James Abbott McNeill Whistler RBA ( / ˈw ɪ s l ər / ; 10 de julio de 1834 - 17 de julio de 1903) fue un pintor y grabador estadounidense al óleo y acuarela , activo durante la Edad Dorada estadounidense y radicado principalmente en el Reino Unido. . Evitó el sentimentalismo y las alusiones morales en la pintura y fue un destacado defensor del credo " el arte por el arte ".
Su firma para sus pinturas tomó la forma de una mariposa estilizada con un largo aguijón añadido como cola. [1] El símbolo combinaba ambos aspectos de su personalidad: su arte está marcado por una sutil delicadeza, mientras que su personalidad pública era combativa. Encontró un paralelo entre la pintura y la música, y tituló muchas de sus pinturas "arreglos", "armonías" y "nocturnos" , enfatizando la primacía de la armonía tonal. [2] Su pintura más famosa, Arreglo en gris y negro No. 1 (1871), comúnmente conocida como La madre de Whistler , es un retrato venerado y a menudo parodiado de la maternidad. Whistler influyó en el mundo del arte y en la cultura más amplia de su época con sus teorías estéticas y sus amistades con otros artistas y escritores destacados. [3]
James Abbott Whistler nació en Lowell, Massachusetts el 10 de julio de 1834, [4] [5] [6] el primer hijo de Anna McNeill Whistler y George Washington Whistler , y hermano mayor del cirujano confederado William McNeill Whistler . [ cita necesaria ]
En años posteriores, Whistler exaltó la conexión de su madre con el sur de Estados Unidos y sus raíces, y se presentó como un aristócrata sureño empobrecido , aunque no está claro hasta qué punto simpatizó realmente con la causa sureña durante la Guerra Civil estadounidense . Adoptó el apellido de soltera de su madre después de su muerte, usándolo como segundo nombre adicional. [7]
Su padre era ingeniero ferroviario y Anna fue su segunda esposa. James vivió los primeros tres años de su vida en una casa modesta en 243 Worthen Street en Lowell, Massachusetts. [8] La casa es ahora el Museo de Arte Whistler House , un museo dedicado a él. [9] Reclamó San Petersburgo, Rusia, como su lugar de nacimiento durante el juicio de Ruskin: "Naceré cuando y donde quiera, y no elijo nacer en Lowell". [10]
Whistler era un niño de mal humor, propenso a ataques de mal genio e insolencia, y a menudo caía en períodos de pereza después de ataques de enfermedad. Sus padres descubrieron que dibujar a menudo lo tranquilizaba y le ayudaba a centrar su atención. [11]
La familia se mudó de Lowell a Stonington, Connecticut en 1837, donde su padre trabajaba para Stonington Railroad . Tres de los hijos de la pareja murieron en la infancia durante este período. [8] Su fortuna mejoró considerablemente en 1839 cuando su padre se convirtió en ingeniero jefe del ferrocarril de Boston y Albany , [12] y la familia construyó una mansión en Springfield, Massachusetts , donde ahora se encuentra el Museo de Historia de la Madera . Vivieron en Springfield hasta que abandonaron los Estados Unidos hacia Rusia a finales de 1842. [13]
En 1842, Nicolás I de Rusia reclutó a su padre para diseñar un ferrocarril en Rusia. El Emperador se enteró del ingenio de George Whistler en la ingeniería del Viaducto de Cantón para el Ferrocarril de Boston y Albany, y le ofreció un puesto en la ingeniería del Ferrocarril San Petersburgo-Moscú . El resto de la familia se mudó a San Petersburgo para reunirse con él en el invierno de 1842/43. [7]
Después de mudarse a San Petersburgo, el joven Whistler tomó lecciones de arte privadas y luego se matriculó en la Academia Imperial de las Artes a los once años. [10] El joven artista siguió el plan de estudios tradicional de dibujo a partir de moldes de yeso y ocasionalmente modelos vivos, se deleitó en la atmósfera de charla sobre arte con compañeros mayores y complació a sus padres con una nota de primera clase en anatomía. [14] En 1844, conoció al destacado artista Sir William Allan , quien llegó a Rusia con el encargo de pintar una historia de la vida de Pedro el Grande . La madre de Whistler anotó en su diario: "el gran artista me comentó: 'Tu pequeño tiene un genio poco común, pero no lo presiones más allá de sus inclinaciones'" .
En 1847-1848, su familia pasó algún tiempo en Londres con unos parientes, mientras que su padre permaneció en Rusia. El cuñado de Whistler , Francis Haden , médico y artista, estimuló su interés por el arte y la fotografía. Haden llevó a Whistler a visitar coleccionistas y a conferencias, y le regaló un juego de acuarelas con instrucciones. [ cita necesaria ]
Whistler ya imaginaba una carrera artística. Comenzó a coleccionar libros sobre arte y estudió las técnicas de otros artistas. Cuando Sir William Boxall pintó su retrato en 1848, el joven Whistler exclamó que el retrato era "muy parecido a mí y un cuadro muy fino. El Sr. Boxall es un hermoso colorista... Es una hermosa superficie cremosa, y parece tan rico." [16] En su floreciente entusiasmo por el arte, a los quince años, informó a su padre por carta de su futura dirección: "Espero, querido padre, que no se oponga a mi elección". [17] Su padre, sin embargo, murió de cólera a la edad de 49 años, y la familia Whistler se mudó de regreso a la ciudad natal de su madre, Pomfret, Connecticut . [ cita necesaria ] [18]
La familia vivía frugalmente y se las arreglaba para sobrevivir con unos ingresos limitados. Sus planes artísticos seguían siendo vagos y su futuro incierto. Su primo informó que Whistler en ese momento era "delgado, con un rostro pensativo y delicado, sombreado por suaves rizos castaños... tenía una apariencia y modales un tanto extraños, que, ayudados por habilidades naturales, lo hacían muy encantador, incluso en de esa edad." [19]
Whistler fue enviado a la escuela Christ Church Hall con la esperanza de su madre de que se convirtiera en ministro. [20] Whistler rara vez estaba sin su cuaderno de bocetos y era popular entre sus compañeros de clase por sus caricaturas . [21] Sin embargo, quedó claro que una carrera religiosa no le convenía, por lo que postuló a la Academia Militar de los Estados Unidos en West Point, donde su padre había enseñado dibujo y otros familiares habían asistido. Fue admitido en la institución altamente selectiva en julio de 1851 gracias a su apellido, a pesar de su extrema miopía y su pobre historial de salud. [22] Sin embargo, durante sus tres años allí, sus calificaciones fueron apenas satisfactorias y era un espectáculo lamentable en el ejercicio y la vestimenta, conocido como "Curly" por la longitud de su cabello que excedía las regulaciones. Whistler se resistió a la autoridad, soltó comentarios sarcásticos y acumuló deméritos . El coronel Robert E Lee era el superintendente de West Point y, después de una considerable indulgencia hacia Whistler, no tuvo más remedio que despedir al joven cadete. El mayor logro de Whistler en West Point fue aprender a dibujar y hacer mapas del artista estadounidense Robert W. Weir . [20]
Su salida de West Point parece haber sido precipitada por un fracaso en un examen de química en el que se le pidió que describiera el silicio y comenzó diciendo: "El silicio es un gas ". Como él mismo dijo más tarde: "Si el silicio fuera un gas, algún día yo habría sido general". [23] Sin embargo, una anécdota separada sugiere una mala conducta en la clase de dibujo como la razón de la partida de Whistler. [24]
