Una naturaleza muerta ( pl.: naturalezas muertas ) es una obra de arte que representa temas mayoritariamente inanimados, normalmente objetos comunes que son naturales (comida, flores, animales muertos, plantas, rocas, conchas, etc.) o hechos por el hombre (vasos para beber, libros, jarrones, joyas, monedas, pipas, etc.). [1]
Con orígenes en la Edad Media y el arte grecorromano antiguo , la pintura de naturaleza muerta surgió como un género diferenciado y una especialización profesional en la pintura occidental a finales del siglo XVI, y ha seguido siendo importante desde entonces. Una ventaja de la forma de arte de la naturaleza muerta es que permite al artista mucha libertad para experimentar con la disposición de los elementos dentro de una composición de una pintura. La naturaleza muerta, como género particular, comenzó con la pintura neerlandesa de los siglos XVI y XVII, y el término inglés still life deriva de la palabra holandesa stilleven . Las primeras pinturas de naturaleza muerta, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismo religioso y alegórico relacionado con los objetos representados. Las obras de naturaleza muerta posteriores se producen con una variedad de medios y tecnología, como objetos encontrados, fotografía, gráficos de computadora , así como video y sonido.
El término incluye la pintura de animales muertos, especialmente de caza. Los vivos se consideran arte animal , aunque en la práctica a menudo se pintaban a partir de modelos muertos. Debido al uso de plantas y animales como tema, la categoría de naturaleza muerta también comparte puntos en común con la ilustración zoológica y, especialmente, la botánica . Sin embargo, en las artes visuales o las bellas artes, la obra no tiene como único objetivo ilustrar el tema correctamente.
La naturaleza muerta ocupa el escalón más bajo de la jerarquía de géneros , pero ha sido extremadamente popular entre los compradores. Además del tema independiente de la naturaleza muerta, la pintura de naturaleza muerta abarca otros tipos de pintura con elementos prominentes de naturaleza muerta, generalmente simbólicos, e "imágenes que se basan en una multitud de elementos de naturaleza muerta aparentemente para reproducir un 'fragmento de vida ' ". [2] La pintura trampantojo , que pretende engañar al espectador para que piense que la escena es real, es un tipo especializado de naturaleza muerta, que generalmente muestra objetos inanimados y relativamente planos. [3]
Las pinturas de naturalezas muertas adornan a menudo el interior de las tumbas del antiguo Egipto . Se creía que los alimentos y otros elementos representados allí se convertirían, en la otra vida, en objetos reales y disponibles para el uso del difunto. Las pinturas de vasos de la antigua Grecia también demuestran una gran habilidad para representar objetos y animales cotidianos. Plinio el Viejo menciona a Pirikos como pintor de tablas de temas "bajos", como los que sobreviven en versiones en mosaico y pinturas murales provinciales en Pompeya : "barberías, puestos de zapateros, asnos, comestibles y temas similares". [4]
También se han encontrado bodegones similares, de intención más simplemente decorativa, pero con una perspectiva realista, en las pinturas murales romanas y los mosaicos de suelo desenterrados en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale , incluido el motivo más conocido posteriormente de un cuenco de cristal con fruta. Los mosaicos decorativos denominados "emblema", encontrados en las casas de los romanos ricos, mostraban la variedad de alimentos que disfrutaban las clases altas y también funcionaban como signos de hospitalidad y como celebraciones de las estaciones y de la vida. [5]
En el siglo XVI, los alimentos y las flores volverían a aparecer como símbolos de las estaciones y de los cinco sentidos. También en la época romana se remonta a la tradición del uso de la calavera en las pinturas como símbolo de la mortalidad y de los restos terrenales, a menudo acompañada de la frase Omnia mors aequat (La muerte hace a todos iguales). [6] Estas imágenes de vanitas han sido reinterpretadas a lo largo de los últimos 400 años de historia del arte, comenzando con los pintores holandeses alrededor de 1600. [7]
La apreciación popular del realismo de la pintura de naturalezas muertas se relaciona con la antigua leyenda griega de Zeuxis y Parrasio , quienes se dice que una vez compitieron para crear los objetos más realistas, las primeras descripciones de la historia de la pintura trampantojo . [8] Como registró Plinio el Viejo en la época romana antigua, los artistas griegos siglos antes ya estaban avanzados en las artes de la pintura de retratos , la pintura de género y la naturaleza muerta. Destacó a Peiraikos , "cuyo arte es superado por muy pocos... Pintó barberías y puestos de zapateros, burros, verduras y cosas así, y por esa razón llegó a ser llamado el 'pintor de temas vulgares'; sin embargo, estas obras son en conjunto encantadoras, y se vendieron a precios más altos que las mejores [pinturas] de muchos otros artistas". [9]
