La cerámica de figuras rojas es un estilo de cerámica griega antigua en el que el fondo de la cerámica se pinta de negro mientras que las figuras y los detalles se dejan en el color rojo o naranja natural de la arcilla .
Se desarrolló en Atenas alrededor del año 520 a. C. y permaneció en uso hasta finales del siglo III a. C. En unas pocas décadas reemplazó el estilo previamente dominante de cerámica de figuras negras . Su nombre moderno se basa en las representaciones figurativas en color rojo sobre fondo negro, en contraste con el estilo anterior de figuras negras con figuras negras sobre fondo rojo. Las zonas de producción más importantes, además del Ática , se encontraban en el sur de Italia . El estilo también fue adoptado en otras partes de Grecia . Etruria se convirtió en un importante centro de producción fuera del mundo griego .
Los jarrones áticos de figuras rojas se exportaron a toda Grecia y más allá. Durante mucho tiempo dominaron el mercado de la cerámica fina. Pocos centros de producción de cerámica podían competir con Atenas en términos de innovación, calidad y capacidad de producción. De los jarrones de figuras rojas producidos sólo en Atenas, hoy sobreviven más de 40.000 ejemplares y fragmentos. Del segundo centro de producción más importante, el sur de Italia, se conservan más de 20.000 jarrones y fragmentos. A partir de los estudios de John D. Beazley y Arthur Dale Trendall , el estudio de este estilo de arte ha logrado enormes avances. Algunos jarrones pueden atribuirse a artistas o escuelas individuales. Las imágenes proporcionan evidencia para la exploración de la historia cultural , la vida cotidiana , la iconografía y la mitología griegas .
La figura roja es, en pocas palabras, lo contrario de la técnica de la figura negra. Ambos se lograron utilizando la técnica de cocción en tres fases . Las pinturas se aplicaron a las vasijas moldeadas pero sin cocer después de que se hubieran secado hasta obtener una textura coriácea y casi quebradiza. En Ática , la arcilla normal sin cocer era de color naranja en esta etapa. Los contornos de las figuras previstas se dibujaban con un raspador romo, dejando un ligero surco, o con carbón, que desaparecía por completo durante la cocción. Luego se volvieron a dibujar los contornos con un pincel, utilizando una barbotina de arcilla brillante . En ocasiones, el pintor decidió cambiar un poco la escena figurativa. En tales casos, las ranuras del boceto original a veces quedan visibles. Los contornos importantes a menudo se dibujaban con un engobe más grueso, dando lugar a un contorno ligeramente sobresaliente (línea de relieve); Las líneas menos importantes y los detalles internos se dibujaron con arcilla brillante diluida.
En este punto se aplicaron detalles en otros colores, incluidos el blanco o el rojo. La línea en relieve probablemente se dibujó con un pincel de cerdas o un cabello humedecido en pintura espesa. (La sugerencia de que una aguja hueca pudiera explicar tales características parece algo improbable.) [a] La aplicación de contornos en relieve fue necesaria, ya que de otro modo la arcilla brillante, bastante líquida, habría resultado demasiado opaca. Tras la fase inicial de desarrollo de la técnica, se utilizaron ambas alternativas, para diferenciar con mayor claridad gradaciones y detalles. El espacio entre las figuras se rellenó con una barbotina de arcilla gris brillante. Luego, los jarrones se sometieron a una cocción de tres fases, durante la cual la arcilla brillante alcanzó su característico color negro o negro-marrón mediante reducción , y el color rojizo mediante una reoxidación final . [b] Dado que esta fase oxidante final se coció usando temperaturas más bajas, las partes vidriadas del jarrón no se volvieron a oxidar de negro a rojo: su superficie más fina se fundió (sinterizó) en la fase reductora y ahora se protegió del oxígeno.
La nueva técnica tenía la principal ventaja de permitir una ejecución mucho mejor de los detalles internos. En la pintura de jarrones de figuras negras, tales detalles tenían que ser rayados en las superficies pintadas, lo que siempre era menos preciso que la aplicación directa de detalles con un pincel. Las representaciones de figuras rojas eran generalmente más vivaces y realistas que las siluetas de figuras negras . También contrastaban más claramente con los fondos negros. Ahora era posible representar a los humanos no sólo de perfil, sino también en perspectiva frontal, trasera o de tres cuartos. La técnica de las figuras rojas también permitió indicar una tercera dimensión en las figuras. Sin embargo, también tenía desventajas. Por ejemplo, ahora era imposible distinguir el sexo mediante el uso de engobe negro para la piel masculina y pintura blanca para la piel femenina. La tendencia actual a representar héroes y deidades desnudos y de edad juvenil también hizo que fuera más difícil distinguir los sexos a través de prendas o peinados. En las fases iniciales también hubo errores de cálculo en cuanto al grosor de las figuras humanas.
En la pintura de jarrones de figuras negras, los contornos predibujados eran parte de la figura. En los jarrones de figuras rojas, el contorno, después de la cocción, formaría parte del fondo negro. Esto dio lugar desde el principio a jarrones con figuras muy delgadas. Otro problema fue que el fondo negro no permitía representar el espacio en profundidad, por lo que casi nunca se intentó la perspectiva espacial. No obstante, las ventajas superaron a las desventajas. La representación de músculos y otros detalles anatómicos ilustra claramente el desarrollo del estilo. [1]
La pintura de jarrones con figuras negras se desarrolló en Corinto en el siglo VII a. C. y rápidamente se convirtió en el estilo dominante de decoración de cerámica en todo el mundo griego y más allá. Aunque Corinto dominaba el mercado general, se desarrollaron mercados regionales y centros de producción. Inicialmente, Atenas copió el estilo corintio, pero gradualmente llegó a rivalizar y superar el dominio de Corinto. Los artistas áticos desarrollaron el estilo hasta alcanzar una calidad sin precedentes, alcanzando la cúspide de sus posibilidades creativas en el segundo tercio del siglo VI a.C. Exekias , activo alrededor del 530 a. C., puede considerarse el representante más importante del estilo de figuras negras.
