El contrabajo ( / ˈdʌbəlbeɪs / ) , también conocido como contrabajo , bajo acústico , violín o simplemente bajo , es el cordófono más grande y de tono más bajo [1] en la orquesta sinfónica moderna ( excluyendo adiciones raras como el octocontrabajo ) . [ 2] Similar en estructura al violonchelo , tiene cuatro o cinco cuerdas.
El bajo es un miembro estándar de la sección de cuerdas de la orquesta , junto con violines , violas y violonchelos , [3] así como en la banda de conciertos , y aparece en conciertos , solistas y música de cámara en la música clásica occidental . [4] El bajo se utiliza en una variedad de otros géneros, como el jazz , el blues , el rock and roll , el rockabilly , la música country , el bluegrass , el tango , la música folclórica y ciertos tipos de bandas sonoras de películas y videojuegos .
El linaje exacto del instrumento aún es motivo de debate, y los estudiosos están divididos sobre si el bajo deriva de la viola o de la familia del violín .
Al ser un instrumento transpositor , el bajo se suele escribir una octava más arriba de lo afinado para evitar líneas adicionales excesivas debajo del pentagrama. El contrabajo es el único instrumento de cuerda frotada moderno que se afina en cuartas [5] (como un bajo, una viola o las cuatro cuerdas de sonido más bajo de una guitarra estándar ), en lugar de quintas , con cuerdas generalmente afinadas en E 1 , A 1 , D 2 y G 2 .
El contrabajo se toca con un arco, o punteando las cuerdas ( pizzicato ), o mediante una variedad de técnicas extendidas . En el repertorio orquestal y la música de tango, se emplean tanto el arco como el pizzicato. En el jazz, el blues y el rockabilly, el pizzicato es la norma. La música clásica y el jazz utilizan el sonido natural producido acústicamente por el instrumento, al igual que el bluegrass tradicional . En el funk, el blues, el reggae y géneros relacionados, el contrabajo suele amplificarse .
A una persona que toca este instrumento se le llama "bajista", "contrabajista", "contrabajista", "contrabajista" o "bajista". Los nombres contrabajo y contrabajo se refieren (respectivamente) al rango del instrumento, y a su uso una octava más baja que el violonchelo (es decir, la parte del violonchelo era la línea principal del bajo, y el "contrabajo" originalmente tocaba una copia de la parte del violonchelo; solo más tarde se le dio una parte independiente). [6] [7] Los términos para el instrumento entre los intérpretes clásicos son contrabajo (que proviene del nombre italiano del instrumento, contrabbasso ), contrabajo (para distinguirlo de los instrumentos de bajo de metal en una banda de concierto , como las tubas ) o simplemente bajo.
En el jazz, el blues, el rockabilly y otros géneros fuera de la música clásica, este instrumento se denomina comúnmente contrabajo, contrabajo o bajo acústico para distinguirlo del bajo (generalmente eléctrico) . En la música folk y bluegrass, el instrumento también se conoce como "violín bajo" o "violín bajo" (o más raramente como "bajo doghouse" o "violín bull" [8] ). Si bien no es un miembro de la familia de instrumentos del violín, la construcción del contrabajo es bastante diferente a la del bajo acústico , ya que este último es un derivado del bajo eléctrico y generalmente se construye como una variante más grande y resistente de una viola de gamba , su antecesor.
Al contrabajo a veces se le llama, de forma confusa, violone , violín bajo o viola baja .
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Un contrabajo típico mide alrededor de 180 cm (6 pies) desde la voluta hasta el extremo. Mientras que el contrabajo tradicional de "tamaño completo" (tamaño 4 ⁄ 4 ) mide 74,8 pulgadas (190 cm), el contrabajo de tamaño 3 ⁄ 4 más común (que se ha convertido en el tamaño más utilizado en la era moderna, incluso entre los músicos de orquesta) mide 71,6 pulgadas (182 cm) desde la voluta hasta el extremo. [9] [10] También hay otros tamaños disponibles, como el tamaño 1 ⁄ 2 o el tamaño 1 ⁄ 4 , que sirven para adaptarse a la altura y el tamaño de la mano del músico. Estos nombres de los tamaños no reflejan el tamaño real en relación con un contrabajo de "tamaño completo"; un contrabajo de 1 ⁄ 2 no tiene la mitad de la longitud de un contrabajo de 4 ⁄ 4 , sino que es solo un 15 % más pequeño. [11]
Los contrabajos suelen construirse con varios tipos de madera, como arce para el fondo, abeto para la tapa y ébano para el diapasón. No se sabe con certeza si el instrumento desciende de la viola da gamba o del violín, pero tradicionalmente se lo relaciona con la familia del violín. Si bien el contrabajo es casi idéntico en construcción a otros instrumentos de la familia del violín, también incorpora características que se encuentran en la antigua familia de las violas.
Las notas de las cuerdas al aire son E 1 , A 1 , D 2 y G 2 , las mismas que en un bajo acústico o eléctrico . Sin embargo, la resonancia de la madera, combinada con la construcción similar a la de un violín y la escala larga, le da al contrabajo un tono mucho más rico que el del bajo, además de la capacidad de usar un arco, mientras que el diapasón sin trastes permite realizar glissandos y legatos suaves .
Al igual que otros instrumentos de cuerda de la familia del violín y la viola, el contrabajo se toca con un arco o pulsando las cuerdas ( pizzicato ). Cuando se emplea un arco, el intérprete puede usarlo de forma tradicional o golpear la madera del arco contra la cuerda. En el repertorio orquestal y en la música de tango, se emplean tanto el arco como el pizzicato. En el jazz, el blues y el rockabilly, el pizzicato es la norma, a excepción de algunos solos y partes escritas ocasionales en el jazz moderno que requieren el uso del arco.
Las notas tocadas con arco en el registro más bajo del instrumento producen un efecto oscuro, pesado, poderoso o incluso amenazador, cuando se tocan con una dinámica de fortissimo; sin embargo, los mismos tonos bajos tocados con un delicado pianissimo pueden crear una línea de acompañamiento sonora y suave. Los estudiantes de bajo clásico aprenden todas las diferentes articulaciones de arco utilizadas por otros intérpretes de la sección de cuerdas (por ejemplo, violín y violonchelo ), como détaché , legato , staccato , sforzato , martelé (estilo "martillado"), sul ponticello , sul tasto , tremolo , spiccato y sautillé . Algunas de estas articulaciones se pueden combinar; por ejemplo, la combinación de sul ponticello y tremolo puede producir sonidos espeluznantes y fantasmales. Los bajistas clásicos tocan partes de pizzicato en orquesta, pero estas partes generalmente requieren notas simples (negras, blancas, redondas), en lugar de pasajes rápidos.
Los músicos clásicos interpretan notas con arco y con pizzería utilizando vibrato , un efecto creado al balancear o hacer temblar el dedo de la mano izquierda que está en contacto con la cuerda, lo que luego transfiere una ondulación en el tono. El vibrato se utiliza para agregar expresión a la interpretación de cuerdas. En general, los pasajes muy fuertes y de registro bajo se tocan con poco o ningún vibrato, ya que el objetivo principal con los tonos bajos es proporcionar un bajo fundamental claro para la sección de cuerdas . Las melodías de registro medio y alto generalmente se tocan con más vibrato. El intérprete varía la velocidad e intensidad del vibrato para lograr un efecto emocional y musical.
En el jazz, el rockabilly y otros géneros relacionados, gran parte o la totalidad de la atención se centra en tocar pizzicato. En el jazz y el jump blues , se requiere que los bajistas toquen líneas de bajo rápidas en pizzicato durante períodos prolongados. Los bajistas de jazz y rockabilly desarrollan técnicas virtuosas de pizzicato que les permiten tocar solos rápidos que incorporan figuras de tresillos y semicorcheas de movimiento rápido. Las líneas de bajo en pizzicato interpretadas por los principales profesionales del jazz son mucho más difíciles que las líneas de bajo en pizzicato que los bajistas clásicos encuentran en la literatura orquestal estándar, que suelen ser notas redondas, blancas, negras y pasajes ocasionales de corcheas. En el jazz y estilos relacionados, los bajistas a menudo agregan " notas fantasma " semipercusivas a las líneas de bajo, para agregar a la sensación rítmica y agregar rellenos a una línea de bajo.
El contrabajista se coloca de pie o sentado en un taburete alto y apoya el instrumento contra su cuerpo, ligeramente girado hacia adentro para poner las cuerdas cómodamente a su alcance. Esta postura es una razón clave para los hombros inclinados del contrabajo, que lo distinguen de los otros miembros de la familia del violín: los hombros más estrechos facilitan tocar las cuerdas en sus registros más altos. [10]
El contrabajo se considera generalmente un descendiente moderno del violone (en italiano, "viola grande"), un miembro de la familia de los cordófonos que se originó en Europa en el siglo XV. [12] Antes del siglo XX, muchos contrabajos tenían solo tres cuerdas, en contraste con las cinco o seis cuerdas típicas de los instrumentos de la familia de las violas o las cuatro cuerdas de los instrumentos de la familia del violín. Las proporciones del contrabajo son diferentes a las del violín y el violonchelo; por ejemplo, es más profundo (la distancia de adelante hacia atrás es proporcionalmente mucho mayor que la del violín). Además, mientras que el violín tiene hombros abultados, la mayoría de los contrabajos tienen hombros tallados con una pendiente más aguda, como los miembros de la familia de las violas. A muchos contrabajos muy antiguos se les han cortado o inclinado los hombros para facilitar la interpretación con técnicas modernas. [13] Antes de estas modificaciones, el diseño de sus hombros se acercaba más a los instrumentos de la familia del violín.
El contrabajo es el único instrumento de cuerda frotada moderno que se afina en cuartas (como la viola), en lugar de en quintas (véase Afinación más abajo). El linaje exacto del instrumento sigue siendo objeto de debate, y la suposición de que el contrabajo es un descendiente directo de la familia de las violas no ha sido del todo resuelta.
En su obra Una nueva historia del contrabajo , Paul Brun afirma que el contrabajo tiene orígenes como el verdadero bajo de la familia del violín . Afirma que, si bien el exterior del contrabajo puede parecerse a la viola da gamba, la construcción interna del contrabajo es casi idéntica a la de los instrumentos de la familia del violín y muy diferente de la estructura interna de las violas. [14]
El profesor de contrabajo Larry Hurst sostiene que "el contrabajo moderno no es un verdadero miembro de las familias de los violines ni de las violas". Dice que "lo más probable es que su primera forma general fuera la de un violone, el miembro más grande de la familia de las violas. Algunos de los primeros contrabajos existentes son violones (que incluyen orificios de sonido en forma de C) que han sido equipados con accesorios modernos". [15] Algunos instrumentos existentes, como los de Gasparo da Salò , fueron transformados a partir de violoni contrabajo de seis cuerdas del siglo XVI. [4]
Existen dos enfoques principales para la forma del contorno del diseño del contrabajo: la forma de violín (que se muestra en la imagen etiquetada en la sección de construcción) y la forma de viola da gamba (que se muestra en la imagen del encabezado de este artículo). También se puede encontrar un tercer diseño menos común, llamado forma de busetto , así como la forma de guitarra o de pera , aún más rara . La parte posterior del instrumento puede variar desde una parte posterior redonda y tallada similar a la del violín, hasta una parte posterior plana y en ángulo similar a la familia de las violas.
El contrabajo presenta muchas partes que son similares a los miembros de la familia del violín, incluido un puente de madera tallado para sostener las cuerdas, dos agujeros en forma de f , un cordal en el que se insertan los extremos esféricos de las cuerdas (con el cordal anclado alrededor del soporte del clavijero), una voluta ornamental cerca del clavijero, una cejuela con ranuras para cada cuerda en la unión del diapasón y el clavijero y un poste de sonido resistente y grueso , que transmite las vibraciones desde la parte superior del instrumento hasta el cuerpo hueco y soporta la presión de la tensión de las cuerdas. A diferencia del resto de la familia del violín, el contrabajo aún refleja influencias, y puede considerarse parcialmente derivado, de la familia de instrumentos de la viola, en particular el violone, el miembro bajo más grande y de tono más bajo de la familia de las violas. Por ejemplo, el contrabajo está afinado en cuartas, como una viola, en lugar de en quintas, que es el estándar en el grupo del violín. Además, observe que los "hombros" se encuentran con el mástil en una curva, en lugar del ángulo agudo que se ve entre los violines. Al igual que en el caso de otros instrumentos de la familia del violín y la viola que se tocan con un arco (y a diferencia de los instrumentos que se tocan principalmente con púa, como la guitarra), el puente del contrabajo tiene una forma curvada y arqueada. Esto se debe a que, en los instrumentos de arco, el intérprete debe poder tocar las cuerdas individualmente. Si el contrabajo tuviera un puente plano, sería imposible tocar con un arco las cuerdas A y D individualmente.
El contrabajo también se diferencia de los miembros de la familia del violín en que los hombros suelen estar inclinados y la parte posterior a menudo en ángulo (ambos para permitir un acceso más fácil al instrumento, especialmente en el registro superior). Siempre se instalan afinadores mecánicos , a diferencia del resto de la familia del violín, donde las clavijas de fricción de madera tradicionales siguen siendo el principal medio de afinación. La falta de estandarización en el diseño significa que un contrabajo puede sonar y verse muy diferente de otro.
