Henri-Robert-Marcel Duchamp ( Reino Unido : / ˈdjuːʃɒ̃ / , Estados Unidos : / djuːˈʃɒ̃ , djuːˈʃɑːmp / ; [ 1] francés : [maʁsɛl dyʃɑ̃] ; 28 de julio de 1887 - 2 de octubre de 1968) fue un pintor , escultor, ajedrecista y escritor francés cuyo trabajo está asociado con el cubismo , el dadaísmo y el arte conceptual . [ 2] [3] [4] Se le considera comúnmente, junto con Pablo Picasso y Henri Matisse , como uno de los tres artistas que ayudaron a definir los desarrollos revolucionarios en las artes plásticas en las primeras décadas del siglo XX, responsable de importantes desarrollos en pintura y escultura. [5] [6] [7] [8] Ha tenido un inmenso impacto en el arte de los siglos XX y XXI, y una influencia seminal en el desarrollo del arte conceptual. En la época de la Primera Guerra Mundial , había rechazado el trabajo de muchos de sus compañeros artistas (como Henri Matisse) por considerarlo " retinal ", destinado únicamente a complacer la vista. En cambio, quería utilizar el arte para servir a la mente . [9]
Duchamp nació en Blainville-Crevon , Normandía, Francia, hijo de Eugène Duchamp y Lucie Duchamp (antes Lucie Nicolle) y creció en una familia que disfrutaba de las actividades culturales. El arte del pintor y grabador Émile Frédéric Nicolle, su abuelo materno, llenaba la casa, y a la familia le gustaba jugar al ajedrez, leer libros, pintar y hacer música juntos.
De los siete hijos de Eugene y Lucie Duchamp, uno murió siendo un bebé y cuatro se convirtieron en artistas de éxito. Marcel Duchamp era hermano de:
De niño, con sus dos hermanos mayores ya fuera de casa en la escuela en Rouen , Duchamp estaba más cerca de su hermana Suzanne, que era cómplice voluntaria de los juegos y actividades conjurados por su fértil imaginación. A los ocho años, Duchamp siguió los pasos de sus hermanos cuando dejó el hogar y comenzó a estudiar en el Lycée Pierre-Corneille , en Rouen. Otros dos estudiantes de su clase también se convirtieron en artistas conocidos y amigos duraderos: Robert Antoine Pinchon y Pierre Dumont . [10] Durante los siguientes ocho años, estuvo encerrado en un régimen educativo que se centraba en el desarrollo intelectual. Aunque no era un estudiante sobresaliente, su mejor materia era matemáticas y ganó dos premios de matemáticas en la escuela. También ganó un premio de dibujo en 1903, y en su graduación en 1904 ganó un codiciado primer premio, validando su reciente decisión de convertirse en artista.
Aprendió dibujo académico de un profesor que intentó sin éxito "proteger" a sus alumnos del impresionismo , el posimpresionismo y otras influencias de vanguardia . Sin embargo, el verdadero mentor artístico de Duchamp en ese momento fue su hermano Jacques Villon, cuyo estilo fluido e incisivo intentó imitar. A los 14 años, sus primeros intentos artísticos serios fueron dibujos y acuarelas que representaban a su hermana Suzanne en diversas poses y actividades. Ese verano también pintó paisajes en un estilo impresionista utilizando óleos.
Las primeras obras de arte de Duchamp se alinean con los estilos postimpresionistas . Experimentó con técnicas y temas clásicos. Cuando más tarde le preguntaron qué lo había influenciado en ese momento, Duchamp citó la obra del pintor simbolista Odilon Redon , cuyo enfoque del arte no era aparentemente antiacadémico, sino discretamente individual.
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Estudió arte en la Académie Julian [12] [13] de 1904 a 1905, pero prefería jugar al billar a asistir a clases. Durante este tiempo, Duchamp dibujó y vendió caricaturas que reflejaban su humor obsceno. Muchos de los dibujos utilizan juegos de palabras verbales (a veces abarcando varios idiomas), juegos de palabras visuales o ambos. Este juego con palabras y símbolos cautivó su imaginación por el resto de su vida.
En 1905, comenzó el servicio militar obligatorio en el 39.º Regimiento de Infantería, [14] trabajando para un impresor en Rouen. Allí aprendió tipografía y procesos de impresión, habilidades que utilizaría en su obra posterior.
Debido a que su hermano mayor, Jacques, era miembro de la prestigiosa Académie royale de peinture et de sculpture, la obra de Duchamp se exhibió en el Salón de Otoño de 1908 y al año siguiente en el Salón de los Independientes . Los fauvismos y el protocubismo de Paul Cézanne influyeron en sus pinturas, aunque el crítico Guillaume Apollinaire —que eventualmente se convertiría en su amigo— criticó lo que llamó "los desnudos muy feos de Duchamp" ("les nus très vilains de Duchamp"). [15] [16] [17] Duchamp también se hizo amigo de por vida del exuberante artista Francis Picabia después de conocerlo en el Salón de Otoño de 1911, y Picabia procedió a presentarle un estilo de vida de autos rápidos y una vida "alta".
En 1911, en la casa de Jacques en Puteaux , los hermanos organizaron un grupo de debate regular con artistas cubistas , entre ellos Picabia, Robert Delaunay , Fernand Léger , Roger de La Fresnaye , Albert Gleizes , Jean Metzinger , Juan Gris y Alexander Archipenko . También participaron poetas y escritores. El grupo llegó a ser conocido como el Grupo Puteaux o la Sección de Oro . Desinteresado en la seriedad de los cubistas, o en su enfoque en cuestiones visuales, Duchamp no participó en las discusiones sobre la teoría cubista y se ganó la reputación de ser tímido. Sin embargo, ese mismo año pintó en un estilo cubista y agregó una impresión de movimiento mediante el uso de imágenes repetitivas.
Durante este período, la fascinación de Duchamp por la transición, el cambio, el movimiento y la distancia se hizo manifiesta y, como muchos artistas de la época, le intrigaba el concepto de representar la cuarta dimensión en el arte . [18] Su pintura Joven triste en un tren encarna esta preocupación:
En primer lugar, está la idea del movimiento del tren, y luego la del joven triste que se encuentra en un pasillo y que se desplaza; por lo tanto, hay dos movimientos paralelos que se corresponden entre sí. Luego está la distorsión del joven; yo había llamado a esto paralelismo elemental . Era una descomposición formal; es decir, elementos lineales que se sucedían como paralelas y distorsionaban el objeto. El objeto está completamente estirado, como si fuera elástico. Las líneas se suceden en paralelo, mientras cambian sutilmente para formar el movimiento, o la forma del joven en cuestión. También utilicé este procedimiento en El desnudo bajando una escalera . [19]
En su Retrato de jugadores de ajedrez ( Portrait de joueurs d'échecs ) de 1911 hay marcos superpuestos cubistas y perspectivas múltiples de sus dos hermanos jugando al ajedrez, pero a eso Duchamp agregó elementos que transmiten la actividad mental invisible de los jugadores.