En el siglo V a. C., la cerámica fina ática, ahora predominantemente de figuras rojas, mantuvo su dominio en los mercados. La cerámica ática se exportó a la Magna Grecia e incluso a Etruria . La preferencia por los jarrones áticos llevó al desarrollo de talleres o "escuelas" locales del sur de Italia y de Etruria, fuertemente influenciados por el estilo ático, pero que producían exclusivamente para los mercados locales.
Los primeros jarrones de figuras rojas se produjeron alrededor del año 530 a.C. La invención de la técnica normalmente se atribuye al pintor Andokides . Él y otros primeros representantes del estilo, por ejemplo Psiax , inicialmente pintaron jarrones en ambos estilos, con escenas de figuras negras en un lado y figuras rojas en el otro. Estos jarrones, como el ánfora del vientre del pintor Andócides (Múnich 2301) , se denominan jarrones bilingües . Aunque muestran avances importantes frente al estilo de figuras negras, las figuras todavía parecen algo forzadas y rara vez se superponen. Se siguieron utilizando composiciones y técnicas del estilo antiguo. Así, las líneas incisas son bastante comunes, al igual que la aplicación adicional de pintura roja ("rojo añadido") para cubrir grandes áreas. [2]
Los artistas del llamado " Grupo Pionero " dieron el paso hacia una plena explotación de las posibilidades de la técnica de las figuras rojas. Estuvieron activos entre 520 y 500 a. C. aproximadamente . Representantes importantes incluyen a Eufronio , Eutímides y Fintias . Este grupo, reconocido y definido por la erudición del siglo XX, experimentó con las diferentes posibilidades que ofrecía el nuevo estilo. Así, aparecieron figuras en nuevas perspectivas, como vistas frontales o traseras, y hubo experimentos con escorzos de perspectiva y composiciones más dinámicas. Como innovación técnica, Eufronio introdujo la "línea de relieve". Al mismo tiempo se inventaron nuevas formas de jarrones , un desarrollo favorecido por el hecho de que muchos de los pintores del grupo pionero también trabajaban como alfareros.
Las nuevas formas incluyen el psykter y el pelike . En esta época se hicieron populares las grandes cráteres y ánforas . Aunque no hay indicios de que los pintores se entendieran a sí mismos como un grupo en la forma en que lo hacen los estudiosos modernos, hubo algunas conexiones e influencias mutuas, tal vez en una atmósfera de competencia amistosa y estímulo. Así, un jarrón de Eutímides tiene la inscripción "como Eufronio nunca [habría podido]" . En términos más generales, el grupo pionero tendía a utilizar inscripciones. El etiquetado de figuras mitológicas o la adición de inscripciones de Kalos son la regla más que la excepción. [2]
Además de los pintores de jarrones, algunos pintores de cuencos también utilizaron el nuevo estilo. Estos incluyen Oltos y Epiktetos . Muchas de sus obras eran bilingües y a menudo utilizaban figuras rojas sólo en el interior del cuenco.
La generación de artistas posterior a los pioneros, activa durante el período Arcaico Tardío ( alrededor del 500 al 470 a. C.) llevó el estilo a un nuevo florecimiento. Durante este tiempo, los jarrones de figuras negras no lograron alcanzar la misma calidad y finalmente fueron expulsados del mercado. Algunos de los pintores de jarrones áticos más famosos pertenecen a esta generación. Entre ellos se encuentran el pintor berlinés , el pintor Kleophrades y, entre los pintores de cuencos , Onésimo , Douris , Makron y el pintor de Brygos . La mejora de la calidad fue acompañada de una duplicación de la producción durante este período. Atenas se convirtió en el productor dominante de cerámica fina en el mundo mediterráneo , eclipsando a casi todos los demás centros de producción. [3]
Una de las características clave de este estilo de pintura de jarrones ático de mayor éxito es el dominio del escorzo en perspectiva, lo que permite una representación mucho más naturalista de figuras y acciones. Otra característica es la drástica reducción de figuras por vasija, de detalles anatómicos y de decoraciones ornamentales. Por el contrario, se amplió el repertorio de escenas representadas. Por ejemplo, los mitos que rodean a Teseo se hicieron muy populares en esta época. Con frecuencia se empleaban formas de jarrones nuevas o modificadas, incluido el ánfora de Nolan (ver Tipología de formas de jarrones griegos ), lekythoi , así como cuencos de los tipos Askos y Dinos . Aumentó la especialización en pintores separados de jarrones y cuencos. [3]
La característica clave de las figuras del Clásico Temprano es que suelen ser más robustas y menos dinámicas que sus predecesoras. Como resultado, las representaciones adquirieron seriedad, incluso patetismo . Los pliegues de las prendas se representaban de forma menos lineal y parecían más plásticos. La forma de presentar las escenas también cambió sustancialmente. En primer lugar, las pinturas dejaron de centrarse en el momento de un acontecimiento concreto, sino que, con tensión dramática, mostraron la situación inmediatamente anterior a la acción, implicando y contextualizando el acontecimiento propiamente dicho. Además, algunos de los otros nuevos logros de la democracia ateniense comenzaron a mostrar influencia en la pintura de jarrones. Se pueden detectar así influencias de la tragedia y de la pintura mural . Dado que la pintura mural griega se ha perdido casi por completo en la actualidad, su reflejo en los jarrones constituye una de las pocas, aunque modestas, fuentes de información sobre ese género de arte.
