El arte académico , academicismo o academismo , es un estilo de pintura y escultura producido bajo la influencia de las academias de arte europeas . Este método extendió su influencia por todo el mundo occidental a lo largo de varios siglos, desde sus orígenes en Italia a mediados del siglo XVI, hasta su disipación a principios del siglo XX. Alcanzó su apogeo en el siglo XIX, tras el fin de las guerras napoleónicas en 1815. En este período, los estándares de la Academia de Bellas Artes francesa fueron muy influyentes, combinando elementos del neoclasicismo y el romanticismo , siendo Jean-Auguste-Dominique Ingres una figura clave en la formación del estilo en la pintura. El éxito del modelo francés llevó a la fundación de innumerables otras academias de arte en varios países. Los pintores posteriores que intentaron continuar la síntesis incluyeron a William-Adolphe Bouguereau , Thomas Couture y Hans Makart entre muchos otros. En escultura, el arte académico se caracteriza por una tendencia hacia la monumentalidad, como en las obras de Auguste Bartholdi y Daniel Chester French .
Las academias se establecieron para reemplazar a los gremios de artistas medievales y tenían como objetivo sistematizar la enseñanza del arte. Enfatizaron la emulación de los maestros establecidos y la tradición clásica, restando importancia a la creatividad individual, valorando en cambio los conceptos colectivos, estéticos y éticos . Al ayudar a elevar el estatus profesional de los artistas, las academias los distanciaron de los artesanos y los acercaron a los intelectuales. También desempeñaron un papel crucial en la organización del mundo del arte , controlando la ideología cultural , el gusto, la crítica, el mercado del arte , así como la exhibición y difusión del arte. Ejercían una influencia significativa debido a su asociación con el poder estatal, actuando a menudo como conductos para la difusión de ideales artísticos, políticos y sociales, al decidir qué se consideraba "arte oficial". Como resultado, enfrentaron críticas y controversias de artistas y otros en los márgenes de estos círculos académicos, y sus regulaciones restrictivas y universalistas a veces se consideran un reflejo del absolutismo .
En general, el academicismo ha tenido un impacto significativo en el desarrollo de la educación artística y los estilos artísticos. Sus artistas rara vez mostraron interés en representar lo cotidiano o lo profano. Por lo tanto, el arte académico es predominantemente idealista en lugar de realista , con el objetivo de crear obras muy pulidas a través del dominio del color y la forma. Aunque también se produjeron obras más pequeñas, como retratos , paisajes y naturalezas muertas , el movimiento y el público y los críticos contemporáneos valoraron más las grandes pinturas históricas que mostraban momentos de narraciones que muy a menudo se tomaban de áreas antiguas o exóticas de la historia y la mitología , aunque con menos frecuencia las narraciones religiosas tradicionales . El arte orientalista fue una rama importante, con muchos pintores especialistas , al igual que escenas de la antigüedad clásica y la Edad Media . El arte académico también está estrechamente relacionado con la arquitectura Beaux-Arts , así como con la música clásica y la danza , que se desarrollaron simultáneamente y mantienen un ideal clasicista similar.
Aunque la producción de arte académico continuó hasta el siglo XX, el estilo se había vuelto vacuo y fue fuertemente rechazado por los artistas de un conjunto de nuevos movimientos artísticos , de los cuales el realismo y el impresionismo fueron algunos de los primeros. En este contexto, el estilo a menudo se llama " eclecticismo ", " art pompier " (de manera peyorativa) y, a veces, se lo vincula con el " historicismo " y el " sincretismo ". Para la Primera Guerra Mundial , había caído en desgracia casi por completo entre los críticos y los compradores, antes de recuperar cierta apreciación desde fines del siglo XX.
La primera academia de arte fue fundada en Florencia por Cosimo I de Médici , el 13 de enero de 1563, bajo la influencia del arquitecto Giorgio Vasari , que la llamó Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Academia y Compañía para las Artes del Dibujo), ya que estaba dividida en dos ramas operativas diferentes. Si bien la compañía era una especie de corporación a la que podían unirse todos los artistas activos en Toscana, la academia comprendía solo a los artistas más eminentes de la corte de Cosimo, y tenía la tarea de supervisar todas las actividades artísticas florentinas, incluida la enseñanza, y la salvaguarda de las tradiciones culturales locales. Entre los miembros fundadores se encontraban Miguel Ángel , Bartolomeo Ammannati , Agnolo Bronzino y Francesco da Sangallo . En esta institución, los estudiantes aprendían los "arti del disegno" (un término acuñado por Vasari) y escuchaban lecciones de anatomía y geometría . [1] [2] [3] La fama de la Academia se extendió rápidamente, hasta el punto de que, a sólo cinco meses de su fundación, importantes artistas venecianos como Tiziano , Salviati , Tintoretto y Palladio solicitaron su admisión, y en 1567, el rey Felipe II de España la consultó sobre los planes para El Escorial . [4]
Una década después se fundó en Roma otra academia, la Accademia de i Pittori e Scultori di Roma (Academia de Pintores y Escultores de Roma), más conocida como Accademia di San Luca (llamada así por el santo patrón de los pintores, San Lucas ) . Cumplía una función educativa y se ocupaba más de la teoría del arte que la florentina, dando gran importancia a la asistencia a conferencias teóricas, debates y clases de dibujo. [5] Inmediatamente se designó a doce académicos como profesores, estableciendo una serie de medidas disciplinarias para los estudios e instituyendo un sistema de premios para los estudiantes más capaces. [6]
En 1582, el pintor e instructor de arte Annibale Carracci abrió su muy influyente Accademia dei Desiderosi (Academia de los Deseosos) en Bolonia sin apoyo oficial; en algunos sentidos, era más como un estudio de artista tradicional, pero el hecho de que sintiera la necesidad de etiquetarlo como una "academia" demuestra el atractivo de la idea en ese momento. [7]
La aparición de las academias de arte en el siglo XVI se debió a la necesidad de dar respuesta a nuevas demandas sociales. Varios estados, que avanzaban hacia el absolutismo , se dieron cuenta de que era necesario crear un arte que los identificara específicamente y sirviera como símbolo de unidad cívica, y que además fuera capaz de consolidar simbólicamente el estatus de sus gobernantes. En este proceso, la Iglesia católica , entonces la mayor fuerza política y unificadora social de Europa, comenzó a perder parte de su influencia como consecuencia de la mayor secularización de las sociedades. El arte sacro , con diferencia el mayor campo de expresión artística a lo largo de la Edad Media , pasó a coexistir con un arte profano en expansión, derivado de fuentes clásicas , que venía experimentando un lento resurgimiento desde el siglo XII, y que, en tiempos del Renacimiento , se había consolidado como el referente cultural más prestigioso y modelo de calidad. [8] [9]