Entre las obras de esta época también se encuentra su primera pintura "a máquina", Molino de café (Moulin à café) (1911), que regaló a su hermano Raymond Duchamp-Villon. La pintura a máquina más figurativa posterior de 1914, Molinillo de chocolate ( Broyeuse de chocolat ), prefigura el mecanismo incorporado en el Gran vidrio en el que comenzó a trabajar en Nueva York el año siguiente. [20]
La primera obra de Duchamp que provocó una gran controversia fue Desnudo bajando una escalera n.° 2 (Nu descendant un escalier n° 2) (1912). La pintura representa el movimiento mecánico de un desnudo, con facetas superpuestas, similar a las películas. Muestra elementos de la fragmentación y síntesis de los cubistas, así como del movimiento y dinamismo de los futuristas .
Duchamp presentó la pieza para que apareciera en el Salón de los Independientes cubista , pero Albert Gleizes (según Duchamp en una entrevista con Pierre Cabanne, p. 31) [21] pidió a los hermanos de Duchamp que le pidieran que retirara voluntariamente la pintura, o que pintara sobre el título que había pintado en la obra y le cambiara el nombre por otro. Los hermanos de Duchamp se acercaron a él con la solicitud de Gleizes, pero Duchamp se negó silenciosamente. Sin embargo, no hubo jurado en el Salón de los Independientes y Gleizes no estaba en posición de rechazar la pintura. [21] La controversia, según el historiador de arte Peter Brooke, no era si la obra debía colgarse o no, sino si debía colgarse con el grupo cubista. [21]
Duchamp recordó más tarde sobre el incidente: "No le dije nada a mis hermanos. Pero fui inmediatamente a la exposición y me llevé el cuadro a casa en un taxi. Fue realmente un punto de inflexión en mi vida, puedo asegurarlo. Vi que no estaría muy interesado en los grupos después de eso". [22] Sin embargo, Duchamp apareció en las ilustraciones de Du "Cubisme" , participó en La Maison Cubiste (Casa Cubista) , organizada por el diseñador André Mare para el Salón de Otoño de 1912 (unos meses después de los Independientes); firmó la invitación de la Sección de Oro y participó en la exposición de la Sección de Oro durante el otoño de 1912. La impresión es, escribe Brooke, "fue precisamente porque deseaba seguir siendo parte del grupo que retiró el cuadro; y que, lejos de ser maltratado por el grupo, se le dio una posición bastante privilegiada, probablemente a través del mecenazgo de Picabia". [21]
El cuadro fue exhibido por primera vez en las Galeries Dalmau , Exposició d'Art Cubista , Barcelona, 1912, la primera exposición del cubismo en España. [23] Más tarde, Duchamp presentó el cuadro al " Armory Show " de 1913 en la ciudad de Nueva York. Además de mostrar obras de artistas estadounidenses, esta muestra fue la primera gran exposición de tendencias modernas que surgieron de París, abarcando estilos experimentales de la vanguardia europea , incluidos el fauvismo, el cubismo y el futurismo . Los asistentes a la muestra estadounidenses, acostumbrados al arte realista, se escandalizaron, y el Desnudo estuvo en el centro de gran parte de la controversia.
En esa época, Duchamp leyó el tratado filosófico de Max Stirner El yo y su propiedad , estudio que consideró un punto de inflexión en su desarrollo artístico e intelectual. Lo calificó como "un libro notable... que no propone teorías formales, sino que simplemente sigue diciendo que el yo está siempre presente en todas las cosas". [24]
Mientras estuvo en Múnich en 1912, pintó la última de sus pinturas de estilo cubista. Comenzó La novia desnudada por sus solteros, imagen pareja, y comenzó a hacer planes para El gran vidrio , garabateando breves notas para sí mismo, a veces con bocetos apresurados. Pasarían más de diez años antes de que esta pieza estuviera terminada. No se sabe mucho más sobre la estadía de dos meses en Múnich, excepto que el amigo al que visitó tenía la intención de mostrarle los lugares de interés y la vida nocturna, y que estaba influenciado por las obras del pintor alemán del siglo XVI Lucas Cranach el Viejo en la famosa Alte Pinakothek de Múnich , conocida por sus pinturas de viejos maestros. Duchamp recordó que hacía el corto paseo para visitar este museo todos los días. Los estudiosos de Duchamp han reconocido desde hace mucho tiempo en Cranach la gama de colores ocres y marrones tenues que Duchamp empleó más tarde. [25]
Ese mismo año, Duchamp también asistió a una representación de una adaptación teatral de la novela de Raymond Roussel de 1910, Impressions d'Afrique, que presentaba tramas que giraban sobre sí mismas, juegos de palabras, escenarios surrealistas y máquinas humanoides. Atribuyó al drama el haber cambiado radicalmente su enfoque del arte y haberlo inspirado para comenzar la creación de su obra The Bride Stripped Bare By Her Bachelors, Even , también conocida como The Large Glass . El trabajo en The Large Glass continuó en 1913, con su invención de inventar un repertorio de formas. Tomó notas, bocetos y pintó estudios, e incluso dibujó algunas de sus ideas en la pared de su apartamento.
Hacia finales de 1912, viajó con Picabia, Apollinaire y Gabrielle Buffet-Picabia a través de las montañas del Jura , una aventura que Buffet-Picabia describió como una de sus "incursiones de desmoralización, que también fueron incursiones de ingenio y payasadas... la desintegración del concepto de arte". [26] Las notas de Duchamp del viaje evitan la lógica y el sentido, y tienen una connotación surrealista y mítica.
Duchamp pintó pocos lienzos después de 1912, y en los que lo hizo, intentó eliminar los efectos " pictóricos " y utilizar en su lugar un enfoque de dibujo técnico.