El contrabajo es el instrumento más parecido al violín en cuanto a su construcción, pero tiene algunas similitudes notables con el violone , el miembro más grande y de tono más bajo de la familia de las violas. Sin embargo, a diferencia del violone, el diapasón del contrabajo no tiene trastes y tiene menos cuerdas (el violone, como la mayoría de las violas, generalmente tenía seis cuerdas, aunque algunos ejemplares tenían cinco o cuatro). El diapasón está hecho de ébano en los instrumentos de alta calidad; en los instrumentos de estudiante menos costosos, se pueden usar otras maderas y luego pintarlas o teñirlas de negro (un proceso llamado "ebonizado"). El diapasón se redondea utilizando una curva, por la misma razón que el puente es curvo: si el diapasón y el puente fueran planos, entonces un bajista no podría tocar con el arco las dos cuerdas internas individualmente. Al usar un puente curvo y un diapasón curvo, el bajista puede alinear el arco con cualquiera de las cuatro cuerdas y tocarlas individualmente. A diferencia del violín y la viola, pero al igual que el violonchelo, el diapasón del bajo está algo aplanado debajo de la cuerda E (la cuerda C del violonchelo), esto se conoce comúnmente como bisel Romberg . La gran mayoría de los diapasones no pueden ser ajustados por el intérprete; cualquier ajuste debe ser realizado por un luthier. Un número muy pequeño de bajos costosos para profesionales tienen diapasones ajustables, en los que se puede utilizar un mecanismo de tornillo para subir o bajar la altura del diapasón.
Una distinción importante entre el contrabajo y otros miembros de la familia del violín es la construcción del clavijero y el mecanismo de afinación. Mientras que el violín, la viola y el violonchelo utilizan clavijas de fricción para ajustar la afinación (apretar y aflojar la tensión de la cuerda para subir o bajar el tono de la cuerda), el contrabajo tiene clavijas y engranajes de metal. Uno de los desafíos con las clavijas de afinación es que la fricción entre la clavija de madera y el orificio de la clavija puede volverse insuficiente para mantener la clavija en su lugar, particularmente si el orificio de la clavija se desgasta y agranda. La llave en el clavijero de un contrabajo hace girar un sinfín de metal , que impulsa un engranaje sinfín que enrolla la cuerda. Al girar la llave en una dirección se tensa la cuerda (lo que aumenta su tono); al girar la llave en la dirección opuesta se reduce la tensión en la cuerda (lo que reduce su tono). Aunque este desarrollo hace innecesarios los afinadores en el cordal (importantes para los violinistas, violas y violonchelos, ya que sus instrumentos utilizan clavijas de fricción para los ajustes de tono más importantes), un número muy pequeño de bajistas los utilizan de todos modos. Una razón para utilizar afinadores en el contrabajo es que, en el caso de los instrumentos con la extensión en C grave, el sistema de poleas para la cuerda larga puede no convertir eficazmente los giros de la llave en cambios de tensión/tono de la cuerda. En la base del contrabajo hay una varilla de metal con un extremo puntiagudo o recubierto de goma llamado pica, que se apoya en el suelo. Esta pica es generalmente más gruesa y robusta que la de un violonchelo, debido a la mayor masa del instrumento.
Los materiales que se utilizan con más frecuencia en la construcción de contrabajos para bajos totalmente tallados (el tipo que utilizan los contrabajistas de orquesta profesionales y los solistas) son el arce (fondo, mástil, aros), el abeto (tapa) y el ébano (diapasón, cordal). El cordal puede estar hecho de otros tipos de madera o de materiales que no sean de madera. Los bajos menos costosos suelen construirse con tapas, fondos y aros laminados ( madera contrachapada ), o son modelos híbridos producidos con fondos y aros laminados y tapas de madera maciza tallada. Algunos bajos de la era 2010 de precio bajo a medio están hechos de sauce , los modelos para estudiantes construidos con fibra de vidrio se produjeron a mediados del siglo XX y algunos bajos (normalmente bastante caros) se han construido con fibra de carbono .
Los bajos laminados (de madera contrachapada), muy utilizados en escuelas de música, orquestas juveniles y en ambientes de música popular y folclórica (como el rockabilly, el psychobilly, el blues, etc.), son muy resistentes a la humedad y al calor, así como al maltrato físico que suelen sufrir en un entorno escolar (o, en el caso de los músicos de blues y folk, a los peligros de las giras y las actuaciones en bares). Otra opción es el bajo de cuerpo híbrido, que tiene un fondo laminado y una tapa tallada o de madera maciza. Es menos costoso y algo menos frágil (al menos en lo que respecta a su fondo) que un bajo totalmente tallado.
El contrabajo y la barra de bajos son componentes de la construcción interna. Todas las partes de un contrabajo están pegadas entre sí, excepto el contrabajo, el puente y el cordal, que se mantienen en su lugar mediante la tensión de las cuerdas (aunque el contrabajo suele permanecer en su lugar cuando se aflojan o se quitan las cuerdas del instrumento, siempre que el contrabajo se mantenga boca arriba. Algunos luthiers recomiendan cambiar solo una cuerda a la vez para reducir el riesgo de que el contrabajo se caiga). Si el contrabajo se cae, se necesita un luthier para volver a colocarlo en su posición, ya que esto debe hacerse con herramientas insertadas en los agujeros en forma de f; además, la colocación exacta del contrabajo debajo del puente es esencial para que el instrumento suene lo mejor posible. Los puentes básicos se tallan a partir de una sola pieza de madera, que se personaliza para que coincida con la forma de la tapa de cada instrumento. Los puentes más económicos de los instrumentos de estudiante se pueden personalizar simplemente lijando los pies para que coincidan con la forma de la tapa del instrumento. Un luthier puede tallar de forma elaborada un puente en el instrumento de un bajista profesional.
Los bajistas profesionales suelen tener puentes ajustables, que tienen un mecanismo de tornillo de metal. Esto permite al bajista subir o bajar la altura de las cuerdas para adaptarse a las condiciones cambiantes de humedad o temperatura. [16] Los clavijeros de metal están fijados a los lados del clavijero con tornillos de metal. Si bien los mecanismos de afinación generalmente difieren de los instrumentos de cuerda de orquesta de tono más alto, algunos bajos tienen clavijas de afinación ornamentales no funcionales que sobresalen del costado del clavijero, en imitación de las clavijas de afinación de un violonchelo o violín. [17]
Varios fabricantes fabrican instrumentos de viaje, que son contrabajos que tienen características que reducen el tamaño del instrumento para que cumpla con los requisitos de viaje en avión. Los bajos de viaje están diseñados para músicos de gira. Un tipo de bajo de viaje tiene un cuerpo mucho más pequeño de lo normal, aunque conserva todas las características necesarias para tocar. Si bien estos instrumentos de cuerpo más pequeño parecen similares a los contrabajos eléctricos , la diferencia es que los bajos de viaje de cuerpo pequeño aún tienen una cámara de sonido acústica hueca bastante grande, mientras que muchos contrabajos eléctricos son de cuerpo sólido o solo tienen una pequeña cámara hueca. Un segundo tipo de bajo de viaje tiene un mástil con bisagras o extraíble y un cuerpo de tamaño regular. El mástil con bisagras o extraíble hace que el instrumento sea más pequeño cuando se empaca para transportarlo.
La historia del contrabajo está estrechamente ligada al desarrollo de la tecnología de cuerdas, ya que fue la aparición [6] de las cuerdas de tripa entorchadas , lo que primero hizo que el instrumento fuera más practicable en general, ya que las cuerdas entorchadas o entorchadas alcanzan notas bajas con un diámetro total de cuerda más pequeño que las cuerdas no entorchadas. [18] El profesor Larry Hurst sostiene que si "no hubiera sido por la aparición de la cuerda de tripa entorchada en la década de 1650, el contrabajo seguramente se habría extinguido", [15] porque los grosores necesarios para las cuerdas de tripa regulares hacían que las cuerdas de tono más bajo fueran casi imposibles de tocar y obstaculizaban el desarrollo de una ejecución fluida y rápida en el registro más bajo.
Antes del siglo XX, las cuerdas de contrabajo generalmente estaban hechas de tripa ; sin embargo, el acero las ha reemplazado en gran medida, porque las cuerdas de acero mantienen mejor su tono y producen más volumen cuando se tocan con el arco. [19] [20] [21] Las cuerdas de tripa también son más vulnerables a los cambios de humedad y temperatura, y se rompen más fácilmente que las cuerdas de acero.
En la actualidad, las cuerdas de tripa son utilizadas principalmente por bajistas que tocan en conjuntos barrocos , bandas de rockabilly, bandas de blues tradicional y bandas de bluegrass. En algunos casos, las cuerdas Mi y La graves están entorchadas en plata, para darles más masa. Las cuerdas de tripa proporcionan el sonido oscuro y "retumbante" que se escucha en las grabaciones de los años 1940 y 1950. El fallecido Jeff Sarli, un contrabajista de blues, dijo que "a partir de los años 1950, comenzaron a reajustar los mástiles de los bajos para las cuerdas de acero". [22] Los bajistas de rockabilly y bluegrass también prefieren la tripa porque es mucho más fácil tocar el estilo de contrabajo " slapping " (en el que las cuerdas se golpean y hacen clic percusivamente contra el diapasón) con cuerdas de tripa que con cuerdas de acero, porque la tripa no daña tanto los dedos que puntean. Una alternativa menos costosa a las cuerdas de tripa son las cuerdas de nailon; Las cuerdas más altas son de nailon puro, y las cuerdas más bajas son de nailon envuelto en alambre, para agregar más masa a la cuerda, ralentizando la vibración y facilitando así los tonos más bajos.
El cambio de cuerdas de tripa a cuerdas de acero también ha afectado a la técnica de interpretación del instrumento durante los últimos cien años. Las cuerdas de acero se pueden colocar más cerca del diapasón y, además, se pueden tocar las cuerdas en posiciones más altas en las cuerdas más bajas y aún así producir un tono claro. El método clásico de Franz Simandl del siglo XIX no utiliza la cuerda Mi grave en posiciones más altas porque las cuerdas de tripa más antiguas, colocadas en posiciones altas sobre el diapasón, no podían producir un tono claro en estas posiciones más altas. Sin embargo, con las cuerdas de acero modernas, los bajistas pueden tocar con un tono claro en posiciones más altas en las cuerdas Mi y La graves, particularmente cuando usan cuerdas de acero modernas de calibre más ligero y menor tensión.
El arco de contrabajo se presenta en dos formas distintas (que se muestran a continuación). El arco "francés" o "de mano" es similar en forma e implementación al arco utilizado en los otros miembros de la familia de instrumentos de cuerda de orquesta, mientras que el arco "alemán" o "Butler" es típicamente más ancho y más corto, y se sostiene en una posición de "apretón de manos" (o "serrucho").
Estos dos arcos proporcionan diferentes formas de mover el brazo y distribuir la fuerza y el peso sobre las cuerdas. Los defensores del arco francés argumentan que es más maniobrable, debido al ángulo en el que el intérprete sostiene el arco. Los defensores del arco alemán afirman que permite al intérprete aplicar más peso del brazo sobre las cuerdas. Sin embargo, las diferencias entre los dos son mínimas para un intérprete competente, y los intérpretes modernos de las grandes orquestas utilizan ambos arcos.
El arco alemán (a veces llamado arco Butler) es el más antiguo de los dos diseños. El diseño del arco y la forma de sostenerlo provienen de la antigua familia de instrumentos de viola. Con las violas más antiguas, antes de que las ranas tuvieran roscas para tensar el arco, los intérpretes sostenían el arco con dos dedos entre la baqueta y el pelo para mantener la tensión del pelo. [23] Los defensores del uso del arco alemán afirman que el arco alemán es más fácil de usar para golpes fuertes que requieren mucha potencia.
En comparación con el arco francés, el arco alemán tiene una nuez más alta y el ejecutante lo sostiene con la palma en ángulo hacia arriba, como en los miembros verticales de la familia de las violas. Cuando se sostiene de la manera tradicionalmente correcta, el pulgar aplica la fuerza necesaria para generar el sonido deseado. El dedo índice toca el arco en el punto donde la nuez toca la baqueta. El dedo índice también aplica un par de torsión hacia arriba a la nuez cuando se inclina el arco. El dedo meñique sostiene la nuez desde abajo, mientras que el anular y el corazón descansan en el espacio entre el pelo y el mango.
El arco francés no fue muy popular hasta que lo adoptó el virtuoso del siglo XIX Giovanni Bottesini . Este estilo es más similar a los arcos tradicionales de los instrumentos de cuerda más pequeños. Se sostiene como si la mano estuviera descansando al costado del intérprete con la palma mirando hacia el bajo. El pulgar descansa sobre el eje del arco, junto a la nuez, mientras que los otros dedos cuelgan del otro lado del arco. Varios estilos dictan la curva de los dedos y el pulgar, al igual que el estilo de la pieza; una curva más pronunciada y un agarre más ligero en el arco se utiliza para piezas virtuosas o más delicadas, mientras que una curva más plana y un agarre más firme en el arco sacrifican algo de potencia para un control más fácil en golpes como detaché, spiccato y staccato.
Los arcos de contrabajo varían en longitud, desde 60 a 75 cm (24-30 pulgadas). En general, un arco de contrabajo es más corto y más pesado que un arco de violonchelo. El pernambuco , también conocido como palo de Brasil, se considera un material de excelente calidad para las baquetas, pero debido a su escasez y costo, se utilizan cada vez más otros materiales. Los arcos de estudiante económicos pueden estar construidos de fibra de vidrio sólida , lo que hace que el arco sea mucho más liviano que un arco de madera (incluso demasiado liviano para producir un buen tono, en algunos casos). Los arcos de estudiante también pueden estar hechos de las variedades menos valiosas de palo de Brasil. La madera de serpiente y la fibra de carbono también se utilizan en arcos de una variedad de calidades diferentes. La nuez del arco de contrabajo generalmente está hecha de ébano, aunque algunos luthiers usan madera de serpiente y cuerno de búfalo . La nuez es movible, ya que se puede apretar o aflojar con una perilla (como todos los arcos de la familia del violín). El arco se afloja al final de una sesión de práctica o una actuación. El arco se tensa antes de tocar hasta que alcanza la tensión que prefiera el ejecutante. La nuez de un arco de calidad está decorada con incrustaciones de nácar .
