Young Americans es el noveno álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado el 7 de marzo de 1975 a través de RCA Records . Una desviación del estilo glam rock de álbumes anteriores, el disco mostró el interés de Bowie por el soul y el R&B . Los críticos musicales han descrito el sonido como soul de ojos azules ; El propio Bowie calificó el sonido del álbum como " alma plástica ".
Las sesiones de grabación comenzaron en los Sigma Sound Studios de Filadelfia en agosto de 1974, tras la primera etapa de su Diamond Dogs Tour . El disco fue producido por Tony Visconti , e incluye una variedad de músicos, como el guitarrista Carlos Alomar , quien se convirtió en uno de los colaboradores más frecuentes de Bowie, y los coristas Ava Cherry , Robin Clark y el entonces desconocido cantante Luther Vandross . A medida que avanzaba la gira, el setlist y el diseño comenzaron a incorporar la influencia del nuevo material. Las sesiones de grabación continuaron en Record Plant en la ciudad de Nueva York al final de la gira. Una colaboración entre Bowie y John Lennon produjo una versión de la canción de los Beatles de Lennon " Across the Universe " y " Fame " durante una sesión de enero de 1975 en Electric Lady Studios , producida por Harry Maslin . La portada del álbum es una fotografía a contraluz de Bowie tomada por Eric Stephen Jacobs.
Young Americans fue el gran avance de Bowie en Estados Unidos, alcanzando el top 10 en la lista Billboard ; El sencillo "Fame" se convirtió en el primer éxito número uno de Bowie. Bowie continuó desarrollando su sonido en Station to Station (1976). Young Americans ha recibido críticas mixtas tras su estreno y en décadas posteriores; El propio Bowie tenía sentimientos encontrados sobre el álbum. El álbum resultó influyente. Bowie fue uno de los primeros artistas blancos de la época en involucrarse abiertamente con estilos musicales negros; Otros artistas británicos hicieron lo mismo. El álbum ha sido reeditado varias veces con tomas descartadas y fue remasterizado en 2016 como parte de Who Can I Be Now? (1974-1976) caja.
David Bowie lanzó su octavo álbum de estudio Diamond Dogs en mayo de 1974. Su último álbum en el género glam rock , [1] contenía dos canciones, " Rock 'n' Roll with Me " y " 1984 ", que exhiben elementos de funk y soul , que predijo la dirección musical del próximo proyecto de Bowie. [2] [3] [4] Si bien su interés por la música soul se remontaba a sus días mod a mediados de la década de 1960, comenzó a escuchar discos de soul extensamente e incorporar material de soul en sus sets en vivo. [5] [6] En julio, hacia el final de la primera etapa de su Diamond Dogs Tour , interpretó versiones de las canciones soul " Knock on Wood " de Eddie Floyd y "Here Today and Gone Tomorrow" de los Ohio Players para espectáculos en Upper Darby Township, Pensilvania, que produjeron el álbum en vivo David Live (1974). [a] [1] Bowie se había cansado de las fastuosas escenografías y la teatralidad de la gira y estaba listo para abrazar por completo la música soul negra. [9]
A principios de 1974, Bowie conoció al guitarrista funk Carlos Alomar , un músico de sesión del Teatro Apollo que había tocado con James Brown , Chuck Berry y Wilson Pickett . Uno de los discos favoritos de Bowie fue Live at the Apollo (1963) de Brown, por lo que conocer a un músico que tocaba en el Apollo significó mucho para él. Alomar nunca había oído hablar de Bowie cuando se conocieron, pero inmediatamente conectaron y formaron una relación de trabajo que duraría casi 15 años; Alomar se convirtió en el guía de Bowie en la música negra estadounidense. [1] [10]
Mientras estaba en Pensilvania, Bowie visitó Sigma Sound Studios en Filadelfia para trabajar en grabaciones con la música estadounidense Ava Cherry . [11] [12] Sigma Sound fue el hogar del soul de Filadelfia [13] [14] y el estudio favorito del dúo de escritores y productores Kenneth Gamble y Leon Huff ; Los dos habían cofundado Philadelphia International Records , el hogar de muchos músicos negros estadounidenses de renombre. Al final de la primera etapa de la gira, Bowie regresó a la ciudad de Nueva York para mezclar David Live , escuchando varios álbumes negros en preparación para su regreso a Sigma Sound. [1]