Otras influencias en la pintura de vasijas del Alto Clásico incluyen el Partenón recién erigido y su decoración escultórica . Esto es especialmente visible en la representación de prendas; el material ahora cae de forma más natural y se representan más pliegues, lo que lleva a una mayor "profundidad" de la representación. Las composiciones generales se simplificaron aún más. Los artistas pusieron especial énfasis en la simetría , la armonía y el equilibrio. Las figuras humanas habían vuelto a su anterior esbeltez; a menudo irradian una serenidad divina y ensimismada. [3]
Entre los pintores importantes de este período, aproximadamente del 480 al 425 a. C., se incluyen el pintor de Providencia , Hermonax y el pintor de Aquiles , todos siguiendo la tradición del pintor de Berlín. También es importante el pintor Phiale , probablemente alumno del pintor Aquiles. También se desarrollaron nuevas tradiciones de taller. Ejemplos notables incluyen a los llamados " manieristas ", entre ellos el más famoso el Pan Painter . Otra tradición fue iniciada por el pintor Niobid y continuada por Polygnotos , el pintor Kleophon y el pintor Dinos . El papel de los cuencos disminuyó, aunque todavía se producían en grandes cantidades, por ejemplo en el taller del pintor Pentesilea . [3]
Durante el período Clásico Tardío, en el último cuarto del siglo V a. C., se crearon dos tendencias opuestas. Por un lado, se desarrolló un estilo de pintura de vasijas fuertemente influenciado por el "estilo rico" de la escultura; por otro, algunos talleres continuaron los desarrollos del período Clásico Alto, con un énfasis cada vez mayor en la representación de las emociones y una gama de de escenas eróticas. El representante más importante del Estilo Rico es el Pintor Meidias . Los rasgos característicos incluyen prendas transparentes y múltiples pliegues de tela. También hay un aumento en la representación de joyas y otros objetos. Llama la atención el uso de colores adicionales, principalmente blanco y dorado, que representan accesorios en bajo relieve. Con el tiempo, se produce un marcado "ablandamiento": el cuerpo masculino, hasta ahora definido por la representación de los músculos, perdió gradualmente esa característica clave. [3]
Las pinturas representaban escenas mitológicas con menos frecuencia que antes. Las imágenes del mundo privado y doméstico adquirieron cada vez más importancia. Son especialmente frecuentes las escenas de la vida de las mujeres. Las escenas mitológicas están dominadas por imágenes de Dioniso y Afrodita . No está claro qué provocó este cambio de tema entre algunos de los artistas. Las sugerencias incluyen un contexto con los horrores de la Guerra del Peloponeso , pero también la pérdida del papel dominante de Atenas en el comercio de cerámica del Mediterráneo (en parte como resultado de la guerra). El creciente protagonismo de nuevos mercados, por ejemplo Iberia , implicaba nuevas necesidades y deseos por parte de los clientes. Estas teorías se contradicen con el hecho de que algunos artistas mantuvieron el estilo anterior. Algunos, por ejemplo el pintor de Eretria , intentaron combinar ambas tradiciones. Las mejores obras del período Clásico Tardío se encuentran a menudo en vasos más pequeños, como el vientre lekythoi , pyxides y oinochai . Lekanis , la crátera de Bell (ver Tipología de formas de jarrones griegos ) y la hidria también eran populares. [4]
La producción de cerámica de figuras rojas convencional cesó alrededor del 360 a. C. Los estilos Rico y Simple existieron hasta ese momento. Los representantes tardíos incluyen al pintor Meleagro (estilo rico) y al pintor de Jena (estilo simple).
Las últimas décadas de la pintura ática de jarrones de figuras rojas están dominadas por el estilo Kerch . Este estilo, vigente entre 370 y 330 a. C., combinaba los estilos rico y modesto anteriores, con preponderancia del rico. Son típicas las composiciones abarrotadas con grandes figuras escultóricas. Los colores agregados ahora incluyen azul, verde y otros. El volumen y el tono se indican mediante el uso de arcilla brillante y líquida diluida. Ocasionalmente, se añaden figuras enteras como apliques, es decir, como finos relieves figurativos adheridos al cuerpo del jarrón. La variedad de formas de vasijas utilizadas se redujo drásticamente. Las formas pintadas comunes incluyen pelike , crátera de cáliz, lekythos abdominal , skyphos , hidria y oinochoe . Las escenas de la vida femenina son muy comunes. Los temas mitológicos todavía están dominados por Dioniso ; Ariadna y Heracles son los héroes más representados. El pintor más conocido de este estilo es el Pintor Marsyas . [4]
Los últimos vasos atenienses con representaciones figurativas se crearon a más tardar alrededor del año 320 a.C. El estilo continuó un poco más, pero con decoraciones no figurativas. Los últimos ejemplos reconocidos son de pintores conocidos como Grupo YZ .
El Kerameikos era el barrio de los alfareros de Atenas. Contenía una variedad de talleres pequeños y probablemente algunos más grandes. En 1852, durante las actividades de construcción en la calle Ermou , se descubrió el taller del pintor de Jena . Sus restos se exponen actualmente en la colección universitaria de la Universidad Friedrich Schiller de Jena . [5] Según las investigaciones modernas, los talleres eran propiedad de los alfareros. Se conocen los nombres de unos 40 pintores de vasijas áticos, a partir de inscripciones en vasijas, normalmente acompañadas de las palabras ἐγραψεν (égrapsen, ha pintado). Por el contrario, la firma del alfarero, ἐποίησεν (epoíesen, ha hecho) ha sobrevivido en más del doble de vasijas, es decir, unas 100 (ambos números se refieren a la totalidad de la pintura figurativa de jarrones áticos). Aunque se conocían firmas desde c. 580 a. C. (primera firma conocida del alfarero Sófilo ), su uso aumentó hasta alcanzar un punto máximo alrededor de la Fase Pionera. Una actitud cambiante, aparentemente cada vez más negativa, hacia los artesanos provocó una reducción de las firmas, que comenzó a más tardar en el período clásico. [6] En general, las firmas son bastante raras. El hecho de que se encuentren principalmente en piezas especialmente buenas indica que expresaban el orgullo del alfarero y/o del pintor. [7]
La situación de los pintores en relación con la de los alfareros sigue siendo algo confusa. El hecho de que, por ejemplo, Eufronio pudiera trabajar como pintor y alfarero sugiere que al menos algunos de los pintores no eran esclavos . Por otro lado, algunos de los nombres conocidos indican que entre los pintores había al menos algunos antiguos esclavos y algunos perioikoi . Además, algunos de los nombres no son únicos: por ejemplo, varios pintores firmaron como Polygnotos . Esto puede representar intentos de sacar provecho del nombre de ese gran pintor. Lo mismo puede ocurrir cuando los pintores llevan nombres famosos, como Aristófanes (pintor de jarrones) . Las carreras de algunos pintores de jarrones son bastante conocidas. Aparte de los pintores con períodos de actividad relativamente cortos (una o dos décadas), a algunos se les puede seguir la pista desde hace mucho más tiempo. Los ejemplos incluyen Douris , Makron , Hermonax y el pintor de Aquiles . El hecho de que varios pintores se convirtieran más tarde en alfareros, y los casos relativamente frecuentes en los que no está claro si algunos alfareros también eran pintores o viceversa , sugieren una estructura profesional, tal vez comenzando con un aprendizaje que involucraba principalmente pintura, y conduciendo a ser alfarero.
