La música afroamericana es un término amplio que abarca una amplia gama de géneros musicales desarrollados en gran medida por los afroamericanos y su cultura . Sus orígenes se encuentran en formas musicales que se desarrollaron como resultado de la esclavitud de los afroamericanos antes de la Guerra Civil estadounidense . [1] [2] Se ha dicho que "todo género que nace en Estados Unidos tiene raíces negras". [3]
Los dueños de esclavos blancos subyugaron a sus esclavos física, mental y espiritualmente a través de actos brutales y degradantes. [4] Los estadounidenses blancos consideraron a los afroamericanos separados y desiguales durante siglos, y llegaron a extremos extraordinarios para mantenerlos oprimidos. Los esclavos afroamericanos crearon un tipo distintivo de música que jugó un papel importante en la era de la esclavitud. Las canciones de esclavos, comúnmente conocidas como canciones de trabajo , se usaban para combatir las penurias del trabajo físico. Las canciones de trabajo también se usaban para comunicarse con otros esclavos sin que el dueño del esclavo escuchara. La canción " Wade in the Water " fue cantada por esclavos para advertir a otros que intentaban irse que usaran el agua para oscurecer su rastro. Después de la Guerra Civil , los afroamericanos empleados para tocar música europea en bandas militares desarrollaron un nuevo estilo llamado ragtime que gradualmente evolucionó hacia el jazz . El jazz incorporó la sofisticada estructura polirrítmica de la danza y la música folclórica de los pueblos del África occidental y subsahariana . Estas formas musicales tuvieron una amplia influencia en el desarrollo de la música en los Estados Unidos y en todo el mundo durante el siglo XX. [5] [6]
Analizar la música africana desde la perspectiva de la musicología europea puede dejar de lado gran parte del uso cultural del sonido y de los métodos de creación musical. Algunos métodos de creación musical africanos se traducen con mayor claridad a través de la música en sí, y no en forma escrita. [7]
El blues y el ragtime se desarrollaron a finales del siglo XIX a través de la fusión de vocalizaciones de África occidental , que empleaban la serie armónica natural y las notas azules . "Si se consideran los cinco criterios dados por Waterman como características de los grupos de la música de África occidental , se descubre que tres de ellos han sido bien documentados como característicos de la música afroamericana. Los procedimientos organizativos de llamada y respuesta , el predominio de un enfoque musical percusivo y el fraseo fuera de ritmo de los acentos melódicos se han citado como típicos del género en prácticamente todos los estudios de cualquier tipo de música afroamericana, desde canciones de trabajo , llamadas de campo o callejeras, gritos y espirituales hasta blues y jazz". [8]
Las raíces de la música popular estadounidense están profundamente entrelazadas con las contribuciones y la innovación afroamericanas. Las primeras grabaciones de jazz y blues surgieron en la década de 1910, lo que marcó el comienzo de una era transformadora en la música. Estos géneros estuvieron muy influenciados por las tradiciones musicales africanas y sirvieron como base para muchos desarrollos musicales en los años posteriores.
A medida que los músicos afroamericanos seguían dando forma al panorama musical, la década de 1940 fue testigo del surgimiento del rhythm and blues (R&B) . El R&B se convirtió en un género fundamental, mezclando elementos del jazz, el blues y el gospel , y sentó las bases para la evolución del rock and roll en la década siguiente. [9]
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La mayoría de los esclavos llegaron a América desde la costa occidental de África. [10] Esta área abarca la actual Nigeria , Ghana , Costa de Marfil , Senegal , Gambia y partes de Sierra Leona . [10] Las características armónicas y rítmicas de estas áreas, la instrumentación musical europea y la esclavitud forzada a los estadounidenses negros contribuyeron a su música. [11] [12] [13]
Muchas de las formas musicales características que definen la música afroamericana tienen precedentes históricos. Estas formas anteriores incluyen: field hollers , beat boxing , work song , Spoken Word , rap , scatting , call and response , vocalidad (o efecto vocal especial: efectos guturales, vocalidad interpolada, falsete , melisma , ritmización vocal), improvisación , blue notes , polirritmos ( síncopa , concrescencia, tensión, improvisación, percusión, nota swing ), textura (antífonía, homofonía , polifonía , heterofonía ) y armonía ( progresiones vernáculas ; armonía compleja de varias partes , como en los espirituales , el doo wop y la música de barbería ). [14]
El compositor estadounidense Olly Wilson describe "ideales de sonido heterogéneos" [15] que definen patrones tradicionales y comunes en la música africana , como el uso del timbre , el tono , el volumen y la duración, y la incorporación del cuerpo en la creación musical. Sus hallazgos incluyen usos de llamada y respuesta y la importancia de las interjecciones de la audiencia para expresar satisfacción o insatisfacción. [16] Estos ideales de sonido heterogéneos también se encuentran en muchos otros tipos de música.