Sus amplios intereses lo llevaron a una exposición de tecnología de aviación durante este período, después de la cual Duchamp le dijo a su amigo Constantin Brâncuși : "La pintura está acabada. ¿Quién hará algo mejor que esa hélice? Dime, ¿puedes hacer eso?". [26] Brâncuși más tarde esculpió formas de pájaros . Los funcionarios de aduanas de Estados Unidos las confundieron con piezas de aviación e intentaron cobrarles derechos de importación.
En 1913, Duchamp se retiró de los círculos de pintura y comenzó a trabajar como bibliotecario en la Biblioteca Sainte-Geneviève para poder ganar un salario digno mientras se concentraba en el ámbito académico y trabajaba en su Gran vidrio . Estudió matemáticas y física, áreas en las que se estaban produciendo nuevos y emocionantes descubrimientos. Los escritos teóricos de Henri Poincaré intrigaron e inspiraron particularmente a Duchamp. Poincaré postuló que las leyes que se creía que gobiernan la materia fueron creadas únicamente por las mentes que las "entendían" y que ninguna teoría podía considerarse "verdadera". "Las cosas en sí mismas no son lo que la ciencia puede alcanzar..., sino solo las relaciones entre las cosas. Fuera de estas relaciones no hay realidad cognoscible", escribió Poincaré en 1902. [27] Reflejando la influencia de los escritos de Poincaré, Duchamp toleró cualquier interpretación de su arte al considerarlo como la creación de la persona que lo formuló, no como la verdad. [28]
Los experimentos de arte y ciencia de Duchamp comenzaron durante su estancia en la biblioteca. Para hacer una de sus piezas favoritas, 3 stoppages étalon ( 3 stoppages étalon ), dejó caer tres hilos de un metro de longitud sobre lienzos preparados, uno a la vez, desde una altura de un metro. Los hilos cayeron en tres posiciones onduladas aleatorias. Los barnizó en su lugar sobre las tiras de lienzo azul-negro y los fijó al vidrio. Luego cortó tres listones de madera con la forma de las cuerdas curvas y colocó todas las piezas en una caja de croquet. Tres pequeños carteles de cuero con el título impreso en oro se pegaron a los fondos de "stoppage". La pieza parece seguir literalmente la Escuela del hilo de Poincaré , parte de un libro sobre mecánica clásica.
En su estudio, montó una rueda de bicicleta boca abajo sobre un taburete, haciéndola girar de vez en cuando sólo para mirarla. Aunque a menudo se supone que la Rueda de bicicleta representa el primero de los "Readymades" de Duchamp , esta instalación en particular nunca se presentó a ninguna exposición de arte y finalmente se perdió. Sin embargo, inicialmente, la rueda simplemente se colocó en el estudio para crear ambiente: "Disfruté mirándola tanto como disfruto mirando las llamas bailando en una chimenea". [29]
Después de que comenzara la Primera Guerra Mundial en agosto de 1914, con sus hermanos y muchos amigos en el servicio militar y él mismo exento (debido a un soplo cardíaco), [30] [31] Duchamp se sintió incómodo en París. Mientras tanto, Desnudo bajando una escalera n.º 2 había escandalizado a los estadounidenses en el Armory Show y ayudó a asegurar la venta de sus cuatro pinturas en la exposición. Así, al poder financiar el viaje, Duchamp decidió emigrar a los Estados Unidos en 1915. Para su sorpresa, descubrió que era una celebridad cuando llegó a Nueva York en 1915, donde rápidamente se hizo amigo de la mecenas del arte Katherine Dreier y del artista Man Ray . El círculo de Duchamp incluía a los mecenas del arte Louise y Walter Conrad Arensberg , la actriz y artista Beatrice Wood y Francis Picabia , así como otras figuras de vanguardia . Aunque hablaba poco inglés, al mantenerse dando lecciones de francés y mediante algún trabajo en la biblioteca, aprendió rápidamente el idioma. Duchamp pasó a formar parte de una colonia de artistas en Ridgefield, Nueva Jersey , al otro lado del río Hudson desde la ciudad de Nueva York. [32]
Durante dos años, los Arensberg, que seguirían siendo sus amigos y mecenas durante 42 años, fueron los propietarios de su estudio. En lugar de pagarle un alquiler, acordaron que su pago sería El gran vidrio . Una galería de arte le ofreció a Duchamp 10.000 dólares al año a cambio de toda su producción anual, pero él rechazó la oferta y prefirió continuar su trabajo en El gran vidrio .
Duchamp creó la Société Anonyme en 1920, junto con Katherine Dreier y Man Ray. Éste fue el comienzo de su participación permanente en el comercio y el coleccionismo de arte. El grupo coleccionó obras de arte moderno y organizó exposiciones y conferencias sobre arte moderno a lo largo de la década de 1930.
En esa época, Walter Pach , uno de los coordinadores del Armory Show de 1913, buscó el consejo de Duchamp sobre arte moderno. A partir de Société Anonyme, Dreier también dependió del consejo de Duchamp para reunir su colección, al igual que Arensberg. Más tarde, Peggy Guggenheim y los directores del Museum of Modern Art, Alfred Barr y James Johnson Sweeney, consultaron a Duchamp sobre sus colecciones y exposiciones de arte moderno.
Dadaísmo o dadaísmo fue un movimiento artístico de la vanguardia europea de principios del siglo XX. Comenzó en Zúrich , Suiza, en 1916 y se extendió a Berlín poco después. [33] Para citar El lenguaje del conocimiento del arte de Dona Budd ,
El dadaísmo nació de la reacción negativa a los horrores de la Primera Guerra Mundial . Este movimiento internacional fue iniciado por un grupo de artistas y poetas asociados con el Cabaret Voltaire en Zúrich. El dadaísmo rechazaba la razón y la lógica, valorando el sinsentido, la irracionalidad y la intuición. El origen del nombre dadaísmo no está claro; algunos creen que es una palabra sin sentido. Otros sostienen que se origina a partir del uso frecuente de las palabras da, da, que significan sí, sí en el idioma rumano por parte de los artistas rumanos Tristan Tzara y Marcel Janco . Otra teoría dice que el nombre "dada" surgió durante una reunión del grupo cuando un cortapapeles clavado en un diccionario francés-alemán señaló "dada", una palabra francesa para "caballo de batalla". [34]
El movimiento se componía principalmente de artes visuales, literatura, poesía, manifiestos artísticos , teoría del arte , teatro y diseño gráfico , y concentraba su política antibélica en el rechazo de los estándares imperantes en el arte mediante obras culturales antiarte . Además de estar en contra de la guerra, el dadaísmo también era antiburgués y tenía afinidades políticas con la izquierda radical.
