La escultura del Renacimiento italiano fue una parte importante del arte del Renacimiento italiano , y en las primeras etapas posiblemente representó la vanguardia. [1] El ejemplo de la escultura romana antigua pesaba mucho sobre ella, tanto en términos de estilo como de los usos que se le daban a la escultura. En completo contraste con la pintura, se conservaron muchas esculturas romanas en toda Italia, [2] sobre todo en Roma, y constantemente se excavaban y coleccionaban nuevas. Aparte de un puñado de figuras importantes, especialmente Miguel Ángel y Donatello, hoy en día es menos conocida que la pintura del Renacimiento italiano , pero no era así en aquella época.
La escultura del Renacimiento italiano estuvo dominada por el norte, sobre todo por Florencia . [3] Este fue especialmente el caso en el Quattrocento (siglo XV), después del cual Roma llegó a igualarlo o superarlo como centro, [4] aunque produjo pocos escultores. Los principales escultores florentinos en piedra incluyeron (en orden cronológico aproximado, con fechas de muerte) Orcagna (1368), Nanni di Banco (1421), Filippo Brunelleschi (1446), Nanni di Bartolo (1451), Lorenzo Ghiberti (1455), Donatello ( 1466), Bernardo (1464) y su hermano Antonio Rossellino (1479), Andrea del Verrocchio (1488), Antonio del Pollaiuolo (1498), Miguel Ángel (1564) y Jacopo Sansovino (1570). Por otra parte estaba el sienés Jacopo della Quercia (1438), el lombardo Pietro Lombardo (1515) y sus hijos, Giovanni Antonio Amadeo (1522), Andrea Sansovino (1529), Vincenzo Danti (1576), Leone Leoni (1590) y Giambologna . (1608, nacido en Flandes). [5]
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Si bien la escultura de la iglesia continuó proporcionando encargos más importantes que cualquier otra fuente, seguida de los monumentos cívicos, [6] una serie de otros entornos para la escultura aparecieron o aumentaron en importancia durante el período. Anteriormente, los retratos seculares habían sido principalmente arte funerario , y los grandes monumentos funerarios se volvieron considerablemente más elaborados. Los paneles en relieve se utilizaron en diversos materiales y entornos, o en ocasiones se trataron como objetos portátiles como pinturas. Los pequeños bronces, normalmente de temas seculares, adquirieron cada vez más importancia a partir de finales del siglo XV, mientras que las nuevas formas incluyeron la medalla , que inicialmente presentaba principalmente personas más que acontecimientos, y la plaqueta con una pequeña escena en relieve metálico. [7]
El término "escultor" sólo se empezó a utilizar durante el siglo XV; antes de eso, los escultores eran conocidos como talladores de piedra, talladores de madera, etc. Statua ("estatua", y el arte de hacerlas) fue otra nueva palabra italiana, que reemplazó a términos medievales como figura , simulacrum e imago , también utilizados para imágenes pintadas. [9]
La arquitectura gótica , y el arte gótico en general, tuvieron una penetración limitada en Italia, llegando tarde y afectando principalmente al extremo norte, Venecia y Lombardía en particular, a menudo sólo como estilo ornamental en cenefas y capiteles. [11] Las tradiciones clásicas estaban más profundamente arraigadas que al norte de los Alpes, lo que hacía que un resurgimiento deliberado del estilo clásico fuera un cambio menos brusco. [12] En el Trecento (siglo XIV), se podía pedir a los escultores que trabajaran en edificios generalmente de estilo gótico, o en aquellos que no lo eran. Algunos escultores podían ajustar un poco sus estilos para encajar, otros no. [13] Esta complicada situación hace que sea difícil, si no imposible, dar una fecha clara de inicio de la escultura renacentista. [14]
Al igual que ocurre con la pintura del Renacimiento italiano , la escultura se divide convencionalmente en los períodos del Renacimiento temprano , Alto Renacimiento , Manierista y Renacimiento tardío. Convenientemente, 1400 y 1500 funcionan bastante bien como fechas para marcar cambios significativos en el estilo, siendo los puntos de inflexión clave el concurso de diseños para las puertas del Baptisterio de Florencia , anunciado a finales de 1400, [15] y la Piedad de Miguel Ángel , terminada en 1499. y su David , iniciado en 1501. [16] A veces, el siglo XV se divide alrededor de 1450 (o antes) en un "Primer Renacimiento" y un "Segundo Renacimiento", siguiendo en cierta medida a Vasari.
El estilo manierista comienza a surgir alrededor de 1520, pero el saqueo de Roma en 1527 , que sacudió y dispersó en gran medida lo que se había convertido en el centro principal, supone un final generalmente aceptado para la fase del Alto Renacimiento; Los Medici fueron expulsados de Florencia ese mismo año, desplazando a otros artistas. [17] Aunque su taller continuó produciendo trabajos en su estilo, la muerte de Giambologna en 1608, cuando la escultura barroca ya estaba bien establecida en Roma, puede considerarse como el final del período. [18]
Generalmente, la "escultura de cualquier calidad" era más cara que su equivalente en pintura, y cuando era de bronce, lo era dramáticamente. El monumento ecuestre pintado de Niccolò da Tolentino de 1456 por Andrea del Castagno parece haber costado sólo 24 florines , mientras que el bronce ecuestre de Gattamelata de Donatello, varios años antes, se ha "estimado conservadoramente" en 1.650 florines. A Miguel Ángel le pagaron 3.000 florines por pintar el techo de la Capilla Sixtina , mientras que Ghiberti dijo que su primer juego de puertas para el Baptisterio de Florencia , un siglo antes, había costado 22.000, y quizás una cuarta parte representaba el costo de los materiales. [19]
Es comprensible que los escultores tendieran a "producir las mejores obras con los materiales más duraderos", piedra o metal; Hubo una gran cantidad de trabajos más rápidos y baratos en otros materiales que en su mayoría no han sobrevivido. [20] Los escultores hicieron un uso considerable de dibujos, y luego de modelos o maquetas pequeñas y, a veces, de tamaño natural, en arcilla, con un marco interno de varillas de hierro cuando era necesario. [21] Pero estos modelos rara vez fueron despedidos y muy pocos han sobrevivido. El proyecto de Leonardo da Vinci para el Caballo Sforza es un ejemplo. [22]
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Muchos escultores trabajaron en varios materiales; por ejemplo Antonio del Pollaiuolo realizó trabajos acabados en piedra, bronce, madera y terracota, además de pintura al temple , óleo y fresco , y produjo un importante grabado . El San Jorge de Donatello , para el gremio de armeros y espadachines, en Orsanmichele , es de mármol, pero originalmente llevaba un casco de bronce y portaba una espada. [23] Donatello también trabajó en madera, terracota y yeso. Especialmente en el siglo XV, muchos arquitectos eran escultores de formación, y varios ejercieron ambas funciones durante la mayor parte de su carrera. [24]
El mármol, sobre todo el mármol blanco puro de Carrara procedente de los Alpes Apuanos en el norte de la Toscana , era el material más popular para la escultura fina. Muchos escultores toscanos fueron a las canteras para "delinear" grandes obras, y algunos las terminaron en la cercana Pisa , ahorrando así el coste del transporte de grandes bloques. El transporte de larga distancia se realizaba normalmente por barco, ya sea por mar o por el Arno hasta Florencia. [25]
Aunque la mayor parte de Italia tenía piedra que se podía tallar, [26] la otra piedra más favorecida también estaba en el norte, desde Istria en el Adriático , ahora en Croacia y en parte en Eslovenia . La piedra de Istria es "una piedra parecida al mármol, capaz de tener un acabado pulido, pero mucho más variada en textura y color que el mármol blanco de Apuan". [27] La piedra arenisca toscana gris conocida como pietra serena se utilizó principalmente como piedra de construcción, a menudo contrastando con el mármol blanco, como en la Catedral de Florencia . Pero a veces se usaba para escultura, especialmente en relieves más pequeños y escenas talladas en edificios. [28]
Una escultura de bronce era entonces unas diez veces más cara que el mármol y la difícil fundición o fabricación de la aleación, así como la técnica de fundición a la cera perdida, eran realizadas con mayor frecuencia por el escultor y su estudio. [29] Esto implicó hacer una maqueta terminada en cera, o cera sobre arcilla, que luego se destruye durante la fundición; el Caballo y el Jinete es una escultura de cera muy rara, probablemente una maqueta que nunca fue fundida, que ha sobrevivido; hay un pequeño número de otros , en su mayoría pequeños estudios preliminares. [30]
Después del vaciado básico, que podía ser realizado por especialistas externos, quedaba mucho trabajo del escultor por hacer para limpiar, retocar y terminar la superficie mediante pulido. En algunos casos esta etapa se prolongó a lo largo de años, y contó con la participación de diferentes escultores. [31]
A pesar de su coste y dificultad, siguiendo el gusto clásico conocido por la literatura antigua como Plinio el Viejo , y los poquísimos ejemplos antiguos entonces conocidos, [32] el bronce gozaba de un prestigio especial, incluso a pequeña escala. [33] En la Italia medieval tardía se había utilizado principalmente para las grandes puertas de las catedrales, como en Pisa y San Marco en Venecia, y el Renacimiento temprano continuó esto, más famoso en el Baptisterio de Florencia . [34] El San Juan Bautista en bronce, de tamaño ligeramente superior al natural, de Lorenzo Ghiberti para Orsanmichele (1412) no tuvo precedentes. [35]
El bronce podría estar dorado . [36] Se utilizó una variedad de metales para moldes de medallas de retratos de mecenas principescos o simplemente ricos y, a veces, para plaquetas. El bronce era el metal normal, pero algunos podían fundirse en oro o plata para presentarlos a personas del mismo rango o superior, y algunos en plomo. [37] Especialmente en las cortes principescas, sobre todo en la más rica, Milán, las pequeñas figuras fundidas y los objetos esculpidos como tinteros se hacían a menudo en oro y plata, pero casi todos ellos fueron fundidos en algún momento para obtener su valor en lingotes. El famoso salero Cellini de oro , fabricado en 1543 para Francisco I de Francia por Benvenuto Cellini, es casi el único superviviente de oro, ahora en Viena . [38] El conjunto de 12 copas de plata dorada llamado Aldobrandini Tazze fue hecho para una familia italiana antes de 1603, pero quizás no por italianos. [39] El Escudo Ghisi de 1554 es otro ejemplo de pequeñas escenas en relieve. [40]
