El expresionismo abstracto surgió en los Estados Unidos como un movimiento artístico distinto inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial y ganó aceptación generalizada en la década de 1950, un cambio con respecto al realismo social estadounidense de la década de 1930 influenciado por la Gran Depresión y los muralistas mexicanos . [1] [2] El término fue aplicado por primera vez al arte estadounidense en 1946 por el crítico de arte Robert Coates . Las figuras clave de la Escuela de Nueva York , que fue el centro de este movimiento, incluyeron artistas como Arshile Gorky , Jackson Pollock , Franz Kline , Mark Rothko , Norman Lewis , Willem de Kooning , Adolph Gottlieb , Clyfford Still , Robert Motherwell , Theodoros Stamos y Lee Krasner , entre otros.
El movimiento no se limitó a la pintura, sino que incluyó a influyentes collagistas y escultores, como David Smith , Louise Nevelson y otros. El expresionismo abstracto estuvo notablemente influenciado por los métodos de creación espontáneos y subconscientes de artistas surrealistas como André Masson y Max Ernst . Los artistas asociados con el movimiento combinaron la intensidad emocional del expresionismo alemán con los vocabularios visuales radicales de las escuelas de vanguardia europeas como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo sintético .
El expresionismo abstracto fue visto como rebelde e idiosincrásico, abarcando varios estilos artísticos, y fue el primer movimiento específicamente estadounidense en lograr influencia internacional y poner a la ciudad de Nueva York en el centro del mundo del arte occidental , un papel que anteriormente cumplía París . Los críticos de arte contemporáneo desempeñaron un papel importante en su desarrollo. Críticos como Clement Greenberg y Harold Rosenberg promovieron el trabajo de artistas asociados con el expresionismo abstracto, en particular Jackson Pollock, a través de sus escritos. El concepto de Rosenberg del lienzo como una "escena en la que actuar" fue fundamental para definir el enfoque de los pintores de acción . El reinado cultural del expresionismo abstracto en los Estados Unidos había disminuido a principios de la década de 1960, mientras que el rechazo posterior del énfasis del expresionismo abstracto en el individualismo llevó al desarrollo de movimientos como el arte pop y el minimalismo . [3] A lo largo de la segunda mitad del siglo XX, la influencia del expresionismo abstracto se puede ver en diversos movimientos en los EE. UU. y Europa, incluidos el tachismo y el neoexpresionismo , entre otros.
Se cree que el término " expresionismo abstracto " se utilizó por primera vez en Alemania en 1919 en la revista Der Sturm en referencia al expresionismo alemán. Alfred Barr utilizó este término en 1929 para describir las obras de Wassily Kandinsky . [4]
Técnicamente, un predecesor importante es el surrealismo , con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. La técnica de Jackson Pollock de gotear pintura sobre un lienzo colocado en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en el trabajo de André Masson , Max Ernst y David Alfaro Siqueiros . La investigación más reciente tiende a poner al surrealista exiliado Wolfgang Paalen en la posición del artista y teórico que fomentó la teoría del espacio de posibilidad dependiente del espectador a través de sus pinturas y su revista DYN . Paalen consideró ideas de mecánica cuántica , así como interpretaciones idiosincrásicas de la visión totémica y la estructura espacial de la pintura indígena de Columbia Británica y preparó el terreno para la nueva visión espacial de los jóvenes abstractos estadounidenses. Su largo ensayo Totem Art (1943) tuvo una influencia considerable en artistas como Martha Graham , Isamu Noguchi , Pollock , Mark Rothko y Barnett Newman . [5] Alrededor de 1944, Barnett Newman intentó explicar el nuevo movimiento artístico de Estados Unidos e incluyó una lista de "los hombres del nuevo movimiento". Paalen es mencionado dos veces; otros artistas mencionados son Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorky y otros. Robert Motherwell es mencionado con un signo de interrogación. [6] Otra manifestación temprana importante de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es la obra del artista del noroeste estadounidense Mark Tobey , especialmente sus lienzos de "escritura blanca", que, aunque generalmente no son de gran escala, anticipan el aspecto "por todas partes" de las pinturas de goteo de Pollock.
