El teatro de Broadway , [nb 1] o Broadway , es un género teatral que consiste en las representaciones teatrales presentadas en 41 teatros profesionales , cada uno con 500 o más asientos, en el Distrito Teatral y el Lincoln Center a lo largo de Broadway , en Midtown Manhattan , Ciudad de Nueva York . [1] [2] Broadway y el West End de Londres juntos representan el nivel comercial más alto de teatro en vivo en el mundo de habla inglesa . [3]
Si bien la vía Broadway es homónima del distrito, está estrechamente identificada con Times Square . Solo tres teatros se encuentran en Broadway: Broadway Theatre , Palace Theatre y Winter Garden Theatre . El resto se encuentra en las calles transversales numeradas, que se extienden desde el Nederlander Theatre una cuadra al sur de Times Square en West 41st Street, al norte a lo largo de ambos lados de Broadway hasta 53rd Street , y el Vivian Beaumont Theater , en el Lincoln Center en West 65th Street. Si bien existen excepciones, el término "teatro de Broadway" se usa predominantemente para describir lugares con capacidad para al menos 500 personas. Los teatros más pequeños de la ciudad de Nueva York se conocen como off-Broadway , independientemente de la ubicación, mientras que los lugares muy pequeños con menos de 100 asientos se denominan off-off-Broadway , un término que también puede aplicarse a producciones no comerciales, de vanguardia o que se realizan fuera de los lugares de teatro tradicionales. [4]
El Distrito Teatral es una atracción turística de importancia internacional en la ciudad de Nueva York . Según The Broadway League , los espectáculos en Broadway vendieron aproximadamente 1540 millones de dólares en entradas tanto en la temporada 2022-2023 como en la 2023-2024. Ambas temporadas contaron con una asistencia al teatro de aproximadamente 12,3 millones cada una. [5]
La mayoría de los espectáculos de Broadway son musicales . El historiador Martin Shefter sostiene que «los musicales de Broadway, que culminaron con las producciones de Rodgers y Hammerstein , se convirtieron en formas enormemente influyentes de la cultura popular estadounidense » y contribuyeron a convertir a la ciudad de Nueva York en la capital cultural del mundo . [6]
El primer teatro importante de la ciudad de Nueva York se estableció a mediados del siglo XVIII, alrededor de 1750, cuando los actores y representantes Walter Murray y Thomas Kean establecieron una compañía de teatro residente en el Teatro de la calle Nassau en el Bajo Manhattan , que tenía capacidad para unas 280 personas. Presentaban obras de William Shakespeare y óperas balada como The Beggar's Opera . [7] En 1752, William Hallam envió una compañía de doce actores desde Gran Bretaña a las colonias con su hermano Lewis como su representante. Establecieron un teatro en Williamsburg, Virginia , y abrieron con El mercader de Venecia y El anatomista . La compañía se mudó a Nueva York en 1753, presentando óperas balada y baladas-farsas como Damon y Phillida .
Durante la Guerra de la Independencia , el teatro se suspendió en la ciudad de Nueva York. Pero después del fin de la guerra, el teatro se reanudó en 1798, cuando se construyó el Park Theatre, con capacidad para 2000 personas, en Chatham Street, en la actual Park Row . [7] Un segundo teatro importante, el Bowery Theatre , abrió en 1826, [8] seguido por otros.
En la década de 1840, PT Barnum dirigía un complejo de entretenimiento en el Bajo Manhattan. En 1829, en Broadway y Prince Street, se inauguró Niblo's Garden y pronto se convirtió en uno de los principales lugares nocturnos de Nueva York. El teatro de 3000 asientos presentaba todo tipo de entretenimientos musicales y no musicales. En 1844, Palmo's Opera House abrió y presentó ópera durante solo cuatro temporadas antes de que la quiebra provocara su cambio de nombre y se convirtiera en un lugar para obras de teatro bajo el nombre de Burton's Theatre. La Ópera Astor abrió sus puertas en 1847. En 1849 estalló un motín cuando los clientes de clase baja del Teatro Bowery se opusieron a lo que percibían como esnobismo por parte del público de clase alta del Astor Place: "Después del motín del Astor Place de 1849, el entretenimiento en la ciudad de Nueva York se dividió en líneas de clase: la ópera era principalmente para las clases medias altas y altas, los espectáculos de juglares y los melodramas para la clase media, los espectáculos de variedades en los salones de conciertos para los hombres de la clase trabajadora y la clase media marginal". [9]
Las obras de William Shakespeare se representaron con frecuencia en los escenarios de Broadway durante el período, sobre todo por el actor estadounidense Edwin Booth, que era internacionalmente conocido por su interpretación de Hamlet . Booth interpretó el papel durante 100 famosas representaciones consecutivas en el Winter Garden Theatre en 1865 (la temporada terminó solo unos meses antes de que el hermano de Booth, John Wilkes Booth, asesinara a Abraham Lincoln ), y más tarde reviviría el papel en su propio Booth's Theatre (que fue administrado durante un tiempo por su hermano Junius Brutus Booth Jr. ). Otros renombrados shakespearianos que aparecieron en Nueva York en esta época fueron Henry Irving , Tommaso Salvini , Fanny Davenport y Charles Fechter .
