Una naturaleza muerta ( pl.: naturalezas muertas ) es una obra de arte que representa temas mayoritariamente inanimados, normalmente objetos comunes que son naturales (comida, flores, animales muertos, plantas, rocas, conchas, etc.) o hechos por el hombre (vasos para beber, libros, jarrones, joyas, monedas, pipas, etc.). [1]
Con orígenes en la Edad Media y el arte grecorromano antiguo , la pintura de naturaleza muerta surgió como un género diferenciado y una especialización profesional en la pintura occidental a finales del siglo XVI, y ha seguido siendo importante desde entonces. Una ventaja de la forma de arte de la naturaleza muerta es que permite al artista mucha libertad para experimentar con la disposición de los elementos dentro de una composición de una pintura. La naturaleza muerta, como género particular, comenzó con la pintura neerlandesa de los siglos XVI y XVII, y el término inglés still life deriva de la palabra holandesa stilleven . Las primeras pinturas de naturaleza muerta, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismo religioso y alegórico relacionado con los objetos representados. Las obras de naturaleza muerta posteriores se producen con una variedad de medios y tecnología, como objetos encontrados, fotografía, gráficos de computadora , así como video y sonido.
El término incluye la pintura de animales muertos, especialmente de caza. Los vivos se consideran arte animal , aunque en la práctica a menudo se pintaban a partir de modelos muertos. Debido al uso de plantas y animales como tema, la categoría de naturaleza muerta también comparte puntos en común con la ilustración zoológica y, especialmente, la botánica . Sin embargo, con las artes visuales o las bellas artes, la obra no tiene como único objetivo ilustrar el tema correctamente.
La naturaleza muerta ocupa el escalón más bajo de la jerarquía de géneros , pero ha sido extremadamente popular entre los compradores. Además del tema independiente de la naturaleza muerta, la pintura de naturaleza muerta abarca otros tipos de pintura con elementos prominentes de naturaleza muerta, generalmente simbólicos, e "imágenes que se basan en una multitud de elementos de naturaleza muerta aparentemente para reproducir un 'fragmento de vida ' ". [2] La pintura trampantojo , que pretende engañar al espectador para que piense que la escena es real, es un tipo especializado de naturaleza muerta, que generalmente muestra objetos inanimados y relativamente planos. [3]
Las pinturas de naturalezas muertas adornan a menudo el interior de las tumbas del antiguo Egipto . Se creía que los alimentos y otros elementos representados allí se convertirían, en la otra vida, en objetos reales y disponibles para el uso del difunto. Las pinturas de vasos de la antigua Grecia también demuestran una gran habilidad para representar objetos y animales cotidianos. Plinio el Viejo menciona a Pirikos como pintor de tablas de temas "bajos", como los que sobreviven en versiones en mosaico y pinturas murales provinciales en Pompeya : "barberías, puestos de zapateros, asnos, comestibles y temas similares". [4]
También se han encontrado bodegones similares, de intención más simplemente decorativa, pero con una perspectiva realista, en las pinturas murales romanas y los mosaicos de suelo desenterrados en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale , incluido el motivo más conocido posteriormente de un cuenco de cristal con fruta. Los mosaicos decorativos denominados "emblema", encontrados en las casas de los romanos ricos, mostraban la variedad de alimentos que disfrutaban las clases altas y también funcionaban como signos de hospitalidad y como celebraciones de las estaciones y de la vida. [5]
En el siglo XVI, los alimentos y las flores volverían a aparecer como símbolos de las estaciones y de los cinco sentidos. También en la época romana se inició la tradición del uso de la calavera en pinturas como símbolo de la mortalidad y los restos terrenales, a menudo acompañada de la frase Omnia mors aequat (La muerte hace a todos iguales). [6] Estas imágenes de vanitas han sido reinterpretadas a lo largo de los últimos 400 años de historia del arte, comenzando con los pintores holandeses alrededor de 1600. [7]
La apreciación popular del realismo de la pintura de naturalezas muertas se relaciona con la antigua leyenda griega de Zeuxis y Parrasio , quienes se dice que una vez compitieron para crear los objetos más realistas, las primeras descripciones de la historia de la pintura trampantojo . [8] Como registró Plinio el Viejo en la época de la antigua Roma, los artistas griegos siglos antes ya estaban avanzados en las artes de la pintura de retratos , la pintura de género y la naturaleza muerta. Destacó a Peiraikos , "cuyo arte es superado por muy pocos... Pintó barberías y puestos de zapateros, burros, verduras y cosas así, y por esa razón llegó a ser llamado el 'pintor de temas vulgares'; sin embargo, estas obras son en conjunto encantadoras, y se vendieron a precios más altos que las mejores [pinturas] de muchos otros artistas". [9]