Después de West Point, Whistler trabajó como dibujante trazando mapas de toda la costa estadounidense con fines militares y marítimos. [25] Encontraba el trabajo aburrido y con frecuencia llegaba tarde o faltaba. Pasaba gran parte de su tiempo libre jugando al billar y holgazaneando, siempre estaba sin dinero y, aunque era encantador, conocía poco a las mujeres. [26] Después de que se descubrió que estaba dibujando serpientes marinas, sirenas y ballenas en los márgenes de los mapas, fue transferido a la división de grabado del United States Coast Survey . Estuvo allí sólo dos meses, pero aprendió la técnica del grabado que más tarde resultó valiosa para su carrera. [20]
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En ese momento, Whistler decidió firmemente que el arte sería su futuro. Durante unos meses vivió en Baltimore con un amigo rico, Tom Winans, quien incluso proporcionó a Whistler un estudio y algo de dinero para gastar. El joven artista hizo algunos contactos valiosos en la comunidad artística y también vendió algunas de sus primeras pinturas a Winans. Whistler rechazó las sugerencias de su madre sobre otras carreras más prácticas y le informó que con dinero de Winans se disponía a ampliar su formación artística en París. Whistler nunca regresó a Estados Unidos. [27]
Whistler llegó a París en 1855, alquiló un estudio en el Barrio Latino y rápidamente adoptó la vida de un artista bohemio. Pronto tuvo una novia francesa, una modista llamada Héloise. [28] Estudió métodos artísticos tradicionales durante un breve período en la Ecole Impériale y en el taller de Charles Gleyre . Este último fue un gran defensor de la obra de Ingres , e impresionó a Whistler con dos principios que utilizó durante el resto de su carrera: que la línea es más importante que el color y que el negro es el color fundamental de la armonía tonal. [29] Veinte años más tarde, los impresionistas derrocarían en gran medida esta filosofía, prohibiendo el negro y el marrón como "colores prohibidos" y enfatizando el color sobre la forma. Whistler prefería estudiar por su cuenta y disfrutar de la vida del café. [20]
Si bien las cartas enviadas desde casa informaban de los esfuerzos de su madre por ahorrar, Whistler gastó libremente, vendió poco o nada durante su primer año en París y tenía deudas constantes. [30] Para aliviar la situación, se dedicó a pintar y vender copias de obras del Louvre y finalmente se mudó a viviendas más baratas. Quiso la suerte que la llegada a París de George Lucas, otro amigo rico, ayudara a estabilizar las finanzas de Whistler durante un tiempo. A pesar del respiro financiero, el invierno de 1857 fue difícil para Whistler. Su mala salud, agravada por el consumo excesivo de alcohol y tabaco, lo deprimió. [31]
Las condiciones mejoraron durante el verano de 1858. Whistler se recuperó y viajó con su colega artista Ernest Delannoy por Francia y Renania. Posteriormente produjo un grupo de grabados conocidos como "El conjunto francés", con la ayuda del maestro impresor francés Auguste Delâtre . Durante ese año, pintó su primer autorretrato, Retrato de Whistler con sombrero , una obra oscura y densamente renderizada que recuerda a Rembrandt . [10] Pero el acontecimiento de mayor importancia ese año fue su amistad con Henri Fantin-Latour , a quien conoció en el Louvre. A través de él, Whistler conoció el círculo de Gustave Courbet , que incluía a Carolus-Duran (más tarde maestro de John Singer Sargent ), Alphonse Legros y Édouard Manet . [20]
También en este grupo estaba Charles Baudelaire , cuyas ideas y teorías del arte "moderno" influyeron en Whistler. Baudelaire desafió a los artistas a examinar la brutalidad de la vida y la naturaleza y a retratarlas fielmente, evitando los viejos temas de la mitología y la alegoría. [32] Théophile Gautier , uno de los primeros en explorar las cualidades de traducción entre el arte y la música, puede haber inspirado a Whistler a ver el arte en términos musicales. [33]
Reflejando la bandera de su círculo adoptivo del movimiento artístico Realismo , Whistler pintó su primera obra expuesta, La Mère Gérard en 1858. Siguió pintando At the Piano en 1859 en Londres, que adoptó como su hogar, mientras visitaba regularmente a amigos en Francia. At the Piano es un retrato compuesto por su sobrina y su madre en su sala de música de Londres, un esfuerzo que mostró claramente su talento y promesa. Un crítico escribió: "[a pesar de] una manera imprudentemente audaz y unos bocetos del tipo más salvaje y tosco, [tiene] un sentimiento genuino por el color y un espléndido poder de composición y diseño, que evidencian una apreciación justa de la naturaleza muy rara entre los artistas. ". [34] La obra no es sentimental y contrasta efectivamente a la madre vestida de negro y a la hija vestida de blanco, con otros colores que se mantienen restringidos en la forma aconsejada por su maestro Gleyre . Se exhibió en la Royal Academy al año siguiente y en muchas exhibiciones futuras. [33]
En una segunda pintura ejecutada en la misma sala, Whistler demostró su inclinación natural hacia la innovación y la novedad al diseñar una escena de género con una composición y escorzos inusuales. Más tarde fue retitulado Harmony in Green and Rose: The Music Room . [35] Esta pintura también demostró el patrón de trabajo continuo de Whistler, especialmente con retratos: un comienzo rápido, ajustes importantes, un período de abandono, luego una ráfaga final hasta el final. [34]
Después de un año en Londres, produjo una serie de grabados en 1860 llamado Thames Set, como contrapunto a su serie francesa de 1858, así como algunas de sus primeras obras impresionistas, incluida The Thames in Ice . En esta etapa comenzaba a establecer su técnica de armonía tonal basada en una paleta limitada y predeterminada. [36]
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En 1861, después de regresar a París por un tiempo, Whistler pintó su primera obra famosa, Sinfonía en blanco, n.° 1: La muchacha blanca . El retrato de su amante y directora comercial Joanna Hiffernan fue creado como un sencillo estudio en blanco; sin embargo, otros lo vieron de otra manera. El crítico Jules-Antoine Castagnary pensó que la pintura era una alegoría de la inocencia perdida de una nueva novia. Otros lo vincularon con La mujer de blanco de Wilkie Collins , una novela popular de la época, o con otras fuentes literarias. En Inglaterra, algunos lo consideraban una pintura al estilo prerrafaelita . [37] En la pintura, Hiffernan sostiene un lirio en su mano izquierda y se para sobre una alfombra de piel de lobo (interpretada por algunos como representación de masculinidad y lujuria) con la cabeza del lobo mirando amenazadoramente al espectador. El retrato fue rechazado para ser exhibido en la conservadora Royal Academy, pero se mostró en una galería privada bajo el título La mujer de blanco . En 1863, se mostró en el Salón de los Rechazados de París, evento patrocinado por el emperador Napoleón III para la exposición de obras rechazadas del Salón . [38]
La pintura de Whistler fue ampliamente notada, aunque eclipsada por la pintura más impactante de Manet, Le déjeuner sur l'herbe . Contrarrestando las críticas de los tradicionalistas, los partidarios de Whistler insistieron en que la pintura era "una aparición con un contenido espiritual" y que personificaba su teoría de que el arte debería preocuparse esencialmente por la disposición de los colores en armonía, no por una representación literal del mundo natural. [39]