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A diferencia del norte de los Alpes , la madera no era un material prestigioso, pero debido a su peso ligero continuó utilizándose para las figuras de la Crucifixión , a menudo colgadas en el aire o en las paredes de las iglesias, por ejemplo el Crucifijo de Brunelleschi en Santa Maria Novella . Otras excepciones incluyeron varias figuras de Donatello para el retablo de la iglesia Frari en Venecia, su Magdalena penitente y obras de Francesco di Valdambrino en Toscana alrededor de 1410. [41] Cuando se usaba madera, generalmente era pintada, ya sea por un pintor o por el escultor. o su taller. Las tallas decorativas en madera eran comunes para muebles, paneles y otros usos. La sillería del coro de las grandes iglesias incluía a menudo una gran cantidad de esculturas; a veces estos incluían figuras y escenas narrativas. A principios del siglo XV, las figuras de madera de Domenico di Niccolò dei Cori en Siena avanzaron hacia "una nueva elocuencia en el gesto y la expresión facial". [42]
Aparte del uso generalizado de arcilla para modelos , normalmente sin cocer, las tres generaciones de la familia Della Robbia en Florencia dirigieron un gran taller que producía estatuas de terracota vidriadas con estaño y pintadas de colores brillantes , inicialmente en su mayoría relieves religiosos para el exterior de los edificios, luego obras más pequeñas como Madonnas para capillas privadas o dormitorios. Otros artistas desarrollaron un estilo de retratos de cabeza y pecho de terracota. Varias obras de escultura monumental terminadas (más que modelos o estudios) se realizaron en terracota, en su mayoría pintadas. Eran en su mayoría religiosos; algunos eran grupos grandes con aproximadamente seis dolientes rodeando al Cristo muerto en una Lamentación de Cristo . Eran mucho más baratos que el mármol, y el grupo más famoso, de Niccolo dell'Arca para una iglesia en Bolonia , utiliza terracota para lograr efectos de cortinas voladoras que no se podrían haber hecho en piedra. Guido Mazzoni fue otro especialista en grandes grupos de terracota. [43]
El estuco , a veces pintado para imitar el bronce, se utilizaba principalmente para decorar edificios, y los talleres vendían pequeñas réplicas en yeso de esculturas famosas, de las cuales no muchas han sobrevivido. [45] Se produjeron grandes cantidades de esculturas temporales en una amplia gama de materiales rápidos y baratos, como papel maché y tela endurecida con pegamento, como decoración para desfiles durante festivales y celebraciones como bodas; en el siglo XVI estos a menudo se registran en grabados. [46] Un panel en relieve de Jacopo Sansovino para las decoraciones de la entrada triunfal (un decorado de pompa medieval y renacentista) del Papa León X en Florencia ha sobrevivido, a pesar de estar en arcilla y " lino endurecido con tamaño ", todo montado. sobre tablas de madera; es una obra de la más alta calidad artística. [47] Jacopo della Quercia (muerto en 1438) hizo un monumento funerario ecuestre para una iglesia de Siena utilizando "madera, estopa y estopa ", que, como era de esperar, no ha sobrevivido. [48]
Un género nuevo y distintivo de escultura temporal para grandes festividades fue la escultura de azúcar . El azúcar se importó regularmente a Europa a mediados del siglo XV, cuando Madeira y las Islas Canarias se colonizaron desde Europa, y allí se cultivó azúcar, que se importaba principalmente a través de Italia. [49] Después de esto, una "pasión devoradora por el azúcar... se extendió por la sociedad", ya que se volvió mucho más fácil de conseguir, aunque inicialmente todavía era muy caro. [50] Génova , uno de los centros de distribución, se hizo conocida por las frutas confitadas, mientras que Venecia se especializaba en pasteles, dulces (dulces) y esculturas de azúcar. Entonces el azúcar se consideraba médicamente beneficioso. [51]
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Una fiesta ofrecida en Tours en 1457 por Gaston de Foix incluye la primera mención detallada de esculturas de azúcar, ya que el último alimento traído fue "una colección de animales heráldicos esculpidos en azúcar: leones, ciervos, monos... cada uno sosteniendo en la pata o el pico el armas del rey húngaro" (la fiesta era en honor a una embajada húngara). [53] Otras grandes fiestas registradas, como banquetes de bodas en las décadas siguientes, incluyeron piezas similares. Tanto la boda de Ercole I d'Este, duque de Ferrara en 1473 como la de su hija Isabel d'Este en 1491 concluyeron con procesiones con esculturas. En 1491, 103 hombres llevaron en "tigres, unicornios, bucentauros , zorros, lobos, leones... montañas, dromedarios,... castillos, sarracenos... Hércules matando al dragón..." aparentemente personalizado para cada huésped; " Se trajeron escultores de Mantua , Padua y Venecia para realizarlos a partir de diseños de pintores de la corte". [54]
Originalmente algunas esculturas parecen haber sido comidas en la comida, pero luego se convierten en meros adornos de mesa, las más elaboradas se llaman triomfi . Se sabe que varios escultores importantes los produjeron; en algunos casos se conservan sus dibujos preliminares. Los primeros estaban hechos de azúcar moreno, parcialmente moldeados en moldes y con los toques finales tallados; luego se podría añadir dorado o pintura. [55] Finalmente, en el siglo XVIII, la estatuilla de porcelana evolucionó como una forma permanente de imitación de las esculturas de azúcar; Al principio también se colocaban alrededor de las mesas del comedor. [56]
La pintura, a menudo eliminada después de que se descascaraba, era común, si no habitual, en madera y terracota, pero ya inusual en piedra y metal en el siglo XV. Cuando se utilizó en estos materiales, fue generalmente discreto. [57] Algunos de los bustos de retratos en mármol de Lariana conservan su acabado policromado; otros nunca lo tuvieron o se lo quitaron. Después de 1500, el color pasó cada vez más de moda; las esculturas clásicas excavadas no lo tenían, aunque otra cuestión es si originalmente estaban coloreadas. Otro factor fue la influencia de Miguel Ángel, "que renunció a las atracciones superficiales para transmitir una idea únicamente mediante la forma". [58]
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En Italia, la escultura en las iglesias siempre se había realizado en gran medida dentro del edificio, a diferencia de los países al norte de los Alpes. [59] Una rara excepción italiana fue la Catedral de Milán , construida a partir de 1368 con un gran número de nichos y pináculos para cientos de estatuas, que tardaron todo el período en llenarse; la mayoría eran demasiado altas para que la escultura se pudiera ver con mucha claridad. [60] Otra excepción fue la cercana Certosa di Pavia , un monasterio planeado como lugar de enterramiento dinástico de los duques Visconti de Milán , emulando otros sitios similares al norte de los Alpes, [61] iniciado en 1396 pero no terminado hasta más de un siglo. más tarde. [62]
En la Catedral de Florencia, las esculturas de la fachada principal alrededor de la "Porta della Mandorla", llamada así por la mandorla o auriola en forma de almendra alrededor de la Virgen María en el tímpano en alto relieve de Nanni di Banco (en su lugar en 1422), tienen una historia complicada. , en el que participan numerosos escultores y estilos. Hubo tres campañas, cada una de las cuales duró varios años, entre 1391 y 1422, y varios cambios después de eso, incluida una gran expansión de la escultura a los niveles superiores en el siglo XIX. Un pequeño relieve de un Hércules desnudo (que representa la virtud de la Fortaleza) en medio de un follaje ornamental en el costado de la entrada "ha sido conocido durante mucho tiempo como un hito para el estudio del desnudo en el Renacimiento temprano"; el escultor no está seguro. [63] Tanto el primer mármol de Donatello como las figuras del David de Miguel Ángel estaban originalmente destinadas a la línea del techo de la catedral, pero se descubrió que las primeras eran demasiado pequeñas para verlas correctamente, de ahí el gran tamaño de las segundas, pero esto a su vez se reconoció cuando Terminó como demasiado pesado para el puesto y se unió al Donatello en la Piazza della Signoria . [64]
Dentro de las iglesias, los monumentos funerarios de los ricos crecieron cada vez más, inicialmente con marcos grandes pero bastante poco profundos alrededor de la efigie del difunto, como en la tumba del antipapa Juan XXIII en Florencia, y luego, en el siglo XVI, a veces se expandieron en grupos muy grandes de esculturas, que culminan en la Tumba del Papa Julio II de Miguel Ángel , realizadas entre 1505 y 1545, pero sólo parcialmente realizadas. La nueva Basílica de San Pedro comenzó a llenarse de grandes tumbas papales , tendencia que no hizo más que aumentar en el siguiente periodo barroco. En Venecia, Santi Giovanni e Paolo, Venecia tiene las tumbas de 25 dux , [65] y en la República de Florencia la iglesia de Santa Croce "se convirtió en última instancia en una especie florentina de Abadía de Westminster ", con grandes tumbas para figuras destacadas, entre ellas Miguel Ángel y Galileo , realizado en gran parte a expensas del gobierno. [66]
Inicialmente, las figuras de los difuntos en las tumbas seguían el patrón tradicional habitual (pero no invariable) de una "efigie yacente", acostada con los ojos cerrados, pero hacia finales del siglo XV comenzaron a mostrarse vivas. En el caso de los papas, la primera fue la tumba del Papa Inocencio VIII (muerto en 1492), donde Antonio del Pollaiuolo tenía una efigie yacente debajo y una figura sentada con un brazo levantado bendiciendo arriba. Así es como se ve ahora el monumento, después de su traslado a San Pedro, pero originalmente estas posiciones estaban invertidas. [67] La siguiente en incluir alguna figura fue la Tumba del Papa Julio II de Miguel Ángel , iniciada en 1505 durante su vida. Esto tenía al Papa acostado de costado con la cabeza levantada. A partir de la tumba del Papa León X (m. 1521) en adelante, las figuras sentadas se volvieron habituales cuando se incluía alguna figura.