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Hacia 1300, a partir de Giotto y sus alumnos, la pintura de naturalezas muertas resurgió en forma de nichos ficticios en pinturas murales religiosas que representaban objetos cotidianos. [11] Durante la Edad Media y el Renacimiento , la naturaleza muerta en el arte occidental siguió siendo principalmente un complemento de los temas religiosos cristianos y contaba con un significado religioso y alegórico. Esto fue particularmente cierto en la obra de los artistas del norte de Europa, cuya fascinación por el realismo óptico y el simbolismo altamente detallados los llevó a prodigar gran atención al mensaje general de sus pinturas. [12] Pintores como Jan van Eyck a menudo usaban elementos de naturaleza muerta como parte de un programa iconográfico . [ cita requerida ]
A finales de la Edad Media, los elementos de naturaleza muerta, en su mayoría flores, pero también animales y, a veces, objetos inanimados, se pintaron con un realismo creciente en los bordes de los manuscritos iluminados , desarrollando modelos y avances técnicos que fueron utilizados por los pintores de imágenes más grandes. Hubo una superposición considerable entre los artistas que hacían miniaturas para manuscritos y los que pintaban paneles, especialmente en la pintura de los primeros Países Bajos . El Libro de horas de Catalina de Cléveris , probablemente realizado en Utrech alrededor de 1440, es uno de los ejemplos más destacados de esta tendencia, con bordes que presentan una gama extraordinaria de objetos, incluidas monedas y redes de pesca, elegidos para complementar el texto o la imagen principal en ese punto en particular. Los talleres flamencos más tarde en el siglo llevaron el naturalismo de los elementos de los bordes aún más lejos. Los tapices góticos de mil flores son otro ejemplo del creciente interés general en las representaciones precisas de plantas y animales. El conjunto de La dama y el unicornio es el ejemplo más conocido, diseñado en París alrededor de 1500 y luego tejido en Flandes . [ cita requerida ]
El desarrollo de la técnica de la pintura al óleo por parte de Jan van Eyck y otros artistas del norte de Europa hizo posible pintar objetos cotidianos de esta manera hiperrealista, debido a las cualidades de secado, mezcla y superposición lentos de los colores al óleo. [13] Entre los primeros en liberarse del significado religioso estuvieron Leonardo da Vinci , quien creó estudios de acuarela de frutas (alrededor de 1495) como parte de su inquieto examen de la naturaleza, y Alberto Durero, quien también hizo dibujos precisos en color de flora y fauna. [14]
El retrato de Pedro Cristo de una pareja de novios visitando a un orfebre es un ejemplo típico de naturaleza muerta de transición que representa tanto contenido religioso como secular. Aunque el mensaje es principalmente alegórico, las figuras de la pareja son realistas y los objetos que se muestran (monedas, vasijas, etc.) están pintados con precisión, pero el orfebre es en realidad una representación de San Eligio y los objetos son muy simbólicos. Otro tipo de pintura similar es el retrato familiar que combina figuras con una mesa bien puesta con comida, que simboliza tanto la piedad de los sujetos humanos como su agradecimiento por la abundancia de Dios. [15] En esta época, se empezaron a pintar representaciones sencillas de naturaleza muerta divorciadas de figuras (pero sin significado alegórico) en el exterior de las contraventanas de pinturas devocionales privadas. [9] Otro paso hacia la naturaleza muerta autónoma fue la pintura de flores simbólicas en jarrones en el reverso de retratos seculares alrededor de 1475. [16] Jacopo de' Barbari fue un paso más allá con su Naturaleza muerta con perdiz y guanteletes (1504), una de las primeras pinturas de naturaleza muerta en trampantojo firmadas y fechadas , que contiene un contenido religioso mínimo. [17]
Aunque la mayoría de las naturalezas muertas posteriores a 1600 eran pinturas relativamente pequeñas, una etapa crucial en el desarrollo del género fue la tradición, centrada principalmente en Amberes , de la "naturaleza muerta monumental", que eran pinturas de gran tamaño que incluían grandes extensiones de material de naturaleza muerta con figuras y, a menudo, animales. Este fue un desarrollo de Pieter Aertsen , cuyo Puesto de carne con la Sagrada Familia dando limosna (1551, hoy Uppsala ) introdujo el tipo con una pintura que todavía sorprende. Otro ejemplo es "La carnicería" del sobrino de Aertsen, Joachim Beuckelaer (1568), con su representación realista de carnes crudas que dominan el primer plano, mientras que una escena de fondo transmite los peligros de la embriaguez y la lujuria. El tipo de escena de cocina o mercado de gran tamaño desarrollado por Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer generalmente representa una abundancia de alimentos con un bodegón de utensilios de cocina y corpulentas criadas de cocina flamencas. A menudo se puede distinguir una pequeña escena religiosa a lo lejos, o se añade un tema como las Cuatro Estaciones para realzar el tema. Este tipo de naturaleza muerta a gran escala siguió desarrollándose en la pintura flamenca después de la separación del Norte y el Sur, pero es poco frecuente en la pintura holandesa, aunque otras obras de esta tradición anticipan el tipo de pintura de género de la " alegre compañía " . [18]
Poco a poco, el contenido religioso fue disminuyendo en tamaño y ubicación en este tipo de pintura, aunque las lecciones morales continuaron como subcontextos. [19] Una de las relativamente pocas obras italianas en el estilo, el tratamiento del mismo tema de Annibale Carracci en 1583, La carnicería , comienza a eliminar los mensajes morales, al igual que otras pinturas de naturaleza muerta de "cocina y mercado" de este período. [20] Vincenzo Campi probablemente introdujo el estilo de Amberes en Italia en la década de 1570. La tradición continuó hasta el siglo siguiente, con varias obras de Rubens , quien en su mayoría subcontrató los elementos de naturaleza muerta y animales a maestros especialistas como Frans Snyders y su alumno Jan Fyt . En la segunda mitad del siglo XVI, la naturaleza muerta autónoma evolucionó. [21]
