban un mayor contraste con los diamantes. [148]
Las joyas se volvieron mucho más coloridas y de estilo más variado. Cartier y la firma Boucheron combinaron diamantes con otras piedras preciosas de colores cortadas en forma de hojas, frutas o flores para hacer broches, anillos, aretes, clips y colgantes. Los temas del Lejano Oriente también se hicieron populares; placas de jade y coral se combinaron con platino y diamantes, y tocadores, pitilleras y polveras se decoraron con paisajes japoneses y chinos elaborados con nácar, esmalte y laca. [148]
Los rápidos cambios en la moda en la ropa trajeron nuevos estilos de joyería. Los vestidos sin mangas de la década de 1920 significaban que los brazos necesitaban decoración, y los diseñadores rápidamente crearon pulseras de oro, plata y platino con incrustaciones de lapislázuli, ónix, coral y otras piedras de colores; Otras pulseras estaban destinadas a la parte superior de los brazos y, a menudo, se llevaban varias pulseras al mismo tiempo. Los cortes de pelo cortos de las mujeres de los años veinte exigían elaborados diseños de pendientes decorativos. Cuando las mujeres comenzaron a fumar en público, los diseñadores crearon pitilleras y boquillas de marfil muy ornamentadas. La invención del reloj de pulsera antes de la Primera Guerra Mundial inspiró a los joyeros a crear extraordinarios relojes decorados, con incrustaciones de diamantes y chapados en esmalte, oro y plata. También se pusieron de moda los relojes colgantes, colgados de una cinta. [149]
Las casas de joyería establecidas en París en la época, Cartier, Chaumet , Georges Fouquet, Mauboussin y Van Cleef & Arpels crearon joyas y objetos de la nueva moda. La firma Chaumet fabricaba pitilleras, encendedores, pastilleros y cuadernos de notas muy geométricas, elaborados con piedras duras decoradas con jade , lapislázuli , diamantes y zafiros. A ellos se unieron muchos jóvenes diseñadores nuevos, cada uno con su propia idea de decoración. Raymond Templier diseñó piezas con patrones geométricos muy complejos, incluidos aretes de plata que parecían rascacielos. Gerard Sandoz tenía sólo 18 años cuando empezó a diseñar joyas en 1921; diseñó muchas piezas famosas basadas en el aspecto suave y pulido de la maquinaria moderna. El diseñador de vidrio René Lalique también entró en este campo, creando colgantes de frutas, flores, ranas, hadas o sirenas de vidrio esculpido en colores vivos, colgados de cordones de seda con borlas. [149] El joyero Paul Brandt contrastó patrones rectangulares y triangulares, y perlas incrustadas en líneas sobre placas de ónix. Jean Despres confeccionó collares de colores contrastantes combinando plata y laca negra, u oro con lapislázuli. Muchos de sus diseños parecían piezas de máquinas muy pulidas. Jean Dunand también se inspiró en la maquinaria moderna, combinada con rojos y negros brillantes que contrastaban con el metal pulido. [149]
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Al igual que el período Art Nouveau anterior, el Art Déco fue un período excepcional para el vidrio fino y otros objetos decorativos, diseñados para adaptarse a su entorno arquitectónico. El productor de objetos de vidrio más famoso fue René Lalique, cuyas obras, desde jarrones hasta adornos para capós de automóviles, se convirtieron en símbolos de la época. Había incursionado en el sector del vidrio antes de la Primera Guerra Mundial, diseñando frascos para los perfumes de François Coty , pero no comenzó a producir vidrio artístico en serio hasta después de la Primera Guerra Mundial. En 1918, a la edad de 58 años, compró una gran fábrica de vidrio. Trabaja en Combs-la-Ville y comienza a fabricar objetos de vidrio tanto artísticos como prácticos. Trató el vidrio como una forma de escultura