Esta división del trabajo parece haberse desarrollado junto con la introducción de la pintura de figuras rojas, ya que se conocen muchos pintores alfareros del período de figuras negras (incluidos Exekias , Nearchos y quizás el pintor Amasis ). La mayor demanda de exportaciones habría dado lugar a nuevas estructuras de producción, fomentando la especialización y la división del trabajo, lo que habría llevado a una distinción a veces ambigua entre pintor y alfarero. Como se mencionó anteriormente, la pintura de las vasijas probablemente era responsabilidad principalmente de asistentes o aprendices más jóvenes. Se pueden sugerir algunas conclusiones adicionales sobre los aspectos organizativos de la producción de cerámica. Parece que, en general, varios pintores trabajaron para un taller de alfarería, como lo indica el hecho de que con frecuencia, varios pintores pintan varias vasijas aproximadamente contemporáneas del mismo alfarero. Por ejemplo, se ha descubierto que vasijas hechas por Eufronio fueron pintadas por Onésimo , Douris , el pintor de las Antífonas , el pintor de Triptolemos y el pintor de Pistoxenos . Por el contrario, un pintor individual también podría cambiar de un taller a otro. Por ejemplo, el pintor de cuencos Oltos trabajó para al menos seis alfareros diferentes. [7]
Aunque desde una perspectiva moderna los pintores de vasos son a menudo considerados artistas y, por tanto, sus vasos obras de arte , esta visión no es coherente con la que se tenía en la antigüedad. Los pintores de jarrones, al igual que los alfareros, eran considerados artesanos y sus productos se consideraban bienes comerciales. [8] Los artesanos debían tener un nivel de educación razonablemente alto, ya que se encuentran una variedad de inscripciones. Por un lado, son habituales las citadas inscripciones de Kalos ; por otro lado, las inscripciones suelen etiquetar las figuras representadas. Algunos ejemplos de filas sin sentido de letras aleatorias demuestran que no todos los pintores de jarrones sabían escribir. Los jarrones indican una mejora constante de la alfabetización desde el siglo VI a. C. en adelante. [9] Hasta ahora no se ha aclarado satisfactoriamente si los alfareros, y quizás los pintores de vasos, pertenecían a la élite ática . ¿Las frecuentes representaciones del simposio , una actividad definida de la clase alta, reflejan la experiencia personal de los pintores, sus aspiraciones de asistir a tales eventos o simplemente las demandas del mercado? [10] Una gran proporción de los jarrones pintados producidos, como psykter , krater , kalpis , stamnos , así como kylikes y kantharoi , se fabricaron y compraron para ser utilizados en simposios. [11]
Los jarrones elaboradamente pintados eran buenos, pero no los mejores, artículos de mesa disponibles para un griego. Los recipientes metálicos, especialmente los de metales preciosos, gozaban de mayor consideración. Sin embargo, los jarrones pintados no eran productos baratos; los ejemplares más grandes, especialmente, eran caros. Alrededor del año 500 a. C., un gran jarrón pintado costaba alrededor de una dracma , equivalente al salario diario de un cantero. Se ha sugerido que los jarrones pintados representan un intento de imitar vasijas de metal. Normalmente se supone que las clases sociales más bajas tendían a utilizar mercancías sencillas y toscas sin decoración, de las cuales se han encontrado grandes cantidades en las excavaciones . Es posible que las vajillas hechas de materiales perecederos, como la madera, estuvieran aún más extendidas. [12] Sin embargo, múltiples hallazgos de jarrones de figuras rojas, generalmente no de la más alta calidad, encontrados en asentamientos, prueban que tales vasijas se usaban en la vida diaria. Una gran parte de la producción se destinó a vasijas de culto y funerarias. En cualquier caso, se puede suponer que la producción de cerámica de alta calidad era un negocio rentable. Por ejemplo, en la Acrópolis de Atenas se encontró un costoso obsequio votivo del pintor Eufronio . [13] No cabe duda de que la exportación de dicha cerámica contribuyó de manera importante a la prosperidad de Atenas. No sorprende que muchos talleres pareciera que dirigieron su producción a los mercados de exportación, por ejemplo produciendo formas de vasijas que eran más populares en la región objetivo que en Atenas. La desaparición de la pintura de vasijas áticas en el siglo IV a. C. coincide de manera reveladora con el mismo período en el que los etruscos , probablemente el principal mercado de exportación occidental, se vieron sometidos a una presión cada vez mayor por parte de los griegos y romanos del sur de Italia . Otra razón para el fin de la producción de jarrones decorados con figuras es el cambio de gustos al comienzo del período helenístico . La razón principal, sin embargo, debe verse en el progreso cada vez más fallido de la Guerra del Peloponeso, que culminó con la devastadora derrota de Atenas en el 404 a.C. Después de esto, Esparta controló el comercio occidental, aunque sin tener la fuerza económica para explotarlo plenamente. Los alfareros áticos tuvieron que encontrar nuevos mercados; lo hicieron en la zona del Mar Negro . Pero Atenas y sus industrias nunca se recuperaron completamente de la derrota. Algunos alfareros y pintores ya se habían trasladado a Italia durante la guerra en busca de mejores condiciones económicas. Un indicador clave de la naturaleza orientada a la exportación de la producción de jarrones áticos es la ausencia casi total de escenas teatrales. Compradores de otros orígenes culturales, como etruscos o clientes posteriores en la Península Ibérica., habría encontrado tal descripción incomprensible o poco interesante. En la pintura de vasijas del sur de Italia, que en su mayoría no estaba destinada a la exportación, estas escenas son bastante comunes. [14]
