El Museo de Arte Nelson-Atkins es un museo de arte en Kansas City , Missouri , conocido por su colección enciclopédica de arte de casi todos los continentes y culturas, y especialmente por su extensa colección de arte asiático .
En 2007, la revista Time clasificó al nuevo edificio Bloch del museo en el primer puesto de su lista de "Las 10 mejores (nuevas y futuras) maravillas arquitectónicas", que consideró candidatos de todo el mundo. [1]
El museo abre cinco días a la semana: lunes de 10 a 17 h, cerrado martes y miércoles, abierto jueves de 10 a 21 h, viernes de 10 a 21 h, sábado y domingo de 10 a 17 h. La entrada es gratuita.
El museo se construyó en los terrenos de Oak Hall, la casa del editor del Kansas City Star, William Rockhill Nelson (1841-1915). [2] Cuando murió en 1915, su testamento dispuso que, tras la muerte de su esposa y su hija, las ganancias de todo su patrimonio se destinarían a la compra de obras de arte para el disfrute del público. Este legado se incrementó con fondos adicionales procedentes de los patrimonios de la hija, el yerno y el abogado de Nelson. [3]
En 1911, la ex maestra de escuela Mary McAfee Atkins (1836-1911), viuda del especulador inmobiliario James Burris Atkins, legó 300.000 dólares para establecer un museo de arte. Gracias a una buena gestión del patrimonio y a una economía en auge , esta cantidad aumentó a 700.000 dólares en 1927. Los planes originales preveían dos museos de arte basados en los legados separados [4] (el Museo Atkins se ubicaría en Penn Valley Park ). Sin embargo, los fideicomisarios de los dos patrimonios decidieron combinar los dos legados junto con legados más pequeños de otros para crear una única institución de arte importante.
El edificio fue diseñado por los destacados arquitectos de Kansas City Wight and Wight , quienes también diseñaron los accesos al Monumento a la Libertad y a la mansión del gobernador de Kansas , Cedar Crest . La obra comenzó en julio de 1930 y el museo abrió sus puertas el 11 de diciembre de 1933. El estilo arquitectónico clásico Beaux-Arts del edificio se inspiró en el Museo de Arte de Cleveland . [3] Thomas Wight, el hermano que hizo la mayor parte del trabajo de diseño del edificio, dijo:
Estamos construyendo el museo sobre principios clásicos porque han sido probados a lo largo de los siglos. Se puede desarrollar un principio claramente estadounidense apropiado para un edificio de este tipo, pero, hasta ahora, todo lo de ese tipo es experimental. No se experimenta con dos millones y medio de dólares. [5]
Cuando se inauguró el edificio original, su costo final fue de 2,75 millones de dólares (unos 54 millones de dólares en 2018). [3] Las dimensiones de la estructura de seis pisos eran 120 m de largo por 53 m de ancho, lo que la hacía más grande que el Museo de Arte de Cleveland.
El museo, al que los lugareños llamaban Galería de Arte Nelson o simplemente Galería Nelson, en realidad eran dos museos hasta 1983, cuando recibió el nombre oficial de Museo de Arte Nelson-Atkins. Anteriormente, el ala este se llamaba Museo de Bellas Artes Atkins, mientras que el ala oeste y el vestíbulo se llamaban Galería de Arte William Rockhill Nelson. [6]
En el exterior del edificio, Charles Keck creó 23 paneles de piedra caliza que representan la marcha de la civilización de este a oeste, incluidas las caravanas de carros que se dirigían al oeste desde Westport Landing . Las rejas de las puertas representan motivos de hojas de roble en memoria de Oak Hall. La fachada sur del museo es una estructura icónica en Kansas City que se alza sobre una serie de terrazas sobre Brush Creek .
Casi al mismo tiempo que se construía el museo, Howard Vanderslice donó 8 acres (32.000 m2 ) al oeste del museo, al otro lado de Oak Street, para el Kansas City Art Institute , que se trasladó del edificio Deardorf en las calles 11th y Main en el centro de Kansas City.