y creó estatuillas, jarrones, cuencos, lámparas y adornos. Usó semicristal en lugar de cristal de plomo, que era más suave y más fácil de formar, aunque no tan brillante. A veces usaba vidrio coloreado, pero más a menudo usaba vidrio opalescente, donde parte o la totalidad de la superficie exterior estaba teñida con un lavado. Lalique proporcionó los paneles de vidrio decorativos, las luces y los techos de vidrio iluminados para los transatlánticos SS Île de France en 1927 y el SS Normandie en 1935, así como para algunos de los vagones cama de primera clase de los ferrocarriles franceses. En la Exposición de Artes Decorativas de 1925, tuvo su propio pabellón, diseñó un comedor con una mesa y un techo de cristal a juego para el Pabellón de Sèvres y diseñó una fuente de cristal para el patio de la Cours des Métiers, una esbelta columna de cristal que arrojaba agua por los lados y se iluminaba por la noche. [151]
Otros fabricantes de vidrio Art Déco notables incluyeron a Marius-Ernest Sabino, que se especializaba en figurillas, jarrones, cuencos y esculturas de vidrio de peces, desnudos y animales. Para ello solía utilizar un cristal opalescente que podía cambiar de blanco a azul y a ámbar, dependiendo de la luz. Sus jarrones y cuencos presentaban frisos moldeados de animales, desnudos o bustos de mujeres con frutas o flores. Su obra fue menos sutil pero más colorida que la de Lalique. [151]
Otros diseñadores de vidrio Deco notables incluyeron a Edmond Etling , quien también usó colores opalescentes brillantes, a menudo con patrones geométricos y desnudos esculpidos; Albert Simonet, Aristide Colotte y Maurice Marinot , conocido por sus botellas y jarrones esculturales profundamente grabados. La firma Daum de la ciudad de Nancy , famosa por su vidrio Art Nouveau, produjo una línea de jarrones Deco y esculturas de vidrio, sólidas, geométricas y de formas macizas. Gabriel Argy-Rousseau, que produjo jarrones delicadamente sombreados con mariposas y ninfas esculpidas, y Francois Decorchemont, cuyos jarrones estaban veteados y veteados, realizaron obras multicolores más delicadas. [151]
La Gran Depresión arruinó gran parte de la industria del vidrio decorativo, que dependía de clientes adinerados. Algunos artistas se dedicaron al diseño de vidrieras para iglesias. En 1937, la empresa de vidrio Steuben comenzó a encargar a artistas famosos la producción de cristalería. [151] Louis Majorelle , famoso por sus muebles Art Nouveau, diseñó un notable vitral Art Déco que representa a trabajadores del acero para las oficinas de Aciéries de Longwy , una fábrica de acero en Longwy , Francia.
La catedral de Amiens tiene un raro ejemplo de vidrieras Art Déco en la Capilla del Sagrado Corazón, realizadas entre 1932 y 1934 por el artista vidriero parisino Jean Gaudin basándose en dibujos de Jacques Le Breton. [152]
Los artistas Art Déco produjeron una amplia variedad de objetos prácticos en estilo Art Déco, hechos de materiales industriales, desde el tradicional hierro forjado hasta el acero cromado. El artista estadounidense Norman Bel Geddes diseñó un juego de cóctel de acero cromado que recuerda a un rascacielos. Raymond Subes diseñó una elegante reja metálica para la entrada del Palacio de la Porte Dorée, pieza central de la Exposición Colonial de París de 1931. El escultor francés Jean Dunand realizó magníficas puertas sobre el tema "La caza", recubiertas con pan de oro y pintura sobre yeso (1935). [153]
Se utilizaron imágenes e imágenes Art Deco en múltiples películas animadas, incluidas Batman , Night Hood , All's Fair at the Fair , Merry Mannequins , Page Miss Glory , Fantasia y Sleeping Beauty . [154] La arquitectura aparece en la ciudad submarina ficticia de Rapture en la serie de videojuegos BioShock .