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Hacia 1300, a partir de Giotto y sus alumnos, la pintura de naturalezas muertas resurgió en forma de nichos ficticios en pinturas murales religiosas que representaban objetos cotidianos. [11] A lo largo de la Edad Media y el Renacimiento , la naturaleza muerta en el arte occidental siguió siendo principalmente un complemento de los temas religiosos cristianos y contaba con un significado religioso y alegórico. Esto fue particularmente cierto en la obra de los artistas del norte de Europa, cuya fascinación por el realismo óptico y el simbolismo altamente detallados los llevó a prodigar gran atención al mensaje general de sus pinturas. [12] Pintores como Jan van Eyck a menudo usaban elementos de naturaleza muerta como parte de un programa iconográfico . [ cita requerida ]
A finales de la Edad Media, los elementos de naturaleza muerta, en su mayoría flores, pero también animales y, a veces, objetos inanimados, se pintaron con un realismo creciente en los bordes de los manuscritos iluminados , desarrollando modelos y avances técnicos que fueron utilizados por los pintores de imágenes más grandes. Hubo una superposición considerable entre los artistas que hacían miniaturas para manuscritos y los que pintaban paneles, especialmente en la pintura de los primeros Países Bajos . El Libro de horas de Catalina de Cléveris , probablemente realizado en Utrech alrededor de 1440, es uno de los ejemplos más destacados de esta tendencia, con bordes que presentan una gama extraordinaria de objetos, incluidas monedas y redes de pesca, elegidos para complementar el texto o la imagen principal en ese punto en particular. Los talleres flamencos más tarde en el siglo llevaron el naturalismo de los elementos de los bordes aún más lejos. Los tapices góticos millefleur son otro ejemplo del creciente interés general en representaciones precisas de plantas y animales. El conjunto de La dama y el unicornio es el ejemplo más conocido, diseñado en París alrededor de 1500 y luego tejido en Flandes . [ cita requerida ]
El desarrollo de la técnica de la pintura al óleo por parte de Jan van Eyck y otros artistas del norte de Europa hizo posible pintar objetos cotidianos de esta manera hiperrealista, debido a las cualidades de secado, mezcla y superposición lentos de los colores al óleo. [13] Entre los primeros en liberarse del significado religioso estuvieron Leonardo da Vinci , quien creó estudios de acuarela de frutas (alrededor de 1495) como parte de su inquieto examen de la naturaleza, y Alberto Durero, quien también hizo dibujos precisos en color de flora y fauna. [14]
El retrato de Pedro Cristo de una pareja de novios visitando a un orfebre es un ejemplo típico de naturaleza muerta de transición que representa tanto contenido religioso como secular. Aunque el mensaje es principalmente alegórico, las figuras de la pareja son realistas y los objetos que se muestran (monedas, vasijas, etc.) están pintados con precisión, pero el orfebre es en realidad una representación de San Eligio y los objetos son muy simbólicos. Otro tipo de pintura similar es el retrato familiar que combina figuras con una mesa bien puesta con comida, que simboliza tanto la piedad de los sujetos humanos como su agradecimiento por la abundancia de Dios. [15] En esta época, se empezaron a pintar representaciones sencillas de naturaleza muerta divorciadas de figuras (pero sin significado alegórico) en el exterior de las contraventanas de pinturas devocionales privadas. [9] Otro paso hacia la naturaleza muerta autónoma fue la pintura de flores simbólicas en jarrones en el reverso de retratos seculares alrededor de 1475. [16] Jacopo de' Barbari fue un paso más allá con su Naturaleza muerta con perdiz y guanteletes (1504), una de las primeras pinturas de naturaleza muerta en trampantojo firmadas y fechadas , que contiene un contenido religioso mínimo. [17]