El teatro en Nueva York se trasladó gradualmente del centro de la ciudad a Midtown Manhattan , a partir de 1850, en busca de propiedades inmobiliarias menos costosas. A principios del siglo XIX, la zona que ahora comprende el Distrito Teatral era propiedad de un puñado de familias y comprendía unas pocas granjas. En 1836, el alcalde Cornelius Lawrence inauguró la calle 42 e invitó a los habitantes de Manhattan a "disfrutar del aire puro y limpio". [10] Casi 60 años después, el empresario teatral Oscar Hammerstein I construyó el icónico Teatro Victoria en West 42nd Street. [10]
El primer musical de Broadway de "larga duración" fue un éxito de 50 funciones llamado The Elves en 1857. En 1870, el corazón de Broadway estaba en Union Square y, a finales de siglo, muchos teatros estaban cerca de Madison Square . Los teatros llegaron al área de Times Square a principios de la década de 1900, y los teatros de Broadway se consolidaron allí después de que se construyeran un gran número alrededor de la plaza en las décadas de 1920 y 1930. Las funciones en Nueva York continuaron muy por detrás de las de Londres, [11] pero la "burletta musical" de Laura Keene, The Seven Sisters (1860), rompió los récords anteriores de Nueva York con una serie de 253 funciones.
La primera pieza teatral que se ajusta a la concepción moderna de un musical, añadiendo danza y música original que ayudaba a contar la historia, se considera The Black Crook , que se estrenó en Nueva York el 12 de septiembre de 1866. La producción tenía una duración de cinco horas y media, pero a pesar de su extensión, se representó un récord de 474 veces. El mismo año, The Black Domino/Between You, Me and the Post fue el primer espectáculo en autodenominarse una "comedia musical". [12]
Tony Pastor abrió el primer teatro de vodevil a una cuadra al este de Union Square en 1881, donde actuó Lillian Russell . Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) y 1890, con libreto y letras de Harrigan y música de su suegro David Braham . Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones tomados de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York y representaban un importante paso adelante desde el vodevil y el burlesque, hacia una forma más culta. Protagonizaban cantantes profesionales de alta calidad ( Lillian Russell , Vivienne Segal y Fay Templeton ), en lugar de los aficionados, a menudo trabajadoras sexuales, que habían protagonizado formas musicales anteriores.
A medida que el transporte mejoraba, la pobreza en Nueva York disminuía y el alumbrado público permitía viajar de noche con mayor seguridad, el número de potenciales clientes de los teatros, cada vez más numerosos. Las obras podían durar más tiempo y seguir atrayendo al público, lo que generaba mayores beneficios y un mejor valor de producción. Al igual que en Inglaterra, durante la segunda mitad del siglo, el teatro empezó a limpiarse, y la prostitución disminuyó, lo que impedía la asistencia de mujeres. Los éxitos de ópera cómica para toda la familia de Gilbert y Sullivan , comenzando con HMS Pinafore en 1878, se importaron a Nueva York (por los autores y también en numerosas producciones sin licencia). Fueron imitados en Nueva York por producciones estadounidenses como Robin Hood (1891) de Reginald Dekoven y El Capitán (1896) de John Philip Sousa , junto con óperas, ballets y otros éxitos británicos y europeos.
EspañolA Trip to Chinatown (1891) de Charles H. Hoyt se convirtió en el campeón de larga duración de Broadway cuando superó a Adonis y sus 603 funciones totales en 1893, ocupando el escenario durante 657 funciones. Chinatown en sí fue superado por el musical Irene (1919) en 1921 como el musical de Broadway de más larga duración, e incluso antes, en marzo de 1920, por Lightnin' (1918) como el espectáculo de Broadway de más larga duración. En 1896, los dueños de teatros Marc Klaw y AL Erlanger formaron el Theatrical Syndicate , que controló casi todos los teatros legítimos en los EE. UU. durante los siguientes dieciséis años. [13] Sin embargo, proliferaron las casas de variedades y vodevil más pequeñas, y Off-Broadway estaba bien establecido a fines del siglo XIX.
