Niki de Saint Phalle ( pronunciación francesa: [niki d(ə) sɛ̃ fal] ; nacida Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle ; [1] 29 de octubre de 1930 - 21 de mayo de 2002) fue una franco-estadounidense [5] [6] escultor , pintor , cineasta y autor de coloridos libros ilustrados a mano. Ampliamente conocida como una de las pocas escultoras monumentales , [7] Saint Phalle también fue conocida por su compromiso social y su trabajo. [8] [9]
Tuvo una infancia difícil y traumática y una educación muy perturbada, sobre la que escribió muchas décadas después. Después de un matrimonio temprano y dos hijos, comenzó a crear arte en un estilo ingenuo y experimental. La primera vez que recibió atención mundial fue por las reuniones violentas y enojadas que habían sido disparadas con armas de fuego. Estos evolucionaron hasta convertirse en Nanas , esculturas alegres, caprichosas, coloridas y de gran escala de animales, monstruos y figuras femeninas. Su obra más completa fue el Jardín del Tarot , un gran jardín de esculturas que contiene numerosas obras que van hasta creaciones del tamaño de una casa.
El estilo idiosincrásico de Saint Phalle ha sido llamado " arte outsider "; no tenía ninguna formación formal en arte, [3] pero se asoció libremente con muchos otros artistas, escritores y compositores contemporáneos. [10] Sus libros y su abundante correspondencia fueron escritos y coloridos en un estilo infantil, pero a lo largo de su vida abordó muchos problemas globales controvertidos e importantes con la audacia con la que los niños a menudo cuestionan y denuncian una negligencia inaceptable. [9]
A lo largo de su carrera creativa, colaboró con otros artistas conocidos como Jasper Johns , Robert Rauschenberg , Larry Rivers , el compositor John Cage y el arquitecto Mario Botta , así como con decenas de artistas y artesanos menos conocidos. Durante varias décadas trabajó especialmente en estrecha colaboración con el artista cinético suizo Jean Tinguely , quien también se convirtió en su segundo marido. En sus últimos años, sufrió múltiples problemas de salud crónicos atribuidos a la exposición repetida a fibras de vidrio en el aire y vapores petroquímicos de los materiales experimentales que había utilizado en sus obras de arte pioneras, pero continuó creando prolíficamente hasta el final de su vida.
Un crítico ha observado que la "insistencia de Saint Phalle en la exuberancia, la emoción y la sensualidad, su búsqueda de lo figurativo y su uso audaz del color no la han hecho querer por todos en una época minimalista". [11] Era muy conocida en Europa, [11] pero su trabajo fue poco visto en los EE. UU., hasta sus últimos años en San Diego. Otro crítico dijo: "La artista nacida en Francia y criada en Estados Unidos es una de las artistas femeninas y feministas más importantes del siglo XX, y una de las pocas en recibir reconocimiento en el mundo del arte dominado por los hombres durante su vida". [12]
Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle nació el 29 de octubre de 1930 en Neuilly-sur-Seine , Altos del Sena , cerca de París . [1] [13] Su padre era el conde André-Marie de Saint Phalle (1906-1967), un banquero francés, y su madre era estadounidense, llamada Jeanne Jacqueline Harper (1908-1980). [14] [15] [Nota 1] Marie-Agnès fue la segunda de cinco hijos, [1] y entre sus primas se encontraba la novelista francesa Thérèse de Saint Phalle (baronesa Jehan de Drouas), [ cita necesaria ] su prima doble, [ 16] hija del conde Alexandre de Saint Phalle (hermano del conde André-Marie) y su esposa Helene Georgia Harper (hermana de Jeanne Jacqueline). [17] [18] Otro primo fue el banquero de inversiones, abogado y ex agente de la Oficina de Servicios Estratégicos nacido en Estados Unidos, Thibaut de Saint Phalle , quien sirvió en la administración Carter como director del Export-Import Bank de los Estados Unidos ( 1977-1981). [16] [19]
Marie-Agnès nació un año después del Martes Negro , y la economía francesa también estaba sufriendo las consecuencias de la infame caída del mercado de valores que inició la Gran Depresión . [20] A los pocos meses de su nacimiento, la compañía financiera de su padre cerró y sus padres se mudaron con su hermano mayor a los suburbios de la ciudad de Nueva York ; quedó con sus abuelos maternos en Nièvre , cerca del centro geográfico de Francia. [20] Alrededor de 1933, se reunió con sus padres en Greenwich, Connecticut ; su padre había encontrado trabajo como director de la sucursal americana del banco de la familia Saint Phalle. [10] En 1937, la familia se mudó a East 88th Street y Park Avenue [21] en el próspero barrio Upper East Side de la ciudad de Nueva York. [11] [13] En ese momento, Marie-Agnès era conocida como "Niki", el nombre que usaría a partir de entonces. [13]
Niki creció en un ambiente católico estricto , contra el cual se rebeló repetidamente. [22] Su madre era temperamental y violenta, golpeaba a los niños más pequeños y los obligaba a comer incluso si no tenían hambre. [20] Sus dos hermanos menores, Elizabeth y Richard de Saint Phalle, se suicidarían más tarde cuando fueran adultos. [20] [23] El ambiente en casa era tenso; El único lugar donde Niki se sentía cómoda y cálida era en la cocina, supervisada por un cocinero negro. [24] : 74 Décadas después, Niki revelaría que había sufrido años de abuso sexual por parte de su padre, desde los 11 años. [22] [25] [11] [24] : 74 Más tarde se referiría a la ambiente donde creció como enfer ("infierno"). [26]
Pasó la mayor parte de su infancia y adolescencia en la ciudad de Nueva York y los veranos en Connecticut o Long Island. [21] Regresaba con frecuencia a Francia para visitar a sus familiares, [1] dominando el francés y el inglés americano . [11] En 1937, asistió a la escuela en el Convento del Sagrado Corazón en East 91st Street en Manhattan. Después de ser expulsada en 1941, se reunió con sus abuelos maternos, quienes se habían mudado a Princeton, Nueva Jersey , y asistió brevemente a la escuela pública allí. [13]
Regresó al Upper East Side y estudió allí en la Escuela Brearley de 1942 a 1944. [22] Allí conoció a Jackie Matisse , nieta del artista Henri Matisse ; se convertirían en amigos para toda la vida. [21] Sin embargo, Saint Phalle fue despedido por pintar en rojo las hojas de higuera de la estatuaria clásica de la escuela. [27] [20] [13] [28] A pesar de esto, más tarde diría que fue allí “[que] me convertí en feminista. Nos inculcaron que las mujeres pueden y deben lograr grandes cosas”. [22] [21] Luego fue inscrita en una escuela de monjas en Suffern, Nueva York , [20] pero fue expulsada. [29] Finalmente se graduó de la Escuela Oldfields en Glencoe, Maryland en 1947. [13]
Durante sus últimos años de adolescencia, Saint Phalle se convirtió en modelo ; a los 18 años apareció en la portada de Life (26 de septiembre de 1949) [30] y, tres años después, en la portada de noviembre de 1952 de la Vogue francesa . [30] [1] También apareció en las páginas de Elle [31] y Harper's Bazaar .