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El siglo XVI fue testigo de una explosión de interés por el mundo natural y de la creación de lujosas enciclopedias botánicas que registraban los descubrimientos del Nuevo Mundo y de Asia. También impulsó el comienzo de la ilustración científica y la clasificación de especímenes. Los objetos naturales comenzaron a ser apreciados como objetos de estudio individuales al margen de cualquier asociación religiosa o mitológica. La ciencia temprana de los remedios herbales también comenzó en esta época, que fue una extensión práctica de este nuevo conocimiento. Además, los mecenas adinerados comenzaron a financiar la colección de especímenes animales y minerales, creando amplios gabinetes de curiosidades . Estos especímenes sirvieron como modelos para los pintores que buscaban el realismo y la novedad. Se comenzaron a recolectar y comercializar conchas, insectos, frutas y flores exóticas, y se celebraron nuevas plantas como el tulipán (importado a Europa desde Turquía) en pinturas de naturaleza muerta. [22]
La explosión de la horticultura despertó un gran interés en Europa y los artistas la aprovecharon para producir miles de pinturas de naturalezas muertas. Algunas regiones y cortes tenían intereses particulares. La representación de los cítricos, por ejemplo, era una pasión particular de la corte de los Medici en Florencia, Italia. [23] Esta gran difusión de especímenes naturales y el creciente interés por la ilustración natural en toda Europa dieron como resultado la creación casi simultánea de pinturas de naturalezas muertas modernas alrededor de 1600. [24] [25]
A finales del siglo XIX, el pintor español Juan Sánchez Cotán fue pionero en la pintura de naturaleza muerta española con pinturas de vegetales austeras y tranquilas, antes de ingresar en un monasterio a los cuarenta años en 1603, después de lo cual pintó temas religiosos. [ cita requerida ]
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Académicos destacados de principios del siglo XVII, como Andrea Sacchi , consideraban que la pintura de género y de naturaleza muerta no tenía la "gravedad" que se merecía para que la pintura fuera considerada excelente. Una influyente formulación de 1667 de André Félibien , historiador, arquitecto y teórico del clasicismo francés, se convirtió en la declaración clásica de la teoría de la jerarquía de géneros para el siglo XVIII:
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des frutas, des flores o des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est sure aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus Excellent que tous les autres... [26]
"Quien produce paisajes perfectos está por encima de otro que sólo produce frutas, flores o mariscos. Quien pinta animales vivos es más estimable que quienes sólo representan cosas muertas sin movimiento, y como el hombre es la obra más perfecta de Dios sobre la tierra, también es cierto que quien se hace imitador de Dios al representar figuras humanas, es mucho más excelente que todos los demás...".
La naturaleza muerta se desarrolló como una categoría separada en los Países Bajos en el último cuarto del siglo XVI. [27] El término inglés still life deriva de la palabra holandesa still, aunque las lenguas romances (así como el griego, el polaco, el ruso y el turco) tienden a usar términos que significan naturaleza muerta . La pintura neerlandesa temprana del siglo XV había desarrollado técnicas altamente ilusionistas tanto en la pintura sobre tabla como en los manuscritos iluminados , donde los bordes a menudo presentaban elaboradas exhibiciones de flores, insectos y, en una obra como las Horas de Catalina de Cléveris , una gran variedad de objetos. Cuando el manuscrito iluminado fue reemplazado por el libro impreso, las mismas habilidades se implementaron más tarde en la ilustración botánica científica; los Países Bajos lideraron Europa tanto en botánica como en su representación en el arte. El artista flamenco Joris Hoefnagel (1542-1601) realizó pinturas en acuarela y gouache de flores y otros temas de naturaleza muerta para el emperador Rodolfo II , y hubo muchas ilustraciones grabadas para libros (a menudo coloreadas a mano), como el Florilegium de Hans Collaert , publicado por Plantin en 1600. [28]
Alrededor de 1600, las pinturas de flores al óleo se convirtieron en una especie de moda; Karel van Mander pintó algunas obras él mismo, y hay registros de que otros artistas manieristas del norte, como Cornelis van Haarlem, también lo hicieron. No se conocen cuadros de flores supervivientes de ellos, pero sí muchos de los principales especialistas, Jan Brueghel el Viejo y Ambrosius Bosschaert , ambos activos en los Países Bajos meridionales. [29]