Este resurgimiento del clasicismo exigió a los artistas una mayor cultura, para poder transponer competentemente esta referencia a las artes visuales . Al mismo tiempo, el antiguo sistema de producción artística, organizado por gremios —asociaciones clasistas de carácter artesanal, vinculadas más a los oficios mecánicos que a la erudición intelectual— empezó a ser visto como anticuado y socialmente indigno, pues los artistas empezaron a desear la igualdad con los intelectuales versados en las artes liberales , pues el arte mismo empezó a ser visto no sólo como una tarea técnica, como lo había sido durante siglos, sino principalmente como una forma de adquirir y transmitir conocimientos. En este nuevo contexto, la pintura y la escultura empezaron a ser vistas como teorizables, tal como ya lo eran otras artes como la literatura y sobre todo la poesía. Sin embargo, si por un lado los artistas sí ascendieron socialmente, por otro perdieron la seguridad de inserción en el mercado que proporcionaba el sistema gremial, debiendo vivir en la incierta expectativa de la protección individual por parte de algún mecenas . [10]
Si a Italia se le atribuye la fundación de este nuevo tipo de institución, a Francia le corresponde llevar el modelo a una primera etapa de gran orden y estabilidad. Los primeros intentos del país de establecer academias como las italianas se produjeron también en el siglo XVI, durante el reinado del rey Enrique III , especialmente a través de la obra del poeta Jean-Antoine de Baïf , quien fundó una academia vinculada a la Corona francesa . Al igual que sus homólogas italianas, era de carácter fundamentalmente filológico - filosófico , pero trabajaba también conceptos relativos a las artes y las ciencias. Aunque desarrolló una intensa actividad con debates regulares y producción teórica, defendiendo los principios clásicos, careció de estructura educativa y tuvo una existencia breve. [11]
La Accademia di San Luca sirvió más tarde como modelo para la Académie royale de peinture et de sculpture (Real Academia de Pintura y Escultura) francesa, fundada en 1648 por un grupo de artistas liderados por Charles Le Brun , y que más tarde se convirtió en la Académie des Beaux-Arts (Academia de Bellas Artes). Su objetivo era similar al italiano, distinguir a los artistas "que eran caballeros que practicaban un arte liberal" de los artesanos, que se dedicaban al trabajo manual. Este énfasis en el componente intelectual de la creación artística tuvo un impacto considerable en los temas y estilos del arte académico. [12] [13] [14]
Tras un comienzo ineficaz, la Académie royale fue reorganizada en 1661 por el rey Luis XIV , cuyo objetivo era controlar toda la actividad artística del país, [15] y en 1671, pasó a estar bajo el control del primer ministro de Estado Jean-Baptiste Colbert , quien confirmó a Le Brun como director. Juntos, la convirtieron en el principal brazo ejecutivo de un programa para glorificar la monarquía absolutista del rey , estableciendo definitivamente la asociación de la escuela con el Estado y confiriéndole así un enorme poder directivo sobre todo el sistema artístico nacional, lo que contribuyó a hacer de Francia el nuevo centro cultural europeo, desplazando la hasta entonces supremacía italiana. Pero mientras que para el Renacimiento italiano, el arte era también un estudio del mundo natural, para Le Brun era sobre todo el producto de una cultura adquirida, de formas heredadas y de una tradición establecida. [16] [17]
Durante este período, la doctrina académica alcanzó la cima de su rigor, exhaustividad, uniformidad, formalismo y explicitud, y según el historiador del arte Moshe Barasch, en ningún otro momento de la historia de la teoría del arte se ha cultivado con más intensidad la idea de la perfección como meta máxima del artista, con la producción del Alto Renacimiento italiano como modelo máximo. Así, Italia siguió siendo una referencia inestimable, tanto es así que en 1666 se estableció una filial en Roma, la Academia Francesa , con Charles Errard como su primer director. [16]
Al mismo tiempo, se produjo una controversia entre los miembros de la Academia, que llegaría a dominar las actitudes artísticas durante el resto del siglo. Esta "batalla de estilos" fue un conflicto sobre si Peter Paul Rubens o Nicolas Poussin era un modelo adecuado a seguir. Los seguidores de Poussin, llamados "poussinistes", argumentaron que la línea (disegno) debería dominar el arte, debido a su atractivo para el intelecto, mientras que los seguidores de Rubens, llamados "rubenistes", argumentaron que el color (colore) debería ser la característica dominante, debido a su atractivo para la emoción. [18] El debate se reavivó a principios del siglo XIX, bajo los movimientos del neoclasicismo tipificado por el arte de Jean Auguste Dominique Ingres , y el romanticismo tipificado por la obra de arte de Eugène Delacroix . También se produjeron debates sobre si era mejor aprender arte mirando la naturaleza o a los maestros artísticos del pasado. [19]
Al final del reinado de Luis XIV, el estilo académico y las enseñanzas fuertemente asociadas con su monarquía comenzaron a extenderse por toda Europa, acompañando el crecimiento de la nobleza urbana. Una serie de otras academias importantes se formaron en todo el continente, inspiradas por el éxito de la Académie francesa: la Akademie der Bildenden Künste en Núremberg (1662), la Akademie der Künste en Berlín (1696), la Akademie der bildenden Künste en Viena (1698), la Real Academia de Dibujo en Estocolmo (1735), la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid (1752), la Academia Imperial de las Artes en San Petersburgo (1757) y la Accademia di Belle Arti di Brera en Milán (1776), por nombrar algunas. En Inglaterra, esta fue la Royal Academy of Arts , que fue fundada en 1768 con la misión de "establecer una escuela o academia de diseño para el uso de los estudiantes en las artes". [20] [21]
La Real Academia Danesa de Bellas Artes de Copenhague , fundada en 1754, puede considerarse un ejemplo exitoso en un país más pequeño, que logró su objetivo de producir una escuela nacional y reducir la dependencia de artistas importados. Casi todos los pintores de la Edad de Oro danesa , de aproximadamente 1800 a 1850, se formaron allí y, tomando como ejemplo las pinturas de la Edad de Oro italiana y holandesa , muchos regresaron para enseñar localmente. [22] La historia del arte danés está mucho menos marcada por la tensión entre el arte académico y otros estilos que en otros países. [ cita requerida ]
En los siglos XVIII y XIX, el modelo se expandió a América, fundándose la Academia de San Carlos en México en 1783, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Estados Unidos en 1805, [23] y la Academia Imperial de Bellas Artes en Brasil en 1826. [24] Mientras tanto, de vuelta en Italia, apareció otro gran centro de irradiación, Venecia, lanzando la tradición de las vistas urbanas y los " capriccios ", escenas de paisajes fantásticos poblados de ruinas antiguas, que se convirtieron en los favoritos de los nobles viajeros del Grand Tour . [23]
