La música ambiental es un género musical que enfatiza el tono y la atmósfera por sobre la estructura o el ritmo musical tradicional . Suele tener un sonido "pacífico" y carece de composición , ritmo y/o melodía estructurada . [5] Utiliza capas de texturas de sonido que pueden recompensar tanto la escucha pasiva como la activa [6] y fomentar una sensación de calma o contemplación. [7] [8] Se dice que el género evoca una calidad "atmosférica", "visual" [9] o "discreta". [10] Se pueden incluir paisajes sonoros de la naturaleza y se pueden emular los sonidos de instrumentos acústicos como el piano , las cuerdas y la flauta a través de un sintetizador . [11]
El género se originó en las décadas de 1960 y 1970, cuando se introdujeron nuevos instrumentos musicales en un mercado más amplio, como el sintetizador. [12] Fue presagiado por la música de muebles de Erik Satie y estilos como la música concreta , la música minimalista , el dub reggae jamaiquino y la música electrónica alemana , pero fue nombrado y popularizado de manera destacada por el músico británico Brian Eno en 1978 con su álbum Ambient 1: Music for Airports ; Eno opinó que la música ambiental "debe ser tan ignorable como interesante", sin embargo, en los primeros años, hubo artistas que fueron pioneros en este género, como Jean-Michel Jarre , Vangelis , Mike Oldfield , Wendy Carlos , Kraftwerk , etc. [13] Vio un renacimiento hacia fines de la década de 1980 con la prominencia de la música house y techno , creciendo como un culto en la década de 1990. [14] La música ambiental puede tener elementos de música new age y música drone , ya que algunas obras pueden utilizar notas sostenidas o repetidas . [15]
La música ambiental no alcanzó un gran éxito comercial, siendo criticada por todo tipo de géneros, desde "new age embellecido, [...] hasta técnicas aburridas e irrelevantes". [16] Sin embargo, ha alcanzado cierto grado de reconocimiento a lo largo de los años, especialmente en la era de Internet . Debido a su estilo relativamente abierto, la música ambiental a menudo toma influencias de muchos otros géneros, que van desde la música clásica , la música de vanguardia , la música experimental , el folk , el jazz y la música del mundo , entre otros. [17] [18]
Erik Satie , compositor francés de principios del siglo XX, utilizó estas exploraciones inspiradas en el dadaísmo para crear una forma temprana de música ambiental o de fondo que denominó " música de muebles " ( Musique d'ameublement ). La describió como el tipo de música que se podía tocar durante una cena para crear una atmósfera de fondo para esa actividad, en lugar de servir como foco de atención. [19]
En sus propias palabras, Satie buscaba crear "una música... que formara parte de los ruidos del entorno, que los tuviera en cuenta. Pienso que sería melodiosa, que suavizaría los ruidos de los cuchillos y los tenedores en la cena, sin dominarlos, sin imponerse. Llenaría esos silencios pesados que a veces se producen entre amigos que cenan juntos. Les ahorraría la molestia de prestar atención a sus propios comentarios banales. Y al mismo tiempo neutralizaría los ruidos de la calle que tan indiscretamente entran en el juego de la conversación. Hacer una música así sería responder a una necesidad". [20] [21]
En 1948, el compositor e ingeniero francés Pierre Schaeffer acuñó el término música concreta . Este estilo experimental de música utilizaba grabaciones de sonidos naturales que luego se modificaban, manipulaban o modificaban para crear una composición. [22] Las técnicas de Shaeffer de utilizar bucles de cinta y empalmes se consideran precursoras del sampling moderno .
En 1952, John Cage publicó su famosa composición de tres movimientos [23] 4'33 , que es una interpretación de silencio absoluto durante cuatro minutos y treinta y tres segundos. La pieza pretende capturar los sonidos ambientales del lugar o la ubicación de la actuación y que sean la música que se interprete. [24] Cage ha sido citado por artistas seminales como Brian Eno como influencia. [24]
En la década de 1960, muchos grupos musicales experimentaron con métodos inusuales y algunos de ellos crearon lo que más tarde se llamaría música ambiental.
En el verano de 1962, los compositores Ramon Sender y Morton Subotnick fundaron el San Francisco Tape Music Center , que funcionaba como estudio de música electrónica y sala de conciertos. [25] Otros compositores que trabajaban con grabadoras se convirtieron en miembros y colaboradores, entre ellos Pauline Oliveros , Terry Riley y Steve Reich . Sus composiciones, entre otras, contribuyeron al desarrollo de la música minimalista (también llamada minimalismo), que comparte muchos conceptos similares con la música ambiental, como patrones o pulsos repetitivos, drones constantes y armonía consonante. [26]
Entre mediados de los años 1960 y mediados de los años 1990 se lanzaron muchos discos en Europa y los Estados Unidos de América que establecieron las convenciones del género ambient en el mercado de la música popular anglófona. [27] Algunos discos de los años 1960 con elementos ambient incluyen Music for Yoga Meditation and Other Joys y Music for Zen Meditation de Tony Scott , Soothing Sounds for Baby de Raymond Scott y el primer disco de la serie de álbumes Environments de Irv Teibel .