Dos años más tarde, Whistler pintó otro retrato de Hiffernan en blanco, esta vez mostrando su nuevo interés por los motivos asiáticos, al que tituló La pequeña niña blanca . Su Dama de la tierra Lijsen y El biombo dorado , ambas terminadas en 1864, retratan nuevamente a su amante, con vestimenta y entorno asiáticos aún más enfáticos. [40]
Durante este período, Whistler se hizo cercano a Gustave Courbet , uno de los primeros líderes de la escuela realista francesa, pero cuando Hiffernan modeló desnuda para Courbet, Whistler se enfureció y su relación con Hiffernan comenzó a desmoronarse. [41]
En enero de 1864, la muy religiosa y muy apropiada madre de Whistler llegó a Londres, alterando la existencia bohemia de su hijo y exacerbando temporalmente las tensiones familiares. Como escribió a Henri Fantin-Latour : "¡¡Conmoción general!! Tuve que vaciar mi casa y purificarla desde el sótano hasta el alero". También trasladó inmediatamente a Hiffernan a otro lugar. [42]
A partir de 1866, Whistler estableció su hogar en Chelsea, Londres , un área popular entre los artistas, primero en Cheyne Walk , luego un desafortunado traslado a Tite Street y finalmente a Upper Church Street. [43]
En 1866, Whistler decidió visitar Valparaíso, Chile , viaje que ha desconcertado a los estudiosos, aunque Whistler afirmó que lo hizo por motivos políticos. Chile estaba en guerra con España y quizás Whistler pensó que era una lucha heroica de una nación pequeña contra una más grande, pero ninguna evidencia respalda esa teoría. [42] Lo que el viaje produjo fueron las primeras tres pinturas nocturnas de Whistler (que originalmente denominó "luces de luna"): escenas nocturnas del puerto pintadas con una paleta de azul o verde claro. [ cita necesaria ]
Después de regresar a Londres, pintó varios nocturnos más durante los siguientes diez años, muchos de ellos del río Támesis y de los jardines Cremorne , un parque de atracciones famoso por sus frecuentes exhibiciones de fuegos artificiales , que presentaban un nuevo desafío para pintar. En sus nocturnos marítimos, Whistler utilizó pintura muy diluida como fondo con un color ligeramente agitado para sugerir barcos, luces y la línea costera. [44] Algunas de las pinturas del Támesis también muestran similitudes compositivas y temáticas con los grabados japoneses de Hiroshige . [45]
En 1872, Whistler le dio crédito a su mecenas Frederick Leyland , un músico aficionado devoto de Chopin , por sus títulos de inspiración musical.
¡Digo que no puedo agradecerles demasiado por el nombre 'Nocturne' como título para mis luces de luna! No tienes idea de lo irritante que resulta para los críticos y del consiguiente placer para mí; además, es realmente tan encantador y dice tan poéticamente todo lo que quiero decir, ¡y nada más de lo que deseo! [46]
En ese momento, Whistler pintó otro autorretrato y lo tituló Arrangement in Gray: Portrait of the Painter [47] (c. 1872), y también comenzó a retitular muchas de sus obras anteriores utilizando términos asociados con la música, como como " nocturno ", " sinfonía ", " armonía ", " estudio " o " arreglo ", para enfatizar las cualidades tonales y la composición y restar importancia al contenido narrativo. [46] Los nocturnos de Whistler se encuentran entre sus obras más innovadoras. Además, su presentación de varios nocturnos al marchante de arte Paul Durand-Ruel después de la guerra franco-prusiana le dio a Whistler la oportunidad de explicar su "teoría del arte" en evolución a artistas, compradores y críticos en Francia. [48]
Su buen amigo Fantin-Latour , cada vez más reaccionario en sus opiniones, especialmente en su negatividad respecto de la emergente escuela impresionista, encontró las nuevas obras de Whistler sorprendentes y confusas. Fantin-Latour admitió: "No entiendo nada de eso; es extraño cómo uno cambia. Ya no lo reconozco". Su relación estaba casi a su fin para entonces, pero continuaron compartiendo opiniones en correspondencia ocasional. [49]
Cuando Edgar Degas invitó a Whistler a exponer con la primera exposición de los impresionistas en 1874, Whistler rechazó la invitación, al igual que Manet , y algunos estudiosos atribuyeron esto en parte a la influencia de Fantin-Latour en ambos hombres. [50]
La guerra franco-prusiana de 1870 fragmentó la comunidad artística francesa. Numerosos artistas se refugiaron en Inglaterra, uniéndose a Whistler, entre ellos Camille Pissarro y Claude Monet , mientras que Manet y Degas permanecieron en Francia. Al igual que Whistler, Monet y Pissarro centraron sus esfuerzos en las vistas de la ciudad, y es probable que Whistler estuviera expuesto a la evolución del impresionismo fundado por estos artistas y que hubieran visto sus nocturnos. [51] Whistler se estaba alejando del "maldito realismo" de Courbet y su amistad se había debilitado, al igual que su relación con Joanna Hiffernan. [52]
En 1871, Whistler volvió a los retratos y pronto produjo su pintura más famosa, la figura casi monocromática de cuerpo entero titulada Arreglo en gris y negro n.° 1 , pero a la que generalmente se hace referencia como La madre de Whistler . Un día una modelo no apareció, según una carta de su madre, por lo que Whistler se dirigió a su madre y le sugirió que le hiciera un retrato. Al principio la hizo ponerse de pie, en su habitual forma lenta y experimental, pero resultó demasiado agotador, por lo que adoptó la postura sentada. Fueron necesarias decenas de sesiones para completarlo. [53]
El retrato austero en su paleta normalmente limitada es otro ejercicio de Whistler en armonía tonal y composición. El diseño engañosamente simple es de hecho un acto de equilibrio entre diferentes formas, particularmente los rectángulos de la cortina, el cuadro en la pared y el piso que estabilizan la curva de su rostro, vestido y silla. Whistler comentó que la narrativa de la pintura tenía poca importancia, [54] sin embargo, la pintura también rendía homenaje a su piadosa madre. Después del impacto inicial de mudarse con su hijo, lo ayudó considerablemente estabilizando un poco su comportamiento, atendiendo sus necesidades domésticas y brindándole un aura de respetabilidad conservadora que ayudó a ganarse a sus clientes. [53]
El público reaccionó negativamente a la pintura, principalmente debido a su simplicidad anti-victoriana durante una época en Inglaterra en la que el sentimentalismo y la decoración extravagante estaban de moda. Los críticos consideraron que la pintura era un "experimento" fallido más que una obra de arte. La Real Academia lo rechazó, pero luego lo aceptó de mala gana tras la presión de Sir William Boxall , pero lo colgaron en un lugar desfavorable de su exposición. [55]
Desde el principio, La madre de Whistler provocó diversas reacciones, incluidas la parodia, el ridículo y la reverencia, que continúan hasta el día de hoy. Algunos lo vieron como "el sentimiento digno de la anciana", "un grave sentimiento de duelo" o un "símbolo perfecto de la maternidad"; otros lo emplearon como vehículo apropiado para la burla. Ha sido satirizado en infinitas variaciones en tarjetas de felicitación y revistas, y por personajes de dibujos animados como el pato Donald y el alce Bullwinkle . [56] Whistler hizo su parte en la promoción de la imagen y popularización de la imagen. Lo exhibió con frecuencia y autorizó las primeras reproducciones que llegaron a miles de hogares. [57] La pintura escapó por poco de ser quemada en un incendio a bordo de un tren durante el envío. [55] Finalmente fue comprada por el gobierno francés, la primera obra de Whistler en una colección pública, y ahora se encuentra en el Museo de Orsay en París.