Los blancos a veces enseñaban a los esclavos negros a tocar instrumentos occidentales como el violín. [17]
Debido a que los colonizadores blancos consideraban idólatras las prácticas religiosas de los indígenas africanos que incluían tambores y bailes, los esclavos celebraban sus ceremonias religiosas impregnadas de música en privado. Durante el siglo XVIII, las reuniones informales de los esclavos en casas de alabanza y reuniones en los árboles incluían canciones y cánticos como el grito circular, una danza circular acompañada de cánticos y palmas. En ocasiones, los participantes entraban en trances extáticos. [18]
A finales del siglo XVIII, los espirituales populares surgieron entre los esclavos del sur tras su conversión al cristianismo. Los esclavos reinterpretaron la práctica del cristianismo de una manera que tuviera sentido para ellos como africanos en América. A menudo cantaban los espirituales en grupos mientras trabajaban en los campos de las plantaciones. Los espirituales afroamericanos ( espirituales negros ) se crearon en iglesias invisibles e iglesias negras regulares. Los himnos, la melodía y los ritmos eran similares a las canciones que se escuchaban en África occidental. Los negros esclavizados y libres crearon sus propias palabras y melodías. Los temas incluyen las dificultades de la esclavitud y la esperanza de la libertad. [19]
Los espirituales de la época de la esclavitud se denominan canciones de gritos de esclavos. Estas canciones de gritos las cantan hoy en día los gullah geechee y otros afroamericanos en iglesias y casas de alabanza. Durante la esclavitud, estas canciones eran mensajes codificados que hablaban de escapar de la esclavitud en el Ferrocarril Subterráneo y eran cantadas por afroamericanos esclavizados en los campos de las plantaciones para enviar mensajes codificados a otros esclavos, sin que los esclavistas lo supieran. [20] Según el musicólogo e historiador Eric Sean Crawford [21] que publicó Gullah Spirituals: The Sound of Freedom and Protest in the South Carolina Sea Islands , la música gullah influyó en todos los géneros de la música estadounidense. Crawford dijo: "Todos los géneros musicales han sido influenciados por los espirituales gullah geechee. Las notas dobladas, los ritmos sincopados y las cualidades improvisadas de esta música influyeron fuertemente en la música gospel y country. Estos rasgos musicales encontraron un hogar secular en el blues, el jazz e incluso en estilos populares posteriores como el hip hop". [22] La académica LeRhonda S. Manigault-Bryant explicó que los espirituales Gullah son música sagrada que conecta a los afroamericanos con los espíritus ancestrales. Ella dijo: "Sugiero que la música sagrada de las tierras bajas adquiere simultáneamente una cualidad cíclica y lineal, que se ejemplifica mejor en el uso del aplauso de las tierras bajas y la repetición de versos que literalmente impulsan una canción hacia adelante para invocar al Espíritu. Las prácticas rítmicas y los motivos teológicos de esta música suspenden y empujan el tiempo al conectarse con tradiciones pasadas, al tiempo que denotan un vínculo espiritual que es simultáneamente ancestral, comunitario y divino". [23]
Los esclavos también usaban tambores para comunicar mensajes de escape. En África occidental, los tambores se utilizan para la comunicación, la celebración y las ceremonias espirituales. Los africanos occidentales esclavizados en los Estados Unidos siguieron fabricando tambores para enviar mensajes codificados a otros esclavos en las plantaciones. La fabricación y el uso de tambores por parte de los africanos esclavizados fue ilegalizada después de la Rebelión Stono en Carolina del Sur en 1739. [24] Los afroamericanos esclavizados usaban tambores para enviar mensajes codificados para iniciar revueltas de esclavos , y los esclavistas blancos prohibieron la creación y el uso de tambores. Después de la prohibición de los tambores, los esclavos hacían música rítmica dándose palmadas en las rodillas, los muslos, los brazos y otras partes del cuerpo, una práctica llamada pattin Juba . [25] [26] La danza Juba fue traída originalmente por los esclavos Kongo a Charleston, Carolina del Sur , y se convirtió en una danza de plantación afroamericana interpretada por esclavos durante las reuniones cuando los instrumentos rítmicos estaban prohibidos. [27] [28]
Los espirituales populares, a diferencia de gran parte del gospel blanco, solían ser animados. Los esclavos añadieron la danza (más tarde conocida como " el grito ") y otros movimientos corporales al canto. También cambiaron las melodías y los ritmos de los salmos e himnos , acelerando el tempo, añadiendo estribillos y coros repetidos y sustituyendo los textos por otros nuevos que a menudo combinaban palabras y frases inglesas y africanas. Originalmente transmitidos de forma oral, los espirituales populares han sido fundamentales en la vida de los afroamericanos durante más de tres siglos, cumpliendo funciones religiosas, culturales, sociales, políticas e históricas. [29]
Los espirituales populares se crearon de manera espontánea y se interpretaron en un estilo repetitivo e improvisado. Las estructuras de canciones más comunes son la llamada y la respuesta ("Blow, Gabriel") y los coros repetitivos ("He Rose from the Dead"). La llamada y la respuesta es un intercambio alternado entre el solista y los otros cantantes. El solista generalmente improvisa una línea a la que los otros cantantes responden, repitiendo la misma frase. La interpretación de la canción incorpora las interjecciones de gemidos, gritos, alaridos y timbres vocales cambiantes, y puede ir acompañada de palmas y zapateos.