El nombre del movimiento se deriva de la combinación de la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo sintético . Además, tiene una imagen de ser rebelde, anárquico, altamente idiosincrásico y, algunos sienten, nihilista. [7] En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York que tenían estilos bastante diferentes, e incluso a trabajos que no son ni especialmente abstractos ni expresionistas. El expresionista abstracto californiano Jay Meuser , que generalmente pintaba en el estilo no objetivo, escribió sobre su pintura Mare Nostrum : "Es mucho mejor capturar el glorioso espíritu del mar que pintar todas sus pequeñas ondas". Las enérgicas " pinturas de acción " de Pollock , con su aire "ocupado", son diferentes, tanto técnica como estéticamente, de la violenta y grotesca serie Mujeres de las pinturas figurativas de Willem de Kooning y de los rectángulos de color de las pinturas Campos de color de Rothko (que no son lo que normalmente se llamaría expresionismo, y que Rothko negó que fueran abstractas). Sin embargo, los cuatro artistas están clasificados como expresionistas abstractos.
El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo XX, como Wassily Kandinsky . Si bien es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizaron muchas de las obras de los expresionistas abstractos, la mayoría de estas pinturas implicaban una planificación cuidadosa, especialmente porque su gran tamaño lo exigía. Con artistas como Paul Klee , Kandinsky, Emma Kunz y, más tarde, Rothko, Newman y Agnes Martin , el arte abstracto implicaba claramente la expresión de ideas relacionadas con lo espiritual, el inconsciente y la mente. [8]
Por qué este estilo ganó aceptación generalizada en la década de 1950 es un tema de debate. El realismo social estadounidense había sido la corriente principal en la década de 1930. Había sido influenciado no solo por la Gran Depresión , sino también por los muralistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera . El clima político después de la Segunda Guerra Mundial no toleró por mucho tiempo las protestas sociales de estos pintores. El expresionismo abstracto surgió durante la guerra y comenzó a exhibirse a principios de los años cuarenta en galerías de Nueva York como The Art of This Century Gallery . La era McCarthy de la posguerra fue una época de censura artística en los Estados Unidos, pero si el tema era totalmente abstracto , se lo consideraría apolítico y, por lo tanto, seguro. O si el arte era político, el mensaje era en gran medida para los iniciados. [9]
Aunque el movimiento está estrechamente asociado con la pintura, la collagista Anne Ryan y ciertos escultores en particular también fueron parte integral del expresionismo abstracto. [10] David Smith y su esposa Dorothy Dehner , Herbert Ferber , Isamu Noguchi , Ibram Lassaw , Theodore Roszak , Phillip Pavia , Mary Callery , Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois y Louise Nevelson en particular fueron algunos de los escultores considerados como miembros importantes del movimiento. Además, los artistas David Hare , John Chamberlain , James Rosati , Mark di Suvero y los escultores Richard Lippold , Raoul Hague, George Rickey , Reuben Nakian e incluso Tony Smith , Seymour Lipton , Joseph Cornell y varios otros [11] fueron partes integrales del movimiento expresionista abstracto. Muchos de los escultores enumerados participaron en el Ninth Street Show , [11] una famosa exposición comisariada por Leo Castelli en East Ninth Street en la ciudad de Nueva York en 1951. Además de los pintores y escultores de la época, la Escuela de Nueva York de expresionismo abstracto también generó una serie de poetas que la apoyaron, entre ellos Frank O'Hara y fotógrafos como Aaron Siskind y Fred McDarrah (cuyo libro The Artist's World in Pictures documentó la Escuela de Nueva York durante la década de 1950), y también cineastas, especialmente Robert Frank .
Aunque la escuela expresionista abstracta se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los epicentros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y el área de la Bahía de San Francisco en California .
En un momento dado, el lienzo empezó a aparecer ante los ojos de un pintor norteamericano tras otro como un escenario en el que actuar. Lo que iba a plasmarse en el lienzo no era un cuadro, sino un acontecimiento.
— Harold Rosenberg [12]
En la década de 1940 no sólo había unas pocas galerías ( The Art of This Century , Pierre Matisse Gallery, Julien Levy Gallery y algunas otras), sino también unos pocos críticos dispuestos a seguir el trabajo de la vanguardia neoyorquina. También había unos pocos artistas con formación literaria, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman , que también ejercían de críticos.
Si bien la vanguardia neoyorquina era todavía relativamente desconocida a fines de la década de 1940, la mayoría de los artistas que se han convertido en nombres familiares hoy en día tenían sus críticos mecenas bien establecidos: Clement Greenberg defendía a Jackson Pollock y a los pintores de campos de color como Clyfford Still , Mark Rothko , Barnett Newman , Adolph Gottlieb y Hans Hofmann ; Harold Rosenberg parecía preferir a los pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline , así como las pinturas seminales de Arshile Gorky ; Thomas B. Hess, el editor gerente de ARTnews , defendió a Willem de Kooning .
Los nuevos críticos elevaron a sus protegidos al considerar a otros artistas como "seguidores" [13] o al ignorar a aquellos que no contribuían a su objetivo promocional.