"En un momento, [¿ cuándo? ] Gloria Steinem vio a Saint Phalle caminando por la calle Cincuenta y siete , sin bolso y vestido de vaquero. En una entrevista citada por el curador de la muestra, Ruba Katrib, en el catálogo, Steinem recordó haber pensado: 'Eso es la primera mujer libre que he visto en la vida real. Quiero ser como ella'". [23]
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A la edad de 18 años, Saint Phalle se casó con Harry Mathews , a quien conoció a la edad de 11 años (él tenía 12) a través de su padre. [20] [22] [24] : 91 Seis años después, se volvieron a encontrar por casualidad en un tren a Princeton y pronto se convirtieron en pareja. [24] : 91 Inicialmente, tuvieron una ceremonia civil el 6 de junio de 1949 en el Ayuntamiento de Nueva York . [24] : 91 A instancias de la madre de Niki, también tuvieron un rito religioso en la Iglesia Francesa de Nueva York en febrero siguiente. [13] [24] : 91
Aunque sus padres aceptaron la unión, la familia de su marido se opuso a su origen católico y los aisló económicamente, lo que les obligó a recurrir a hurtos ocasionales . [20] Se mudaron a Cambridge, Massachusetts , para que Mathews pudiera estudiar música en la Universidad de Harvard . [20] [13] Saint Phalle comenzó a pintar al óleo y gouaches , pero pretendía seguir una carrera en la actuación. [32] [13] Su primera hija, Laura , nació en abril de 1951. En 1952, la pequeña familia se mudó a París, donde Harry continuó sus estudios de dirección en la I'Ecole Normale de Musique . [13] Los nuevos padres fueron casuales, incluso negligentes en su cuidado, [24] : 93 [20] pero sus hijos se beneficiarían de mejores circunstancias financieras después de que Mathews recibiera una herencia. [20]
Saint Phalle rechazó los valores serios y conservadores de su familia, que dictaban posiciones domésticas para las esposas y reglas de conducta particularmente estrictas. [22] El poeta John Ashbery recordó que las actividades artísticas de Saint Phalle fueron rechazadas a su vez por sus familiares: su tío "el banquero francés Conde Alexandre de Saint-Phalle,... supuestamente ve con malos ojos sus actividades artísticas", observó Ashbery. [Nota 2] Sin embargo, después de casarse joven y convertirse en madre, se encontró viviendo el mismo estilo de vida burgués del que había intentado escapar. [10]
Durante aproximadamente una década, la familia deambularía por Francia y Europa, viviendo un estilo de vida bohemio . En Niza , Saint Phalle y Mathews tendrían aventuras separadas en 1953; Después de atacar a la amante de su marido, tomó una sobredosis de pastillas para dormir , pero tuvieron poco efecto porque ella estaba maníaca en ese momento. [20] Cuando Harry descubrió un alijo de cuchillos, navajas y tijeras debajo de un colchón, llevó a su esposa a una clínica psiquiátrica en Niza, donde fue tratada con terapia de electroshock y terapia de shock de insulina . [22] [20] Liberada del trabajo doméstico rutinario, se centró en crear obras de arte y mejoró lo suficiente como para ser dada de alta en seis semanas. [20] Casi al mismo tiempo, su marido abandonó sus estudios de música y comenzó a escribir su primera novela, para finalmente dedicarse a la escritura. [13]
Mientras estaba en París en una tarea de modelaje en 1954, Saint Phalle conoció al pintor francés-estadounidense Hugh Weiss , quien se convirtió en su amigo y mentor artístico. Él la animó a seguir pintando en su estilo autodidacta. [13] [10]
En septiembre de 1954, la pequeña familia se mudó a Deià , Mallorca , España, donde nació su hijo Philip en mayo de 1955. [24] : 93 [20] [13] Mientras estaba en España, Saint Phalle leyó las obras de Proust y visitó Madrid. y Barcelona , donde quedó profundamente afectada por la obra del arquitecto Antoni Gaudí . [33] La influencia de Gaudí abrió muchas posibilidades previamente inimaginables para Saint Phalle, especialmente el uso de materiales inusuales y objets-trouvés como elementos estructurales en escultura y arquitectura. Saint Phalle quedó particularmente impresionada por el " Parque Güell " de Gaudí , que la inspiraría a crear algún día su propia obra de arte basada en un jardín que combinaría elementos artísticos y naturales .
Saint Phalle continuó pintando, sobre todo después de que ella y su familia se mudaran a París a mediados de los años cincuenta. Su primera exposición de arte tuvo lugar en 1956 en Suiza, donde mostró su estilo ingenuo de pintura al óleo. [13]
En 1956 conoció al artista suizo Jean Tinguely y a su esposa, la artista Eva Aeppli . Saint Phalle intentó su primera escultura a gran escala, contratando a Tinguely para que hiciera una armadura de hierro , que cubrió con yeso y pintura. [13]
A finales de la década de 1950, Saint Phalle enfermó de hipertiroidismo y taquicardia , que finalmente fueron tratados mediante una operación en 1958. [34]
En 1959, Saint Phalle encontró por primera vez múltiples obras de arte de Yves Klein , Marcel Duchamp , Daniel Spoerri , Willem de Kooning , Jackson Pollock , Robert Rauschenberg y Jasper Johns . Ver estas obras de vanguardia desencadenó su "primera gran crisis artística". [24] : 42 Pasó de la pintura al óleo a gouaches y pintura brillante, y comenzó a producir ensamblajes a partir de objetos domésticos y desechos. [24] : 42 Para entonces, había decidido dedicarse de lleno a la creación de arte, libre de las obligaciones de la vida familiar cotidiana. [24] : 75–76
En 1960, ella y Harry se separaron de mutuo acuerdo y su marido se mudó a otro apartamento con sus dos hijos. [24] : 93 [20] [13] En ese momento, su hija Laura tenía nueve años y su hijo Felipe tenía cinco años. [24] : 75 Mathews ocasionalmente compraba obras de arte a su esposa como una forma de brindarle un modesto apoyo, y ella lo visitaba a él y a sus hijos periódicamente. [24] : 93
Pronto se mudó con Jean Tinguely, quien para entonces se había separado de su propia esposa, Eva Aeppli. [24] : 95 [35] Se estaba haciendo muy conocido por sus esculturas cinéticas hechas a partir de mecanismos desechados y chatarra. En muchos sentidos, la pareja era opuesta y, a veces, tenían desacuerdos violentos y frecuentes aventuras con otras personas. [24] : 95–98 [11] Vivirían juntos de forma intermitente y colaborarían estrechamente en proyectos artísticos durante más de una década antes de casarse en 1971. [20] [7] [36] Dos años después se separaron, pero se mantuvieron en buenos términos. y continuó colaborando en varios proyectos hasta la muerte de Tinguely en 1991. [7] [27]
En 1960, Tinguely le presentó a Pontus Hultén , entonces director del Moderna Museet (Museo Moderno) en Estocolmo, Suecia . Durante los siguientes años la invitaría a participar en importantes exposiciones y adquiriría sus obras de arte para el museo. [13] Más tarde se convertiría en el primer director del Centro Georges Pompidou en París (1974-1981), donde continuó siendo influyente en la promoción de un reconocimiento más amplio de la obra de arte de Saint Phalle.
Saint Phalle creó una serie de obras a principios de la década de 1960 que llamó Tirs ("Disparos" o "Disparos"). La serie comenzó como "imágenes de diana", con dianas pintadas en un lugar destacado dentro de sus collages pintados, como Saint Sébastien (Retrato de mi amante / Retrato de mi amada / Mártir nécessaire) (1961), [30] o Assemblage (Figura con Cabeza de diana) (1962). [37] Invitaría a los espectadores a lanzar dardos a las dianas incrustadas como rostros en sus ensamblajes figurativos , que estaban influenciados por las dianas pintadas por su amigo Jasper Johns . [38]
Pronto, comenzaría incrustando cuchillos, hojas de afeitar, tijeras, batidores de huevos, brazos de muñeca y otros artículos del hogar en yeso que cubría una tabla grande, junto con bolsas llenas de pinturas coloridas, latas de pintura en aerosol y, a veces , tomate . [20] Además, podría suspender bolsas de pintura o latas de pintura en aerosol frente al conjunto pintado de blanco. Luego disparaba repetidamente al grupo con una pistola , un rifle o un cañón en miniatura , provocando que los líquidos "sangraran" o salpicaran. [35] [20] [24] : 44
Su primer rodaje público fue en febrero de 1961, al que asistieron Jean Tinguely, Daniel Spoerri y Pierre Restany , entre otros. [38] Sus primeras presentaciones y eventos artísticos tuvieron lugar en el "Impasse Ronsin", un callejón lleno de basura en el distrito de Montparnasse de París. Fue el sitio de los talleres improvisados de Constantin Brâncuși , Jean Tinguely, Yves Klein , Max Ernst , Les Lalanne y otros artistas experimentales en las décadas de 1950 y 1960. [39]
Como fundador del movimiento Nouveau réalisme ("Nuevo Realismo"), Restany le pidió a Saint Phalle que se uniera a este grupo de artistas franceses al ver su actuación; ella se convertiría en la única mujer miembro de este grupo. [38] [20]
Las expresiones extremas de violencia atrajeron la atención de los medios, catapultando a Saint Phalle a las filas de la rebelión artística de vanguardia . [3] Los Tirs combinaron performance , body art , escultura y pintura, en el fermento artístico de los años 1960. [6] Saint Phalle comenzó a presentar variaciones de este proceso en museos y galerías de arte, y reclutó a otros artistas para que se unieran a " eventos " públicos escenificados, donde algunos de sus colegas también apretarían el gatillo. En las actuaciones estadounidenses, conocería a muchos otros artistas emergentes, incluidos Robert Rauschenberg , Ad Reinhardt , Frank Stella y Ed Kienholz . [38] También organizó eventos en el interior de galerías de arte, donde invitaba a los visitantes a fotografiar sus ensamblajes. [13]
Saint Phalle participó en el programa "Edition MAT" ( Multiplication d'Art Transformable ) de Spoerri de múltiples ediciones de obras de arte, proporcionando versiones más simples de sus obras de Tirs , con instrucciones detalladas sobre cómo dispararlas con un rifle .22 . [38] Saint Phalle documentó cuidadosamente su proceso artístico en Tirs con escritos, fotografías y películas. [38] Colocaba artefactos comunes ya hechos en un tablero, colocaba bolsas de pintura colorida, blanqueaba todo y luego sumergía el conjunto en yeso blanco como la leche. [38] Una vez seca, la colección estaba lista para ser fotografiada por un comprador.