Las ciudades querían aumentar su prestigio mediante la instalación de conjuntos escultóricos famosos en lugares públicos y, a menudo, estaban dispuestas a gastar mucho para lograrlo. El más destacado fue sin duda el grupo de estatuas no relacionadas en la Piazza della Signoria en el centro de Florencia, frente al Palazzo Vecchio , sede del gobierno de la república. La Loggia dei Lanzi es una arcada abierta en la plaza que acumuló una colección de estatuas destacadas, principalmente en el siglo XVI, cuando se unieron al grupo Perseo con la cabeza de Medusa de Benvenuto Cellini y el Rapto de las Sabinas de Giambologna. [68]
Otra obra maestra de escultura cívica florentina fue el Orsanmichele , un edificio que los gremios poseían juntos y que se utilizaba para diversos fines. Orcagna le había regalado al interior un gran tabernáculo , probablemente como ofrenda votiva por el fin de la peste negra en la década de 1360. [69] La planta baja originalmente estaba abierta y se usaba como sala de comercio y lugar de reunión, pero en 1380 los espacios entre las pilastras exteriores habían sido tapiados y la planta baja era la iglesia de los gremios (aún con oficinas arriba). ahora estos son el museo con las estatuas originales). Ya existía un plan para que cada uno de los gremios colocara una estatua sobre una pilastra, pero para entonces solo se había hecho una. A finales de siglo se revivió el esquema, y la primera de las estatuas que estuvieron en pie hasta que fueron reemplazadas por copias en los tiempos modernos data de 1399, la última de 1601. Pero hubo un estallido de actividad entre 1411 y 1429. Una de las hornacinas, en una calle muy transitada, estaba apenas unos metros por encima de los transeúntes. El retraso fue causado por la tardanza de los gremios, pero ha resultado en una serie de obras, realizadas por los principales escultores de la época, que muestran de manera excelente el desarrollo del estilo florentino, y especialmente las corrientes cruzadas dentro de él en los años anteriores. 1430. La mayoría de las estatuas son de los santos patrones de cada gremio. Hay 14 estatuas o grupos, dos de Donatello, dos de Ghiberti y el Cristo y Santo Tomás de Verrocchio (terminado hacia 1480). San Juan Bautista (1412) de Ghiberti fue el primero de los seis realizados en bronce, todavía en gran medida en el estilo gótico internacional . [70]
Las fuentes públicas, de las que la gran mayoría de la población tomaba agua para uso doméstico, eran una parte clave de la administración local, por la que se juzgaba a los gobiernos de las ciudades. Los de las plazas principales debían permitir que mucha gente sacara agua a la vez; No se esperaban chorros de agua hasta finales del siglo XVI, pero sí un fácil acceso a un suministro continuo de buena agua. Algunas de las primeras fuentes grandes estaban envueltas con paneles en relieve, como la Fontana Maggiore protorrenacentista en Perugia , de Nicolo Pisano y otros (principalmente en la década de 1270), y la Fonte Gaia en Siena, la versión actual de Jacopo della Quercia (1419, relieves ahora). reemplazados por réplicas). [71]
Los ejemplos del Renacimiento tardío incluyen la Fuente de Neptuno, Bolonia de Giambologna (1566) y la Fuente de Neptuno, Florencia ( Bartolomeo Ammannati y otros, terminada en 1574). Estos esperan fuentes barrocas; [72] cada uno está coronado por una gran estatua del dios. [73] Para entonces, las fuentes de jardín privadas más ricas recibían entornos escultóricos casi tan extravagantes. [74] Sansón matando a un filisteo de Giambologna , ahora en Londres, fue realizado para una fuente del jardín de los Medici. [75]
Los retratos esculpidos se habían limitado en su mayoría a monumentos funerarios, pero durante el período surgieron en una amplia gama de tamaños y materiales. Los italianos se volvieron muy conscientes de la actitud romana de que tener una estatua pública de uno mismo era casi la señal más alta de estatus y reputación, y tales estatuas, preferiblemente montadas en una columna, aparecen con frecuencia en pinturas de ciudades ideales, mucho más frecuentemente que nunca. hizo en realidad. [76] Los retratos estatuarios de pie de individuos contemporáneos siguieron siendo muy raros en Italia hasta el final del período (una excepción es Juan de Austria en Messina , 1572), [77] pero Leone Leoni y su hijo Pompeo, artistas de la corte de los Habsburgo españoles , les hizo varios en bronce. [78]
La máxima expresión de reputación, reservada a gobernantes y generales, era una estatua ecuestre de tamaño natural ; Ejemplos romanos sobrevivieron en la Estatua Ecuestre de Marco Aurelio en Roma y el Regisole en Pavía (ahora destruido). Hubo rígidos precursores del gótico en mármol en las Tumbas de Scaliger en Verona , y uno de Bernabò Visconti en Milán de Bonino da Campione (1363). [79] Se hicieron varios temporales para festividades, [80] pero muy pocos en bronce durante el Renacimiento. El atractivo de la forma se muestra en dos estatuas ficticias pintadas al fresco en la catedral de Florencia: la de Sir John Hawkwood ( Paolo Uccello , 1436), está al lado de la de Niccolò da Tolentino ( Andrea del Castagno 1456). [81]
Al igual que las imitaciones al fresco, los dos primeros bronces reales eran de condotieros o generales mercenarios, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua de Donatello (1453) y la estatua ecuestre de Bartolomeo Colleoni , iniciada por Andrea del Verrocchio en la década de 1480, pero terminada por otro después de su muerte. [82] Justo al final del período, mucho después de que los Medici se hubieran convertido en Grandes Duques de Toscana , y se pensaba que el sentimiento republicano se había calmado lo suficiente, Giambologna les hizo dos, Cosme I de' Medici (1598) en la Piazza della Signoria, y en 1608 la de Fernando I. [83]
Uno de los grandes proyectos inacabados del Renacimiento fue el Caballo Sforza de Leonardo da Vinci , un retrato ecuestre de tamaño natural de Francisco I Sforza para su hijo Ludovico el Moro , ambos duques de Milán, que originalmente se pretendía encabritar, pero cuando esto resultó demasiado ambicioso, planeado con un "andar al caminar". Leonardo se había formado en el taller de Andrea del Verrocchio, en la época en que se fabricaba el caballo para el monumento a Colleoni. Se le asignó el proyecto en 1489, y en el invierno de 1492-1493 había completado un modelo de arcilla a escala real, que se exhibió con gran éxito en la catedral de Milán para la boda de Bianca María Sforza y Maximiliano I, Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico . Es posible que haya hecho el molde, o partes de él, pero a finales de 1494 Ludovico decidió que necesitaba la gran cantidad de bronce que había reunido para la estatua de los cañones, dado el giro que tomó la Primera Guerra Italiana , iniciada ese año. Cuando los franceses finalmente ocuparon Milán en 1499, el modelo de arcilla resultó gravemente dañado por los arqueros franceses que lo utilizaron como objetivo. Sólo sobreviven algunos dibujos y algunos pequeños modelos de cera de autoría incierta. [84]
Surgió una especie de retrato de busto cortado por debajo de los hombros, [85] aparentemente para colocarlo en los ambientes relativamente privados del palacio familiar . Esto parece haber sido influenciado por la forma de algunos relicarios medievales y efigies funerarias temporales, y quizás por retratos de tumbas en relieve de "ventana" romanas, como el relieve de la tumba del siglo I d. C. de Publio Aiedius y Aiedia , un estilo "vernáculo" utilizado para libertos y la clase ejecutiva. También mostró una vista similar a la forma emergente del retrato, pero a tamaño natural y en tres dimensiones. Donatello también utilizó el formato para un santo de bronce en la década de 1420. El primer ejemplo de retrato datable en mármol es un busto de 1453 de Mino da Fiesole de Piero di Cosimo de' Medici , que es "rígido y tenso, como podríamos esperar de un joven escultor al que se le pidió que hiciera algo desconocido", especialmente para el gobernante de facto de la República de Florencia . Vasari dice que el busto fue colocado sobre la puerta de las habitaciones de Piero en el Palacio Medici , que entonces aún estaba en construcción. Había un retrato coincidente de su esposa Lucrezia Tornabuoni , ahora perdido o sin encontrar. [86]