Incluso con su amplia difusión, el sistema académico comenzó a ser seriamente cuestionado a través de las acciones de intelectuales vinculados a la Ilustración . Para ellos, el academicismo se había convertido en un modelo anticuado, excesivamente rígido y dogmático; criticaban la metodología, que creían que producía un arte que era meramente servil a los ejemplos antiguos, y condenaban la administración institucional, que consideraban corrupta y despótica . [25] Sin embargo, una figura importante de la Ilustración como Diderot suscribía gran parte del ideal académico, apoyaba la jerarquía de géneros ( ver más abajo ) y decía que "la imaginación no crea nada". [26] A finales del siglo XVIII, tras el tumulto de la Revolución Francesa , se montó una verdadera campaña contra la enseñanza de la Academia, que se identificaba como un símbolo del Antiguo Régimen . En 1793, el pintor Jacques-Louis David , muy vinculado a los revolucionarios, tomó la dirección de los asuntos artísticos de la nueva república y, tras atender la petición de numerosos artistas descontentos con la burocracia y el sistema de privilegios de la institución, disolvió las academias parisinas y todas las demás academias reales del campo. Sin embargo, la extinción de las antiguas escuelas fue temporal, pues posteriormente se organizó un Comité para las Artes, lo que dio lugar a la fundación en 1795 de una nueva institución, el Institut de France , que incluía una sección artística y se encargaba de reorganizar el sistema nacional de las artes. [25]
Los desafíos al academicismo en Francia, sin embargo, fueron más nominales que reales. Los cursos de arte volvieron a funcionar en líneas generales de la misma manera que antes, se resucitó la jerarquía de géneros, se mantuvieron los premios y salones, la sucursal en Roma siguió activa y el Estado continuó siendo el mayor patrocinador del arte. Quatremère de Quincy , el secretario del nuevo Institut, que había nacido como un aparato de renovación revolucionaria, creía paradójicamente que las escuelas de arte servían para preservar las tradiciones, no para fundar otras nuevas. [25] Las mayores innovaciones que introdujo fueron la idea de reunificar las artes bajo una atmósfera de igualitarismo, eliminando los títulos honorarios para los miembros y algunos otros privilegios, y su intento de hacer la administración más transparente, eminentemente pública y funcional. Al reinterpretar la teoría platónica de que las artes son cuestionables porque son imitaciones imperfectas de una realidad ideal abstracta , consideró esta idea solo en una esfera moral, la politizó y republicanizó, relacionando la verdad de las artes con la de las instituciones sociales. Sostuvo también que la realidad política de la república era un reflejo de la república de las artes que pretendía instaurar. Pero más allá de las ideas, en la práctica, el autoritarismo , que fue una de las razones esgrimidas para la extinción de las academias reales, siguió practicándose en la administración republicana. [27]
Otro ataque al modelo académico provino de los primeros románticos , a finales del siglo XVIII y principios del XIX, que predicaban una práctica centrada en la originalidad y la independencia individual. Alrededor de 1816, el pintor Théodore Géricault , uno de los exponentes del Romanticismo francés, afirmaba:
Estas escuelas mantienen a sus alumnos en un estado de constante emulación... Observo con tristeza que, desde la creación de estas escuelas, ha habido un gran efecto: han dado servicio a miles de talentos mediocres... Los pintores entran allí demasiado jóvenes, y por eso las huellas de individualidad que sobreviven a la Academia son imperceptibles. Se puede ver, con verdadero pesar, unas diez o doce composiciones cada año que son prácticamente idénticas en su ejecución, porque en su búsqueda de la perfección, pierden su originalidad. Una manera de dibujar, un tipo de color, una disposición para todos los sistemas... [28]
Desde el inicio del debate Poussinista-Rubenista, muchos artistas trabajaron entre los dos estilos. En el siglo XIX, en la forma revivida del debate, la atención y los objetivos del mundo del arte pasaron a ser sintetizar la línea del Neoclasicismo con el color del Romanticismo. Un artista tras otro fue afirmado por los críticos por haber logrado la síntesis, entre ellos Théodore Chassériau , Ary Scheffer , Francesco Hayez , Alexandre-Gabriel Decamps y Thomas Couture . William-Adolphe Bouguereau , un artista académico posterior, comentó que el truco para ser un buen pintor es ver "el color y la línea como la misma cosa". Thomas Couture promovió la misma idea en un libro que escribió sobre el método artístico, argumentando que siempre que uno decía que una pintura tenía mejor color o mejor línea era una tontería, porque siempre que el color parecía brillante dependía de la línea para transmitirlo, y viceversa; y que el color era realmente una forma de hablar sobre el "valor" de la forma.
Otro desarrollo durante este período, llamado historicismo , incluyó la adopción de estilos históricos o la imitación del trabajo de artistas y artesanos históricos para mostrar la era de la historia que representaba la pintura. En la historia del arte , después del neoclasicismo, que en la era romántica podría considerarse un movimiento historicista, el siglo XIX incluyó una nueva fase historicista caracterizada por una interpretación no solo del clasicismo griego y romano , sino también de las eras estilísticas posteriores, que fueron cada vez más respetadas. Esto se ve mejor en el trabajo del barón Jan August Hendrik Leys , una influencia posterior en James Tissot . También se ve en el desarrollo del estilo neogriego . El historicismo también se refiere a la creencia y la práctica asociadas con el arte académico de que uno debe incorporar y conciliar las innovaciones de diferentes tradiciones del arte del pasado.
El mundo del arte también empezó a prestar cada vez más atención a la alegoría en el arte. Las teorías sobre la importancia de la línea y el color afirmaban que a través de estos elementos un artista ejerce control sobre el medio para crear efectos psicológicos, en los que se pueden representar temas, emociones e ideas. A medida que los artistas intentaban sintetizar estas teorías en la práctica, se hizo hincapié en la atención sobre la obra de arte como vehículo alegórico o figurativo. Se sostenía que las representaciones en pintura y escultura debían evocar formas platónicas o ideales, donde detrás de las representaciones ordinarias se vislumbrara algo abstracto, una verdad eterna. De ahí la famosa reflexión de Keats "La belleza es verdad, la verdad belleza". Se deseaba que las pinturas fueran una "idée", una idea completa y plena. Se sabe que Bouguereau dijo que no pintaría "una guerra", sino que pintaría "Guerra". Muchas pinturas de artistas académicos son simples alegorías de la naturaleza con títulos como Amanecer , Anochecer , Ver y Degustar , donde estas ideas están personificadas por una única figura desnuda, compuesta de tal manera que resalta la esencia de la idea.
Estilísticamente, el arte académico cultivaba el ideal de perfección y al mismo tiempo la imitación selectiva de la realidad ( mímesis ), que existía desde Aristóteles . Con un dominio perfecto del color, la luz y la sombra, se creaban formas de una manera casi fotorrealista. Algunas pinturas tienen un "acabado pulido" en el que no se puede reconocer ninguna pincelada en la obra terminada. Después del boceto al óleo, el artista producía la pintura final con el "fini" académico, modificando la pintura para cumplir con los estándares estilísticos e intentando idealizar las imágenes y agregar detalles perfectos. De manera similar, la perspectiva se construía geométricamente sobre una superficie plana y no era realmente el producto de la vista.
La tendencia en el arte también fue hacia un mayor idealismo , lo que es contrario al realismo , en el sentido de que las figuras representadas se hicieron más simples y abstractas (idealizadas) para poder representar los ideales que representaban. Esto implicaría tanto generalizar las formas observadas en la naturaleza como subordinarlas a la unidad y el tema de la obra de arte.