En junio de 1961, Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely se unieron a Jasper Johns y Robert Rauschenberg en un concierto llamado Variations II , orquestado por el compositor estadounidense de vanguardia John Cage , y celebrado en la Embajada de Estados Unidos en París. Mientras David Tudor tocaba composiciones de Cage en el piano, los artistas crearon sus obras de arte en el escenario mientras el público observaba el proceso. [38] [13]
En agosto de 1961, Marcel Duchamp presentó a Saint Phalle y Tinguely a Salvador Dalí , quien los invitó a crear un toro explosivo de tamaño natural con fuegos artificiales ( Toro de Fuego ). Este Homenage a Dalí ("Homenaje a Dalí") fue presentado después del final de una tradicional corrida de toros española , en Figueras , Cataluña , España, y explotó frente al público. [24] : 27 [35] [27] [13]
En 1962, realizó su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York, en la galería dirigida por Alexander Iolas . [21] [40] Incluía Homenaje a Le Facteur Cheval , una galería de tiro donde los visitantes podían disparar contra una de sus instalaciones de Tirs . [21] [40] Esto inició su larga relación de trabajo con la galerista, que eventualmente comprendió al menos 17 exposiciones de su trabajo. [21]
A un exclusivo tiroteo al aire libre de 1962 en Malibu Hills, sobre Los Ángeles, asistieron celebridades de Hollywood, entre ellas Jane Fonda y John Houseman . [41] Los asistentes del mundo del arte incluyeron a John Cage, Ed Ruscha y Leo Castelli , mientras que Ed Kienholz ayudó a manejar las armas de fuego. [42]
En la mayoría de estas actuaciones públicas, Saint Phalle iba impecablemente vestido con un moderno traje pantalón blanco . [24] : 45
En 1963, había llevado la serie a galerías de la ciudad de Nueva York y Los Ángeles, invitando al público a participar en los rodajes. En Los Ángeles, fotografió un montaje a gran escala de King Kong que había construido, salpicando con pintura los rostros esculpidos incrustados de políticos como John F. Kennedy , Fidel Castro y Charles De Gaulle , junto con Santa Claus y el Pato Donald también. [41] Esta obra sería posteriormente adquirida por el Moderna Museet de Estocolmo, [30] y marcaría su transición a una nueva serie de monstruos, animales y figuras femeninas fantásticas. [13] [24] : 47 A lo largo de su carrera, serpientes, pájaros y dragones se convertirían en símbolos recurrentes en sus obras de arte. [12] [43]
Mientras estuvieron en la ciudad de Nueva York, Saint Phalle y Tinguely se hospedaron en el Hotel Chelsea en 1962 y nuevamente en 1964-1965. [21] En 1963, la pareja compró un antiguo hotel, llamado Auberge au Cheval Blanc ("White Horse Inn"), en Soisy-sur-Ecole , 44 kilómetros (27 millas) al sureste de París. [11] [13] Anteriormente había sido un hotel, una cafetería, un cine e incluso un burdel , [11] pero los nuevos propietarios lo convirtieron en estudios artísticos que compartirían durante las décadas siguientes.
A continuación, Saint Phalle exploró los diversos roles de la mujer, en lo que se convertiría en su serie de esculturas más conocida y prolífica. [3] Comenzó a hacer muñecas de mujeres de tamaño natural, como novias y madres dando a luz, monstruos y cabezas grandes. Inicialmente, estaban hechos de materiales blandos, como lana, tela y papel maché , pero pronto evolucionaron hasta convertirse en yeso sobre una estructura de alambre y juguetes de plástico, algunos pintados completamente de blanco. [13] [6]
A medida que la serie se convirtió en obras monumentales más grandes, Saint Phalle utilizó plástico compuesto de poliéster reforzado con fibra de vidrio (también conocido como FRP o GRP) decorado con múltiples pinturas acrílicas o de poliéster de colores brillantes . También utilizó espuma de poliuretano en muchas de sus primeras esculturas. [44] Estos materiales innovadores permitieron la construcción de esculturas coloridas y de gran escala con nueva facilidad y fluidez de forma. Saint Phalle, sin saberlo, utilizó procesos peligrosos de fabricación y pintura que liberaban fibras de vidrio y productos químicos en el aire, incluidos estireno , epoxi y disolventes tóxicos . [45] [24] : 57
En 1963-64, creó una serie de esculturas que protestaban contra los roles sociales estereotipados de las mujeres, como madres portadoras de hijos , madres devoradoras, brujas y prostitutas . [13] Algunas de sus primeras obras de arte de este período de la Novia representaban novias esqueléticas y fantasmales vestidas de blanco, [46] que han sido comparadas con la señorita Havisham , un personaje etéreo de la novela Grandes esperanzas de Charles Dickens . [47]
Con el tiempo, estas figuras se volvieron más alegres, caprichosas, coloridas y de mayor escala. [26] Inspirado por un dibujo colaborativo con el artista estadounidense Larry Rivers de su esposa, su amiga embarazada Clarice Price, Saint Phalle comenzó a retratar figuras femeninas arquetípicas con una visión más optimista de la posición de la mujer en la sociedad. [48] [28] [20] Gwendoline (1965) fue la primera escultura importante de lo que se convertiría en una serie de estas obras para toda la vida. [49]
Las figuras más nuevas adoptaron posturas de baile extáticas [49] e incluso posiciones acrobáticas, como paradas de manos y volteretas . Las alegres figuras de Saint Phalle han sido comparadas con las alegres bailarinas de Matisse y las robustas figuras femeninas de Gaston Lachaise , Aristide Maillol y Rodin . [22]
En 1965, llamaba a sus expresiones artísticas de la proverbial mujer común Nanas , en honor a una palabra del argot francés que equivale aproximadamente a "amplia", [28] o "chica". [3] [33] El término también recuerda la burla infantil francesa nananère . [50] : 37
La primera de estas formas de postura libre, hecha de papel maché, hilo y tela, se exhibió en la Galería Alexander Iolas de París en septiembre de 1965. Durante esta muestra, participó en una especie de sorteo de tómbola organizado por el Club de Artistas de Nueva York, donde las obras de arte se dejaron al azar en casilleros para equipaje que funcionan con monedas en la estación de Pensilvania y las llaves se ofrecieron por 10 dólares cada una. [51]
Para esta muestra, Iolas también publicó el primer libro de artista de Saint Phalle [49] que incluía su texto escrito a mano en combinación con sus dibujos de Bananas . [51] Animada por Iolas, inició una producción muy productiva de trabajos gráficos que acompañaron sus exposiciones, que incluían serigrafías , carteles, libros y escritos. [13] En los años siguientes, publicaría varios libros escritos a mano, profusamente ilustrados con dibujos y diagramas coloridos, sobre temas como la prevención del SIDA y varios períodos de la historia de su vida. [13]
En 1966, Saint Phalle colaboró con Jean Tinguely y Per Olof Ultvedt en una instalación escultórica interior temporal, Hon – en katedral (que significa "Ella- Catedral " en sueco), [50] : 30 llenando una gran galería temporal en el Moderna Museet , en Estocolmo , Suecia. Durante la construcción, Saint Phalle reclutó al estudiante de arte suizo Rico Weber , que había estado trabajando como lavaplatos en el restaurante del museo [52] (en los años siguientes, se convertiría en un asistente y colaborador vital tanto para Saint Phalle como para Tinguely) . [52] Un equipo de 8 personas trabajó extenuantemente durante 40 días, primero construyendo un marco usando barras de refuerzo de metal , cubriéndolo con alambre de gallinero , forrándolo con tela unida con pegamento animal maloliente , y luego pintando el interior del recinto de negro y pintando el exterior en colores brillantes. [52] La estructura final tenía 82 pies (25 m) de largo y 30 pies (9,1 m) de ancho, y pesaba alrededor de 6 toneladas (6000 kg). En el catálogo de papel de periódico del tamaño de un tabloide publicado para la exposición, Saint Phalle incluyó un diagrama que muestra las influencias artísticas en su diseño, que incluían las Watts Towers de Simon Rodia , Le Palais Idéal de Ferdinand Cheval y la arquitectura de Antoni Gaudí . [50] : 32
La forma exterior era una escultura gigante reclinada de una mujer embarazada (una Nana ), a cuyo voluminoso interior se podía acceder a través de una abertura vaginal del tamaño de una puerta entre sus piernas. [53] Escrito en uno de los enormes muslos de Hon estaba el lema Honi soit qui mal y pense ("Que se avergüence el que piensa mal de ello"). [24] : 59 [50] : 37 Dentro de la enorme escultura había un cine con 12 asientos, una barra de leche dentro de un pecho, un estanque de peces y un cerebro construido por Tinguely, con partes mecánicas móviles. [20] [27] Además, el extenso Nana contenía un teléfono que funciona con monedas , un sofá de dos plazas , un museo de pinturas falsas, una máquina expendedora de sándwiches , una instalación de arte de Ultvedt y un tobogán para niños. [52]