Mino hizo varios bustos similares, y artistas como Antonio Rossellino y Benedetto da Maiano adoptaron la forma; este último tomó un molde de "máscara de vida", probablemente de cera, para trabajar. Los primeros sujetos incluían a un médico y un boticario, así como a la élite superior. En un caso, el banquero Filippo Strozzi el Viejo (que también encargó a Benedetto el diseño del Palazzo Strozzi ), sobreviven tanto un modelo de terracota como un busto de mármol más idealizado. [87]
Benedetto también utilizó el formato en terracota totalmente policromada, [88] que había sido utilizado para un busto atribuido a Donatello del político Niccolò da Uzzano (m. 1431), probablemente póstumo, realizado con una máscara mortuoria . [89] Esto haría que fuera muy temprano. [90] En el siglo siguiente, se hicieron bustos de terracota pintados de Lorenzo de' Medici , probablemente mucho después de su muerte. Se le muestra vistiendo el tocado de capuchino, bastante anticuado y de clase media , como declaración política. [91]
Pietro Torrigiano hizo un busto de Enrique VII de Inglaterra , probablemente póstumo a partir de una máscara mortuoria, [92] y él o Mazzoni uno de un niño alegre que se suponía era el futuro Enrique VIII durante su estancia en Inglaterra. [93] Francesco Laurana , otro escultor que viajó mucho, nació en la Dalmacia veneciana , pero trabajó principalmente en Nápoles, Sicilia y el sur de Francia, con algunos períodos inciertos en su carrera. En la década de 1470, relativamente al final de su carrera, comenzó a producir bustos de hombros de damas de aspecto bastante similar y algo idealizadas en mármol, algunas policromadas. [94]
En el Alto Renacimiento, el busto con hombros de fondo plano había caído en desgracia y se prefirieron los pantalones redondeados de estilo clásico asentados sobre un zócalo , como sigue siendo el caso. [95]
Con algunos precedentes unas décadas antes, [96] la medalla retrato renacentista fue efectivamente inventada por Pisanello . Pintor destacado de las cortes de Italia, estas parecen ser sus únicas piezas escultóricas. La más antigua es probablemente su Medalla del emperador bizantino Juan VIII Paleólogo , a quien Pisanello vio cuando visitó Italia en 1438 . En bronce, de doble cara y 10,3 cm (4,1 pulgadas) de ancho, es como una moneda considerablemente agrandada y establece una convención que normalmente se seguía al tener un retrato en el anverso y una escena diferente en el reverso . [97]
Se hizo habitual tener la empresa o emblema personal del sujeto en el reverso, con un lema. Éstas se habían vuelto esenciales, no sólo para los gobernantes, sino también para cualquiera con pretensiones de ser un humanista del Renacimiento , los grupos con más probabilidades de encargar medallas. Los lemas se convirtieron en acertijos cada vez más abstrusos para que el destinatario los reflexionara, como una "declaración conscientemente erudita sobre la identidad del modelo". Las medallas se produjeron en pequeñas ediciones y, a veces, se utilizaron diferentes metales para destinatarios de diferentes estatus (ver arriba). Fueron recopilados con entusiasmo para el emergente gabinete de curiosidades y se convirtieron en una forma útil de publicidad para los intelectuales que buscaban patrocinio. Pisanello hizo que un colega le hiciera una medalla, [98] y los medallistas posteriores a menudo hacían medallas con autorretratos.
La mayor calidad del modelado de las medallas elevó el listón de la calidad artística de las monedas, especialmente de las emisiones de oro más prestigiosas. En la Italia medieval (a diferencia de Inglaterra) no era habitual incluir un retrato del gobernante, pero en el Renacimiento los retratos de perfil se volvieron habituales para los estados principescos, reviviendo el estilo romano imperial. Los artistas no suelen estar registrados, pero probablemente a menudo fueron distinguidos; La autobiografía de Benvenuto Cellini menciona una que modeló para Alessandro de' Medici, duque de Florencia , que es identificable. [99]
Las medallas que conmemoraban acontecimientos más que individuos llegaron en su mayoría cerca del final de este período, pero se hizo una inmediatamente por el fracaso de la conspiración de Pazzi contra los Medici en 1478; [100] "su contenido narrativo no tiene precedentes". Los dos lados son imágenes casi especulares, con las cabezas de los dos hermanos Medici, Lorenzo que escapó y Giuliano que fue asesinado. Se elevan sobre la mampara del coro de la catedral, donde los asesinos atacaron durante la misa. [101]
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Las estatuillas de bronce eran muy raras en la Edad Media, prácticamente restringidas a la realeza, pero a partir de 1450 aproximadamente se hicieron cada vez más populares para el mercado de coleccionistas adinerados. Los coleccionistas de obras seculares eran en su mayoría hombres y los temas reflejan gustos masculinos. Los caballos eran extremadamente populares, siendo también comunes los guerreros, figuras mitológicas o personificaciones ; La desnudez en ambos sexos se volvió más común durante el siglo XVI. Especialmente en el siglo XVI, los temas de estas obras probablemente fueron elegidos por el escultor para producirlos para la venta, en lugar de encargarlos como la gran mayoría de las esculturas más grandes. Sin embargo, el gusto del mercado debe haber sido una consideración. [102]
Muchas eran versiones reducidas de composiciones más grandes. Estaban destinados a ser apreciados sosteniéndolos y girándolos en las manos por los coleccionistas y sus amigos, cuando los mejores "dan un estímulo estético de ese tipo involuntario que a veces surge de escuchar música", dice John Shearman , hablando de las pequeñas figuras de Giambologna. Ahora que la mayoría se encuentra en museos, este tipo de apreciación casi nunca es posible, y las "cambios de gusto" han hecho que estos objetos "sumamente artificiales" no sean muy populares. [103]
Los temas de las plaquetas también fueron presumiblemente elegidos por los artistas. Aunque eran muy pequeños, permitían el tipo de complicadas composiciones de acción con múltiples figuras que los encargos rara vez requerían y que atraían a los artistas que habían visto sarcófagos tardorromanos . Tanto las estatuillas como las plaquetas se producían generalmente en pequeñas ediciones de varios ejemplares, y algunas plaquetas se realizaban en serie, mostrando diferentes episodios de una historia. [104] Muchos fueron moldeados para ser utilizados como soportes para empuñaduras de espadas y otros elementos, y algunos tomaron prestadas sus composiciones de grabados. Algunos artistas importantes, o sus talleres, hicieron plaquetas, pero muchos artistas no parecen haber participado en esculturas más grandes. [105]
En estos géneros, Florencia no era dominante como lo era para la escultura más grande, y Padua era alrededor de 1500 el centro más grande, habiendo tenido una fuerte tradición de fundición de bronce desde los años de Donatello allí. Entre los principales artistas de Padua se encontraban el alumno de Donatello, Bartolommeo Bellano , y su alumno Andrea Riccio . Pier Jacopo Alari Bonacolsi , conocido como "Antico", tenía su base en Mantua y producía figuras clasicistas en su mayoría elegantes, a menudo con reflejos dorados, para la familia Gonzaga . [106]
La gema grabada , una pequeña forma de talla de piedra dura , había sido un objeto popular de coleccionar para los antiguos romanos, incluido Julio César , y una serie de ejemplos antiguos se habían incorporado a objetos joyeros medievales como la Cruz de Lotario . En particular, los cameos de retratos imperiales como el de Gemma Augustea tenían un tremendo prestigio, y las élites del Renacimiento estaban muy interesadas en tener sus propias imágenes en la forma. Algunas plaquetas copian, o incluso están hechas de, gemas grabadas antiguas, especialmente de la colección de los Medici. [107]
En el siglo XVI, los escultores venecianos "desarrollaron un género de objetos domésticos en bronce de gran escala" para los palacios y villas de los patricios, incluyendo a menudo figuras entre la rica decoración. Estos incluían candelabros, aldabas y morillos . [108] Los talleres de Andrea Riccio y más tarde de Girolamo Campagna fueron prominentes en esta área, pero los fabricantes de muchos objetos no están claros. [109]