En 1958, Mark Tobey se convirtió en el primer pintor estadounidense desde Whistler (1895) en ganar el máximo premio en la Bienal de Venecia . [14]
Barnett Newman , un miembro fallecido del Uptown Group , escribió prólogos y reseñas de catálogos y, a finales de la década de 1940, se convirtió en un artista expositor en la galería Betty Parsons . Su primera muestra individual fue en 1948. Poco después de su primera exposición, Barnett Newman comentó en una de las Sesiones de Artistas en el Studio 35: "Estamos en el proceso de hacer el mundo, hasta cierto punto, a nuestra propia imagen". [15] Utilizando sus habilidades de escritura, Newman luchó a cada paso para reforzar su imagen recién establecida como artista y promover su trabajo. Un ejemplo es su carta del 9 de abril de 1955, "Carta a Sidney Janis : — Es cierto que Rothko habla como un luchador. Sin embargo, lucha para someterse al mundo filisteo. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el rechazo total de ella". [16]
Curiosamente, la persona que se cree que tuvo más que ver con la promoción de este estilo fue un trotskista de Nueva York: Clement Greenberg. Como crítico de arte de larga trayectoria para Partisan Review y The Nation , se convirtió en uno de los primeros y cultos defensores del expresionismo abstracto. El adinerado artista Robert Motherwell se unió a Greenberg en la promoción de un estilo que encajaba con el clima político y la rebeldía intelectual de la época.
Greenberg proclamó el expresionismo abstracto y a Pollock en particular como el epítome del valor estético. Apoyó la obra de Pollock sobre bases formalistas como simplemente la mejor pintura de su época y la culminación de una tradición artística que se remonta al cubismo y a Cézanne hasta Monet , en la que la pintura se volvió cada vez más "pura" y más concentrada en lo que era "esencial" para ella, la realización de marcas sobre una superficie plana. [17]
La obra de Pollock siempre ha polarizado a los críticos. Rosenberg habló de la transformación de la pintura en un drama existencial en la obra de Pollock, en la que "lo que iba a aparecer en el lienzo no era un cuadro sino un acontecimiento". "El gran momento llegó cuando se decidió pintar 'sólo por pintar'. El gesto en el lienzo era un gesto de liberación del valor: político, estético, moral". [18]
Uno de los críticos más acérrimos del expresionismo abstracto en aquella época fue el crítico de arte del New York Times, John Canaday . Meyer Schapiro y Leo Steinberg, junto con Greenberg y Rosenberg, fueron importantes historiadores del arte de la posguerra que manifestaron su apoyo al expresionismo abstracto. A principios y mediados de los años sesenta, los críticos de arte más jóvenes Michael Fried , Rosalind Krauss y Robert Hughes aportaron ideas considerables a la dialéctica crítica que sigue creciendo en torno al expresionismo abstracto.
Durante el período previo y durante la Segunda Guerra Mundial, artistas modernistas, escritores y poetas, así como importantes coleccionistas y comerciantes, huyeron de Europa y del ataque de los nazis en busca de refugio seguro en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron perecieron. Entre los artistas y coleccionistas que llegaron a Nueva York durante la guerra (algunos con la ayuda de Varian Fry ) estaban Hans Namuth , Yves Tanguy , Kay Sage , Max Ernst , Jimmy Ernst , Peggy Guggenheim , Leo Castelli , Marcel Duchamp , André Masson , Roberto Matta , André Breton , Marc Chagall , Jacques Lipchitz , Fernand Léger y Piet Mondrian . Unos pocos artistas, en particular Picasso , Matisse y Pierre Bonnard, permanecieron en Francia y sobrevivieron.
El período de posguerra dejó a las capitales de Europa en agitación, con una urgencia de reconstrucción económica y física y de reagrupamiento político. En París, antaño el centro de la cultura europea y capital del mundo del arte, el clima para el arte era un desastre, y Nueva York reemplazó a París como el nuevo centro del mundo del arte. La Europa de posguerra vio la continuación del surrealismo , el cubismo , el dadaísmo y las obras de Matisse. También en Europa, el art brut , [19] y la abstracción lírica o tachismo (el equivalente europeo al expresionismo abstracto) se apoderaron de la generación más nueva. Serge Poliakoff , Nicolas de Staël , Georges Mathieu , Vieira da Silva , Jean Dubuffet , Yves Klein , Pierre Soulages y Jean Messagier , entre otros, son considerados figuras importantes de la pintura europea de posguerra. [20] En Estados Unidos, una nueva generación de artistas norteamericanos comenzó a surgir y a dominar el escenario mundial, y fueron llamados expresionistas abstractos .