A Trip to Coontown (1898) fue la primera comedia musical producida e interpretada íntegramente por afroamericanos en un teatro de Broadway (inspirada en gran medida en las rutinas de los espectáculos de juglares ), seguida por Clorindy: The Origin of the Cakewalk (1898), con tintes ragtime , y la muy exitosa In Dahomey (1902). Cientos de comedias musicales se representaron en Broadway en la década de 1890 y principios de 1900 compuestas por canciones escritas en el Tin Pan Alley de Nueva York en las que participaron compositores como Gus Edwards , John Walter Bratton y George M. Cohan ( Little Johnny Jones (1904), 45 Minutes From Broadway (1906) y George Washington Jr. (1906)). Aun así, las funciones en Nueva York siguieron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las de Londres, hasta la Primera Guerra Mundial . [11] Algunos musicales británicos de gran éxito continuaron cosechando gran éxito en Nueva York, entre ellos Florodora en 1900-01.
En los primeros años del siglo XX, a las traducciones de operetas continentales populares de finales del siglo XIX se unieron los espectáculos del "Princess Theatre" de la década de 1910, de escritores como PG Wodehouse , Guy Bolton y Harry B. Smith . Victor Herbert , cuyo trabajo incluyó algunas obras musicales íntimas con escenarios modernos, así como su serie de operetas famosas ( The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) y Naughty Marietta (1910)). [14]
A partir de The Red Mill , los espectáculos de Broadway instalaron carteles eléctricos en el exterior de los teatros. Como las bombillas de colores se fundían demasiado rápido, se utilizaron luces blancas y Broadway recibió el apodo de "The Great White Way". En agosto de 1919, la Actors' Equity Association exigió un contrato estándar para todas las producciones profesionales. Después de que una huelga cerrara todos los teatros, los productores se vieron obligados a aceptar. En la década de 1920, los hermanos Shubert habían ascendido para hacerse cargo de la mayoría de los teatros del sindicato Erlanger. [15]
Durante esta época, la obra Lightnin' de Winchell Smith y Frank Bacon se convirtió en el primer espectáculo de Broadway en alcanzar las 700 representaciones. A partir de entonces, se convertiría en el primer espectáculo en alcanzar las 1000 representaciones. Lightnin' fue el espectáculo de Broadway que más tiempo permaneció en cartel hasta que fue superado en número de representaciones por Abie's Irish Rose en 1925.
El cine supuso un reto para el teatro. Al principio, las películas eran mudas y presentaban una competencia limitada. A finales de la década de 1920, películas como El cantante de jazz se presentaban con sonido sincronizado, y los críticos se preguntaban si el cine reemplazaría por completo al teatro en vivo. Si bien el vodevil en vivo no podía competir con estas películas económicas que presentaban estrellas del vodevil y grandes comediantes de la época, otros teatros sobrevivieron. Los musicales de los locos años veinte , que tomaban elementos del vodevil, el music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a ignorar la trama a favor de enfatizar a actores y actrices estrella, grandes rutinas de baile y canciones populares.
Florenz Ziegfeld produjo espectaculares revistas anuales de canto y baile en Broadway con decorados extravagantes y vestuario elaborado, pero había poco que uniera los diversos números. Típicas de la década de 1920 fueron producciones desenfadadas como Sally ; Lady Be Good ; Sunny ; No, No, Nanette ; Harlem ; Oh, Kay!; y Funny Face . Sus libros pueden haber sido olvidables, pero produjeron estándares perdurables de George Gershwin , Cole Porter , Jerome Kern , Vincent Youmans y Rodgers and Hart , entre otros, y Noël Coward , Sigmund Romberg y Rudolf Friml continuaron en la línea de Victor Herbert. El teatro en vivo ha sobrevivido a la invención del cine.