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La mayoría de los escultores se formaban y trabajaban en talleres bastante pequeños ( bottega ), que a menudo incluían a otros miembros de la familia, y estaban en la planta baja de la residencia del maestro. Los grandes encargos a menudo requerían colaboraciones entre diferentes talleres y viajes al lugar de la obra durante períodos prolongados. [111] El taller más grande y bastante estable del siglo XV fue probablemente el de Ghiberti, pero Donatello tenía una gran cantidad de asistentes, muchos de ellos por períodos breves. La figura del "único maestro aislado responsable tanto de la ejecución de la pieza como del diseño, como pensamos en Miguel Ángel, no surgió hasta" finales del siglo XV. [112] Varios escultores importantes trabajaron en diferentes ciudades a lo largo de su carrera; Roma y Venecia en particular importaron a la mayoría de sus escultores, a veces Roma para una sola pieza. [113]
Una forma común de pagar la escultura era pagar una cierta cantidad a medida que avanzaba el trabajo, pero dejar la valoración final a "terceros desinteresados, generalmente los propios artistas, a quienes se les pedía que se pronunciaran sobre la calidad de la mano de obra" y encontraran el valor final. . Esto, a pesar de algunos episodios difíciles, fue "un poderoso incentivo para una ejecución meticulosa". [114]
En 1472 Florencia tenía 54 talleres de talla de piedra y 44 de orfebrería y platería, ambos más que los 30 talleres del pintor. Había más talladores de madera que carniceros en la ciudad. Pero la ciudad era atípica, con quizás la mayor concentración de Italia, y en aquel entonces sólo rivalizaba con Venecia; Por el contrario, Nápoles y el sur de Italia en general tenían pocos artistas. [115] Grandes proyectos en Nápoles, como la entrada triunfal al Castel Nuovo y la Porta Capuana , fueron diseñados y ejecutados por artistas del norte, o bajo Alfonso V de Aragón , rey de Nápoles de 1442 a 1458, su España natal. . [116]
Muchos escultores también trabajaron como arquitectos, una profesión que entonces no estaba claramente definida, o como pintores, y aquellos con experiencia en orfebrería a menudo continuaron ejerciendo otras partes de esa profesión, haciendo joyas y actuando como banqueros. Los escultores, si no provenían de una familia de artistas, como muchos lo eran, por lo general provenían de entornos urbanos de clase media. Por lo general, para obtener un aprendizaje, especialmente como orfebre, era necesario un pago o conexiones familiares. Leonardo da Vinci era uno de los que consideraba la escultura una ocupación menos caballerosa que la pintura, porque era "polvorienta, sucia y físicamente agotadora". [117] Pero financieramente tal vez fue típicamente más gratificante. Quizás las piezas se trabajaban habitualmente apoyadas en posición diagonal, mientras el escultor estaba sentado, como muestra el relieve de Andrea Pisano . Además del cincel que utiliza, se muestra un compás, un taladro y un libro, y la pieza en la que está trabajando es una estatua desnuda de estilo clásico. [118]
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Incluso en comparación con los pintores, las escultoras registradas son extremadamente raras, [119] aunque probablemente muchas no están registradas, especialmente las modeladoras en cera. Properzia de' Rossi de Bolonia (c. 1490-1530), "la única escultora de mármol de la Italia del Renacimiento", fue considerada un prodigio por ser mujer y recibió una biografía en Vasari Lives . Inusualmente para las artistas mujeres, como hija de un notario , no tenía antecedentes familiares evidentes en las artes. Se dice que fue autodidacta y practicó con huesos de frutas, pero luego siguió una carrera profesional esculpiendo mármol. [120] Diana Scultori (1547-1612) de Mantua es conocida como "la única grabadora del siglo XVI que firmó sus grabados", [121] pero se formó con su padre, que era grabador y escultor, y es posible que haya Trabajó en escultura.
Los gremios a los que los escultores debían unirse en la mayoría de las ciudades a menudo estaban divididos según los materiales utilizados, [122] de maneras que a veces obstaculizaban el desarrollo del arte. Los talladores de piedra, orfebres, trabajadores de otros metales y talladores de madera a menudo pertenecían a diferentes gremios, aunque la terracota a menudo carecía de un gremio. Los gremios eran especialmente fuertes y políticamente poderosos en Florencia, mientras que en Roma, Venecia y ciudades más pequeñas eran en su mayoría débiles. Su influencia se redujo considerablemente durante el período. En Florencia, los talladores de piedra y madera compartían el Arte dei Maestri di Pietra e Legname ("Gremio de Maestros en Piedra y Madera", uno de los Arti Mediane o gremios de rango medio), [123] y en el siglo XVI finalmente fueron Se les permitió unirse a los pintores en su Compagnia di San Luca, estrictamente una cofradía más que un gremio hasta 1572. Los metalúrgicos florentinos formaban parte del Arte della Seta , el poderoso gremio de la seda, uno de los Arti Maggiori o "gremios principales". [124] Aunque poderosos, los gremios de Florencia aceptaron más que muchas ciudades más pequeñas a los artistas "extranjeros" de otras ciudades que practicaban allí, [125] tal vez porque muchos maestros florentinos trabajaron en otros lugares.
Los gremios de Florencia también fueron mecenas muy importantes, al menos hasta finales del siglo XV, y a menudo pagaban por nuevas obras en las iglesias, como las puertas del Baptisterio de Florencia y la Porta della Mandorla de la catedral (ver ambas a continuación). Los encargos privados también eran muy frecuentes para los miembros del gremio; El gremio más rico, el de los banqueros ( Arte del Cambio ), incluía a muchos de los Medici y Strozzi . [127] Para los banqueros, expiar el pecado de usuaria mediante generosas contribuciones a instituciones religiosas y cívicas era un motivo adicional. [128]
En los numerosos estados principescos monárquicos de Italia, el gobernante era el principal mecenas, y a menudo gastaban generosamente para glorificarse: Milán, Rímini , Ferarra , Urbino son ejemplos, pero ninguno igualó a los Medici después de que se convirtieron en Grandes Duques de Toscana en 1531, y deseaban promover su nuevo estatus. Después de que los papas regresaron del cautiverio de Aviñón en 1376, siempre hubo un cierto nivel de patrocinio papal, aunque sólo fuera para las tumbas, pero esto variaba considerablemente según el papa individual (como también era el caso de los príncipes). A excepción de dos de la familia española Borgia (ninguno de los dos grandes mecenas de la escultura), los papas de 1431 a 1503 procedían de familias del norte de Italia y, sin duda, estaban acostumbrados a la escultura contemporánea. El año Juileo de 1450 inició un programa de renovación urbana en Roma, que incluía la actualización o restauración de iglesias, incluidas sus esculturas, "como semilleros alrededor de los cuales podría desarrollarse la reconstrucción de barrios enteros de la ciudad". [129]
La escultura papal para sus palacios y tumbas aumentó enormemente en el siglo XVI bajo los papas Julio II , León X y Clemente VII , siendo los dos últimos Medicis. A medida que se desarrolló la Contrarreforma , el patrocinio papal se volvió más variable. Los cardenales eran a menudo mecenas generosos, sobre todo en Roma y sus alrededores. [130]
A lo largo del Renacimiento, el gusto y los bolsillos de los miembros menores de las élites, en la nobleza, los patricios y los banqueros y comerciantes ricos por el arte de los últimos estilos se desarrollaron y se extendieron cada vez más abajo en la escala social. Alrededor de 1500, los bustos de hombros (ver más abajo) eran a veces "monumentos económicos hechos de terracota formados a partir de un molde de una máscara mortuoria agregada desordenadamente al pecho y los hombros toscamente modelados". [131]
Especialmente en el siglo XV, los relieves , a diferencia de las esculturas redondas , constituían una proporción mucho mayor de escultura fina que posteriormente. Por lo tanto, los espectadores modernos están relativamente poco acostumbrados a esta forma y tienden a pasarla por alto. Hasta que el Grupo Laocoonte fue desenterrado en el centro de Roma en 1506, las poses más dramáticas y atléticas en las esculturas romanas conocidas eran relieves abarrotados en sarcófagos tardorromanos , mientras que las estatuas conocidas eran casi todas retratos de pie dignos pero más bien estáticos. [132]