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinaba lecciones aprendidas de Matisse, Picasso, el surrealismo, Miró , el cubismo , el fauvismo y el modernismo temprano a través de eminentes educadores en los Estados Unidos, incluidos Hans Hofmann de Alemania y John D. Graham de Ucrania. La influencia de Graham en el arte estadounidense durante la década de 1940 fue particularmente visible en la obra de Gorky, de Kooning, Pollock y Richard Pousette-Dart , entre otros. Las contribuciones de Gorky al arte estadounidense y mundial son difíciles de sobreestimar. Su obra como abstracción lírica [22] [23] [24] [25] [26] fue un "nuevo lenguaje". [22] "Iluminó el camino para dos generaciones de artistas estadounidenses". [22] La espontaneidad pictórica de obras maduras como El hígado es la cresta del gallo , Los esponsales II y Un año el algodoncillo prefiguró inmediatamente el expresionismo abstracto, y los líderes de la Escuela de Nueva York han reconocido la considerable influencia de Gorky. El trabajo temprano de Hyman Bloom también fue influyente. [27] Los artistas estadounidenses también se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst y el grupo de André Breton , la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo , así como otros factores. Hans Hofmann en particular como maestro, mentor y artista fue importante e influyente para el desarrollo y el éxito del expresionismo abstracto en los Estados Unidos. Entre los artistas de Hofmann, Entre sus protegidos se encontraba Clement Greenberg , que se convirtió en una voz enormemente influyente para la pintura estadounidense, y entre sus estudiantes estaba Lee Krasner , quien presentó a su maestro, Hofmann, a su marido, Jackson Pollock. [28]
A finales de la década de 1940, el enfoque radical de Jackson Pollock para la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte en sí. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Picasso a finales del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida, con influencias tan dispares como las pinturas de arena de Navajo , el surrealismo, el análisis junguiano y el arte mural mexicano, [29] Pollock redefinió lo que era producir arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y el convencionalismo fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock (colocar un lienzo crudo sin estirar en el suelo donde se podía atacar desde los cuatro lados utilizando materiales de artista y materiales industriales; madejas lineales de pintura goteando y arrojando; dibujo, tinción, pincelada; imágenes y no imágenes) esencialmente llevó la creación artística más allá de cualquier límite previo. El expresionismo abstracto en general amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que los artistas tenían disponibles para la creación de nuevas obras de arte.
Los demás expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Pollock, de Kooning , Franz Kline , Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Richard Pousette-Dart , Robert Motherwell , Peter Voulkos y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que los siguió. Los movimientos antiformalistas radicales de los años 1960 y 1970, incluidos Fluxus , Neo-Dada , el arte conceptual y el movimiento artístico feminista , pueden rastrearse hasta las innovaciones del expresionismo abstracto. Las relecturas del arte abstracto realizadas por historiadores del arte como Linda Nochlin , [30] Griselda Pollock [31] y Catherine de Zegher [32] muestran críticamente, sin embargo, que las mujeres artistas pioneras que han producido innovaciones importantes en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia, pero finalmente comenzaron a lograr un reconocimiento largamente esperado a raíz del movimiento expresionista abstracto de los años 1940 y 1950. El expresionismo abstracto surgió como un importante movimiento artístico en la ciudad de Nueva York durante los años 1950 y, posteriormente, varias galerías de arte importantes comenzaron a incluir a los expresionistas abstractos en exposiciones y como habituales en sus listas. Algunas de esas galerías prominentes de la "zona alta" incluían: la Charles Egan Gallery , [33] la Sidney Janis Gallery , [34] la Betty Parsons Gallery , [35] la Kootz Gallery , [36] la Tibor de Nagy Gallery , la Stable Gallery , la Leo Castelli Gallery , entre otras; y varias galerías del centro de la ciudad, conocidas en ese momento como las galerías de la Calle Décima, exhibieron a muchos artistas jóvenes emergentes que trabajaban en la línea del expresionismo abstracto.
La pintura de acción fue un estilo muy extendido desde la década de 1940 hasta principios de la década de 1960, y está estrechamente asociada al expresionismo abstracto (algunos críticos han utilizado los términos pintura de acción y expresionismo abstracto indistintamente). A menudo se hace una comparación entre la pintura de acción estadounidense y el tachismo francés .
El término fue acuñado por el crítico estadounidense Harold Rosenberg en 1952 [37] y marcó un cambio importante en la perspectiva estética de los pintores y críticos de la Escuela de Nueva York . Según Rosenberg, el lienzo era "un espacio en el que actuar". Mientras que los expresionistas abstractos como Jackson Pollock , Franz Kline y Willem de Kooning habían sido francos durante mucho tiempo en su visión de una pintura como un espacio dentro del cual llegar a un acuerdo con el acto de creación, los críticos anteriores simpatizantes de su causa, como Clement Greenberg , se centraron en la "objetividad" de sus obras. Para Greenberg, era la fisicalidad de las superficies coaguladas y cubiertas de aceite de las pinturas la clave para entenderlas como documentos de la lucha existencial de los artistas .