Las actividades dadaístas incluían reuniones públicas, manifestaciones y la publicación de revistas de arte y literatura; la cobertura apasionada del arte, la política y la cultura eran temas que a menudo se discutían en una variedad de medios. Las figuras clave del movimiento, además de Duchamp, incluían a: Hugo Ball , Emmy Hennings , Hans Arp , Raoul Hausmann , Hannah Höch , Johannes Baader , Tristan Tzara , Francis Picabia , Richard Huelsenbeck , Georg Grosz , John Heartfield , Beatrice Wood , Kurt Schwitters y Hans Richter , entre otros. El movimiento influyó en estilos posteriores, como los movimientos de música de vanguardia y del downtown, y en grupos como el surrealismo , el nouveau réalisme , el pop art y Fluxus .
Dada es la base del arte abstracto y la poesía sonora, un punto de partida para el arte de performance, un preludio al posmodernismo , una influencia en el arte pop, una celebración del antiarte que luego sería adoptado para usos anarcopolíticos en los años 1960 y el movimiento que sentó las bases para el surrealismo. [35]
El dadaísmo neoyorquino tenía un tono menos serio que el dadaísmo europeo y no era una iniciativa particularmente organizada. El amigo de Duchamp, Francis Picabia, se conectó con el grupo dadaísta de Zúrich y trajo a Nueva York las ideas dadaístas de absurdo y "antiarte". Duchamp y Picabia se conocieron por primera vez en septiembre de 1911 en el Salón de Otoño de París, donde ambos exponían. Duchamp mostró una versión más grande de su Hombre joven y niña en la primavera de 1911, una obra que tenía un tema edénico y una sexualidad apenas velada que también se encuentra en Adán y Eva (1911), obra contemporánea de Picabia. Según Duchamp, "nuestra amistad comenzó allí mismo". [36] Un grupo se reunía casi todas las noches en la casa de Arensberg o se divertía en Greenwich Village . Junto con Man Ray, Duchamp aportó sus ideas y humor a las actividades de Nueva York, muchas de las cuales se desarrollaron simultáneamente con el desarrollo de sus Readymades y El gran vidrio .
El ejemplo más destacado de la asociación de Duchamp con el dadaísmo fue su presentación de La fuente , un urinario, a la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes en 1917. Las obras de arte en las exposiciones de los Artistas Independientes no fueron seleccionadas por el jurado, y todas las piezas presentadas fueron exhibidas. Sin embargo, el comité de la exposición insistió en que La fuente no era arte, y la rechazó de la exposición. Esto provocó un alboroto entre los dadaístas y llevó a Duchamp a renunciar a la junta de los Artistas Independientes. [37] : 181–186
Junto con Henri-Pierre Roché y Béatrice Wood, Duchamp publicó varias revistas dadaístas en Nueva York, entre ellas The Blind Man y Rongwrong , que incluían arte, literatura, humor y comentarios.
Cuando regresó a París después de la Primera Guerra Mundial, Duchamp no participó en el grupo Dada.
Los readymades eran objetos encontrados que Duchamp escogía y presentaba como arte. En 1913, Duchamp instaló una rueda de bicicleta en su estudio. La rueda de bicicleta fue una idea de Elsa von Freytag-Loringhoven. Sin embargo, la idea de los readymades no se desarrolló plenamente hasta 1915. La idea era cuestionar la noción misma de arte y la adoración del arte, que Duchamp consideraba "innecesaria". [38]
Mi idea era elegir un objeto que no me atrajera, ni por su belleza ni por su fealdad, encontrar un punto de indiferencia en mi mirada, ¿entiendes? [38]
El primer ready-made "puro" fue considerado como Bottle Rack (1914), un escurridor de botellas firmado por Duchamp.Poco después, aparecióuna pala para nieve, también llamada Preludio a un brazo roto , en Advance of the Broken Arm (1915). Su Fountain ( Fuente ), un urinario firmado con el seudónimo "R. Mutt", conmocionó al mundo del arte en 1917. [31] Fountain fue seleccionada en 2004 como "la obra de arte más influyente del siglo XX" por 500 artistas e historiadores de renombre. [8]
En 1919, Duchamp hizo una parodia de la Mona Lisa adornando una reproducción barata de la pintura con un bigote y una perilla. A esto agregó la inscripción LHOOQ , un juego fonético que, cuando se lee en voz alta en francés, suena rápidamente como "Elle a chaud au cul" . Esto se puede traducir como "Ella tiene un culo caliente", lo que implica que la mujer en la pintura está en un estado de excitación sexual y disponibilidad. También puede haber sido concebido como una broma freudiana, en referencia a la supuesta homosexualidad de Leonardo da Vinci . Duchamp dio una traducción "libre" de LHOOQ como "hay fuego abajo" en una entrevista tardía con Arturo Schwarz . Según Rhonda Roland Shearer , la aparente reproducción de la Mona Lisa es de hecho una copia modelada en parte sobre el propio rostro de Duchamp. [40] La investigación publicada por Shearer también especula que el propio Duchamp puede haber creado algunos de los objetos que afirmó ser "objetos encontrados".
En 2017-2018, el experto francés Johann Naldi encontró e identificó diecisiete obras inéditas en una colección privada, clasificada como tesoro nacional el 7 de mayo de 2021 por el Ministerio de Cultura francés, entre ellas Des souteneurs encore dans la force de l'âge et le ventre dans l'herbe de Alphonse Allais , consistente en una cortina de carruaje verde suspendida de un cilindro de madera. [41] Esta obra fue seguramente expuesta en las exposiciones Incoherents en París entre 1883 y 1893. Según Johann Naldi, esta obra es el ready-made más antiguo conocido y fue fuente de inspiración para Marcel Duchamp. [42]
Duchamp trabajó en su compleja pieza de inspiración futurista La novia desnudada por sus solteros, incluso (El gran vidrio) de 1915 a 1923, a excepción de los períodos en Buenos Aires y París entre 1918 y 1920. Ejecutó la obra sobre dos paneles de vidrio con materiales como láminas de plomo, alambre fusible y polvo. Combina procedimientos aleatorios, estudios de perspectiva trazada y una laboriosa artesanía. Publicó notas para la pieza, La caja verde , destinadas a complementar la experiencia visual. Reflejan la creación de reglas únicas de la física y una mitología que describe la obra. Afirmó que su "divertidísima imagen" pretende representar el encuentro erótico entre una novia y sus nueve solteros.