Para la banda de acompañamiento, Bowie quería contratar a MFSB ("Mother Father Sister Brother"), [6] la banda local de Sigma Sound de más de 30 músicos de sesión . [15] [14] Ninguno de los miembros estaba disponible excepto el percusionista Larry Washington, por lo que Bowie fue a la ciudad de Nueva York para seguir reclutando. El pianista Mike Garson , el saxofonista David Sanborn y el percusionista Pablo Rosario fueron retenidos del Diamond Dogs Tour, mientras que el guitarrista Earl Slick fue reemplazado por Alomar. Por sugerencia de Alomar, Bowie contrató al ex baterista de Sly and the Family Stone Andy Newmark y al bajista Willie Weeks de los Isley Brothers para reemplazar a Tony Newman y Herbie Flowers , respectivamente. El productor Tony Visconti se unió al proyecto inmediatamente después de que Bowie le informara de la participación de Weeks; [1] [9] Visconti coprodujo gran parte del trabajo de Bowie durante el resto de la década. [16] Cherry, la esposa de Alomar, Robin Clark , el entonces desconocido cantante Luther Vandross , Anthony Hinton y Diane Sumler realizaron coros para las sesiones. [9] [5]
El trabajo de demostración comenzó en Sigma Sound el 8 de agosto de 1974, y el trabajo oficial comenzó tres días después, el 11 de agosto, con la llegada de Visconti. [1] [17] Antes de Filadelfia, Bowie había pasado la mayor parte de su carrera discográfica en Gran Bretaña, donde los métodos de grabación eran diferentes a los de los Estados Unidos. En Olympic y Trident Studios en Gran Bretaña, los ingenieros aplicaron ecualizadores y reverberación mientras grababan, de modo que estos efectos se escucharan durante la reproducción. En Sigma Sound, sin embargo, los ingenieros aplicaron efectos durante la etapa de mezcla. Bowie inicialmente se sintió confundido al escuchar las cintas, ya que según el biógrafo Chris O'Leary, "no había escuchado su voz 'desnuda' en la cinta en años". [5]
Las sesiones fueron productivas y avanzaron rápidamente, y solo tardaron dos semanas en completarse. Desde el principio se acordó grabar la mayor cantidad posible del álbum en vivo, con toda la banda tocando junta, incluida la voz de Bowie, como una única toma continua para cada canción. Según Visconti, el álbum contiene "aproximadamente un 85% de David Bowie 'en vivo'". [1] La mayor parte del material se construyó a partir de sesiones improvisadas . [9] [14] El álbum representó un cambio en el enfoque de producción de Bowie, [18] permitiendo a los músicos proponer ideas que Bowie usó para escribir letras y melodías. [14] Cherry, Clark y Vandross, en particular, se convirtieron en las fuerzas impulsoras del proyecto. [18]
Durante su estancia en Sigma Sound, Bowie se sumergió por completo en la música soul. Creó una nueva personalidad llamada "The Gouster", un término del argot para referirse a un chico callejero moderno, [14] [6] que se convirtió en uno de los títulos provisionales del álbum. Visconti comentó que "no era tanto un concepto sino una forma de marcar el tono de que íbamos a hacer un álbum muy moderno". [14] La adicción a la cocaína de Bowie aumentó a un ritmo rápido durante el período; A menudo permanecía despierto día y noche grabando mientras la banda dormía. [b] [1] Alomar dijo que las sesiones fueron "impulsadas" por las drogas, [14] recordando: "Usaba drogas para mantenerse despierto. [Supuse] que era más una cosa funcional [que una adicción], así que' Estaría 'encendido' cada vez que llegara el momento de grabar". [13] El consumo de cocaína de Bowie afectó su voz, creando lo que el propio Bowie llamó "un sonido realmente ronco" que le impedía cantar notas más altas. Bowie creía que el álbum contenía las notas más altas que jamás haya cantado. [1]