La crítica de Rosenberg desplazaba el énfasis del objeto a la lucha misma, siendo la pintura terminada sólo la manifestación física, una especie de residuo, de la obra de arte real, que estaba en el acto o proceso de creación de la pintura. Esta actividad espontánea era la "acción" del pintor, a través del movimiento de brazos y muñecas, gestos pictóricos , pinceladas, pintura arrojada, salpicada, manchada, esparcida y goteada. El pintor a veces dejaba que la pintura goteara sobre el lienzo, mientras bailaba rítmicamente, o incluso permanecía de pie sobre el lienzo, a veces dejando que la pintura cayera según el subconsciente, permitiendo así que la parte inconsciente de la psique se afirmara y se expresara. Todo esto, sin embargo, es difícil de explicar o interpretar porque es una supuesta manifestación inconsciente del acto de creación pura. [38]
En la práctica, el término expresionismo abstracto se aplica a varios artistas que trabajaron (en su mayoría) en Nueva York y que tenían estilos bastante diferentes, e incluso se aplica a obras que no son especialmente abstractas ni expresionistas. Las enérgicas pinturas de acción de Pollock , con su sensación de "actividad", son diferentes tanto técnica como estéticamente a la violenta y grotesca serie Mujeres de De Kooning. Mujer V es una de una serie de seis pinturas realizadas por De Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de cuerpo. Comenzó la primera de estas pinturas, Mujer I , en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura en el estudio de De Kooning poco después y animó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema: Mujer II , Mujer III y Mujer IV . Durante el verano de 1952, que pasó en East Hampton , de Kooning siguió explorando el tema a través de dibujos y pasteles. Es posible que haya terminado su trabajo en Mujer I a fines de junio, o posiblemente en noviembre de 1952, y probablemente los otros tres cuadros de mujeres se terminaron casi al mismo tiempo. [39] La serie Mujer son pinturas decididamente figurativas .
Otro artista importante es Franz Kline . [40] [41] Al igual que Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, Kline fue etiquetado como un " pintor de acción " debido a su estilo aparentemente espontáneo e intenso, centrándose menos, o nada, en las figuras o imágenes, sino en las pinceladas reales y el uso del lienzo; como lo demuestra su pintura Número 2 (1954). [42] [43] [44]
La escritura automática fue un vehículo importante para los pintores de acción como Kline (en sus pinturas en blanco y negro), Pollock, Mark Tobey y Cy Twombly , quienes usaron el gesto, la superficie y la línea para crear símbolos y madejas caligráficos y lineales que se asemejan al lenguaje y resuenan como poderosas manifestaciones del inconsciente colectivo . [45] [46] Robert Motherwell en su serie Elegía a la República Española pintó poderosas pinturas en blanco y negro usando gestos, superficies y símbolos que evocaban poderosas cargas emocionales. [47] [48]
Mientras tanto, otros pintores de acción, en particular de Kooning, Gorky, Norman Bluhm , Joan Mitchell y James Brooks , utilizaron imágenes a través de paisajes abstractos o como visiones expresionistas de la figura para articular sus evocaciones altamente personales y poderosas. Las pinturas de James Brooks fueron particularmente poéticas y altamente proféticas en relación con la abstracción lírica que se hizo prominente a fines de la década de 1960 y la década de 1970. [49]
Clyfford Still , Barnett Newman , Adolph Gottlieb y los bloques de color serenamente brillantes de la obra de Mark Rothko (que no es lo que normalmente se llamaría expresionismo y que Rothko negó que fuera abstracto), se clasifican como expresionistas abstractos, aunque de lo que Clement Greenberg denominó la dirección del campo de color del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell pueden describirse cómodamente como practicantes de la pintura de acción y la pintura de campos de color. En la década de 1940, la imaginería firmemente construida de Richard Pousette-Dart a menudo dependía de temas de mitología y misticismo; al igual que las pinturas de Gottlieb y Pollock en esa década también.