Los arcos tienen una envoltura de cuero en la parte de madera del arco cerca de la nuez. Junto con la envoltura de cuero, también hay una envoltura de alambre, hecha de plata en los arcos de calidad. El pelo suele ser de crin de caballo . Parte del mantenimiento regular de un arco es hacer que un luthier "reencorde" el arco con crin de caballo nueva y reemplazar el cuero y la envoltura de alambre. El arco de contrabajo se encorda con crin de caballo blanca o negra, o una combinación de las dos (conocida como "sal y pimienta"), a diferencia de la crin de caballo blanca habitual que se usa en los arcos de otros instrumentos de cuerda. Algunos de los arcos para estudiantes de menor calidad y menor costo están hechos con pelo sintético. El pelo sintético no tiene las pequeñas "púas" que tiene el pelo de caballo real, por lo que no "agarra" bien la cuerda ni absorbe bien la colofonia.
Los músicos de cuerda aplican colofonia a las cerdas del arco para que "sujeten" la cuerda y la hagan vibrar. La colofonia para contrabajo es generalmente más blanda y pegajosa que la de violín para permitir que las cerdas se adhieran mejor a las cuerdas más gruesas, pero los músicos utilizan una amplia variedad de colofonias que varían desde bastante duras (como la de violín) hasta bastante blandas, dependiendo del clima, la humedad y las preferencias del músico. La cantidad utilizada generalmente depende del tipo de música que se interprete, así como de las preferencias personales del músico. Algunas marcas de colofonia, como Wiedoeft o la colofonia para contrabajo de Pop, son más blandas y más propensas a derretirse en climas cálidos.
Debido a sus diámetros relativamente pequeños, las cuerdas no mueven mucho aire y, por lo tanto, no pueden producir mucho sonido por sí mismas. La energía vibratoria de las cuerdas debe transferirse de alguna manera al aire circundante. Para ello, las cuerdas hacen vibrar el puente y este, a su vez, hace vibrar la superficie superior. Las variaciones de amplitud muy pequeña pero de fuerza relativamente grande (debidas a la tensión que varía cíclicamente en la cuerda vibrante) en el puente se transforman en variaciones de mayor amplitud mediante la combinación del puente y el cuerpo del bajo. El puente transforma las vibraciones de alta fuerza y pequeña amplitud en vibraciones de menor fuerza y mayor amplitud en la parte superior del cuerpo del bajo. La tapa está conectada a la parte posterior mediante un poste de sonido, por lo que la parte posterior también vibra. Tanto la parte frontal como la posterior transmiten las vibraciones al aire y actúan para adaptar la impedancia de la cuerda vibrante a la impedancia acústica del aire.
Como el bajo acústico es un instrumento sin trastes, cualquier vibración de las cuerdas al puntearlas o tocarlas con el arco provocará un sonido audible debido a la vibración de las cuerdas contra el diapasón cerca de la posición de los dedos. Este sonido de zumbido le da carácter a la nota.
La nota más baja de un contrabajo es un E 1 (en los bajos estándar de cuatro cuerdas) a aproximadamente 41 Hz o un C 1 (≈33 Hz), o a veces B 0 (≈31 Hz), cuando se utilizan cinco cuerdas. Esto está dentro de aproximadamente una octava por encima de la frecuencia más baja que el oído humano promedio puede percibir como un tono distintivo. La parte superior del rango del diapasón del instrumento está típicamente cerca de D 5 , dos octavas y una quinta por encima del tono abierto de la cuerda G (G 2 ), como se muestra en la ilustración del rango que se encuentra al principio de este artículo. Tocar más allá del final del diapasón se puede lograr tirando de la cuerda ligeramente hacia un lado.
Las partes de sinfonía para contrabajo a veces indican que el intérprete debe tocar armónicos (también llamados tonos de flageolet ), en los que el bajista toca ligeramente la cuerda, sin presionarla sobre el diapasón de la manera habitual, en la ubicación de una nota y luego puntea o golpea con el arco la nota. Los armónicos tocados con arco se utilizan en la música contemporánea por su sonido "cristalino". Tanto los armónicos naturales como los artificiales , donde el pulgar detiene la nota y la octava u otro armónico se activa al tocar ligeramente la cuerda en el punto del nodo relativo, amplían considerablemente el rango del instrumento. Los armónicos naturales y artificiales se utilizan en muchos conciertos virtuosos para contrabajo.
Las partes orquestales del repertorio clásico estándar rara vez exigen que el contrabajo supere un rango de dos octavas y una tercera menor, desde Mi 1 a Sol 3 , con ocasionales A 3 que aparecen en el repertorio estándar (una excepción a esta regla es Carmina Burana de Orff , que requiere tres octavas y una cuarta perfecta). El límite superior de este rango se extiende mucho para las partes orquestales de los siglos XX y XXI (por ejemplo, el solo de bajo de la Suite del teniente Kijé de Prokofiev ( c. 1933), que requiere notas tan altas como Re 4 y Mi ♭ 4 ). El rango superior que un solista virtuoso puede lograr usando armónicos naturales y artificiales es difícil de definir, ya que depende de la habilidad del intérprete en particular. El armónico alto en la ilustración del rango que se encuentra al principio de este artículo puede tomarse como representativo en lugar de normativo.
Los instrumentos de cinco cuerdas tienen una cuerda adicional, normalmente afinada en un si bajo debajo de la cuerda mi (si 0 ). En raras ocasiones, se agrega una cuerda más alta en su lugar, afinada en un do por encima de la cuerda sol (do 3 ). Los instrumentos de cuatro cuerdas pueden presentar la extensión do, que extiende el rango de la cuerda mi hacia abajo hasta do 1 (a veces si 0 ).
Tradicionalmente, el contrabajo es un instrumento transpositor . Dado que gran parte del registro del contrabajo se encuentra por debajo de la clave de fa estándar , se escribe una octava más alta de lo que suena para evitar tener que usar líneas adicionales excesivas por debajo del pentagrama. Por lo tanto, cuando los contrabajistas y los violonchelistas tocan una parte combinada de bajo y violonchelo, como se usa en muchas sinfonías de Mozart y Haydn, tocarán en octavas, con los bajos una octava por debajo de los violonchelos. Esta transposición se aplica incluso cuando los contrabajistas leen la clave de tenor y la clave de sol (que se usan en la interpretación en solitario y en algunas partes orquestales). Los compositores también usan la clave de tenor para las partes de violonchelo y de metales graves. El uso de la clave de tenor o de sol evita líneas adicionales excesivas por encima del pentagrama al escribir el registro superior del instrumento. Existen otras tradiciones de notación. La música solista italiana normalmente se escribe en el tono de resonancia, y el "antiguo" método alemán hacía sonar una octava por debajo de la notación, excepto en clave de sol, donde la música se escribía en tono.
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El contrabajo se afina generalmente en cuartas , a diferencia de otros miembros de la familia de cuerdas de orquesta, que se afinan en quintas (por ejemplo, las cuatro cuerdas del violín son, de la más grave a la más aguda: sol–re–la–mi). La afinación estándar (de la más grave a la más aguda) para el contrabajo es mi–la–re–sol, comenzando desde mi por debajo del segundo do grave ( tono de concierto ). Esta es la misma afinación estándar de un bajo y es una octava más baja que las cuatro cuerdas más graves de la afinación estándar de la guitarra . Antes del siglo XIX, muchos contrabajos tenían solo tres cuerdas; "Giovanni Bottesini (1821–1889) favorecía el instrumento de tres cuerdas popular en Italia en ese momento", [15] porque "el instrumento de tres cuerdas [era visto como] más sonoro". [24] En Cataluña todavía hay muchas coblas en las que los músicos utilizan contrabajos tradicionales de tres cuerdas afinados en La-Re-Sol. [25]
En todo el repertorio clásico , hay notas que caen por debajo del rango de un contrabajo estándar. Las notas por debajo del mi grave aparecen regularmente en las partes de contrabajo que se encuentran en arreglos e interpretaciones posteriores de la música barroca . En la era clásica , el contrabajo típicamente doblaba la parte del violonchelo una octava por debajo, requiriendo ocasionalmente descender a do por debajo del mi del contrabajo de cuatro cuerdas. En la era romántica y el siglo XX, compositores como Wagner , Mahler , Busoni y Prokofiev también solicitaron notas por debajo del mi grave.
Existen varios métodos para poner estas notas a disposición del intérprete. Los intérpretes con contrabajos estándar (mi-la-re-sol) pueden tocar las notas por debajo de "mi" una octava más alta o, si esto suena extraño, se puede transponer todo el pasaje una octava más arriba. El intérprete puede afinar la cuerda mi grave hasta la nota más baja requerida en la pieza: re o do. Los contrabajos de cuatro cuerdas pueden estar equipados con una "extensión de do grave" (ver más abajo). O el intérprete puede emplear un instrumento de cinco cuerdas, con la cuerda inferior adicional afinada en do, o (más comúnmente en los tiempos modernos) si, tres octavas y un semitono por debajo del do central . Varias orquestas europeas importantes utilizan contrabajos con una quinta cuerda. [26]
La mayoría de los músicos de orquesta profesionales utilizan contrabajos de cuatro cuerdas con una extensión en C. [27] Se trata de una sección adicional del diapasón montada en el clavijero del contrabajo. Extiende el diapasón debajo de la cuerda más baja y proporciona cuatro semitonos adicionales de rango descendente. La cuerda más baja suele estar afinada en C 1 , una octava por debajo de la nota más baja del violonchelo (ya que es bastante común que una parte de bajo duplique la parte de violonchelo una octava más baja). Más raramente, esta cuerda puede estar afinada en un B 0 bajo , ya que algunas obras del repertorio orquestal requieren un B de este tipo, como Los pinos de Roma de Respighi . En casos raros, algunos músicos tienen una extensión en B baja, que tiene B como su nota más baja. Hay varias variedades de extensiones:
En las extensiones mecánicas más simples, no hay ayudas mecánicas unidas a la extensión del diapasón, excepto una tuerca de bloqueo o "puerta" para la nota E. Para tocar las notas de la extensión, el intérprete se estira hacia atrás sobre el área debajo de la voluta para presionar la cuerda contra el diapasón. La ventaja de esta extensión "digitada" es que el intérprete puede ajustar la entonación de todas las notas detenidas en la extensión, y no hay ruidos mecánicos de teclas y palancas de metal. La desventaja de la extensión "digitada" es que puede ser difícil realizar alternancias rápidas entre notas bajas en la extensión y notas en el diapasón normal, como una línea de bajo que alterna rápidamente entre G 1 y D 1 .
El tipo más simple de ayuda mecánica es el uso de "dedos" o "puertas" de madera que se pueden cerrar para presionar la cuerda hacia abajo y presionar las notas C ♯ , D, E ♭ o E. Este sistema es particularmente útil para líneas de bajo que tienen un punto de pedal repetido , como un D grave, porque una vez que la nota se bloquea en su lugar con el dedo mecánico, la cuerda más baja suena una nota diferente cuando se toca abierta.
La ayuda mecánica más complicada para usar con extensiones es el sistema de palanca mecánica, apodado la máquina . Este sistema de palanca, que superficialmente se parece al mecanismo de llaves de los instrumentos de lengüeta como el fagot, monta palancas al lado del diapasón normal (cerca de la cejuela, en el lado de la cuerda E), que activan de forma remota "dedos" metálicos en el diapasón de extensión. Los sistemas de palanca metálica más caros también le dan al músico la capacidad de "bloquear" las notas en el diapasón de extensión, como con el sistema de "dedos" de madera. Una crítica a estos dispositivos es que pueden provocar ruidos metálicos no deseados.
Una vez que un "dedo" mecánico de la extensión de "dedo" de madera o la extensión de la máquina de "dedo" de metal se bloquea o se presiona, no es fácil hacer ajustes de tono microtonal o efectos de glissando , como es posible con una extensión digitada a mano.
Los bajos de cinco cuerdas, en los que la cuerda más baja normalmente es B 0 , pueden utilizar una extensión de dos semitonos, proporcionando un A bajo, o la muy rara extensión G bajo.
Un pequeño número de bajistas afinan sus cuerdas en quintas , como un violonchelo pero una octava más baja (C 1 –G 1 –D 2 –A 2 grave a agudo). Esta afinación fue utilizada por el músico de jazz Red Mitchell y es utilizada por algunos músicos clásicos, en particular el bajista canadiense Joel Quarrington . Los defensores de afinar el bajo en quintas señalan que todas las demás cuerdas de orquesta están afinadas en quintas (violín, viola y violonchelo), por lo que esto coloca al bajo en el mismo enfoque de afinación. La afinación en quintas proporciona al bajista un rango de tono más amplio que un bajo estándar E-A-D-G, ya que va (sin una extensión) de C 1 a A 2. Algunos músicos que usan la afinación en quintas que tocan un bajo de cinco cuerdas usan una cuerda E 3 aguda adicional (por lo tanto, de más grave a más aguda: C-G-D-A-E). Algunos contrabajistas que utilizan la afinación de quintas cuerdas y que solo tienen un instrumento de cuatro cuerdas y que interpretan principalmente obras solistas utilizan la afinación G-D-A-E, omitiendo así la cuerda C grave pero ganando una E aguda. Algunos contrabajistas que utilizan la afinación de quintas cuerdas y que utilizan un instrumento de cinco cuerdas utilizan un instrumento de escala más pequeña, lo que hace que la digitación sea algo más fácil. El Tratado de instrumentación de Berlioz-Strauss (publicado por primera vez en 1844) afirma que "Una buena orquesta debería tener varios contrabajos de cuatro cuerdas, algunos de ellos afinados en quintas y terceras". El libro muestra luego una afinación de E 1 –G 1 –D 2 –A 2 ) desde la cuerda inferior a la superior. "Junto con los otros contrabajos afinados en cuartas, estaría disponible una combinación de cuerdas al aire, lo que aumentaría enormemente la sonoridad de la orquesta".