Las grabaciones de folkways del Instituto Smithsonian tienen muestras de canciones de gritos de esclavos afroamericanos. [30]
La influencia de los afroamericanos en la música estadounidense convencional comenzó en el siglo XIX con la llegada de los minstrels de cara pintada de negro . El banjo , de origen africano, se convirtió en un instrumento popular, y sus ritmos derivados de África fueron incorporados a canciones populares por Stephen Foster y otros compositores. Con el tiempo, la construcción del banjo adoptó algunas tradiciones europeas, como un diapasón plano. Algunos banjos tenían cinco cuerdas, en contraste con la versión de tres cuerdas de África occidental. Esto resultó en la creación de varios tipos diferentes de banjos en los Estados Unidos. [31]
En la década de 1830, el Segundo Gran Despertar condujo a un aumento de los avivamientos cristianos, especialmente entre los afroamericanos. Basándose en las canciones de trabajo tradicionales , los afroamericanos esclavizados originaron e interpretaron una amplia variedad de espirituales y otra música cristiana . Algunas de estas canciones eran mensajes codificados de subversión contra los esclavistas o señales para escapar. Por ejemplo, Harriet Tubman cantó mensajes codificados a su madre y otros esclavos en el campo para hacerles saber que estaba escapando en el Ferrocarril Subterráneo. Tubman cantó: "Lo siento, voy a dejarte, adiós, oh adiós; pero te encontraré en la mañana, adiós, oh adiós, te encontraré en la mañana, voy rumbo a la tierra prometida, al otro lado del Jordán, rumbo a la tierra prometida". [32] [33] [34]
Durante el período posterior a la Guerra Civil, la difusión de la música afroamericana continuó. Los Fisk University Jubilee Singers realizaron su primera gira en 1871. Artistas como Jack Delaney ayudaron a revolucionar la música afroamericana de posguerra en el centro-este de los Estados Unidos. En los años siguientes, se formaron tropas profesionales de "jubileo" y realizaron giras. La primera compañía de comedia musical negra, Hyers Sisters Comic Opera Co., se organizó en 1876. [35] En la segunda mitad del siglo XIX, las barberías solían servir como centros comunitarios, donde los hombres se reunían. Los cuartetos de barbería se originaron con hombres afroamericanos que socializaban en las barberías; armonizaban mientras esperaban su turno, cantando espirituales, canciones folclóricas y canciones populares. Esto generó un nuevo estilo de canto a cuatro voces sin acompañamiento y en armonía cerrada. Más tarde, los cantantes de juglares blancos robaron el estilo y, en los primeros días de la industria discográfica, sus actuaciones se grababan y vendían. A finales del siglo XIX, la música afroamericana era parte integral de la cultura estadounidense dominante.
En un momento innovador en 1898, Broadway fue testigo del debut del primer musical creado por afroamericanos, cortesía de Bob Cole y Billy Johnson. El panorama musical vio otro hito en 1890 con la primera grabación de músicos negros, Bert Williams y George Walker, destacando la música de las producciones de Broadway. Theodore Drury jugó un papel fundamental en el fomento del talento negro en la ópera, estableciendo la Drury Opera Company en 1900. A pesar de su corta duración hasta 1908, la compañía dejó una marca indeleble como pionera en la participación negra en la ópera. Avanzamos rápidamente hasta 1911, cuando la pionera ópera ragtime-folk de Scott Joplin , Treemonisha , tomó el centro del escenario, agregando un capítulo único y vibrante a la historia de las contribuciones afroamericanas al ámbito musical. [36]
A principios del siglo XX se produjo un aumento de la popularidad del blues y el jazz . La música afroamericana en ese momento se clasificaba como "música racial". [37] Ralph Peer , director musical de Okeh Records , puso los discos hechos por grupos "extranjeros" bajo esa etiqueta. En ese momento, "raza" era un término comúnmente utilizado por la prensa afroamericana para hablar de la comunidad en su conjunto con un punto de vista empoderador, ya que una persona de "raza" era aquella involucrada en la lucha por la igualdad de derechos. [38] Los intérpretes de ragtime como Scott Joplin se hicieron populares y algunos fueron asociados con el Renacimiento de Harlem y los primeros activistas de los derechos civiles . Los intérpretes blancos y latinos de música afroamericana también eran visibles. La música afroamericana a menudo se alteraba y diluía para que fuera más aceptable para el público blanco, que no habría aceptado a los intérpretes negros, lo que dio lugar a géneros como la música swing .
A principios del siglo XX, los afroamericanos también se estaban convirtiendo en parte de la música clásica. Originalmente excluidos de las principales orquestas sinfónicas, los músicos negros podían estudiar en conservatorios de música que se habían fundado en la década de 1860, como la Escuela de Música de Oberlin , el Conservatorio Nacional de Música y el Conservatorio de Nueva Inglaterra . [39] Los negros también formaron orquestas sinfónicas en las principales ciudades como Chicago, Nueva Orleans y Filadelfia. Varias orquestas negras comenzaron a actuar regularmente a fines de la década de 1890 y principios del siglo XX. En 1906, se estableció la primera orquesta negra incorporada en Filadelfia. [40] A principios de la década de 1910, se fundaron en Nueva York escuelas de música exclusivamente para negros, como la Music School Settlement for Colored y la Martin-Smith School of Music. [41]
La Music School Settlement for Colored se convirtió en patrocinadora de la orquesta Clef Club de Nueva York. La Orquesta Sinfónica Clef Club atrajo a audiencias tanto negras como blancas a los conciertos en el Carnegie Hall entre 1912 y 1915. Dirigida por James Reese Europe y William H. Tyers, la orquesta incluía banjos, mandolinas y trompas barítonas. Los conciertos incluían música escrita por compositores negros, en particular Harry T. Burleigh y Will Marion Cook . Otras series anuales de conciertos negros incluyen los conciertos "All-Colored Composers" de William Hackney en Chicago y los Atlanta Colored Music Festivals. [42]
El regreso de los musicales negros a Broadway se produjo en 1921 con Shuffle Along de Sissle y Eubie Blake . En 1927, se realizó un concierto de música negra en el Carnegie Hall que incluyó jazz, espirituales y la música sinfónica de la orquesta de WC Handy y los Jubilee Singers. El primer musical cinematográfico importante con un elenco negro fue Hallelujah de King Vidor de 1929. Los intérpretes afroamericanos participaron en el musical Show Boat (que tenía un papel escrito para Paul Robeson y un coro de Jubilee Singers), y especialmente en óperas totalmente negras como Porgy and Bess y Four Saints in Three Acts de Virgil Thomson de 1934.