La representación de las distintas emociones fue codificada en detalle por el academicismo [29] y los géneros artísticos mismos fueron sometidos a una escala de prestigio. Debido a que la historia y la mitología eran consideradas obras de teatro o dialécticas de ideas, un terreno fértil para la alegoría importante, el uso de temas de estos temas se consideraba la forma más seria de pintura. Esta jerarquía de géneros, creada originalmente en el siglo XVII, era muy valorada, donde la pintura de historia (también conocida como el "gran género") -temas clásicos, religiosos, mitológicos, literarios y alegóricos- se colocaba en la cima, seguida de los "géneros menores": retratos , pintura de género , paisajes y naturalezas muertas . [30] [31]
El género histórico, el más apreciado, incluía obras que transmitían temas de naturaleza inspiradora y ennoblecedora, esencialmente con un trasfondo ético, en consonancia con la tradición fundada por maestros como Miguel Ángel, Rafael y Leonardo da Vinci . Paul Delaroche es un ejemplo tipificante de la pintura histórica francesa y Benjamin West de la moda británico-estadounidense de pintar escenas de la historia reciente. Las pinturas de Hans Makart son a menudo dramas históricos de mayor tamaño que la vida, y combinó esto con un historicismo en la decoración para dominar el estilo de la cultura vienesa del siglo XIX . Los retratos incluían representaciones de personas en gran formato, adecuadas para su glorificación pública, pero también piezas más pequeñas para uso privado. Las escenas cotidianas, también conocidas como escenas de género, retrataban la vida común de manera simbólica, los paisajes ofrecían perspectivas de naturaleza virgen idealizada o panoramas de ciudades, y las naturalezas muertas consistían en agrupaciones de objetos diversos en composiciones formales. [30] [31]
La justificación de esta jerarquización residía en la idea de que cada género tenía una fuerza moral inherente y específica. Así, un artista podía transmitir un principio moral con mucha más potencia y facilidad a través de una escena histórica que, por ejemplo, a través de un bodegón. Además, siguiendo los conceptos griegos, se creía que la forma más alta del arte era la representación ideal del cuerpo humano, de ahí que los paisajes y los bodegones, en los que no aparecía el hombre, tuvieran poco prestigio. Por último, con una función fundamentalmente social y didáctica, el arte académico favoreció las obras de gran tamaño y los retratos de gran formato, más adecuados para ser vistos por grandes grupos de espectadores y más adecuados para decorar espacios públicos. [30] [31]
Todas estas tendencias estuvieron influenciadas por las teorías del filósofo alemán Hegel , quien sostenía que la historia era una dialéctica de ideas en competencia, que finalmente se resolvían en síntesis.
Napoleón fue el « canto del cisne » del concepto de arte como vehículo de valores morales y espejo de la virtud . Patrocinó y empleó activamente a artistas para retratar su gloria personal, la de su Imperio y la de sus conquistas políticas y militares. Después de él, la fragmentación y el debilitamiento de los ideales comenzaron a hacerse visibles e irreversibles. [32] Con el enfriamiento del ardor libertario de los primeros románticos, con el fracaso final del proyecto imperialista de Napoleón y con la popularización de un estilo ecléctico que mezclaba Romanticismo y Neoclasicismo, adaptándolos a los propósitos de la burguesía , que se convirtió en uno de los mayores patrocinadores de las artes, apareció el surgimiento de un sentimiento general de resignación, así como una creciente prevalencia del gusto burgués individual frente a los sistemas colectivos idealistas. Pronto las preferencias de esta clase social, ahora tan influyente, penetraron en la enseñanza superior y se convirtieron en dignos objetos de representación, modificándose la jerarquía de los géneros y proliferando los retratos y todos los géneros llamados menores, como las escenas cotidianas y las naturalezas muertas, que se fueron acentuando a medida que avanzaba el siglo. [33]
El apoyo de la burguesía a las academias fue una forma de demostrar educación y adquirir prestigio social, acercándolas a las élites culturales y políticas. Finalmente, el revivalismo neogótico , el desarrollo del gusto por lo pintoresco como criterio estético autónomo, el resurgimiento del eclecticismo helenístico , el progreso de los estudios medievalistas , orientalistas y folclóricos , la creciente participación de la mujer en la producción artística, la valorización de la artesanía y las artes aplicadas , abrieron otros frentes de apreciación de las artes visuales, encontrando otras verdades dignas de apreciar que antes habían sido desatendidas y relegadas a los márgenes de la cultura oficial. [34] [35] [36] A raíz de esta gran transformación cultural, el modelo educativo académico, para sobrevivir, tuvo que incorporar algunas de estas innovaciones, pero mantuvo a grandes rasgos la tradición establecida, y logró hacerse aún más influyente, continuando inspirando no sólo a Europa, sino también a América y otros países colonizados por los europeos, a lo largo del siglo XIX. [37]
Otro factor de este resurgimiento académico, incluso frente a un escenario profundamente cambiante, fue la reiteración de la idea del arte como instrumento de afirmación política por parte de los movimientos nacionalistas en varios países. [37]
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El siglo XIX fue el apogeo de las academias, en el sentido de que su producción llegó a ser muy bien aceptada entre un público mucho más amplio —aunque a menudo menos culto y menos exigente—, dando al arte académico una popularidad tan grande como la que disfruta hoy el cine , y con una temática igualmente popular, abarcando desde temas históricos tradicionales hasta viñetas cómicas, desde retratos dulces y sentimentales hasta escenas medievalistas o pintorescas de exóticos países orientales, algo impensable durante el Antiguo Régimen. [38]
En la segunda mitad del siglo XIX, el arte académico había saturado la sociedad europea. Se celebraban exposiciones con frecuencia, siendo la más popular el Salón de París y, a partir de 1903, el Salón de Otoño . Estos salones eran eventos a gran escala que atraían multitudes de visitantes, tanto nativos como extranjeros. Eran tanto un evento social como artístico: 50.000 personas podían visitarlos en un solo domingo y hasta 500.000 podían ver la exposición durante sus dos meses de duración. Se exhibían miles de pinturas, colgadas desde justo por debajo del nivel de los ojos hasta el techo, de una manera que ahora se conoce como "estilo Salón". Una exhibición exitosa en el salón era un sello de aprobación para un artista, lo que hacía que su obra fuera vendible a las filas cada vez mayores de coleccionistas privados. Bouguereau , Alexandre Cabanel y Jean-Léon Gérôme fueron figuras destacadas de este mundo del arte. [39] [40]
Durante el reinado del arte académico, las pinturas de la época rococó , que antes no eran muy apreciadas, recuperaron su popularidad y los temas que se utilizaban a menudo en el arte rococó, como Eros y Psique, volvieron a ser populares. El mundo del arte académico también admiraba a Rafael por el idealismo de su obra, de hecho lo preferían a Miguel Ángel.