Nicola Pisano (activo c, 1240 a 1278) fue el principal escultor de lo que Erwin Panofsky llamó "el protorrenacimiento clasicista". Sus principales obras fueron conjuntos de relieves, especialmente los de los grandes púlpitos elevados del baptisterio de Pisa (fechados en 1260) y la catedral de Siena . Tenía un gran taller, incluido su hijo Giovanni Pisano , y las numerosas esculturas de la Gran Fuente de Perugia (1277-1278) probablemente fueron diseñadas por Nicola, pero en su mayoría talladas por él. Sus paneles más grandes muestran escenas abarrotadas, a veces combinando escenas en una sola composición, por ejemplo la Anunciación y la Natividad de Cristo en el púlpito del Baptisterio de Pisa ; la mayoría de las representaciones de este período habrían mostrado dos escenas en compartimentos diferentes. La juventud de Pisano en su Apulia natal , en el extremo sur de Italia, transcurrió cuando Federico II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico , reinó y vivió principalmente allí, promoviendo un renacimiento romano en las artes. Pisano está claramente influenciado por el estudio de los sarcófagos romanos antiguos . [133]
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El hijo de Nicola, Giovanni Pisano, se hizo cargo del taller de su padre en la década de 1280 y fue mucho más receptivo al estilo gótico que su padre. [134] Durante el siglo siguiente, las influencias góticas y clásicas se encontraron juntas en muchas obras grandes, a veces en conflicto. [135] En la década de 1380, estaba surgiendo "un movimiento vigoroso" en varias partes de Italia que sentó las bases para los estilos del siglo siguiente. [136] Pero la década de 1390 también "comenzó el apogeo en Toscana de una ola gótica" en el estilo gótico internacional ; [137] la gran "Porta della Mandorla" de la Catedral de Florencia, patrocinada por el Arte della Lana o gremio de tejedores de lana, al que contribuyeron muchos escultores, demuestra esta imagen compleja. [138]
En el invierno de 1400-1401, el Arte di Calimala o gremio de comerciantes de telas, anunció que habría un concurso para diseñar un nuevo par de puertas de bronce para el lado este del Baptisterio de Florencia (ahora trasladado al lado norte), que estaban pagando. Un factor en el momento puede haber sido el progreso que se estaba haciendo en la escultura de la catedral, pagado por un gremio rival. Organizar un concurso era inusual, pero el encargo era extremadamente destacado. Entre numerosas candidaturas, se eligió una lista de siete escultores, todos toscanos pero no todos florentinos. Las puertas debían tener un formato típico de 28 paneles figurativos en bronce, siete filas en dos columnas en cada puerta. Se pidió a los preseleccionados que proporcionaran modelos para un panel en relieve dentro de un marco de cuatro hojas que se suministró, que coincidía con los de las puertas sur existentes de Andrea Pisano (iniciadas en 1329). El tema era el Sacrificio de Isaac (de hecho, nunca se usó, ya que el programa se cambió para mostrar solo temas del Nuevo Testamento ). Había un jurado de 34 personas, la mayoría artistas. De manera muy inesperada, el ganador fue declarado Lorenzo Ghiberti , que entonces tenía sólo 22 años. [139]
Dos de los relevos de prueba sobreviven, los de Ghiberti y el subcampeón, Filippo Brunelleschi , también de poco más de 20 años. Al jurado le resultó muy difícil decidir entre ellos y propuso que los dos colaboraran, pero Brunelleschi se negó y, después de esta derrota, se dedicó cada vez más a la arquitectura. La decisión fue amarga y la disputa continuó causando malos sentimientos durante muchos años. Ambas composiciones reflejaban el conocimiento de los últimos estilos florentinos, la escultura antigua y el gótico internacional del norte; la elección no fue en modo alguno entre estilos nuevos y viejos. Las figuras de Ghiberti se integran más eficazmente con el paisaje de fondo. [140] En Ghiberti "el estado de ánimo es mucho más amable" que la "interpretación estoica y cruda" de Brunelleschi. Isaac de Ghiberti era un desnudo idealizado, con "la sugerencia de un heroísmo conmovedoramente mudo e infantil frente a una fatalidad inexplicable", [141] también descrito como "el primer desnudo verdaderamente renacentista; en él el naturalismo y el clasicismo se mezclan y sublimado por una nueva visión de lo que puede ser un ser humano". [142]
Ghiberti tuvo que establecer una fundición y ampliar su taller, que llegó a contar con unas 25 personas, [143] entre ellas Donatello, Michelozzo , Paolo Uccello y Masolino . Las primeras puertas no se colgaron hasta 1424, y al año siguiente el gremio le encargó otro juego, las llamadas "Puertas del Paraíso" (según una observación de Miguel Ángel). Esta vez no hubo competencia, pero hubo un intervalo de algunos años antes de que comenzaran las obras; toda la fundición principal parece haber sido realizada en 1436, pero no se completó hasta 1452. Esta vez sólo hay diez paneles principales, más grandes, cinco de alto en cada puerta. Son cuadrados y están totalmente dorados , no parcialmente . Las figuras no son más grandes, sino que están situadas en paisajes en perspectiva o paisajes urbanos. Se utilizan de forma magistral diferentes niveles de relieve para concentrar la mirada del espectador en los elementos más importantes. [144]
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Donatello , "el artista individual más influyente del siglo XV", [146] comenzó a recibir importantes encargos alrededor de 1408, principalmente en mármol, y en 1411 se encargó su San Marcos para Orsanmichele. Durante el siguiente medio siglo fue el escultor más importante e inventivo de Italia, llevando el estilo renacentista a la madurez. Su trabajo siempre fue muy expresivo de emoción, en una variedad de estados de ánimo diferentes, y en sus últimos años esto a menudo toma un giro más intenso. [147]
Desarrolló un estilo de relieve muy superficial y delicado, llamado stiacciato , al mismo tiempo que sobresalía en estatuas, incluida la desafiante primera estatua ecuestre de bronce (ver arriba). [148] Su segundo David , de bronce, es merecidamente una de las esculturas más famosas de la época y la primera estatua desnuda independiente del Renacimiento. [149] David , el matagigantes bíblico, era un símbolo de Florencia, y un bronce de Verrocchio fue otro encargo de los Medici en la década de 1470, seguido de la famosa estatua de mármol de Miguel Ángel a principios del siglo siguiente. [150]
Donatello pasó largos períodos en Roma, en su juventud con Filippo Brunelleschi y más tarde, entre 1430 y 1433, con su entonces socio Michelozzo ; Ambos son ahora más conocidos como arquitectos. Esto profundizó su comprensión del estilo clásico. [151] En 1443 dejó Florencia para ir a Padua, para su Gattamelata ecuestre (ver arriba), fundando allí una tradición de fundición de bronce. Estuvo ausente diez años, durante los cuales comenzó a desarrollarse su estilo final más duro. [152]
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Desde aproximadamente 1430 hasta la década de 1480 hubo un número notable de escultores importantes que trabajaron en variaciones personales del estilo establecido por Ghiberti, Donatello y otros. Charles Avery describe como "los dos modos escultóricos dispares de mediados de siglo, el 'estilo dulce' de Ghiberti y el expresionismo brutal de Donatello", señalando que Verrocchio "pudo combinar" los dos. [153]
La primera obra documentada de Luca della Robbia es una galería de canto o cantoria en la catedral de Florencia (1431-1438) con relieves de niños. Después de que Donatello regresó de Roma, recibió el encargo de hacer uno a juego (1433-1440). Según Roberta Olsen, "mientras las figuras extremadamente dulces y refinadas de Luca crean un ambiente ideal, los amorcillos libremente expresivos de Donatello son obscenos. Son ángeles regordetes y poco ortodoxos... Por el contrario, las figuras sobrias de Luca... podrían ser retratos de niños reales. las alusiones a la antigüedad son encubiertas mientras que las de Donatello son abiertas". [154]
Con Donatello ausente en Padua de 1443 a 1453, el "estilo dulce" dominó la escultura florentina durante los siguientes 25 años, con el mayor Luca della Robbia , los hermanos Bernardo y Antonio Rossellino, a los que más tarde se unió Andrea del Verrocchio como figuras destacadas. [155]
Aparte de los ya mencionados, Desiderio da Settignano (muerto en 1464, tenía treinta y tantos años) es menos conocido, ya que murió muy joven, y muchas de sus obras son relieves religiosos relativamente pequeños, marcados por la "delicadeza" y la "extrema delicadeza". sutileza". También realizó varios retratos de niños. [156] Un alumno fue probablemente el Maestro no identificado de las Vírgenes de Mármol que continuó con su estilo en la siguiente generación.