Aunque la mayoría de las naturalezas muertas posteriores a 1600 eran pinturas relativamente pequeñas, una etapa crucial en el desarrollo del género fue la tradición, centrada principalmente en Amberes , de la "naturaleza muerta monumental", que eran pinturas de gran tamaño que incluían grandes extensiones de material de naturaleza muerta con figuras y, a menudo, animales. Este fue un desarrollo de Pieter Aertsen , cuyo Puesto de carne con la Sagrada Familia dando limosna (1551, hoy Uppsala ) introdujo el tipo con una pintura que todavía sorprende. Otro ejemplo es "La carnicería" del sobrino de Aertsen, Joachim Beuckelaer (1568), con su representación realista de carnes crudas que dominan el primer plano, mientras que una escena de fondo transmite los peligros de la embriaguez y la lujuria. El tipo de escena de cocina o mercado de gran tamaño desarrollado por Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer generalmente representa una abundancia de alimentos con un bodegón de utensilios de cocina y corpulentas criadas de cocina flamencas. A menudo se puede distinguir una pequeña escena religiosa a lo lejos, o se añade un tema como las Cuatro Estaciones para realzar el tema. Este tipo de naturaleza muerta a gran escala siguió desarrollándose en la pintura flamenca después de la separación del Norte y el Sur, pero es poco frecuente en la pintura holandesa, aunque otras obras de esta tradición anticipan el tipo de pintura de género de la " alegre compañía " . [18]
Poco a poco, el contenido religioso fue disminuyendo en tamaño y ubicación en este tipo de pintura, aunque las lecciones morales continuaron como subcontextos. [19] Una de las relativamente pocas obras italianas en el estilo, el tratamiento del mismo tema de Annibale Carracci en 1583, La carnicería , comienza a eliminar los mensajes morales, al igual que otras pinturas de naturaleza muerta de "cocina y mercado" de este período. [20] Vincenzo Campi probablemente introdujo el estilo de Amberes en Italia en la década de 1570. La tradición continuó hasta el siglo siguiente, con varias obras de Rubens , quien en su mayoría subcontrató los elementos de naturaleza muerta y animales a maestros especialistas como Frans Snyders y su alumno Jan Fyt . En la segunda mitad del siglo XVI, la naturaleza muerta autónoma evolucionó. [21]
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El siglo XVI fue testigo de una explosión de interés por el mundo natural y de la creación de lujosas enciclopedias botánicas que registraban los descubrimientos del Nuevo Mundo y de Asia. También impulsó el comienzo de la ilustración científica y la clasificación de especímenes. Los objetos naturales comenzaron a ser apreciados como objetos de estudio individuales al margen de cualquier asociación religiosa o mitológica. La ciencia temprana de los remedios herbales también comenzó en esta época, que fue una extensión práctica de este nuevo conocimiento. Además, los mecenas adinerados comenzaron a financiar la colección de especímenes animales y minerales, creando extensos gabinetes de curiosidades . Estos especímenes sirvieron como modelos para los pintores que buscaban el realismo y la novedad. Se comenzaron a recolectar y comercializar conchas, insectos, frutas y flores exóticas, y se celebraron nuevas plantas como el tulipán (importado a Europa desde Turquía) en pinturas de naturaleza muerta. [22]
La explosión de la horticultura despertó un gran interés en Europa y los artistas aprovecharon esa oportunidad para producir miles de pinturas de naturalezas muertas. Algunas regiones y cortes tenían intereses particulares. La representación de cítricos, por ejemplo, era una pasión particular de la corte de los Medici en Florencia, Italia. [23] Esta gran difusión de especímenes naturales y el creciente interés por la ilustración natural en toda Europa dieron como resultado la creación casi simultánea de pinturas de naturalezas muertas modernas alrededor de 1600. [24] [25]
A finales del siglo XIX, el pintor español Juan Sánchez Cotán fue pionero en la naturaleza muerta española con pinturas de vegetales austeras y tranquilas, antes de ingresar en un monasterio a los cuarenta años en 1603, después de lo cual pintó temas religiosos. [ cita requerida ]
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Académicos destacados de principios del siglo XVII, como Andrea Sacchi , consideraban que la pintura de género y de naturaleza muerta no tenía la "gravedad" que se merecía para que la pintura fuera considerada excelente. Una influyente formulación de 1667 de André Félibien , historiador, arquitecto y teórico del clasicismo francés, se convirtió en la declaración clásica de la teoría de la jerarquía de géneros para el siglo XVIII:
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des frutas, des flores o des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est sure aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figure humaines, est beaucoup plus Excellent que tous les autres... [26]
"Quien produce paisajes perfectos está por encima de otro que sólo produce frutas, flores o mariscos. Quien pinta animales vivos es más estimable que quienes sólo representan cosas muertas sin movimiento, y como el hombre es la obra más perfecta de Dios sobre la tierra, también es cierto que quien se hace imitador de Dios al representar figuras humanas, es mucho más excelente que todos los demás...".