Al menos desde un punto de vista moderno, las pinturas de jarrones de figuras rojas del sur de Italia representan la única región de producción que alcanza los estándares áticos de calidad artística. Después de los jarrones áticos, los del sur de Italia (incluidos los de Sicilia ) son los más investigados. A diferencia de sus homólogos áticos, se producían principalmente para los mercados locales. Sólo se han encontrado unas pocas piezas fuera del sur de Italia y Sicilia. Los primeros talleres fueron fundados a mediados del siglo V a. C. por alfareros áticos. Pronto se formó a los artesanos locales y se superó la dependencia temática y formal de los jarrones áticos. Hacia finales de siglo, se desarrolló en Apulia el distintivo "estilo ornamentado" y el "estilo sencillo" . Especialmente el estilo ornamentado fue adoptado por otras escuelas continentales, pero sin alcanzar la misma calidad. [15]
Hasta la fecha se conocen 21.000 vasos y fragmentos del sur de Italia. De ellos, 11.000 se atribuyen a talleres de Apulia, 4.000 a Campania, 2.000 a Paestan, 1.500 a Lucano y 1.000 a Sicilianos. [dieciséis]
La tradición de pintar jarrones de Apulia se considera el estilo principal del sur de Italia. El principal centro de producción estaba en Taras . Los jarrones de figuras rojas de Apulia se produjeron alrededor del 430 al 300 a.C. Se distinguen los estilos sencillo y ornamentado. La principal diferencia entre ellos es que el estilo simple favorecía los cráteres de campana , las cráteres de columnas y las vasijas más pequeñas, y que una sola vasija "simple" rara vez representaba más de cuatro figuras. Los temas principales fueron escenas mitológicas, cabezas femeninas, guerreros en escenas de combate o despedida e imaginería dionisíaca de tiasos . El reverso mostraba a menudo a jóvenes con capas. La característica clave de estos artículos decorados de forma sencilla es la ausencia general de colores adicionales. Representantes importantes del estilo sencillo son el pintor Sísifo y el pintor Tarporley . Después de mediados del siglo IV a. C., el estilo se vuelve cada vez más parecido al estilo ornamentado. Un artista importante de ese período es el Pintor Varrese . [17]
Los artistas que utilizaban el estilo ornamentado tendían a favorecer las vasijas grandes, como cráteres de voluta , ánforas , loutrophoroi e hidriai . La superficie más grande se utilizó para representar hasta 20 figuras, a menudo en varios registros en el cuerpo del jarrón. Se utilizan abundantemente otros colores, especialmente tonos de rojo, amarillo dorado y blanco. Desde la segunda mitad del siglo IV, los cuellos y los costados de los jarrones están decorados con ricas decoraciones vegetales u ornamentales. Al mismo tiempo, se desarrollan vistas en perspectiva, especialmente de edificios como el "Palacio de Hades " ( naiskoi ). Desde el año 360 a. C., estas estructuras se representan a menudo en escenas relacionadas con ritos funerarios ( vasos naiskos ). Representantes importantes de este estilo son el pintor Ilioupersis , el pintor Darius y el pintor de Baltimore . Fueron especialmente populares las escenas mitológicas: La asamblea de los dioses, la amazonomaquia , la guerra de Troya , Heracles y Belerofonte . Además, estos jarrones suelen representar escenas de mitos que rara vez se ilustran en los jarrones. Algunos especímenes representan la única fuente de iconografía de un mito en particular. Otro tema desconocido de la pintura de jarrones áticos son las escenas teatrales. Son bastante comunes especialmente las escenas de farsa, por ejemplo de los llamados vasos phlyax . Las escenas de actividad deportiva o de la vida cotidiana sólo aparecen en la fase inicial y desaparecen por completo después del 370 a.C. [18]
La pintura de jarrones de Apulia tuvo una influencia formativa en las tradiciones de otros centros de producción del sur de Italia. Se supone que algunos artistas de Apulia se establecieron en otras ciudades italianas y aportaron allí sus habilidades. Además de los de figuras rojas, Apulia también produjo jarrones lacados en negro con decoración pintada (jarrones Gnathia) y jarrones policromados (jarrones Canosa). [19]
Campania también produjo jarrones de figuras rojas en los siglos V y IV a.C. La arcilla de color marrón claro de Campania se cubrió con una barbotina que adquirió un tinte rosado o rojo después de la cocción. Los pintores de Campania preferían tipos de vasijas más pequeñas, pero también hidrias y cráteres de campana . La forma más popular es el ánfora con mango de arco. Muchas formas típicas de vasijas de Apulia, como cráteres de voluta , cráteres de columna , ánforas loutrophoroi , rhyta y nestoris , están ausentes, los pelikes son raros. El repertorio de motivos es limitado. Los temas incluyen jóvenes, mujeres, escenas de thiasos, pájaros y animales y, a menudo, guerreros nativos. Las espaldas suelen mostrar jóvenes encapuchados. Las escenas mitológicas y las representaciones relacionadas con los ritos funerarios desempeñan un papel secundario. Las escenas de Naiskos , los elementos ornamentales y la policromía se adoptan después del 340 a. C. bajo influencia lucaniana. [20]
Antes de la inmigración de alfareros sicilianos en el segundo cuarto del siglo IV a.C., cuando se establecieron varios talleres en Campania, sólo se conoce el Taller del Pilar del Búho de la segunda mitad del siglo V. La pintura de jarrones de Campania se subdivide en tres grupos principales:
El primer grupo está representado por la pintora Casandra de Capua , todavía bajo influencia siciliana. Le siguieron el taller del pintor Parrish y el del pintor Laghetto y el pintor Caivano. Su trabajo se caracteriza por una preferencia por figuras de sátiros con tirsos , representaciones de cabezas (normalmente debajo de las asas de los hidriai ), bordes decorativos de prendas y el uso frecuente de blanco, rojo y amarillo adicionales. Los pintores Laghetto y Caivano parecen haberse trasladado a Paestum más tarde. [21]