En Inglaterra, la influencia de la Royal Academy creció a medida que se consolidaba su asociación con el Estado. En la primera mitad del siglo XIX, la Royal Academy ya ejercía control directo o indirecto sobre una vasta red de galerías, museos, exposiciones y otras sociedades artísticas, y sobre un complejo de agencias administrativas que incluían a la Corona , el parlamento y otros departamentos estatales, que encontraban su expresión cultural a través de sus relaciones con la institución académica. [41] [42] La Exposición de Verano de la Royal Academy cobró impulso en esa época y se ha realizado anualmente sin interrupción hasta el día de hoy.
A medida que avanzaba el siglo, comenzaron a surgir desafíos a esta primacía, exigiendo que se aclararan sus relaciones con el gobierno, y la institución comenzó a prestar más atención a los aspectos de mercado en una sociedad que se estaba volviendo más heterogénea y cultivando múltiples tendencias estéticas. También se abrieron escuelas subsidiarias en varias ciudades para atender las demandas regionales. A mediados del siglo XIX, la Royal Academy ya había perdido el control sobre la producción artística británica, ante la multiplicación de creadores y asociaciones independientes, pero continuó, enfrentando tensiones internas, tratando de preservarla. Hacia 1860, volvió a estabilizarse mediante nuevas estrategias de monopolización del poder, incorporando nuevas tendencias a su órbita, como promover la técnica antes ignorada de la acuarela , que se había vuelto enormemente popular, aceptar la admisión de mujeres, exigir a los nuevos miembros en una membresía ampliada que renunciaran a su afiliación a otras sociedades y reformar su estructura administrativa para aparecer como una institución privada, pero imbuida de un propósito cívico y un carácter público. De esta manera, logró administrar una parte significativa del universo artístico británico a lo largo del siglo XIX, y a pesar de la oposición de sociedades y grupos de artistas como los prerrafaelitas , logró mantenerse como una agencia disciplinaria, educativa y consagratoria de la mayor importancia, capaz de acompañar en gran medida el progreso del modernismo , contradiciendo una visión común de que las academias son invariablemente reaccionarias. [41] [42]
En Alemania, el espíritu académico encontró inicialmente cierta resistencia a su plena implementación. Ya a finales del siglo XVIII, teóricos como Baumgarten , Schiller y Kant habían promovido la autonomía de la Estética a través del concepto de " arte por el arte ", y habían enfatizado la importancia de la autoeducación del artista, frente a la masificación impuesta por la civilización y sus instituciones, viendo la estructura colectivizadora y la naturaleza impersonal de la academia como una amenaza a sus deseos de libertad creativa, inspiración individualista y originalidad absoluta. En esta línea, la crítica de arte comenzó a adoptar colores claramente sociológicos . [43]
Parte de esta reacción se debió a la actividad de los Nazarenos , un grupo de pintores que buscaban un retorno a un estilo renacentista y a las prácticas medievales en un espíritu de austeridad y fraternidad. Bajo su influencia, se introdujeron las clases magistrales —paradójicamente dentro de las propias academias— que buscaban agrupar a los estudiantes prometedores en torno a un maestro, que era responsable de su instrucción, pero con una atención y un cuidado mucho más concentrados que en el sistema francés más generalista, basándose en el supuesto de que ese tratamiento más individualizado podría proporcionar una educación más sólida y profunda. Este método se instituyó primero en la Academia de Düsseldorf y progresó lentamente, pero a lo largo del siglo XIX, se convirtió en común a todas las academias alemanas, y también fue imitado en otros países del norte de Europa. Resultados interesantes de las clases magistrales fueron el comienzo de una tradición de pintura mural a gran escala y la dirección de la vanguardia local a lo largo de líneas menos iconoclastas que las parisinas. [44]
La influencia de la Royal Academy se extendió a través del océano y determinó fuertemente la fundación y dirección del arte estadounidense desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX, cuando el país comenzó a establecer su independencia cultural. Algunos de los principales artistas locales estudiaron en Londres bajo la guía de la Royal Academy y otros, que se establecieron en Inglaterra, continuaron ejerciendo influencia en su país natal mediante presentaciones regulares de obras de arte. Este fue el caso de John Singleton Copley , la influencia dominante en su país hasta principios del siglo XIX, y también de Benjamin West , quien se convirtió en uno de los líderes del movimiento neoclásico-romántico inglés y uno de los principales nombres europeos de su generación en el campo de la pintura de historia. Hizo una serie de discípulos condiscípulos, como Charles Willson Peale , Gilbert Stuart y John Trumbull , y su influencia fue similar a la de Copley en la pintura estadounidense. [45]
La primera academia que se creó en Estados Unidos fue la Academia de Bellas Artes de Pensilvania , fundada en 1805 y aún activa en la actualidad. La iniciativa partió del pintor Charles Peale y del escultor William Rush , junto a otros artistas y comerciantes. Su avance fue lento, y su apogeo solo se alcanzó a finales del siglo XIX, cuando empezó a recibir un importante apoyo financiero, abrió una galería y formó su propia colección, convirtiéndose en un bastión antimodernista. [46] El paso más decisivo hacia la formación de una cultura académica estadounidense se dio cuando en 1826 se fundó la Academia Nacional de Diseño por Samuel F. B. Morse , Asher B. Durand , Thomas Cole y otros artistas insatisfechos con la orientación de la Academia de Pensilvania. Pronto se convirtió en la institución artística más respetada del país. [47] [48] Su método seguía el modelo académico tradicional, centrándose en el dibujo a partir de modelos clásicos y vivos, además de ofrecer conferencias sobre anatomía, perspectiva, historia y mitología, entre otras materias. Cole y Durand fueron también los fundadores de la Escuela del río Hudson , un movimiento estético que inició una gran tradición pictórica, que perduró durante tres generaciones, con una notable unidad de principios, y que presentó el paisaje nacional bajo una luz épica, idealista y a veces fantasiosa. Entre sus miembros se encontraban Albert Bierstadt y Frederic Edwin Church , los pintores paisajistas más célebres de su generación. [49] [50]
En el campo de la escultura, sin embargo, la mayor influencia vino de las academias italianas, especialmente a través del ejemplo de Antonio Canova , quien fue la principal figura del neoclasicismo europeo, educado en parte en la Academia de Venecia y en Roma. [51] [52] Italia ofrecía un telón de fondo histórico y cultural de irresistible interés para los escultores, con monumentos, ruinas y colecciones de valor incalculable, y las condiciones de trabajo eran infinitamente superiores a las del Nuevo Mundo , donde escaseaban tanto el mármol como los ayudantes capaces de ayudar al artista en el complejo y laborioso arte de la talla de piedra y la fundición de bronce. Horatio Greenough fue solo el primero de una gran ola de estadounidenses que se establecieron entre Roma y Florencia. El más notable de ellos fue William Wetmore Story , quien después de 1857 asumió el liderazgo de la colonia estadounidense que se había creado en Roma, convirtiéndose en una referencia para todos los recién llegados. A pesar de su estancia en Italia, el grupo siguió siendo celebrado en su país, y sus logros artísticos recibieron una cobertura de prensa continua hasta que la moda neoclásica se disipó en América del Norte a partir de la década de 1870. Para esta época, Estados Unidos ya había establecido su cultura y creado las condiciones generales para promover una producción escultórica local consistente y de alto nivel, adoptando una síntesis ecléctica de estilos. [53] [54] [55] Estos escultores también absorbieron fuertemente la influencia de la Académie francesa, varios de ellos se educaron allí, y su producción pobló la mayoría de los espacios públicos y las fachadas de los principales edificios estadounidenses, con obras de fuerte civismo y gran formalismo que se convirtieron en iconos de la cultura local, como la estatua de Abraham Lincoln de Daniel Chester French y el monumento a Robert Gould Shaw de Augustus Saint-Gaudens . [56]