Durante la Gran Depresión en los Estados Unidos, la imagen fue anunciada como una pintura de "un millón de dólares" y fue un gran éxito en la Feria Mundial de Chicago de 1933-1934 . Fue aceptado como un ícono universal de la maternidad por el público mundial, que no estaba particularmente consciente ni preocupado por las teorías estéticas de Whistler. En reconocimiento a su estatus y popularidad, Estados Unidos emitió un sello postal en 1934 con una adaptación de la pintura. [58]
En 2015, el crítico neoyorquino Peter Schjeldahl escribió que "sigue siendo la obra estadounidense más importante que reside fuera de los Estados Unidos". [59] Martha Tedeschi escribe:
La Madre de Whistler , el American Gothic de Wood , la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El Grito de Edvard Munch han logrado algo que la mayoría de las pinturas—independientemente de su importancia histórica artística, su belleza o su valor monetario—no han logrado: comunicar una significado específico casi de inmediato para casi todos los espectadores. Estas pocas obras han logrado la transición del ámbito de élite del visitante del museo al enorme recinto de la cultura popular. [60]
Otros retratos importantes de Whistler incluyen los de Thomas Carlyle (historiador, 1873), Maud Franklin (su amante, 1876), Cicely Alexander (hija de un banquero londinense, 1873), Lady Meux (socialité, 1882) y Théodore Duret (crítico). , 1884). En la década de 1870, Whistler pintó retratos de cuerpo entero de su benefactor Frederick Leyland y su esposa Frances. Posteriormente, Leyland encargó al artista que decorara su comedor (ver Peacock Room a continuación). [61]
Whistler se había sentido decepcionado por la aceptación irregular de sus obras para las exposiciones de la Royal Academy y por la mala colocación y colocación de sus pinturas. En respuesta, Whistler organizó su primera exposición individual en 1874. Sin embargo, la exposición fue notable y notada por el diseño y la decoración de la sala por parte de Whistler, que armonizaba bien con las pinturas, de acuerdo con sus teorías artísticas. Un crítico escribió: "El visitante queda impresionado, al entrar en la galería, con una curiosa sensación de armonía y aptitud que la impregna, y quizás esté más interesado en el efecto general que en cualquier obra en particular". [62]
Whistler no tuvo tanto éxito como retratista como el otro famoso expatriado estadounidense, John Singer Sargent . La sobria técnica de Whistler y su renuencia a halagar a sus modelos, así como su notoriedad, pueden explicar esto. También trabajaba muy lentamente y exigía sesiones extraordinariamente largas. William Merritt Chase se quejó de haber posado para un retrato de Whistler: "Resultó ser un verdadero tirano, pintando todos los días hasta el crepúsculo, mientras mis miembros me dolían de cansancio y mi cabeza daba vueltas vertiginosas. '¡No te muevas! No te muevas". ¡mover!' Él gritaba cada vez que empezaba a descansar". [63] Cuando obtuvo una amplia aceptación en la década de 1890, Whistler había pasado su mejor momento como retratista. [64]
El enfoque de Whistler hacia el retrato en su madurez tardía fue descrito por uno de sus modelos, Arthur J. Eddy, quien posó para el artista en 1894:
Trabajó con gran rapidez y muchas horas, pero utilizó colores finos y cubrió el lienzo con innumerables capas de pintura. Los colores aumentaron en profundidad e intensidad a medida que avanzaba el trabajo. Al principio toda la figura estaba pintada en tonos marrón grisáceo, con muy poco color de carne, combinándose todo perfectamente con el marrón grisáceo del lienzo preparado; entonces todo el trasfondo se intensificaría un poco; luego la figura se hizo un poco más fuerte; luego el trasfondo, y así sucesivamente de día en día y de semana en semana, y a menudo de mes en mes. ... Y así el retrato realmente crecería, realmente se desarrollaría como un todo, de la misma manera que un negativo bajo la acción de los productos químicos sale gradualmente: luces, sombras y todo, desde los primeros indicios débiles hasta sus valores plenos. Era como si el retrato estuviera escondido dentro del lienzo y el maestro, al pasar su varita día tras día sobre la superficie, evocara la imagen. [sesenta y cinco]
Whistler produjo numerosos grabados, litografías y punta seca . Sus litografías, algunas dibujadas sobre piedra, otras dibujadas directamente sobre papel "litográfico", son quizás la mitad de numerosas que sus grabados. Algunas de las litografías son de figuras ligeramente drapeadas; dos o tres de los mejores son temas del Támesis, incluido un "nocturno" en Limehouse ; mientras que otros representan el Faubourg Saint-Germain en París y las iglesias georgianas en Soho y Bloomsbury en Londres. [66]
Los grabados incluyen retratos de familiares, amantes y escenas callejeras íntimas de Londres y Venecia . [68] Whistler ganó una enorme reputación como grabador. Martin Hardie escribió: "Hay quienes lo sitúan junto a Rembrandt, quizás por encima de Rembrandt, como el mayor maestro de todos los tiempos. Personalmente, prefiero considerarlos como Júpiter y Venus, los más grandes y brillantes entre los planetas del cielo del grabador". [69] Tuvo mucho cuidado en la impresión de sus aguafuertes y en la elección del papel. Al principio y al final de su carrera, puso gran énfasis en la limpieza de las líneas, aunque en un período intermedio experimentó más con el entintado y el uso del tono superficial . [70]
La famosa firma de mariposa de Whistler se desarrolló por primera vez en la década de 1860 debido a su interés por el arte asiático. Estudió las marcas del alfarero en la porcelana que había comenzado a coleccionar y decidió diseñar un monograma de sus iniciales. Con el tiempo, esto evolucionó hasta adoptar la forma de una mariposa abstracta. Alrededor de 1880, añadió un aguijón a la imagen de la mariposa para crear una marca que representara tanto su naturaleza gentil y sensible como su espíritu provocativo y luchador. [71] Tuvo mucho cuidado en la colocación adecuada de la imagen tanto en sus pinturas como en sus marcos hechos a medida. Su enfoque en la importancia del equilibrio y la armonía se extendió más allá del marco, hasta la ubicación de sus pinturas en sus entornos y, más allá, hasta el diseño de un elemento arquitectónico completo, como en la Sala del Pavo Real. [48]
Armonía en azul y oro: The Peacock Room [72] es la obra maestra del arte mural decorativo de interiores de Whistler. Pintado en 1876-1877, ahora se considera un gran ejemplo del estilo anglojaponés .