Mientras que los artistas del norte encontraron oportunidades limitadas para producir la iconografía religiosa que había sido durante mucho tiempo su producto principal (las imágenes de temas religiosos estaban prohibidas en la Iglesia protestante reformada holandesa ), la continua tradición del norte de realismo detallado y símbolos ocultos atrajo a las crecientes clases medias holandesas, que estaban reemplazando a la Iglesia y al Estado como los principales mecenas del arte en los Países Bajos. A esto se sumó la manía holandesa por la horticultura, en particular el tulipán . Estas dos visiones de las flores (como objetos estéticos y como símbolos religiosos) se fusionaron para crear un mercado muy fuerte para este tipo de naturaleza muerta. [30] La naturaleza muerta, como la mayoría de las obras de arte holandesas, generalmente se vendía en mercados abiertos o por comerciantes, o por artistas en sus estudios, y rara vez se encargaba; por lo tanto, los artistas generalmente elegían el tema y la disposición. [31] Este tipo de pintura de naturaleza muerta era tan popular que gran parte de la técnica de la pintura de flores holandesa fue codificada en el tratado Groot Schilderboeck de 1740 de Gerard de Lairesse, que brindaba amplios consejos sobre el color, la disposición, la pincelada, la preparación de los ejemplares, la armonía, la composición, la perspectiva, etc. [32]
El simbolismo de las flores ha evolucionado desde los primeros tiempos del cristianismo. Las flores más comunes y sus significados simbólicos incluyen: rosa (Virgen María, fugacidad, Venus, amor); lirio (Virgen María, virginidad, pecho femenino, pureza de mente o justicia); tulipán (ostentación, nobleza); girasol (fidelidad, amor divino, devoción); violeta (modestia, reserva, humildad); aguileña (melancolía); amapola (poder, sueño, muerte). En cuanto a los insectos, la mariposa representa la transformación y la resurrección mientras que la libélula simboliza la fugacidad y la hormiga el trabajo duro y la atención a la cosecha. [33]
Los artistas flamencos y holandeses también se diversificaron y revivieron la antigua tradición griega de la naturaleza muerta del trampantojo , en particular la imitación de la naturaleza o mimesis , que denominaron bedriegertje ("pequeño engaño"). [8] Además de estos tipos de naturaleza muerta, los artistas holandeses identificaron y desarrollaron por separado pinturas de "cocina y mercado", naturaleza muerta de mesa de desayuno y comida, pinturas de vanitas y pinturas de colección alegórica. [34]
En los Países Bajos meridionales, en la religión católica , se desarrolló el género de las pinturas con guirnaldas. En torno a 1607-1608, los artistas de Amberes Jan Brueghel el Viejo y Hendrick van Balen empezaron a crear estas pinturas, que consisten en una imagen (normalmente devocional) rodeada por una exuberante corona de bodegón. Las pinturas eran colaboraciones entre dos especialistas: un pintor de bodegones y un pintor de figuras. Daniel Seghers desarrolló aún más el género. Las pinturas con guirnaldas, que en un principio tenían una función devocional, se hicieron muy populares y se utilizaban ampliamente como decoración de hogares. [35]
Un género especial de naturaleza muerta fue el llamado pronkstilleven (del neerlandés «naturaleza muerta ostentosa»). Este estilo de pintura de naturaleza muerta ornamentada fue desarrollado en la década de 1640 en Amberes por artistas flamencos como Frans Snyders y Adriaen van Utrecht . Pintaron naturalezas muertas que enfatizaban la abundancia al representar una diversidad de objetos, frutas, flores y animales muertos, a menudo junto con personas y animales vivos. El estilo fue adoptado pronto por artistas de la República Holandesa . [36]
En este período fueron especialmente populares las pinturas de vanitas , en las que arreglos suntuosos de frutas y flores, libros, estatuillas, jarrones, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales y científicos, insignias militares, plata fina y cristal, se acompañaban de recordatorios simbólicos de la impermanencia de la vida. Además, una calavera, un reloj de arena o de bolsillo, una vela que se consumía o un libro con páginas que pasaban servían como mensaje moralizador sobre la fugacidad de los placeres sensoriales. A menudo, algunas de las frutas y flores se mostraban empezando a estropearse o marchitarse para enfatizar el mismo punto. [ cita requerida ]
Otro tipo de naturaleza muerta, conocida como ontbijtjes o "pinturas del desayuno", representa tanto una presentación literal de delicias que la clase alta podría disfrutar como un recordatorio religioso para evitar la glotonería. [37] Alrededor de 1650, Samuel van Hoogstraten pintó uno de los primeros cuadros de perchero de pared, pinturas de naturaleza muerta en trampantojo que presentan objetos atados, clavados con tachuelas o sujetos de alguna otra manera a una tabla de pared, un tipo de naturaleza muerta muy popular en los Estados Unidos en el siglo XIX. [38] Otra variación fue la naturaleza muerta en trampantojo que representaba objetos asociados con una profesión determinada, como en el cuadro de Cornelis Norbertus Gysbrecht "Caballete de pintor con pieza de fruta", que muestra todas las herramientas del oficio de un pintor. [39] También fue popular en la primera mitad del siglo XVII la pintura de una gran variedad de ejemplares en forma alegórica, como los "cinco sentidos", los "cuatro continentes" o "las cuatro estaciones", que mostraban una diosa o figura alegórica rodeada de objetos naturales y artificiales apropiados. [40] La popularidad de las pinturas de vanitas y estas otras formas de naturaleza muerta pronto se extendió desde Holanda a Flandes y Alemania, y también a España [41] y Francia.