La pintura Color Field inicialmente se refería a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente la obra de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt y varias series de pinturas de Joan Miró . Greenberg percibía la pintura Color Field como relacionada con la Action Painting, pero diferente de esta. Los pintores Color Field buscaban librar su arte de la retórica superflua. Artistas como Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann , Helen Frankenthaler , Sam Francis , Mark Tobey y, especialmente, Ad Reinhardt y Barnett Newman, cuya obra maestra Vir heroicus sublimis se encuentra en la colección del MoMA , utilizaron referencias muy reducidas a la naturaleza y pintaron con un uso muy articulado y psicológico del color. En general, estos artistas eliminaron las imágenes reconocibles; en el caso de Rothko y Gottlieb, a veces utilizaron símbolos y signos como reemplazo de las imágenes. [50] Algunos artistas citaron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campos de color presenta la abstracción como un fin en sí misma. Al seguir esta dirección del arte moderno , los artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica.
A diferencia de la energía emocional y las marcas gestuales superficiales de los expresionistas abstractos como Pollock y de Kooning, los pintores de campos de color inicialmente parecían ser fríos y austeros, borrando la marca individual en favor de grandes áreas planas de color, que estos artistas consideraban la naturaleza esencial de la abstracción visual, junto con la forma real del lienzo, que más tarde en la década de 1960 Frank Stella en particular logró de maneras inusuales con combinaciones de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura de campos de color ha demostrado ser a la vez sensual y profundamente expresiva, aunque de una manera diferente al expresionismo abstracto gestual.
Aunque el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y California, especialmente en la Escuela de Nueva York , y el área de la Bahía de San Francisco . Las pinturas del expresionismo abstracto comparten ciertas características, incluido el uso de lienzos grandes, un enfoque "integral", en el que todo el lienzo se trata con la misma importancia (en lugar de que el centro sea de mayor interés que los bordes). El lienzo como escenario se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad del plano de la imagen se convirtió en un credo de los pintores de campos de color. Los artistas más jóvenes también comenzaron a exhibir sus pinturas relacionadas con el expresionismo abstracto durante la década de 1950, incluidos Alfred Leslie , Sam Francis , Joan Mitchell , Helen Frankenthaler , Cy Twombly , Milton Resnick , Michael Goldberg , Norman Bluhm , Grace Hartigan , Friedel Dzubas y Robert Goodnough , entre otros.
Aunque Pollock está estrechamente asociado con la pintura de acción debido a su estilo, técnica, su toque pictórico y su aplicación física de la pintura, los críticos de arte han comparado a Pollock tanto con la pintura de acción como con la pintura de campos de color. Otra visión crítica propuesta por Greenberg conecta los lienzos de Pollock con los Nenúfares a gran escala de Claude Monet realizados durante la década de 1920. Los críticos de arte como Michael Fried , Greenberg y otros han observado que la sensación general en las obras más famosas de Pollock (sus pinturas de goteo ) se lee como vastos campos de elementos lineales acumulados. Señalan que estas obras a menudo se leen como vastos complejos de madejas de pintura de valor similar y campos de color y dibujo por todas partes, y están relacionadas con los Monets del tamaño de un mural que están construidos de manera similar con marcas de pincel y borrones de valor cercano que también se leen como campos de color y dibujo. El uso de la composición por todas partes por parte de Pollock le da una conexión filosófica y física a la forma en que los pintores de campos de color como Newman, Rothko y Still construyen sus superficies ininterrumpidas y, en el caso de Still, rotas. En varias pinturas que Pollock pintó después de su período clásico de pintura por goteo de 1947-1950, utilizó la técnica de teñir pintura al óleo fluida y pintura para casas en lienzo crudo. Durante 1951 produjo una serie de pinturas de manchas negras semifigurativas, y en 1952 produjo pinturas de manchas usando color. En su exposición de noviembre de 1952 en la Galería Sidney Janis en la ciudad de Nueva York, Pollock mostró Número 12, 1952 , una gran y magistral pintura de manchas que se asemeja a un paisaje manchado de colores brillantes (con una superposición de pintura oscura ampliamente goteada); la pintura fue adquirida de la exposición por Nelson Rockefeller para su colección personal. [51]
Aunque se considera a Arshile Gorky uno de los padres fundadores del expresionismo abstracto y un surrealista , también fue uno de los primeros pintores de la Escuela de Nueva York que utilizó la técnica del teñido. Gorky creó amplios campos de color vívido, abierto e ininterrumpido que utilizó en muchas de sus pinturas como fondos. En las pinturas más efectivas y logradas de Gorky entre los años 1941 y 1948, utilizó constantemente campos de color teñidos intensos, a menudo dejando que la pintura corriera y goteara, debajo y alrededor de su léxico familiar de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas. Otro expresionista abstracto cuyas obras en la década de 1940 recuerdan las pinturas de manchas de las décadas de 1960 y 1970 es James Brooks . Brooks utilizó regularmente la mancha como técnica en sus pinturas desde finales de la década de 1940. Brooks comenzó a diluir su pintura al óleo para tener colores fluidos con los que verter, gotear y teñir en el lienzo mayoritariamente crudo que usaba. Estas obras a menudo combinaban caligrafía y formas abstractas. Durante las últimas tres décadas de su carrera, el estilo de Sam Francis de expresionismo abstracto brillante a gran escala estuvo estrechamente asociado con la pintura de campos de color. Sus pinturas se situaron a caballo entre ambos bandos dentro de la rúbrica del expresionismo abstracto, la pintura de acción y la pintura de campos de color.
