American Gothic es una pintura de 1930 de Grant Wood en la colección del Art Institute of Chicago .
Wood se inspiró para pintar lo que ahora se conoce como la Casa Gótica Americana en Eldon, Iowa , junto con "el tipo de personas que [él] imaginaba que deberían vivir en esa casa". Representa a un granjero de pie junto a su hija, a quien a menudo se supone erróneamente que es su esposa. [1] [2] El nombre de la pintura es un juego de palabras sobre el estilo arquitectónico de la casa , Carpenter Gothic .
Las figuras fueron modeladas por la hermana de Wood, Nan Wood Graham , y su dentista, el Dr. Byron McKeeby. La mujer está vestida con un delantal con estampado colonial que evoca la cultura americana rural del siglo XX, mientras que el hombre está adornado con un mono cubierto por una chaqueta y lleva una horca . Las plantas del porche de la casa son lengua de suegra y begonia de bistec , que también aparecen en el retrato que Wood hizo de su madre en 1929, Mujer con plantas . [3]
American Gothic es una de las pinturas estadounidenses más famosas del siglo XX y ha sido ampliamente parodiada en la cultura popular estadounidense . [1] [4] De 2016 a 2017, la pintura se exhibió en París en el Musée de l'Orangerie y en Londres en la Royal Academy of Arts , en sus primeras exhibiciones fuera de Estados Unidos. [5] [6] [7]
En agosto de 1930, Grant Wood , un pintor estadounidense con formación europea, fue conducido por Eldon, Iowa , por un joven pintor local llamado John Sharp. Buscando inspiración, se fijó en la Casa Dibble , una pequeña casa blanca construida en estilo arquitectónico gótico Carpenter . [8] El hermano de Sharp sugirió en 1973 que fue en este camino donde Wood dibujó por primera vez la casa en el reverso de un sobre. El primer biógrafo de Wood, Darrell Garwood, señaló que Wood "pensaba que era una forma de pretensión prestada, un absurdo estructural, poner una ventana de estilo gótico en una casa de estructura tan endeble ". [9]
En ese momento, Wood la clasificó como una de las "casas con estructura de cartón en las granjas de Iowa" y la consideró "muy pintable". [10] Después de obtener el permiso de los dueños de la casa, Selma Jones-Johnston y su familia, Wood hizo un boceto al día siguiente con pintura al óleo sobre cartón del jardín delantero. Este boceto representaba un techo más inclinado y una ventana más larga con una ojiva más pronunciada que en la casa real, características que eventualmente adornaron la obra final.
Wood decidió pintar la casa junto con, en sus palabras, "el tipo de personas que le gustaría que vivieran en esa casa". [1] Reclutó a su hermana, Nan (1899-1990), para que fuera modelo para su hija, vistiéndola con un delantal con estampado colonial que imitaba la cultura americana rural del siglo XX . Mientras se preparaba para la pintura, Wood le pidió que ella misma hiciera el delantal e incluyera adornos de rickrack para reflejar mejor la época. Como el rickrack ya no estaba disponible en las tiendas, Nan quitó los adornos de los vestidos viejos de su madre Hattie para aplicarlos en el delantal. [11] El modelo para el padre fue el dentista de la familia Wood, [12] Dr. Byron McKeeby (1867-1950) de Cedar Rapids, Iowa . [13] [14] Nan le dijo a la gente que su hermano había imaginado a la pareja como padre e hija, no marido y mujer, lo que el propio Wood confirmó en su carta a la señora Nellie Sudduth en 1941: "La dama remilgada que lo acompaña es su hija adulta." [1] [15]
Los elementos de la pintura enfatizan la verticalidad asociada con la arquitectura gótica . La horca vertical de tres puntas se refleja en las costuras del mono y la camisa del hombre, en la ventana gótica de arco apuntado de la casa bajo el techo inclinado y en la estructura del rostro del hombre. [16] Sin embargo, Wood no añadió figuras a su boceto hasta que regresó a su estudio en Cedar Rapids. [17] Además, no volvería a Eldon nuevamente, aunque sí solicitó una fotografía de la casa para completar su pintura. [8]
Wood presentó la pintura en un concurso en el Instituto de Arte de Chicago . Un juez lo consideró un "San Valentín cómico", pero un patrocinador del museo convenció al jurado para que otorgara a la pintura la medalla de bronce y un premio en efectivo de 300 dólares. [18] El mismo mecenas también convenció al Instituto de Arte para que comprara la pintura, y sigue siendo parte de la colección del museo de Chicago. [2] La imagen pronto comenzó a reproducirse en los periódicos, primero en el Chicago Evening Post , y luego en Nueva York , Boston , Kansas City e Indianápolis . Sin embargo, cuando la imagen finalmente apareció en el Cedar Rapids Gazette , hubo una reacción violenta. Los habitantes de Iowa estaban furiosos por su descripción como "puritanos golpeadores de la Biblia pellizcados, de rostro sombrío". [19] Wood protestó, diciendo que no había pintado una caricatura de los habitantes de Iowa, sino más bien una descripción de su aprecio , afirmando: "Tuve que ir a Francia para apreciar Iowa". [12] En una carta de 1941, Wood dijo que "en general, he descubierto que las personas que resienten la pintura son aquellas que sienten que ellos mismos se parecen a la representación". [20]