A finales de los años 1960, la compositora francesa Éliane Radigue compuso varias piezas procesando bucles de cinta a partir de la retroalimentación entre dos grabadoras y un micrófono. [28] En los años 1970, pasó a componer música similar casi exclusivamente con un sintetizador ARP 2500 , y sus composiciones largas y lentas a menudo se han comparado con la música drone . [29] [30] En 1969, el grupo COUM Transmissions estaba realizando experimentos sonoros en escuelas de arte británicas. [31] El álbum Balaklava de Pearls Before Swine de 1968 presenta los sonidos del canto de los pájaros y el ruido del océano, que se convertirían en tropos de la música ambiental. " [32]
La música ambiental, que se desarrolló en la década de 1970, surgió de los estilos experimentales y orientados a los sintetizadores de la época.
Entre 1974 y 1976, la compositora estadounidense Laurie Spiegel creó su obra fundamental The Expanding Universe , creada en un sistema híbrido de computadora y analógico llamado GROOVE. [33] En 1977, su composición, Music of the Spheres , se incluyó en el Disco de Oro de las Voyager 1 y 2. [34]
En abril de 1975, Suzanne Ciani dio dos actuaciones con su sintetizador Buchla : una en la tienda de música WBAI Free y otra en el loft de Phil Niblock . [35] Estas actuaciones se lanzaron en un álbum de archivo en 2016 titulado Buchla Concerts 1975. Según el sello discográfico, estos conciertos fueron en parte una presentación en vivo, en parte una solicitud de subvención y en parte una demostración educativa. [36]
Sin embargo, no fue hasta que Brian Eno acuñó el término a mediados de los años 70 que la música ambiental se definió como un género. Eno grabó Discreet Music en 1975 con esto en mente, sugiriendo que se escuchara a "niveles comparativamente bajos, incluso hasta el punto de que con frecuencia caiga por debajo del umbral de audibilidad", [20] en referencia a la cita de Satie sobre su musique d'ameublement. [37]
Otros músicos contemporáneos que crearon música de estilo ambient en ese momento incluyeron músicos de dub jamaicanos como King Tubby , [2] compositores de música electrónica japoneses como Isao Tomita [3] [4] y Ryuichi Sakamoto , así como los paisajes sonoros psicoacústicos de la serie Environments de Irv Teibel , y bandas experimentales alemanas como Popol Vuh , Cluster , Kraftwerk , Harmonia , Ash Ra Tempel y Tangerine Dream . Mike Orme de Stylus Magazine describe el trabajo de los músicos de la escuela de Berlín como "sentar las bases" para el ambient. [38]
El impacto que el auge del sintetizador en la música moderna tuvo en el ambient como género no puede ser sobreestimado; como dijo Ralf Hutter, de los pioneros de la electrónica Kraftwerk, en una entrevista para Billboard en 1977 : "La electrónica está más allá de naciones y colores... con la electrónica todo es posible. El único límite está en el compositor". [39] La Yellow Magic Orchestra desarrolló un estilo distintivo de música electrónica ambiental que luego se convertiría en música house ambiental . [40]
Al productor inglés Brian Eno se le atribuye haber acuñado el término "música ambiental" a mediados de los años 70. Dijo que otros artistas habían estado creando música similar, pero que "yo simplemente le di un nombre. Que es exactamente lo que necesitaba... Al nombrar algo creas una diferencia. Dices que ahora es real. Los nombres son muy importantes". [41] Utilizó el término para describir la música que es diferente de las formas de música enlatada como Muzak . [42]
En las notas del álbum Ambient 1: Music for Airports de 1978 , Eno escribió: [43]
Mientras que las compañías de música enlatada actuales parten de la base de regularizar los ambientes ocultando sus idiosincrasias acústicas y atmosféricas, la música ambiental tiene como objetivo realzarlas. Mientras que la música de fondo convencional se produce eliminando toda sensación de duda e incertidumbre (y, por lo tanto, todo interés genuino) de la música, la música ambiental conserva estas cualidades. Y mientras que su intención es "iluminar" el ambiente añadiéndole estímulos (supuestamente aliviando así el tedio de las tareas rutinarias y nivelando los altibajos naturales de los ritmos corporales), la música ambiental tiene como objetivo inducir la calma y un espacio para pensar. La música ambiental debe poder adaptarse a muchos niveles de atención auditiva sin imponer uno en particular; debe ser tan ignorable como interesante.