En la interpretación clásica solista, el contrabajo suele afinarse un tono más alto (F ♯ 1 –B 1 –E 2 –A 2 ). Esta afinación más alta se denomina "afinación solista", mientras que la afinación normal se conoce como "afinación orquestal". Las cuerdas para afinación solista suelen ser más delgadas que las cuerdas normales. La tensión de las cuerdas difiere tanto entre la afinación solista y la orquestal que a menudo se utiliza un juego de cuerdas diferente que tiene un calibre más ligero. Las cuerdas siempre están etiquetadas para afinación solista u orquestal y la música solista publicada está arreglada para afinación solista u orquestal. Algunos solos y conciertos populares, como el Concierto de Koussevitsky , están disponibles en arreglos de afinación solista y orquestal. Las cuerdas para afinación solista se pueden afinar un tono más bajo para tocar en tono de orquesta, pero las cuerdas a menudo carecen de proyección en la afinación orquestal y su tono puede ser inestable.
Algunos compositores contemporáneos especifican una scordatura altamente especializada (cambiando intencionalmente la afinación de las cuerdas al aire). Cambiar el tono de las cuerdas al aire hace que diferentes notas estén disponibles como puntos de pedal y armónicos. Una variante y una forma de afinación solista mucho menos utilizada en algunos países de Europa del Este es (A 1 –D 2 –G 2 –C 3 ), que omite la cuerda E grave de la afinación orquestal y luego agrega una cuerda C aguda. El tololoche en México (una variante más pequeña del contrabajo) también usa la afinación ADGC. Algunos bajistas con bajos de cinco cuerdas usan una cuerda C 3 aguda como la quinta cuerda, en lugar de una cuerda B 0 grave . Agregar la cuerda C aguda facilita la interpretación del repertorio solista con una tesitura (rango) alta. Otra opción es utilizar tanto una extensión C grave (o B grave) como una cuerda C aguda.
Al elegir un bajo con una quinta cuerda, el músico puede decidir entre añadir una cuerda más aguda (una cuerda C aguda) o una cuerda más grave (normalmente una B grave). Para dar cabida a la quinta cuerda adicional, el diapasón suele ensancharse ligeramente y la tapa ligeramente más gruesa para soportar la mayor tensión. Por tanto, la mayoría de los bajos de cinco cuerdas son más grandes que un bajo estándar de cuatro cuerdas. Algunos instrumentos de cinco cuerdas son instrumentos de cuatro cuerdas convertidos. Como estos no tienen diapasones más anchos, a algunos músicos les resulta más difícil tocarlos con los dedos y el arco. Los bajos de cuatro cuerdas convertidos suelen requerir una tapa nueva y más gruesa o cuerdas más ligeras para compensar la mayor tensión.
El contrabajo de seis cuerdas tiene un do alto y un si bajo, lo que lo hace muy útil y se está volviendo más práctico después de varias actualizaciones. Es ideal para tocar en solitario y en orquesta porque tiene un rango más fácil de tocar. Esto se puede lograr en un violín de seis cuerdas en re encordándolo con cuerdas de contrabajo, haciendo que la afinación sea si 0 – mi 1 – la 1 – re 2 – sol 2 – do 3 .
Los contrabajistas tocan el instrumento de pie o sentados. La altura del instrumento se establece ajustando la clavija de manera que el intérprete pueda alcanzar las zonas de ejecución deseadas de las cuerdas con el arco o la mano que puntea. Los bajistas que tocan el instrumento de pie y con el arco a veces ajustan la clavija alineando el primer dedo en la primera o la mitad de la posición con respecto al nivel de los ojos, aunque hay poca estandarización al respecto. Los intérpretes que tocan sentados generalmente usan un taburete de una altura similar a la de la entrepierna de los pantalones del intérprete.
Tradicionalmente, los contrabajistas tocaban de pie para tocar en solitario y sentados para tocar en la orquesta o en el foso de la ópera. Ahora, es poco común que un músico sea igualmente competente en ambas posiciones, por lo que algunos solistas tocan sentados (como en el caso de Joel Quarrington , Jeff Bradetich , Thierry Barbé y otros) y algunos contrabajistas de orquesta tocan de pie.
Al tocar en el registro superior del instrumento (por encima de G 3 , el G debajo del C central), el intérprete desplaza la mano desde detrás del mástil y la aplana, utilizando el lado del pulgar para presionar la cuerda. Esta técnica, que también se utiliza en el violonchelo, se llama posición del pulgar . Al tocar en posición del pulgar, pocos intérpretes utilizan el cuarto dedo (meñique), ya que suele ser demasiado débil para producir un tono fiable (esto también es cierto para los violonchelistas), aunque algunos acordes extremos o técnicas extendidas, especialmente en la música contemporánea, pueden requerir su uso.
El estilo rockabilly puede ser muy exigente para la mano que puntea, debido al uso que se hace en el rockabilly de "palmadas" en el diapasón. Tocar el bajo puede ser físicamente exigente, porque las cuerdas están bajo una tensión relativamente alta. Además, el espacio entre las notas en el diapasón es grande, debido a la longitud de la escala y al espaciado de las cuerdas, por lo que los intérpretes deben mantener los dedos separados para las notas en las posiciones más bajas y cambiar de posición con frecuencia para tocar líneas de bajo. Al igual que con todos los instrumentos de cuerda sin trastes , los intérpretes deben aprender a colocar los dedos con precisión para producir el tono correcto. Para los bajistas con brazos más cortos o manos más pequeñas, los grandes espacios entre los tonos pueden presentar un desafío significativo, especialmente en el rango más bajo, donde los espacios entre las notas son más grandes. Sin embargo, el mayor uso de técnicas de interpretación como la posición del pulgar y las modificaciones al bajo, como el uso de cuerdas de calibre más ligero con menor tensión, han aliviado la dificultad de tocar el instrumento.
Las partes de bajo tienen relativamente menos pasajes rápidos, dobles notas o grandes saltos de rango. Estas partes suelen asignarse a la sección de violonchelo, ya que el violonchelo es un instrumento más pequeño en el que estas técnicas se ejecutan con mayor facilidad.
A pesar del tamaño del instrumento, no es tan ruidoso como muchos otros instrumentos, debido a su tono musical bajo . En una gran orquesta, por lo general, entre cuatro y ocho bajistas tocan la misma línea de bajo al unísono para producir suficiente volumen. En las orquestas más grandes, las secciones de bajos pueden tener hasta diez o doce músicos, pero las limitaciones presupuestarias modernas hacen que las secciones de bajos de este tamaño sean inusuales.
Al escribir pasajes solistas para el bajo en música orquestal o de cámara, los compositores suelen asegurarse de que la orquestación sea ligera para que no oculte el bajo. Si bien la amplificación rara vez se utiliza en la música clásica, en algunos casos en los que un solista de bajo interpreta un concierto con una orquesta completa, se puede utilizar una amplificación sutil llamada mejora acústica . El uso de micrófonos y amplificadores en un entorno clásico ha generado debate dentro de la comunidad clásica, ya que "... los puristas sostienen que el sonido acústico natural de las voces [clásicas] [o] los instrumentos en una sala determinada no debe alterarse". [28]
En muchos géneros, como el jazz y el blues , los músicos utilizan la amplificación a través de un amplificador especializado y altavoces. Una pastilla piezoeléctrica se conecta al amplificador con un cable de 1 ⁄ 4 de pulgada. Los músicos de bluegrass y jazz suelen utilizar menos amplificación que los músicos de blues, psychobilly o jam band . En estos últimos casos, el volumen general alto de otros amplificadores e instrumentos puede causar retroalimentación acústica no deseada , un problema exacerbado por la gran superficie del bajo y el volumen interior. El problema de la retroalimentación ha llevado a soluciones tecnológicas como dispositivos eliminadores de retroalimentación electrónicos (esencialmente un filtro de muesca automatizado que identifica y reduce las frecuencias donde se produce la retroalimentación) e instrumentos como el contrabajo eléctrico , que tiene características de interpretación como el contrabajo pero generalmente poca o ninguna caja de resonancia, lo que hace que la retroalimentación sea menos probable. Algunos bajistas reducen el problema de la retroalimentación bajando su volumen en el escenario o tocando más lejos de los altavoces de su amplificador de bajo.
En el rockabilly y el psychobilly, golpear las cuerdas contra el diapasón con percusión es una parte importante del estilo de tocar el bajo. Dado que las pastillas piezoeléctricas no son buenas para reproducir los sonidos de las cuerdas al golpear el diapasón, los bajistas de estos géneros suelen utilizar pastillas piezoeléctricas (para el tono grave) y un micrófono de condensador en miniatura (para captar los sonidos de percusión). Estas dos señales se combinan mediante un mezclador simple antes de enviar la señal al amplificador del bajo.
El gran tamaño del contrabajo y su relativa fragilidad hacen que sea complicado de manipular y transportar. La mayoría de los bajistas utilizan estuches blandos, conocidos como fundas de concierto , para proteger el instrumento durante el transporte. Estos van desde los económicos y delgados estuches sin acolchado utilizados por los estudiantes (que solo protegen contra los arañazos y la lluvia) hasta las versiones con un acolchado grueso para los músicos profesionales, que también protegen contra golpes e impactos. Algunos bajistas llevan su arco en un estuche rígido para arco; los estuches para bajo más caros tienen un bolsillo grande para un estuche para arco. Los músicos también pueden utilizar un pequeño carrito y ruedas unidas a un pasador en el extremo para mover el bajo. Algunos estuches acolchados de mayor precio tienen ruedas unidas al estuche. Otra opción que se encuentra en los estuches acolchados de mayor precio son las correas de mochila, para facilitar el transporte del instrumento.
Los estuches rígidos para vuelo tienen interiores acolchados y exteriores resistentes de fibra de carbono , grafito , fibra de vidrio o kevlar . El costo de los buenos estuches rígidos (varios miles de dólares estadounidenses) y las altas tarifas de las aerolíneas para enviarlos tienden a limitar su uso a los profesionales que viajan en avión.
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Los contrabajistas utilizan diversos accesorios para ayudarles a tocar y ensayar. En la música orquestal se utilizan tres tipos de sordinas : una sordina de madera que se desliza sobre el puente, una sordina de goma que se fija al puente y un dispositivo de alambre con pesas de latón que se ajusta al puente. El contrabajista utiliza la sordina cuando aparece la instrucción italiana con sordino ("con sordina") en la parte del bajo, y la quita en respuesta a la instrucción senza sordino ("sin sordina"). Con la sordina puesta, el tono del bajo es más tranquilo, más oscuro y más sombrío. Las partes de bajo con arco con sordina pueden tener un tono nasal. Los contrabajistas utilizan un tercer tipo de sordina, una sordina de práctica de goma pesada, para practicar en silencio sin molestar a los demás (por ejemplo, en una habitación de hotel).
Un carcaj es un accesorio para sujetar el arco. Suele estar hecho de cuero y se fija al puente y al cordal con lazos o correas. Se utiliza para sujetar el arco mientras un músico toca partes en pizzicato.
Un eliminador de tonos lobo se utiliza para reducir las vibraciones simpáticas no deseadas en la parte de una cuerda entre el puente y el cordal que pueden causar problemas de tono para ciertas notas. Es un tubo de goma cortado por el lado que se utiliza con una funda de metal cilíndrica que también tiene una ranura en el costado. El cilindro de metal tiene un tornillo y una tuerca que sujeta el dispositivo a la cuerda. Diferentes ubicaciones del cilindro a lo largo de la cuerda influyen o eliminan la frecuencia en la que se produce el tono lobo. Es esencialmente un atenuador que cambia ligeramente la frecuencia natural de la cuerda (y/o el cuerpo del instrumento) reduciendo la reverberación. [29] El tono lobo se produce porque las cuerdas debajo del puente a veces resuenan en tonos cercanos a las notas en la parte de ejecución de la cuerda. Cuando la nota deseada hace que la cuerda debajo del puente vibre por simpatía, puede producirse una "nota lobo" o "tono lobo" disonante. En algunos casos, el tono lobo es lo suficientemente fuerte como para causar un sonido de "golpe" audible. El tono de lobo a menudo se produce con la nota G ♯ en el bajo. [30] [31]
En una orquesta, los instrumentos se afinan en la nota La que toca el oboísta. Debido a la diferencia de tres octavas entre la afinación La del oboísta y la cuerda La abierta del bajo (por ejemplo, en una orquesta que afina a 440 Hz , el oboísta toca una nota La 4 a 440 Hz y la nota La 1 abierta del bajo es de 55 Hz), puede resultar difícil afinar el bajo de oído durante el breve periodo en el que el oboísta toca la nota de afinación. Los violinistas, por otro lado, afinan su cuerda La a la misma frecuencia que la nota de afinación del oboísta. Existe un método que se utiliza comúnmente para afinar un contrabajo en este contexto: tocar el armónico La en la cuerda Re (que está solo una octava por debajo del La del oboe) y luego hacer coincidir los armónicos de las otras cuerdas. Sin embargo, este método no es infalible, ya que los armónicos de algunos bajos no están perfectamente afinados con las cuerdas abiertas. Para asegurarse de que el bajo esté afinado, algunos bajistas utilizan un afinador electrónico que indica el tono en una pequeña pantalla. Los bajistas que tocan estilos que utilizan un amplificador de bajo , como el blues, el rockabilly o el jazz, pueden utilizar un afinador electrónico con formato de pedal , que silencia la pastilla del bajo durante la afinación.