La pieza se inspiró en una representación de la adaptación teatral de la novela de Raymond Roussel , Impressions d'Afrique , a la que Duchamp asistió en 1912. En 1913, ya había dibujado notas, bocetos y planos de la obra en las paredes de su estudio. Para concentrarse en la obra sin obligaciones materiales, Duchamp encontró trabajo como bibliotecario mientras vivía en Francia. Después de emigrar a los Estados Unidos en 1915, comenzó a trabajar en la pieza, financiado con el apoyo de los Arensberg.
La pieza está construida en parte como una retrospectiva de las obras de Duchamp, incluida una reproducción tridimensional de sus pinturas anteriores Novia (1912), Molinillo de chocolate (1914) y Planeador con un molino de agua en metales vecinos (1913-1915), que ha dado lugar a numerosas interpretaciones. La obra fue declarada formalmente "Inacabada" en 1923. Al regresar de su primera exhibición pública en una caja de envío, el vidrio sufrió una gran grieta. Duchamp la reparó, pero dejó intactas las grietas más pequeñas en el vidrio, aceptando el elemento aleatorio como parte de la pieza.
Joseph Nechvatal ha arrojado una luz considerable sobre El gran vidrio al señalar las implicaciones autoeróticas tanto de la soltería como de la máquina repetitiva y frenética; luego discierne una constelación más grande de temas al insinuar que el autoerotismo -y con la máquina como compañera y practicante omnipresente- se abre a una pansexualidad subversiva como se expresa en otras partes de la obra y la carrera de Duchamp, en la que un placer que induce al trance se convierte en el principio operativo en oposición a los dictados del acoplamiento tradicional hombre-mujer; y también documenta la existencia de este grupo de temas a lo largo del modernismo, comenzando con el controvertido Monumento a Balzac de Rodin , y culminando en una visión duchampiana de un tecno-universo en el que todos y cada uno pueden sentirse bienvenidos. [43]
Hasta 1969, cuando el Museo de Arte de Filadelfia reveló el cuadro Étant donnés de Duchamp , se pensó que El gran vidrio había sido su última obra importante.
El interés de Duchamp por las obras de arte cinético se puede percibir ya en las notas de su readymade El gran vidrio y la rueda de bicicleta , y a pesar de perder interés en el "arte retiniano", mantuvo su interés en los fenómenos visuales. En 1920, con la ayuda de Man Ray, Duchamp construyó una escultura motorizada, Rotative plaques verre, optique de précision ("Placas de vidrio rotatorias, óptica de precisión"). La pieza, que él no consideraba arte, involucraba un motor para hacer girar piezas de vidrio rectangulares sobre las cuales estaban pintados segmentos de un círculo. Cuando el aparato gira, se produce una ilusión óptica, donde los segmentos parecen ser círculos concéntricos cerrados . Man Ray instaló un equipo para fotografiar el experimento inicial, pero cuando hicieron girar la máquina por segunda vez, una correa de transmisión se rompió y atrapó un trozo de vidrio, que después de rozar la cabeza de Man Ray, se hizo añicos. [37] : 227–228
Tras regresar a París en 1923, a instancias de André Breton y con la financiación de Jacques Doucet , Duchamp construyó otro dispositivo óptico basado en el primero, Rotative Demisphère, optique de précision (Demisfera rotatoria, óptica de precisión). Esta vez, el elemento óptico era un globo cortado por la mitad, con círculos concéntricos negros pintados sobre él. Cuando gira, los círculos parecen moverse hacia atrás y hacia adelante en el espacio. Duchamp pidió a Doucet que no exhibiera el aparato como arte. [37] : 254–255
Los rotorelieves fueron la siguiente fase de las obras giratorias de Duchamp. Para hacer los "juguetes" ópticos, pintó diseños en círculos de cartón planos y los hizo girar en un plato giratorio fonográfico. Al girar, los discos planos parecían tridimensionales. Hizo que una impresora produjera 500 juegos de seis de los diseños y montó un stand en una muestra de inventores de París en 1935 para venderlos. La empresa fue un desastre financiero, pero algunos científicos ópticos pensaron que podrían ser útiles para restaurar la vista estereoscópica tridimensional a las personas que habían perdido la visión en un ojo. [37] : 301–303 En colaboración con Man Ray y Marc Allégret , Duchamp filmó versiones tempranas de los rotorelieves , y llamaron a la película Anémic Cinéma (1926). Más tarde, en el estudio de Alexander Calder en 1931, mientras miraba las obras cinéticas del escultor, Duchamp sugirió que estas deberían llamarse móviles . Calder aceptó utilizar este novedoso término en su próxima exposición. Hasta el día de hoy, las esculturas de este tipo se denominan "móviles". [37] : 294
Entre 1912 y 1915, Duchamp trabajó con varias ideas musicales. Al menos tres piezas han sobrevivido: dos composiciones y una nota para un acontecimiento musical. Las dos composiciones se basan en operaciones aleatorias . Erratum Musical , escrita para tres voces, se publicó en 1934. La Mariée mise à nu par ses célibataires même. Erratum Musical está inacabada y nunca se publicó ni se exhibió durante la vida de Duchamp. Según el manuscrito, la pieza estaba destinada a un instrumento mecánico "en el que se suprime el intermediario virtuoso". El manuscrito también contiene una descripción de "Un aparato que graba automáticamente períodos musicales fragmentados", que consiste en un embudo , varios carros abiertos y un conjunto de bolas numeradas. [44] Estas piezas son anteriores a Music of Changes (1951) de John Cage , que a menudo se considera la primera pieza moderna concebida en gran medida a través de procedimientos aleatorios. [45]
En 1968, Duchamp y John Cage aparecieron juntos en un concierto titulado "Reunion", jugando una partida de ajedrez y componiendo música aleatoria activando una serie de células fotoeléctricas debajo del tablero de ajedrez . [46]
"Rrose Sélavy", también escrito Rose Sélavy, fue uno de los seudónimos de Duchamp. El nombre, un juego de palabras , suena como la frase francesa Eros , c'est la vie , que puede traducirse como "Eros, así es la vida". También se ha leído como arroser la vie ("brindar por la vida"). Sélavy surgió en 1921 en una serie de fotografías de Man Ray que mostraban a Duchamp vestido de mujer. A lo largo de la década de 1920, Man Ray y Duchamp colaboraron en más fotos de Sélavy. Más tarde, Duchamp utilizó el nombre como firma en material escrito y firmó varias creaciones con él.