Frederick Leyland dejó la sala al cuidado de Whistler para realizar cambios menores, "para armonizar" la sala cuyo propósito principal era exhibir la colección de porcelana de Leyland. Pintó sobre la habitación con paneles original diseñada por Thomas Jeckyll (1827-1881), en una paleta unificada de brillantes azules verdosos con vidriado excesivo y pan de oro metálico. [ cita necesaria ]
Sin embargo, Whistler dejó volar su imaginación: "Bueno, ya sabes, simplemente seguí pintando. Continué, sin diseño ni boceto, poniendo cada toque con tanta libertad... Y la armonía en azul y oro se desarrolló, ¿sabes? , Lo olvidé todo en mi alegría". Pintó completamente sobre revestimientos de paredes de cuero cordobés del siglo XVI traídos por primera vez a Gran Bretaña por Catalina de Aragón y por los que Leyland había pagado £ 1,000. [73]
Habiendo adquirido la pieza central de la sala, el cuadro de Whistler de La princesa de la tierra de la porcelana , el industrial y esteta estadounidense Charles Lang Freer compró la sala entera en 1904 a los herederos de Leyland, incluida la hija de Leyland y su marido, el artista británico Val Prinsep . Freer luego instaló el contenido de la Peacock Room en su mansión de Detroit . Después de la muerte de Freer en 1919, The Peacock Room se instaló permanentemente en la Galería de Arte Freer del Smithsonian en Washington, DC. La galería se abrió al público en 1923. [74] Una gran caricatura pintada por Whistler de Leyland que lo retrata como un antropomórfico pavo real tocando el piano, y titulado The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre [75] –un juego de palabras con la afición de Leyland por las pecheras de las camisas con volantes– fue adquirido por la colección de los Museos de Bellas Artes de San Francisco . [ cita necesaria ]
En 1877, Whistler demandó al crítico John Ruskin después de que el crítico condenara su pintura Nocturno en negro y oro: la caída del cohete . Whistler expuso la obra en la Grosvenor Gallery , una alternativa a la exposición de la Royal Academy, junto con obras de Edward Burne-Jones y otros artistas. Ruskin, que había sido un campeón de los prerrafaelitas y de JMW Turner , revisó el trabajo de Whistler en su publicación Fors Clavigera el 2 de julio de 1877. Ruskin elogió a Burne-Jones, mientras atacaba a Whistler:
Por el propio señor Whistler, no menos que por la protección del comprador, Sir Coutts Lindsay [fundador de la Grosvenor Gallery] no debería haber admitido en la galería obras en las que la presunción mal educada del artista se acercaba tanto a la realidad. aspecto de impostura deliberada. He visto y oído mucho del descaro cockney hasta ahora; pero nunca esperé oír a un imbécil pedir doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público. [76]
Whistler, al ver el ataque en el periódico, respondió a su amigo George Boughton : "Es el estilo de crítica más degradante que me han lanzado hasta ahora". Luego acudió a su abogado y redactó una orden por difamación , que fue entregada a Ruskin. [77] Whistler esperaba recuperar £1.000 más los costos de la acción. El caso llegó a juicio al año siguiente después de retrasos causados por los ataques de enfermedad mental de Ruskin, mientras la situación financiera de Whistler continuaba deteriorándose. [78] Se escuchó en la División de Hacienda del Tribunal Superior los días 25 y 26 de noviembre de 1878, ante el barón Huddleston y un jurado especial. [79] Abogado de John Ruskin, Fiscal General Sir John Holker , interrogó a Whistler:
Holker: "¿Cuál es el tema de Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket ?"
Whistler: "Es una pieza nocturna y representa los fuegos artificiales en Cremorne Gardens ".
Holker: "¿No hay una vista de Cremorne?"
Whistler: "Si se tratara de Una vista de Cremorne, ciertamente no provocaría más que decepción por parte de los espectadores. Es un arreglo artístico. Por eso lo llamo nocturno ..."
Holker: "¿Te tomó mucho tiempo pintar el Nocturno en negro y dorado? ¿Qué tan pronto lo terminaste?"
Whistler: "Oh, 'eliminaré uno' posiblemente en un par de días: un día para hacer el trabajo y otro para terminarlo..." [la pintura mide 24 3/4 x 18 3/8 pulgadas]
Holker: "¿El trabajo de dos días es aquello por lo que pides doscientas guineas?"
Whistler: "No, lo pido por el conocimiento que he adquirido en el trabajo de mi vida". [80]
Whistler había contado con muchos artistas para que se pusieran de su lado como testigos, pero se negaron por temor a dañar su reputación. Los demás testigos a su favor no fueron convincentes y la propia reacción del jurado ante el trabajo fue burlona. Con los testigos de Ruskin más impresionantes, incluido Edward Burne-Jones, y con Ruskin ausente por razones médicas, el contraataque de Whistler fue ineficaz. No obstante, el jurado llegó a un veredicto a favor de Whistler, pero concedió un mero centavo por daños nominales y las costas judiciales se dividieron. [81] El costo del caso, junto con las enormes deudas por la construcción de su residencia ("La Casa Blanca" en Tite Street , Chelsea, diseñada con EW Godwin , 1877-8), lo llevaron a la bancarrota en mayo de 1879, [82] lo que resultó en una subasta de su obra, colecciones y casa. Stansky [83] señala la ironía de que la Sociedad de Bellas Artes de Londres , que había organizado una colección para pagar los costos legales de Ruskin, lo apoyara en el grabado de "Las piedras de Venecia" (y en la exhibición de la serie en 1883), lo que ayudó a recuperar Los costos de Whistler. [ cita necesaria ]
Whistler publicó su relato del juicio en el folleto Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics , [84] incluido en su posterior The Gentle Art of Making Enemies (1890), en diciembre de 1878, poco después del juicio. La gran esperanza de Whistler de que la publicidad del juicio salvara su carrera se desvaneció cuando perdió, en lugar de ganar, popularidad entre sus patrocinadores a causa de ello. Entre sus acreedores se encontraba Leyland, quien supervisó la venta de las posesiones de Whistler. [85] Whistler hizo varias caricaturas de su antiguo mecenas, incluida una mordaz pintura satírica llamada The Gold Scab , justo después de que Whistler se declarara en quiebra. Whistler siempre culpó a Leyland por su caída financiera. [86]
" ¡ Siempre es un placer recordar que en realidad una vez el Sr. Whistler era realmente tímido! Aquellos que tuvieron el placer de escuchar su primer Ten O'Clock deben recordar que cuando se presentó ante su audiencia bastante perpleja y distinguida, hubo algunos minutos de un miedo escénico muy palpable." – Anna Lea Merritt
La vida de James McNeill Whistler , por ER y J. Pennell, volumen 2 (1908) [88]