Dejando atrás estos entretenimientos comparativamente frívolos y llevando el drama un paso más allá, Show Boat se estrenó el 27 de diciembre de 1927 en el Teatro Ziegfeld . Representó una integración completa de libreto y partitura, con temas dramáticos, tal como se cuentan a través de la música, el diálogo, el escenario y el movimiento, entrelazados de manera más fluida que en musicales anteriores. Se representó durante 572 funciones. [16]
La década de 1920 también generó una nueva era de dramaturgos estadounidenses con el surgimiento de Eugene O'Neill , cuyas obras Beyond the Horizon , Anna Christie , The Hairy Ape , Strange Interlude y Mourning Becomes Electra demostraron que había público para el drama serio en Broadway, y el éxito de O'Neill allanó el camino para grandes dramaturgos como Elmer Rice , Maxwell Anderson , Robert E. Sherwood , Clifford Odets , Tennessee Williams y Arthur Miller , así como para escritores de comedia como George S. Kaufman y Moss Hart . Las reposiciones clásicas también resultaron populares entre los aficionados al teatro de Broadway, en particular John Barrymore en Hamlet y Ricardo III , John Gielgud en Hamlet , La importancia de llamarse Ernesto y Mucho ruido y pocas nueces , Walter Hampden y José Ferrer en Cyrano de Bergerac , Paul Robeson y Ferrer en Otelo , Maurice Evans en Ricardo II y las obras de George Bernard Shaw , y Katharine Cornell en obras como Romeo y Julieta , Antonio y Cleopatra y Cándida .
En 1930, la producción de Roar, China! del Theatre Guild fue la primera obra de Broadway con un elenco mayoritariamente asiático. [17]
A medida que se acercaba la Segunda Guerra Mundial , una docena de dramas de Broadway abordaron el ascenso del nazismo en Europa y la cuestión de la no intervención estadounidense. El más exitoso fue Watch on the Rhine de Lillian Hellman , que se estrenó en abril de 1941. [18]
Después de los años de vacas flacas de la Gran Depresión , el teatro de Broadway había entrado en una época dorada con el éxito de taquilla Oklahoma!, en 1943, que tuvo 2.212 representaciones. Según los escritos de John Kenrick sobre los musicales de Broadway, "Cada temporada, nuevos musicales teatrales enviaban canciones a lo más alto de las listas. La demanda del público, una economía en auge y un talento creativo abundante mantuvieron a Broadway en movimiento. Hasta el día de hoy, los espectáculos de la década de 1950 forman el núcleo del repertorio del teatro musical". [19]
Kenrick señala que "el final de los años 60 marcó un período de agitación cultural. Todos esos cambios resultaron dolorosos para muchos, incluidos los que estaban detrás de escena, así como para los espectadores". [20] Sobre los años 70, Kenrick escribe: "Justo cuando parecía que los musicales tradicionales basados en libros volvían a estar de moda, la década terminó con críticas y público dando señales contradictorias". [21]
Ken Bloom observó que "en los años 1960 y 1970 se produjo un empeoramiento de la zona [Times Square] y una caída en el número de espectáculos legítimos producidos en Broadway". [22] A modo de comparación, en la temporada de 1950 a 1951 (mayo a mayo) se estrenaron 94 producciones en Broadway; en la temporada de 1969 a 1970 (junio a mayo) hubo 59 producciones (quince fueron reestrenos). [23] [24] En los años veinte, había entre 70 y 80 teatros, pero en 1969, quedaban 36. [25]
Durante esta época, muchas producciones de Broadway tuvieron dificultades debido a las bajas tasas de asistencia, lo que dio lugar a una percepción de mediocridad entre dichas obras. Por este motivo, se creó el Fondo de Desarrollo Teatral con el propósito de ayudar a producciones con un alto valor cultural que probablemente tendrían dificultades sin subsidios, ofreciendo entradas para esas obras a los consumidores a precios reducidos. [26]
A principios de 1982, Joe Papp , el productor y director teatral que fundó The Public Theater , lideró la campaña "Save the Theatres" (Salven los teatros). [27] Era un grupo sin fines de lucro apoyado por el sindicato Actors Equity para salvar los edificios de teatro del vecindario de la demolición por parte de los intereses adinerados del desarrollo de Manhattan. [28] [29] [30] [31] Papp proporcionó recursos, reclutó a un publicista y actores famosos, y proporcionó equipos de audio, iluminación y técnicos para el esfuerzo. [29]