La primera sinfonía de un compositor negro interpretada por una gran orquesta fue la Sinfonía Afroamericana de William Grant Still (1930) interpretada por la Filarmónica de Nueva York . La Sinfonía en mi menor de Florence Beatrice Price fue interpretada en 1933 por la Orquesta Sinfónica de Chicago . [43] En 1934, la Sinfonía Folklorica Negra de William Dawson fue interpretada por la Orquesta de Filadelfia. [44]
Billboard comenzó a hacer una lista separada de discos de éxito para la música afroamericana en octubre de 1942 con el "Harlem Hit Parade", que se cambió en 1945 a " Race Records ", y luego en 1949 a "Rhythm and Blues Records". [45] [46]
En la década de 1940, las versiones de canciones afroamericanas eran algo común, y con frecuencia encabezaban las listas de éxitos, mientras que las versiones originales no llegaban al mainstream. En 1955, Thurman Ruth convenció a un grupo de gospel para que cantara en el Teatro Apollo . Esta presentación de música gospel en un entorno secular tuvo éxito, y organizó caravanas de gospel que viajaron por todo el país tocando en lugares que los cantantes de rhythm and blues habían popularizado. Mientras tanto, los intérpretes de jazz comenzaron a alejarse del swing hacia música con arreglos más intrincados, más improvisación y formas técnicamente desafiantes. Esto culminó en el bebop , el jazz modal de Miles Davis y el free jazz de Ornette Coleman y John Coltrane .
Los músicos afroamericanos de las décadas de 1940 y 1950 estaban desarrollando el rhythm and blues hasta convertirlo en rock and roll , que se caracterizaba por un fuerte ritmo de fondo . Entre los exponentes destacados de este estilo se encontraban Louis Jordan y Wynonie Harris . Sin embargo, la música rock and roll alcanzó el éxito comercial con grabaciones de músicos blancos, como Bill Haley y Elvis Presley , que tocaban una fusión basada en la guitarra del rock and roll negro y el rockabilly . La música rock se asoció más con artistas blancos, aunque algunos intérpretes negros como Chuck Berry y Bo Diddley tuvieron éxito comercial.
En 2017, National Public Radio escribió sobre la carrera de Sister Rosetta Tharpe y concluyó con estos comentarios: Tharpe "era una cantante de gospel de corazón que se convirtió en una celebridad al forjar un nuevo camino musicalmente... A través de su inolvidable voz y su estilo crossover gospel-swing, Tharpe influyó en una generación de músicos, incluidos Aretha Franklin , Chuck Berry y muchos otros... Ella fue, y es, una artista incomparable". [47]
A finales de los años 40, otros afroamericanos se esforzaron por dar conciertos como músicos clásicos en un esfuerzo por trascender las barreras raciales y nacionalistas de la era de posguerra. En 1968, Henry Lewis se convirtió en el primer instrumentista afroamericano de una importante orquesta sinfónica estadounidense, uno de los primeros "embajadores musicales" en apoyo de la diplomacia cultural en Europa y el primer director afroamericano de un importante conjunto sinfónico estadounidense en 1968. [48] [49] [50] [51]
El término "rock and roll" tenía una fuerte connotación sexual en el jump blues y el R&B, pero cuando el DJ Alan Freed se refirió al rock and roll en la radio convencional a mediados de los años 50, "el componente sexual se había atenuado lo suficiente como para que simplemente se convirtiera en un término aceptable para bailar". [52]
Según muchas fuentes, entre ellas un artículo del Wall Street Journal de 1985 titulado «¡Rock! Todavía es rhythm and blues», el R&B ejerció una fuerte influencia en el rock and roll. El autor afirma que «los dos términos se utilizaban indistintamente» hasta aproximadamente 1957. [53]
Fats Domino no estaba convencido de que existiera un género nuevo. En 1957 dijo: "Lo que ahora llaman rock 'n' roll es rhythm and blues. Lo he estado tocando durante 15 años en Nueva Orleans". [54] Según Rolling Stone , "esta es una declaración válida ... todos los rockeros de los años cincuenta, negros y blancos, nacidos en el campo y criados en la ciudad, fueron fundamentalmente influenciados por el R&B, la música popular negra de finales de los cuarenta y principios de los cincuenta". [55] El reconocimiento de Elvis Presley de la importancia de artistas como Fats Domino fue significativo, según un artículo de 2017: la "defensa de los músicos negros como parte de una narrativa que vio muchos aspectos positivos en el creciente interés de los jóvenes blancos en los estilos musicales de base afroamericana". [56] En un evento de prensa en 1969, Presley presentó a Fats Domino y dijo: "ese es el verdadero Rey del Rock 'n' Roll"... una gran influencia para mí cuando comencé". [57]
A mediados de los años 50, muchos artistas blancos hacían versiones de muchas canciones de R&B y las grabaciones se escuchaban más en las radios tradicionales. Por ejemplo, «Presley hizo rápidamente una versión de "Tutti Frutti"... También lo hizo Pat Boone», según The New Yorker . «En 1956, el setenta y seis por ciento de las mejores canciones de R&B también entraban en la lista de éxitos del pop; en 1957, el ochenta y siete por ciento entraba en la lista de éxitos del pop; en 1958, era el noventa y cuatro por ciento. El mercado marginal se había convertido en el mercado principal, y las grandes discográficas se habían sumado a la acción». [58]
La década de 1950 marcó un repunte significativo en el atractivo del blues , cautivando al público tanto en los EE. UU. como al otro lado del charco en el Reino Unido, recordando los estilos de principios del siglo XX. Junto a este resurgimiento del blues, el doo-wop ocupó el centro del escenario, encantando a los oyentes con su mezcla única de armonías de grupos vocales, sílabas sin sentido divertidas, instrumentación mínima y letras sencillas. El doo-wop, que a menudo presentaba artistas solistas con grupos de acompañamiento, enfatizaba a los cantantes principales que desempeñaban un papel destacado en el arreglo musical. Simultáneamente, una versión secularizada de la música gospel estadounidense , conocida como soul , surgió a mediados de la década de 1950, liderada por pioneros como Ray Charles , [59] Jackie Wilson y Sam Cooke . [60] Esta ola conmovedora tuvo un profundo impacto, influyendo no solo en la música surf , sino también allanando el camino para grupos de chicas que encabezaron las listas como The Angels y The Shangri-Las . En una revolución del baile, en 1959 Hank Ballard lanzó una canción adaptada a la nueva moda del baile, "The Twist", que se convertiría en una sensación que definiría el comienzo de los años 60. [61]
En 1959, Berry Gordy fundó Motown Records , el primer sello discográfico que presentó principalmente artistas afroamericanos, que tenía como objetivo lograr el éxito crossover. El sello desarrolló un estilo innovador y comercialmente exitoso de música soul con elementos pop distintivos. Su lista inicial incluía a The Miracles , Martha and the Vandellas , Marvin Gaye , The Temptations y The Supremes . [62] Divas negras como Aretha Franklin se convirtieron en estrellas crossover de los años 60. En el Reino Unido, el blues británico se convirtió gradualmente en un fenómeno mainstream, regresando a los Estados Unidos en forma de British Invasion , un grupo de bandas lideradas por The Beatles y The Rolling Stones que interpretaban blues y pop inspirado en el R&B con aspectos tanto tradicionales como modernos. WGIV en Charlotte, Carolina del Norte , fue una de las pocas estaciones de radio dedicadas a la música afroamericana que comenzaron durante este período.