Después del juicio, Whistler recibió el encargo de realizar doce grabados en Venecia . Aceptó con entusiasmo el encargo y llegó a la ciudad con su novia Maud Franklin , alquilando habitaciones en un palacio en ruinas que compartían con otros artistas, incluido John Singer Sargent. [89] Aunque añora Londres, se adaptó a Venecia y se dedicó a descubrir su carácter. Hizo todo lo posible para distraerse de la tristeza de sus asuntos financieros y de la venta pendiente de todos sus bienes en Sotheby's . Era un invitado habitual en las fiestas del consulado estadounidense y, con su habitual ingenio, encantaba a los invitados con florituras verbales como "la única virtud positiva del artista es la ociosidad, y hay muy pocos que tengan el don para ello". [90]
Sus nuevos amigos informaron, por el contrario, que Whistler se levantaba temprano y se esforzaba todo el día. [91] Le escribió a un amigo: "He aprendido a conocer una Venecia en Venecia que los demás nunca parecen haber percibido y que, si la traigo conmigo como propongo, compensará con creces todas las molestias, retrasos. y aflicciones del espíritu." [92] La asignación de tres meses se extendió a catorce meses. Durante este período excepcionalmente productivo, Whistler terminó más de cincuenta grabados, varios nocturnos, algunas acuarelas y más de 100 pasteles, que ilustran tanto los estados de ánimo de Venecia como sus finos detalles arquitectónicos. [89] Además, Whistler influyó en la comunidad artística estadounidense en Venecia, especialmente en Frank Duveneck (y los "chicos" de Duveneck) y Robert Blum, quienes emularon la visión de Whistler de la ciudad y luego difundieron sus métodos e influencia en Estados Unidos. [93]
De vuelta en Londres, los pasteles se vendieron especialmente bien y bromeó: "No son tan buenos como suponía. ¡Se están vendiendo!". [94] Participó activamente en la exhibición de su otro trabajo, pero con un éxito limitado. Aunque todavía luchaba económicamente, se sintió alentado por la atención y admiración que recibió de la generación más joven de pintores ingleses y estadounidenses que lo convirtieron en su ídolo y adoptaron con entusiasmo el título de "alumno de Whistler". Muchos de ellos regresaron a Estados Unidos y difundieron historias sobre el provocativo egoísmo, el agudo ingenio y las declaraciones estéticas de Whistler, estableciendo la leyenda de Whistler, para su gran satisfacción. [94]
En enero de 1881 murió su madre Anna Whistler. En su honor, adoptó públicamente su apellido de soltera McNeill como segundo nombre. [95]
Whistler publicó su primer libro, Conferencia de las diez en punto en 1885, una importante expresión de su creencia en el " arte por el arte ". En aquella época reinaba la noción victoriana opuesta: que el arte, y de hecho gran parte de la actividad humana, tenía una función moral o social. Para Whistler, sin embargo, el arte era su propio fin y la responsabilidad del artista no era hacia la sociedad, sino hacia sí mismo, interpretar a través del arte y no reproducir ni moralizar lo que veía. [96] Además, afirmó, "la naturaleza rara vez tiene razón", y el artista debe mejorarla con su propia visión. [97]
Aunque discrepaba con Whistler en varios puntos, incluida su insistencia en que la poesía era una forma de arte superior a la pintura, [98] Oscar Wilde fue generoso en sus elogios y aclamó la conferencia como una obra maestra:
no sólo por su ingeniosa sátira y sus divertidas bromas... sino por la belleza pura y perfecta de muchos de sus pasajes... por eso, en mi opinión, es sin duda uno de los más grandes maestros de la pintura. Y debo añadir que en esta opinión el propio Sr. Whistler está totalmente de acuerdo. [96]
Whistler, sin embargo, se sintió burlado por Oscar Wilde y, a partir de entonces, se produjeron enfrentamientos públicos que llevaron a la ruptura total de su amistad, precipitada por un informe escrito por Herbert Vivian . [99] [100] Más tarde, Wilde "asesinó simbólicamente a Whistler", [101] basando a Basil Hallward, el artista asesinado en su novela El retrato de Dorian Gray, en Whistler. [102]
Whistler se unió a la Sociedad de Artistas Británicos en 1884 y el 1 de junio de 1886 fue elegido presidente. Al año siguiente, durante el Jubileo de Oro de la Reina Victoria , Whistler presentó a la Reina, en nombre de la Sociedad, un elaborado álbum que incluía un extenso discurso escrito e ilustraciones que él mismo realizó. La reina Victoria admiró tanto "la hermosa y artística iluminación" que decretó en adelante "que la Sociedad se llamara Real". Este logro fue muy apreciado por los miembros, pero pronto se vio ensombrecido por la disputa que inevitablemente surgió con la Real Academia de las Artes. Whistler propuso que los miembros de la Royal Society se retiraran de la Royal Academy. Esto encendió una disputa dentro de las filas de los miembros que eclipsó todos los demás asuntos de la sociedad. En mayo de 1888, nueve miembros escribieron a Whistler para exigir su dimisión. En la reunión anual del 4 de junio, fue derrotado para la reelección por 18 a 19 votos y nueve abstenciones. Whistler y 25 partidarios dimitieron, [103] mientras que la mayoría anti-Whistler (en su opinión) logró purgarlo por sus "excentricidades" y su origen "no inglés". [104]
Con su relación con Maud Franklin desmoronándose, Whistler repentinamente le propuso matrimonio a Beatrice Godwin (también llamada Beatrix o Trixie), una ex alumna y viuda de su difunto amigo, el arquitecto Edward William Godwin . A través de su amistad con Godwin, Whistler se había vuelto cercano a Beatrice, a quien Whistler pintó en el retrato de cuerpo entero titulado Armonía en rojo: Lamplight (GLAHA 46315). [105] [106] En el verano de 1888, Whistler y Beatrice aparecieron en público como pareja. En una cena, Louise Jopling y Henry Labouchère insistieron en que deberían casarse antes del fin de semana. [107]
La ceremonia nupcial se organizó rápidamente; Como miembro del Parlamento, Labouchère dispuso que el capellán de la Cámara de los Comunes casara a la pareja. [107] No se dio publicidad a la ceremonia para evitar la posibilidad de que una furiosa Maud Franklin interrumpiera la ceremonia de matrimonio. [107] El matrimonio tuvo lugar el 11 de agosto de 1888, con la asistencia de un reportero del Pall Mall Gazette a la ceremonia , por lo que el evento recibió publicidad. La pareja partió poco después hacia París, para evitar cualquier riesgo de una escena con Maud. [107]
La reputación de Whistler en Londres y París iba en aumento y obtuvo críticas positivas de los críticos y nuevos encargos. [108] Su libro El suave arte de hacer enemigos se publicó en 1890 con un éxito desigual, pero proporcionó una publicidad útil. [109]