Un soporte para contrabajo se utiliza para mantener el instrumento en su lugar y elevarlo unos centímetros del suelo. Existe una amplia variedad de soportes y no existe un diseño común.
El contrabajo como instrumento solista disfrutó de un período de popularidad durante el siglo XVIII y muchos de los compositores más populares de esa época escribieron piezas para contrabajo. El contrabajo, entonces conocido como violón , utilizaba diferentes afinaciones de una región a otra. La "afinación vienesa" (la 1 –re 2 –fa ♯ 2 –la 2 ) era popular, y en algunos casos se añadía una quinta o incluso una sexta cuerda (fa 1 –la 1 –re 2 –fa ♯ 2 –la 2 ). [32] La popularidad del instrumento está documentada en la segunda edición de la Violinschule de Leopold Mozart , donde escribe "Se pueden interpretar pasajes difíciles con mayor facilidad con el violón de cinco cuerdas, y escuché interpretaciones inusualmente hermosas de conciertos, tríos, solos, etc."
El primer concierto conocido para contrabajo fue escrito por Joseph Haydn c. 1763, y se presume que se perdió en un incendio en la biblioteca de Eisenstadt. Los conciertos más antiguos conocidos son de Carl Ditters von Dittersdorf , que compuso dos conciertos para contrabajo y una Sinfonía Concertante para viola y contrabajo. Otros compositores que han escrito conciertos de este período incluyen a Johann Baptist Wanhal , Franz Anton Hoffmeister (3 conciertos), Leopold Kozeluch , Anton Zimmermann , Antonio Capuzzi , Wenzel Pichl (2 conciertos) y Johannes Matthias Sperger (18 conciertos). Si bien muchos de estos nombres fueron figuras destacadas para el público musical de su tiempo, generalmente son desconocidos para el público contemporáneo. El aria de concierto de Wolfgang Amadeus Mozart , Per questa bella mano , K. 612 para bajo, contrabajo obligado y orquesta contiene escritura impresionante para contrabajo solista de ese período. Sigue siendo popular entre cantantes y contrabajistas en la actualidad.
El contrabajo evolucionó con el tiempo para adaptarse a las necesidades de las orquestas que requerían notas más bajas y un sonido más fuerte. Los contrabajistas más destacados de mediados y finales del siglo XVIII, como Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger y Johannes Mathias Sperger, emplearon la afinación "vienesa". El bajista Johann Hindle (1792-1862), que compuso un concierto para contrabajo, fue pionero en la afinación del bajo en cuartas, lo que marcó un punto de inflexión para el contrabajo y su papel en las obras solistas. El bajista Domenico Dragonetti fue una figura musical destacada y conocido de Haydn y Ludwig van Beethoven . Su forma de tocar era conocida desde su tierra natal, Italia, hasta el Zarato de Rusia y encontró un lugar destacado al actuar en conciertos con la Sociedad Filarmónica de Londres . La amistad de Beethoven con Dragonetti puede haberlo inspirado a escribir partes difíciles y separadas para el contrabajo en sus sinfonías, como los impresionantes pasajes del tercer movimiento de la Quinta Sinfonía, el segundo movimiento de la Séptima Sinfonía y el último movimiento de la Novena Sinfonía. Estas partes no duplican la parte del violonchelo.
Dragonetti escribió diez conciertos para contrabajo y muchas obras solistas para bajo y piano. Durante la estancia de Rossini en Londres en el verano de 1824, compuso su popular Duetto para violonchelo y contrabajo para Dragonetti y el violonchelista David Salomons. Dragonetti tocaba con frecuencia en un contrabajo de tres cuerdas afinado en sol-re-la de arriba a abajo. El uso de solo las tres cuerdas superiores era popular para los solistas de bajo y los contrabajistas principales en las orquestas del siglo XIX, porque reducía la presión sobre la tapa de madera del contrabajo, lo que se pensaba que creaba un sonido más resonante. Además, las cuerdas E graves utilizadas durante el siglo XIX eran cuerdas gruesas hechas de tripa, que eran difíciles de afinar y tocar.
En el siglo XIX, el director de ópera, compositor y contrabajista Giovanni Bottesini fue considerado el « Paganini del contrabajo» de su tiempo, una referencia al virtuoso del violín y compositor. Los conciertos para bajo de Bottesini fueron escritos en el estilo de la ópera italiana popular del siglo XIX, que explota el contrabajo de una manera que no se había visto antes. Requieren carreras virtuosas y grandes saltos a los registros más altos del instrumento, incluso en el ámbito de los armónicos naturales y artificiales . Muchos contrabajistas del siglo XIX y principios del XX consideraban que estas composiciones eran intocables, pero en la década de 2000, se interpretan con frecuencia. Durante la misma época, surgió una escuela destacada de contrabajistas en la región checa , que incluía a Franz Simandl, Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig Manoly y Adolf Mišek . Simandl y Hrabe también fueron pedagogos cuyos métodos y estudios siguen utilizándose en la década de 2000.
La figura principal del contrabajo a principios del siglo XX fue Serge Koussevitzky , más conocido como director de la Orquesta Sinfónica de Boston , quien popularizó el contrabajo en los tiempos modernos como instrumento solista. Debido a las mejoras en el contrabajo con cuerdas de acero y mejores configuraciones, el contrabajo ahora se toca a un nivel más avanzado que nunca y cada vez más compositores han escrito obras para contrabajo. A mediados de siglo y en las décadas siguientes, se escribieron muchos conciertos nuevos para contrabajo, incluido el Concierto de Nikos Skalkottas (1942), el Concierto de Eduard Tubin (1948), el Concertino de Lars-Erik Larsson (1957), el Concierto de Gunther Schuller (1962), el Concierto de Hans Werner Henze (1966) y el Concierto n.º 1 de Frank Proto (1968).
El Solo para contrabajo es una de las partes del Concierto para piano y orquesta de John Cage y puede interpretarse como un solo o con cualquiera de las otras partes, tanto orquestales como de piano. De manera similar, sus partes de contrabajo solista para la obra orquestal Atlas Eclipticalis también pueden interpretarse como solos. Las obras indeterminadas de Cage, como Variations I , Variations II , Fontana Mix , Cartridge Music , etc., pueden ser arregladas para un contrabajista solista. Su obra 26.1.1499 para un músico de cuerdas suele ser interpretada por un contrabajista solista, aunque también puede ser interpretada por un violinista, violista o violonchelista.
Desde la década de 1960 hasta finales de siglo, Gary Karr fue el principal defensor del contrabajo como instrumento solista y participó activamente en el encargo o la redacción de cientos de nuevas obras y conciertos especialmente para él. Karr recibió el famoso contrabajo solista de Koussevitzky de manos de Olga Koussevitsky y lo tocó en conciertos por todo el mundo durante 40 años antes de, a su vez, entregar el instrumento a la Sociedad Internacional de Contrabajistas para que solistas talentosos lo utilizaran en concierto. Otro intérprete importante de este período, Bertram Turetzky , encargó y estrenó más de 300 obras para contrabajo.
En los años 1970, 1980 y 1990, entre los nuevos conciertos se encuentran el Divertimento para contrabajo y orquesta (1973) de Nino Rota , el concierto para contrabajo y cuerdas (1974) de Alan Ridout , el Concierto de Jean Françaix (1975), el Concierto n.º 2 de Frank Proto , Angel of Dusk (1980) de Einojuhani Rautavaara , el Concierto de Gian Carlo Menotti (1983), el Concierto de Christopher Rouse (1985), Ghost Nets (1988) de Henry Brant y la "Fantasía de Carmen para contrabajo y orquesta" (1991) y el Concierto n.º 3 "Cuatro escenas después de Picasso" (1997) de Frank Proto. El lírico Concierto n.º 7 de Strathclyde de Peter Maxwell Davies , para contrabajo y orquesta, data de 1992.
En la primera década del siglo XXI, entre los nuevos conciertos se incluyen "Nueve variantes sobre Paganini" de Frank Proto (2002), el Concierto de Kalevi Aho (2005), el Concierto para viola baja de John Harbison (2006), el Doble Concierto para violín, contrabajo y orquesta de André Previn (2007) y To the Silver Bow de John Woolrich , para contrabajo, viola y cuerdas (2014).
Reinhold Glière escribió un Intermezzo y una Tarantela para contrabajo y piano, Op. 9, No. 1 y No. 2 y un Praeludium y Scherzo para contrabajo y piano, Op. 32 No. 1 y No. 2. Paul Hindemith escribió una Sonata para contrabajo rítmicamente desafiante en 1949. Frank Proto escribió su Sonata "1963" para contrabajo y piano. En la Unión Soviética, Mieczysław Weinberg escribió su Sonata No. 1 para contrabajo solo en 1971. Giacinto Scelsi escribió dos piezas para contrabajo llamadas Nuits en 1972, y luego en 1976, escribió Maknongan , una pieza para cualquier instrumento de voz grave, como contrabajo, contrafagot o tuba. Vincent Persichetti escribió obras solistas, a las que llamó "Parábolas", para muchos instrumentos. Escribió Parábola XVII para contrabajo, Op. 131 en 1974. Sofia Gubaidulina escribió una Sonata para contrabajo y piano en 1975. En 1976, el compositor minimalista estadounidense Tom Johnson escribió "Failing - a very difficult piece for solo string bass" en la que el intérprete tiene que interpretar un solo extremadamente virtuoso en el bajo mientras recita simultáneamente un texto que dice lo difícil que es la pieza y lo improbable que es que él o ella complete con éxito la interpretación sin cometer un error.
En 1977, el compositor holandés-húngaro Géza Frid escribió un conjunto de variaciones sobre El elefante de Le Carnaval des Animaux de Saint-Saëns para contrabajo en scordatura y orquesta de cuerdas. En 1987, Lowell Liebermann escribió su Sonata para contrabajo y piano Op. 24. Fernando Grillo escribió la "Suite n.º 1" para contrabajo (1983/2005). Jacob Druckman escribió una pieza para contrabajo solista titulada Valentine . El contrabajo solista y compositor estadounidense Bertram Turetzky (nacido en 1933) ha interpretado y grabado más de 300 piezas escritas por él y para él. Escribe música de cámara, música barroca, clásica, jazz, música renacentista, música improvisada y músicas del mundo.
El compositor minimalista estadounidense Philip Glass escribió un preludio centrado en el registro más bajo que compuso para timbales y contrabajo. El compositor italiano Sylvano Bussotti , cuya carrera como compositor se extiende desde la década de 1930 hasta la primera década del siglo XXI, escribió una obra solista para contrabajo en 1983 titulada Naked Angel Face per contrabbasso . El compositor italiano Franco Donatoni escribió una pieza llamada Lem para contrabajo en el mismo año. En 1989, el compositor francés Pascal Dusapin (nacido en 1955) escribió una pieza solista llamada In et Out para contrabajo. En 1996, el compositor libanés formado en la Sorbona Karim Haddad compuso Ce qui dort dans l'ombre sacrée ("El que duerme en las sombras sagradas") para el Festival Presence de Radio France. Renaud Garcia-Fons (nacido en 1962) es un contrabajista y compositor francés, conocido por inspirarse en el jazz, el folk y la música asiática para grabaciones de sus piezas como Oriental Bass (1997).
Dos obras recientes significativas escritas para contrabajo son Synchronisms No.11 de Mario Davidovsky para contrabajo y sonidos electrónicos y Figment III de Elliott Carter , para contrabajo solo. El compositor alemán Gerhard Stäbler escribió Co-wie Kobalt (1989-90), "...una música para contrabajo solo y gran orquesta". Charles Wuorinen añadió varias obras importantes al repertorio, Spinoff trio para contrabajo, violín y congas, y Trio for Bass Instruments contrabajo, tuba y trombón bajo, y en 2007 Synaxis para contrabajo, trompa, oboe y clarinete con timbales y cuerdas. La suite "Seven Screen Shots" para contrabajo y piano (2005) del compositor ucraniano Alexander Shchetynsky tiene una parte de contrabajo solo que incluye muchos métodos de interpretación no convencionales. El compositor alemán Claus Kühnl escribió Offene Weite / Open Expanse (1998) y Nachtschwarzes Meer, ringsum… (2005) para contrabajo y piano. En 1997 Joel Quarrington encargó al compositor estadounidense/canadiense Raymond Luedeke que escribiera su «Concierto para contrabajo y orquesta», una pieza que interpretó con la Orquesta Sinfónica de Toronto , con la Orquesta Sinfónica de Saskatoon y, en una versión para pequeña orquesta, con la Orquesta Sinfónica de Nueva Escocia. [33] El compositor Raymond Luedeke también compuso una obra para contrabajo, flauta y viola con narración, «El libro de las preguntas», con texto de Pablo Neruda . [34]
En 2004, el contrabajista y compositor italiano Stefano Scodanibbio realizó un arreglo para contrabajo de la obra para violonchelo solo Sequenza XIV de Luciano Berio de 2002 con el nuevo título Sequenza XIVb .
Dado que no existe ningún conjunto instrumental establecido que incluya el contrabajo, su uso en la música de cámara no ha sido tan exhaustivo como la literatura para conjuntos como el cuarteto de cuerdas o el trío con piano . A pesar de ello, existe un número sustancial de obras de cámara que incorporan el contrabajo tanto en conjuntos pequeños como grandes.