Las sesiones produjeron numerosas tomas descartadas , incluidas "After Today", "¿Who Can I Be Now?", "It's Gonna Be Me", una regrabación del sencillo de Bowie de 1972 " John, I'm Only Dancing " titulado " John, I'm Only Dancing (Again) ", "Lazer", "Shilling the Rubes", una regrabación desechada de " It's Hard to Be a Saint in the City " [c] de Bruce Springsteen y "Too Fat Polka". [1] Después de estas sesiones, Bowie estaba ansioso por interpretar su nuevo trabajo en vivo. Al embarcarse en la segunda mitad de la gira Diamond Dogs, que duró de septiembre a diciembre de 1974, esta parte recibe el sobrenombre de Soul Tour debido a la influencia del nuevo material. Los espectáculos fueron muy modificados y ya no presentaban escenas elaboradas, debido al cansancio de Bowie con el diseño y al deseo de explorar el nuevo sonido que estaba creando. Se eliminaron canciones de la etapa anterior, mientras que se agregaron otras nuevas, incluidas algunas del nuevo álbum. [21] El 2 de noviembre, Bowie apareció en The Dick Cavett Show e interpretó "1984", " Young Americans " y una versión de "Footstompin ' " de los Flairs . No hablaba bien y visiblemente drogado durante su entrevista. [22] [23]
Bowie y Visconti agregaron sobregrabaciones y comenzaron a mezclar después de la conclusión de la gira Soul en noviembre de 1974. [10] Los fanáticos locales, a quienes Bowie se refería como los "Sigma Kids", esperaron afuera del estudio durante el transcurso de las sesiones. El último día de seguimiento, estos fans fueron invitados al estudio para escuchar versiones preliminares de las nuevas canciones. [10] [14] Además de The Gouster , los otros títulos de trabajo del álbum incluyen Dancin ' , Somebody Up There Likes Me , One Damned Song , Shilling the Rubes y Fascination . Uno de los primeros acetatos de The Gouster proporcionado por Visconti mostraba "John, sólo estoy bailando (otra vez)", "¿Quién puedo ser ahora?" y "It's Gonna Be Me" en la lista de canciones. [1]
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La gira Soul terminó en diciembre de 1974, tras lo cual Bowie, Visconti y Alomar se reagruparon en Record Plant en la ciudad de Nueva York para grabar dos nuevas canciones, " Fascination " y "Win". En este punto, Bowie le dijo a Disc que el título del álbum era Fascination (después de la pista recién grabada); "John, I'm Only Dancing (Again)" todavía estaba en la lista de canciones, y las dos nuevas pistas reemplazaron a "Who Can I Be Now?" y "Le gusto a alguien allá arriba". Visconti, que creía que el álbum estaba completamente terminado, regresó a Londres para grabar arreglos de cuerdas para "Can You Hear Me", "Win" y "It's Gonna Be Me" en AIR Studios , [24] mientras Bowie permanecía en Nueva York, trabajando sobre mezclas separadas con el ingeniero interno Harry Maslin . [1] [25]
Durante este tiempo, el ex Beatle John Lennon estaba trabajando en Record Plant en su álbum de covers de 1975 Rock 'n' Roll . Lennon, que se encontraba en lo que más tarde denominó su período de " Fin de semana perdido ", conoció a Bowie en Los Ángeles en septiembre de 1974. [5] Los dos conectaron y decidieron grabar juntos. Con Alomar, los dos se reunieron en los Electric Lady Studios de la ciudad de Nueva York en enero de 1975, grabando una versión de la canción de los Beatles de Lennon " Across the Universe " y una nueva canción, " Fame ". [1] En ausencia de Visconti, la sesión fue coproducida por Bowie y Maslin. [25] Junto a Alomar, Bowie invitó a Slick y al baterista Dennis Davis , quienes debutaron en un disco de Bowie, [5] así como al bajista Emir Ksasan de la banda de la gira Soul. También contribuyeron el percusionista Ralph MacDonald y los coristas Jean Fineberg y Jean Millington. [1]
La mezcla para jóvenes estadounidenses se completó en Record Plant el 12 de enero de 1975. Bowie se puso en contacto con Visconti sobre las colaboraciones con Lennon dos semanas después. [1] Bowie se disculpó y solicitó que las dos pistas estuvieran en el álbum final; reemplazaron "¿Quién puedo ser ahora?", "Voy a ser yo" y "Después de hoy". [26] Visconti dijo más tarde: "[Eran] canciones hermosas y me enfermó cuando [Bowie] decidió no usarlas. Creo que fue el contenido personal de las canciones lo que se mostró un poco reacio a publicar, aunque ¡Era tan oscuro que creo que ni siquiera yo sabía lo que decía en ellos! [1] El álbum fue masterizado por el ingeniero Greg Calbi . [27]