En 1890, conoció a Charles Lang Freer , quien se convirtió en un valioso mecenas en Estados Unidos y, en última instancia, en su coleccionista más importante. [110] Por esta época, además del retrato, Whistler experimentó con la fotografía en color temprana y con la litografía , creando una serie que presenta la arquitectura de Londres y la figura humana, en su mayoría desnudos femeninos. [111] Contribuyó con las tres primeras litografías de Songs of Stone a The Whirlwind , una revista neojacobita publicada por su amigo Herbert Vivian . [112] Whistler había conocido a Vivian a finales de la década de 1880, cuando ambos eran miembros de la Orden de la Rosa Blanca , la primera de las sociedades neojacobitas. [ cita necesaria ]
En 1891, con la ayuda de su amigo cercano Stéphane Mallarmé , el gobierno francés compró La madre de Whistler por 4.000 francos. Esto era mucho menos de lo que habría pagado un coleccionista estadounidense, pero según los cálculos de Whistler no habría sido tan prestigioso. [113]
Después de una recepción indiferente a su exposición individual en Londres, que incluía principalmente sus nocturnos, Whistler decidió abruptamente que ya estaba harto de Londres. Él y Trixie se mudaron a París en 1892 y residieron en el n° 110 de la Rue du Bac, París , con su estudio en lo alto del 86 de la Rue Notre Dame des Champs en Montparnasse . [114] [115]
Se sintió acogido por sus viejos amigos parisinos Monet, Auguste Rodin , Henri de Toulouse-Lautrec y Stéphane Mallarmé, y montó un gran estudio. Estaba en la cima de su carrera cuando se descubrió que su esposa Trixie tenía cáncer. Regresaron a Londres en febrero de 1896 y alquilaron habitaciones en el Hotel Savoy mientras buscaban tratamiento médico. Hizo dibujos en papel de transferencia litográfica de la vista del río Támesis, desde la ventana o el balcón del hotel, mientras estaba sentado con ella. [116] Murió unos meses después. [117]
En 1899, Charles Freer presentó a Whistler a su amigo y colega empresario Richard Albert Canfield , quien se convirtió en amigo personal y mecenas de Whistler. Canfield era dueño de varias casas de juego de moda en Nueva York y Rhode Island, incluidas Saratoga Springs y Newport, y también era un hombre de cultura con gustos refinados en el arte. Era propietario de los primeros muebles, tapices, porcelana china y bronces de Barye de Estados Unidos y Chippendale , y poseía la segunda colección de Whistler más grande e importante del mundo antes de su muerte en 1914. [ cita necesaria ]
En mayo de 1901, Canfield encargó un retrato a Whistler; comenzó a posar para Retrato de Richard A. Canfield (YMSM 547) en marzo de 1902. Según Alexander Gardiner, Canfield regresó a Europa para posar para Whistler en el Año Nuevo de 1903, y se sentó todos los días hasta el 16 de mayo de 1903. Whistler Estaba enfermo y frágil en ese momento y la obra fue su último retrato completo. El engañoso aire de respetabilidad que el retrato daba a Canfield hizo que Whistler lo llamara "Su Reverencia". Los dos hombres mantuvieron correspondencia desde 1901 hasta la muerte de Whistler. [118] Unos meses antes de su propia muerte, Canfield vendió su colección de grabados, litografías, dibujos y pinturas de Whistler al marchante de arte estadounidense Roland F. Knoedler por 300.000 dólares. Tres de las pinturas de Whistler de Canfield cuelgan en el Museo Frick de la ciudad de Nueva York. [ cita necesaria ]
En los últimos siete años de su vida, Whistler realizó algunos paisajes marinos minimalistas en acuarela y un último autorretrato al óleo. Mantuvo correspondencia con sus numerosos amigos y colegas. Whistler fundó una escuela de arte en 1898, pero su mala salud y sus apariciones poco frecuentes llevaron a su cierre en 1901. [119] Murió en Londres el 17 de julio de 1903, seis días después de cumplir 69 años. [120] Está enterrado en el antiguo cementerio de Chiswick, en el oeste de Londres, contiguo a la iglesia de San Nicolás, Chiswick . [121]
Whistler fue objeto de una biografía de 1908 escrita por sus amigos, el matrimonio formado por Joseph Pennell y Elizabeth Robins Pennell , grabador y crítico de arte respectivamente. La vasta colección de material de Whistler de los Pennell fue legada a la Biblioteca del Congreso . [122] Todo el patrimonio del artista quedó en manos de su cuñada Rosalind Birnie Philip . Pasó el resto de su vida defendiendo su reputación y gestionando su arte y efectos, gran parte del cual finalmente fue donado a la Universidad de Glasgow . [123]
Whistler tenía una apariencia distintiva, baja y delgada, con ojos penetrantes y un bigote rizado, a menudo lucía un monóculo y el llamativo atuendo de un dandy. [124] Adoptaba una postura de confianza en sí mismo y excentricidad. A menudo era arrogante y egoísta con sus amigos y clientes. Un constante autopromotor y egoísta, disfrutaba impactando a amigos y enemigos. Aunque podía ser divertido y frívolo en asuntos sociales y políticos, siempre se tomaba en serio el arte y a menudo invitaba a la controversia y el debate públicos para defender sus sólidas teorías. [3]
Whistler tenía una voz aguda y arrastrada y una manera única de hablar, llena de pausas calculadas. Un amigo dijo: "En un segundo descubres que no está conversando: está dibujando con palabras, dando impresiones en sonido y sentido para que el oyente las interprete". [125]
Whistler era bien conocido por su ingenio mordaz, especialmente en los intercambios con su amigo y rival Oscar Wilde . Ambos eran figuras de la sociedad Café de París y, a menudo, eran la " comidilla de la ciudad ". Con frecuencia aparecían como caricaturas en Punch , para diversión mutua. En una ocasión, el joven Oscar Wilde asistió a una de las cenas de Whistler y, al escuchar a su anfitrión hacer un comentario brillante, aparentemente dijo: "Ojalá hubiera dicho eso", a lo que Whistler respondió: "¡Lo harás, Oscar, lo harás!". De hecho, Wilde repitió en público muchas ocurrencias creadas por Whistler. [96] Su relación se agrió a mediados de la década de 1880, cuando Whistler se volvió contra Wilde y el Movimiento Estético. Cuando se reconoció públicamente que Wilde era homosexual en 1895, Whistler se burló abiertamente de él. [ cita necesaria ]
Whistler disfrutaba preparando y gestionando sus reuniones sociales. Como observó un invitado:
Allí se encontraba lo mejor de la sociedad: las personas con cerebro y aquellos que tenían lo suficiente para apreciarlo. Whistler fue un anfitrión inimitable. Le encantaba ser el Sol alrededor del cual giraban las luces menores... Todos caían bajo su influencia y, en consecuencia, nadie se aburría ni se aburría. [126]
En París, Whistler era amigo de miembros del círculo simbolista de artistas, escritores y poetas que incluía a Stéphane Mallarmé [127] y Marcel Schwob . [128] Schwob había conocido a Whistler a mediados de la década de 1890 a través de Stéphane Mallarmé; tenían otros amigos en común, incluido Oscar Wilde (hasta que discutieron) y el cuñado de Whistler, Charles Whibley .