La invasión británica eliminó a muchos artistas negros de las listas de éxitos del pop estadounidense, aunque algunos, como Otis Redding , Wilson Pickett , Aretha Franklin y varios artistas de Motown, siguieron teniendo éxito. Sin embargo, la música soul siguió siendo popular entre los negros a través de nuevas formas como el funk , desarrollado a partir de las innovaciones de James Brown . [63] En 1961, Stevland Hardaway Morris, de 11 años, grabó su primer disco bajo el sello Tamla de Motown como Stevie Wonder . [64]
En 1964, la Ley de Derechos Civiles prohibió las principales formas de discriminación hacia los afroamericanos y las mujeres. A medida que las tensiones comenzaron a disminuir, más músicos afroamericanos pasaron a la corriente principal. Algunos artistas que lograron cruzar con éxito fueron Aretha Franklin , James Brown y Ella Fitzgerald en los mundos del pop y el jazz, y Leontyne Price y Kathleen Battle en la música clásica.
A finales de la década, los negros eran parte de la psicodelia y las primeras tendencias del heavy metal , particularmente a través de la omnipresente influencia de los Beatles y las innovaciones de la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix . [65] Hendrix fue uno de los primeros guitarristas en usar retroalimentación de audio , fuzz y otros pedales de efectos como el pedal wah wah para crear un sonido de solo de guitarra único. El soul psicodélico , una mezcla de rock psicodélico y soul, comenzó a florecer con la cultura de los años 60. Aún más popular entre los negros, y con más atractivo crossover, fue el soul orientado a los álbumes a fines de los años 60 y principios de los 70, que revolucionó la música afroamericana. Las letras inteligentes e introspectivas del género, a menudo con un tono socialmente consciente, fueron creadas por artistas como Marvin Gaye en What's Going On y Stevie Wonder en Innervisions .
En la década de 1970, el soul orientado a los álbumes continuó su popularidad mientras que músicos como Smokey Robinson ayudaron a convertirlo en música Quiet Storm . El funk evolucionó en dos vertientes, una fusión de pop-soul-jazz-bass iniciada por Sly & the Family Stone , y una fusión más psicodélica personificada por George Clinton y su ensamble P-Funk . La música disco evolucionó a partir de músicos negros que creaban música soul con una melodía de ritmo rápido. Isaac Hayes , Barry White , Donna Summer y otros ayudaron a popularizar la música disco, que obtuvo un éxito generalizado.
Algunos artistas afroamericanos, incluidos The Jackson 5 , Roberta Flack , Teddy Pendergrass , Dionne Warwick , Stevie Wonder , The O'Jays , Gladys Knight & the Pips y Earth, Wind & Fire, encontraron audiencias crossover, mientras que los oyentes blancos prefirieron el country rock , los cantautores, el rock de estadios , el soft rock , el glam rock y, hasta cierto punto, el heavy metal y el punk rock .
Durante la década de 1970, The Dozens , una tradición urbana afroamericana de usar ridículos rimados juguetones, se convirtió en jive callejero a principios de los 70, que a su vez inspiró el hip-hop a fines de la década de 1970. Artistas de palabra hablada como The Watts Prophets , The Last Poets , Gil Scott-Heron y Melvin Van Peebles fueron algunos innovadores del hip-hop temprano. Muchos jóvenes en el Bronx usaron este medio para comunicar la injusticia que enfrentaban las minorías en ese momento. Los DJ tocaban discos, típicamente funk, mientras que los MC presentaban pistas al público bailarín. Con el tiempo, los DJ comenzaron a aislar y repetir los descansos de percusión, produciendo un ritmo constante, eminentemente bailable, sobre el cual los MC comenzaron a rapear, usando rimas y letras sostenidas. [66] El hip-hop se convertiría en un movimiento multicultural en una América negra juvenil, liderado por artistas como Kurtis Blow y Run-DMC .