A instancias de Papp, en julio de 1982, se presentó un proyecto de ley en el 97.º Congreso , titulado "HR6885, un proyecto de ley para designar el Distrito Teatral de Broadway/Times Square en la Ciudad de Nueva York como un sitio histórico nacional". [32] La legislación habría proporcionado ciertos recursos y asistencia del gobierno de los EE. UU. para ayudar a la ciudad a preservar el distrito. [32] Ante la fuerte oposición y el cabildeo de la administración del alcalde Ed Koch y los intereses corporativos del desarrollo de Manhattan, el proyecto de ley no fue aprobado. La campaña Save the Theatres dirigió entonces sus esfuerzos a apoyar el establecimiento del Distrito Teatral como un distrito histórico registrado . [33] [34] En diciembre de 1983, Save the Theatres preparó "El Distrito Teatral de Broadway, un Plan de Desarrollo y Gestión de Preservación", y exigió que cada teatro del distrito recibiera la designación de monumento histórico. [34] El alcalde Ed Koch finalmente reaccionó creando un Consejo Asesor Teatral, que incluía a Papp. [29]
Debido a la pandemia de COVID-19 en la ciudad de Nueva York , los teatros de Broadway cerraron el 12 de marzo de 2020, clausurando 16 espectáculos que se estaban presentando o estaban en proceso de apertura. El cierre de la Liga de Broadway se extendió primero a abril, luego a mayo, luego a junio, luego a septiembre de 2020 y enero de 2021, [35] y más tarde al 1 de junio de 2021. [36] El entonces gobernador Andrew Cuomo anunció que la mayoría de los sectores de Nueva York verían levantadas sus restricciones el 19 de mayo de 2021, pero declaró que los teatros de Broadway no podrían reanudar inmediatamente las funciones en esta fecha debido a razones logísticas. En mayo de 2021, Cuomo anunció que los teatros de Broadway podrían reabrir el 14 de septiembre, y la Liga confirmó que las funciones comenzarían a reanudarse en la temporada de otoño. [37]
Springsteen on Broadway se convirtió en el primer espectáculo de larga duración en reanudar sus funciones, y se inauguró el 26 de junio de 2021 ante 1.721 espectadores vacunados en el St. James Theatre . [38] Pass Over tuvo su primer preestreno el 4 de agosto y se inauguró el 22 de agosto de 2021, convirtiéndose en la primera obra nueva en estrenarse. [39] [40] Hadestown y Waitress fueron los primeros musicales en reanudar sus funciones el 2 de septiembre de 2021. [41] Los 74.º Premios Tony también se pospusieron; las nominaciones a los Tony se anunciaron el 15 de octubre de 2020, [42] y tuvieron lugar el 26 de septiembre de 2021. [43] El 30 de julio de 2021, se anunció que todos los teatros de Broadway exigían a los asistentes que presentaran prueba de vacunación completa contra la COVID-19 . La regla se aplicaba a los invitados mayores de 12 años. Los menores de 12 años debían presentar una prueba de COVID-19 negativa (PCR dentro de las 72 horas o antígeno dentro de las seis horas posteriores a la hora de inicio de la función). A partir del 8 de noviembre, los asistentes de entre 5 y 11 años también tenían la opción de presentar una prueba de al menos una dosis de vacunación. A partir del 14 de diciembre, de acuerdo con el mandato de vacunación de la ciudad de Nueva York, los asistentes de entre 5 y 11 años debían tener al menos una dosis de la vacuna hasta el 29 de enero de 2022, fecha en la que debían estar completamente vacunados. [44] El mandato de vacunación duró hasta el 30 de abril, [45] [46] y los asistentes también debían usar mascarillas hasta el 1 de julio. [47]
Durante el cierre por COVID-19, la Organización Shubert, la Organización Nederlander y Jujamcyn se habían comprometido a aumentar la diversidad racial y cultural en sus teatros, incluyendo nombrar al menos un teatro en honor a una personalidad teatral negra. [48] El Teatro August Wilson , propiedad de Jujamcyn, había sido rebautizado en honor al dramaturgo negro August Wilson en 2005. [49] Los Shubert anunciaron en marzo de 2022 que el Teatro Cort , que estaba en renovación en ese momento, pasaría a llamarse en honor al actor James Earl Jones . [50] [51] En junio de 2022, los Nederlanders anunciaron que el Teatro Brooks Atkinson pasaría a llamarse en honor a Lena Horne , [52] [53] [49] El Teatro James Earl Jones se volvió a inaugurar en septiembre de 2022, [54] mientras que el Teatro Lena Horne se volvió a inaugurar en noviembre. [55]
Aunque hay algunas excepciones, los espectáculos con funciones de duración indefinida suelen tener funciones nocturnas de martes a sábado, con un "telón" a las 19:00 u 20:00 horas. Las funciones de "matinée" de la tarde son a las 14:00 horas los miércoles y sábados y a las 15:00 horas los domingos. Esto da una semana de ocho funciones. En este calendario, la mayoría de los espectáculos no se representan los lunes y se dice que los espectáculos y los teatros están "a oscuras" ese día. [56] [57] Los actores y el equipo de estos espectáculos tienden a considerar el domingo por la noche hasta el lunes por la noche como su fin de semana. La ceremonia de entrega de los premios Tony suele celebrarse un domingo por la noche en junio para adaptarse a este calendario.