La producción holandesa de naturalezas muertas fue enorme y se exportaron ampliamente, especialmente al norte de Europa; Gran Bretaña apenas produjo ninguna. La naturaleza muerta alemana siguió de cerca los modelos holandeses; Georg Flegel fue un pionero de la naturaleza muerta pura sin figuras y creó la innovación compositiva de colocar objetos detallados en armarios, alacenas y vitrinas y producir vistas múltiples simultáneas. [42]
En el arte español , un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa elementos de despensa, como víveres, caza y bebida, a menudo dispuestos sobre una simple losa de piedra, y también una pintura con una o más figuras, pero con elementos significativos de naturaleza muerta, generalmente ubicada en una cocina o taberna. A partir del período barroco , estas pinturas se hicieron populares en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de naturalezas muertas parece haber comenzado y fue mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos , hoy Bélgica y Países Bajos (entonces artistas flamencos y holandeses), que en el sur de Europa. Las naturalezas muertas del norte tenían muchos subgéneros; la pieza del desayuno se amplió con el trampantojo , el ramo de flores y la vanitas . [ cita requerida ]
En España había muchos menos mecenas de este tipo de cosas, pero se hizo popular un tipo de pieza de desayuno , que presentaba algunos objetos de comida y vajilla colocados sobre una mesa. La pintura de naturaleza muerta en España, también llamada bodegones , era austera. Se diferenciaba de la naturaleza muerta holandesa, que a menudo contenía ricos banquetes rodeados de artículos ornamentados y lujosos de tela o vidrio. El juego en las pinturas españolas a menudo son simples animales muertos que aún esperan ser desollados. Las frutas y verduras están crudas. Los fondos son bloques geométricos de madera sombríos o simples, que a menudo crean un aire surrealista. Si bien tanto la naturaleza muerta holandesa como la española a menudo tenían un propósito moral incorporado, la austeridad, que algunos encuentran similar a la desolación de algunas de las mesetas españolas, parece rechazar los placeres sensuales, la plenitud y el lujo de las pinturas de naturaleza muerta holandesas. [44]
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Aunque la pintura italiana de naturaleza muerta (en italiano llamada natura morta , «naturaleza muerta») estaba ganando popularidad, históricamente siguió siendo menos respetada que la pintura de «gran estilo» de temas históricos, religiosos y míticos. Por otro lado, los artistas italianos de naturaleza muerta que tuvieron éxito encontraron un amplio mecenazgo en su época. [45] Además, las pintoras, por escasas que fueran, solían optar por pintar naturalezas muertas o se veían restringidas a ello; Giovanna Garzoni , Laura Bernasconi , Maria Theresa van Thielen y Fede Galizia son ejemplos notables. [ cita requerida ]
Muchos artistas italianos destacados de otros géneros también produjeron algunas pinturas de naturalezas muertas. En particular, Caravaggio aplicó su influyente forma de naturalismo a la naturaleza muerta. Su Cesta de frutas ( c. 1595-1600 ) es uno de los primeros ejemplos de naturaleza muerta pura, representada con precisión y situada a la altura de los ojos. [46] Aunque no es abiertamente simbólica, esta pintura fue propiedad del cardenal Federico Borromeo y puede haber sido apreciada tanto por razones religiosas como estéticas. Jan Bruegel pintó su Gran ramo de Milán (1606) también para el cardenal, afirmando que lo pintó "fatta tutti del natturel" (hecho todo de la naturaleza) y cobró extra por el esfuerzo extra. [47] Estas estaban entre las muchas pinturas de naturalezas muertas en la colección del cardenal, además de su gran colección de curiosidades. Entre otras naturalezas muertas italianas, El cocinero de Bernardo Strozzi es una "escena de cocina" a la manera holandesa, que es a la vez un retrato detallado de una cocinera y las aves de caza que está preparando. [48] De manera similar, una de las raras naturalezas muertas de Rembrandt, Niña con pavos reales muertos, combina un retrato femenino simpático similar con imágenes de aves de caza. [49]
En la Italia católica y en España, la pintura de vanitas pura era rara y había muchos menos especialistas en naturalezas muertas. En el sur de Europa se emplea más el naturalismo suave de Caravaggio y se hace menos hincapié en el hiperrealismo en comparación con los estilos del norte de Europa. [50] En Francia, los pintores de naturalezas muertas ( nature morte ) recibieron la influencia tanto de las escuelas del norte como del sur, tomando prestado de las pinturas de vanitas de los Países Bajos y de los arreglos sobrios de España. [51]
El siglo XVIII continuó en gran medida refinando las fórmulas del siglo XVII y los niveles de producción disminuyeron. En el estilo rococó, la decoración floral se volvió mucho más común en porcelana , papel tapiz , telas y muebles de madera tallada, de modo que los compradores preferían que sus pinturas tuvieran figuras para crear contraste. Un cambio fue un nuevo entusiasmo entre los pintores franceses, que ahora forman una gran proporción de los artistas más notables, mientras que los ingleses se contentaron con importar. Jean-Baptiste Chardin pintó conjuntos pequeños y simples de alimentos y objetos en un estilo muy sutil que se basó en los maestros holandeses de la Edad de Oro y que sería muy influyente en las composiciones del siglo XIX. Los temas de animales muertos continuaron siendo populares, especialmente para los pabellones de caza; la mayoría de los especialistas también pintaron temas de animales vivos. Jean-Baptiste Oudry combinó excelentes representaciones de las texturas de pieles y plumas con fondos simples, a menudo el blanco liso de una pared de despensa encalada, que los mostraba de manera destacada. [ cita requerida ]