El Grupo AV también tuvo su taller en Capua. De particular importancia es el pintor Whiteface-Frignano, uno de los primeros de este grupo. Su característica típica es el uso de pintura blanca adicional para representar los rostros de las mujeres. Este grupo favorecía las escenas domésticas, las mujeres y los guerreros. Las figuras múltiples son raras; por lo general, solo hay una figura en la parte delantera y trasera del jarrón, a veces solo la cabeza. Las prendas suelen estar dibujadas de forma informal. [22]
Después del 350 a. C., el pintor CA y sus sucesores trabajaron en Cumas . El pintor CA es considerado el artista más destacado de su grupo, e incluso de la pintura de vasijas de Campania en su conjunto. A partir del año 330 se percibe una fuerte influencia de Apulia. Los motivos más comunes son naiskos y escenas graves, escenas dionisíacas y simposios. También son comunes las representaciones de cabezas femeninas enjoyadas. El pintor CA era policromado pero tendía a utilizar mucho blanco para la arquitectura y las figuras femeninas. Sus sucesores no pudieron mantener plenamente su calidad, lo que provocó una rápida desaparición, que terminó con el fin de la pintura de vasijas de Campania alrededor del año 300 a.C. [22]
La tradición lucaniana de pintar vasijas comenzó alrededor del 430 a. C., con las obras del pintor Pisticci . Probablemente estuvo activo en Pisticci , donde se descubrieron algunas de sus obras. Estuvo fuertemente influenciado por la tradición ática. Sus sucesores, el pintor Amycus y el pintor cíclope, tuvieron un taller en Metaponto . Fueron los primeros en pintar el nuevo tipo de jarrón nestoris (ver Tipología de formas de jarrones griegos ). Son habituales las escenas míticas o teatrales. Por ejemplo, el pintor Cheophoroi, llamado así por el Cheophoroi de Esquilo , mostró escenas de la tragedia en cuestión en varios de sus jarrones. La influencia de la pintura de vasijas de Apulia se hace tangible aproximadamente al mismo tiempo. Especialmente la policromía y la decoración vegetal se convirtieron en estándar. Entre los representantes importantes de este estilo se encuentran el pintor Dolon y el pintor de Brooklyn-Budapest. Hacia mediados del siglo IV a.C. se hace notable una caída masiva en la calidad y variedad temática. El último pintor de vasijas lucano notable fue el pintor Primato, fuertemente influenciado por el pintor de Apulia Lycourgos. Después de él, a una breve y rápida desaparición le siguió el cese de la pintura de vasijas lucanas a principios del último cuarto del siglo IV a.C. [23]
El estilo de pintura de jarrones de Paestan se desarrolló como el último de los estilos del sur de Italia. Fue fundada por inmigrantes sicilianos alrededor del año 360 a.C. El primer taller estuvo controlado por Asteas y Python . Son los únicos pintores de jarrones del sur de Italia conocidos por sus inscripciones. Pintaron principalmente cráteres de campana , ánforas de cuello, hidriai , lebes gamikos , lekanes , lekythoi y jarras, más raramente pelikes , cráteres de cáliz y cráteres de voluta . Las características incluyen decoraciones como palmetas laterales, un patrón de zarcillos con cáliz y umbela conocido como "flor de asteas", patrones en forma de almenas en las prendas y cabello rizado que cuelga sobre la espalda de las figuras. Son igualmente comunes las figuras inclinadas hacia adelante, apoyadas sobre plantas o rocas. A menudo se utilizan colores especiales, especialmente blanco, dorado, negro, violeta y tonos de rojo. [24]
Los temas representados pertenecen a menudo al ciclo dionisíaco: tiasos y escenas de banquetes, sátiros, ménades , Silenos , Orestes , Electra , los dioses Afrodita y Eros , Apolo , Atenea y Hermes . La pintura paestana rara vez representa escenas domésticas, pero favorece a los animales. Asteas y Python tuvieron una gran influencia en la pintura de vasijas de Paestum. Esto es claramente visible en la obra de la pintora Afrodita, que probablemente emigró de Apulia. Hacia el año 330 a. C. se desarrolló un segundo taller, originalmente siguiendo el trabajo del primero. La calidad de su pintura y la variedad de sus motivos se deterioraron rápidamente. Al mismo tiempo, se hace notable la influencia del pintor campaniano Caivano, cuyas prendas caen de forma lineal y siguen figuras femeninas sin contornos. Alrededor del año 300 a. C., la pintura de vasijas de Paestan se detuvo. [25]
La producción de pintura de vasijas sicilianas se inició antes de finales del siglo V a. C., en las polis de Himera y Siracusa . En cuanto a estilo, temática, ornamentación y formas de jarrones, los talleres estuvieron fuertemente influenciados por la tradición ática, especialmente por el pintor del Clásico Tardío Meidias . En el segundo cuarto del siglo IV, los pintores de vasijas sicilianos emigraron a Campania y Paestum, donde introdujeron la pintura de vasijas de figuras rojas. Sólo Siracusa mantuvo una producción limitada. [26]
El estilo típico siciliano no se desarrolló hasta el año 340 a.C. Se pueden distinguir tres grupos de talleres. El primero, conocido como Grupo Lentini-Manfria, estaba activo en Siracusa y Gela , un segundo fabricaba Centuripe Ware alrededor del monte Aetna y un tercero en Lipari . La característica más típica de la pintura de vasijas sicilianas es el uso de colores adicionales, especialmente el blanco. En la fase inicial, se pintaron vasijas grandes como cráteres de cáliz e hidrias , pero son más típicas vasijas más pequeñas como matraces, lekanes , lekythoi y píxidas escifoideas. Los motivos más comunes son escenas de la vida femenina, erotes , cabezas femeninas y escenas de phlyax . Las escenas mitológicas son raras. Como en todas las demás zonas, la pintura de vasijas desaparece de Sicilia hacia el año 300 a.C. [26]
En contraste con la pintura de jarrones de figuras negras, la pintura de jarrones de figuras rojas desarrolló pocas tradiciones, talleres o "escuelas" regionales fuera del Ática y el sur de Italia. Las pocas excepciones incluyen algunos talleres en Beocia (pintor de la gran Atenas Kantharos), Calcídica , Elis , Eretria , Corinto y Laconia .