La naturaleza muerta se desarrolló como una categoría separada en los Países Bajos en el último cuarto del siglo XVI. [27] El término inglés still life deriva de la palabra holandesa still, aunque las lenguas romances (así como el griego, el polaco, el ruso y el turco) tienden a usar términos que significan naturaleza muerta . La pintura neerlandesa temprana del siglo XV había desarrollado técnicas altamente ilusionistas tanto en la pintura sobre tabla como en los manuscritos iluminados , donde los bordes a menudo presentaban elaboradas exhibiciones de flores, insectos y, en una obra como las Horas de Catalina de Cléveris , una gran variedad de objetos. Cuando el manuscrito iluminado fue reemplazado por el libro impreso, las mismas habilidades se implementaron más tarde en la ilustración botánica científica; los Países Bajos lideraron Europa tanto en botánica como en su representación en el arte. El artista flamenco Joris Hoefnagel (1542-1601) realizó pinturas en acuarela y gouache de flores y otros temas de naturaleza muerta para el emperador Rodolfo II , y hubo muchas ilustraciones grabadas para libros (a menudo coloreadas a mano), como el Florilegium de Hans Collaert , publicado por Plantin en 1600. [28]
Alrededor de 1600, las pinturas de flores al óleo se convirtieron en una especie de moda; Karel van Mander pintó algunas obras él mismo, y hay registros de que otros artistas manieristas del norte, como Cornelis van Haarlem, también lo hicieron. No se conocen cuadros de flores supervivientes de ellos, pero sí muchos de los principales especialistas, Jan Brueghel el Viejo y Ambrosius Bosschaert , ambos activos en los Países Bajos meridionales. [29]
Mientras que los artistas del norte encontraron oportunidades limitadas para producir la iconografía religiosa que había sido durante mucho tiempo su producto principal (las imágenes de temas religiosos estaban prohibidas en la Iglesia protestante reformada holandesa ), la continua tradición del norte de realismo detallado y símbolos ocultos atrajo a las crecientes clases medias holandesas, que estaban reemplazando a la Iglesia y al Estado como los principales mecenas del arte en los Países Bajos. A esto se sumó la manía holandesa por la horticultura, en particular el tulipán . Estas dos visiones de las flores (como objetos estéticos y como símbolos religiosos) se fusionaron para crear un mercado muy fuerte para este tipo de naturaleza muerta. [30] La naturaleza muerta, como la mayoría de las obras de arte holandesas, generalmente se vendía en mercados abiertos o por comerciantes, o por artistas en sus estudios, y rara vez se encargaba; por lo tanto, los artistas generalmente elegían el tema y la disposición. [31] Este tipo de pintura de naturaleza muerta era tan popular que gran parte de la técnica de la pintura de flores holandesa fue codificada en el tratado Groot Schilderboeck de 1740 de Gerard de Lairesse, que brindaba amplios consejos sobre el color, la disposición, la pincelada, la preparación de los ejemplares, la armonía, la composición, la perspectiva, etc. [32]
El simbolismo de las flores ha evolucionado desde los primeros tiempos del cristianismo. Las flores más comunes y sus significados simbólicos incluyen: rosa (Virgen María, fugacidad, Venus, amor); lirio (Virgen María, virginidad, pecho femenino, pureza de mente o justicia); tulipán (ostentación, nobleza); girasol (fidelidad, amor divino, devoción); violeta (modestia, reserva, humildad); aguileña (melancolía); amapola (poder, sueño, muerte). En cuanto a los insectos, la mariposa representa la transformación y la resurrección mientras que la libélula simboliza la fugacidad y la hormiga el trabajo duro y la atención a la cosecha. [33]
Los artistas flamencos y holandeses también se diversificaron y revivieron la antigua tradición griega de la naturaleza muerta del trampantojo , en particular la imitación de la naturaleza o mimesis , que denominaron bedriegertje ("pequeño engaño"). [8] Además de estos tipos de naturaleza muerta, los artistas holandeses identificaron y desarrollaron por separado pinturas de "cocina y mercado", naturaleza muerta de mesa de desayuno y comida, pinturas de vanitas y pinturas de colección alegórica. [34]
En los Países Bajos meridionales, en la religión católica , se desarrolló el género de las pinturas con guirnaldas. En torno a 1607-1608, los artistas de Amberes Jan Brueghel el Viejo y Hendrick van Balen empezaron a crear estas pinturas, que consisten en una imagen (normalmente devocional) rodeada por una exuberante corona de bodegón. Las pinturas eran colaboraciones entre dos especialistas: un pintor de bodegones y un pintor de figuras. Daniel Seghers desarrolló aún más el género. Las pinturas con guirnaldas, que en un principio tenían una función devocional, se hicieron muy populares y se utilizaban ampliamente como decoración de hogares. [35]
Un género especial de naturaleza muerta fue el llamado pronkstilleven (del neerlandés «naturaleza muerta ostentosa»). Este estilo de pintura de naturaleza muerta ornamentada fue desarrollado en la década de 1640 en Amberes por artistas flamencos como Frans Snyders y Adriaen van Utrecht . Pintaron naturalezas muertas que enfatizaban la abundancia al representar una diversidad de objetos, frutas, flores y animales muertos, a menudo junto con personas y animales vivos. El estilo fue adoptado rápidamente por artistas de la República Holandesa . [36]
En este período fueron especialmente populares las pinturas de vanitas , en las que arreglos suntuosos de frutas y flores, libros, estatuillas, jarrones, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales y científicos, insignias militares, plata fina y cristal, se acompañaban de recordatorios simbólicos de la impermanencia de la vida. Además, una calavera, un reloj de arena o de bolsillo, una vela que se consumía o un libro con páginas que pasaban servían como mensaje moralizador sobre la fugacidad de los placeres sensoriales. A menudo, algunas de las frutas y flores se mostraban empezando a estropearse o marchitarse para enfatizar el mismo punto. [ cita requerida ]
Otro tipo de naturaleza muerta, conocida como ontbijtjes o "pinturas del desayuno", representa tanto una presentación literal de delicias que la clase alta podría disfrutar como un recordatorio religioso para evitar la glotonería. [37] Alrededor de 1650, Samuel van Hoogstraten pintó uno de los primeros cuadros de perchero de pared, pinturas de naturaleza muerta en trampantojo que presentan objetos atados, clavados con tachuelas o sujetos de alguna otra manera a una tabla de pared, un tipo de naturaleza muerta muy popular en los Estados Unidos en el siglo XIX. [38] Otra variación fue la naturaleza muerta en trampantojo que representaba objetos asociados con una profesión determinada, como en el cuadro de Cornelis Norbertus Gysbrecht "Caballete de pintor con pieza de fruta", que muestra todas las herramientas del oficio de un pintor. [39] También fue popular en la primera mitad del siglo XVII la pintura de una gran variedad de ejemplares en forma alegórica, como los "cinco sentidos", los "cuatro continentes" o "las cuatro estaciones", que mostraban una diosa o figura alegórica rodeada de objetos naturales y artificiales apropiados. [40] La popularidad de las pinturas de vanitas y estas otras formas de naturaleza muerta pronto se extendió desde Holanda a Flandes y Alemania, y también a España [41] y Francia.