En 1875, la Art Students League asumió como la principal academia de arte estadounidense, fundada por estudiantes inspirados en el modelo de la Académie francesa, estableciendo las pautas para la educación artística nacional hasta la Segunda Guerra Mundial , al tiempo que abría sus clases a las mujeres. Ofreciendo mejores condiciones de trabajo que su modelo parisino, la Liga fue creada por artistas que vieron en el ambiente académico francés un atractivo a la cultura y la civilización y creyeron que este modelo disciplinaría el impulso democrático nacional , trascendiendo los regionalismos y las diferencias sociales, refinaría el gusto de los capitalistas y contribuiría a elevar la sociedad y mejorar su cultura. [56]
El arte académico no sólo ejerció influencia en Europa occidental y Estados Unidos, sino que también extendió su influencia a otros países. El ambiente artístico de Grecia, por ejemplo, estuvo dominado por técnicas de las academias occidentales desde el siglo XVII en adelante: esto fue evidente primero en las actividades de la escuela jónica , y más tarde se hizo especialmente pronunciado con el surgimiento de la escuela de Múnich . Esto también fue cierto para las naciones latinoamericanas , que, debido a que sus revoluciones se basaron en la Revolución Francesa , buscaron emular la cultura francesa. Un ejemplo de un artista académico latinoamericano es Ángel Zárraga de México . El arte académico en Polonia floreció bajo Jan Matejko , quien estableció la Academia de Bellas Artes de Cracovia . Muchas de estas obras se pueden ver en la Galería de Arte Polaco del Siglo XIX en Sukiennice en Cracovia .
Las academias partían de la premisa básica de que el arte podía enseñarse mediante su sistematización en un cuerpo de teoría y práctica plenamente comunicable, minimizando la importancia de la creatividad como contribución enteramente original e individual. En cambio, valoraban la emulación de los maestros consagrados, veneraban la tradición clásica y adoptaban conceptos formulados colectivamente que no sólo tenían un carácter estético, sino también un origen y una finalidad éticos.
Los jóvenes artistas pasaban cuatro años en un riguroso entrenamiento. En Francia, sólo los estudiantes que aprobaban un examen y llevaban una carta de recomendación de un profesor de arte de renombre eran aceptados en la escuela de la academia, la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes). Los dibujos y pinturas de desnudos, llamados "académies", eran los elementos básicos del arte académico y el procedimiento para aprender a realizarlos estaba claramente definido. Primero, los estudiantes copiaban grabados de esculturas clásicas, familiarizándose con los principios del contorno, la luz y la sombra. Se creía que la copia era crucial para la educación académica; a partir de la copia de obras de artistas anteriores, uno asimilaría sus métodos de creación artística. Para avanzar al siguiente paso, y a cada uno de los sucesivos, los estudiantes presentaban dibujos para su evaluación.
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Si se aprobaba, los alumnos debían dibujar a partir de moldes de yeso de esculturas clásicas famosas. Solo después de adquirir estas habilidades se permitía a los artistas entrar en clases en las que posaba un modelo vivo. La pintura no se enseñó en la Escuela de Bellas Artes hasta después de 1863. Para aprender a pintar con pincel, el alumno primero tenía que demostrar su habilidad en el dibujo, que se consideraba la base de la pintura académica. Solo entonces podía ingresar al estudio de un académico y aprender a pintar. A lo largo de todo el proceso, se medían los progresos de cada alumno mediante concursos con un tema predeterminado y un período de tiempo específico asignado.
El concurso de arte más famoso para estudiantes fue el Prix de Rome , cuyo ganador recibió una beca para estudiar en la escuela de la Académie française en la Villa Medici en Roma por hasta cinco años. [57] Para competir, un artista tenía que ser de nacionalidad francesa, hombre, menor de 30 años y soltero. Tenía que haber cumplido con los requisitos de ingreso de la École des Beaux-Arts y tener el apoyo de un profesor de arte conocido. La competencia era agotadora, involucraba varias etapas antes de la final, en la que 10 competidores eran recluidos en estudios durante 72 días para pintar sus cuadros históricos finales. El ganador tenía esencialmente asegurada una carrera profesional exitosa.
Como se ha señalado, una exposición exitosa en el Salón, la exposición de obras fundada por la École des Beaux-Arts, era un sello de aprobación para un artista. Los artistas solicitaban al comité de colocación una colocación óptima "en la línea", o a la altura de los ojos. Después de la inauguración de la exposición, los artistas se quejaban si sus obras estaban "colgadas a gran altura". El máximo logro para el artista profesional era la elección como miembro de la Académie française y el derecho a ser conocido como académico. Esto dependía de su constancia en las exposiciones en los salones y de la permanencia de su producción en un nivel de excelencia. [58]
Un efecto del traslado a las academias fue dificultar la formación de las mujeres artistas , que fueron excluidas de la mayoría de ellas hasta la segunda mitad del siglo XIX. [a] [60] [61] Esto se debió en parte a las preocupaciones sobre la percepción de impropiedad que presentaba la desnudez durante la formación. [60] En Francia, por ejemplo, la poderosa École des Beaux-Arts tuvo 450 miembros entre el siglo XVII y la Revolución Francesa, de los cuales solo 15 eran mujeres. De ellas, la mayoría eran hijas o esposas de miembros. A finales del siglo XVIII, la Academia Francesa decidió no admitir a ninguna mujer. [b] Como resultado, no existen pinturas históricas a gran escala realizadas por mujeres de este período, aunque algunas mujeres como Marie-Denise Villers y Constance Mayer se hicieron un nombre en otros géneros como el retrato. [63] [64] [65] [66]
A pesar de ello, se produjeron importantes avances para las artistas femeninas. En París, el Salón se abrió a pintores no académicos en 1791, lo que permitió a las mujeres exhibir su obra en la prestigiosa exposición anual. Además, las mujeres fueron aceptadas con mayor frecuencia como estudiantes por artistas famosos como Jacques-Louis David y Jean-Baptiste Greuze . [67]
El énfasis en el arte académico en los estudios del desnudo siguió siendo una barrera considerable para las mujeres que estudiaban arte hasta el siglo XX, tanto en términos de acceso real a las clases como en términos de actitudes familiares y sociales hacia las mujeres de clase media que se convertían en artistas. [68]
El arte académico fue criticado por primera vez por su uso del idealismo , por artistas realistas como Gustave Courbet , por basarse en clichés idealistas y representar motivos míticos y legendarios mientras se ignoraban las preocupaciones sociales contemporáneas. Otra crítica de los realistas fue la " superficie falsa " de las pinturas: los objetos representados parecían lisos, resbaladizos e idealizados, sin mostrar una textura real. El realista Théodule Ribot trabajó contra esto experimentando con texturas ásperas e inacabadas en su pintura.