El Tempio Malatestiano de Rímini fue diseñado por Leone Battista Alberti , el principal teórico del arte de la época, para Sigismondo Malatesta , el gobernante de la ciudad que también era comandante del ejército papal, antes de convertirse en "la única persona viva condenada públicamente al infierno por el Papa". " (en 1460). [157]
Nunca se completó según lo planeado, pero sigue siendo extremadamente importante arquitectónicamente, además de que el interior tiene "la decoración escultórica más rica de cualquier edificio renacentista" hasta 1449, cuando se añadió la primera escultura. Tanto por dentro como por fuera, la escultura tiene un relieve bastante bajo, en bandas que se extienden vertical u horizontalmente en muchas superficies. El tema era a veces innovador, con capillas que ahora reciben el nombre de "los Niños Jugando", "los Planetas" y las "Artes y Ciencias", a partir de los temas de los relieves. El principal taller responsable fue el de Agostino di Duccio ; otro pudo haber compartido la obra, quizás la de Matteo de' Pasti . [158]
Los duques de Milán fueron los gobernantes ambiciosos de posiblemente el estado italiano más rico y elegante de la segunda mitad del siglo y, al igual que sus homólogos del norte, los duques Valois de Borgoña estaban dispuestos a gastar grandes sumas de dinero en las artes para promover sus dinastías. y estados. En ambos casos, estas ambiciones se habían derrumbado de manera espectacular a finales de siglo. [159]
Lombardía , al pie de los Alpes, estaba más cerca de las influencias del norte que la mayor parte de Italia, y ya se habían contratado escultores franceses y alemanes para el enorme programa de esculturas de la catedral de Milán , esencialmente gótica , que tardaría siglos en completarse. Por el contrario, la Certosa di Pavia , un gran monasterio destinado a ser el lugar de enterramiento dinástico de los duques, fue construido y decorado rápidamente a partir de la década de 1460, con un segundo estallido de actividad en la década de 1490, y quedó en gran medida completo con el colapso dinástico en la década de 1490. fin de siglo. Representa así, especialmente en los exteriores, la mayor supervivencia que muestra el gusto cortesano lombardo de este período, volviéndose "más delicado en escala, más exquisito en técnica" .
A finales del siglo XV se produjo una especie de crisis en la escultura, especialmente en Florencia. Aproximadamente después de 1485, las fuentes tradicionales de grandes encargos se estaban agotando. Los proyectos escultóricos se hicieron más pequeños, a menudo pagados por individuos individuales, sobre todo los Medici. [161]
La invasión francesa de Italia en 1494 desestabilizó a Italia y comenzó una serie de guerras que en 1559 llevaron a que los Habsburgo españoles y austríacos dominaran el país. Los Medici fueron expulsados de Florencia en 1494, para regresar más tarde, y Ludovico, duque de Milán, también cayó en 1499. Muchos artistas se trasladaron para evitar los combates, entre ellos Miguel Ángel, que pasó un año en Bolonia . [162] El Caballo Sforza de Leonardo fue sólo uno de los grandes proyectos abandonados en estos años. La ambiciosa y estilísticamente avanzada tumba del general francés Gastón de Foix, duque de Nemours (muerto en 1512), obra de Agostino Busti, fue abandonada cuando los franceses fueron expulsados de Milán. Las figuras y algunos relieves terminados se encuentran en Milán, y otros relieves en Turín , con un dibujo del diseño previsto y vaciados de la mayor parte de sus partes, en Londres. [163]
La década de 1490 vio el surgimiento de Miguel Ángel como un talento excepcional, que culminó con su Piedad , iniciada en 1498. A principios del siglo siguiente, comenzó su David . Esto "estableció la reputación de Miguel Ángel... en toda Italia e incluso más lejos", y sigue siendo su escultura más famosa. Después de esto, los escultores de grandes obras tuvieron que reaccionar ante la enorme fuerza de las figuras de Miguel Ángel. [164] En 1504, Miguel Ángel recibió el primero de los enormes encargos de pintura, para la Batalla de Cascina (nunca terminada), que lo alejarían de la escultura durante gran parte de su carrera y dejarían muchos proyectos escultóricos sin terminar. [165] Pero es una "teoría errónea" común, aunque común, que se trata de una preferencia deliberada; en cambio, fue causado por su perfeccionismo, su negativa a delegar en asistentes y su incapacidad para hacer frente a las múltiples demandas de sus poderosos patrocinadores. [166] Una gran figura de bronce del Papa Julio II de Bolonia también fue destruida en 1511 por la ciudad. [167]
La técnica única de Miguel Ángel para tallar estatuas era tallar inicialmente solo una cara del bloque, en lugar de que un asistente llegara a las dimensiones aproximadas de la figura en todos los lados, como hicieron otros escultores. A medida que avanzaba y empezaban a surgir vistas laterales, comenzaba a tallar los lados del bloque. Esta técnica le dio "la posibilidad de continuas alteraciones y revisiones de los contornos, e incluso de las posiciones", de todas las partes aún no alcanzadas. Pero requirió su total concentración durante todo el proceso de tallado y descartó efectivamente el uso de asistentes, excepto para etapas de acabado como el pulido. Sus varias esculturas inacabadas demuestran la técnica, pero también muestran las exigencias excesivas que la técnica le imponía. [168]
El Papa le pidió por primera vez a Miguel Ángel que creara la tumba del Papa Julio II en 1505, y se dedicó a elegir el mármol, lo que le llevó varios meses. Pero de 1508 a 1512 se dedicó a pintar el techo de la Capilla Sixtina . Originalmente la tumba se había planeado como una estructura piramidal independiente con muchas figuras, pero después de la muerte del Papa en 1513, se firmó un nuevo contrato especificando que se ubicaría contra una pared. Las obras continuaron "espasmódicamente" hasta 1545, cuando "ese miserable fragmento que tenemos del proyecto original", con Moisés y otras dos estatuas suyas, fue instalado en San Pietro in Vincoli , ya que San Pedro era una obra. Otras piezas están en otros lugares, la mayoría sin terminar. El joven desnudo masculino Victory , con una Figura serpentinata retorcida , que dejó en su estudio de Florencia, tuvo una gran influencia entre los escultores más jóvenes de allí. [169] Por el contrario, sus cuatro "esclavos inacabados", ahora en el Louvre, "no fueron tratados con la reverencia posiblemente exagerada en la que ahora se les tiene", sino que se colocaron en la gruta de los jardines de Bóboli . [170]
Su Capilla de los Medici , planeada por primera vez en 1520, tuvo una historia algo similar, pero lo que finalmente se instaló (por Tribolo en 1545) constituye un conjunto mucho más satisfactorio, "uno de los complejos escultóricos más famosos del mundo". [171]
Baccio Bandinelli , que según Vasari estaba obsesionado por la rivalidad tanto con Miguel Ángel, un poco mayor, como con Cellini, un poco más joven, recibió el encargo muy politizado de Hércules y Caco en la Piazza della Signoria, utilizando un bloque de mármol originalmente asignado a Miguel Ángel. En ese momento y posteriormente se consideró un intento fallido de emular a Miguel Ángel; Cellini describió el físico del héroe como "un saco de melones" y los escritores de versos hostiles fueron encarcelados. Sin embargo, los Medici lo apoyaron, en ausencia de Miguel Ángel en Roma, y recibió la mayoría de los encargos importantes en Florencia durante varias décadas, a pesar (como Miguel Ángel) de tener un pobre historial en la finalización de obras. [172]
Entre los escultores florentinos que intentaron reconciliar las influencias de Miguel Ángel y el manierismo se encuentran Niccolò Tribolo y su alumno Pierino da Vinci (sobrino de Leonardo). La carrera de Tribolo se desvió hacia la gestión del suministro de agua de la ciudad y otros trabajos de ingeniería, y algunas de sus mejores obras posteriores son fuentes para los jardines de los Medici. Pierino tenía un gran talento, pero murió a los 24 años. Además de las estatuas, desarrolló un estilo de relieve manierista muy eficaz, algo que había eludido a Cellini y en el que no tuvo sucesores. [173]
Benvenuto Cellini se formó como orfebre en Florencia y trabajó principalmente en metal, aunque aprendió muy bien a tallar mármol. [174] Gracias a su autobiografía (que no se encontró hasta el siglo XVIII) sabemos más sobre él que cualquier otro escultor de la época. Su obra maestra indudable es Perseo con la cabeza de Medusa , 1545-1554, quizás siempre pensada para su posición destacada actual en la Loggia dei Lanzi . [175] "Tiene el aplomo elegante y sin esfuerzo que fue el sello distintivo del arte manierista". [176]