Como William Nelson, el principal contribuyente, donó dinero en lugar de una colección de arte personal, los curadores pudieron reunir una colección desde cero. En el apogeo de la Gran Depresión , el mercado mundial del arte estaba inundado de piezas en venta, pero había muy pocos compradores. Por ello, los compradores del museo encontraron un vasto mercado abierto para ellos. Las adquisiciones crecieron rápidamente y en poco tiempo, el Nelson-Atkins tenía una de las colecciones de arte más grandes del país. [7]
Uno de los componentes originales del edificio era una recreación de la habitación con paneles de roble de Nelson, de Oak Hall (y homónima de la finca). La habitación contenía el sillón rojo de felpa y las estanterías de libros de Nelson. La habitación fue desmantelada en 1988 para dar paso a un estudio de fotografía. [3] [8]
Un tercio del edificio, en el primer y segundo piso del ala oeste, se dejó sin terminar cuando se inauguró para permitir una futura expansión. Una parte se completó en 1941 para albergar pintura china y el resto del edificio se completó después de la Segunda Guerra Mundial . [3] En 1993, Michael Churchman escribió una historia del Museo de Arte Nelson-Atkins, High Ideals and Aspirations . [9]
El museo tuvo cuatro directores antes del nombramiento de Julián Zugazagoitia en 2010; el primero fue Paul Gardner (1894-1972). Originario de Massachusetts, Gardner se graduó en el MIT en 1917 con un título en arquitectura. Sirvió con distinción en la Primera Guerra Mundial , después de lo cual viajó por Europa y el norte de África durante un año. En 1919 aproximadamente se convirtió en bailarín de la Compañía de Ballet de Anna Pavlova bajo el nombre de Paul Tchernikoff. Gardner finalmente regresó a la escuela de posgrado, obtuvo una maestría en historia europea de la Universidad George Washington en 1928 y luego se inscribió en el programa de doctorado en historia del arte en Harvard . En marzo de 1932, los cautelosos fideicomisarios de la Galería de Arte Nelson, vacilantes sobre nombrar a un director de pleno derecho, nombraron al estudiante de posgrado como su asistente a modo de prueba. Gardner asumió su nuevo cargo de inmediato y los fideicomisarios lo nombraron director dieciocho meses después, el 1 de septiembre de 1933. Ocuparía su cargo durante los siguientes veinte años. [10]
Gardiner sirvió en el ejército de los Estados Unidos durante la campaña italiana de la Segunda Guerra Mundial con el rango de mayor . Fue nombrado jefe del Departamento de Bellas Artes y Educación del Gobierno Militar Aliado en la Italia ocupada . [11]
Ethylene Jackson (1907–1993), secretaria ejecutiva de Paul Gardner desde 1933, se convirtió en directora interina en noviembre de 1942 cuando Gardner fue nombrado mayor del ejército de los Estados Unidos. Además de su papel como secretaria ejecutiva del director, Jackson se había desempeñado como curadora de la colección de artes decorativas. [9] Paul Gardner se desempeñó como encargado de monumentos en Europa y regresó al Nelson en diciembre de 1945. Ethylene Jackson dejó Kansas City para irse a Nueva York al año siguiente después de casarse con el comerciante de arte Germain Seligman .
Tras la jubilación de Paul Gardner el 1 de mayo de 1953, Laurence Sickman (1907-1988) se convirtió en el segundo director de la galería, con la que había estado asociado desde 1931.