La producción holandesa de naturalezas muertas fue enorme y se exportaron ampliamente, especialmente al norte de Europa; Gran Bretaña apenas produjo ninguna. La naturaleza muerta alemana siguió de cerca los modelos holandeses; Georg Flegel fue un pionero de la naturaleza muerta pura sin figuras y creó la innovación compositiva de colocar objetos detallados en armarios, alacenas y vitrinas y producir vistas múltiples simultáneas. [42]
En el arte español , un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa elementos de despensa, como víveres, caza y bebida, a menudo dispuestos sobre una simple losa de piedra, y también una pintura con una o más figuras, pero con elementos significativos de naturaleza muerta, generalmente ubicada en una cocina o taberna. A partir del período barroco , estas pinturas se hicieron populares en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de naturalezas muertas parece haber comenzado y fue mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos , hoy Bélgica y Países Bajos (entonces artistas flamencos y holandeses), que en el sur de Europa. Las naturalezas muertas del norte tenían muchos subgéneros; la pieza del desayuno se vio aumentada por el trampantojo , el ramo de flores y la vanitas . [ cita requerida ]
En España había muchos menos mecenas de este tipo de cosas, pero se hizo popular un tipo de pieza de desayuno , que presentaba algunos objetos de comida y vajilla colocados sobre una mesa. La pintura de naturaleza muerta en España, también llamada bodegones , era austera. Se diferenciaba de la naturaleza muerta holandesa, que a menudo contenía ricos banquetes rodeados de artículos ornamentados y lujosos de tela o vidrio. El juego en las pinturas españolas a menudo son simples animales muertos que aún esperan ser desollados. Las frutas y verduras están crudas. Los fondos son bloques geométricos de madera sombríos o simples, que a menudo crean un aire surrealista. Si bien tanto la naturaleza muerta holandesa como la española a menudo tenían un propósito moral incorporado, la austeridad, que algunos encuentran similar a la desolación de algunas de las mesetas españolas, parece rechazar los placeres sensuales, la plenitud y el lujo de las pinturas de naturaleza muerta holandesas. [44]
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Aunque la pintura italiana de naturaleza muerta (en italiano llamada natura morta , «naturaleza muerta») estaba ganando popularidad, históricamente siguió siendo menos respetada que la pintura de «gran estilo» de temas históricos, religiosos y míticos. Por otro lado, los artistas italianos de naturaleza muerta que tuvieron éxito encontraron un amplio mecenazgo en su época. [45] Además, las pintoras, por escasas que fueran, solían optar por pintar naturalezas muertas o se veían restringidas a ello; Giovanna Garzoni , Laura Bernasconi , Maria Theresa van Thielen y Fede Galizia son ejemplos notables. [ cita requerida ]
Muchos artistas italianos destacados de otros géneros también produjeron algunas pinturas de naturaleza muerta. En particular, Caravaggio aplicó su influyente forma de naturalismo a la naturaleza muerta. Su Cesta de frutas ( c. 1595-1600 ) es uno de los primeros ejemplos de naturaleza muerta pura, representada con precisión y situada a la altura de los ojos. [46] Aunque no es abiertamente simbólica, esta pintura fue propiedad del cardenal Federico Borromeo y puede haber sido apreciada tanto por razones religiosas como estéticas. Jan Bruegel pintó su Gran ramo de Milán (1606) también para el cardenal, afirmando que lo pintó "fatta tutti del natturel" (hecho todo de la naturaleza) y cobró extra por el esfuerzo extra. [47] Estas estaban entre las muchas pinturas de naturaleza muerta en la colección del cardenal, además de su gran colección de curiosidades. Entre otras naturalezas muertas italianas, El cocinero de Bernardo Strozzi es una "escena de cocina" a la manera holandesa, que es a la vez un retrato detallado de una cocinera y las aves de caza que está preparando. [48] De manera similar, una de las raras naturalezas muertas de Rembrandt, Niña con pavos reales muertos, combina un retrato femenino simpático similar con imágenes de aves de caza. [49]
En la Italia católica y en España, la pintura de vanitas pura era rara y había muchos menos especialistas en naturalezas muertas. En el sur de Europa se emplea más el naturalismo suave de Caravaggio y se hace menos hincapié en el hiperrealismo en comparación con los estilos del norte de Europa. [50] En Francia, los pintores de naturalezas muertas ( nature morte ) recibieron la influencia tanto de las escuelas del norte como del sur, tomando prestado de las pinturas de vanitas de los Países Bajos y de los arreglos sobrios de España. [51]