Los jóvenes estadounidenses presentaron una nueva dirección musical para Bowie, [28] explorando el soul de ojos azules [29] [30] y el R&B . [31] [32] [33] El propio Bowie etiquetó su sonido como " alma plástica ", [13] o, en palabras del autor Benoît Clerc, "un pálido derivado sintético de la auténtica música soul". [9] Garson argumentó más tarde: "Creo que como no estaba seguro de si era bueno en eso, se degradó llamándolo alma plástica". [14] Otros escritores la han clasificado como "sax-y white soul" [34] y música de soul blanco. [35] [36] Ashley Naftule de Consequence of Sound describió el álbum como un cruce entre las "tendencias rockeras artísticas " de Bowie y la "cálida seriedad" del soul y el R&B. [30] El biógrafo Marc Spitz dijo que el álbum no muestra "Bowie hace música negra ", sino más bien "Bowie y la música negra se hacen entre sí". [37] Los temas líricos a lo largo del álbum incluyen la soledad, la desesperación y la alienación. [38] El biógrafo Christopher Sandford escribe que el álbum es "un disco de buen humor e ideas animadas y en colisión". [28] Una de las principales inspiraciones de Bowie al escribir el álbum fue Aretha Franklin . [26]
" Young Americans " abre el álbum, que según Bowie trata sobre "una pareja de recién casados que no saben si realmente se gustan". [5] La canción también presenta nuevas direcciones líricas para el artista: en lugar de personajes "turbios" que viven en mundos plagados de oscuridad, "Young Americans" muestra a los típicos adolescentes estadounidenses. [39] Se hacen referencias al macartismo y a la dimisión del presidente Richard Nixon , ocurrida una semana antes de que comenzaran las sesiones de grabación. La frase "Escuché las noticias hoy, oh chico" fue tomada de la canción de los Beatles " A Day in the Life ", reconociendo la influencia de Lennon en Bowie y su inminente colaboración más adelante en el álbum. [23] El autor Peter Doggett escribe que la canción presentó al mundo a un Bowie completamente nuevo, tomando a todos por sorpresa. [40] Bowie dijo que "Win" trataba sobre personas que "no trabajan muy duro". [41] Según el autor James E. Perone, la letra es más abstracta que la pista anterior y está abierta a interpretación. [39] Los saxofones y las cuerdas aparecen en todas partes, mientras que los coristas están más relajados y en línea con la dirección de Bowie. [5] El biógrafo David Buckley llama a la canción la más destacada del álbum y "una de las melodías más hermosas que Bowie haya escrito". [42]
" Fascination " surgió de una pista de Vandross titulada "Funky Music (Is a Part of Me)", a la que Bowie añadió nuevas letras. Bowie mantuvo la mayor parte de la estructura de Vandross pero cambió la interacción de los coristas. [d] [5] [43] Doggett cita elementos de las novelas City of Night (1963) y The Occult Reich (1974) como inspiraciones para el título, [45] mientras que Buckley escribe que reafirma el motivo de la "extraña fascinación" de Tema de Bowie de 1971 " Changes ". [42] " Right " es la única canción de Young Americans que presenta al viejo amigo de Bowie, Geoff MacCormack. La llamada y la respuesta entre Bowie y los coristas "da un aire de inmaculada sofisticación al himno de la letra al pensamiento positivo", según el biógrafo Nicholas Pegg . En 1975, Bowie llamó a la canción un mantra : "La gente olvida cuál es el sonido del instinto del hombre: es un zumbido, un mantra. Y la gente dice: '¿Por qué son tan populares tantas cosas que simplemente zumban una y otra vez?' Pero ese es realmente el punto: alcanza una vibración particular, no necesariamente un nivel musical." [46] Se puede ver a Bowie, Vandross, Clark y Cherry ensayando la canción en el documental de la BBC Cracked Actor (1975). [5] [47]
El título de "A alguien allá arriba le gusto" fue tomado de la película de 1956 del mismo nombre . [5] [47] Similar a "Right", utiliza una estructura de llamada y respuesta [42] y está adornado con cuerdas, saxofón y sintetizadores que ocultan letras oscuras. Pegg afirma que la letra trata la idea de celebridad y el "vacío de la fama y la adulación". El propio Bowie describió la canción como una advertencia de "Cuidado, amigo, Hitler está sobre tu espalda". [48] La interpretación de Bowie de " Across the Universe " es una reelaboración del soul de ojos azules que presenta a Lennon en la guitarra y coros. [49] Bowie había llamado previamente la versión original de los Beatles "muy aguada" y quería "explotarla a martillazos". [5] Su portada ha sido difamada por críticos y biógrafos. [5] [32] [49] [50] Perone sostiene que tiene éxito como una "pieza de ritmo". [39]