Sólo Etruria , uno de los principales mercados de exportación de jarrones áticos, desarrolló sus propias escuelas y talleres, y acabó exportando sus propios productos. La adopción de la pintura de figuras rojas, que imitaba los vasos atenienses, se produjo sólo después del 490 a. C., medio siglo después de que se desarrollara el estilo. Debido a la técnica utilizada, los ejemplos más antiguos se conocen como pinturas de jarrones con pseudofiguras rojas. La verdadera técnica de las figuras rojas se introdujo mucho más tarde, hacia finales del siglo V a.C. Varios pintores, talleres y centros de producción son conocidos por ambos estilos. Sus productos no sólo se utilizaban localmente, sino que también se exportaban a Malta , Cartago , Roma y Liguria .
Los primeros ejemplos de Etruria simplemente imitaban la técnica de las figuras rojas. De manera similar a una técnica ática temprana y rara (ver técnica de Six ), toda la vasija se cubrió con arcilla negra brillante y luego se aplicaron figuras usando colores minerales que se oxidarían en rojo o blanco. Así, a diferencia de la pintura contemporánea de jarrones áticos, el color rojo no se consiguió dejando zonas sin pintar sino añadiendo pintura a la capa base negra. Al igual que en los jarrones con figuras negras, los detalles internos no estaban pintados, sino grabados en las figuras. Entre los representantes importantes de este estilo se encuentran el Pintor Praxias y otros maestros de su taller en Vulci . A pesar de su evidente buen conocimiento de los mitos y la iconografía griegos, no hay evidencia que indique que estos pintores hubieran emigrado del Ática. Una excepción a esto puede ser el Pintor de Praxia, ya que las inscripciones griegas en cuatro de sus jarrones pueden indicar que era originario de Grecia. [27]
En Etruria, el estilo de las pseudofiguras rojas no fue sólo un fenómeno de las primeras fases, como lo había sido en el Ática. Especialmente durante el siglo IV, algunos talleres se especializaron en esta técnica, aunque la verdadera pintura de figuras rojas estaba muy extendida entre los talleres etrurios al mismo tiempo. Los talleres notables incluyen Sokra Group y Phantom Group. El grupo Sokra, algo más antiguo, prefería los cuencos con decoración interior de temas míticos griegos, pero también algunos motivos etruscos. El grupo fantasma pintó principalmente figuras encapuchadas combinadas con ornamentaciones vegetales o palmetas. Se sospecha que los talleres de ambos grupos estuvieron en Caere , Falerii y Tarquinia . El Grupo Fantasma produjo hasta principios del siglo III a.C. Como en otros lugares, los gustos cambiantes de los clientes finalmente llevaron al fin de este estilo. [28]
La verdadera pintura de jarrones con figuras rojas, es decir, jarrones en los que las zonas rojas han quedado sin pintar, se introdujo en Etruria a finales del siglo V a.C. Los primeros talleres se desarrollaron en Vulci y Falerii y produjeron también para las zonas circundantes. Es probable que los maestros áticos estuvieran detrás de estos primeros talleres, pero también es evidente una influencia del sur de Italia . Estos talleres dominaron el mercado etrusco hasta el siglo IV a.C. Las vasijas grandes y medianas, como cráteres y cántaros, estaban decoradas principalmente con escenas mitológicas. En el transcurso del siglo IV, la producción faleriana comenzó a eclipsar a la de Vulci. Se desarrollaron nuevos centros de producción en Chiusi y Orvieto . Especialmente importante fue el grupo Tondo de Chiusi, que fabricaba principalmente vasos para beber con representaciones interiores de escenas dionisíacas. Durante la segunda mitad del siglo, Volterra se convirtió en un centro importante. Aquí se produjeron especialmente cráteres con mango de varilla y, sobre todo en las primeras fases, se pintaron laboriosamente.