Existe un pequeño conjunto de obras escritas para quinteto con piano, violín, viola, violonchelo y contrabajo. La más famosa es el Quinteto con piano en la mayor de Franz Schubert , conocido como "El quinteto de la trucha " por su conjunto de variaciones en el cuarto movimiento de Die Forelle de Schubert . Otras obras para esta instrumentación escritas aproximadamente en el mismo período incluyen las de Johann Nepomuk Hummel , George Onslow , Jan Ladislav Dussek , Louise Farrenc , Ferdinand Ries , Franz Limmer , Johann Baptist Cramer y Hermann Goetz . Entre los compositores posteriores que escribieron obras de cámara para este quinteto se incluyen Ralph Vaughan Williams , Colin Matthews , Jon Deak , Frank Proto y John Woolrich . Sextetos ligeramente más grandes escritos para piano, cuarteto de cuerdas y contrabajo han sido escritos por Felix Mendelssohn , Mikhail Glinka , Richard Wernick y Charles Ives .
En el género de los quintetos de cuerda, existen algunas obras para cuarteto de cuerda con contrabajo. El Quinteto de cuerdas en sol mayor, Op. 77, de Antonín Dvořák y la Serenata en sol mayor, K. 525 (" Eine kleine Nachtmusik ") de Wolfgang Amadeus Mozart son las piezas más populares de este repertorio, junto con obras de Miguel del Águila ( Nostálgica para cuarteto de cuerda y bajo), Darius Milhaud , Luigi Boccherini (3 quintetos), Harold Shapero y Paul Hindemith . Otro ejemplo es el Quinteto de cuerdas de Alistair Hinton (1969-77), que también incluye una parte principal para soprano solista; con casi 170 minutos de duración, es casi con certeza la obra de este tipo más extensa del repertorio.
Entre las obras de cuerda ligeramente más pequeñas con contrabajo se incluyen seis sonatas de cuerda de Gioachino Rossini para dos violines, violonchelo y contrabajo, escritas a los doce años en el transcurso de tres días en 1804. Estas siguen siendo sus obras instrumentales más famosas y también han sido adaptadas para cuarteto de viento. Rossini y Dragonetti compusieron dúos para violonchelo y contrabajo, al igual que Johannes Matthias Sperger , un importante solista del instrumento de afinación "vienés" del siglo XVIII. Franz Anton Hoffmeister escribió cuatro cuartetos de cuerda para contrabajo solo, violín, viola y violonchelo en re mayor. Frank Proto ha escrito un Trío para violín, viola y contrabajo (1974), 2 dúos para violín y contrabajo (1967 y 2005) y Los juegos de octubre para oboe/corno inglés y contrabajo (1991).
Entre las obras más grandes que incorporan el contrabajo se encuentra el Septeto en mi bemol mayor Op. 20 de Beethoven , una de sus piezas más famosas durante su vida, que consta de clarinete, trompa, fagot, violín, viola, violonchelo y contrabajo. Cuando el clarinetista Ferdinand Troyer encargó una obra a Franz Schubert para fuerzas similares, añadió un violín más para su Octeto en fa mayor, D.803. Paul Hindemith utilizó la misma instrumentación que Schubert para su propio Octeto. En el ámbito de obras aún más grandes, Mozart incluyó el contrabajo además de 12 instrumentos de viento para su Serenata " Gran Partita ", K.361 y Martinů utilizó el contrabajo en su noneto para quinteto de viento, violín, viola, violonchelo y contrabajo.
Otros ejemplos de obras de cámara que utilizan el contrabajo en conjuntos mixtos incluyen el Quinteto en sol menor, Op. 39 de Sergei Prokofiev para oboe, clarinete, violín, viola y contrabajo; el Malambo de Miguel del Águila para flauta baja y piano y para cuarteto de cuerdas, bajo y fagot; el Concertino de Erwin Schulhoff para flauta/flautín, viola y contrabajo; los Fragmentos afroamericanos de Frank Proto para clarinete bajo, violonchelo, contrabajo y narrador y el Sexteto para clarinete y cuerdas; los Valses de Fred Lerdahl para violín, viola, violonchelo y contrabajo; la Letanía de Mohammed Fairouz para contrabajo y cuarteto de viento; el Festino de Mario Davidovsky para guitarra, viola, violonchelo y contrabajo; y la Morsima-Amorsima de Iannis Xenakis para piano, violín, violonchelo y contrabajo. También hay nuevos conjuntos musicales que utilizan el contrabajo, como Time for Three y PROJECT Trio .
En los períodos barroco y clásico, los compositores solían hacer que el contrabajo doblara la parte de violonchelo en los pasajes orquestales. Una notable excepción es Haydn, que compuso pasajes solistas para contrabajo en sus Sinfonías n.º 6 Le Matin , n.º 7 Le midi , n.º 8 Le Soir , n.º 31 Horn Signal y n.º 45 Farewell , pero que por lo demás agrupaba las partes de contrabajo y violonchelo. Beethoven allanó el camino para las partes de contrabajo separadas, que se volvieron más comunes en la era romántica. El scherzo y el trío de la Quinta Sinfonía de Beethoven son famosos extractos orquestales, al igual que el recitativo al comienzo del cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven . En muchas sinfonías y conciertos del siglo XIX, el impacto típico de las partes de contrabajo y violonchelo separadas fue que las partes de bajo se volvieron más simples y las partes de violonchelo obtuvieron las líneas melódicas y el trabajo de pasajes rápidos. [ cita requerida ]
Una sección de contrabajo de una orquesta moderna normalmente utiliza ocho contrabajistas, normalmente al unísono . Las orquestas más pequeñas pueden tener cuatro contrabajos y, en casos excepcionales, las secciones de bajos pueden tener hasta diez miembros. Si algunos contrabajistas tienen extensiones en Do grave y otros tienen bajos regulares (Mi grave), aquellos con las extensiones en Do grave pueden tocar algunos pasajes una octava por debajo de los contrabajos regulares. Además, algunos compositores escriben partes divididas (divisi) para los bajos, donde las partes superiores e inferiores de la música a menudo se asignan a los músicos "externos" (más cerca del público) e "internos". Los compositores que escriben partes divisi para bajo a menudo escriben intervalos perfectos , como octavas y quintas, pero en algunos casos utilizan terceras y sextas.
Cuando una composición requiere una parte de bajo solista, el bajo principal invariablemente toca esa parte. El líder de la sección (o principal) también determina los arcos, a menudo basándose en los arcos establecidos por el concertino. En algunos casos, el bajo principal puede usar un arco ligeramente diferente al del concertino, para adaptarse a los requisitos de tocar el bajo. El bajo principal también dirige las entradas de la sección de bajos, generalmente levantando el arco o punteando la mano antes de la entrada o indicando la entrada con la cabeza, para asegurarse de que la sección comience junta. Las principales orquestas profesionales suelen tener un asistente de contrabajista principal, que toca solos y dirige la sección de bajos si el principal está ausente.
Aunque los solos de bajo orquestal son algo raros, hay algunos ejemplos notables. Johannes Brahms , cuyo padre era contrabajista, escribió muchas partes difíciles y destacadas para el contrabajo en sus sinfonías. Richard Strauss le asignó al contrabajo partes atrevidas, y sus poemas sinfónicos y óperas llevan el instrumento hasta sus límites. "El elefante" de El carnaval de los animales de Camille Saint-Saëns es un retrato satírico del contrabajo, y el virtuoso estadounidense Gary Karr hizo su debut televisado tocando "El cisne" (originalmente escrito para violonchelo) con la Filarmónica de Nueva York dirigida por Leonard Bernstein . El tercer movimiento de la primera sinfonía de Gustav Mahler presenta un solo para contrabajo que cita la canción infantil Frere Jacques , transpuesta a una tonalidad menor. La Suite del teniente Kijé de Sergei Prokofiev presenta un solo de contrabajo difícil y muy alto en el movimiento "Romance". La Guía de orquesta para jóvenes de Benjamin Britten contiene un pasaje destacado para la sección de contrabajo.
También existen conjuntos formados enteramente por contrabajos, aunque relativamente raros, y varios compositores han escrito o hecho arreglos para tales conjuntos. Existen composiciones para cuatro contrabajos de Gunther Schuller , Jacob Druckman , James Tenney , Claus Kühnl , Robert Ceely, Jan Alm, Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto, Joseph Lauber, Erich Hartmann , Colin Brumby , Miloslav Gajdos y Theodore Albin Findeisen. "Who's on First?", [35] de David A. Jaffe , encargado por la Orquesta Nacional Rusa, está orquestada para cinco contrabajos. Bertold Hummel escribió una Sinfonia piccola [36] para ocho contrabajos. Entre sus obras para conjuntos más amplios se incluyen la Composición nº 2 de Galina Ustvolskaya , "Dies Irae" (1973), para ocho contrabajos, piano y cubo de madera, "George y Muriel" (1986) de José Serebrier , para bajo solo, conjunto de contrabajos y coro, y ¡Qué hay de mi música! (1979) de Gerhard Samuel, para soprano, percusión y 30 contrabajos.
Los conjuntos de contrabajo incluyen L'Orchestre de Contrebasses (6 miembros), [37] Bass Instinct (6 miembros), [38] Bassiona Amorosa (6 miembros), [39] el Chicago Bass Ensemble (4+ miembros), [40] Ludus Gravis fundado por Daniele Roccato y Stefano Scodanibbio , The Bass Gang (4 miembros), [41] el London Double Bass Ensemble (6 miembros) fundado por miembros de la Philharmonia Orchestra of London que produjeron el LP [42] Music Interludes del London Double Bass Ensemble en Bruton Music Records , Brno Double Bass Orchestra (14 miembros) fundada por el profesor de contrabajo en la Academia Janáček de Música y Artes Escénicas y contrabajista principal en la Orquesta Filarmónica de Brno - Miloslav Jelinek, y los conjuntos de Ball State University (12 miembros), Shenandoah University y Hartt School of Music . La Amarillo Bass Base de Amarillo, Texas, alguna vez contó con 52 contrabajistas, [43] [44] y The London Double Bass Sound, que ha lanzado un CD en Cala Records, tiene 10 músicos. [45]
Además, las secciones de contrabajo de algunas orquestas actúan como un conjunto, como el Lower Wacker Consort de la Orquesta Sinfónica de Chicago . [46] Hay un número cada vez mayor de composiciones y arreglos publicados para conjuntos de contrabajo, y la Sociedad Internacional de Contrabajistas presenta regularmente conjuntos de contrabajo (tanto conjuntos más pequeños como conjuntos de "bajos masivos" muy grandes) en sus conferencias, y patrocina el Concurso de Composición David Walter, que se celebra cada dos años y que incluye una división para obras de conjunto de contrabajo.
A partir de 1890, el primer conjunto de jazz de Nueva Orleans (que tocaba una mezcla de marchas, ragtime y Dixieland ) fue inicialmente una banda de música con una tuba o un sousáfono (u ocasionalmente un saxofón bajo ) que proporcionaba la línea de bajo. A medida que la música se trasladó a bares y burdeles, el contrabajo reemplazó gradualmente a estos instrumentos de viento alrededor de la década de 1920. [47] Muchos de los primeros bajistas tocaron tanto el contrabajo ( tuba ) como el contrabajo , como se solía denominar a los instrumentos en ese momento. Los bajistas tocaban líneas de bajo improvisadas "caminantes" (líneas basadas en escalas y arpegios que describían la progresión de acordes) .
Debido a que un contrabajo sin amplificación es generalmente el instrumento más silencioso en una banda de jazz, muchos músicos de las décadas de 1920 y 1930 usaban el estilo slap , golpeando y tirando de las cuerdas para producir un sonido rítmico de "slap" contra el diapasón. El estilo slap corta el sonido de una banda mejor que simplemente puntear las cuerdas, e hizo que el bajo se escuchara más fácilmente en las primeras grabaciones de sonido, ya que el equipo de grabación de esa época no favorecía las frecuencias bajas. [48] Para obtener más información sobre el estilo slap, consulte Estilos de interpretación modernos , a continuación.
Se espera que los bajistas de jazz improvisen una línea de acompañamiento o un solo para una progresión de acordes determinada. También se espera que conozcan los patrones rítmicos adecuados para diferentes estilos (por ejemplo, el afrocubano). Los bajistas que tocan en una big band también deben poder leer líneas de bajo escritas, ya que algunos arreglos tienen partes de bajo escritas.
Muchos contrabajistas han contribuido a la evolución del jazz. Entre los ejemplos se incluyen músicos de la era del swing como Jimmy Blanton , que tocó con Duke Ellington , y Oscar Pettiford , que fue pionero en el uso del instrumento en el bebop . Paul Chambers (que trabajó con Miles Davis en el famoso álbum Kind of Blue ) alcanzó renombre por ser uno de los primeros bajistas de jazz en tocar solos de bebop con el arco. Terry Plumeri impulsó el desarrollo de los solos de arco (con arco), logrando una libertad técnica similar a la de la trompa y un tono vocal claro y con arco, mientras que Charlie Haden , más conocido por su trabajo con Ornette Coleman , definió el papel del bajo en el free jazz .
Varios otros bajistas, como Ray Brown , Slam Stewart y Niels-Henning Ørsted Pedersen , fueron fundamentales para la historia del jazz. Stewart, que era popular entre los beboppers, tocaba sus solos con un arco combinado con un tarareo de octava. Cabe destacar que Charles Mingus fue un compositor muy respetado, así como un bajista conocido por su virtuosismo técnico y su sonido poderoso. [49] Scott LaFaro influyó en una generación de músicos al liberar al bajo del "caminar" contrapuntístico detrás de los solistas en lugar de favorecer melodías interactivas y conversacionales. [50] Desde la disponibilidad comercial de amplificadores de bajo en la década de 1950, los bajistas de jazz han utilizado la amplificación para aumentar el volumen natural del instrumento.