Los críticos de arte que tenían opiniones favorables sobre la pintura, como Gertrude Stein y Christopher Morley , asumieron de manera similar que la pintura pretendía ser una sátira de la vida rural de un pequeño pueblo. Por lo tanto , se vio como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural en la línea de, en literatura, la novela Winesburg, Ohio de Sherwood Anderson de 1919 , Main Street de 1920 de Sinclair Lewis y The Condesa tatuada . [1]
Sin embargo, con la profundización de la Gran Depresión , poco después de que se realizara la pintura, el gótico americano pasó a ser visto como una representación del firme espíritu pionero estadounidense . Wood contribuyó a esta transición interpretativa renunciando a su juventud bohemia en París y agrupándose con pintores populistas del Medio Oeste como John Steuart Curry y Thomas Hart Benton , que se rebelaron contra el dominio de los círculos artísticos de la costa este. Wood fue citado en este período diciendo: "Todas las buenas ideas que he tenido se me ocurrieron mientras ordeñaba una vaca". [1] Wood pretendía que la pintura representara al granjero y su hija como sobrevivientes, para rendir homenaje a la fuerza de la comunidad rural y brindar tranquilidad en una época de gran crisis económica. [21]
La historiadora de arte estadounidense Wanda M. Corn cree que Wood no estaba pintando una pareja moderna, sino más bien una del pasado, señalando el hecho de que Wood ordenó a los modelos que usaran ropa pasada de moda, en la que se inspiró consultando su álbum de fotos familiar. . Wood incluso planteó las figuras de una manera que parecía fotografías de larga exposición de familias del Medio Oeste anteriores a la Primera Guerra Mundial. [22]
El historiador de arte Tripp Evans lo interpretó en 2010 como un " retrato de luto a la antigua usanza ... Es revelador que las cortinas que cuelgan en las ventanas de la casa, tanto arriba como abajo, se cierran a mitad del día, una costumbre de luto en América victoriana. La mujer lleva un vestido negro debajo del delantal y mira hacia otro lado como si estuviera conteniendo las lágrimas. Uno imagina que está de duelo por el hombre que está a su lado. Wood tenía sólo 10 años cuando murió su padre, y más tarde vivió durante una década "encima de un garaje reservado para coches fúnebres ", por lo que probablemente tenía en mente la muerte. [23]
En 2019, la escritora cultural Kelly Grovier describió la pintura como un retrato de Plutón y Proserpina , los dioses romanos del inframundo (una comparación hecha anteriormente por el escritor estadounidense Guy Davenport en su análisis de la pintura en una conferencia de 1978, "La geografía del Imaginación" [24] .) Grovier sugiere que el pequeño globo en la veleta en la parte superior de la pintura representa al planeta enano Plutón (el famoso planeta fue descubierto en 1930, en la época de la creación de la pintura). Grovier interpreta al granjero que empuña una horca como el guardián de las puertas del infierno, Plutón, y señala el broche de camafeo de la mujer , que contiene una representación clásica de la diosa mitológica Proserpina, y el mechón de cabello que cuelga junto a la oreja derecha de la mujer como representación. lo deslumbrante en el mito de la diosa. [25]
La comprensión de la pintura en la época de la Depresión como una representación de una escena auténticamente estadounidense provocó la primera parodia conocida, una fotografía de 1942 de Gordon Parks de la mujer de la limpieza Ella Watson, tomada en Washington, DC [1]
El gótico americano es una imagen frecuentemente parodiada. Ha sido satirizado en espectáculos de Broadway como The Music Man , películas como The Rocky Horror Picture Show y programas de televisión como Green Acres (en la escena final de los créditos iniciales), el episodio "The Masterpiece" de The Dick Van Dyke Show. , el episodio de Los Simpson " Bart consigue un elefante ", [26] y los episodios de Bob Esponja "Artista desconocido" y "Ghoul Fools". También ha sido parodiado en campañas de marketing, pornografía y por parejas que recrean la imagen fotográficamente frente a una cámara de la misma manera, uno de ellos sosteniendo una horca u otro objeto en su lugar. [1] [4] La pintura aparece en los títulos iniciales del programa de televisión Desperate Housewives (2004-2012). [27]
En 2023, Google lanzó un comercial para su teléfono inteligente que mostraba a un padre y una hija recreando la escena en la casa original. También incluye poses similares en muchos otros entornos, incluidos trajes de neopreno, vestidos como esqueletos, campamentos y trajes de esquí. [28]