En el siglo XVIII, en muchos casos, las connotaciones religiosas y alegóricas de las naturalezas muertas se abandonaron y las pinturas de mesa de cocina evolucionaron hacia representaciones calculadas de colores y formas variadas, que mostraban alimentos cotidianos. La aristocracia francesa contrató a artistas para ejecutar pinturas de temas de naturalezas muertas abundantes y extravagantes que adornaban su mesa de comedor, también sin el mensaje moralista de vanitas de sus predecesores holandeses. El amor rococó por el artificio llevó a un aumento en la apreciación en Francia de la pintura trompe-l'œil (en francés: "engañar a la vista"). Las pinturas de naturalezas muertas de Jean-Baptiste Chardin emplean una variedad de técnicas, desde el realismo de estilo holandés hasta armonías más suaves. [52]
La mayor parte de la obra de Anne Vallayer-Coster se dedicó al lenguaje de la naturaleza muerta tal como se había desarrollado en el transcurso de los siglos XVII y XVIII. [53] Durante estos siglos, el género de la naturaleza muerta se colocó en el último lugar de la escala jerárquica. Vallayer-Coster tenía una forma de abordar sus pinturas que daba como resultado su atractivo. Fueron las "líneas atrevidas y decorativas de sus composiciones, la riqueza de sus colores y texturas simuladas, y las hazañas de ilusionismo que logró al representar una amplia variedad de objetos, tanto naturales como artificiales" [53] lo que atrajo la atención de la Royal Académie y de los numerosos coleccionistas que compraron sus pinturas. Esta interacción entre el arte y la naturaleza era bastante común en las naturalezas muertas holandesas , flamencas y francesas. [53] Su obra revela la clara influencia de Jean-Baptiste-Siméon Chardin , así como de los maestros holandeses del siglo XVII, cuyo trabajo ha sido mucho más valorado, pero lo que hizo que el estilo de Vallayer-Coster se destacara frente a los otros pintores de naturalezas muertas fue su forma única de fusionar el ilusionismo representativo con estructuras compositivas decorativas. [53] [54]
El final del siglo XVIII y la caída de la monarquía francesa cerraron las puertas a la «era» de las naturalezas muertas de Vallayer-Coster y las abrieron a su nuevo estilo de pinturas florales. [55] Se ha afirmado que este fue el momento culminante de su carrera y por lo que es más conocida. Sin embargo, también se ha afirmado que las pinturas de flores fueron inútiles para su carrera. No obstante, esta colección contenía estudios florales en óleo, acuarela y gouache . [55]
Con el auge de las academias europeas, en particular la Académie française , que desempeñó un papel central en el arte académico , la naturaleza muerta comenzó a caer en desgracia. Las academias enseñaban la doctrina de la " jerarquía de géneros " (o "jerarquía de temas"), que sostenía que el mérito artístico de una pintura se basaba principalmente en su tema. En el sistema académico, la forma más alta de pintura consistía en imágenes de importancia histórica , bíblica o mitológica, y los temas de naturaleza muerta se relegaban al orden más bajo de reconocimiento artístico. En lugar de utilizar la naturaleza muerta para glorificar la naturaleza, algunos artistas, como John Constable y Camille Corot , eligieron paisajes para servir a ese fin. [ cita requerida ]
Cuando el neoclasicismo comenzó a declinar en la década de 1830, la pintura de género y de retratos se convirtió en el foco de las revoluciones artísticas realistas y románticas. Muchos de los grandes artistas de ese período incluyeron la naturaleza muerta en su trabajo. Las pinturas de naturaleza muerta de Francisco Goya , Gustave Courbet y Eugène Delacroix transmiten una fuerte corriente emocional y están menos preocupadas por la exactitud y más interesadas en el estado de ánimo. [56] Aunque inspiradas en los temas de naturaleza muerta anteriores de Chardin , las pinturas de naturaleza muerta de Édouard Manet son fuertemente tonales y claramente se encaminan hacia el impresionismo. Henri Fantin-Latour , utilizando una técnica más tradicional, fue famoso por sus exquisitas pinturas de flores y se ganó la vida casi exclusivamente pintando naturalezas muertas para coleccionistas. [57]
Sin embargo, no fue hasta el declive definitivo de la jerarquía académica en Europa y el ascenso de los pintores impresionistas y postimpresionistas que la técnica y la armonía cromática triunfaron sobre el tema y que los artistas volvieron a practicar con avidez la naturaleza muerta. En sus primeros bodegones, Claude Monet muestra la influencia de Fantin-Latour, pero es uno de los primeros en romper la tradición del fondo oscuro, que Pierre-Auguste Renoir también descarta en Naturaleza muerta con ramo de flores y abanico (1871), con su fondo naranja brillante. En los bodegones impresionistas, el contenido alegórico y mitológico está completamente ausente, al igual que la pincelada meticulosamente detallada. Los impresionistas, en cambio, se centraron en la experimentación con pinceladas amplias y suaves, valores tonales y colocación del color. Los impresionistas y postimpresionistas se inspiraron en los esquemas cromáticos de la naturaleza, pero reinterpretaron la naturaleza con sus propias armonías cromáticas, que a veces resultaron sorprendentemente poco naturalistas. Como afirmó Gauguin, "los colores tienen sus propios significados". [58] También se intentan variaciones en la perspectiva, como el uso de recortes ajustados y ángulos altos, como en Frutas expuestas en un soporte de Gustave Caillebotte , una pintura que fue ridiculizada en su momento como una "exhibición de frutas a vista de pájaro". [59]