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Estilísticamente, los impresionistas , que abogaban por pintar rápidamente al aire libre exactamente lo que el ojo ve y la mano pone sobre la mesa, criticaron el estilo de pintura acabado e idealizado. Aunque los pintores académicos comenzaban un cuadro haciendo primero dibujos y luego pintando bocetos al óleo de su tema, el gran pulido que daban a sus dibujos les parecía una mentira a los impresionistas, que renegaban de la devoción a las técnicas mecánicas.
Los realistas e impresionistas también desafiaron la colocación de la naturaleza muerta y el paisaje en la parte inferior de la jerarquía de géneros. La mayoría de los realistas e impresionistas y otros entre los primeros vanguardistas que se rebelaron contra el academicismo fueron originalmente estudiantes en talleres académicos. Claude Monet , Gustave Courbet , Édouard Manet e incluso Henri Matisse fueron estudiantes de artistas académicos. Otros artistas, como los pintores simbolistas y algunos de los surrealistas , fueron más amables con la tradición. [ cita requerida ] Como pintores que buscaban dar vida a vistas imaginarias, estos artistas estaban más dispuestos a aprender de una tradición fuertemente representativa. Una vez que la tradición llegó a ser vista como pasada de moda, los desnudos alegóricos y las figuras posadas teatralmente les parecieron extraños y oníricos a algunos espectadores.
A medida que el arte moderno y su vanguardia ganaron más poder, el arte académico fue denigrado aún más y visto como sentimental, estereotipado, conservador, no innovador, burgués y "sin estilo". Los franceses se refirieron despectivamente al estilo del arte académico como L'art pompier ( pompier significa "bombero") aludiendo a las pinturas de Jacques-Louis David (quien era tenido en estima por la academia), que a menudo mostraban soldados con cascos similares a los de los bomberos. [69] También sugiere juegos de palabras en francés con pompéien ("de Pompeya ") y pompeux ("pomposo"). [70] [71] Las pinturas fueron llamadas "grandes máquinas", que se decía que habían fabricado emociones falsas a través de artimañas y trucos.
Ante el descontento de un número creciente de artistas excluidos de los salones oficiales de la Academia Francesa, en 1863 el emperador Napoleón III instauró el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados), considerado uno de los hitos iniciales del modernismo. [72] Incluso con esta concesión, la reacción del público fue negativa, [73] y una reseña anónima publicada en la época resume la actitud general:
Esta exposición es triste y grotesca... salvo una o dos excepciones cuestionables, no hay una sola obra que merezca el honor de ser exhibida en las galerías oficiales. Hay incluso algo cruel en esta exposición, la gente se ríe como si todo no fuera más que una farsa. [74]
Siguiendo el ejemplo de Courbet, que en 1855 había inaugurado una exposición individual que llamó Pavillon du Réalisme (Pabellón del Realismo), en 1867 Manet, rechazado del Salón oficial, expuso de forma independiente, y seis años más tarde un grupo de impresionistas fundó el Salon des Indépendants (Salón de los Independientes). Como resultado de estas iniciativas, el mercado del arte comenzó a abrirse a escuelas alternativas, mientras que los marchantes de nuevos creadores y las sociedades privadas iniciaron agresivas campañas para dar a conocer a sus propios artistas, abriendo diversos espacios de exposición para captar el interés del público consumidor burgués. Los críticos y literatos independientes también desempeñaron un papel importante en el desplazamiento del centro de gravedad económico y social del sistema artístico, protegiendo y promoviendo a diversos artistas no académicos y proporcionando una especie de educación pública informal mediante la publicación de artículos en la prensa, que se convirtió en un importante foro de debate artístico, y de amplio alcance. En este proceso, la institución oficial de la Academia, entonces rebautizada como Escuela de Bellas Artes y habiendo cortado su vínculo con el gobierno, comenzó a perder terreno rápidamente, iniciando su declive como institución consagratoria y educativa. [75] [76] [77]
El crítico de arte británico Clive Bell , vinculado al Grupo Bloomsbury del modernismo inglés, afirmó en 1914 que, a mediados del siglo XIX, el arte había «muerto», perdiendo todo su interés estético, e incluso la tradición había dejado de existir. [78] Esta denigración del arte académico alcanzó su punto álgido a través de los escritos del crítico de arte estadounidense Clement Greenberg quien afirmó en 1939 que todo arte académico es « kitsch », en el sentido de banal, mercantilista, y trató de asociar el academicismo con los problemas del capitalismo industrial, además de vincular un nuevo concepto de «buen gusto» con la ética del radicalismo político de izquierdas, antiburgués . Para él, la vanguardia era positiva porque era una expresión afectiva de una conciencia social libertaria, y era por tanto más verdadera y libre, lo que se repitió hasta el infinito después, siguiendo la lógica: académico = reaccionario = malo, versus vanguardia = radical = bueno. [79] [80]
Varios otros críticos influyentes, como Herbert Read y Ernst Gombrich , dedicaron grandes esfuerzos a romper con los estándares académicos tradicionales. En todas las cuestiones de enseñanza, no solo en la enseñanza del arte, se dio gran importancia a la creatividad como punto de partida del proceso de aprendizaje, predicando el abandono de reglas y formalismos, y alineándose con las propuestas de educadores y filósofos de la educación como Maria Montessori y Jean-Ovide Decroly . Incluso varios de los artistas modernos más importantes, como Kandinsky , Klee , Malevich y Moholy-Nagy , se dedicaron a crear escuelas y formular nuevas teorías para la educación artística basadas en estas ideas, entre las que destaca la Bauhaus , fundada en Weimar , Alemania, en 1919 por Walter Gropius . Para los modernistas, la creatividad era una facultad innata de percepción e imaginación, poseída por todas las personas, y cuanto menos influida estuviera por teorías y normas, más rica y fértil sería. En este contexto, la educación artística pretendía simplemente proporcionar los medios para que esta creatividad libre, guiada por los sentimientos y las emociones, se expresara materialmente como una obra de arte, una forma única y original que tenía su propia sintaxis y no dependía de referencias previas. [81]
La producción académica manierista , barroca, rococó y neoclásica logró pasar relativamente ilesa por la crítica modernista y asegurar su lugar en la historia, pero las tendencias académicas eclécticas de la segunda mitad del siglo XIX fueron ridiculizadas y devaluadas hasta el punto de que, a lo largo del siglo XX, la mayoría de estas obras fueron descartadas de colecciones privadas, vieron caer en picado sus precios de mercado y fueron retiradas de la exhibición en los museos, relegadas al olvido en sus almacenes. [82] [83] [84] En la década de 1950, todos los últimos practicantes del antiguo academicismo habían sido arrojados a la oscuridad. Más que eso, la oposición pura al academicismo se había convertido en una de las principales fuerzas cohesivas del movimiento moderno, y lo único que interesaba a los críticos vinculados a la vanguardia era la vanguardia misma. [85]