Después de haber visto las pinturas de Pollock de 1951 de pintura al óleo negra diluida teñida sobre lienzo crudo, Frankenthaler comenzó a producir pinturas de manchas en varios colores de óleo sobre lienzo crudo en 1952. Su pintura más famosa de ese período es Montañas y mar . Ella es una de las creadoras del movimiento Color Field que surgió a fines de la década de 1950. [52] Frankenthaler también estudió con Hans Hofmann .
Las pinturas de Hofmann son una sinfonía de color como se ve en The Gate, 1959-1960. Fue reconocido no solo como artista sino también como profesor de arte, tanto en su Alemania natal como más tarde en los EE. UU. Hofmann, quien llegó a los Estados Unidos desde Alemania a principios de la década de 1930, trajo consigo el legado del modernismo . Como artista joven en París antes de la Primera Guerra Mundial, Hofmann trabajó con Robert Delaunay y conoció de primera mano el trabajo innovador de Picasso y Matisse. El trabajo de Matisse tuvo una enorme influencia en él y en su comprensión del lenguaje expresivo del color y el potencial de la abstracción. Hofmann fue uno de los primeros teóricos de la pintura de campos de color, y sus teorías fueron influyentes para los artistas y los críticos, particularmente para Clement Greenberg, así como para otros durante las décadas de 1930 y 1940. En 1953, Morris Louis y Kenneth Noland se sintieron profundamente influenciados por las pinturas de manchas de Helen Frankenthaler después de visitar su estudio en la ciudad de Nueva York. Al regresar a Washington, DC, comenzaron a producir las principales obras que crearon el movimiento de campos de color a fines de la década de 1950. [53]
En 1972, el entonces curador del Museo Metropolitano de Arte, Henry Geldzahler , dijo:
Clement Greenberg incluyó las obras de Morris Louis y Kenneth Noland en una exposición que realizó en la galería Kootz a principios de los años cincuenta. Clem fue el primero en ver su potencial. Los invitó a Nueva York en 1953, creo que fue, al estudio de Helen para ver un cuadro que acababa de pintar titulado Montañas y mar, una pintura muy, muy hermosa, que en cierto sentido era una obra de Pollock y de Gorki. También fue una de las primeras pinturas con manchas, una de las primeras pinturas de campo de gran tamaño en las que se utilizó la técnica de las manchas, tal vez la primera. Louis y Noland vieron el cuadro desenrollado en el suelo del estudio de ella y regresaron a Washington, DC, y trabajaron juntos durante un tiempo, analizando las implicaciones de este tipo de pintura. [54] [55]
En la pintura abstracta durante las décadas de 1950 y 1960, surgieron varias nuevas direcciones, como la pintura de bordes duros ejemplificada por John McLaughlin . Mientras tanto, como reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto, otras formas de abstracción geométrica comenzaron a aparecer en los estudios de artistas y en los círculos de vanguardia radical . Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción pospictórica; al comisariar una influyente exposición de nueva pintura que recorrió importantes museos de arte en todo Estados Unidos en 1964. La pintura de campos de color , la pintura de bordes duros y la abstracción lírica [56] surgieron como nuevas direcciones radicales.
Desde mediados de la década de 1970 se ha argumentado que el estilo atrajo la atención, a principios de la década de 1950, de la CIA , que lo vio como representativo de los EE. UU. como un refugio de libre pensamiento y libre mercado, así como un desafío tanto a los estilos realistas socialistas prevalecientes en las naciones comunistas como al dominio de los mercados de arte europeos. [57] El libro de Frances Stonor Saunders , [ cita requerida ] The Cultural Cold War—The CIA and the World of Arts and Letters , [58] (publicado en el Reino Unido como Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War ) detalla cómo la CIA financió y organizó la promoción de los expresionistas abstractos estadounidenses como parte del imperialismo cultural a través del Congreso para la Libertad Cultural de 1950 a 1967. En particular, la serie Elegy to the Spanish Republic de Robert Motherwell abordó algunas de esas cuestiones políticas. Tom Braden , jefe fundador de la División de Organizaciones Internacionales (IOD) de la CIA y ex secretario ejecutivo del Museo de Arte Moderno , dijo en una entrevista: "Creo que era la división más importante que tenía la agencia, y creo que jugó un papel enorme en la Guerra Fría". [59]
Frente a esta tradición revisionista, un ensayo de Michael Kimmelman , crítico de arte jefe de The New York Times , titulado Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War , afirma que gran parte de esa información sobre lo que estaba sucediendo en la escena artística estadounidense durante los años 1940 y 1950, así como la interpretación que los revisionistas hacen de ella, es falsa o está descontextualizada. [60] Otros libros sobre el tema incluyen Art in the Cold War , de Christine Lindey, que también describe el arte de la Unión Soviética en la misma época, y Pollock and After , editado por Francis Frascina, que reimprimió el artículo de Kimmelman.