Después de un silencio inicial de sorpresa, la instalación provocó extensos comentarios públicos en revistas y periódicos de todo el mundo, dando a conocer el Moderna Museet. [52] Más de 100.000 visitantes se agolparon para experimentar el entorno inmersivo, incluidos muchos niños. [24] : 26, 59 [52] Al cabo de 3 meses, todo el montaje temporal fue demolido y retirado, excepto la cabeza, que fue conservada por el museo en su colección permanente. [52] Algunos pequeños fragmentos se adjuntaron a catálogos de exposiciones de edición limitada y se vendieron como recuerdos. [52]
Por esta época, Saint Phalle también diseñó escenografías y vestuario para producciones teatrales: Éloge de La Folie ("Elogio de la locura", 1966), un ballet de Roland Petit ; una adaptación de la obra de Aristófanes Lisístrata (1966); y una obra de teatro en alemán que coescribió con Rainer von Diez titulada ICH (Todo sobre mí) (1968). [54] [51] [13] Grandes figuras de Nana , fijas o móviles , se destacaron en varias de estas producciones. [24] : 59
En 1967, Saint Phalle comenzó a trabajar con resina de poliéster , [53] un material al que se le podía dar forma fácilmente pero que se transformaba en una superficie dura, lisa y resistente a la intemperie. Esta nueva tecnología le permitió construir figuras grandes y fantásticas para exhibirlas al aire libre en espacios públicos y parques. [24] : 57 El material es razonablemente duradero en exteriores (se utilizan materiales similares para embarcaciones y carrocerías de automóviles), aunque décadas de exposición a la intemperie pueden eventualmente causar deterioro, lo que requiere medidas especializadas de conservación del arte . [55]
En agosto de 1967, el Museo Stedelijk de Ámsterdam inauguró la primera exposición retrospectiva de Saint Phalle, Les Nanas au pouvoir ("Nana Power"). Para el programa, Niki creó su primera "Nana Dream House" y "Nana Fountain", y también mostró planos para su primera "Nana Town". [13]
En 1967, expuso Le Paradis Fantastique ("El paraíso fantástico"), un grupo colaborativo de nueve de sus esculturas con seis máquinas construidas por Tinguely, en la terraza de la azotea del Pabellón Francés de ocho niveles en la Expo 67 de Montreal . [56] [57] La composición fue concebida originalmente como un ataque de las oscuras construcciones mecánicas de Tinguely sobre los animales de colores brillantes y las figuras femeninas de Saint Phalle, una especie de "guerra amorosa". [58] [24] : 100
Aunque el Pabellón Francés en sí era popular, la mayoría de los visitantes no vieron la terraza de la azotea donde estaban instaladas las esculturas. [59] En 1968, las esculturas se volvieron a exhibir en la Galería Albright-Knox en Buffalo, Nueva York , y luego durante un año en el Central Park de la ciudad de Nueva York . [56] [51] [59] En 1971, algunas de las obras de arte fueron compradas por el Moderna Museet y instaladas permanentemente cerca en un jardín de esculturas al aire libre en Skeppsholmen , una isla en el centro de Estocolmo. [59] [51] [60]
En 1968, reveló por primera vez que había desarrollado problemas respiratorios por la exposición al polvo y los vapores al realizar su obra de arte. [13] [51]
A partir de 1968, Saint Phalle vendió juguetes inflables para piscinas Nana , que aparecieron en la edición de abril de 1968 de la revista Vogue . [21] Ignoró las quejas de los críticos de arte y se centró en recaudar dinero para sus futuros proyectos monumentales. [20] [13] En los años siguientes, enfrentaría más críticas por comercializar excesivamente y popularizar su obra de arte, pero recaudó una financiación significativa que le permitió financiar varios proyectos ambiciosos por su cuenta. [41] Su producción de objetos más pequeños y de menor costo también colocó su arte al alcance de más partidarios de sus causas. [9] Durante su carrera, produjo ropa, joyas, perfumes, figuras de vidrio o porcelana, muebles y artículos artesanales, muchos de ellos con un tema de Nana . [24] : 110
De 1969 a 1971, trabajó en su primer proyecto de arquitectura a gran escala, tres pequeñas casas escultóricas encargadas por Rainer von Diez en el sur de Francia, [51] [50] : 27 a las que llamó Le Rêve de l'oiseau ( "El sueño del pájaro"). El proyecto fue una colaboración con él y Jean Tinguely, y un precursor de su posterior proyecto Tarot Garden .
En 1969, se unió a varios otros artistas bajo la dirección de Tinguely, comenzando a trabajar en Le Cyclop ("Cyclops", también conocido como La Tête , "The Head", o le Monstre dans la forêt , "el monstruo en el bosque"). , en Milly-la-Forêt , cerca de París. [13] Los colaboradores incluyeron a Daniel Spoerri, Bernhard Luginbuhl y Eva Aeppli. Finalmente, 15 personas diferentes trabajaron en el proyecto, que no se consideraría terminado hasta 1994. [61]
En 1969, en una entrevista televisiva en su estudio, compartió sus puntos de vista sobre el lugar de las mujeres en la política y dijo: "Creo que las mujeres podrían administrar este mundo mucho mejor. Si el poder negro y el poder de las mujeres se unieran, se harían cargo de todo". . Esa es la solución. Un nuevo mundo de alegría". [62] [63]
En noviembre de 1970, como parte de una reunión de artistas que celebraba el décimo aniversario de la fundación de los Nouveaux Realistes, Saint Phalle disparó contra un altar . [51]
El 13 de julio de 1971, Saint Phalle y Tinguely se casaron legalmente, [13] [36] quizás para ahorrar impuestos, ya que Saint Phalle se convirtió así en ciudadano suizo . [20] Su matrimonio les dio a los dos artistas control mutuo sobre el patrimonio artístico del otro en caso de que uno de ellos muriera. [20] Ese mismo año, diseñó sus primeras piezas de joyería . [13]
En 1972, instaló Golem , encargado por el entonces alcalde Teddy Kollek , en un parque infantil en el barrio Kiryat Hayovel de Jerusalén . Es un monstruo gigante del que salen tres lenguas rojas de su boca, que sirven como toboganes de juegos . [64] [65] Este proyecto fue la primera vez que utilizó el método de hormigón proyectado para proyectar hormigón sobre una estructura metálica para producir estructuras grandes; este método se utilizaría en sus futuros proyectos importantes. [sesenta y cinco]
A partir de 1972, contrató a Robert Haligon (" Fabricant de Plastiques d'Art ") para que la ayudara a fabricar sus esculturas a gran escala, así como varias ediciones de obras de arte. Esta colaboración continuaría durante 25 años, incluidos sus cuatro hijos, en particular Gérard, que tomaría la iniciativa en años posteriores. [51] [13] La colaboración produciría aproximadamente 3.000 esculturas, que van desde piezas monumentales al aire libre hasta pequeñas ediciones múltiples. [66] Saint Phalle entrenó personalmente a su hija Marie Haligon para pintar sus esculturas de múltiples ediciones, siguiendo el prototipo de un maestro artista. [66] Inicialmente, el artista prefería un acabado de pintura mate, evitando las superficies brillantes. Sin embargo, se vio obligada a adoptar acabados superficiales brillantes para lograr una mayor durabilidad de las pinturas de sus esculturas al aire libre. Con el tiempo, adoptó este efecto visual brillante y comenzó a utilizar espejos y piedras pulidas para revestir sus obras de arte. [66]
En 1972, Saint Phalle filmó imágenes para su película de terror surrealista Daddy , sobre una relación de amor y odio profundamente problemática entre padre e hija . [67] [68] El rodaje se realizó en un castillo alquilado cerca de Grasse, en el sureste de Francia, en asociación con el cineasta Peter Whitehead . En noviembre, la película se proyectó en Londres. En enero siguiente, produjo una nueva versión de la película, con escenas adicionales en Soisy y Nueva York, y un reparto ampliado. La versión revisada se estrenó en el Lincoln Center durante el 11º Festival de Cine de Nueva York en abril. También recibió el encargo de diseñar la portada del programa del festival. [51] [13]
En 1973, Saint Phalle trabajó con Tinguely y Rico Weber por encargo de Roger y Fabienne Nellens para construir una casa de juegos en el jardín de su casa en la costa de Knokke-le-Zoute , Bélgica. Le Dragon que construyeron era una estructura sustancial, de 21 pies (6,4 m) de alto y 110 pies (34 m) de largo, realizada utilizando técnicas derivadas de los proyectos anteriores Le Rêve de l'oiseau y Golem . El fantástico edificio incluiría eventualmente una cocina, un baño, un retrete, un sistema de calefacción y un dormitorio, a un costo estimado de entre 30.000 y 40.000 dólares. El exterior estaba decorado con pinturas brillantes, incluidas las realizadas por Roger Nellens y el piloto de carreras de Fórmula 1 Jacky Ickx . Similar al proyecto Golem del año anterior, una larga lengua formaba un tobogán exterior desde el nivel superior. [sesenta y cinco]
En 1987, el artista de graffiti Keith Haring viviría en Le Dragon mientras trabajaba en un mural encargado por Roger Nellens en el cercano Knokke Casino , y regresaría durante al menos tres veranos. [69] [70] : 176–177 Con el entusiasta consentimiento de Saint Phalle, pintaría un largo fresco a lo largo de la pared interior de una escalera. [71] [65] Con el tiempo, el edificio sería designado Monumento Histórico de Bélgica, aunque seguiría siendo propiedad privada. [sesenta y cinco]
Saint Phalle continuó creando Nanas durante el resto de su vida, pero pronto centraría su atención en un proyecto integral en Italia.