Aunque el bajo eléctrico se utilizó de forma intermitente en el jazz desde 1951, a partir de la década de 1970 el bajista Bob Cranshaw , tocando con el saxofonista Sonny Rollins y los pioneros de la fusión Jaco Pastorius y Stanley Clarke comenzaron a sustituir comúnmente el bajo por el contrabajo. Sin embargo, aparte de los estilos de jazz de jazz fusión y jazz de influencia latina, el contrabajo sigue siendo el instrumento de bajo dominante en el jazz. El sonido y el tono del contrabajo punteado es distinto al del bajo con trastes. El contrabajo produce un sonido diferente al del bajo, porque sus cuerdas no están detenidas por trastes metálicos , sino que tienen un rango tonal continuo en el diapasón ininterrumpido. Además, los bajos suelen tener un cuerpo de madera maciza, lo que significa que su sonido se produce por amplificación electrónica de la vibración de las cuerdas, en lugar de la reverberación acústica del contrabajo.
Ejemplos ilustrativos del sonido de un contrabajo solista y su uso técnico en el jazz se pueden escuchar en las grabaciones solistas Emerald Tears (1978) de Dave Holland o Emergence (1986) de Miroslav Vitouš . Holland también grabó un álbum con el título representativo Music from Two Basses (1971) en el que toca con Barre Phillips mientras que a veces cambia al violonchelo.
El contrabajo es el instrumento de bajo más utilizado en la música bluegrass y casi siempre se toca con un instrumento de cuerda pulsada, aunque algunos bajistas de bluegrass modernos también han utilizado un arco. El bajista de bluegrass es parte de la sección rítmica y es responsable de mantener un ritmo constante, ya sea rápido, lento o en4
4,2
4o3
4El bajo también mantiene la progresión de acordes y la armonía. Los bajos laminados de madera contrachapada de la marca Engelhardt-Link (anteriormente Kay ) han sido durante mucho tiempo opciones populares para los bajistas de bluegrass. La mayoría de los bajistas de bluegrass usan el bajo de tamaño 3 ⁄ 4 , pero también se usan los bajos de tamaño completo y 5 ⁄ 8 .
La música tradicional anterior al bluegrass solía ir acompañada del violonchelo. La violonchelista Natalie Haas señala que en Estados Unidos se pueden encontrar "... fotografías antiguas, e incluso grabaciones antiguas, de bandas de cuerdas estadounidenses con violonchelo". Sin embargo, "el violonchelo desapareció de la vista en la música folk y pasó a asociarse con la orquesta". [51] El violonchelo no reapareció en el bluegrass hasta los años 90 y la primera década del siglo XXI. Algunas bandas de bluegrass contemporáneas prefieren el bajo eléctrico, porque es más fácil de transportar que el contrabajo grande y algo frágil. Sin embargo, el bajo tiene un sonido musical diferente. Muchos músicos sienten que el ataque más lento y el tono percusivo y amaderado del contrabajo le da un sonido más "terrenal" o "natural" que un bajo eléctrico, especialmente cuando se utilizan cuerdas de tripa.
Los ritmos comunes en la interpretación del bajo bluegrass implican (con algunas excepciones) puntear los tiempos 1 y 3 en4
4tiempo; tiempos 1 y 2 en2
4tiempo, y en el tiempo fuerte en3
4tiempo (tiempo de vals). Las líneas de bajo de bluegrass suelen ser simples, y suelen permanecer en la raíz y la quinta de cada acorde durante la mayor parte de una canción. Hay dos excepciones principales a esta regla. Los bajistas de bluegrass suelen hacer un walkup o walkdown diatónico , en el que tocan cada pulso de un compás durante uno o dos compases, normalmente cuando hay un cambio de acorde. Además, si a un bajista se le da un solo, puede tocar una línea de bajo móvil con una nota en cada pulso o tocar una línea de bajo con influencia de la escala pentatónica.
Uno de los primeros bajistas de bluegrass que alcanzó la fama fue Howard Watts (también conocido como Cedric Rainwater), que tocó con los Blue Grass Boys de Bill Monroe a partir de 1944. [52] El bajista clásico Edgar Meyer ha incursionado con frecuencia en el newgrass , el old-time, el jazz y otros géneros. "Mi favorito de todos los tiempos es Todd Phillips ", proclamó el bajista de Union Station Barry Bales en abril de 2005. "Aportó una forma completamente diferente de pensar y tocar el bluegrass". [53]
El contrabajo era el instrumento de bajo estándar en la música country tradicional . Si bien el contrabajo todavía se usa ocasionalmente en la música country , el bajo eléctrico ha reemplazado en gran medida a su primo más grande en la música country, especialmente en los estilos country con más influencias pop de los años 1990 y 2000, como el new country.
El estilo slap se utiliza a veces en la interpretación de bajo bluegrass. Cuando los bajistas de bluegrass golpean la cuerda tirando de ella hasta que toca el diapasón o golpean las cuerdas contra el diapasón, añaden el sonido agudo de percusión "clack" o "slap" a las notas graves del bajo, sonando muy parecido a los clacks de un bailarín de claqué. El slap es un tema de poca controversia en la escena bluegrass. Incluso los expertos en slap como Mike Bub dicen: "No hagas slap en todos los conciertos", o en canciones en las que no sea apropiado. Además, los bajistas de bluegrass que tocan al estilo slap en los shows en vivo a menudo hacen menos slap en los discos. Bub y su mentor Jerry McCoury rara vez hacen slap en el bajo en las grabaciones. Mientras que bajistas como Jack Cook golpean el bajo en la ocasional y más rápida "canción de Clinch Mountain Boys", bajistas como Gene Libbea, Missy Raines , Jenny Keel y Barry Bales [raramente] golpean el bajo. [54]
El bajista de bluegrass Mark Schatz, que enseña el slap bass en su DVD Intermediate Bluegrass Bass, reconoce que el slap bass "... no ha sido estilísticamente muy predominante en la música que he grabado". Señala que "incluso en el bluegrass tradicional el slap bass sólo aparece esporádicamente y la mayor parte de lo que he hecho ha sido más contemporáneo (Tony Rice, Tim O'Brien)". Schatz afirma que sería "... más probable que lo use [el slap] en una situación en vivo que en una grabación, para un solo o para puntuar un lugar particular en una canción o melodía donde no estaría borrando el solo de alguien". [55] Otro método de bluegrass, Learn to Play Bluegrass Bass , de Earl Gately, también enseña la técnica del slap bass de bluegrass. El bajista alemán Didi Beck toca slaps rápidos de tresillos, como se demuestra en este vídeo. [56]
A principios de la década de 1950, el contrabajo era el instrumento de bajo estándar en el estilo emergente de la música rock and roll, siendo Marshall Lytle de Bill Haley & His Comets solo un ejemplo. En la década de 1940, se desarrolló un nuevo estilo de música de baile llamado rhythm and blues , que incorporaba elementos de los estilos anteriores de blues y swing. Louis Jordan , el primer innovador de este estilo, presentó un contrabajo en su grupo, los Tympany Five . [57]
El contrabajo siguió siendo una parte integral de las formaciones pop a lo largo de la década de 1950, ya que el nuevo género de rock and roll se construyó en gran medida sobre el modelo del rhythm and blues, con fuertes elementos también derivados del jazz, el country y el bluegrass. Sin embargo, los contrabajistas que usaban sus instrumentos en estos contextos enfrentaron problemas inherentes. Se vieron obligados a competir con instrumentos de viento más fuertes (y luego guitarras eléctricas amplificadas ), lo que hizo que las partes de bajo fueran difíciles de escuchar. El contrabajo es difícil de amplificar en entornos de salas de conciertos ruidosas, porque puede ser propenso a aullidos de retroalimentación . [58] Además, el contrabajo es grande y difícil de transportar, lo que también creó problemas de transporte para las bandas de gira. En algunos grupos, el contrabajo se utilizó como percusión de banda en lugar de un baterista; tal fue el caso de Bill Haley & His Saddlemen (el grupo precursor de los Comets), que no utilizó bateristas en grabaciones y presentaciones en vivo hasta fines de 1952; Antes de esto, se confiaba en el bajo slap para la percusión, incluso en grabaciones como las versiones de Haley de " Rock the Joint " y " Rocket 88 ". [59]
En 1951, Leo Fender lanzó su Precision Bass , el primer bajo eléctrico comercialmente exitoso . [60] El bajo eléctrico se amplificaba fácilmente con sus pastillas magnéticas incorporadas , era fácilmente portátil (menos de un pie más largo que una guitarra eléctrica) y más fácil de tocar afinado que un contrabajo, gracias a los trastes de metal. En las décadas de 1960 y 1970, las bandas tocaban a volúmenes más altos y actuaban en lugares más grandes. El bajo eléctrico pudo proporcionar el enorme tono de bajo altamente amplificado que llenaba el estadio que exigía la música pop y rock de esta era, y el contrabajo retrocedió del centro de atención de la escena musical popular.
El contrabajo comenzó a hacer un regreso en la música popular a mediados de la década de 1980, en parte debido a un renovado interés en formas anteriores de música folk y country, como parte de las tendencias del rock de raíces y la música americana . En la década de 1990, las mejoras en los diseños de pastillas y amplificadores para contrabajos electroacústicos horizontales y verticales hicieron que fuera más fácil para los bajistas obtener un tono amplificado bueno y claro de un instrumento acústico. Algunas bandas populares decidieron anclar su sonido con un contrabajo en lugar de un bajo eléctrico, como Barenaked Ladies . Una tendencia de actuaciones "desenchufadas" en MTV , en las que las bandas de rock actuaban únicamente con instrumentos acústicos, ayudó aún más a aumentar el interés del público en el contrabajo y los bajos acústicos .
Jim Creeggan de Barenaked Ladies toca principalmente el contrabajo, aunque ha ido tocando cada vez más el bajo a lo largo de la carrera de la banda. Chris Wyse del grupo de rock alternativo Owl utiliza una combinación de contrabajo y bajo eléctrico. Athol Guy del grupo de folk/pop australiano The Seekers toca un contrabajo. Shannon Birchall , del grupo de folk-rock australiano John Butler Trio , [61] hace un uso extensivo de contrabajos, interpretando solos en vivo extendidos en canciones como Betterman. En el álbum de 2008 In Ear Park de la banda indie/pop Department of Eagles , un contrabajo de arco aparece de forma bastante destacada en las canciones "Teenagers" e "In Ear Park". La banda noruega de ompa-rock Kaizers Orchestra utiliza el contrabajo exclusivamente tanto en vivo como en sus grabaciones. [62]
El dúo pop contemporáneo francés "What a day" utiliza una técnica de pizzicato extendido con contrabajo, voces y máquina de escribir [63]
Los bajistas de Hank Williams III (Jason Brown, Joe Buck y Zach Shedd, sobre todo) han utilizado contrabajos para grabaciones así como durante los sets country y Hellbilly de las actuaciones en directo de Hank III antes de cambiar al bajo eléctrico para el set de Assjack .
El género rockabilly-punk de finales de los años 70, el psychobilly, continuó y amplió la tradición rockabilly del slap bass. Bajistas como Kim Nekroman y Geoff Kresge han desarrollado la habilidad de tocar un slap bass rápido que, en efecto, convierte el bajo en un instrumento de percusión.
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En los géneros musicales populares, el instrumento se suele tocar con amplificación y casi exclusivamente con los dedos, al estilo pizzicato . El estilo pizzicato varía entre los distintos intérpretes y géneros. Algunos intérpretes tocan con los lados de uno, dos o tres dedos, especialmente para líneas de bajo con movimiento y baladas de tempo lento, porque se supone que esto crea un tono más fuerte y sólido. Algunos intérpretes utilizan las puntas más ágiles de los dedos para tocar pasajes solistas de ritmo rápido o para puntear suavemente para melodías tranquilas. El uso de la amplificación permite al intérprete tener más control sobre el tono del instrumento, porque los amplificadores tienen controles de ecualización que permiten al bajista acentuar ciertas frecuencias (a menudo las frecuencias bajas) mientras que desacentúa algunas frecuencias (a menudo las frecuencias altas, de modo que haya menos ruido de los dedos).
El sonido de un bajo acústico sin amplificar está limitado por la respuesta de frecuencia del cuerpo hueco del instrumento, lo que significa que los tonos muy bajos pueden no ser tan fuertes como los tonos más altos. Con un amplificador y dispositivos de ecualización, un bajista puede potenciar las frecuencias bajas, lo que cambia la respuesta de frecuencia. Además, el uso de un amplificador puede aumentar el sustain del instrumento, lo que es particularmente útil para el acompañamiento durante baladas y para solos melódicos con notas sostenidas.
En la música tradicional de jazz, swing , polka , rockabilly y psychobilly, a veces se toca en el estilo slap . Esta es una versión vigorosa del pizzicato donde las cuerdas son "golpeadas" contra el diapasón entre las notas principales de la línea de bajo, produciendo un sonido de percusión similar al de una caja . Las notas principales se tocan normalmente o tirando de la cuerda lejos del diapasón y soltándola para que rebote en el diapasón, produciendo un ataque de percusión distintivo además del tono esperado. Los bajistas notables del estilo slap, cuyo uso de la técnica era a menudo muy sincopado y virtuoso, a veces interpolaban dos, tres, cuatro o más slaps entre las notas de la línea de bajo.