La arquitectura Art Déco comenzó en Europa, pero en 1939 había ejemplos en las grandes ciudades de todos los continentes y en casi todos los países. Esta es una selección de edificios destacados de cada continente.
Para obtener una lista completa de edificios existentes por país, consulte: Lista de arquitectura Art Déco .
![Edificio Fiat Tagliero en Asmara, Eritrea, por Giuseppe Pettazzi (1938)[155]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Fiat_tagliero,_08.JPG/1280px-Fiat_tagliero,_08.JPG)
La mayoría de los edificios Art Déco en África se construyeron durante el dominio colonial europeo y, a menudo, fueron diseñados por arquitectos italianos, franceses y portugueses.
Muchos edificios Art Deco en Asia fueron diseñados por arquitectos europeos. Pero en Filipinas, arquitectos locales como Juan Nakpil , Juan Arellano , Pablo Antonio y otros fueron preeminentes. Muchos monumentos Art Déco en Asia fueron demolidos durante la gran expansión económica de Asia a finales del siglo XX, pero aún permanecen algunos enclaves notables de la arquitectura, particularmente en Shanghai y Mumbai .
El Instituto Indio de Arquitectos, fundado en Mumbai en 1929, desempeñó un papel destacado en la propagación del movimiento Art Déco. En noviembre de 1937, este instituto organizó la "Exposición del hogar ideal" celebrada en el Ayuntamiento de Mumbai, que duró más de 12 días y atrajo a unos cien mil visitantes. Como resultado, fue declarado un éxito por la 'Revista del Instituto Indio de Arquitectos'. Las exhibiciones mostraron los arreglos "ideales", o mejor descritos como los más "modernos", para varias partes de la casa, prestando mucho detalle para evitar errores arquitectónicos y presentar los modelos más eficientes y mejor pensados. La exposición se centró en diversos elementos de un hogar, desde muebles, elementos de decoración interior hasta radios y refrigeradores utilizando materiales y métodos nuevos y científicamente relevantes. [156] Guiados por su deseo de emular a Occidente, los arquitectos indios quedaron fascinados por la modernidad industrial que ofrecía el Art Déco. [156] Las élites occidentales fueron las primeras en experimentar con las facetas tecnológicamente avanzadas del Art Déco, y los arquitectos comenzaron el proceso de transformación a principios de la década de 1930. [156]
La expansión del comercio portuario de Mumbai en la década de 1930 resultó en el crecimiento de una población educada de clase media. También se produjo un aumento de personas que emigraron a Mumbai en busca de oportunidades laborales. Esto llevó a la necesidad apremiante de nuevos desarrollos a través de planes de recuperación de tierras y la construcción de nuevos edificios públicos y residenciales. [157] Paralelamente, el clima político cambiante en el país y la calidad aspiracional de la estética Art Déco llevaron a una aceptación incondicional del estilo de construcción en el desarrollo de la ciudad. La mayoría de los edificios de este período se pueden ver repartidos por los barrios de la ciudad en áreas como Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra y Chembur. [158] [159]
Melbourne y Sydney, Australia, tienen varios edificios Art Deco notables, incluido el Manchester Unity Building y la antigua sede de la policía de Russell Street en Melbourne, el Museo de Arte Castlemaine en Castlemaine , el centro de Victoria y el Grace Building , la Torre AWA y el Anzac Memorial en Sydney.
Varias ciudades de Nueva Zelanda, incluidas Napier y Hastings, fueron reconstruidas en estilo Art Déco después del terremoto de Hawke's Bay de 1931 , y muchos de los edificios han sido protegidos y restaurados. Napier ha sido nominado para el estatus de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO , el primer sitio cultural en Nueva Zelanda en ser nominado. [160] [161] Wellington ha conservado un número considerable de edificios Art Déco. [162]
En Canadá, las estructuras Art Déco supervivientes se encuentran principalmente en las principales ciudades; Montreal , Toronto, Hamilton, Ontario y Vancouver . Van desde edificios públicos como el Ayuntamiento de Vancouver hasta edificios comerciales ( College Park ) y obras públicas ( RC Harris Water Treatment Plant ).