El Jardín del Tarot no es sólo mi jardín. También es el jardín de todos aquellos que me ayudaron a realizarlo. Soy el Arquitecto del jardín. Impuse mi visión porque no podía hacer otra cosa.
El jardín se hizo con dificultades, entusiasmo salvaje, obsesión y, sobre todo, fe. Nada podría haberme detenido.
Como en todos los cuentos de hadas, antes de encontrar el tesoro, me encontré en mi camino con dragones, hechiceros, magos y el Ángel de la Templanza.
—Niki de Saint Phalle [72]
En 1955, Saint Phalle visitó el Parque Güell de Antoni Gaudí en Barcelona, España , lo que la inspiró a utilizar diversos materiales y encontró objetos como elementos esenciales en su arte. [73] Otra influencia fue el Parco dei Mostri en Bomarzo , en la región italiana del Lacio. [74] A finales de la década de 1950, ella y Jean Tinguely habían visitado Le Palais Idéal construido por Ferdinand Cheval (conocido como Le Facteur Cheval ) en Hauterives , Francia, así como las Watts Towers de Simon Rodia en Los Ángeles a principios de la década de 1960. [13] Ambos lugares fueron ejemplos de arte y arquitectura fantásticos y forasteros construidos por trabajadores comunes y corrientes de medios modestos pero con una visión amplia. Saint Phalle decidió que quería hacer algo parecido: un magnífico jardín de esculturas , pero creado por una mujer.
Los patrocinadores fundadores de su ambicioso proyecto fueron miembros de la familia italiana Agnelli . En 1974, Saint Phalle enfermó de un absceso pulmonar debido a su trabajo con poliéster y fue hospitalizada en Arizona. [24] : 76 Luego se recuperó en St. Moritz, Suiza . [51] [13] Se volvió a conectar con Marella Agnelli , una amiga de la década de 1950 en Nueva York, [36] y le contó a Agnelli sus ideas para un jardín de fantasía. [24] : 76 En 1978, los hermanos de Agnelli, Carlo y Nicola Caracciolo, ofrecieron una parcela de su terreno en Toscana para el sitio del jardín. [73]
En 1974, Saint Phalle creó un trío de Nanas monumentales instaladas junto al río Leine en Hannover, Alemania . Inicialmente, los líderes de la ciudad recibieron más de 20.000 cartas de queja, [75] pero finalmente las figuras fueron apodadas cariñosamente " Sophie ", " Charlotte " y " Caroline " en honor a tres de las mujeres históricas de la ciudad. [49]
En 1975, Saint Phalle escribió el guión de Un rêve plus long que la nuit ("Un sueño más largo que la noche", más tarde también llamado Camélia et le Dragon ), y reclutó a muchos de sus amigos artistas para que la ayudaran a convertirlo en una película. , una historia fantasmagórica de dragones, monstruos y adolescencia. Una joven es cautiva de un dragón, logra escapar y debe explorar Sept Portes du Mystère ("Siete puertas del misterio") para encontrar el amor. Laura, la hija de Saint Phalle, fue el personaje principal de la película y apareció con Saint Phalle, Jean Tinguely y otros artistas amigos; Peter Whitehead compuso la música. [76] Para el rodaje, diseñó varios muebles, que luego se exhibieron en la fachada del Palacio de Bellas Artes de Bruselas . [13] De 1968 a 1988, también trabajó en Anoche tuve un sueño , una pintura escultórica en relieve que incluía muchos elementos de su vida y sus sueños anteriores. [77]
En 1976 se retiró a los Alpes suizos para perfeccionar sus planes para el parque de esculturas. [51] En 1977 Ricardo Menon, un argentino, se convirtió en su asistente; trabajaría estrechamente con ella hasta 1986. [13] [78]
En 1977, trabajó con el escritor inglés Constantin Mulgrave para diseñar decorados para The Travelling Companion , basado en un cuento de hadas de Hans Christian Andersen , pero el proyecto nunca se completó. [51] Ella y Mulgrave vivieron juntos durante unos cuatro años, pero Tinguely siguió siendo una presencia que reaparecía continuamente en su vida. [24] : 101-103
En 1977, también visitó México y Nuevo México , en busca de inspiraciones artísticas más amplias. [51]
En 1978, Saint Phalle comenzó a diseñar su jardín de esculturas en una cantera abandonada en Garavicchio, Toscana , a unos 100 kilómetros (62 millas) al noroeste de Roma, cerca de la costa oeste de la península italiana. Al año siguiente, se limpiaron los sitios y se establecieron los cimientos. [73]
En 1979, produjo la primera de lo que se convertiría en una nueva serie de esculturas, los Skinnies . Eran contornos planos, planos y transparentes de cabezas y figuras, resaltados por manchas de color. En cierto modo, se parecían a sus coloridos bocetos y dibujos, pero ampliados a un tamaño monumental. La serie también simboliza la lucha de Saint Phalle contra el enfisema y la enfermedad. [79] Continuó produciendo sus Nanas además de su nuevo estilo de escultura, [13] y ambos estilos de figuras aparecerían en su proyecto Tarot Garden .