Duchamp utilizó el nombre en el título de al menos una escultura, ¿Por qué no estornudar Rose Sélavy? (1921). La escultura, un tipo de readymade llamado assemblage , consiste en un termómetro oral , un par de docenas de pequeños cubos de mármol que se asemejan a terrones de azúcar y un hueso de sepia dentro de una jaula de pájaros . Sélavy también aparece en la etiqueta de Belle Haleine, Eau de Voilette (1921), un readymade que es un frasco de perfume en la caja original. Duchamp también firmó su película Anémic Cinéma (1926) con el nombre de Sélavy.
Se cree que la inspiración para el nombre Rrose Sélavy fue Belle da Costa Greene , bibliotecaria de JP Morgan en The Morgan Library & Museum (anteriormente The Pierpont Morgan Library), quien, después de su muerte, se convirtió en la directora de la biblioteca, trabajando allí durante un total de cuarenta y tres años. Con el respaldo de JP Morgan, y luego de su hijo Jack, Greene construyó la colección comprando y vendiendo manuscritos raros , libros y arte. [47]
Rrose Sélavy y los otros seudónimos que Duchamp utilizó pueden leerse como un comentario sobre la falacia de romantizar la individualidad consciente o la subjetividad del artista, un tema que también es un subtexto destacado de los readymades . Duchamp dijo en una entrevista: "Crees que estás haciendo algo completamente tuyo, y un año después lo miras y ves realmente las raíces de donde proviene tu arte sin que lo sepas en absoluto". [48] El Museo de Arte Pérez de Miami , en Florida, conserva la pieza Boîte-en-valise (De ou par Marcel Duchamp ou Rrose Sélavy), o en español, Box in a Valise (From or by Marcel Duchamp or Rrose Sélavy) creada entre 1941 y 1961, en la colección del museo. [49]
A partir de 1922, el nombre Rrose Sélavy también comenzó a aparecer en una serie de aforismos , juegos de palabras y cucharearismos del poeta surrealista francés Robert Desnos . Desnos intentó retratar a Rrose Sélavy como una aristócrata perdida hace mucho tiempo y legítima reina de Francia. El aforismo 13 rindió homenaje a Marcel Duchamp: Rrose Sélavy connaît bien le marchand du sel ‒ en español: "Rrose Sélavy conoce bien al mercader de sal"; en francés las palabras finales suenan como Mar-champ Du-cel. Tenga en cuenta que el aforismo "vendedor de sal" - "mar-chand-du-sel" - es un anagrama fonético del nombre del artista: "mar-cel-du-champ". (Las notas compiladas de Duchamp se titulan "El vendedor de sal".) En 1939 se publicó una colección de estos aforismos bajo el nombre de Rrose Sélavy, titulada Poils et coups de pieds en tous genres .
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En 1918, Duchamp se despidió de la escena artística de Nueva York, interrumpiendo su trabajo en el Gran Vidrio , y se fue a Buenos Aires , donde permaneció durante nueve meses y jugó a menudo al ajedrez . Talló su propio juego de ajedrez en madera con la ayuda de un artesano local que hizo los caballos . Se mudó a París en 1919 y luego regresó a los Estados Unidos en 1920. A su regreso a París en 1923, Duchamp, en esencia, ya no era un artista en ejercicio. En cambio, su principal interés era el ajedrez, que estudió durante el resto de su vida con exclusión de la mayoría de las otras actividades.
Duchamp aparece, brevemente, jugando al ajedrez con Man Ray en el cortometraje Entr'acte (1924) de René Clair . Diseñó el cartel de 1925 para el Tercer Campeonato de Francia de Ajedrez, y como competidor en el evento, terminó con el cincuenta por ciento (3-3, con dos tablas), ganándose el título de maestro de ajedrez . Durante este período su fascinación por el ajedrez angustió tanto a su primera esposa que ella pegó sus piezas al tablero de ajedrez . Duchamp continuó jugando en los Campeonatos de Francia y en las Olimpíadas de Ajedrez de 1928 a 1933, favoreciendo aperturas hipermodernas como la Nimzoindia .
En algún momento de la década de 1930, Duchamp alcanzó la cima de su habilidad, pero se dio cuenta de que tenía pocas posibilidades de ganar reconocimiento en el ajedrez de alto nivel. En los años siguientes, su participación en torneos de ajedrez disminuyó, pero descubrió el ajedrez por correspondencia y se convirtió en periodista de ajedrez, escribiendo columnas semanales en los periódicos. Mientras sus contemporáneos lograban un éxito espectacular en el mundo del arte vendiendo sus obras a coleccionistas de la alta sociedad, Duchamp observó: "Sigo siendo una víctima del ajedrez. Tiene toda la belleza del arte y mucho más. No se puede comercializar ... El ajedrez es mucho más puro que el arte en su posición social". [50] En otra ocasión, Duchamp explicó: "Las piezas de ajedrez son el alfabeto en bloques que da forma a los pensamientos; y estos pensamientos, aunque forman un diseño visual en el tablero de ajedrez, expresan su belleza de manera abstracta, como un poema... He llegado a la conclusión personal de que, si bien no todos los artistas son jugadores de ajedrez, todos los jugadores de ajedrez son artistas". [51]
En 1932, Duchamp se asoció con el teórico del ajedrez Vitaly Halberstadt para publicar L'opposition et cases conjuguées sont réconciliées ( La oposición y las casillas hermanas se reconcilian), conocidas como casillas correspondientes . Este tratado describe la posición Lasker-Reichhelm , un tipo de posición extremadamente rara que puede surgir en el final . Utilizando gráficos similares al eneagrama que se pliegan sobre sí mismos, los autores demostraron que en esta posición, lo máximo que pueden esperar las negras es un empate .