" Can You Hear Me? ", originalmente "Take It in Right", es descrito por O'Leary como R&B contemporáneo , [5] mientras que Doggett cree que su estilo recuerda más a la música sureña que al soul de Filadelfia. [51] Pegg elogia el arreglo de cuerdas de Visconti como uno de los aspectos más destacados del álbum. [52] Perone compara la interpretación vocal de Bowie con la del cantante Al Green . [39] En 1975, Bowie declaró que la canción fue "escrita para alguien", pero se negó a revelar quién; sus biógrafos coinciden en que lo más probable es que fuera Cherry. [5] [42] [52]
" Fame " es una canción de funk rock [53] que representa la insatisfacción de Bowie y Lennon con los problemas de la fama y el estrellato. [54] Alomar desarrolló originalmente el riff de guitarra para la versión de Bowie de "Footstompin ' ", que Bowie luego usó para crear "Fame". [55] [56] La voz de Lennon se escucha intercalando el falsete "Fame" a lo largo de la canción. [57] Bowie dijo más tarde que Lennon era la "energía" y la "inspiración" de "Fame", razón por la cual recibió el crédito por escribir. [58] En 1980, Lennon declaró: "Tomamos un poco de Stevie Wonder en el medio ocho y lo hicimos al revés, ya sabes, ¡e hicimos un disco con eso!" [54] [57]
"¿Quién puedo ser ahora?" Refleja el tema de la identidad propia. Durante su tiempo de ejecución, llega a lo que Pegg llama un "clímax del coro gospel". [59] Doggett escribe que su título resume la carrera de Bowie hasta este punto, compartiendo un tema similar a "Cambios". [60] "It's Gonna Be Me" es una balada similar en estilo a Aretha Franklin. Titulado originalmente "Come Back My Baby", es líricamente similar a "Can You Hear Me?", en el sentido de que sigue a un seductor casual que se da cuenta del error de sus caminos y trabaja para redimirse. Los biógrafos generalmente han elogiado la canción como una de las joyas más pasadas por alto de toda la carrera de Bowie. [61] [60] "John, I'm Only Dancing (Again)" es una reelaboración radical de funk y disco de siete minutos del sencillo glam rock de Bowie de 1972 "John, I'm Only Dancing". Esta nueva versión conserva principalmente el estribillo del original, pero con nuevos versos y una melodía completamente diferente. Fue lanzado como sencillo en 1979. [5] [62] [32] "After Today" es una canción soul-disco con una voz en falsete de Bowie y una producción menos pulida en comparación con otras pistas del álbum. [mi] [64]
Para la portada del álbum , Bowie inicialmente quería encargarle a Norman Rockwell la creación de una pintura, pero se retractó de la oferta cuando escuchó que Rockwell necesitaría al menos seis meses para hacer el trabajo. Según Pegg, otra idea rechazada fue un retrato de cuerpo entero de Bowie con un "traje de vuelo" y una bufanda blanca, de pie frente a una bandera estadounidense y levantando una copa. La última foto de portada, una fotografía de Bowie a contraluz y retocada, fue tomada en Los Ángeles el 30 de agosto de 1974 por el fotógrafo Eric Stephen Jacobs. [1] Jacobs se inspiró en una fotografía similar que tomó del coreógrafo Toni Basil para la portada de septiembre de 1974 de la revista After Dark . [9] Usando esa foto, Craig DeCamps diseñó la portada final en la oficina de RCA Records en la ciudad de Nueva York. [65] [66] Sandford la llama una de las portadas de álbumes "clásicas". [28]
RCA lanzó "Young Americans" como sencillo principal del álbum el 21 de febrero de 1975, con la canción de Ziggy Stardust " Suffragette City " como cara B. [67] [68] En los EE. UU., se publicó en forma editada, [69] omitiendo dos versos y un estribillo. [70] Alcanzó el número 18 en la lista de singles del Reino Unido y el número 28 en el Billboard Hot 100 , su segunda entrada entre los 40 primeros y el segundo pico más alto en las listas de EE. UU. hasta ese momento. [70] [71] La interpretación de Bowie de la canción en noviembre de 1974 en The Dick Cavett Show se utilizó como promoción y se transmitió en el programa Top of the Pops de la BBC el 21 de febrero de 1975. [23]