Laurence Sickman, oriundo de Denver, Colorado, se había interesado por el arte japonés y chino cuando era estudiante de secundaria. Después de dos años en la Universidad de Colorado, se trasladó a Harvard, donde estudió con Langdon Warner . También aprendió a hablar chino con fluidez. Después de graduarse con una licenciatura en 1930, Sickman viajó a China con una beca Harvard-Yenching. Allí se reencontró con Warner, que para entonces estaba en China, con la misión de comprar arte para los fideicomisarios del museo. Warner recomendó a los fideicomisarios que el joven estudiante de posgrado asumiera la responsabilidad de negociar las compras de arte para la Galería, ya que Warner se mudaba a Japón. [12] La perspicacia de Sickman como coleccionista le valió el respeto de los fideicomisarios, que le enviaron miles de dólares para comprar arte. Como tenía una beca, su experiencia no le costó nada a los fideicomisarios. Hizo el viaje de 6.000 millas a Kansas City en diciembre de 1933 para la inauguración de la Galería, y luego regresó a China. Al regresar una vez más a los Estados Unidos, fue nombrado Curador de Arte Oriental de la Galería en 1935. En 1941, las compras de arte chino de Sickman habían proporcionado a la Galería Nelson una de las mejores colecciones asiáticas de los Estados Unidos. [13]
Sickman, al igual que Paul Gardner, fue nombrado oficial del ejército de los Estados Unidos como miembro de los Monuments Men , y sirvió de 1942 a 1945 en Inglaterra, India y China. En su ausencia, su muy competente asistente, la señorita Lindsay Hughes, fue designada curadora interina. Sickman volvió a su función de comisario después de la guerra; ocho años más tarde fue nombrado director. Entre los muchos éxitos de su mandato, el más importante fue la gran exposición "Hallazgos arqueológicos de la República Popular China", que se celebró del 20 de abril al 8 de junio de 1975 y atrajo a unos 280.000 visitantes. La exposición de 385 piezas fue el resultado de la distensión entre los Estados Unidos y la China comunista que había iniciado el viaje de Richard Nixon a ese país en 1972. Este fue un logro profesional y personal para Sickman: su reputación como académico y la colección que había reunido en la Galería Nelson hicieron de Kansas City una de las cuatro ciudades que visitaría la exposición, después de París, Toronto y Washington, DC. [14] Laurence Sickman se jubiló el 31 de enero de 1977 y fue nombrado Director Emérito y asesor de los Fideicomisarios.
Tras la jubilación de Laurence Sickman, Ralph Tracy "Ted" Coe (1929-2010) se convirtió en el tercer director de la galería. Coe era oriundo de Cleveland, donde su padre, un fabricante de acero, era coleccionista de arte. Licenciado en historia del arte por el Oberlin College y con un máster en arquitectura por Yale , había trabajado en el Victoria and Albert Museum de Londres y en la National Gallery de Washington, DC antes de llegar a la Nelson Gallery en 1959 como comisario de pintura y escultura. Mientras era comisario, Coe organizó varias exposiciones especiales de gran tamaño y muy concurridas. La más influyente fue "Sacred Circles", una exposición de 900 objetos de arte nativo americano. Organizada para conmemorar el Bicentenario de los Estados Unidos , la muestra se inauguró en la Hayward Gallery de Londres, Inglaterra, desde octubre de 1976 hasta enero de 1977. Rápidamente se organizó el apoyo financiero en Kansas City para convertir a la Nelson Gallery en la única sede estadounidense. "Sacred Circles" fue la segunda exposición más popular después de la muestra china de 1975, que se desarrolló del 16 de abril al 19 de junio de 1977 y atrajo a más de 245.000 visitantes. [9] Ted Coe solicitó un año sabático de sus funciones como director en marzo de 1982 y dimitió a finales de junio, tras haber trabajado en el Nelson durante 23 años, incluidos 4+1 ⁄ 2 años como Director. [14]
Ted Coe fue sucedido por Marc Wilson, quien ocupó el cargo desde 1982 hasta 2010. [15]
El 1 de septiembre de 2010, Julián Zugazagoitia (n. 1964) se convirtió en el quinto director del museo. [15] [16] Zugazagoitia había trabajado anteriormente durante siete años como director y director ejecutivo de El Museo del Barrio en la ciudad de Nueva York. [16]
En 1993, el museo comenzó a considerar los primeros planes de expansión desde la finalización de las áreas inacabadas en la década de 1940. Los planes preveían un aumento del espacio del 55 por ciento y se finalizaron en 1999.
El arquitecto Steven Holl ganó un concurso internacional en 1999 para el diseño de la ampliación. El concepto de Holl, concebido y realizado con el socio de diseño Chris McVoy, fue construir cinco pabellones de vidrio al este del edificio original, a los que llaman lentes. Las lentes coronan un edificio subterráneo de 165.000 pies cuadrados (15.300 m2 ) conocido como el edificio Bloch. Lleva el nombre del cofundador de H&R Block, Henry W. Bloch . El edificio Bloch alberga las galerías de exposiciones especiales, de fotografía y de arte contemporáneo africano del museo, así como una nueva cafetería, la biblioteca de referencia de arte Spencer del museo y el patio de esculturas Isamu Noguchi . La ampliación costó aproximadamente 95 millones de dólares y se inauguró el 9 de junio de 2007. Fue parte de una renovación de 200 millones de dólares del museo que incluyó el Centro de Aprendizaje Ford, que alberga clases, talleres y recursos para estudiantes y educadores. Se inauguró en el otoño de 2005.