Durante la segunda mitad del siglo IV a. C., los temas mitológicos desaparecieron del repertorio de los pintores etruscos. Fueron sustituidas por cabezas femeninas y escenas de hasta dos figuras. En lugar de representaciones figurativas, los cuerpos de las vasijas estaban cubiertos de adornos y motivos florales. Las grandes composiciones figurativas, como la de una crátera del pintor del grupo Den Haag Funnel Group, se produjeron sólo excepcionalmente. La producción originalmente a gran escala en Falerii perdió su papel dominante ante el centro de producción en Caere, que probablemente había sido fundado por pintores falerianos y no se puede decir que represente una tradición distinta. El repertorio estándar de los talleres de Caere incluía oinochoai , lekythoi y bebederos del Grupo Torcop, pintados de forma sencilla, y platos del Grupo Genucuilia. El cambio a la producción de jarrones vidriados negros hacia finales del siglo IV, probablemente como reacción a los gustos cambiantes de la época, supuso el fin de la pintura de jarrones de figuras rojas de Etruria. [29]
Se sabe que han sobrevivido unos 65.000 jarrones de figuras rojas y fragmentos de jarrones. [c] El estudio de la cerámica antigua y de la pintura de vasijas griegas se inició ya en la Edad Media . Restoro d'Arezzo dedicó un capítulo ( Capitolo delle vasa antiche ) de su descripción del mundo a los vasos antiguos (Della composizione del mondo, libro VIII, capitolo IV). Consideró especialmente las vasijas de barro como perfectas en términos de forma, color y estilo artístico. [30] Sin embargo, inicialmente la atención se centró en los jarrones en general, y quizás especialmente en los jarrones de piedra. Las primeras colecciones de jarrones antiguos, incluidas algunas vasijas pintadas, se desarrollaron durante el Renacimiento . Incluso conocemos algunas importaciones de Grecia a Italia en aquella época. Aún así, hasta finales del Barroco , la pintura de vasijas quedó eclipsada por otros géneros, especialmente por la escultura . Una rara excepción preclasicista es un libro de acuarelas que representan jarrones figurativos, que fue producido para Nicolas-Claude Fabri de Peiresc . Como algunos de sus coleccionistas contemporáneos, Peiresc poseía varios vasos de arcilla. [31]
Desde el período del Clasicismo , las vasijas cerámicas se recolectaron con mayor frecuencia. Por ejemplo, Sir William Hamilton [d] y Giuseppe Valletta tenían colecciones de jarrones. Los jarrones encontrados en Italia eran relativamente asequibles, de modo que incluso los particulares podían reunir colecciones importantes. Los jarrones eran un recuerdo popular que los jóvenes del noroeste de Europa llevaban a casa después del Grand Tour . En los diarios de su viaje a Italia, [e] Goethe se refiere a la tentación de comprar jarrones antiguos. Quienes no podían permitirse los originales tenían la opción de adquirir copias o impresiones. Incluso existían fábricas especializadas en imitar la cerámica antigua. La más conocida es la cerámica de Wedgwood , aunque empleaba técnicas totalmente ajenas a las utilizadas en la antigüedad, utilizando motivos antiguos meramente como inspiración temática. [32]
Desde la década de 1760, la investigación arqueológica también comenzó a centrarse en las pinturas de vasijas. Los jarrones fueron apreciados como material de partida para todos los aspectos de la vida antigua, especialmente para estudios iconográficos y mitológicos . La pintura de jarrones fue tratada ahora como un sustituto de la obra casi totalmente perdida de la pintura monumental griega . Por esta época, la opinión generalizada de que todos los jarrones pintados eran obras etruscas se volvió insostenible. Sin embargo, la moda artística de aquella época de imitar vasos antiguos pasó a denominarse all'etrusque . Inglaterra y Francia intentaron superarse mutuamente tanto en términos de investigación como de imitación de jarrones. Los escritores estéticos alemanes Johann Heinrich Müntz y Johann Joachim Winckelmann estudiaron pinturas sobre jarrones. Winckelmann elogió especialmente el Umrißlinienstil ("estilo de contorno", es decir, pintura de figuras rojas). Los adornos de jarrones se compilaron y difundieron en Inglaterra a través de libros de patrones . [33]
Las pinturas de jarrones influyeron incluso en el desarrollo de la pintura moderna. El estilo lineal influyó en artistas como Edward Burne-Jones , Gustave Moreau o Gustav Klimt . Hacia 1840, Ferdinand Georg Waldmüller pintó una naturaleza muerta con vasijas de plata y una crátera de campanas de figuras rojas . Henri Matisse produjo una pintura similar ( Intérieur au vase étrusque ). Su influencia estética se extiende hasta el presente. Por ejemplo, la conocida forma curva de la botella de Coca-Cola está inspirada en los jarrones griegos. [34]
El estudio científico de las pinturas de vasos áticos fue impulsado especialmente por John D. Beazley . Beazley comenzó a estudiar los jarrones aproximadamente a partir de 1910, inspirado en la metodología que el historiador del arte Giovanni Morelli había desarrollado para el estudio de las pinturas. Supuso que cada pintor produjo obras individuales que siempre pueden atribuirse de manera inequívoca. Para ello, se compararon detalles particulares, como caras, dedos, brazos, piernas, rodillas, pliegues de prendas, etc. Beazley examinó 65.000 jarrones y fragmentos (de los cuales 20.000 eran de figuras negras). En el transcurso de seis décadas de estudio, pudo atribuir 17.000 de ellos a artistas individuales. Cuando sus nombres seguían siendo desconocidos, desarrolló un sistema de nombres convencionales. Beazley también unió y combinó a pintores individuales en grupos, talleres, escuelas y estilos. Ningún otro arqueólogo ha tenido jamás una influencia tan formativa en toda una subdisciplina como la tuvo Beazley en el estudio de la pintura de vasijas griegas. Una gran parte de su análisis todavía se considera válido hoy. Beazley publicó por primera vez sus conclusiones sobre la pintura de jarrones de figuras rojas en 1925 y 1942. Sus estudios iniciales sólo consideraron material anterior al siglo IV a.C. Para una nueva edición de su obra publicada en 1963, incorporó también ese período posterior, aprovechando el trabajo de otros estudiosos, como Karl Schefold , que había estudiado especialmente los jarrones de estilo Kerch . Entre los eruditos famosos que continuaron el estudio de las figuras rojas áticas después de Beazley se encuentran John Boardman , Erika Simon y Dietrich von Bothmer . [35]
Para el estudio de la pintura de casos del sur de Italia , la obra de Arthur Dale Trendall tiene una importancia similar a la de Beazley para Attica. Se puede decir que la mayoría de los estudiosos posteriores a Beazley siguen la tradición de Beazley y utilizan su metodología. [f] El estudio de los vasos griegos continúa, sobre todo debido a la constante adición de nuevo material procedente de excavaciones arqueológicas , excavaciones ilícitas y colecciones privadas desconocidas.
, en: DNP 1 (1996), col. 922 y siguientes; Kampanische Vasenmalerei , en: DNP 6 (1998), col. 227 y siguientes; Lukanische Vasen , en: DNP 7 (1999), col. 491; Paestanische Vasen , en: DNP 9 (2000), col. 142/43; Sizilische Vasen , en: DNP 11 (2001), col. 606; Unteritalische Vasenmalerei , en: DNP 12/1 (2002), col. 1009-1011 , en DNP 15/3, col. 946-958 , en: DNP 10 (2001), col. 1141–43 , en: DNP 12/I (2002), col. 1147 y siguientes.