El tema del «final del juego» es importante para comprender la compleja actitud de Duchamp hacia su carrera artística. El dramaturgo irlandés Samuel Beckett fue socio de Duchamp y utilizó el tema como recurso narrativo para la obra de teatro homónima de 1957, Final del juego . En 1968, Duchamp jugó una partida de ajedrez de importancia artística con el compositor de vanguardia John Cage, en un concierto titulado «Reunión». La música era producida por una serie de células fotoeléctricas debajo del tablero de ajedrez, que se activaban esporádicamente durante el juego normal. [46]
Sobre su elección de una carrera en el ajedrez, Duchamp dijo: "Si Bobby Fischer viniera a pedirme consejo, ciertamente no lo desalentaría, como si alguien pudiera hacerlo, pero trataría de dejarle en claro que nunca ganaría dinero con el ajedrez, viviría una existencia monástica y conocería más rechazos que cualquier artista, luchando por ser conocido y aceptado". [53]
Duchamp dejó un legado al ajedrez en forma de un enigmático problema de final de partida que compuso en 1943. El problema se incluyó en el anuncio de la exposición de la galería de Julian Levi Through the Big End of the Opera Glass , impreso en papel translúcido con la tenue inscripción: "Las blancas juegan y ganan". Desde entonces, los grandes maestros y los especialistas en finales han lidiado con el problema, y la mayoría ha llegado a la conclusión de que no tiene solución. [54]
Aunque Duchamp ya no era considerado un artista activo, continuó consultando con artistas, comerciantes de arte y coleccionistas. A partir de 1925 viajó a menudo entre Francia y Estados Unidos, y en 1942 se instaló en Greenwich Village, Nueva York. También trabajó ocasionalmente en proyectos artísticos como el cortometraje Anémic Cinéma (1926), Box in a Valise (1935-1941), Self Portrait in Profile (1958) y la obra más grande Étant Donnés (1946-1966). En 1943, participó con Maya Deren en su película inacabada The Witch's Cradle , filmada en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim .
Desde mediados de la década de 1930 colaboró con los surrealistas , pero no se unió al movimiento a pesar de las presiones de André Breton . Desde entonces y hasta 1944, junto con Max Ernst , Eugenio Granell y Breton, Duchamp editó la revista surrealista VVV y trabajó como editor asesor de la revista View , que lo presentó en su edición de marzo de 1945, presentándolo así a un público estadounidense más amplio.
La influencia de Duchamp en el mundo del arte se mantuvo tras bambalinas hasta finales de la década de 1950, cuando fue "descubierto" por jóvenes artistas como Robert Rauschenberg y Jasper Johns , que estaban ansiosos por escapar del dominio del expresionismo abstracto . Fue cofundador del grupo literario internacional Oulipo en 1960. El interés por Duchamp se reavivó en la década de 1960 y ganó reconocimiento público internacional. En 1963, el Museo de Arte de Pasadena montó su primera exposición retrospectiva, y allí apareció en una fotografía icónica jugando al ajedrez frente a la modelo desnuda Eve Babitz , fotografiada por Julian Wasser . [55] [56] La fotografía fue descrita más tarde por los Archivos Smithsonian de Arte Estadounidense como "una de las imágenes documentales clave del arte moderno estadounidense". [57]
En 1966, la Tate Gallery albergó una gran exposición de su obra. Otras instituciones importantes, como el Museo de Arte de Filadelfia y el Museo Metropolitano de Arte , siguieron con grandes muestras de la obra de Duchamp. Fue invitado a dar conferencias sobre arte y a participar en debates formales, así como a dar entrevistas a importantes publicaciones. Como último miembro superviviente de la familia de artistas Duchamp, en 1967 Duchamp ayudó a organizar una exposición en Rouen, Francia, llamada Les Duchamp: Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon, Marcel Duchamp, Suzanne Duchamp . Partes de esta exposición familiar se volvieron a mostrar más tarde en el Musée National d'Art Moderne de París.
Duchamp participó en el diseño de la Exposición Internacional del Surrealismo de 1938 , celebrada en la Galería de Bellas Artes de París. La muestra fue organizada por André Breton y Paul Éluard y contó con «doscientas veintinueve obras de arte de sesenta expositores de catorce países... en esta exposición multimedia». [58] Los surrealistas querían crear una exposición que en sí misma fuera un acto creativo, por lo que trabajaron en colaboración en su puesta en escena. Marcel Duchamp fue nombrado «Generateur-arbitre», Salvador Dalí y Max Ernst figuraron como directores técnicos, Man Ray fue el técnico jefe de iluminación y Wolfgang Paalen fue responsable del «agua y el follaje». [59]
Plus belles rues de Paris (Las calles más bellas de París) llenaron un lado del vestíbulo con maniquíes vestidos por varios surrealistas. [58] El salón principal, o Salle de Superstition (Sala de la Superstición), era "una obra de arte total con forma de cueva ", que incluía notablemente la instalación de Duchamp , Twelve Hundred Coal Bags Suspended from the Ceiling over a Stove (Docecientas bolsas de carbón suspendidas del techo sobre una estufa) , que consistía literalmente en 1200 bolsas de carbón rellenas suspendidas del techo. [60] [61] Paalen cubrió el suelo con hojas muertas y barro del cementerio de Montparnasse . En medio del gran salón, debajo de los sacos de carbón de Duchamp, Paalen instaló un estanque artificial lleno de agua con nenúfares y juncos reales, al que llamó Avant La Mare . Una única bombilla proporcionaba la única iluminación, [62] por lo que a los clientes se les daban linternas con las que ver el arte (una idea de Man Ray), mientras el aroma del café tostado llenaba el aire. Alrededor de la medianoche, los visitantes presenciaron el destello danzante de una muchacha escasamente vestida que de repente se levantó de entre los juncos, saltó sobre una cama, gritó histéricamente y luego desapareció con la misma rapidez. Para gran satisfacción de los surrealistas, la exposición escandalizó a muchos de los visitantes.
En 1942, para la muestra First Papers of Surrealism en Nueva York, los surrealistas llamaron a Duchamp para diseñar la exposición. Él creó una instalación, His Twine , comúnmente conocida como la "milla de cuerda", era una red tridimensional de cuerdas a lo largo de las salas del espacio, en algunos casos haciendo casi imposible ver las obras. [61] [63] Duchamp hizo un arreglo secreto con el hijo de un socio para llevar a jóvenes amigos a la inauguración de la muestra. Cuando los clientes vestidos formalmente llegaron, encontraron una docena de niños con ropa deportiva pateando y pasándose pelotas, y saltando la cuerda. Cuando se les preguntó, se les dijo a los niños que dijeran "El señor Duchamp nos dijo que podíamos jugar aquí". El diseño de Duchamp del catálogo para la muestra incluía fotografías "encontradas", en lugar de posadas, de los artistas.