En el concurso para diseñar el anexo, todos los participantes, excepto Holl, propusieron crear un anexo moderno en el lado norte del museo que hubiera alterado o oscurecido drásticamente la fachada norte, que servía como entrada principal al museo. En cambio, Holl y McVoy propusieron colocar el anexo en el lado este, perpendicular al edificio principal. Su objetivo era conectar con el icónico jardín de esculturas del museo para fusionar la experiencia del arte, la arquitectura y el paisaje. Sus lentes ahora se proyectan en cascada por el perímetro este del recinto.
Durante la construcción, el plan de Holl suscitó una gran controversia. Se lo describió como "grotesco, una caja de metal". [17] Sin embargo, las críticas sobre la nueva estructura una vez terminada han sido, en general, elogiosas:
El crítico de arquitectura del New York Times, Nicolai Ouroussoff, da esta descripción:
Para el mundo del arte, la ampliación, conocida como el Edificio Bloch, debería reafirmar que el arte y la arquitectura pueden coexistir felizmente. El resto de nosotros podemos encontrar consuelo en el hecho de que las obras públicas de nuestra época pueden igualar o superar los grandes logros de las generaciones pasadas...
El resultado es un edificio que no desafía al pasado, sino que sugiere una visión alternativa del mundo que cambia constantemente. Vista desde la plaza norte, la entrada principal de la ampliación se remite suavemente al antiguo edificio, y su forma cristalina sugiere un eco fantasmal de la austera fachada de piedra. Desde allí, la mirada se dirige a los bloques translúcidos, distintos pero interconectados, que están parcialmente enterrados en el paisaje...
Es un enfoque que debería estudiar cualquiera que se proponga diseñar un museo a partir de ahora. [18]
El museo ha ido en contra de la idea tradicional de conservación al permitir que la luz natural entre por las lentes para iluminar sus obras de arte. La mayoría de las exhibiciones en el anexo están bajo tierra con pabellones de vidrio de entre 27 y 34 pies (10 m) sobre ellos. Los funcionarios dicen que los avances en la tecnología del vidrio han permitido que bloqueen la mayoría de los rayos ultravioleta dañinos que podrían dañar las obras expuestas. [18]
Los paneles de vidrio personalizados fueron fabricados por Glasfabrik Lamberts e importados por Bendheim Wall Systems. [19]
La entrada al museo es gratuita todos los días y los visitantes pueden utilizar cualquiera de las siete entradas para acceder al edificio. El mostrador principal de visitantes se encuentra en el edificio Bloch. En el lado norte del museo, un estanque reflectante ocupa ahora parte de la plaza JC Nichols en la fachada norte y contiene 34 óculos para proporcionar luz natural al estacionamiento que se encuentra debajo. El molde de El pensador que ocupaba este espacio antes de las renovaciones se ha reubicado al sur del museo.