El pintor canadiense Jean-Paul Riopelle (1923-2002), miembro del grupo de inspiración surrealista con sede en Montreal Les Automatistes , ayudó a introducir un estilo relacionado con el impresionismo abstracto en el mundo del arte parisino a partir de 1949. El libro innovador de Michel Tapié , Un Art Autre (1952), también fue enormemente influyente en este sentido. Tapié también fue un curador y organizador de exposiciones que promovió las obras de Pollock y Hans Hofmann en Europa. En la década de 1960, el efecto inicial del movimiento había sido asimilado, pero sus métodos y defensores siguieron siendo muy influyentes en el arte, afectando profundamente el trabajo de muchos artistas que lo siguieron. El expresionismo abstracto precedió al tachismo , la pintura de campos de color , la abstracción lírica , Fluxus , el arte pop , el minimalismo , el posminimalismo , el neoexpresionismo y los otros movimientos de los años sesenta y setenta e influyó en todos los movimientos posteriores que evolucionaron. Los movimientos que fueron respuestas directas y rebeliones contra el expresionismo abstracto comenzaron con la pintura de bordes duros ( Frank Stella , Robert Indiana y otros) y los artistas pop , en particular Andy Warhol , Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein, que alcanzaron prominencia en los EE. UU., acompañados por Richard Hamilton en Gran Bretaña. Robert Rauschenberg y Jasper Johns en los EE. UU. formaron un puente entre el expresionismo abstracto y el arte pop. El minimalismo fue ejemplificado por artistas como Donald Judd , Robert Mangold y Agnes Martin .
Sin embargo, muchos pintores, como Jules Olitski , Joan Mitchell y Antoni Tàpies continuaron trabajando en el estilo expresionista abstracto durante muchos años, extendiendo y expandiendo sus implicaciones visuales y filosóficas, como muchos artistas abstractos continúan haciéndolo hoy en día, en estilos descritos como Abstracción Lírica , Neoexpresionismo y otros.
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, un grupo de artistas neoyorquinos inició una de las primeras escuelas de artistas reales en Estados Unidos, lo que dio origen a una nueva era en el arte estadounidense: el expresionismo abstracto. Esto condujo al auge del arte estadounidense que trajo consigo estilos como el arte pop . Esto también ayudó a convertir a Nueva York en un centro cultural y artístico. [61]
Los expresionistas abstractos valoran el organismo por encima del todo estático, el devenir por encima del ser, la expresión por encima de la perfección, la vitalidad por encima del acabado, la fluctuación por encima del reposo, el sentimiento por encima de la formulación, lo desconocido por encima de lo conocido, lo velado por encima de lo claro, el individuo por encima de la sociedad y lo interior por encima de lo exterior. [62]
— William C. Seitz, artista e historiador del arte estadounidense
El pintor favorito de [Thomas] Hess, Willem de Kooning... me dejó muy claro en una conversación en 1954 que él y Jackson Pollock consideraban a Bloom, a quien habían descubierto en
Americans 1942
, 'el primer artista expresionista abstracto en Estados Unidos'".
Esta parte de su obra no se ha visto en profundidad durante muchos años y confirma su condición de abstraccionista de primera línea de la Escuela de Nueva York. Pocas veces un pintor tiene tanto control sobre el color intenso; por ejemplo, en 'No.6 (Montauk)', en el que la agudeza de los contrastes complementarios se silencia y armoniza sutilmente. Una compleja superposición interactiva anima las superficies pintadas, que a menudo ocultan tanto como revelan. Las formas orgánicas y caligráficas compiten por su posición, pero se mantienen firmemente en su lugar gracias a una estructura implícita. Sin embargo, no se trata de meros ejercicios formales virtuosos; sus corrientes emocionales subyacentes son tan fuertes como sus cualidades técnicas.