En los últimos años, algunos espectáculos han adelantado una hora su horario de funciones del martes, a las 7:00 p. m. [56] La razón de este cambio fue que, dado que menos turistas asisten a los espectáculos entre semana, la asistencia del martes depende más de los clientes locales. El comienzo temprano permite que los clientes suburbanos lleguen a casa una hora razonable después del espectáculo. Algunos espectáculos, especialmente los producidos por Disney , cambian sus horarios de funciones con bastante frecuencia según la temporada. Esto se hace para maximizar el acceso a su público objetivo.
La mayoría de los productores de Broadway y propietarios de teatros son miembros de The Broadway League (anteriormente "The League of American Theatres and Producers"), una organización comercial que promueve el teatro de Broadway en su conjunto, negocia contratos con los diversos sindicatos teatrales y acuerdos con los gremios, y administra conjuntamente los Premios Tony con el American Theatre Wing , una organización de servicios. Si bien la Liga y los sindicatos teatrales a veces están en desacuerdo durante los períodos en que se negocian nuevos contratos, también cooperan en muchos proyectos y eventos diseñados para promover el teatro profesional en Nueva York.
De las cuatro compañías de teatro sin fines de lucro con teatros en Broadway, las cuatro ( Lincoln Center Theater , Manhattan Theatre Club , Roundabout Theatre Company y Second Stage Theatre ) pertenecen a la Liga de Teatros Residentes y tienen contratos con los sindicatos teatrales que se negocian por separado de los demás teatros y productores de Broadway. ( Disney también negocia aparte de la Liga, como lo hizo Livent antes de cerrar sus operaciones).
La mayoría de los teatros de Broadway son propiedad o están administrados por tres organizaciones: la Organización Shubert , una rama con fines de lucro de la Fundación Shubert sin fines de lucro, que posee diecisiete teatros; la Organización Nederlander , que controla nueve teatros; y ATG Entertainment , que posee siete casas de Broadway.
Tanto los musicales como las obras de teatro tradicionales de Broadway suelen recurrir a actores conocidos para los papeles principales con el fin de atraer a un público más amplio o atraer a nuevos espectadores al teatro. Con frecuencia, se contrata a actores de cine y televisión para las reposiciones de espectáculos de Broadway o se los utiliza para reemplazar a actores que abandonan un reparto. Sin embargo, todavía hay artistas que son principalmente actores de teatro, que pasan la mayor parte del tiempo "sobre el escenario" y que aparecen en papeles cinematográficos sólo de forma secundaria. Como señaló Patrick Healy del New York Times :
En Broadway hubo muchas estrellas locales que se comprometieron a trabajar en un espectáculo durante un año, como lo hizo Nathan Lane en The Addams Family . En 2010, algunos pesos pesados del teatro como Lane ni siquiera fueron nominados; en cambio, se entregaron varios premios Tony por producciones que siempre estuvieron destinadas a ser de corta duración en Broadway, dado que muchos de sus intérpretes de cine tuvieron que pasar a otros compromisos. [58]
Según Mark Shenton, "uno de los mayores cambios en el panorama comercial del teatro, en ambos lados del Atlántico, durante la última década aproximadamente es que ha aumentado la cantidad de grandes estrellas que aparecen en obras, pero ha disminuido la cantidad de actuaciones que están dispuestas a realizar. Hubo un tiempo en que un productor exigía a su estrella un compromiso mínimo de seis meses, y quizás un año; ahora, la norma es la de 13 semanas". [59]
El tamaño mínimo de la orquesta de Broadway está regulado por un acuerdo con el sindicato de músicos (Local 802, American Federation of Musicians) y la Broadway League. Por ejemplo, el acuerdo especifica que el tamaño mínimo de la orquesta en el Teatro Minskoff es de dieciocho miembros, mientras que en el Teatro Music Box es de nueve. [60]
La mayoría de los espectáculos de Broadway son producciones comerciales destinadas a generar ganancias para los productores e inversores ("patrocinadores" o "ángeles") y, por lo tanto, tienen una duración indefinida (la duración de la obra), lo que significa que la duración de su presentación no se establece de antemano, sino que depende de la respuesta de la crítica, el boca a boca y la eficacia de la publicidad del espectáculo, todo lo cual determina las ventas de entradas. Invertir en una producción comercial conlleva un grado variable de riesgo financiero. Los espectáculos no tienen por qué generar ganancias de inmediato; si obtienen su "ganancia" (gastos operativos semanales) o pierden dinero a un ritmo aceptable para los productores, pueden seguir funcionando con la expectativa de que, con el tiempo, recuperarán sus costos iniciales y serán rentables. En algunas situaciones límite, los productores pueden solicitar que se reduzcan o eximan temporalmente las regalías, o incluso que los artistas, con el permiso de sus sindicatos, acepten salarios reducidos, para evitar que un espectáculo cierre. Los propietarios de los teatros, que generalmente no participan en los beneficios de la mayoría de las producciones, pueden eximir o reducir los alquileres, o incluso prestar dinero a un espectáculo para que siga funcionando.