En 2013, se seleccionó la combinación de Steven Holl Architects y BNIM para construir una ampliación de 100 millones de dólares al Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas que se basará en parte en el modelo de la ampliación Bloch. [20]
Con obras del mundo antiguo, esto incluye lugares como: Egipto , Grecia , Roma y el Cercano Oriente . [21] La galería abrió en 2010, [22] dirigida por Robert Cohon como curador. Los retratos de faraones y reinas egipcias como Sen-useret III , Ramsés II , Nefert-iti , la dinastía de Ptolomeo son los más notables en la colección egipcia. Las obras del Cercano Oriente incluyen joyas de los primeros reyes y reinas en Ur y esculturas del Palacio de Asurnasirpal II del primer milenio a. C. en Nimrud y el centro ceremonial del Imperio persa , Persépolis . Las obras griegas son en su mayoría estatuas y cerámica del siglo V al I a. C. de las deidades y héroes griegos como Helios, Apolo, Deméter, Aquiles y Hércules. Estatuas romanas de los emperadores Alejandro Severo y Adriano , junto con otras obras romanas del período cristiano temprano (siglos IV al VII d. C. ), entre ellas una escultura de piedra caliza de Tecla , la primera mártir católica femenina. [ cita requerida ]
Durante el apogeo de la pandemia de COVID-19 , el museo realizó un recorrido virtual por su galería de la Reina Nefertari con Julián Zugazagoitia como guía turístico. [23] El video fue organizado por Nelson-Atkins, Pointe-à-Callière y National Geographic Society . La exhibición es sobre Nefertari, llamada "La Aquella Para La Que Brilla El Sol" por su esposo, el faraón Ramsés II , con 230 piezas de arte sobre Nefertari y otras mujeres del antiguo Egipto. "Será emocionante tener estas antiguas obras de arte entre nosotros, imaginar las manos que las crearon y la importancia que tuvieron estos objetos en la cultura egipcia. Qué privilegio recibir objetos de uno de los sitios arqueológicos más importantes de Egipto: el Valle de las Reinas ", dijo Julián Zugazagoitia [24]
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La colección de pintura europea del museo es muy apreciada. Incluye obras de Caravaggio , Jusepe de Ribera , Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Petrus Christus , Gustave Courbet , El Greco , Giambattista Pittoni , Guercino , Alessandro Magnasco , Giuseppe Bazzani , Corrado Giaquinto , Cavaliere d'Arpino , Gaspare Traversi , Giuliano Bugiardini , Tiziano , Hieronymus Bosch , Rembrandt , Louise Élisabeth Vigée Le Brun , Peter Paul Rubens , Eugène Fromentin , Gustave Caillebotte , Edgar Degas , Paul Gauguin , Claude Monet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh . [25]
A principios de 2016, La tentación de San Antonio , un pequeño panel atribuido durante mucho tiempo al taller de Hieronymus Bosch , fue acreditado al propio pintor después de una investigación forense de su pintura subyacente. Se agregó a las filas de solo 25 pinturas autenticadas de Bosch en el mundo. El Nelson-Atkins también tiene excelentes pinturas del gótico tardío y del Renacimiento italiano temprano de Jacopo del Casentino ( La presentación de Cristo en el templo ), Giovanni di Paolo y Taller, Bernardo Daddi y Taller, Lorenzo Monaco , Gherardo Starnina ( La adoración de los magos ) y Lorenzo di Credi . Tiene pinturas expresionistas alemanas y austriacas de Max Beckmann , Karl Hofer ( Tocadiscos ), Emil Nolde , Ernst Ludwig Kirchner y Oskar Kokoschka ( Pirámides de Egipto ). [26]
Nelson Atkins ha trabajado con piezas de arte de la era nazi que a menudo son hechas por judíos , romaníes , homosexuales o de otro tipo en contra del ideal nazi en los años 1920-40 [27] , aunque se centra principalmente en el arte hecho y poseído por personas judías. Muchas piezas fueron destruidas, rescatadas o vendidas por poco dinero. Trabajan en la investigación de piezas y en trabajar con los descendientes de los propietarios o artistas. Dependiendo de los deseos de los descendientes, las piezas se devuelven o se les permite permanecer en exhibición. Una de las piezas más famosas de la era nazi es una naturaleza muerta, Les Boules de Neige, de Pierre Bonnard , que se mantuvo en la mina de sal de Altaussee y fue tomada del banquero francés David David-Weill . [28] El museo tiene una lista de sus obras en su sitio web [29] y en el Portal de Internet de Procedencia de la Era Nazi de la Alianza Estadounidense de Museos (NEPIP).
El museo es distinguido y ampliamente celebrado por su extensa colección de arte asiático , especialmente el de la China imperial, [30] así como piezas de Afganistán , India , Irán , Indonesia , Corea , Pakistán y otros lugares del sudeste y sur de Asia . [31] La mayor parte fue adquirida para el museo a principios del siglo XX por Laurence Sickman , entonces becario de Harvard en China. El museo tiene una de las mejores colecciones de muebles antiguos chinos del país, incluido uno del célebre grupo de luohans de cerámica vidriada de Yixian (c. 1000). [32]
Además del arte chino, la colección incluye piezas de Japón, incluidas piezas de biombos y pergaminos de Kaihō Yūshō , Tawaraya Sōtatsu , Ikeno Taiga y Shiokawa Bunrin. [33] La colección de piezas de xilografía cuenta con alrededor de 500 piezas, con obras de Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige en ella. La colección también incluye esculturas, cerámicas y obras textiles.
