Joseph Stella (nacido Giuseppe Michele Stella , 13 de junio de 1877 – 5 de noviembre de 1946) fue un pintor futurista estadounidense nacido en Italia, mejor conocido por sus representaciones de la América industrial , especialmente sus imágenes del Puente de Brooklyn . También está asociado con el movimiento precisionista estadounidense de las décadas de 1910 y 1940.
Stella nació en una familia de clase media en Italia, en Muro Lucano , un pueblo de la provincia de Potenza . Su abuelo Antonio y su padre Michele eran abogados, [1] pero llegó a la ciudad de Nueva York en 1896 para estudiar medicina, siguiendo los pasos de su hermano mayor, el doctor Antonio Stella. [2] En ese momento, Giuseppe cambió su nombre a José. [3] Sin embargo, rápidamente abandonó sus estudios de medicina y se dedicó al arte, estudiando en la Art Students League y la Escuela de Arte de Nueva York con William Merritt Chase .
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Las primeras pinturas de Stella fueron representaciones rembrandtescas de la vida en los barrios marginales de la ciudad. Destacado dibujante, realizó dibujos a lo largo de las distintas fases de su carrera, comenzando como un realista académico con un interés particular en la vida étnica y de inmigrantes. De 1905 a 1909 trabajó como ilustrador, publicando sus dibujos realistas en revistas. "Paseaba por las calles, bloc de dibujo y lápiz en mano, alerta para captar la pose del momento, el detalle del traje o la actitud que contaba la historia de una vida". [4] En 1908, se le encargó una serie sobre el Pittsburgh industrial , publicada más tarde en The Pittsburgh Survey .
Stella regresó a Italia en 1909. No estaba contento en los Estados Unidos y escribió que deseaba regresar a su tierra natal después de "una estancia forzada entre enemigos, en una tierra negra y fúnebre sobre la que pesaba... la maldición de un despiadado clima." [5] Su regreso a Europa lo llevó a su primer contacto extenso con el Modernismo , que finalmente moldearía su estilo personal distintivo, notable por su color fuerte y sus líneas amplias y dinámicas. En 1911, había abandonado Italia, donde la omnipresencia del Renacimiento presentaba su propio tipo de obstáculo para los pintores contemporáneos, y se trasladó a París. Cuando llegó, " el fauvismo , el cubismo y el futurismo estaban en pleno apogeo", escribió, y "[había] en el aire el glamour de una batalla". [6] Era el lugar adecuado, en el momento justo, para un hombre con la curiosidad, la apertura a las nuevas tendencias y la ambición de Stella.
En París , Stella asistió al salón de Gertrude Stein , donde conoció a muchos otros pintores. "[Stein] encontró que la pintora grande y bulliciosa se parecía bastante a [su amigo, el poeta] Apollinaire; ambos tenían una reserva de ingenio sarcástico que con frecuencia se volvía contra sus anfitriones". La visión que Stella tenía de su anfitriona era realmente sarcástica: ella estaba sentada, escribió, "entronizada en un sofá en medio de la habitación", rodeada de sus Cézannes y Picassos , "con la contundente solemnidad de una pitonisa o una sibila... en una pose alta y distante." [7]
Habiendo conocido a Umberto Boccioni y hecho amigo de Gino Severini en Europa, se asoció con los futuristas italianos y comenzó a incorporar principios futuristas en su arte, aunque también estaba interesado en los experimentos estructurales de los cubistas y el color dinámico de los fauves. [8]
Al regresar a la ciudad de Nueva York en 1913, Stella quiso darle una segunda oportunidad a los Estados Unidos. Fue una decisión de la que no se arrepintió, aunque, como señaló la historiadora de arte Wanda Corn, "su choque cultural nunca disminuyó". [9] Se convirtió en parte de los círculos de Alfred Stieglitz y Walter Arensberg en Manhattan y disfrutó de estrechas relaciones con sus compañeros expatriados Albert Gleizes y el líder del movimiento dadaísta de Nueva York Marcel Duchamp (Stella y Arensberg acompañaron a Duchamp a la tienda de suministros de plomería en 1917). para comprar el infame urinario [10] ). Como resultado de estas asociaciones, tuvo casi tantas oportunidades como las que había conocido en Europa de estar entre espíritus afines y de ver arte nuevo y avanzado. En 1913-14, pintó La batalla de las luces, Coney Island, una de las primeras y más grandes obras futuristas estadounidenses. El legendario Armory Show de 1913, en el que participó, le proporcionó un mayor impulso para experimentar con estilos modernistas. Der Rosenkavalier (1914) y Spring (The Procession – A Chromatic Sensation) (1914-16) son abstracciones de color vigorosas.
Después del Armory Show, Stella también se convirtió en una figura muy comentada en el mundo del arte de la ciudad de Nueva York, objeto de ataques virulentos por parte de críticos conservadores que encontraban el modernismo amenazador e inexplicable y un objeto de fascinación para los artistas más jóvenes y aventureros. En opinión del historiador de arte Sam Hunter , "entre las pinturas modernas expuestas en el Armory Show, Desnudo descendiendo una escalera de Duchamp , La Procesión en Sevilla de Picabia y la Batalla de luces futurista de Stella , Coney Island llegó a ejercer la influencia más fundamental". sobre los pintores americanos." [11] Un amigo señaló que la pintura "causó una sensación general, una agitación artística tan repentina e inesperada como universal [en los círculos de vanguardia]". [12] La coleccionista y educadora de arte Katherine Dreier incluyó a Stella entre los artistas cuyo trabajo buscaba promover bajo los auspicios de su Société Anonyme , el primer museo de Nueva York dedicado exclusivamente al arte contemporáneo avanzado, que abrió sus puertas en 1920.