Los cuadros de Vincent van Gogh Los girasoles son unas de las naturalezas muertas más conocidas del siglo XIX. Van Gogh utiliza principalmente tonos de amarillo y una representación bastante plana para hacer una contribución memorable a la historia de las naturalezas muertas. Su Naturaleza muerta con mesa de dibujo (1889) es un autorretrato en forma de naturaleza muerta, en el que Van Gogh representa muchos elementos de su vida personal, incluida su pipa, comida sencilla (cebollas), un libro inspirador y una carta de su hermano, todos ellos dispuestos sobre su mesa, sin su propia imagen presente. También pintó su propia versión de una pintura de vanitas Naturaleza muerta con Biblia abierta, vela y libro (1885). [58]
En los Estados Unidos durante la época revolucionaria, los artistas estadounidenses formados en el extranjero aplicaron estilos europeos a la pintura de retratos y naturalezas muertas estadounidenses. Charles Willson Peale fundó una familia de destacados pintores estadounidenses y, como líder importante de la comunidad artística estadounidense, también fundó una sociedad para la formación de artistas y un famoso museo de curiosidades naturales. Su hijo Raphaelle Peale fue uno de los primeros artistas estadounidenses de naturalezas muertas, que también incluía a John F. Francis , Charles Bird King y John Johnston. [60] En la segunda mitad del siglo XIX, Martin Johnson Heade introdujo la versión estadounidense del cuadro de hábitat o biotopo, que colocaba flores y pájaros en entornos exteriores simulados. [61] Las pinturas trampantojo estadounidenses también florecieron durante este período, creadas por John Haberle , William Michael Harnett y John Frederick Peto . Peto se especializó en la nostálgica pintura de estantes de pared, mientras que Harnett alcanzó el nivel más alto de hiperrealismo en sus celebraciones pictóricas de la vida estadounidense a través de objetos familiares. [62]
Las primeras cuatro décadas del siglo XX constituyeron un período excepcional de efervescencia y revolución artística. Los movimientos de vanguardia evolucionaron rápidamente y se superpusieron en una marcha hacia la abstracción total no figurativa. La naturaleza muerta y otras formas de arte figurativo continuaron evolucionando y adaptándose hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, ejemplificada por las pinturas de goteo de Jackson Pollock , eliminó todo contenido reconocible. [ cita requerida ]
El siglo comenzó con varias tendencias que se afianzaron en el arte. En 1901, Paul Gauguin pintó Naturaleza muerta con girasoles , su homenaje a su amigo Van Gogh, que había muerto once años antes. El grupo conocido como Les Nabis , que incluía a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard , retomaron las teorías armónicas de Gauguin y agregaron elementos inspirados en xilografías japonesas a sus pinturas de naturalezas muertas. El artista francés Odilon Redon también pintó notables naturalezas muertas durante este período, especialmente flores. [63]
Henri Matisse redujo aún más la representación de los objetos de la naturaleza muerta a poco más que contornos planos y llamativos llenos de colores brillantes. También simplificó la perspectiva e introdujo fondos multicolores. [64] En algunas de sus pinturas de naturaleza muerta, como Naturaleza muerta con berenjenas , su mesa de objetos casi se pierde entre los otros patrones coloridos que llenan el resto de la habitación. [65] Otros exponentes del fauvismo , como Maurice de Vlaminck y André Derain , exploraron aún más el color puro y la abstracción en sus naturalezas muertas. [ cita requerida ]
Paul Cézanne encontró en la naturaleza muerta el vehículo perfecto para sus revolucionarias exploraciones en la organización geométrica del espacio. Para Cézanne, la naturaleza muerta era un medio primordial para alejar la pintura de una función ilustrativa o mimética a una que demostrara de forma independiente los elementos de color, forma y línea, un paso importante hacia el arte abstracto . Además, los experimentos de Cézanne pueden considerarse como una fuente directa del desarrollo de la naturaleza muerta cubista a principios del siglo XX. [66]
Los cubistas, que adaptaron el cambio de planos y ejes de Cézanne, atenuaron la paleta de colores de los fauves y se centraron en cambio en deconstruir objetos en formas y planos geométricos puros. Entre 1910 y 1920, artistas cubistas como Pablo Picasso , Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de naturaleza muerta, que a menudo incluían instrumentos musicales, lo que llevó la naturaleza muerta a la vanguardia de la innovación artística, casi por primera vez. La naturaleza muerta también fue el tema de las primeras obras de collage cubista sintético , como la "Naturaleza muerta con silla de mimbre" ovalada de Picasso (1912). En estas obras, los objetos de la naturaleza muerta se superponen y se entremezclan, apenas manteniendo formas bidimensionales identificables, perdiendo la textura de la superficie individual y fusionándose con el fondo, logrando objetivos casi opuestos a los de la naturaleza muerta tradicional. [67] La naturaleza muerta de Fernand Léger introdujo el uso de abundante espacio blanco y formas geométricas superpuestas, coloreadas y definidas con nitidez para producir un efecto más mecánico. [68]
Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento dadaísta rechazaron el aplanamiento del espacio de los cubistas y tomaron una dirección radicalmente diferente al crear esculturas de naturaleza muerta "ready-made" en 3D. Como parte de la restauración de algún significado simbólico a la naturaleza muerta, los futuristas y los surrealistas colocaron objetos reconocibles de naturaleza muerta en sus paisajes oníricos. En las pinturas de naturaleza muerta de Joan Miró , los objetos parecen ingrávidos y flotan en un espacio bidimensional ligeramente sugerido, e incluso las montañas están dibujadas como líneas simples. [66] En Italia durante esta época, Giorgio Morandi fue el pintor de naturaleza muerta más importante, y exploró una amplia variedad de enfoques para representar botellas y utensilios de cocina cotidianos. [69] El artista holandés MC Escher , mejor conocido por sus gráficos detallados pero ambiguos, creó Naturaleza muerta y calle (1937), su versión actualizada de la naturaleza muerta de mesa tradicional holandesa. [70] En Inglaterra, Eliot Hodgkin usaba témpera para sus pinturas de naturaleza muerta altamente detalladas. [ cita requerida ]
Cuando los artistas estadounidenses del siglo XX se dieron cuenta del modernismo europeo , comenzaron a interpretar los temas de las naturalezas muertas con una combinación de realismo estadounidense y abstracción derivada del cubismo. Las obras de naturalezas muertas estadounidenses de este período son típicas de las pinturas de Georgia O'Keeffe , Stuart Davis y Marsden Hartley , y las fotografías de Edward Weston . Las pinturas de flores de O'Keeffe, en primerísimos planos, revelan tanto la estructura física como el subtexto emocional de los pétalos y las hojas de una manera sin precedentes. [ cita requerida ]
En México, a partir de la década de 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propia marca de surrealismo, presentando alimentos nativos y motivos culturales en sus pinturas de naturalezas muertas. [71]
A partir de la década de 1930, el expresionismo abstracto redujo drásticamente la naturaleza muerta a representaciones crudas de forma y color, hasta que en la década de 1950, la abstracción total dominó el mundo del arte. Sin embargo, el arte pop de las décadas de 1960 y 1970 invirtió la tendencia y creó una nueva forma de naturaleza muerta. Gran parte del arte pop (como "Las latas de sopa Campbell" de Andy Warhol ) se basa en la naturaleza muerta, pero su verdadero tema es la mayoría de las veces la imagen mercantilizada del producto comercial representado, en lugar del objeto físico de la naturaleza muerta en sí. Naturaleza muerta con pecera (1972) de Roy Lichtenstein combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. La mesa del almuerzo (1964) de Wayne Thiebaud no retrata el almuerzo de una sola familia, sino una cadena de montaje de alimentos estadounidenses estandarizados. [72]
El movimiento neo-dada, que incluía a Jasper Johns , volvió a la representación tridimensional de objetos domésticos cotidianos de Duchamp para crear su propia marca de trabajo de naturaleza muerta, como en Painted Bronze (1960) y Fool's House (1962) de Johns. [73] Avigdor Arikha , que comenzó como abstraccionista , integró las lecciones de Piet Mondrian en sus naturalezas muertas como en su otro trabajo; al tiempo que se reconectaba con las tradiciones de los viejos maestros, logró un formalismo modernista , trabajando en una sola sesión y con luz natural, a través del cual el tema a menudo emergía en una perspectiva sorprendente. [ cita requerida ]
Una contribución significativa al desarrollo de la pintura de naturalezas muertas en el siglo XX fue hecha por artistas rusos, entre ellos Sergei Ocipov , Victor Teterin , Evgenia Antipova , Gevork Kotiantz , Sergei Zakharov , Taisia Afonina , Maya Kopitseva y otros. [74]
En cambio, el auge del fotorrealismo en la década de 1970 reafirmó la representación ilusionista, aunque conservó parte del mensaje pop de la fusión de objeto, imagen y producto comercial. Son típicas en este sentido las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings . [ cita requerida ]
Durante los siglos XX y XXI, la noción de naturaleza muerta se ha extendido más allá de las tradicionales formas de arte bidimensional de la pintura hacia el videoarte y las formas de arte tridimensionales como la escultura, la performance y la instalación. Algunas obras de naturaleza muerta en técnica mixta emplean objetos encontrados, fotografía, video y sonido, e incluso se extienden desde el techo hasta el piso y llenan una habitación entera en una galería. A través del video, los artistas de naturaleza muerta han incorporado al espectador a su trabajo. Siguiendo la era de la computadora con el arte por computadora y el arte digital , la noción de naturaleza muerta también ha incluido la tecnología digital. Los gráficos generados por computadora han aumentado potencialmente las técnicas disponibles para los artistas de naturaleza muerta. Los gráficos por computadora en 3D y los gráficos por computadora en 2D con efectos fotorrealistas en 3D se utilizan para generar imágenes sintéticas de naturaleza muerta. Por ejemplo, el software de arte gráfico incluye filtros que se pueden aplicar a gráficos vectoriales en 2D o gráficos rasterizados en 2D en capas transparentes. Los artistas visuales han copiado o visualizado efectos 3D para generar manualmente efectos fotorrealistas sin el uso de filtros. [ cita requerida ]
Medios relacionados con Pinturas de naturaleza muerta en Wikimedia Commons
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