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Michael Jackson tuvo un éxito sin precedentes con sus álbumes de la década de 1980 Off the Wall , Bad y el álbum más vendido de todos los tiempos, Thriller . Jackson allanó el camino para otros exitosos artistas solistas negros como Prince , Lionel Richie , Luther Vandross , Tina Turner , Whitney Houston y Janet Jackson (la hermana de Michael). El pop y el dance-soul de esta era inspiraron el new jack swing a finales de la década. [67]
El hip-hop se extendió por todo el país y se diversificó. El techno , el dance, el Miami bass , el post-disco , el Chicago house , el hardcore de Los Ángeles y el go-go de Washington, DC se desarrollaron durante este período, y solo el Miami bass logró un éxito general. En poco tiempo, el Miami bass quedó relegado principalmente al sureste de los EE. UU ., mientras que el Chicago house había logrado un fuerte avance en los campus universitarios y los estadios de baile (es decir, el sonido de los almacenes, el rave ). El go-go de Washington obtuvo una modesta atención nacional con canciones como Da Butt (1988) de EU , pero resultó ser un fenómeno principalmente regional. El sonido del house de Chicago se había expandido al entorno musical de Detroit y comenzó a utilizar sonidos más electrónicos e industriales, creando el techno , el acid y el jungle de Detroit . La combinación de estos sonidos experimentales, generalmente orientados a los DJ, con el sonido disco multiétnico de Nueva York de los años 1970 y 1980 creó una marca de música que fue más apreciada en las grandes discotecas de las grandes ciudades. El público europeo adoptó este tipo de música electrónica de baile con más entusiasmo que sus homólogos norteamericanos. [ cita requerida ]
A partir de 1986, el rap entró en la corriente principal con Raising Hell de Run-DMC y Licensed to Ill de Beastie Boys . Licensed to Ill fue el primer álbum de rap en entrar en el puesto número 1 en el Billboard 200 y abrió la puerta a los raperos blancos. Ambos grupos mezclaron rap y rock, atrayendo a ambos públicos. El hip-hop despegó de sus raíces y floreció la edad de oro del hip hop , con artistas como Eric B. & Rakim , Public Enemy , LL Cool J , Queen Latifah , Big Daddy Kane y Salt-N-Pepa . El hip-hop se hizo popular en los Estados Unidos y se convirtió en un fenómeno mundial a fines de la década de 1990. La escena de la edad de oro terminaría a principios de la década de 1990 cuando el rap gangsta y el G-funk tomaron el control, con los artistas de la Costa Oeste Dr. Dre , Snoop Dogg , Warren G y Ice Cube , los artistas de la Costa Este Notorious BIG , Wu-Tang Clan y Mobb Deep , y los sonidos de la bravuconería, la compasión y la conciencia social de los hombres negros urbanos. [ cita requerida ]
Aunque la música heavy metal fue creada casi exclusivamente por artistas blancos en los años 1970 y 1980, hubo algunas excepciones. En 1988, la banda de heavy metal formada exclusivamente por negros Living Colour alcanzó el éxito comercial con su álbum debut Vivid , alcanzando el puesto número 6 en el Billboard 200 , gracias a su sencillo Top 20 " Cult of Personality ". La música de la banda contenía letras que atacaban lo que percibían como eurocentrismo y racismo en Estados Unidos. Una década después, más artistas negros como Lenny Kravitz , Body Count , Ben Harper y muchos otros comenzarían a tocar rock nuevamente. [ cita requerida ]
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El R&B contemporáneo , la versión post-disco de la música soul , siguió siendo popular durante las décadas de 1980 y 1990. Grupos vocales masculinos como The Temptations y The O'Jays fueron particularmente populares, así como New Edition , Boyz II Men , Jodeci , Dru Hill , Blackstreet y Jagged Edge . Los grupos de chicas, incluidos TLC , Destiny's Child , SWV y En Vogue también tuvieron mucho éxito. [68]
Cantautores como R. Kelly , Mariah Carey , Montell Jordan , D'Angelo , Aaliyah y Raphael Saadiq de Tony! Toni! Toné! también fueron populares durante la década de 1990. Mary J. Blige , Faith Evans y BLACKstreet popularizaron una mezcla de fusión conocida como hip-hop soul . El movimiento neo soul de la década de 1990, con influencias del soul clásico, se popularizó a fines de la década de 1990 y principios de la década de 2000 por artistas como D'Angelo , Erykah Badu , Maxwell , Lauryn Hill , India.Arie , Alicia Keys , Jill Scott , Angie Stone , Bilal y Musiq Soulchild . Una reseña discográfica afirmó que el álbum aclamado por la crítica de D'Angelo Voodoo (2000) "representa la música afroamericana en una encrucijada... Llamarlo simplemente soul neoclásico... sería ignorar los elementos del jazz vodevil , los cuernos de Memphis , el blues ragtime , el funk y los ritmos de bajo, sin mencionar el hip-hop, que se deslizan por cada poro de estas canciones embrujadas". [69] El soul de ojos azules es música soul interpretada por artistas blancos, incluidos Michael McDonald , Christina Aguilera , Amy Winehouse , Robin Thicke , Michael Bolton , Jon B. , Lisa Stansfield , Teena Marie , Justin Timberlake , Joss Stone , George Michael y Anastacia . El soul de ojos azules, generalmente ejecutado por músicos caucásicos, es conocido por sus pegadizos estribillos y melodías. Surgió de una mezcla de rockabilly influenciado por los artistas blancos Elvis Presley y Bill Haley , así como doo wop inspirado por Dion y The Four Seasons. Entre los artistas notables de este género se incluyen Righteous Brothers, Hall & Oates, The Rascals, Mitch Ryder & the Detroit Wheels, Dusty Springfield, Boy George y George Michael. El álbum Young Americans de David Bowie se considera una importante contribución tardía al blue-eyed soul. [70]
Dentro de los círculos underground, el movimiento afro-punk ganó atención a principios del siglo XXI, en gran parte debido al documental homónimo lanzado en 2003. [71] Este movimiento, que incluye un festival anual [72], también ha contribuido a arrojar más luz sobre el papel de los negros en el punk rock desde sus orígenes en la década de 1970.