El siglo XVIII continuó en gran medida refinando las fórmulas del siglo XVII y los niveles de producción disminuyeron. En el estilo rococó, la decoración floral se volvió mucho más común en porcelana , papel tapiz , telas y muebles de madera tallada, de modo que los compradores preferían que sus pinturas tuvieran figuras para crear contraste. Un cambio fue un nuevo entusiasmo entre los pintores franceses, que ahora forman una gran proporción de los artistas más notables, mientras que los ingleses se contentaron con importar. Jean-Baptiste Chardin pintó conjuntos pequeños y simples de alimentos y objetos en un estilo muy sutil que se basó en los maestros holandeses de la Edad de Oro y que sería muy influyente en las composiciones del siglo XIX. Los temas de animales muertos continuaron siendo populares, especialmente para los pabellones de caza; la mayoría de los especialistas también pintaron temas de animales vivos. Jean-Baptiste Oudry combinó excelentes representaciones de las texturas de pieles y plumas con fondos simples, a menudo el blanco liso de una pared de despensa encalada, que los mostraba de manera destacada. [ cita requerida ]
En el siglo XVIII, en muchos casos, las connotaciones religiosas y alegóricas de las naturalezas muertas se abandonaron y las pinturas de mesa de cocina evolucionaron hacia representaciones calculadas de colores y formas variadas, que mostraban alimentos cotidianos. La aristocracia francesa contrató a artistas para ejecutar pinturas de temas de naturalezas muertas abundantes y extravagantes que adornaban su mesa de comedor, también sin el mensaje moralista de vanitas de sus predecesores holandeses. El amor rococó por el artificio llevó a un aumento en la apreciación en Francia de la pintura trompe-l'œil (en francés: "engañar a la vista"). Las pinturas de naturalezas muertas de Jean-Baptiste Chardin emplean una variedad de técnicas, desde el realismo de estilo holandés hasta armonías más suaves. [52]
La mayor parte de la obra de Anne Vallayer-Coster se dedicó al lenguaje de la naturaleza muerta tal como se había desarrollado en el transcurso de los siglos XVII y XVIII. [53] Durante estos siglos, el género de la naturaleza muerta se colocó en el último lugar de la escala jerárquica. Vallayer-Coster tenía una forma de abordar sus pinturas que resultó en su atractivo. Fueron las "líneas atrevidas y decorativas de sus composiciones, la riqueza de sus colores y texturas simuladas, y las hazañas de ilusionismo que logró al representar una amplia variedad de objetos, tanto naturales como artificiales" [53] lo que atrajo la atención de la Royal Académie y de los numerosos coleccionistas que compraron sus pinturas. Esta interacción entre el arte y la naturaleza fue bastante común en las naturalezas muertas holandesas , flamencas y francesas. [53] Su obra revela la clara influencia de Jean-Baptiste-Siméon Chardin , así como de los maestros holandeses del siglo XVII, cuyo trabajo ha sido mucho más valorado, pero lo que hizo que el estilo de Vallayer-Coster se destacara frente a los otros pintores de naturalezas muertas fue su forma única de fusionar el ilusionismo representativo con estructuras compositivas decorativas. [53] [54]
El final del siglo XVIII y la caída de la monarquía francesa cerraron las puertas a la «era» de las naturalezas muertas de Vallayer-Coster y las abrieron a su nuevo estilo de pinturas florales. [55] Se ha afirmado que este fue el momento culminante de su carrera y por lo que es más conocida. Sin embargo, también se ha afirmado que las pinturas de flores fueron inútiles para su carrera. No obstante, esta colección contenía estudios florales en óleo, acuarela y gouache . [55]
With the rise of the European Academies, most notably the Académie française which held a central role in Academic art, still life began to fall from favor. The Academies taught the doctrine of the "Hierarchy of genres" (or "Hierarchy of Subject Matter"), which held that a painting's artistic merit was based primarily on its subject. In the Academic system, the highest form of painting consisted of images of historical, Biblical or mythological significance, with still-life subjects relegated to the very lowest order of artistic recognition. Instead of using still life to glorify nature, some artists, such as John Constable and Camille Corot, chose landscapes to serve that end.[citation needed]
When Neoclassicism started to go into decline by the 1830s, genre and portrait painting became the focus for the Realist and Romantic artistic revolutions. Many of the great artists of that period included still life in their body of work. The still-life paintings of Francisco Goya, Gustave Courbet, and Eugène Delacroix convey a strong emotional current, and are less concerned with exactitude and more interested in mood.[56] Though patterned on the earlier still-life subjects of Chardin, Édouard Manet's still-life paintings are strongly tonal and clearly headed toward Impressionism. Henri Fantin-Latour, using a more traditional technique, was famous for his exquisite flower paintings and made his living almost exclusively painting still life for collectors.[57]