En 1980, Saint Phalle y su equipo comenzaron a construir la primera escultura arquitectónica en el jardín. A medida que avanzaba el proyecto, Saint Phalle comenzó a tomar lecciones de italiano para comunicarse mejor con los trabajadores locales. [20] El segundo miembro del equipo que contrató fue Ugo Celletti, un repartidor postal a tiempo parcial de 50 años , que descubrió en el proyecto su amor por el trabajo en mosaico . [20] [80] Trabajaría en el proyecto durante 36 años y reclutaría a sus sobrinos para que se unieran; Algunos miembros de la familia todavía participan en el mantenimiento del sitio. [81] [80]
Invitó a amigos artistas de Argentina, Escocia, Holanda y Francia para que le ayudaran a trabajar en las esculturas. [20] Con el tiempo, Saint Phalle trabajó con decenas de personas, entre ellas arquitectos, ceramistas, herreros, albañiles, pintores y artistas de mosaicos. [82] Los materiales utilizados en el proyecto Tarot Garden incluirían acero, hierro, cemento, poliéster, cerámica, mosaicos de vidrio, espejos y piedras pulidas (que ella llamó " M&M's "). [12]
La estructura de las esculturas más masivas era muy similar a la instalación temporal de Hon en el Moderna Museet en 1966, pero esta vez las obras de arte estaban al aire libre y debían resistir los efectos climáticos a largo plazo del sol y la lluvia. La forma básica de las esculturas se estableció con estructuras hechas de barras de acero soldadas . Se añadió una segunda capa de barras de refuerzo de acero de calibre más ligero, seguida de dos capas de metal expandido . Luego se contrató a una empresa especializada para rociar hormigón proyectado sobre la estructura. Una capa de alquitrán para impermeabilizar y una capa final de cemento blanco produjeron una estructura robusta y hueca lista para la decoración. [73]
En 1980, también comenzó a vender una serie de sillas, jarrones y lámparas de poliéster en forma de serpiente. [13] Ese año, registró su primer ataque de artritis reumatoide , una enfermedad dolorosa que afecta las articulaciones del esqueleto. [13]
En 1980-1981, diseñó un colorido esquema de pintura para un avión bimotor Piper Aerostar 602 P, que participó en la primera carrera transatlántica patrocinada por la Fundación Peter Stuyvesant de Ámsterdam. [13] Como acto de rebelión lúdica contra el patrocinador del fabricante de cigarrillos, añadió un cartel de " Prohibido fumar " visible en la parte inferior del avión (era alérgica al humo del tabaco ). [83]
En 1981, Saint Phalle alquiló una pequeña casa cerca del Jardín del Tarot y contrató a jóvenes de Garavicchio para ayudar en la construcción del jardín. Jean Tinguely dirigió un equipo suizo formado por Seppi Imhoff y Rico Weber y comenzó a soldar los marcos de las esculturas. [51] Al año siguiente, el artista holandés Doc Winsen (también llamado "Dok van Winsen") se hizo cargo de las operaciones de soldadura. [13]
En 1982, Saint Phalle desarrolló y comercializó un perfume del mismo nombre y utilizó las ganancias para ayudar a financiar su proyecto. [28] [27] [13] [84] La tapa del frasco de perfume presentaba una pequeña escultura de dos serpientes entrelazadas, una dorada y la otra de brillantes colores. [85] Este fue uno de los primeros lo que se dio en llamar perfumes de celebridades , que utilizaba la fama y el reconocimiento del nombre para vender productos perfumados. [2] Es posible que de esta manera haya recaudado hasta un tercio de los fondos que necesitaba para el jardín. [20] Solicitó activamente financiación de amigos y conocidos, así como vendiendo sus obras de arte. [20]
En agosto de 1982, Saint Phalle fue honrado en el Street Festival of the Arts de la ciudad de Nueva York. [86] Más tarde ese año, Saint Phalle colaboró con Tinguely para producir la Fuente Stravinsky , una fuente escultórica de 15 piezas para la Plaza Igor Stravinsky, ubicada junto al Centro Georges Pompidou en París. Por su destacada ubicación en París, se convertiría en una de las colaboraciones más conocidas entre los dos artistas.
Desde 1983 hasta 1988, cuando estuvo en el lugar, [73] Saint Phalle vivió en un pequeño apartamento construido en La Emperatriz , una escultura parecida a una esfinge del tamaño de una casa en el jardín. En el segundo nivel, su dormitorio estaba dentro de un seno y su cocina dentro del otro. [20] [84] Cada una de estas dos habitaciones tenía una única ventana circular empotrada, que parecía una tetina invertida cuando se veía desde el exterior. [87] En 2000, recordaría: "Por fin, el deseo de mi vida de vivir dentro de una escultura iba a ser concedido: un espacio enteramente hecho de curvas onduladas... Quería inventar una nueva madre, una diosa madre. , y renacer en su forma... Dormiría en un pecho. En el otro pondría mi cocina". [47]
La planta baja contenía un gran espacio con espejos con una mesa de comedor con espejos donde serviría el almuerzo a trabajadores y artistas, debajo de una lámpara de araña que Tinguely había hecho con un cráneo de vaca. [20] Ella utilizó este papel maternal para ayudar a reforzar su autoridad al dirigir el equipo de hombres que necesitaba para ayudar a construir su proyecto. [20] Con el tiempo, se cansaría del espacio reducido "en el útero de su madre", y después de 1988 se mudaría a un estudio estilo loft neoyorquino que ella misma había construido bajo tierra en el lugar. [73] Su asistente Ricardo Menon viviría en la estructura de la Torre de Babel mientras estuviera en el lugar, trabajando en estrecha colaboración con Saint Phalle y cuidándola durante los ataques de artritis paralizante. [78]
Alrededor de 1983, Saint Phalle decidió cubrir sus esculturas del Tarot Garden principalmente con azulejos cerámicos duraderos de colores, agregando fragmentos de espejos y vidrio, y piedras pulidas. [13] Menon la ayudó a reclutar a Venera Finocchiaro, una profesora de cerámica de Roma; enseñó a las mujeres locales nuevas técnicas para moldear piezas de cerámica en superficies curvas e instaló hornos en el lugar para terminar las piezas. [13] [73] [20] A partir de 1985, Jean Tinguely añadió al proyecto esculturas y fuentes de acero estacionarias y motorizadas. [73] Robert Haligon y sus hijos hicieron gran parte del trabajo relacionado con resinas de poliéster. [73] [66] Saint Phalle le pidió a Pierre Marie Lejeune que creara un camino de cemento, en el que inscribió jeroglíficos , otros signos y símbolos, y texto. [73] Durante este período, Saint Phalle dedicó casi todo su tiempo a vivir y trabajar en el jardín. [13]
En 1986, Menon se fue para asistir a una escuela de teatro en París, [13] pero mantuvo en secreto a Saint Phalle que había contraído SIDA . [78] Mientras estuvo allí, reclutó a su compañero argentino Marcelo Zitelli para trabajar para Saint Phalle como jardinero, pero él a su vez se convirtió en su asistente para otros trabajos también, ayudándola a fabricar esculturas durante al menos la siguiente década. [13]
El mismo año, Saint Phalle se tomó un tiempo para colaborar con Silvio Barandun (un profesor médico alemán de inmunología ) en la escritura e ilustración de su libro SIDA: No puedes atraparlo tomados de la mano , destinado a estudiantes de secundaria o preparatoria . escuela . Se publicó por primera vez en San Francisco en inglés y luego se tradujo a cinco idiomas diferentes; Se vendieron o entregaron 70.000 copias a instituciones y escuelas médicas. [13] [88] [87] El libro se consideró influyente en los primeros esfuerzos de apoyo a la educación de salud pública sobre la enfermedad. [89]
De 1987 a 1993, Saint Phalle pasó la mayor parte de su tiempo en París, donde desarrolló muchas de las esculturas más pequeñas para el jardín. [73] De vez en cuando, organizaba exposiciones de su arte en galerías, incluidas maquetas de sus obras más importantes, para recaudar fondos para el proyecto del jardín. [73] Saint Phalle también trabajó en el establecimiento de una estructura legal permanente para la preservación y mantenimiento del jardín. [73]
En 1988, Saint Phalle participó en una exposición itinerante de cometas a nivel mundial . Su contribución fue una cometa gigantesca inspirada en su serie de esculturas oiseau amoreux ("pájaro amoroso"). [49]
En 1992-1993 se realizó un mantenimiento correctivo de las esculturas del Jardín del Tarot , utilizando nuevos pegamentos y siliconas para fijar espejos y elementos de vidrio de manera más segura, para resistir la intemperie y el tacto de las manos de muchos visitantes. [73] A partir de 2021, se llevó a cabo un proceso de restauración similar para volver a colocar espejos en Le Cyclop , ubicado en Milly-la-Forêt , cerca de París. [90]
El Jardín del Tarot estuvo en desarrollo durante casi 30 años, y se gastaron $5 millones (aproximadamente $11 millones en dólares de 2016 [20] ) para construirlo. [91] La Fundación del Jardín del Tarot se constituyó en 1997 (y alcanzaría estatus jurídico oficial en 2002), y el jardín se abrió oficialmente al público el 15 de mayo de 1998. [73] El jardín terminado (llamado il Giardino dei Tarocchi en italiano y le Jardin des Tarots en francés) ahora contiene esculturas y esculturas arquitectónicas que representan las 22 cartas de los Arcanos Mayores que se encuentran en la baraja de cartas del Tarot , además de otras obras de arte más pequeñas. [92] El sitio cubre alrededor de 2 hectáreas (4,9 acres) en la ladera sur de la colina de Garavicchio, en Capalbio. [93] Las esculturas más altas tienen unos 15 metros (49 pies) de altura. [93]
El arquitecto Mario Botta , amigo de Saint Phalle , construyó un muro protector similar a una fortaleza y una puerta en forma de ojo de buey en la entrada al jardín, marcando una separación distintiva del mundo exterior. [73] La estructura de entrada también alberga una taquilla, una tienda de regalos y baños para visitantes. [92] Dentro del parque, hay fuentes, patios, una torre de varios niveles y muchas criaturas míticas más grandes que la vida. [73] Saint Phalle diseñó un folleto que contiene un mapa y otra información para los visitantes del jardín, que está abierto en temporada. [72]
En sus últimos años, Saint Phalle padeció enfisema , [7] asma , [7] y artritis severa , [10] [20] que ella [79] y muchos comentaristas atribuyeron a la exposición a fibras de vidrio, vapores y petroquímicos en el aire. a partir de materiales utilizados en sus obras de arte. [7] [27] [10] [20] [94] [41] A pesar de estas desventajas, se lanzó a explorar nuevos lugares, nuevas tecnologías y nuevos medios artísticos.