Junto con la influencia de los cantautores en el hip-hop y el R&B, hubo un aumento en la creatividad y la expresión a través de la música rap . Tupac , The Notorious BIG ("Biggie"), NWA , Lil' Kim , Snoop Dogg y Nas irrumpieron en la industria musical. El rap de los 90 introdujo muchos otros subgéneros, incluidos el rap gangsta , el rap consciente y el rap pop . [73] El rap gangsta se centró en la violencia de pandillas, el tráfico de drogas y la pobreza. [73] También fue un actor importante en la rivalidad del hip hop de la Costa Este y la Costa Oeste . Los principales actores de esta rivalidad fueron Tupac y Suge Knight en la Costa Oeste y The Notorious BIG y Diddy en la Costa Este.
El hip-hop sigue siendo un género creado y dominado por afroamericanos. En sus primeros años, las letras hablaban de las dificultades de ser negro en los Estados Unidos. Las discográficas propiedad de blancos controlaban la forma en que se comercializaba el hip-hop, lo que dio lugar a cambios en las letras y la cultura del hip-hop para adaptarse al público blanco. Los académicos y los creadores de hip-hop afroamericanos notaron este cambio. El hip-hop se utiliza para vender coches, teléfonos móviles y otros productos. [74] [75]
El movimiento hip-hop se ha vuelto cada vez más común a medida que la industria musical ha tomado el control del mismo. En esencia, "desde el momento en que 'Rapper's Delight' se convirtió en disco de platino, el hip-hop, la cultura popular, se convirtió en el hip-hop, el espectáculo secundario de la industria del entretenimiento estadounidense". [76]
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A principios de la década de 2000, 50 Cent fue uno de los artistas afroamericanos más populares. En 2005, su álbum The Massacre vendió más de un millón de copias en su primera semana. En 2008, el álbum Tha Carter III de Lil Wayne también vendió más de un millón de copias en su primera semana. [77]
Un año después de la inesperada muerte de Michael Jackson en 2009, su patrimonio generó 1.400 millones de dólares en ingresos. Un documental que contiene imágenes de los ensayos de la gira programada de Jackson This Is It , titulado Michael Jackson's This Is It , se estrenó el 28 de octubre de 2009 y se convirtió en la película de concierto más taquillera de la historia. [78]
En 2013, ningún músico afroamericano tuvo un número uno en el Billboard Hot 100, el primer año en el que no hubo un disco número uno de un afroamericano en los 55 años de historia de la lista. [79] J. Cole , Beyoncé , Jay Z y el mitad canadiense Drake fueron los artistas musicales con mayores ventas este año, pero ninguno llegó al número uno del Billboard Hot 100 , lo que generó mucho debate. [80]
La música de protesta negra se volvió popular en la década de 2010. [81] Beyoncé, su hermana Solange , Kanye West y Frank Ocean lanzaron álbumes de protesta negra. Beyoncé lanzó su primer álbum de "protesta negra" Lemonade en 2016. El álbum estuvo dedicado a Black Lives Matter . [82]
En 2020, Beyoncé lanzó "Black Parade" durante el Juneteenth por la muerte de George Floyd . [83] Kendrick Lamar , J. Cole , The Game , Janelle Monae y D'Angelo and the Vanguard también han lanzado música para Black Lives Matter . [84]
A través de la hibridación de elementos culturales africanos, europeos y nativos americanos, la música afroamericana se ha convertido en "un fenómeno claramente estadounidense". [85]
La música que se hizo durante la era de Jim Crow y de los derechos civiles despertó "la pasión y la determinación del Movimiento por los Derechos Civiles del Sur" que "brindó un acompañamiento musical conmovedor a la campaña por la justicia racial y la igualdad". [86] Hombres, mujeres y niños afroamericanos de todo el país se reunieron en entornos sociales como marchas, reuniones masivas, iglesias e incluso cárceles y "transmitieron la urgencia moral de la lucha por la libertad". [86] La música afroamericana sirvió para elevar los espíritus y los corazones de quienes luchaban por los derechos civiles. [86] Guy Carawan se refirió al Movimiento por los Derechos Civiles como "el mayor movimiento de canto que este país haya experimentado". [87]
A menudo llamado "el himno del Movimiento por los Derechos Civiles", " We Shall Overcome " fue un himno del siglo XIX que se usó como canción de protesta laboral en una huelga laboral contra American Tobacco en Charleston, Carolina del Sur, en 1945-1946. [87] [88] Fue escuchado por Zilhpia Horton en un campo de tabaco de Tennessee en una línea de piquetes en 1946, y una trabajadora llamada Lucille Simmons cambió la redacción original de "I Will Overcome" a "We Will Overcome", lo que lo hizo más poderoso para el Movimiento por los Derechos Civiles. [87]
En 1947, Horton añadió algunos versos a la canción y le enseñó su versión a Pete Seeger . [87] Seeger revisó la canción de "We will" a "We shall". [88] En abril de 1960 en Raleigh, Carolina del Norte, el cantante folk Guy Carawan cantó la nueva versión en la convención fundadora del Comité Coordinador Estudiantil No Violento (SNCC) , iniciando su rápida difusión en todo el Movimiento por los Derechos Civiles. [87] Seeger, Carawan y Frank Hamilton registraron los derechos de autor de la canción para evitar que se convirtiera en una "canción pop comercializada". [87]
"We Shall Overcome" continuó difundiéndose rápidamente a medida que el Movimiento por los Derechos Civiles ganaba seguidores e impulso. [88] Los manifestantes de todo el país cantaron la canción mientras marchaban por sus derechos, fueron golpeados, atacados por perros policías y enviados a prisión por violar las leyes de segregación. [88] "We Shall Overcome" y muchas otras canciones de protesta durante el movimiento por los Derechos Civiles se convirtieron en su banda sonora. [88] Fuera de los EE. UU., la canción se ha utilizado en movimientos de libertad en todo el mundo. [88] En la India, la canción se conoce como " Hum Honge Kaamyaab ", que es una canción que la mayoría de los niños de las escuelas de la India saben de memoria. [88]