Young Americans se lanzó en el Reino Unido el 7 de marzo de 1975, [f] [5] [72] [73] con el número de catálogo RS 1006. [1] Alcanzó el número nueve en la lista Billboard Top LPs & Tape de EE. UU. y permaneció en el gráfico durante 51 semanas. [74] Permaneció en la lista de álbumes del Reino Unido durante 17 semanas, alcanzando el puesto número dos, [75] siendo mantenido fuera del primer puesto por Los 20 grandes éxitos de Tom Jones . [76] En otros lugares, los jóvenes estadounidenses alcanzaron los cinco primeros en Nueva Zelanda y Suecia, [77] [78] los diez primeros en Australia y Finlandia, [79] [80] el número 12 en Francia, [81] 13 en Noruega, [ 82] 17 en Canadá y 82 en Japón. [83] [84] Según Buckley, las ventas fueron inferiores a las de Diamond Dogs en general. [71]
El segundo sencillo, "Fame", fue lanzado el 2 de junio en Estados Unidos [69] y el 25 de julio en el Reino Unido, con la pista del álbum "Right" como cara B. [68] Aunque sólo alcanzó el número 17 en el Reino Unido, "Fame" encabezó las listas en los Estados Unidos. [85] Su éxito en las listas fue una sorpresa para Bowie, quien recordó en 1990: "Aunque [Lennon] había contribuido a ello y todo, y yo no tenía idea, como con ' Let's Dance ', de lo que era un sencillo comercial. "Es. No tengo ni idea cuando se trata de singles. Simplemente no sé nada de ellos, no lo entiendo, y 'Fame' realmente estaba fuera del campo izquierdo para mí". [85] A principios de noviembre, se convirtió en uno de los primeros artistas blancos en aparecer en Soul Train de ABC TV , donde realizó una interpretación mímica de "Fame" y su nuevo sencillo " Golden Years "; [32] [85] [86] fue uno de los primeros artistas blancos en aparecer en el programa. [5] Luego cantó "Fame" y "Can You Hear Me?" en vivo en el programa de variedades de CBS Cher unas semanas después. [85] [87]
Young Americans tuvo una recepción generalmente favorable, particularmente en Estados Unidos. [1] Billboard predijo que el álbum apaciguaría a los fans actuales de Bowie y lo abriría a otros nuevos. [89] Record World lo describió además como el "álbum más convincente hasta la fecha" de Bowie [90] y su mejor disco de estudio desde Ziggy Stardust , [91] mientras que Cashbox elogió a Bowie como artista. [72]
Entre críticas mixtas, algunos disfrutaron de ciertas pistas pero ignoraron la colección en su conjunto. [92] [93] [33] Jon Landau de Rolling Stone elogió la canción principal y pensó que "el resto del álbum funciona mejor cuando Bowie combina su renovado interés por el soul con su conocimiento del pop inglés, en lugar de optar por completo". por uno o por otro." [94] Ray Fox-Cumming de Record Mirror describió el sonido como "espasmódico, incómodo, frustrante" y con "una energía triste". [92] En The Philadelphia Inquirer , Jack Lloyd llamó a Young Americans una "joya" y un "triunfo" lleno de canciones "magníficas" aparte de la "pretenciosa" canción principal, pero sintió que "Across the Universe" y "Fame" estaban fuera. de lugar. [95]
Varias críticas fueron negativas. En The Village Voice , Robert Christgau calificó el disco como "un fracaso casi total", diciendo que "aunque la amalgama de rock y soul de Filadelfia es tan fina que es interesante, abruma la voz de David, que es aún más fina". No obstante, apreció la renovada "generosidad de espíritu de Bowie para arriesgarse al fracaso" después de Diamond Dogs y David Live , que Christgau había encontrado decepcionante. [88] En Phonograph Record , John Mendelsohn criticó la letra, la interpretación vocal de Bowie, encontró las melodías "tan buenas como inexistentes" y el álbum en general muy débil. [96] En NME , Ian MacDonald sintió que el disco era más bien de transición, creado a partir de un estado mental confuso sin saber hacia dónde llevar su carrera a continuación. Lo disfrutó a pesar de sus defectos. [97] En Melody Maker , Michael Watts elogió a la banda de acompañamiento, pero encontró que el disco era demasiado "pastiche" para ser creíble y el peor lanzamiento de Bowie hasta ese momento. [93] En Canadá, Bill Man de The Gazette también se sintió decepcionado, creyendo que Bowie debería "centrar sus talentos más directamente". [33] En su lista de fin de año, NME clasificó a Young Americans como el séptimo mejor álbum de 1975. [98]