En México, el ejemplo Art Déco más imponente es el interior del Palacio de Bellas Artes, terminado en 1934 con su elaborada decoración y murales. Se pueden encontrar ejemplos de arquitectura residencial Art Déco en el distrito de Condesa , muchos de ellos diseñados por Francisco J. Serrano .
En Estados Unidos, los edificios Art Deco se encuentran de costa a costa, en todas las ciudades importantes. Se utilizó más ampliamente en edificios de oficinas, estaciones de tren, terminales de aeropuertos y cines; Los edificios residenciales son raros. Durante las décadas de 1920 y 1930, los arquitectos del suroeste de los Estados Unidos , particularmente en el estado estadounidense de Nuevo México , combinaron el Renacimiento Pueblo con el Estilo Territorial y el Art Déco para crear Pueblo Déco , como se ve en el Teatro KiMo en Albuquerque . En la década de 1930, el estilo aerodinámico más austero se hizo popular. Muchos edificios fueron demolidos entre 1945 y finales de la década de 1960, pero luego comenzaron los esfuerzos para proteger los mejores ejemplos. La ciudad de Miami Beach estableció el Distrito Arquitectónico de Miami Beach para preservar la excelente colección de edificios Art Deco que se encuentran allí.
Los edificios Art Deco se pueden encontrar en toda Centroamérica, incluida Cuba.
El estilo arquitectónico apareció por primera vez en París con el Théâtre des Champs-Élysées (1910-13) de Auguste Perret, pero luego se extendió rápidamente por Europa, hasta que se pudieron encontrar ejemplos en casi todas las grandes ciudades, desde Londres hasta Moscú. En Alemania florecieron dos variaciones del Art Déco en las décadas de 1920 y 1930: el estilo Neue Sachlichkeit y la arquitectura expresionista . Ejemplos notables incluyen Mossehaus y Schaubühne de Erich Mendelsohn en Berlín , Chilehaus de Fritz Höger en Hamburgo y su Kirche am Hohenzollernplatz en Berlín, la Torre Anzeiger en Hannover y la Torre Borsig en Berlín. [164]
Uno de los edificios Art Déco más grandes de Europa occidental es la Basílica Nacional del Sagrado Corazón en Koekelberg , Bruselas. En 1925, el arquitecto Albert van Huffel ganó el Gran Premio de Arquitectura con su maqueta de la basílica en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas de París. [165]
España y Portugal tienen algunos ejemplos sorprendentes de edificios Art Déco, en particular salas de cine. Ejemplos en Portugal son el Teatro Capitólio (1931) y el Cine-Teatro Éden (1937) de Lisboa , el Teatro Rivoli (1937) y el Coliseu (1941) de Oporto y el Teatro Rosa Damasceno (1937) de Santarém . Un ejemplo en España es el Cine Rialto de Valencia (1939).
Durante la década de 1930, el Art Déco tuvo un efecto notable en el diseño de viviendas en el Reino Unido, [64] así como en el diseño de varios edificios públicos. [86] Las fachadas rectas y blancas de las casas que se elevaban hasta los tejados planos, los marcos de las puertas marcadamente geométricos y las ventanas altas, así como las ventanas de esquina metálicas con curvas convexas, eran características de ese período. [87] [166] [167]
El metro de Londres es famoso por muchos ejemplos de arquitectura Art Déco, [168] y hay varios edificios de este estilo situados a lo largo de la Milla de Oro en Brentford. También en el oeste de Londres se encuentra el edificio Hoover, que fue construido originalmente para The Hoover Company y se convirtió en un hipermercado a principios de la década de 1990.