However, it was not until the final decline of the Academic hierarchy in Europe, and the rise of the Impressionist and Post-Impressionist painters, that technique and colour harmony triumphed over subject matter, and that still life was once again avidly practiced by artists. In his early still life, Claude Monet shows the influence of Fantin-Latour, but is one of the first to break the tradition of the dark background, which Pierre-Auguste Renoir also discards in Still Life with Bouquet and Fan (1871), with its bright orange background. With Impressionist still life, allegorical and mythological content is completely absent, as is meticulously detailed brushwork. Impressionists instead focused on experimentation in broad, dabbing brush strokes, tonal values, and colour placement. The Impressionists and Post-Impressionists were inspired by nature's colour schemes but reinterpreted nature with their own colour harmonies, which sometimes proved startlingly unnaturalistic. As Gauguin stated, "Colours have their own meanings."[58] Variations in perspective are also tried, such as using tight cropping and high angles, as with Fruit Displayed on a Stand by Gustave Caillebotte, a painting which was mocked at the time as a "display of fruit in a bird's-eye view."[59]
Vincent van Gogh's "Sunflowers" paintings are some of the best-known 19th-century still-life paintings. Van Gogh uses mostly tones of yellow and rather flat rendering to make a memorable contribution to still-life history. His Still Life with Drawing Board (1889) is a self-portrait in still-life form, with Van Gogh depicting many items of his personal life, including his pipe, simple food (onions), an inspirational book, and a letter from his brother, all laid out on his table, without his own image present. He also painted his own version of a vanitas painting Still Life with Open Bible, Candle, and Book (1885).[58]
In the United States during Revolutionary times, American artists trained abroad applied European styles to American portrait painting and still life. Charles Willson Peale founded a family of prominent American painters, and as major leader in the American art community, also founded a society for the training of artists and a famous museum of natural curiosities. His son Raphaelle Peale was one of a group of early American still-life artists, which also included John F. Francis, Charles Bird King, and John Johnston.[60] By the second half of the 19th century, Martin Johnson Heade introduced the American version of the habitat or biotope picture, which placed flowers and birds in simulated outdoor environments.[61] The American trompe-l'œil paintings also flourished during this period, created by John Haberle, William Michael Harnett, and John Frederick Peto. Peto specialized in the nostalgic wall-rack painting while Harnett achieved the highest level of hyper-realism in his pictorial celebrations of American life through familiar objects.[62]
The first four decades of the 20th century formed an exceptional artistic ferment and revolution period. Avant-garde movements rapidly evolved and overlapped in a march towards nonfigurative, total abstraction. The still life and other representational art continued to evolve and adjust until mid-century when total abstraction, as exemplified by Jackson Pollock's drip paintings, eliminated all recognizable content.[citation needed]
The century began with several trends taking hold in art. In 1901, Paul Gauguin painted Still Life with Sunflowers, his homage to his friend Van Gogh who had died eleven years earlier. The group known as Les Nabis, including Pierre Bonnard and Édouard Vuillard, took up Gauguin's harmonic theories and added elements inspired by Japanese woodcuts to their still-life paintings. French artist Odilon Redon also painted notable still life during this period, especially flowers.[63]
Henri Matisse reduced the rendering of still-life objects even further to little more than bold, flat outlines filled with bright colours. He also simplified perspective and introduced multi-colour backgrounds.[64] In some of his still-life paintings, such as Still Life with Eggplants, his table of objects is nearly lost amidst the other colourful patterns filling the rest of the room.[65] Other exponents of Fauvism, such as Maurice de Vlaminck and André Derain, further explored pure colour and abstraction in their still life.[citation needed]
Paul Cézanne found in still life the perfect vehicle for his revolutionary explorations in geometric spatial organization. For Cézanne, still life was a primary means of taking painting away from an illustrative or mimetic function to one demonstrating independently the elements of colour, form, and line, a major step towards Abstract art. Additionally, Cézanne's experiments can be seen as leading directly to the development of Cubist still life in the early 20th century.[66]
Adapting Cézanne's shifting of planes and axes, the Cubists subdued the colour palette of the Fauves and focused instead on deconstructing objects into pure geometrical forms and planes. Between 1910 and 1920, Cubist artists like Pablo Picasso, Georges Braque, and Juan Gris painted many still-life compositions, often including musical instruments, bringing still life to the forefront of artistic innovation, almost for the first time. Still life was also the subject matter in the first Synthetic Cubist collage works, such as Picasso's oval "Still Life with Chair Caning" (1912). In these works, still-life objects overlap and intermingle, barely maintaining identifiable two-dimensional forms, losing individual surface texture, and merging into the background—achieving goals nearly opposite to those of traditional still life.[67] Fernand Léger's still life introduced the use of abundant white space and coloured, sharply defined, overlapping geometrical shapes to produce a more mechanical effect.[68]