Algunos espectáculos de Broadway son producidos por organizaciones no comerciales como parte de una temporada de suscripción regular: Lincoln Center Theatre , Roundabout Theatre Company , Manhattan Theatre Club y Second Stage Theater son las cuatro compañías de teatro sin fines de lucro que actualmente tienen lugares permanentes en Broadway. Algunas otras producciones se producen en Broadway con "estaciones de participación limitada" por varias razones, incluidas cuestiones financieras, compromisos previos de los artistas o disponibilidad temporal de un teatro entre el final de una producción y el comienzo de otra. Sin embargo, algunos espectáculos con funciones de participación limitada planificadas pueden, después de la aclamación de la crítica o el éxito de taquilla, extender sus compromisos o convertirse en funciones de duración indefinida. Este fue el caso de August: Osage County de 2007, God of Carnage de 2009 , Newsies de 2012 y Take Me Out de 2022. [61]
Históricamente, los musicales en Broadway tienden a tener presentaciones más largas que las obras "normales" (es decir, no musicales). El 9 de enero de 2006, El fantasma de la ópera en el Majestic Theatre se convirtió en el musical de Broadway de mayor duración, con 7486 funciones, superando a Cats . [62] El fantasma de la ópera cerró en Broadway el 16 de abril de 2023, poco después de celebrar su 35.º aniversario, tras un total de 13 981 funciones. [63] [64]
Asistir a un espectáculo de Broadway es una actividad turística común en Nueva York. Las cabinas TKTS venden entradas para el mismo día (y en ciertos casos, entradas para la matiné del día siguiente) para muchos espectáculos de Broadway y Off-Broadway con un descuento del 20 al 50%. [65] Las cabinas TKTS están ubicadas en Times Square , en el Bajo Manhattan y en el Lincoln Center . Este servicio está a cargo del Theatre Development Fund . Muchos teatros de Broadway también ofrecen tarifas especiales para estudiantes, entradas "rush" o "lottery" para el mismo día o entradas de pie para ayudar a garantizar que sus teatros estén lo más llenos posible y sus ingresos brutos lo más altos posible. [66]
Según The Broadway League , la asistencia total a Broadway fue de 14,77 millones en 2018-2019, en comparación con 13,79 millones en 2017-2018. [67] La edad promedio de la audiencia de Broadway en la temporada teatral 2017-18 fue de 40 años, la más baja en casi dos décadas. [68] Para 2018, alrededor del 20% de las entradas de Broadway se vendieron a visitantes internacionales, aunque muchos visitantes informaron que no pudieron usar sus entradas. [69] En 2022-2023, la primera temporada completa desde la pandemia de COVID-19, los teatros de Broadway vendieron 12,3 millones de entradas, de las cuales el 35% fueron a residentes locales y el 17% a visitantes internacionales. En ese momento, la edad promedio de los asistentes al teatro era de 40,4 años; casi dos tercios de la audiencia eran mujeres; y el 29% se identificó como una minoría racial. [70]
La clasificación de los teatros se rige por el lenguaje de los contratos de la Asociación de Equidad de Actores . Para ser elegible para un Tony, una producción debe estar en una sala con 500 asientos o más y en el Distrito Teatral, que son los criterios que definen el teatro de Broadway. Los espectáculos Off-Broadway y off-off-Broadway a menudo brindan una actuación más experimental, desafiante e íntima de lo que es posible en los teatros más grandes de Broadway. Sin embargo, algunos espectáculos de Broadway, como los musicales Hair , Little Shop of Horrors , Spring Awakening , Next to Normal , Rent , Avenue Q , In the Heights , Fun Home , A Chorus Line , Dear Evan Hansen y Hamilton , comenzaron sus funciones Off-Broadway y luego se transfirieron a Broadway, buscando replicar su experiencia íntima en un teatro más grande. Otras producciones se desarrollan primero a través de talleres y luego pruebas fuera de la ciudad antes de transferirse a Broadway. Es bien sabido que Merrily We Roll Along se saltó una prueba fuera de la ciudad e intentó hacer una prueba en la ciudad (en realidad, preestrenos de funciones ) en Broadway antes de su estreno oficial, con resultados desastrosos. [71] [72]