El Festival Cultural de Harlem fue una serie de conciertos de música que se celebraron en el parque Mount Morris de Harlem en la ciudad de Nueva York. Este festival "celebraba la música y la cultura afroamericana y promovía la política continua del orgullo negro". [89] A las 3 p. m. los domingos desde el 29 de junio de 1969 hasta el 24 de agosto de 1969, los artistas actuaron para una audiencia de decenas de miles de personas. [89] Entre los artistas que actuaron se encontraban Stevie Wonder , Nina Simone , BB King , Sly and the Family Stone , The 5th Dimension , Gladys Knight & the Pips , Mahalia Jackson y muchos otros. [89]
Las tiendas de discos desempeñaron un papel vital en las comunidades afroamericanas durante muchas décadas. En los años 1960 y 1970 , entre 500 y 1.000 tiendas de discos propiedad de negros operaban en el sur de Estados Unidos, y probablemente el doble en los Estados Unidos en su conjunto. Según The Political Economy of Black Music de Norman Kelley , "la música negra existe en una relación neocolonial con la industria musical de 12 mil millones de dólares, que consta de seis compañías discográficas". Los empresarios afroamericanos adoptaron las tiendas de discos como vehículos clave para el empoderamiento económico y espacios públicos críticos para los consumidores negros en un momento en que muchas empresas propiedad de negros estaban cerrando en medio de la desegregación . [90] Innumerables afroamericanos han trabajado como intérpretes musicales, propietarios de clubes, DJ de radio, promotores de conciertos y propietarios de sellos discográficos. Muchas empresas utilizan la música afroamericana para vender sus productos. Empresas como Coca-Cola , Nike y Pepsi han utilizado música afroamericana en publicidad. [91]
El jazz y el hip-hop viajaron a África y Asia e influyeron en otros géneros de música africana y asiática. [92] Muchos afirman que sin la música afroamericana, no habría música estadounidense. [93] Las canciones que los africanos trajeron a Estados Unidos crearon una base para la música estadounidense. [93] Los estilos de textura, la jerga y el inglés vernáculo afroamericano influyeron en la cultura pop estadounidense y la cultura global. La forma en que los afroamericanos se visten en los videos de hip-hop y cómo hablan los afroamericanos se copia en el mercado estadounidense y el mercado global. [94] [95] La rapera australiana blanca Iggy Azalea se apropia culturalmente de la música negra y usa el habla negra en su música. [96] El cantante canadiense blanco Justin Bieber ha admitido estar influenciado por la cultura negra y la música negra. [97]
Afrobeat es un género musical nigeriano creado por el artista nigeriano Fela Kuti . Afrobeat comenzó a principios del siglo XX en Nigeria con una combinación de highlife , música yoruba y jazz . [98] Los años entre guerras (1918-1939) fueron una época particularmente fértil para la formación de tradiciones musicales urbanas pan-africanas occidentales. [99] Kuti fusionó la música tradicional de África occidental con la música afroamericana de jazz, R&B y otros géneros de música de África occidental y afroamericana. [100] La música funk, el estilo de baile y la batería afroamericana de James Brown influyeron en Afrobeat. [101] En Londres, Kuti se unió a bandas de jazz y rock, y regresó a Nigeria, creando Afrobeat fusionando música afroamericana y tradicional yoruba con música highlife . En 1969, Kuti realizó una gira por Estados Unidos y se inspiró en el activismo político de los afroamericanos. Estudió la vida de Malcolm X y se inspiró en sus discursos a favor de los negros. Esto dio lugar a un cambio en el mensaje de Kuti, ya que empezó a hablar de los problemas políticos de África y Nigeria. [102] En cambio, "afrobeats" es un término que se aplica a una amplia gama de géneros populares en toda África. La música a la que se hace referencia como afrobeats, a diferencia de la de Kuti, suele ser alegre, generada digitalmente y cantada en inglés, en lenguas de África occidental y en lenguas pidgin. La música de Kuti se caracterizaba por su contenido político y su estilo orquestal, mientras que los afrobeats se inspiraban en muchos temas musicales del R&B y el hip-hop/rap (amor, sexo, drogas, dinero, tiempos difíciles, fama). [103]
El hip-hop llegó a Corea en la década de 1990 y se desarrolló en el hip-hop coreano y la música K-pop coreana . [104] Algunos artistas coreanos se han apropiado de la lengua vernácula afroamericana y otros aspectos de la cultura negra. [105] [106] Se sabe que grupos como el grupo femenino Mamamoo se visten con la cara pintada de negro, y otros hablan con "acentos negros" y llevan el pelo al estilo étnico. El artista Zico ha utilizado la palabra n en su música y ha afirmado que tiene un "alma negra". [107] En 2020, dentro del "K-pop, pintarse la cara de negro, pronunciar o decir insultos raciales y usos puramente estéticos de la cultura y los peinados negros" todavía eran comunes, [108] sin necesariamente comprender, honrar o dar crédito a sus raíces afroamericanas. [107] Según fuentes citadas en un artículo del Guardian de 2020, muchos artistas de K-pop no muestran apoyo a las cuestiones de justicia social afroamericana. “Muchos fans internacionales están esperando que la industria desarrolle una comprensión más sensible y globalizada de la raza”. [108] En coreano hay frases que se han malinterpretado y que parecen un insulto racial. Entre ellas se encuentran la frase “debido a” (니까), que se pronuncia “nikka”, y la palabra “tú” o “eres” (니가), que se pronuncia “neega”. [109]
pop, country-and-western y (un término nuevo que reemplaza a "música racial") rhythm and blues.
Su significado abarca tanto el sexo como el baile
Pero el rock 'n' roll ya existía mucho antes de que yo llegara. Seamos realistas: no puedo cantar como Fats Domino. Lo sé."
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