En 1989, Ricardo Menon, antiguo asistente de Saint Phalle, murió de SIDA ; [13] su pérdida sumió a Saint Phalle en una depresión. [78] Creó una gran escultura en mosaico de un gato, Chat de Ricardo , para que sirviera como lápida en el cementerio de Montparnasse , París, Francia. [95] [78] Colocó una segunda copia de la escultura conmemorativa en su Jardín del Tarot en Toscana, donde él había trabajado estrechamente con ella durante casi una década. [92] [78]
En 1990, Saint Phalle completó Skull (Meditation Room) , un recinto con forma de calavera del tamaño de una habitación de 5 metros (16 pies) de alto, revestido con coloridos mosaicos y revestido por dentro con espejos de mosaico, para conmemorar la crisis del SIDA . [30] [13] También utilizó bronce por primera vez, en una serie de dioses y diosas egipcios . [13]
En 1991, produjo una maqueta para Le Temple Idéal ("El templo ideal"), un lugar de culto que acoge a todas las religiones, en respuesta a la intolerancia religiosa que vio mientras trabajaba en Jerusalén. [51] La ciudad de Nimes (Francia) le encargó la construcción de la escultura arquitectónica, pero el proyecto nunca se construyó debido a cuestiones políticas. [51] A lo largo de los años, se había interesado en los mitos y tradiciones religiosas más allá de su educación católica romana de la infancia, incluidas las creencias judías, hindúes, budistas y del antiguo Egipto.
En agosto de 1991, Jean Tinguely murió repentinamente de un ataque al corazón en Berna, Suiza . Durante los dos años anteriores de deterioro de su salud, dejó de tomar medicamentos y comenzó a prepararse para la muerte. [78] La pareja se había separado años antes, pero permanecían muy unidos; la pérdida de su antiguo colaborador y amigo íntimo afectó profundamente a Saint Phalle. Estaba escribiendo una carta de memorias sobre su primer encuentro cuando le llegó la noticia de su muerte. [24] : 103
En su memoria, Saint Phalle creó sus primeras esculturas cinéticas , a las que llamó Méta-Tinguelys . [96] [49] Con la ayuda inicial de su amigo artista Larry Rivers , creó una serie de relieves cinéticos o pinturas en movimiento, llamadas Tableaux Éclatés ("Pinturas destrozadas"), en homenaje a su difunto esposo y colega. [11] [51] [97] Cuando un visitante se acercaba, una fotocélula activaba motores que provocaban que los elementos de las pinturas se separaran. [11]
Saint Phalle perdió a muchos amigos y asociados a causa del SIDA, incluido Jean-Jacques Goetzman, quien murió en 1992. Ella lo conmemora con Oiseau pour Jean-Jacques ("Pájaro para Jean-Jacques"), una gran escultura abstracta reflectante de un pájaro en el cementerio de Montparnasse. [78]
A medida que su salud se deterioraba, trabajó en la creación del Museo Tinguely en Basilea, Suiza , además de continuar con el trabajo en su Jardín del Tarot . Durante este tiempo, se hizo buena amiga del arquitecto del museo, Mario Botta , y también lo contrató para diseñar la pared y la entrada a su Jardín del Tarot . [73]
En 1994, Saint Phalle publicó sus memorias Mon Secret ("Mi secreto") , ilustradas y coloreadas a mano, en francés y reveló la historia de abuso sexual de su infancia. [22] [20] [98] En 1999, publicó Traces , una autobiografía en inglés, que también ilustró. En 2006, Harry y yo: Los años de familia; Se publicó (póstumamente) 1950-1960 , que consta de sus memorias autoilustradas de la década en la que estuvo casada con Harry Mathews .
Saint Phalle se mudó de París a La Jolla, California en 1994 por motivos de salud. [96] [27] [73] [28] [24] : 79 Montó un nuevo estudio y produjo esculturas que estaban cubiertas con espejos, vidrio y piedras pulidas, en lugar de pinturas. [96] [73] En su nuevo espacio de trabajo, comenzó a explorar tecnologías novedosas para diseñar y crear obras de arte. [13] También se convirtió en un miembro activo de la escena artística de San Diego, participando en eventos para recaudar fondos y exposiciones allí. [7]
En 1994 diseñó un sello para Swiss Post , con el mensaje "Stop AIDS/Stop SIDA", por el que recibió el Prix Caran d'Ache. [99] [13] También comenzó una serie de obras serigrafiadas, a las que llamó Diario de California , presentando fauna local. [24] : 64 Comenzó una nueva serie de pilares Totem de figuras humanas o animales apiladas y fragmentos anatómicos . [24] : 64
En 1994, finalmente declaró terminada la escultura colaborativa Le Cyclop , iniciada en 1969 por Tinguely y en la que trabajaron 15 artistas. [61] El presidente de Francia, François Mitterrand , abrió la obra al público en general en mayo. [61] Para controlar el vandalismo, la instalación fue donada al Estado francés, que se ha hecho responsable de su salvaguardia y mantenimiento. [61] La enorme estructura mide 22,5 metros (74 pies) de altura, pesa 350 toneladas (350.000 kg) y está llena de obras de arte hechas a medida, incluida una escultura gigante de una bola rodante . [61] Muchas de las obras de arte son cinéticas , lo que dota a la instalación de un movimiento constante y produce fuertes gemidos y otros ruidos mecánicos. [61]
En octubre de 1994, se inauguró en Nasu, Japón, el Museo Niki, dedicado a contar la historia de su vida y su obra de arte. [13] Sin embargo, el Museo Niki se vería obligado a cerrar en 2011. [100] [101]
En 1994, Saint Phalle trabajó con Peter Schamoni en la realización de un documental sobre la historia de su vida, Niki de Saint Phalle: Wer ist das Monster – Du oder ich? ("¿Quién es el Monstruo, tú o yo?"). [13] [102] En 1995, la película recibió el Premio de Cine Bávaro al mejor documental. [24] : 110
En 1996, comenzó a construir Gila , una gran casa de juegos infantil con forma de dragón para una residencia privada de San Diego. Este proyecto fue su primer uso de técnicas digitales para ampliar dibujos y convertirlos en una construcción a escala real. [13]
En 1996, apoyó la apertura del Museo Tinguely en Basilea, donando 55 esculturas importantes y más de 100 obras gráficas de Tinguely, que constituían gran parte de la colección principal. [51] [13] También donó algunas de sus obras de arte y las de su marido para crear L'Espace Jean Tinguely y Niki de Saint Phalle en el Musée d'art et d'histoire de Friburgo, Suiza . [13]
En 1997, diseñó sillas tipo serpiente de madera con incrustaciones de mosaico, realizadas por Del Cover y Dave Carr. [51]
En 1998, creó una serie de esculturas de Black Heroes en honor a los afroamericanos que hicieron importantes contribuciones al deporte o al jazz , incluidos Miles Davis , Louis Armstrong y Josephine Baker . [24] : 65 Dedicó la serie a sus bisnietos , que son mestizos . [13] También completó su serie de 23 animales grandes para el parque escultórico del Arca de Noé en el Zoológico Bíblico de Jerusalén con la ayuda de su equipo internacional de artesanos y en colaboración con el arquitecto Mario Botta. [103] [13]
En 1999, estrenó una estatua monumental de Buda , una figura contemplativa de un solo ojo sentada en posición de loto . La figura está cubierta con brillantes mosaicos, vidrio, espejos y piedras pulidas.