Después de una exitosa presentación en los teatros de Broadway, o incluso durante ella, los productores suelen volver a montar sus producciones con nuevos elencos y equipo para la gira nacional de Broadway, que viaja a teatros en las principales ciudades de todo el país. A veces, cuando un espectáculo termina en Broadway, toda la producción, con la mayor parte del elenco original intacto, si no todo, se relanza como una compañía de gira, de ahí el nombre de "gira nacional de Broadway". Algunos espectáculos pueden incluso tener varias compañías de gira a la vez, ya sea que el espectáculo todavía esté en cartel en Nueva York o no, y muchas compañías "se sientan" en otras ciudades importantes para sus propias presentaciones prolongadas. Para las giras nacionales de Broadway en ciudades de primer nivel, toda la producción de Broadway se trasplanta casi completamente intacta y puede durar muchos meses (o años) en cada parada. Por ejemplo, la primera gira estadounidense de El fantasma de la ópera requirió 26 semirremolques de 53 pies de largo (16,1 m) para transportar todos sus decorados, equipo y vestuario, y se necesitaron casi 10 días para descargar adecuadamente todos esos camiones e instalar todo en un teatro. [73]
Las ciudades de segundo nivel y más pequeñas también pueden atraer giras nacionales, pero es más probable que sean giras de "autobús y camión". [73] Se trata de versiones reducidas de las producciones de gira nacionales más grandes, que históricamente adquirieron su nombre porque los elencos generalmente viajaban en autobús en lugar de en avión, mientras que los decorados y el equipo viajaban en camión. Las giras de este tipo suelen durar semanas en lugar de meses, y con frecuencia presentan una producción física reducida para adaptarse a lugares más pequeños y horarios más ajustados, y para caber en menos camiones. [73] Una ciudad típica de segundo nivel normalmente puede vender solo hasta unos ocho espectáculos (una semana) de entradas. [73] Para ciudades más pequeñas que eso, una producción de gira puede moverse dos veces por semana ("semanas divididas") o todos los días ("una noche"). [73] Para las giras de "autobús y camión", los valores de producción suelen ser menos lujosos que la gira nacional típica de Broadway o la producción de gira nacional, y los actores, aunque siguen siendo miembros del sindicato de actores, son compensados con un contrato sindical diferente y menos lucrativo. Los premios Touring Broadway Awards , presentados por The Broadway League , reconocen la excelencia en las giras de Broadway.
Las producciones y artistas de Broadway son honrados con los Premios Antoinette Perry anuales (comúnmente llamados " Premios Tony ", o "Tonys"), otorgados por el American Theatre Wing y The Broadway League , y que se presentaron por primera vez en 1947. [74] El Tony es el premio más prestigioso de Broadway, comparable a los Premios de la Academia para producciones cinematográficas de Hollywood . Su importancia ha aumentado desde 1967 cuando el espectáculo de presentación de premios comenzó a transmitirse en la televisión nacional. En una estrategia para mejorar los índices de audiencia de la televisión, a menudo se eligen celebridades para presentar el espectáculo, algunas con escasa conexión con el teatro. [75] La ceremonia de los Premios Tony más reciente se celebró el 16 de junio de 2024. Otros premios otorgados a producciones de Broadway incluyen el Drama Desk Award , presentado desde 1955, los New York Drama Critics' Circle Awards , otorgados por primera vez en 1936, y el Outer Critics Circle Award , presentado inicialmente en 1950.
Los siguientes espectáculos están confirmados como futuras producciones de Broadway. Aún no se conoce el teatro en el que se presentarán o ya está ocupado por otro espectáculo.