Eno, que se describe a sí mismo como un "no músico", llamó a sus experimentos "tratamientos" en lugar de interpretaciones tradicionales. [43] [44]
A finales de los años 70, el músico de new age Laraaji empezó a tocar en parques y aceras de Nueva York, incluido Washington Square Park. Fue allí donde Brian Eno escuchó tocar a Laraaji y le preguntó si le gustaría grabar un álbum. Day of Radiance, publicado en 1980, fue el tercer álbum de la serie Ambient de Eno. Aunque Laraaji ya había grabado varios álbumes, este le dio reconocimiento internacional. [45] A diferencia de otros álbumes de la serie, Day of Radiance presentaba principalmente instrumentos acústicos en lugar de electrónicos.
A mediados de los años 1980, las posibilidades de crear un paisaje sonoro aumentaron gracias al uso del sampling . A finales de los años 1980, se produjo un marcado aumento en la incorporación de la computadora en el proceso de escritura y grabación de discos. La plataforma Macintosh de dieciséis bits con sonido incorporado y modelos IBM comparables se encontrarían en estudios y hogares de músicos y productores de discos. [46]
Sin embargo, muchos artistas seguían trabajando con sintetizadores analógicos e instrumentos acústicos para producir obras ambientales.
En 1983, Midori Takada grabó su primer LP en solitario Through the Looking Glass en dos días. Interpretó todas las partes del álbum, con una instrumentación diversa que incluía percusión, marimba, gong, órgano de lengüeta, campanas, ocarina, vibráfono, piano y botellas de vidrio de Coca-Cola. [47]
Entre 1988 y 1993, Éliane Radigue produjo tres obras de una hora de duración en el ARP 2500 que posteriormente se publicaron juntas como La Trilogie De La Mort . [48]
También en 1988, Pauline Oliveros, miembro fundador y directora del San Francisco Tape Music Centre , acuñó el término " escucha profunda " después de grabar un álbum dentro de una enorme cisterna subterránea en Washington que tiene un tiempo de reverberación de 45 segundos. El concepto de escucha profunda pasó a convertirse en "una estética basada en principios de improvisación, música electrónica, rituales, enseñanza y meditación". [49]
A principios de los años 1990, artistas como The Orb , Aphex Twin , Seefeel , Irresistible Force , Biosphere y Higher Intelligence Agency consiguieron éxito comercial y la prensa musical popular los denominaba ambient house , ambient techno , IDM o simplemente "ambient". El término chillout surgió de la cultura del éxtasis británica , que originalmente se aplicaba en "salas chillout" de downtempo relajadas fuera de la pista de baile principal, donde se tocaban ritmos ambient, dub y downtempo para aliviar la mente en trance . [50] [51]
Artistas británicos como Aphex Twin (específicamente: Selected Ambient Works Volume II , 1994), Global Communication ( 76:14 , 1994), The Future Sound of London ( Lifeforms , 1994, ISDN , 1994), The Black Dog ( Temple of Transparent Balls , 1993), Autechre ( Incunable , 1993, Amber , 1994), Boards of Canada y The KLF 's Chill Out (1990), participaron en la popularización y diversificación de la música ambiental, donde se utilizó como un respiro calmante de la intensidad del hardcore y el techno populares en ese momento. [50]
Otros artistas ambientales globales de la década de 1990 incluyen a los compositores estadounidenses Stars of the Lid (que lanzaron 5 álbumes durante esta década) y al artista japonés Susumu Yokota , cuyo álbum Sakura (1999) presentó lo que la revista Pitchfork llamó "una guitarra procesada y de ensueño como una herramienta de sonido distintiva". [52]
A finales de la década de 2000 y hasta la actualidad, la música ambiental también ganó un amplio reconocimiento en YouTube , con piezas subidas, que por lo general duran entre una y ocho horas, y que obtienen más de millones de visitas. Estos videos suelen titularse, o generalmente se conocen como, "música relajante", y pueden estar influenciados por otros géneros musicales . Los videos ambientales ayudan a los oyentes en línea con el yoga , el estudio , el sueño (ver música y sueño ), los masajes , la meditación y la obtención de optimismo , inspiración y la creación de una atmósfera pacífica en sus habitaciones u otros entornos. [53] Muchos videos ambientales subidos tienden a estar influenciados por la biomúsica donde presentan sonidos de la naturaleza , aunque los sonidos se modificarían con reverberaciones y unidades de retardo para hacer versiones espaciales de los sonidos como parte del ambiente. Estos sonidos naturales a menudo incluyen los de una playa , la selva tropical , las tormentas eléctricas y la lluvia , entre otros, y también se utilizan vocalizaciones de animales como los cantos de los pájaros . Las piezas que contienen ritmos binaurales también son cargas comunes y populares, que brindan musicoterapia y manejo del estrés para el oyente. [54] [55] [a]