Whistler era amigo de muchos artistas franceses, entre ellos Henri Fantin-Latour , Alphonse Legros y Gustave Courbet . Ilustró el libro Les Chauves-Souris con Antonio de La Gándara . También conoció a Édouard Manet y a los impresionistas , en particular a Claude Monet y Edgar Degas . Cuando era joven artista, fue amigo íntimo de Dante Gabriel Rossetti , miembro de la Hermandad Prerrafaelita . Sus estrechas amistades con Monet y el poeta Stéphane Mallarmé, quien tradujo la conferencia de las diez en punto al francés, ayudaron a fortalecer el respeto por Whistler por parte del público francés. [129] Whistler era amigable con sus compañeros de estudios en el estudio de Gleyre, incluido Ignace Schott , cuyo hijo Leon Dabo Whistler sería más tarde su mentor. [130]
La amante de Whistler y modelo para La chica blanca , Joanna Hiffernan , también posó para Gustave Courbet. Los historiadores especulan que Courbet la utilizó como modelo para sus pinturas eróticas Le Sommeil y L'Origine du monde , lo que posiblemente provocó la ruptura de la amistad entre Whistler y Courbet. [131]
Durante la década de 1870 y gran parte de la de 1880, vivió con su modelo y amante Maud Franklin. Su capacidad para soportar sesiones largas y repetitivas ayudó a Whistler a desarrollar sus habilidades para retratar. [126] No solo hizo varios retratos excelentes de ella, sino que también fue una útil suplente para otros modelos. Whistler tuvo dos hijas de Maud Franklin: Ione (nacida alrededor de 1877) y Maud McNeill Whistler Franklin (nacida en 1879). [132] Maud a veces se refería a sí misma como 'Sra. Whistler', [133] y en el censo de 1881 dio su nombre como 'Mary M. Whistler'. [134]
Whistler tuvo varios hijos extramatrimoniales, de los cuales Charles James Whistler Hanson (1870-1935) es el mejor documentado. [135] Después de que Whistler se separó de su amante Joanna Hiffernan, ella ayudó a criar a Hanson, a pesar de que su madre era la criada del salón, Louisa Fanny Hanson. [136] [137]
En 1888, Whistler se casó con Beatrice Godwin, a quien llamó Beatrix o Trixie. Era viuda de su amigo EW Godwin , el arquitecto que había diseñado la Casa Blanca de Whistler , e hija del escultor John Birnie Philip [138] y su esposa Frances Black. Beatrix y sus hermanas Rosalind Birnie Philip [139] y Ethel Whibley posaron para muchas de las pinturas y dibujos de Whistler; con Ethel Whibley modelando para Mother of Pearl and Silver: The Andalusian (1888-1900). [137] Los primeros cinco años de su matrimonio fueron muy felices, pero su vida posterior fue una época de miseria para la pareja, debido a su enfermedad y eventual muerte por cáncer. Cerca del final, permaneció en coma la mayor parte del tiempo, completamente sometida por la morfina, administrada para aliviar el dolor. Su muerte fue un duro golpe que Whistler nunca superó del todo. [140]
Whistler se inspiró e incorporó muchas fuentes en su arte, incluido el trabajo de Rembrandt , Velázquez y la escultura griega antigua, para desarrollar su propio estilo individual y altamente influyente. [71] Era experto en muchos medios, con más de 500 pinturas, así como grabados, pasteles, acuarelas, dibujos y litografías. [141] Whistler fue un líder en el Movimiento Estético , promoviendo, escribiendo y dando conferencias sobre la filosofía del "arte por el arte". Con sus alumnos, abogó por el diseño simple, la economía de medios, la evitación de técnicas excesivamente trabajadas y la armonía tonal del resultado final. [71]
Whistler ha sido objeto de muchas exposiciones, estudios y publicaciones importantes en museos. Al igual que los impresionistas, empleó la naturaleza como recurso artístico. Whistler insistió en que era obligación del artista interpretar lo que veía, no ser esclavo de la realidad y "traer del caos una armonía gloriosa". [71]
Durante su vida, influyó en muchos artistas de todo el mundo de habla inglesa. Whistler tuvo importantes contactos e intercambió ideas e ideales con pintores realistas, impresionistas y simbolistas. El artista Walter Sickert fue su alumno, [142] y el escritor Oscar Wilde fue su amigo. Su tonalismo tuvo un profundo efecto en muchos artistas estadounidenses, entre ellos John Singer Sargent, William Merritt Chase , Henry Salem Hubbell , Willis Seaver Adams (con quien trabó amistad en Venecia ) y Arthur Frank Mathews , a quien Whistler conoció en París a finales de la década de 1890 y que llevó el tonalismo de Whistler a San Francisco, generando un amplio uso de esa técnica entre los artistas californianos de principios de siglo. Whistler también fue una gran influencia en el movimiento de la Escuela de Heidelberg en Australia de la década de 1880, también conocido como impresionismo australiano. [143] Como escribió el crítico estadounidense Charles Caffin en 1907:
Hizo más que atraer a unos pocos seguidores e imitadores; Influyó en todo el mundo del arte. Consciente o inconscientemente, su presencia se siente en innumerables estudios; su genio impregna el pensamiento artístico moderno. [3]
Durante una estancia de catorce meses en Venecia en 1879 y 1880, Whistler creó una serie de grabados y pasteles que no sólo revitalizaron sus finanzas (esto fue después de declararse en quiebra tras el juicio de Ruskin), sino que también revitalizaron la forma en que artistas y fotógrafos interpretaron la ciudad, centrándose en los callejones, canales laterales, entradas y patrones arquitectónicos, y capturaron la atmósfera única de la ciudad. [93]
En 1940, Whistler fue conmemorado en un sello postal de los Estados Unidos cuando la Oficina de Correos de EE. UU. emitió un conjunto de 35 sellos que conmemoraban a los autores, poetas, educadores, científicos, compositores, artistas e inventores famosos de Estados Unidos: la Serie de Americanos Famosos . [ cita necesaria ]
La opereta Patience de Gilbert y Sullivan se burla del movimiento estético , y el personaje principal de Reginald Bunthorne a menudo se identifica como una parodia de Oscar Wilde, aunque es más probable que Bunthorne sea una amalgama de varios artistas, escritores y figuras estéticas prominentes. Bunthorne usa monóculo y tiene prominentes mechas blancas en su cabello oscuro, al igual que Whistler. [ cita necesaria ]
El novelista Henry James "se había familiarizado lo suficiente con Whistler como para basar varios personajes de ficción en el 'pequeño y extraño sureño londinense', sobre todo en Roderick Hudson y The Tragic Muse ". [144] Whistler "también apareció como uno de los personajes secundarios más atractivos de Henry James, el escultor Gloriani en Los embajadores , cuya personalidad, forma de vida e incluso hogar se basan estrechamente en Whistler". [145]
La novela Trilby de George du Maurier de 1894 tiene un personaje, Joe Sibley, "el aprendiz ocioso", que estaba destinado a representar a Whistler. [146] [147] "Whistler amenazó con demandar, y en ediciones posteriores el personaje fue reemplazado por otro". [148] Whistler también fue el modelo de un personaje de la novela de Marcel Proust , En busca del tiempo perdido : el pintor Elstir. [149] [145]
Whistler era el artista favorito de la cantante y actriz Doris Day . Poseía y exhibía un grabado original de Rotherhithe de Whistler y dos de sus litografías originales, Las escaleras, los jardines de Luxemburgo, París y El Panteón, de la terraza de los jardines de Luxemburgo . [150]
La casa de Lowell, Massachusetts, en la que nació Whistler, ahora se conserva como Museo de Arte de la Casa de Whistler . Está enterrado en la iglesia de San Nicolás, Chiswick . [ cita necesaria ]
Whistler alcanzó reconocimiento mundial durante su vida:
En 2005 se erigió una estatua de James McNeill Whistler de Nicholas Dimbleby en el extremo norte del puente de Battersea sobre el río Támesis en el Reino Unido. [152]
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El 27 de octubre de 2010, Swann Galleries estableció un precio récord para una impresión de Whistler en una subasta, cuando Nocturne , un grabado y punta seca impreso en negro sobre papel japonés color crema cálido, 1879-1880, se vendió por 282.000 dólares. [153]
Textos en Wikisource:
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