Bowie continuó desarrollando el funk y el soul de Young Americans , con influencias electrónicas y de krautrock alemán , para su siguiente álbum de estudio, Station to Station , [99] [100] grabado en Los Ángeles de septiembre a noviembre de 1975 y lanzado en enero de 1976 . 101] [102] Las canciones del período de los Jóvenes Americanos que presagiaron la dirección del álbum incluyeron "Win", "Can You Hear Me?" y "¿Quién puedo ser ahora?" [5] [103] Station to Station continuó la racha de éxito comercial de Bowie, alcanzando el número tres en los EE. UU. [104] Sin embargo, su consumo de cocaína continuó durante todo 1975; Más tarde admitió que casi no recordaba haber grabado Station to Station . [100] Después de completar el Isolar Tour en mayo de 1976, se mudó a Europa para deshacerse de su adicción a las drogas. [105] [106]
Los comentaristas han reconocido a Young Americans como el primer álbum de Bowie que interpretó como sí mismo y no como una persona. [37] [107] [18] Sandford creía que Bowie mostró madurez al no presentar a Ziggy Stardust , lo que aseguró su avance en el mercado estadounidense. [28] Pegg dice que el álbum convirtió a Bowie de "un artista de culto ligeramente desagradable a una personalidad amigable del mundo del espectáculo" en los Estados Unidos. [1] Bowie, sin embargo, expresó diversas declaraciones sobre el álbum a lo largo de su vida. [38] A finales de 1975, lo describió como "el R&B más falso que he escuchado jamás. Si alguna vez hubiera tenido en mis manos ese disco cuando era niño, lo habría roto sobre mi rodilla". [42] Además lo describió como "una fase" en una entrevista de 1976 con Melody Maker . [108] Más tarde cambió su postura en 1990, diciendo a la revista Q : "No debería haber sido tan duro conmigo mismo, porque mirando hacia atrás era bastante buena alma blanca, de ojos azules [y] definitivamente era una de las mejores bandas que he tenido." [109]
Young Americans ha sido considerado uno de los discos más influyentes de Bowie. [71] Con el álbum, Bowie fue uno de los primeros artistas blancos convencionales en adoptar estilos musicales negros, [28] allanando el camino para que otros artistas se involucraran en estilos similares. [1] Daryl Easlea resumió en Record Collector : "Si bien todo el rock'n'roll se basaba en la apropiación de la música popular negra por parte de los hombres blancos, muy pocos artistas habían abrazado la forma al por mayor, hasta el punto de utilizar los mismos estudios y músicos, que Bowie [lo hizo]". [6] Buckley comentó que reunió a los fanáticos del glam rock y del soul a raíz de la era disco. [71] En los años siguientes, los artistas que experimentaron con el funk y el soul después de Bowie incluyeron a Elton John , Roxy Music , Rod Stewart , los Rolling Stones , Bee Gees , Talking Heads , Spandau Ballet , Japan y ABC . [1] [6] George Clinton también hizo referencia directa a Bowie en la canción del Parlamento " P. Funk (Wants to Get Funked Up) " (1976) y en la película Saturday Night Fever (1977). [6] Clinton también usó una versión modificada del instrumental "Fame" para " Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker) " (1976) del Parlamento, mientras que James Brown usó el riff de "Fame" palabra por palabra para " Hot ( Necesito ser amado, amado, amado) " (1975). [32] En 2016, Joe Lynch de Billboard argumentó que la "Fama" y los jóvenes estadounidenses en su conjunto sirvieron de influencia no solo para otros artistas funk como Clinton, sino también para los primeros artistas de hip hop y el género G-funk de la costa oeste. principios de los años 1990. [110]
Young Americans ha recibido críticas mixtas de críticos y fans en décadas posteriores, [18] siendo descartado como un disco puramente de transición [32] y una excursión no auténtica de un artista cuyos talentos estaban en otra parte. [1] Otros lo han criticado por ser inconsistente, [118] y carecer de una composición fuerte [29] y la cohesión musical de otros álbumes de Bowie de los años 1970. [39] Douglas Wolk declaró en Pitchfork : "No tiene el loco alcance teatral de Diamond Dogs o la audacia formal de Station to Station ; a veces, parece un artista que intenta con todas sus fuerzas demostrar lo impredecible que es. " [32] Stephen Thomas Erlewine de AllMusic dijo que Young Americans es "más divertido como una aventura estilística que como un disco sustancial". [29]