Algunos de los contrabajistas clásicos contemporáneos más influyentes son conocidos tanto por sus contribuciones a la pedagogía como por sus habilidades interpretativas, como el bajista estadounidense Oscar G. Zimmerman (1910-1987), conocido por su enseñanza en la Eastman School of Music y, durante 44 veranos, en el Interlochen National Music Camp en Michigan , y el bajista francés François Rabbath (nacido en 1931), que desarrolló un nuevo método de bajo que dividía todo el diapasón en seis posiciones. Entre los bajistas conocidos por sus habilidades virtuosas como solistas se incluyen el pedagogo e intérprete estadounidense Gary Karr (nacido en 1941), el compositor finlandés Teppo Hauta-aho (nacido en 1941), el compositor italiano Fernando Grillo y el músico y compositor estadounidense Edgar Meyer. Para una lista más larga, consulte la Lista de contrabajistas clásicos contemporáneos .
Entre los bajistas de jazz notables de la década de 1940 a la de 1950 se incluyen el bajista Jimmy Blanton (1918-1942), cuyo breve paso por la Duke Ellington Swing Band (interrumpida por su muerte por tuberculosis ) introdujo nuevas ideas solistas melódicas y armónicas para el instrumento; el bajista Ray Brown (1926-2002), conocido por respaldar a los beboppers Dizzy Gillespie , Oscar Peterson , Art Tatum y Charlie Parker , y por formar el Modern Jazz Quartet ; el bajista de hard bop Ron Carter (nacido en 1937), que ha aparecido en 3.500 álbumes, lo que lo convierte en uno de los bajistas más grabados en la historia del jazz, incluidos LP de Thelonious Monk y Wes Montgomery y muchos artistas de Blue Note Records ; y Paul Chambers (1935-1969), miembro del Miles Davis Quintet (incluida la histórica grabación de jazz modal Kind of Blue ) y muchas otras secciones rítmicas de los años 1950 y 1960, era conocido por sus improvisaciones virtuosas .
La era experimental posterior a los años 1960, y la fusión de jazz-rock y free jazz, produjeron varios bajistas influyentes. Charles Mingus (1922-1979), que también fue compositor y director de banda , produjo música que fusionó el hard bop con la música gospel negra , el free jazz y la música clásica. El bajista de free jazz y post-bop Charlie Haden (1937-2014) es mejor conocido por su larga asociación con el saxofonista Ornette Coleman y por su papel en la Liberation Music Orchestra de la década de 1970 , un grupo experimental. Eddie Gómez y George Mraz , que tocaron con Bill Evans y Oscar Peterson , respectivamente, y ambos son reconocidos por haber fomentado las expectativas de fluidez en pizzicato y fraseo melódico. El virtuoso de la fusión Stanley Clarke (nacido en 1951) es notable por su destreza tanto en el contrabajo como en el bajo eléctrico. Terry Plumeri es conocido por su fluidez en arco similar a la de un instrumento de viento y su tono vocal.
En la década de 1990 y la primera década del siglo XXI, uno de los nuevos "leones jóvenes" fue Christian McBride (nacido en 1972), que ha actuado con una gama de veteranos que van desde McCoy Tyner hasta los gurús de la fusión Herbie Hancock y Chick Corea , y que ha publicado álbumes como Vertical Vision de 2003. Otra bajista joven de destacar es Esperanza Spalding (nacida en 1984) que, a los 27 años de edad, ya había ganado un Grammy a Mejor Artista Nuevo.
Además de ser un destacado músico clásico, Edgar Meyer es muy conocido en los círculos de bluegrass y newgrass . Todd Phillips es otro destacado músico de bluegrass. Entre los bajistas de rockabilly más conocidos se encuentran Bill Black , Marshall Lytle (con Bill Haley & His Comets ) y Lee Rocker (con los renovadores del rockabilly de los años 80, Stray Cats ).
Entre los revivalistas del rockabilly y los intérpretes de psychobilly notables de la década de 1990 y la primera década del siglo XXI se incluyen Scott Owen (de la banda australiana The Living End ), Jimbo Wallace (de la banda estadounidense Reverend Horton Heat ), Kim Nekroman ( Nekromantix ), Patricia Day ( HorrorPops ), Geoff Kresge ( Tiger Army , ex- AFI ). Willie Dixon (1915-1992) fue una de las figuras más notables de la historia del rhythm and blues . Además de ser contrabajista, escribió docenas de éxitos de R&B y trabajó como productor. También toca el bajo en numerosos éxitos de rock and roll de Chuck Berry . Muchas otras bandas de rockabilly como El Rio Trio (de los Países Bajos) también utilizan este instrumento en su trabajo. Véase también la Lista de contrabajistas en la música popular .
La pedagogía y el entrenamiento del contrabajo varían ampliamente según el género y el país. El contrabajo clásico tiene una historia pedagógica que se remonta a varios siglos, incluyendo manuales de enseñanza, estudios y ejercicios progresivos que ayudan a los estudiantes a desarrollar la resistencia y precisión de la mano izquierda, y el control de la mano que usa el arco. Los métodos de entrenamiento clásico varían según el país: muchos de los principales países europeos están asociados con métodos específicos (por ejemplo, el método Édouard Nanny en Francia o el método Franz Simandl en Alemania ). En el entrenamiento clásico, la mayoría de la instrucción para la mano derecha se centra en la producción del tono del arco; se dedica poco tiempo a estudiar las variedades del tono pizzicato.
En cambio, en los géneros que utilizan principalmente o exclusivamente el pizzicato (punteado), como el jazz y el blues, se dedica mucho tiempo y esfuerzo a aprender las variedades de los diferentes estilos de pizzicato que se utilizan para la música de diferentes estilos de tempi. Por ejemplo, en el jazz, los aspirantes a bajistas tienen que aprender a tocar una amplia gama de tonos de pizzicato, incluido el uso de los lados de los dedos para crear un sonido completo y profundo para las baladas, el uso de las puntas de los dedos para líneas de bajo rápidas o solos, y la interpretación de una variedad de notas fantasma percusivas rastrillando cuerdas silenciadas o parcialmente silenciadas.
De todos los géneros, la música clásica y el jazz son los que cuentan con los sistemas de instrucción y formación más consolidados y completos. En el ámbito clásico, los niños pueden empezar a recibir clases particulares de este instrumento y a tocar en orquestas infantiles o juveniles. Los adolescentes que aspiran a convertirse en bajistas clásicos profesionales pueden continuar sus estudios en diversos entornos de formación formal, como colegios, conservatorios y universidades. Los colegios ofrecen certificados y diplomas en interpretación de bajo.
Los conservatorios , que son el sistema de formación musical estándar en Francia y en Quebec (Canadá), ofrecen clases y experiencia orquestal amateur para contrabajistas. Las universidades ofrecen una variedad de programas de contrabajo, que incluyen títulos de licenciatura, maestría en música y doctorado en artes musicales . Además, existe una variedad de otros programas de formación, como campamentos de verano de música clásica y festivales de formación de orquesta, ópera o música de cámara, que brindan a los estudiantes la oportunidad de tocar una amplia gama de música.
Las licenciaturas en interpretación de bajo (conocidas como B.Mus. o BM) son programas de cuatro años que incluyen lecciones individuales de bajo, experiencia en orquestas amateurs y una secuencia de cursos de historia de la música, teoría musical y cursos de artes liberales (por ejemplo, literatura inglesa), que brindan al estudiante una educación más completa. Por lo general, los estudiantes de interpretación de bajo realizan varios recitales de música para contrabajo solista, como conciertos, sonatas y suites barrocas.
Los títulos de Máster en música ( M.mus. ) en interpretación de contrabajo consisten en lecciones privadas, experiencia en conjunto, entrenamiento para tocar partes de contrabajo en orquesta y cursos de posgrado en historia y teoría de la música, junto con uno o dos recitales en solitario. Un título de Máster en música (conocido como M.Mus. o MM) suele ser una credencial requerida para las personas que desean convertirse en profesores de contrabajo en una universidad o conservatorio.
Los títulos de Doctor en Artes Musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D.) en interpretación de contrabajo brindan una oportunidad para estudios avanzados al más alto nivel artístico y pedagógico, y requieren generalmente 54 horas de crédito adicionales a las de un título de maestría (que son aproximadamente 30 créditos adicionales a las de una licenciatura). Por esta razón, la admisión es altamente selectiva. Se requieren exámenes de historia de la música, teoría musical, entrenamiento auditivo/dictado y un examen de ingreso-recital. Los estudiantes realizan una serie de recitales (alrededor de seis), incluida una conferencia-recital con una disertación doctoral adjunta, trabajo de curso avanzado y un promedio mínimo de B son otros requisitos típicos de un programa de DMA.
A lo largo de los inicios del jazz, los contrabajistas aprendieron a tocar el instrumento de manera informal o mediante una formación clásica temprana, como en el caso de Ron Carter y Charles Mingus. En los años 1980 y 1990, las universidades comenzaron a introducir diplomas y títulos en interpretación de jazz. Los estudiantes de los programas de diploma o de Licenciatura en Música de jazz toman lecciones individuales de bajo, adquieren experiencia en pequeños combos de jazz con la ayuda de un músico experimentado y tocan en grandes bandas de jazz. Al igual que los programas de formación clásica, los programas de jazz también incluyen cursos en el aula de historia y teoría musical. En un programa de jazz, estos cursos se centran en las diferentes eras de la historia del jazz, como el swing, el bebop y la fusión. Los cursos de teoría se centran en las habilidades musicales utilizadas en la improvisación de jazz y en el acompañamiento de jazz y la composición de melodías de jazz. También hay campamentos de verano de jazz y festivales/seminarios de formación, que ofrecen a los estudiantes la oportunidad de aprender nuevas habilidades y estilos.
En otros géneros, como el blues, el rockabilly y el psychobilly, los sistemas pedagógicos y las secuencias de entrenamiento no están tan formalizados ni institucionalizados. No existen títulos en interpretación de bajo de blues ni conservatorios que ofrezcan diplomas de varios años en bajo de rockabilly. Sin embargo, hay una variedad de libros, métodos de interpretación y, desde la década de 1990, DVD instructivos (por ejemplo, sobre cómo tocar el bajo slap al estilo rockabilly). Como tal, los intérpretes de estos otros géneros tienden a provenir de una variedad de rutas, incluido el aprendizaje informal mediante el uso de libros o DVD de métodos de bajo, tomando lecciones privadas y entrenamiento, y aprendiendo de discos y CD. En algunos casos, los bajistas de blues o rockabilly pueden haber obtenido alguna formación inicial a través de los sistemas pedagógicos clásicos o de jazz (por ejemplo, orquesta juvenil o big band de escuela secundaria). En géneros como el tango, que utilizan muchos pasajes con arco y líneas de pizzicato al estilo jazz, los bajistas tienden a provenir de rutas de formación clásicas o de jazz.
Las carreras de contrabajo varían ampliamente según el género y la región o el país. La mayoría de los bajistas se ganan la vida con una mezcla de trabajos de interpretación y docencia. El primer paso para conseguir la mayoría de los trabajos de interpretación es tocar en una audición . En algunos estilos de música, como las bandas de escenario orientadas al jazz, se les puede pedir a los bajistas que lean a primera vista música impresa o interpreten piezas estándar (por ejemplo, un estándar de jazz como Now's the Time ) con un conjunto. De manera similar, en una banda de rock o blues, se les puede pedir a los audicionados que toquen varios estándares de rock o blues. A un contrabajista que se presente a una audición para una banda de blues se le puede pedir que toque en una línea de bajo móvil de estilo swing, una línea de bajo "slapping" de estilo rockabilly (en la que las cuerdas se golpean percusivamente contra el diapasón) y una balada de los años 50 con notas sostenidas prolongadas. Se puede esperar que una persona que se presente a una audición para un papel de bajista en algunos estilos de música pop o rock demuestre la capacidad de interpretar voces en armonía como cantante de respaldo . En algunos grupos de pop y rock, se le puede pedir al bajista que toque otros instrumentos de vez en cuando, como el bajo eléctrico, el teclado o la guitarra acústica. La capacidad de tocar el bajo eléctrico es una característica que se espera en general en los grupos de música country, en caso de que la banda esté interpretando un clásico del rock o una nueva canción country.
En la música clásica , los contrabajistas hacen audiciones para tocar en orquestas y para ser admitidos en programas o títulos universitarios o de conservatorio. En una audición de bajo clásico, el intérprete normalmente toca un movimiento de una suite para violonchelo solo de JS Bach o un movimiento de un concierto para bajo y una variedad de extractos de la literatura orquestal. Los extractos suelen ser las partes técnicamente más desafiantes de las partes de bajo y los solos de bajo de la literatura orquestal. Algunos de los extractos orquestales más solicitados en las audiciones de bajo son las Sinfonías núms. 5, 7 y 9 de Beethoven ; Ein Heldenleben y Don Juan de Strauss ; las Sinfonías núms. 35, 39 y 40 de Mozart ; las Sinfonías núms. 1 y 2 de Brahms ; Pulcinella de Stravinsky ; la Sinfonía núm. 5 de Shostakovich ; las Variaciones Concertantes de Ginastera ; la Sinfonía núm. 4 de Tchaikovsky ; La Sinfonía n.º 2 de Mahler , la Suite n.º 2 en si menor de J. S. Bach, la Sinfonía fantástica de Berlioz , la Sinfonía n.º 4 de Mendelssohn , y los solos de bajo de la ópera Otello de Verdi , la Sinfonía n.º 1 de Mahler , La guía de la orquesta para jóvenes de Britten y la Suite El teniente Kije de Prokofiev . [64]