Breton organizó con Duchamp la exposición "Le surréalisme en 1947" en la Galerie Maeght de París después de la guerra y nombró al escenógrafo Frederick Kiesler como arquitecto. [60]
La última gran obra de arte de Duchamp sorprendió al mundo del arte, que creía que había abandonado el arte por el ajedrez 25 años antes. Titulada Étant donnés : 1° la chute d'eau / 2° le gaz d'éclairage ("Dado: 1. La cascada, 2. El gas de iluminación"), es un cuadro, visible solo a través de una mirilla en una puerta de madera. [64] Se puede ver a una mujer desnuda acostada de espaldas con el rostro oculto, las piernas abiertas y una mano sosteniendo una lámpara de gas en el aire contra un fondo de paisaje. [65] Duchamp había trabajado en secreto en la pieza desde 1946 hasta 1966 en su estudio de Greenwich Village mientras que incluso sus amigos más cercanos pensaban que había abandonado el arte. El torso de la figura desnuda está basado en la amante de Duchamp, la escultora brasileña Maria Martins , con quien tuvo un romance entre 1946 y 1951. [66]
Durante toda su vida adulta, Duchamp fue un apasionado fumador de puros Habana. [67]
Duchamp se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos en 1955. [68]
En junio de 1927, Duchamp se casó con Lydie Sarazin-Levassor; sin embargo, se divorciaron seis meses después. Se rumoreaba que Duchamp había elegido un matrimonio de conveniencia , porque Sarazin-Levassor era hija de un rico fabricante de automóviles. A principios de enero de 1928, Duchamp dijo que ya no podía soportar la responsabilidad y el confinamiento del matrimonio, y pronto se divorciaron. [69]
Entre 1946 y 1951 María Martins fue su amante. [70]
En 1954, él y Alexina "Teeny" Sattler se casaron y permanecieron juntos hasta su muerte.
Duchamp era ateo. [71]
Duchamp murió de repente y en paz la madrugada del 2 de octubre de 1968 en su casa de Neuilly-sur-Seine , Francia. Después de una cena en su casa con sus amigos Man Ray y Robert Lebel, Duchamp se retiró a la 1:05 am, se desplomó en su estudio y murió de insuficiencia cardíaca. [72]
Está enterrado en el cementerio de Rouen, en Rouen, Francia, con el epitafio , "D'ailleurs, c'est toujours les autres qui meurent" ("Además, siempre son los otros los que mueren").
Muchos críticos consideran a Duchamp como uno de los artistas más importantes del siglo XX, [73] [74] [75] [76] [77] y su producción influyó en el desarrollo del arte occidental posterior a la Primera Guerra Mundial . Asesoró a coleccionistas de arte moderno, como Peggy Guggenheim y otras figuras prominentes, ayudando así a dar forma a los gustos del arte occidental durante este período. [37] Desafió el pensamiento convencional sobre los procesos artísticos y rechazó el mercado del arte emergente, a través del antiarte subversivo. [78] Famosamente bautizó un arte urinario y lo llamó Fuente . Duchamp produjo relativamente pocas obras de arte y se mantuvo mayormente alejado de los círculos de vanguardia de su tiempo. Continuó fingiendo abandonar el arte y dedicar el resto de su vida al ajedrez, mientras continuaba haciendo arte en secreto. [79] En 1958, Duchamp dijo sobre la creatividad:
El acto creativo no lo realiza solo el artista; el espectador pone la obra en contacto con el mundo exterior descifrando e interpretando sus cualidades internas y añade así su contribución al acto creativo. [80]
En sus últimos años de vida, Duchamp expresó explícitamente su negatividad hacia el arte. En una entrevista concedida a la BBC por Joan Bakewell en 1968, Duchamp comparó el arte con la religión y dijo que deseaba acabar con el arte de la misma forma en que muchos han acabado con la religión. Duchamp continúa explicando al entrevistador que "la palabra arte etimológicamente significa hacer", que arte significa actividad de cualquier tipo y que es nuestra sociedad la que crea distinciones "puramente artificiales" de lo que es ser artista. [81] [82]
Una cita erróneamente atribuida a Duchamp sugiere una actitud negativa hacia las tendencias posteriores en el arte del siglo XX:
Este neo-dadaísmo, al que llaman Nuevo Realismo, Pop Art, Assemblage, etc., es una salida fácil y vive de lo que hizo el dadaísmo. Cuando descubrí los ready-mades, intenté desalentar la estética. En el neo-dadaísmo, han tomado mis ready-mades y han encontrado belleza estética en ellos; les tiré a la cara el botellero y el urinario como un desafío y ahora los admiran por su belleza estética.
Sin embargo, esto fue escrito en 1961 por su compañero dadaísta Hans Richter , en segunda persona, es decir, "Tiraste el botellero...". Aunque una nota marginal en la carta sugiere que Duchamp en general aprobó la declaración, Richter no dejó clara la distinción hasta muchos años después. [83]
Sin embargo, la actitud de Duchamp era más favorable, como lo demuestra otra declaración hecha en 1964:
El Pop Art es un retorno a la pintura «conceptual», prácticamente abandonada, salvo por los surrealistas, desde [Gustave] Courbet, en favor de la pintura retiniana... Si tomas una lata de sopa Campbell y la repites 50 veces, no te interesa la imagen retiniana. Lo que te interesa es el concepto que quiere poner 50 latas de sopa Campbell en un lienzo. [84]
El Premio Marcel Duchamp , creado en 2000, es un galardón anual que otorga el Centro Georges Pompidou a un artista joven . En 2004, como testimonio del legado de la obra de Duchamp al mundo del arte, un panel de destacados artistas e historiadores del arte votó a Fountain como "la obra de arte más influyente del siglo XX". [8] [85]
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El 17 de noviembre de 1999, una versión de La fuente (propiedad de Arturo Schwarz ) se vendió en Sotheby's , Nueva York, por $1,762,500 a Dimitris Daskalopoulos, quien declaró que La fuente representaba el origen del arte contemporáneo . [86] El precio estableció un récord mundial, en ese momento, para una obra de Marcel Duchamp en una subasta pública. [87] [88] Desde entonces, el récord ha sido superado por una obra vendida en Christie's París, titulada Belle Haleine, Eau de Voilette (1921). El ready-made de un frasco de perfume en su caja se vendió por un récord de $11.5 millones (€8.9 millones). [89]
: “¿Cree usted en Dios?” Duchamp: “No, en absoluto”.
Considerado por muchos en el mundo del arte como el artista más influyente del siglo.
BBC 1966 entrevista Duchamp Joan Bakewell.
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