Bucarest , una vez conocida como el "Pequeño París" del siglo XIX, emprendió un nuevo diseño después de la Primera Guerra Mundial y redirigió su inspiración hacia la ciudad de Nueva York. La década de 1930 trajo una nueva moda que tuvo eco en el cine, el teatro, los estilos de danza, el arte y la arquitectura. Bucarest durante la década de 1930 estuvo marcada por una arquitectura cada vez más art déco, desde los bulevares más grandes como Bulevardul Magheru hasta las casas privadas y los distritos más pequeños. El Palacio del Teléfono , uno de los primeros hitos de la Bucarest moderna, fue el primer rascacielos de la ciudad. Fue el edificio más alto entre 1933 y la década de 1950, con una altura de 52,5 metros (172 pies). Los arquitectos fueron Louis Weeks y Edmond van Saanen Algi y el ingeniero Walter Troy. Los monumentos art déco son una parte crucial del carácter de Bucarest, ya que describen y marcan un período importante de su historia, la vida interbélica (Primera Guerra Mundial – Segunda Guerra Mundial). La mayoría de los edificios de aquellos años son propensos a sufrir catástrofes, ya que Bucarest se encuentra en una zona sísmica. [169]
El Art Déco en América del Sur está especialmente presente en países que recibieron una gran ola de inmigración en la primera mitad del siglo XX, con obras notables en sus ciudades más ricas, como São Paulo y Río de Janeiro en Brasil y Buenos Aires en Argentina. El Edificio Kavanagh en Buenos Aires (1934), de Sánchez, Lagos y de la Torre, era la estructura de hormigón armado más alta cuando se completó y es un ejemplo notable del estilo Art Déco tardío.
En muchas ciudades se han hecho esfuerzos para proteger los edificios Art Déco que quedan. En muchas ciudades de Estados Unidos se han conservado cines históricos art déco y convertidos en centros culturales. Se han conservado edificios art déco aún más modestos como parte del patrimonio arquitectónico de Estados Unidos; una cafetería art decó y una gasolinera a lo largo de la Ruta 66 en Shamrock, Texas, es un monumento histórico. El Distrito Arquitectónico de Miami Beach protege varios cientos de edificios antiguos y exige que los nuevos edificios cumplan con el estilo. En La Habana , Cuba, muchos edificios Art Deco se han deteriorado gravemente. Se están realizando esfuerzos para devolver los edificios a su apariencia original.
En el siglo XXI, han aparecido en algunas ciudades estadounidenses variantes modernas del Art Déco, llamadas Neo Art Déco (o neo-Art Déco), inspiradas en los edificios clásicos Art Déco de las décadas de 1920 y 1930. [172] Los ejemplos incluyen la Torre NBC en Chicago, inspirada en 30 Rockefeller Plaza en la ciudad de Nueva York; y el Centro Smith para las Artes Escénicas en Las Vegas, Nevada, que incluye elementos art déco de la presa Hoover , a 80 km (50 millas) de distancia. [172] [173] [174] [175]
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![La cesta de flores – Balcones y frontón de la Avenue Montaigne n°. 41 en París, arquitecto o escultor desconocido (1924)[118]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/41_Avenue_Montaigne,_75008_Paris,_France_27_December_2016.jpg/1280px-41_Avenue_Montaigne,_75008_Paris,_France_27_December_2016.jpg)
![Patrones repetidos: herrajes decorativos del edificio Madison Belmont (Madison Avenue núm. 181-183) en la ciudad de Nueva York, por Ferrobrandt (1925)[119]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Grille_of_the_Cheney_Silk_Company_Building,_New_York_City,_1925,_designed_by_the_French_metalworking_company_Ferrobrandt.jpg/1280px-Grille_of_the_Cheney_Silk_Company_Building,_New_York_City,_1925,_designed_by_the_French_metalworking_company_Ferrobrandt.jpg)