A pesar del descrédito generalizado en que cayó el academicismo, varios investigadores a lo largo del siglo XX emprendieron el estudio del fenómeno académico. El historiador del arte Paul Barlow afirmó que a pesar de la amplia difusión del modernismo a principios del siglo XX, las bases teóricas de su rechazo al academicismo fueron sorprendentemente poco exploradas por sus proponentes, conformando sobre todo una especie de "mito antiacadémico", más que una crítica consistente. [86] De todos los que se dedicaron a este estudio, Nikolaus Pevsner fue quizás el más importante, describiendo en la década de 1940 la historia de las academias a escala épica, pero centrándose en los aspectos institucionales y organizativos, desconectándolos de los estéticos y geográficos. [87]
Muchos autores coinciden en que el nacimiento del modernismo puede describirse como el fin de los valores colectivos y la negación del arte como vehículo esencialmente de principios morales . Es cierto que se siguieron produciendo obras moralizantes e históricas a lo largo del siglo XX, pero con un impacto completamente distinto, cuando en la época victoriana la moralidad había pasado a significar sobre todo castidad . [88] [89] El modernismo también ha sido descrito como responsable de un proceso de pulverización de las jerarquías y del comienzo del reinado del individualismo y la subjetividad en el arte, de una manera mucho más profunda de lo que ya habían sugerido los románticos o incluso los manieristas mucho antes, creando una multiplicidad de estéticas personales que no se consolidaron en un lenguaje común y uniforme, con poca o ninguna preocupación por insertar la producción en un sistema organizado o crear arte socialmente comprometido. Incluso se les acusa de haber practicado su propia versión de la dictadura elitista que condenaban en el academicismo. [88] [83]
Con el objetivo del posmodernismo de ofrecer una explicación más completa, más sociológica y pluralista de la historia, el arte académico ha vuelto a los libros de historia y a las discusiones. Desde principios de los años 1990, la creación de arte académico ha experimentado incluso un resurgimiento limitado a través del movimiento de talleres del Realismo Clásico . [90] En museos y galerías de arte, L'art pompier (un término que los partidarios en su mayoría evitan) también ha disfrutado de una especie de renacimiento crítico, en parte causado por el Museo de Orsay en París, donde se exhibe en términos más iguales con los pintores impresionistas y realistas de la época. La apertura de este museo en 1986 no estuvo exenta de acalorados debates en Francia, ya que fue visto por algunos críticos como una rehabilitación del academicismo, o incluso " revisionismo ". [91] Sin embargo, el historiador del arte André Chastel consideró ya en 1973 que no había "más que ventajas en reemplazar un juicio global de desaprobación, el legado de viejas batallas, por una curiosidad tranquila y objetiva". Otros agentes institucionales de este rescate son el Museo de Arte Dahesh de Estados Unidos, especializado en arte académico de los siglos XIX y XX, [82] así como el Centro de Renovación del Arte , también con sede en Estados Unidos y dedicado a promover el academicismo como base para la formación cualificada de futuros maestros. [92] Además, el arte está ganando una mayor apreciación por parte del público en general, y mientras que las pinturas académicas antes solo alcanzaban unos pocos cientos de dólares en subastas, algunas ahora alcanzan millones. [93]
![La excomunión de Roberto el Piadoso, de Jean-Paul Laurens, 1875, óleo sobre lienzo, Museo de Orsay[101]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a1/Excommunication_de_Robert_le_Pieux-Jean-Paul_Laurens-IMG_8140.JPG/1280px-Excommunication_de_Robert_le_Pieux-Jean-Paul_Laurens-IMG_8140.JPG)
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![Egipto salvado por José, de Alexandre-Denis Abel de Pujol, 1827, óleo sobre lienzo, techo de una sala del Palacio del Louvre, París[95]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/Abel_de_Pujol_plafond_1827.jpg/1280px-Abel_de_Pujol_plafond_1827.jpg)
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![Los romanos en su decadencia, de Thomas Couture, 1844-1847, óleo sobre lienzo, Museo de Orsay, París[96]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/THOMAS_COUTURE_-_Los_Romanos_de_la_Decadencia_(Museo_de_Orsay,_1847._%C3%93leo_sobre_lienzo,_472_x_772_cm).jpg/1280px-THOMAS_COUTURE_-_Los_Romanos_de_la_Decadencia_(Museo_de_Orsay,_1847._%C3%93leo_sobre_lienzo,_472_x_772_cm).jpg)
![El alquimista, de William Fettes Douglas, 1853, óleo sobre lienzo, Victoria and Albert Museum, Londres[97]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3a/William_Fettes_Douglas_-_The_Alchemist.jpg/1280px-William_Fettes_Douglas_-_The_Alchemist.jpg)
![La emperatriz Eugenia rodeada de sus damas de honor, de Franz Xaver Winterhalter, 1855, óleo sobre lienzo, Castillo de Compiègne, Compiègne, Francia[98]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fe/Winterhalter_Franz_Xavier_The_Empress_Eugenie_Surrounded_by_her_Ladies_in_Waiting.jpg/1280px-Winterhalter_Franz_Xavier_The_Empress_Eugenie_Surrounded_by_her_Ladies_in_Waiting.jpg)
![La muerte de Orfeo, de Émile Lévy, 1866, óleo sobre lienzo, Museo de Orsay[99]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Death_of_Orpheus_by_%C3%89mile_L%C3%A9vy_(1866).jpg/1280px-Death_of_Orpheus_by_%C3%89mile_L%C3%A9vy_(1866).jpg)
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![Cleopatra probando venenos en prisioneros condenados, por Alexandre Cabanel, 1887, óleo sobre lienzo, colección privada[103]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e7/Alexandre_Cabanel_-_Cl%C3%A9opatre_essayant_des_poisons_sur_des_condamn%C3%A9s_%C3%A0_mort.jpg/1280px-Alexandre_Cabanel_-_Cl%C3%A9opatre_essayant_des_poisons_sur_des_condamn%C3%A9s_%C3%A0_mort.jpg)
![Ulises y las sirenas, de John William Waterhouse, 1891, óleo sobre lienzo, Galería Nacional de Victoria, Melbourne, Australia[104]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/04/WATERHOUSE_-_Ulises_y_las_Sirenas_(National_Gallery_of_Victoria,_Melbourne,_1891._%C3%93leo_sobre_lienzo,_100.6_x_202_cm).jpg/1280px-WATERHOUSE_-_Ulises_y_las_Sirenas_(National_Gallery_of_Victoria,_Melbourne,_1891._%C3%93leo_sobre_lienzo,_100.6_x_202_cm).jpg)
![El jardín de las Hespérides, de Frederic Leighton, c. 1892, óleo sobre lienzo, Lady Lever Art Gallery, Wirral, Reino Unido[105]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a3/Frederic_Leighton_-_The_Garden_of_the_Hesperides.jpg/1280px-Frederic_Leighton_-_The_Garden_of_the_Hesperides.jpg)
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