La mayoría de las obras de arte de la colección africana del museo fueron creadas por artistas provenientes en su mayoría de África occidental y central, principalmente de los países de Mali , Costa de Marfil , Ghana , Nigeria , Camerún , Gabón y la República Democrática del Congo . El museo tiene una pequeña colección de África oriental y sudafricana, que incluye una máscara tallada por un artista yao de Tanzania y capas de cuentas creadas por artistas zulúes en el país de Sudáfrica . [ cita requerida ]
La Nelson-Atkins comenzó a coleccionar arte africano en la década de 1930, con muchas adquisiciones notables, incluidos dos objetos de latón fundido del siglo XVII del Reino de Benin en Nigeria en 1958. [34] Si bien la colección creció lentamente hasta 1983, los años posteriores vieron adquisiciones más agresivas. En 2012, [35] el curador de la galería de arte africano Nii Quarcoopome trabajó para agregar más contenido y formas para que el público interactuara incluyendo videos y fotografías que muestran a los visitantes cómo se utilizan los objetos en ceremonias o en la vida cotidiana. Incluye 400 objetos hechos de madera, latón, cuentas, terracota, marfil y fibras naturales. [36] Tienen una variedad de diferentes culturas y tradiciones dentro del mundo del arte del continente. Estos incluyen un taburete real del pueblo Asante , una figura masculina de pie de un artista Hemba , un grupo de textiles Kuba , un trono real de cuentas creado por un artista Bansoa en el reino Bamileke, una máscara femenina ( Kifwebe ) de artistas Songye y una figura de santuario tallada por un artista Baga .
El museo realizó una exposición llamada 'A través de los ojos africanos: el europeo en el arte africano, 1500-presente' del 25 de septiembre de 2010 al 9 de enero de 2011. [37] [38] Fue un examen de cómo los artistas africanos expresaron las interacciones dinámicas entre las culturas africanas y los europeos y occidentales con 95 piezas de arte que reflejan el tema de los asentamientos de colonización europea en África, a través de los años contemporáneos de la post-independencia. Nii Quarcoopome fue citado diciendo, "En el corazón de la exposición y su catálogo acompañante está el deseo de dar agencia a las voces africanas; de hecho, el título, Through African Eyes , se obtiene principalmente de este pensamiento. Después de todo, ¿de qué sirve el arte y la historia africanos sin la voz africana? [38] ". Esta exposición ha sido organizada por el Instituto de Artes de Detroit, donde apareció la exhibición por primera vez. Con el apoyo proporcionado por el Fondo Nacional para las Humanidades y el Fondo Nacional para las Artes . En Kansas City, la exposición cuenta con el apoyo del Fondo Helzberg para el Arte Africano. [37] El museo también ha celebrado una charla en febrero de 2018, en la que se habló y educó a la audiencia sobre Palbo Picasso y su relación con las artes de África y el mundo, ya que compró arte africano a comerciantes de arte sospechosos. Entre los oradores se encontraban Julián Zugazagoitia, [16] director y comisario de exposiciones en Nelson Atkins, [39] y el historiador de arte Peter Stepan, que escribió un libro sobre el tema. [40]
En 2009, el museo abrió una serie de galerías de arte nativo americano , con un total de 6100 pies cuadrados, una de las exhibiciones más grandes de este tipo en un museo de arte integral con 200 piezas en exhibición en promedio. [41] Gaylord Torrence, el curador del departamento de nativos americanos en ese momento, pudo adquirir la mayoría de los artículos con donaciones de Morton Sosland [42] y otras personas. Ayudó a encontrar obras de artistas nativos americanos de miles de años de antigüedad hasta las modernas. [43] Torrence se ha jubilado desde entonces. Pasó a escribir Continuum: Native North American Art en el Museo de Arte Nelson-Atkins. [44] David Penney, director asociado de investigación y becas de museos en el Museo Nacional del Indio Americano, ha elogiado el trabajo de Torrence diciendo "La colección de Nelson refleja una combinación de historia, edad, características formales que juegan con el conocimiento modernista y una noción de espiritualidad. Ese es el tipo de cosas que Gaylord valora". [43]