Rejecting the flattening of space by Cubists, Marcel Duchamp and other members of the Dada movement, went in a radically different direction, creating 3-D "ready-made" still-life sculptures. As part of restoring some symbolic meaning to still life, the Futurists and the Surrealists placed recognizable still-life objects in their dreamscapes. In Joan Miró's still-life paintings, objects appear weightless and float in lightly suggested two-dimensional space, and even mountains are drawn as simple lines.[66] In Italy during this time, Giorgio Morandi was the foremost still-life painter, exploring a wide variety of approaches to depicting everyday bottles and kitchen implements.[69] Dutch artist M. C. Escher, best known for his detailed yet ambiguous graphics, created Still life and Street (1937), his updated version of the traditional Dutch table still life.[70] In England Eliot Hodgkin was using tempera for his highly detailed still-life paintings.[citation needed]
When 20th-century American artists became aware of European Modernism, they began to interpret still-life subjects with a combination of American realism and Cubist-derived abstraction. Typical of the American still-life works of this period are the paintings of Georgia O'Keeffe, Stuart Davis, and Marsden Hartley, and the photographs of Edward Weston. O'Keeffe's ultra-closeup flower paintings reveal both the physical structure and the emotional subtext of petals and leaves in an unprecedented manner.[citation needed]
In Mexico, starting in the 1930s, Frida Kahlo and other artists created their own brand of Surrealism, featuring native foods and cultural motifs in their still-life paintings.[71]
Starting in the 1930s, abstract expressionism severely reduced still life to raw depictions of form and colour, until by the 1950s, total abstraction dominated the art world. However, pop art in the 1960s and 1970s reversed the trend and created a new form of still life. Much pop art (such as Andy Warhol's "Campbell's Soup Cans") is based on still life, but its true subject is most often the commodified image of the commercial product represented rather than the physical still-life object itself. Roy Lichtenstein's Still Life with Goldfish Bowl (1972) combines the pure colours of Matisse with the pop iconography of Warhol. Wayne Thiebaud's Lunch Table (1964) portrays not a single family's lunch but an assembly line of standardized American foods.[72]
The Neo-dada movement, including Jasper Johns, returned to Duchamp's three-dimensional representation of everyday household objects to create their own brand of still-life work, as in Johns' Painted Bronze (1960) and Fool's House (1962).[73] Avigdor Arikha, who began as an abstractionist, integrated the lessons of Piet Mondrian into his still lifes as into his other work; while reconnecting to old master traditions, he achieved a modernist formalism, working in one session and in natural light, through which the subject-matter often emerged in a surprising perspective.[citation needed]
A significant contribution to the development of still-life painting in the 20th century was made by Russian artists, among them Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia Afonina, Maya Kopitseva, and others.[74]
By contrast, the rise of Photorealism in the 1970s reasserted illusionistic representation, while retaining some of Pop's message of the fusion of object, image, and commercial product. Typical in this regard are the paintings of Don Eddy and Ralph Goings.[citation needed]
During the 20th and 21st centuries, the notion of the still life has been extended beyond the traditional two dimensional art forms of painting into video art and three dimensional art forms such as sculpture, performance and installation. Some mixed media still-life works employ found objects, photography, video, and sound, and even spill out from ceiling to floor and fill an entire room in a gallery. Through video, still-life artists have incorporated the viewer into their work. Following from the computer age with computer art and digital art, the notion of the still life has also included digital technology. Computer-generated graphics have potentially increased the techniques available to still-life artists. 3D computer graphics and 2D computer graphics with 3D photorealistic effects are used to generate synthetic still life images. For example, graphic art software includes filters that can be applied to 2D vector graphics or 2D raster graphics on transparent layers. Visual artists have copied or visualised 3D effects to manually render photorealistic effects without the use of filters.[citation needed]
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