Bartolomeo Ammannati fue un escultor talentoso, no mejor representado por su obra más destacada, la figura central de la Fuente de Neptuno, Florencia , donde se hizo cargo, después de un concurso, de un bloque iniciado por Bandinelli. Más tarde, bajo la influencia de la Contrarreforma , se volvió contra la desnudez en la escultura pública y dejó de trabajar. [177] Vincenzo Danti , que también participó en el concurso Neptuno , descubrió que no podía competir en Florencia con Giambologna y regresó a su Perugia natal como arquitecto de la ciudad y profesor en la nueva academia. [178]
El florentino Jacopo Sansovino fue inicialmente escultor. Estuvo trabajando en Roma, pero después del saqueo de 1528 partió hacia Venecia, donde permaneció. Se le recuerda principalmente como el arquitecto más importante de la época allí, y no está claro qué parte de la escultura de sus edificios ejecutó él mismo. Trabajó en estrecha colaboración con Alessandro Vittoria , considerado el escultor veneciano más importante. Sus bustos, bastante severos, se adaptaban al gusto veneciano. [179]
Conocido como Jean de Boulogne en su casa de Douai , Flandes (ahora en Francia), Giambologna se formó con un escultor local que había estado en Italia. A los 21 años pasó dos años en Roma y, al regresar al norte en 1557, encontró un mecenas en Florencia, quien lo presentó a la corte. Su participación en el concurso Neptuno de Florencia en 1560 no tuvo éxito, pero probablemente provocó que las autoridades de Bolonia lo invitaran a realizar su Fuente de Neptuno en Bolonia . Terminado en 1566, este fue su encargo más grande hasta la fecha. [180] Fue llamado brevemente de Bolonia en 1565 para hacer decoraciones temporales para una boda de los Medici. Produjo un modelo de tamaño natural en yeso (yeso) de Florencia triunfando sobre Pisa , que se exhibió en la boda. La versión en mármol fue realizada posteriormente, quizás por un asistente. Este trabajo introduce su interés por "el problema de unir dos figuras en un grupo de acción", que muchos trabajos posteriores continúan. [181]
A medida que se desarrolló su carrera, demostró ser un administrador capaz de un gran taller y un eficiente administrador de encargos, lo que permitió su gran producción, principalmente en bronce. Trabajó siempre a partir de modelos que su taller repetía a menudo en diferentes tamaños. Sus elegantes figuras retorcidas culminan en su mármol El rapto de la sabina (1579-1585, título que adoptó una vez terminada la obra, por sugerencia de un amigo), que está diseñado para ser igualmente satisfactorio visto desde cualquier ángulo, [182] como lo fue su anterior Mercurio , en equilibrio sobre un pie (hay cuatro versiones). [183]
Muchas de sus estatuas más grandes fueron originalmente para jardines, a menudo como pieza central de una fuente. [184] El enorme Coloso de los Apeninos (década de 1580) se encuentra en los jardines de la Villa di Pratolino , un jardín manierista clásico lleno de esculturas, grutas y autómatas, incluidos algunos que arrojaban agua a los visitantes. Parcialmente tallado en una roca, es demasiado grande para trasladarlo a un museo, por lo que permanece en su lugar. [185] De otros artistas, los Monstruos de Bomarzo , en su mayoría afloramientos naturales de roca fantásticamente tallada, y los jardines de la Villa d'Este en Tivoli, Lacio, son otras obras maestras de la escultura de jardín manierista, ambas mucho mejor conservadas que el resto de la Villa. di Pratolino. [186]
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Al final del período, la industria de la impresión reproductiva distribuía imágenes impresas de obras italianas por toda Europa; las antigüedades y las pinturas fueron los temas más populares, pero se copiaron muchas esculturas del Renacimiento. [187] Pero antes de 1530, aproximadamente, la principal exposición de los extranjeros al arte del Renacimiento italiano eran los movimientos físicos de artistas u obras italianos en el extranjero, o visitantes extranjeros a Italia. Muchos artistas extranjeros, especialmente los holandeses, realizaron largas visitas a Italia, generalmente al comienzo de sus carreras, y llevaron lo que habían aprendido a sus países de origen. Por ejemplo, se cree que el maestro de Giambologna, Jacques du Broeucq, pasó unos cinco años en Italia y adoptó un estilo italiano una vez que regresó a Amberes . [188] Después de 1550, la consolidación de gran parte de Europa bajo los Habsburgo dio lugar a "una notable internacionalidad del estilo decorativo", con artistas, o sus dibujos, grabados y plaquetas, difundiendo diseños por toda Europa, siendo Italia el punto de origen habitual. [189]
Los períodos de trabajo de los italianos en el extranjero a menudo tuvieron efectos decisivos en la futura escultura del país visitado, proporcionando modelos para los artistas locales; Este fue especialmente el caso en Francia. Aunque las guerras italianas iniciadas en 1494 fueron un desastre para Italia, resultaron en una "dominación cultural italiana de Europa... que compensó artísticamente el sometimiento político y militar de Italia". [190] Al final del período, el turismo, impulsado por el interés por el arte italiano, ya estaba adquiriendo importancia económica, para Florencia, Venecia y Roma en particular.
Objetos portátiles como medallas y pequeños bronces llegaron al resto de Europa e inspiraron imitaciones locales. Al final del período, los pequeños bronces de Giambologna y su taller (y sus imitadores) eran una pequeña industria principalmente destinada a la exportación. [191] El propio Giambologna, como principal escultor de finales del siglo XVI, recibió muchas invitaciones para trabajar en cortes extranjeras, que los Grandes Duques de los Medici no le permitieron aceptar. Los artistas destacados a veces se mostraban cautelosos a la hora de aceptar invitaciones extranjeras, especialmente de los Habsburgo, ya que normalmente necesitaban el consentimiento del gobernante para volver a partir. [192]
Los prolongados períodos de trabajo fuera de Italia de Torrigiano y Lariana ya se han señalado anteriormente. Al igual que otros emigrados, cuando estaban en el extranjero trabajaban principalmente para círculos cortesanos con gusto avanzado. Los artistas de la corte Tudor eran en su mayoría de los Países Bajos, aunque algunos, como el primer medallista inglés, Steven van Herwijck , habían trabajado en Italia. Entre los pocos escultores italianos se encontraban Torrigiano y probablemente el especialista en terracota Guido Mazzoni , quien seguramente pasó algunos años después de 1495 en Francia. [193] Después de la Reforma inglesa, los visitantes eran casi todos retratistas, pero durante el reinado de María I de Inglaterra visitó el medallista y joyero de los Habsburgo, Jacopo da Trezzo . [194]
La Primera Escuela de Fontainebleau fue un grupo de pintores italianos invitados a Francia por el rey Francisco I para venir a Francia, donde comenzaron a decorar el enorme nuevo castillo de Fontainebleau , formando una virtual colonia de artistas en el bosque en la década de 1530. Su gran cantidad de elegantes relieves manieristas en estuco , a menudo de mujeres altas, delgadas y desnudas, "extravagantemente anticlásicos" según Kenneth Clark , tuvieron una gran influencia en el estilo manierista del norte de Francia ; algunos se mostraron en los grabados que produjo el grupo. [195]
Benevenuto Cellini pasó entre 1540 y 1545 en Francia, donde produjo su sal de oro (ver arriba) y un gran relieve en bronce de la Ninfa de Fontainebleau (1542, ahora Louvre ) en lo que se conoció como el "estilo francés". Probablemente estuvo influenciado por los estucos de Fontainebleau. [196]
Domenico Fancelli (1469-1519) produjo varias efigies de tumbas para la realeza española y la importante familia Mendoza , pero trabajó en Carrara y visitó España brevemente "para instalar su obra y firmar nuevos contratos". [197] De manera similar, Leone Leoni permaneció en Milán después de ser designado para dirigir la casa de moneda imperial de los Habsburgo, pero su hijo Pompeo se mudó a España, donde terminó e instaló las obras más importantes de su padre y produjo las suyas propias. [198]
Andrea Sansovino pasó gran parte de 1491 a 1501 trabajando en Portugal para el rey Manuel I de Portugal . [199] Jacopo Caraglio , que presumiblemente se había formado como orfebre, fue un grabador importante al comienzo del manierismo romano, con diseños de Rosso Fiorentino y otros. Uno de los muchos artistas que huyeron de Roma después del saqueo en 1527, y después de algunos años en Venecia, estuvo en la corte polaca en 1539, donde pasó el resto de su carrera como orfebre de la corte, incluyendo la talla de retratos con camafeos de gemas grabadas y medallas de modelado. de la familia real. [200] Giovanni Maria Mosca también se instaló en Polonia. El bastante desconocido escultor florentino llamado Gregorio di Lorenzo viajó a Hungría a finales del siglo XV para trabajar para la corte. Verrocchio le había enviado dos relieves al rey Matías Corvino (r. 1464-1490) como regalo diplomático de Lorenzo de' Medici . [201] Giovanni Dalmata también fue a trabajar para el rey Matías en 1481. [202]
Medios relacionados con las esculturas del Renacimiento italiano en Wikimedia Commons
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