La galería incluye obras de Jamie Okuma , Roxanne Swentzell , Diego Romero , Joyce Growing Thunder Fogarty , Silver Horn y Butch Thunder Hawk. [45] También alberga piezas históricas como cerámica , cestas , trabajos con cuentas , plumas y textiles y pinturas de las tribus Arikara , Mississippian , Algonquian , Plains , Lakota , Kiowa , Cheyenne , Chumash , Navajo y Pueblo . El Nelson Atkins ha trabajado a través de la Ley de Protección y Repatriación de Tumbas de Nativos Americanos ( NAGPRA ) en colaboración con grupos, tribus y otras formas de comunidades nativas americanas para repatriar o mostrar arte nativo americano de una manera culturalmente apropiada. Los artículos que son reclamados por una autoridad de la tribu se consideran caso por caso, dependiendo de la conexión del artículo con una determinada cultura, así como de lo que el Director Adjunto de Asuntos Curatoriales, el Director/CEO y los Miembros Fiduciarios del Comité decidan que es mejor para el futuro del artículo. [27] La mayoría de los artículos repatriados están relacionados con tumbas u otras ceremonias culturales.
El museo también alberga presentaciones culturales como una forma de compartir y celebrar las culturas indígenas, principalmente del área del Medio Oeste. [46] Incluye canto, baile, narración de cuentos y obras de arte de estudiantes de la Universidad de las Naciones Indias Haskell y miembros de la Reserva India Apache , los Indios de las Llanuras , la Prairie Band Potawatomi y Standing Rock Lakota , y varios miembros del Centro Indio de Kansas City. [ cita requerida ]
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La galería estadounidense contiene arte de artistas estadounidenses que no son nativos americanos. La colección incluye la colección pública más grande de obras de Thomas Hart Benton , quien vivió en Kansas City. Entre su colección se encuentran pinturas de [47] George Bellows , George Caleb Bingham , Frederic Church , John Singleton Copley , Thomas Eakins , Winslow Homer y John Singer Sargent . Una de las exhibiciones más notables presentadas fue 30 estadounidenses, que mostró la vida afroamericana a través de los ojos de 30 artistas diferentes de todo el país, incluidas obras de Jean-Michel Basquiat , Carrie Mae Weems , Kerry James Marshall , Mickalene Thomas , Rashid Johnson , Kara Walker , Hank Willis Thomas y Kehinde Wiley . Contenía 80 pinturas, dibujos, grabados, esculturas, fotografías y videos. [48]
El museo también tiene obras contemporáneas en el Edificio Bloch de Willem de Kooning , Fairfield Porter , Wayne Thiebaud , Richard Diebenkorn , Agnes Martin , Bridget Riley y Alfred Jensen .
En 2023, el museo ganó el cuadro "Sailing" de Thomas Eakins gracias a una apuesta realizada por el Museo de Arte de Filadelfia después de que los Kansas City Chiefs ganaran el Super Bowl contra los Philadelphia Eagles [49].
Esta colección abarca obras artísticas producidas entre 1860 y 1970, incluyendo obras del cubismo , expresionismo , fauvismo , dadaísmo , surrealismo , Bauhaus y expresionismo abstracto . Las piezas incluyen obras de Pablo Picasso , Jackson Pollock , Ernst Barlach , Max Beckmann , Joseph Cornell , Juan Gris , Ernst Ludwig Kirchner , Paul Klee , Jacques Lipchitz , Roberto Matta Echaurren , Joan Miró , Ben Nicholson , Emil Nolde , Yves Tanguy , Willem de Kooning , Philip Guston , Grace Hartigan , Robert Motherwell , Constantin Brancusi , Alexander Calder , Alberto Giacometti , Henry Moore , Marcel Duchamp , Adolph Gottlieb y Man Ray . El museo ha agradecido al grupo Friends of Art de Kansas City, a la Hall Family Foundation, a las donaciones de otras personas y a empresas (como Commerce Bank and Trust ) por ayudar a adquirir las obras de arte. [ cita requerida ]
Las galerías de fotografía del edificio Bloch muestran un recorrido por la historia creativa de este medio, desde los daguerrotipos hasta los procesos del siglo XXI. Se presentan nuevas instalaciones aproximadamente tres veces al año. [50] El museo también alberga la fotografía de esclavos más antigua conocida en los EE. UU., [51] tomada en 1850 por un artista desconocido y se cree que fue tomada en Georgia.