Algunos críticos han visto a Young Americans como un álbum pasado por alto [6] [119] que ocupa un lugar problemático en la discografía de Bowie, [38] siendo secuenciado entre los períodos Ziggy y Thin White Duke de Bowie . [6] [14] Rob Sheffield opinó que el álbum es "fácil de pasar por alto" porque Bowie "hizo mejor la mayoría de estos trucos de funk espacial con alma robot dos años después en Station to Station ". [119] Mark Beaumont de The Independent argumentó: "Aquellos historiadores del rock que descartan el álbum como un elefante blanco entre la producción de Bowie de la década de 1970 [...] subestiman su importancia. Porque esta fue la primera demostración de verdadera valentía de Bowie, la forma más famosa del rock- cambiaformas intentando su primera metamorfosis real después de la fama." [14] Otros están de acuerdo en que Young Americans merece un lugar en la discografía de Bowie, [120] con Sam Kemp de Far Out argumentando que "es imposible imaginar los álbumes posteriores de Bowie sin Young Americans ". [18] Easlea llamó al disco "Bowie para el conocedor". [6] Las críticas positivas del álbum dicen que ha envejecido bien, [18] [115] incluso siendo considerado por algunos como una obra maestra del "alma blanca". [107] [115] En 1991, Jon Wilde de Melody Maker dijo que Young Americans "sirve como un recordatorio de cuán lejos estaba Bowie por delante del juego a mediados de la década de 1970". [121] El actor Bob Geldof dijo: " Young Americans es un disco de soul fantástico, pero soul con algo más en juego. Hay un nerviosismo en ello". [1]
Young Americans fue votado como el noveno mejor álbum de Bowie en una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone . La revista argumentó que su cambio de estilo ayudó a presentar a Bowie a una audiencia más amplia. [122] Ese mismo año, NME clasificó el álbum en el puesto 175 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [123] En 2004, Charles Shaar Murray lo votó como el 88º mejor álbum británico en una lista de The Observer . [124] El álbum también se incluyó en la edición de 2018 del libro de Robert Dimery 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir . [125]
Young Americans fue lanzado por primera vez en CD por RCA en 1984, [1] y luego por Rykodisc / EMI en 1991, con tres bonus tracks. [127] La reedición se ubicó en el puesto 54 en la lista de álbumes del Reino Unido durante una semana en abril de 1991. [128] Una edición de 1999 en EMI presentó sonido remasterizado digitalmente de 24 bits y sin pistas adicionales. [129] La reedición de 2007, comercializada como una "Edición especial", incluía un DVD que contenía mezclas de sonido envolvente 5.1 del álbum y la entrevista y actuaciones de Bowie en noviembre de 1974 en The Dick Cavett Show . [1] [119] [126] [130] En 2016, el álbum fue remasterizado para Who Can I Be Now? (1974-1976) , que también incluye un borrador anterior del álbum con un sonido más crudo, titulado The Gouster . [131] Fue lanzado en formato CD, vinilo y digital, tanto como parte de esta compilación como por separado. [132]
Las reediciones de 1991 y 2007 incluyeron "Who Can I Be Now?", "John, I'm Only Dancing (Again)" y "It's Gonna Be Me" como temas extra; este último fue lanzado en una versión alternativa con cuerdas en la edición de 2007. [1] La reedición de 1991 reemplazó las versiones originales de "Win", "Fascination" y "Right" con mezclas alternativas, pero las reediciones posteriores restauraron las mezclas originales. Otra toma descartada, "After Today", apareció en la caja de 1989 Sound + Vision , al igual que la mezcla alternativa de "Fascination". [5] [133]
Todas las pistas están escritas por David Bowie , excepto donde se indique [134]
Según las notas y el biógrafo Nicholas Pegg , [1] [134] excepto donde se indique.
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