![La flor de papiro – Porte d'honneur, en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de París, de Edgar Brandt (1925)[120]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ef/Porte_d'honneur,_by_Edgar_Brandt,_1925,_at_the_International_Exhibition_of_Modern_Decorative_and_Industrial_Arts.jpg/1280px-Porte_d'honneur,_by_Edgar_Brandt,_1925,_at_the_International_Exhibition_of_Modern_Decorative_and_Industrial_Arts.jpg)
![La voluta de follaje – Puertas de ascensor, de Brandt (1926), hierro forjado, vidrio, bronce patinado y dorado, Museo Calouste Gulbenkian, Lisboa[121]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Edgar_brandt,_porte_da_ascensore_in_ferro,_vetro_e_bronzo,_francia_1926_02.jpg/1280px-Edgar_brandt,_porte_da_ascensore_in_ferro,_vetro_e_bronzo,_francia_1926_02.jpg)
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![Molduras verticales – Greybrook House (Brook Street nº 28) en Londres, por Sir John Burnet & Partners (1928–29)[123]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/28_Brook_Street,_Mayfair,_January_2022_01.jpg/1280px-28_Brook_Street,_Mayfair,_January_2022_01.jpg)
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![Una estética de la iluminación artificial – Maison de France (ahora showroom de Louis Vuitton), Avenue des Champs-Élysées no. 101 en París, de Louis-Hippolyte Boileau y Charles-Henri Besnard (1931)[124]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Louis_Vuitton_Maison_Champs_%C3%89lys%C3%A9es_(49570496372).jpg/1280px-Louis_Vuitton_Maison_Champs_%C3%89lys%C3%A9es_(49570496372).jpg)
![Zigurat – Union Hotel (Strada Ion Câmpineanu nº 11) en Bucarest, de Arghir Culina (1931)[124]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Bucharest_-_Strada_Ion_C%C3%A2mpineanu_11_(cropped_top).jpg/1280px-Bucharest_-_Strada_Ion_C%C3%A2mpineanu_11_(cropped_top).jpg)
![Superficies luminosas verticales y horizontales – Hall de entrada de la Villa Cavrois en Croix, Francia, de Rob Mallet-Stevens (1932)[125]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/de/Villa_Cavrois_le_vestibule_(cropped).jpg/1280px-Villa_Cavrois_le_vestibule_(cropped).jpg)
![La línea ondulante – Relieve sobre la tumba de la familia Străjescu en el cementerio Bellu, Bucarest, por George Cristinel (1934)[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(08).jpg/1280px-Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(08).jpg)
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![Candelabros angulares de Lanchester & Lodge (c. 1929-1936), Biblioteca Brotherton, Universidad de Leeds, West Yorkshire, Reino Unido[150]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dc/A_light_fixture_in_the_Leeds_Uni._library_(353154643).jpg/1280px-A_light_fixture_in_the_Leeds_Uni._library_(353154643).jpg)
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![Torre de ventilación del túnel de Maastúnel en Rotterdam, Países Bajos (1937)[163]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/1604_Maastunnel_-_entrance_building_of_pedestrian_and_cyclists'_tunnel_at_Parkkade,_Rotterdam_114.jpg/1280px-1604_Maastunnel_-_entrance_building_of_pedestrian_and_cyclists'_tunnel_at_Parkkade,_Rotterdam_114.jpg)
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![Messeturm en Frankfurt, Alemania, de Helmut Jahn (1990), un edificio posmoderno que recuerda a la arquitectura Art Déco[170]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Messeturm,_Frankfurt,_Southwest_detail_view_20170325_1.jpg/1280px-Messeturm,_Frankfurt,_Southwest_detail_view_20170325_1.jpg)
![Calle Henri Heine núm. 3-5 en París por JJ Ory (2001), un edificio neo-Art Déco[171]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Rue_Henri_Heine_3.jpg/1280px-Rue_Henri_Heine_3.jpg)
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