En la ciudad de Nueva York durante la década de 1920, Stella quedó fascinada con la calidad geométrica de la arquitectura del Bajo Manhattan . En estas obras asimiló además elementos del cubismo y el futurismo. En El puente de Brooklyn (1919-20), muestra su fascinación por las amplias líneas del puente de los Roeblings, un motivo que utilizó varios años antes de que el poeta Hart Crane considerara esta estructura como símbolo de la modernidad. Las representaciones del puente que hace Stella presentan cables diagonales que se deslizan hacia abajo con fuerza, proporcionando energía direccional. Si bien estas representaciones dinámicas sugieren la emoción y el movimiento de la vida moderna, en manos de Stella, la imagen del puente también se convierte en un poderoso ícono de estabilidad y solidaridad. Entre sus otras pinturas conocidas se encuentra Nueva York interpretada (La voz de la ciudad) (1922), una obra de cinco paneles (de casi siete metros de largo y más de dos metros y medio de alto) inspirada en un retablo religioso , pero que representa puentes y rascacielos en lugar de santos. Esta obra refleja la creencia, común en la época, de que la industria estaba desplazando a la religión como centro de la vida moderna. La pintura está en la colección del Museo de Newark en Newark, Nueva Jersey . "En una época en la que prácticamente todos los modernistas intentaban representar la ciudad", escribió Wanda Corn, "la pintura de Stella es la summa". [13]
En la década de 1930, Stella trabajó en el Federal Art Project y luego viajó a Europa, el norte de África y las Indias Occidentales , lugares que lo inspiraron a trabajar en diversos modos. Pasó incansablemente de un estilo a otro, del realismo a la abstracción y al surrealismo . Ejecutó temas urbanos abstractos, imágenes religiosas, estudios botánicos y de la naturaleza, paisajes caribeños eróticos y humeantes y bodegones coloridos de verduras, frutas y flores.
Sin embargo, las obras de Stella de su período posterior al Armory Show fueron problemáticas para el cultivo de una carrera sostenida. Una vez que dejó de pintar en un modo futurista o cuasi cubista y terminó su período de imágenes de fábrica precisionistas (alrededor de 1920), no se alineó con ningún movimiento en particular. Sus inquietudes, así como su acercamiento a la pintura, se volvieron menos actuales, más personales y idiosincrásicos. Tree of My Life (1919), como muchas obras posteriores de Stella, es "barroco y operístico", [14] una escena de jardín de El Bosco, y sus estudios de figuras (normalmente femeninas, a menudo parecidas a las de Madonna) están adornados de forma decorativa y extravagante. Sus numerosas obras florales rozan lo surrealista pero, por su exuberancia y exceso, no podrían caracterizarse con precisión como parte del movimiento surrealista. El crítico Lewis Mumford lo llamó "pintor desconcertante" en ese momento y comentó: "He visto la fisura entre su realismo y su fantasía ampliarse hasta convertirse en un abismo". [15]
La gran habilidad para el dibujo de Stella es evidente en los diferentes tipos de imágenes que creó a lo largo de su vida. Hoy en día es especialmente respetado por sus retratos sobre papel dibujados con punta de plata o con punta de plata y óleo, la mayoría de los años veinte. Sus interpretaciones de Walt Whitman , Marcel Duchamp, el artista Louis Eilshemius y su amigo, el compositor Edgar Varese , son obras de una sensibilidad excepcional a las líneas, los detalles faciales y el aura intelectual del modelo.
Un aspecto menos conocido del trabajo de Stella son los collages que hizo en la década de 1920, consistentes en trozos de papel desechado, envoltorios (algunos con el logotipo o la etiqueta comercial aún visible) y otros trozos de escombros urbanos, a menudo cortados con pinceladas de pintar. Aunque Stella se sentía "atraída por los aspectos grandiosos y mecanizados de la ciudad, también se sentía atraído por sus descartes anónimos e inadvertidos... los detritos de la existencia humana". [16] Estas son obras en el espíritu del artista de collage alemán Kurt Schwitters y el espíritu anti-"arte elevado" del movimiento dadaísta, que siempre interesó a Stella.
A finales de la década de 1930, el trabajo de Stella atrajo mucha menos atención que en décadas anteriores. Su personalidad truculenta había alejado a muchos viejos amigos y su estilo ya no se adaptaba a los tiempos. [17] "La salud y la fortuna crítica de Stella se hundieron [los años previos a la Segunda Guerra Mundial]. Aislado emocionalmente del mundo del arte de Nueva York, incluso su retrospectiva en el Museo de Newark en 1939 no logró restablecerlo. Aunque tuvo éxito como presentación , el programa recibió críticas menos entusiastas de lo que Stella había anticipado, y más tarde se quejó de no poder inducir a nadie que viviera en la ciudad de Nueva York a verlo". [18]
A Stella le diagnosticaron una enfermedad cardiovascular a principios de la década de 1940 y estuvo sujeta a períodos crecientes de ansiedad mórbida . El 5 de noviembre de 1946 murió de insuficiencia cardíaca a los 69 años. Está enterrado en un mausoleo en el cementerio Woodlawn en el Bronx , Nueva York.
El 13 de noviembre de 2018, una pintura de Stella titulada Árbol de mi vida (1919) se vendió en Christie's Nueva York por 5.937.500 dólares; un récord mundial para una obra de Stella en subasta pública. [33] [34]
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