El 17 de noviembre de 2000, se convirtió en ciudadana honoraria de Hannover, Alemania , y donó 300 piezas de su obra de arte al Museo Sprengel ubicado allí. En 2000, el artista recibió el premio Praemium Imperiale de escultura, otorgado por la Asociación de Arte de Japón . [104] El premio se considera el equivalente al Premio Nobel en el mundo del arte. [51]
En 2001, donó 170 obras al Musée d'art moderne et d'art contemporain (MAMAC) de Niza, Francia , y donó otras obras al Musée des Arts Décoratifs de París. [51]
También diseñó y construyó para el Puerto de San Diego una escultura de 12 metros (39 pies) de altura y 10 toneladas, Coming Together . La obra de arte, la más grande de su serie Skinnies , consiste en un rostro colorido mitad femenino y mitad masculino en blanco y negro unidos, cubiertos con mosaicos y piedras. [51] La ceremonia de inauguración se retrasó hasta el 25 de octubre de 2001 debido a los ataques del 11 de septiembre del mes anterior; la artista no pudo asistir debido al deterioro de su salud. [79] La obra de arte significó su interpretación del yin y el yang , la enfermedad y la salud, y la integración de aspectos duales en un todo unificado. [79]
Saint Phalle soportó una hospitalización en cuidados intensivos durante seis meses [10] antes de morir de insuficiencia respiratoria (causada por enfisema) en el Scripps Memorial Hospital en La Jolla, el 21 de mayo de 2002. [7] [28] Fue atendida por su primer marido, Harry Mathews. y sus hijos. [24] : 79 [20]
Hasta el final, continuó diseñando otros desarrollos para su Jardín del Tarot en Italia, incluido un laberinto , para el cual se despejó el terreno y se instalaron varillas de metal. [73] Tras su muerte, todos los nuevos desarrollos en su jardín se detuvieron, como ella había especificado previamente. [73] [80] Desde entonces, se han implementado algunos cambios modestos, principalmente para dar cabida a un número cada vez mayor de visitantes. También se ha construido una cafetería en el jardín diseñada por Mario Botta. [80] Una excepción destacada es la figura del Tarot de Le Fou ("El Loco"), que Saint Phalle trasladó dentro del Jardín del Tarot al menos dos veces durante su vida. [43] : 54 Se espera que esta tradición migratoria simbólica continúe de vez en cuando. [80]
Póstumamente, la Gruta (2001-2003) se completó según las detalladas instrucciones dejadas por Saint Phalle. La instalación permanente, en el Grosser Garten , jardines Herrenhausen , Hannover, constaba de tres salas decoradas en todas sus superficies con espejos, vidrio, cerámica y piedras de colores. [105]
Póstumamente, el Círculo Mágico de la Reina Califia (2000-2003), un jardín de esculturas bañado por el sol de 120 pies (37 m) de diámetro diseñado por Saint Phalle, se inauguró en Escondido, California en octubre de 2002. Está encerrado en un jardín de 400 pies ( 120 m) de pared ondulada rematada con grandes serpientes parecidas a pitones , e incluye un laberinto y 10 grandes esculturas que ella diseñó, lo que constituye la colección pública más extensa de su trabajo en los EE. UU. [106] [10] [107] Las obras de arte se inspiraron en la cultura nativa americana, [49] y las decoraciones también incluían símbolos y placas que hacían referencia a su anterior Tarot Garden .
A lo largo de su carrera, Saint Phalle fue franca al abordar importantes conflictos religiosos, políticos, de salud pandémica, raza, género, derechos reproductivos, seguridad alimentaria, cambio climático y cuestiones culturales de la época. [108] [12] [30] [79] [9] Sus series y ensamblajes Tirs reflejaron la violencia de la Guerra de Argelia de principios de la década de 1960 por la independencia de Francia [42] [9] y afirmaron su rebelión como parte del feminismo de la segunda ola. . [26] [3] [38] Su estilo personal de vestir a mediados de los años sesenta también inspiró al diseñador Yves Saint Laurent a crear sus trajes de pantalón " le Smoking " en 1966. [109] [110] A pesar del espectacular uso de armas de fuego en su serie Tirs de sus primeros trabajos, apoyó el control de armas . [68] [111]
Sus enormes y curvilíneas Nanas celebraban la forma femenina fecunda, con pechos y nalgas grandes, extremidades abiertas, alegres posturas de baile y, a menudo, piel negra. [68] [112] Fue una de las primeras defensoras artísticas de la concientización sobre el SIDA , [68] creando obras de arte y un libro educativo de amplia distribución. [88] [89] Poco antes de su muerte, expuso dibujos críticos de la administración de George W. Bush . [68] [113] Además de sus obras de arte, escribió extensamente tanto en francés como en inglés y concedió numerosas entrevistas; Gran parte de este material está recopilado en sus archivos. [114]
Muchas de las esculturas de Saint Phalle son de gran tamaño y se exhiben en lugares públicos. La Niki Charitable Art Foundation mantiene un mapa y un catálogo en línea de todas sus obras de arte públicas existentes, incluido un horno de pizza en La Jolla, California . [121] [122] [107]
En Friburgo , Suiza , existe un “ Museo Jean Tinguely –Niki de Saint Phalle” , enteramente dedicado a sus obras y las de su marido.
El Museo Sprengel tiene la mayor colección de obras de Niki de Saint Phalle, [7] y otras colecciones importantes se encuentran en MAMAC . [136] Sus archivos y derechos artísticos están en manos de la Niki Charitable Art Foundation (NCAF) en Santee, California , cerca de San Diego, que se activó tras su fallecimiento. [114] [20] La NCAF mantiene un catálogo en línea de obras de arte en museos y colecciones importantes. [136]
El Museo Bechtler de Arte Moderno de Charlotte, Carolina del Norte, tiene varias obras de Niki de Saint Phalle en su colección permanente, así como el Grand Oiseau de Feu sur l'arche ("Gran pájaro de fuego en el arco", 1991) que se encuentra en una acera fuera del museo.[3]
Una breve bibliografía comentada está disponible en el sitio web de Niki Charitable Art Foundation. [137]
A partir de febrero de 2022 [actualizar], "próximamente" estará disponible un catálogo razonado en línea de las "Nanas" del artista. [138]
Hay una lista completa en el sitio web de Niki Charitable Art Foundation. [140]
mayo/junio 2011
J'ai écrit ce livre d'abord pour moi-même, pour tenter de me délivrer enfin de ce viol qui a joué un rôle si determinante dans ma vie. Je suis une rescapée de la mort, j'avais besoin de laisser la petite fille en moi parler enfin... J'ai longtemps pensé que j'étais uneException, ce qui m'isolait encore plus; aujourd'hui j'ai pu parler à d'autres vistimes d'un viol: les effets calamiteux sont tous les mêmes: désespoir, honte, humillation, angoisse, suicide, maladie, folie, etc. Le escándalo a enfin éclaté; todos los días de revelaciones jaillissent sur ce secret si jalousement gardé colgante des siècles: le viol d'une crowd d'enfants, filles ou garçons, par un père, un grand-père, un voisin, un professeur, un prêtre, etc. Après le Secret j'ai l'intention d'écrire un autre livre aux enfants, afin de leur apprendre à se protéger: parce que l'education qu'on leur donne les laisse sans défense contra l'adulte...
Niki de Saint-Phalle, una artista estadounidense que vive en [Francia], ha tenido la mejor influencia de todas en Saint Laurent... La señorita Saint-Phalle... siempre usa trajes de pantalón con... botas... Ahora Saint Laurent ha copiado su traje pantalón 'black tie' en terciopelo y en lana.... En lana, tiene una camisa blanca con muchos volantes, un gran lazo negro en el cuello, un fajín ancho de raso y rayas de raso en la cintura, bastante pantalones anchos.
Se usa con...botas de raso.
En su colección Otoño-Invierno 1966, Yves Saint Laurent presentó su pieza más icónica: el esmoquin...[L]a versión de Saint Laurent Rive Gauche fue un éxito.
La clientela más joven de la marca no tardó en adquirirlo, convirtiendo el esmoquin en un clásico.
Saint Laurent lo incluiría en cada una de sus colecciones hasta 2002.