En 2006, el presidente de Hallmark Cards, Donald J. Hall, Sr., donó al museo toda la Colección fotográfica Hallmark , que abarca la historia de la fotografía desde 1839 hasta la actualidad. Está centrada principalmente en los Estados Unidos e incluye obras de fotógrafos como Southworth & Hawes , Carleton Watkins , Timothy O'Sullivan , Alvin Langdon Coburn , Alfred Stieglitz , Dorothea Lange , Homer Page , Harry Callahan , Lee Friedlander , Andy Warhol , Todd Webb y Cindy Sherman , entre otros.
El arte contemporáneo se encuentra en el edificio Bloch y en Nelson-Atkins se define como el arte desde 1960 hasta la actualidad. Los estilos incluyen pop , minimalismo , conceptual y realismo , de diferentes partes del mundo y culturas. Las piezas de arte son obsequios de The William T. Kemper Collecting Initiative o adquiridas o donadas por artistas famosos como: [52] [53] Jackson Pollock , Andy Warhol , Anish Kapoor , Robert Rauschenberg , Yinka Shonibare , Duane Hansen , Louise Nevelson , Donald Judd , Robert Arneson , Jim Dine , Nancy Graves , Bridget Riley , Elizabeth Murray , Robert Mangold , Kerry James Marshall , El Anatsui , Raqib Shaw , Willem de Kooning , Mark Rothko , David Smith , Richard Diebenkorn , Richard Estes , Duane Hanson , Claes Oldenburg , Sol LeWitt , Agnes Martin , Bridget Riley , Ronnie Landfield , Martin Puryear y Deborah Butterfield
El Patio de Esculturas de Noguchi alberga esculturas contemporáneas donadas por la Iniciativa de Escultura Moderna de la Fundación de la Familia Hall. Situada en el extremo sur del edificio Bloch, esta es la tercera colección más grande de Isamu Noguchi , [54] fuera de Nueva York y Japón. [52]
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El museo alberga piezas de arquitectura y artes decorativas , que van desde vidrieras medievales hasta muebles del siglo XXI de artistas de Kansas City . Algunas piezas significativas son una armadura para un caballero y su caballo de la Italia del siglo XVI y más de 1300 ejemplos de cerámica inglesa en la Colección Burnap. Las obras realizadas durante el siglo XVIII forman la concentración más grande, que incluye cerámica, porcelana, plata y muebles. Las donaciones de Folgers Coffee Corporation y la familia Wallenstein agregan otros medios a la comprensión del arte y la cultura del siglo XVIII. Fuera del arte del siglo XVIII se encuentra la colección de obras de los siglos XIX al XXI. Incluye muchos movimientos de diseño, incluido el Art Nouveau, Bauhaus, hasta obras producidas en la actualidad. Las adquisiciones recientes incluyen muebles, cerámica y platería. Las artes decorativas se exhiben en todas las galerías y se colocan en exhibiciones. [55] A diferencia de las pinturas, las artes decorativas tienen otros usos además de la exhibición, por lo que ayudarán a resaltar el contexto para el que se usó el artículo.
En el exterior, en el inmenso césped del museo, el parque de esculturas Donald J. Hall, diseñado por Dan Kiley , contiene la mayor colección de bronces monumentales de Henry Moore en los Estados Unidos. El parque también incluye obras de Alexander Calder , Auguste Rodin , George Segal y Mark di Suvero , entre otros. Más allá de estos, el parque (y el propio museo) son bien conocidos por Shuttlecocks , [56] una escultura al aire libre de cuatro partes de volantes de bádminton de gran tamaño , de 18 pies de alto, de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen . [57]
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Medios relacionados con el Museo de Arte Nelson-Atkins en Wikimedia Commons