iTunes y Spotify tienen estaciones de radio digitales que ofrecen música ambiental, la cual en su mayoría es producida por sellos independientes . [5]
La música ambiental aclamada de esta era (según la revista Pitchfork ) incluye obras de Max Richter , Julianna Barwick , Grouper , William Basinski , Oneohtrix Point Never y The Caretaker . [59] [60] [61] [62] En 2011, la compositora estadounidense Liz Harris grabando como Grouper lanzó el álbum AIA: Alien Observer , listado por Pitchfork en el número 21 en sus "50 mejores álbumes de ambient de todos los tiempos". [63] En 2011, Julianna Barwick lanzó su primer álbum de larga duración The Magic Place . Fuertemente influenciada por sus experiencias de infancia en un coro de la iglesia, Barwick convierte su voz sin palabras en paisajes sonoros etéreos. [64] Fue listado en el número 30 en los 50 mejores álbumes de ambient de todos los tiempos de Pitchfork. [63] Después de varios álbumes autoeditados, la compositora, productora e intérprete de Buchla Kaitlyn Aurelia Smith firmó con el sello discográfico independiente Western Vinyl en 2015. [65] En 2016, lanzó su segundo álbum oficial EARS . Combinó el sintetizador Buchla con instrumentos tradicionales y sus composiciones fueron comparadas con Laurie Spiegel y Alice Coltrane . [66] Kaitlyn también ha colaborado con otra conocida intérprete de Buchla, Suzanne Ciani . [67] El álbum Free de Iggy Pop de 2019 presenta paisajes sonoros ambientales. [68] Mallsoft , un subgénero de vaporwave , presenta varias influencias ambientales, con artistas como Cat System Corp. y Groceries que exploran los sonidos ambientales típicos de los centros comerciales y las tiendas de comestibles. [69]
El ambient dub es una fusión de la música ambient con el dub . El término fue acuñado por primera vez por el sello discográfico de Birmingham , ahora desaparecido, "Beyond Records" a principios de los años 1990. El sello lanzó una serie de álbumes Ambient Dub Volume 1 a 4 que inspiraron a muchos artistas, incluido Bill Laswell , quien usó la misma frase en su proyecto musical Divination, donde colaboró con otros artistas del género. El ambient dub adopta estilos dub que se hicieron famosos por King Tubby y otros artistas sonoros jamaicanos desde los años 1960 hasta principios de los años 1970, utilizando electrónica ambiental inspirada en DJ, completa con todos los abandonos inherentes, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos. A menudo presenta técnicas de capas e incorpora elementos de música del mundo, líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. [2] Según David Toop , "la música dub es como un largo eco de retardo, que se repite en el tiempo... convirtiendo el orden racional de las secuencias musicales en un océano de sensaciones". [70] Entre los artistas notables dentro del género se incluyen Dreadzone , Higher Intelligence Agency , the Orb , Gaudi , [71] Ott , Loop Guru , Woob y Transglobal Underground [72] así como Banco de Gaia y Leyland Kirby.
El ambient house es una categoría musical fundada a finales de los años 1980 que se utiliza para describir el acid house que presenta elementos y atmósferas de música ambiental. [73] Las pistas del género ambient house suelen presentar ritmos four-on-the-floor , pads de sintetizador y samples vocales integrados en un estilo atmosférico. [73] Las pistas de ambient house generalmente carecen de un centro diatónico y presentan mucha atonalidad junto con acordes sintetizados. El holandés Brainvoyager es un ejemplo de este género. Illbient es otra forma de música ambient house.
El techno ambiental es una categoría musical que surgió a fines de la década de 1980 y que se utiliza para describir atmósferas de música ambiental con elementos rítmicos y melódicos del techno . [74] Entre los artistas notables se incluyen Aphex Twin , B12 , Autechre y Black Dog .
El ambient industrial es un género híbrido de música industrial y ambient. [75] Una obra ambiental industrial "típica" (si es que existe tal cosa) podría consistir en armonías disonantes en evolución de drones y resonancias metálicas, retumbos de frecuencia extremadamente baja y ruidos de máquinas, tal vez complementados con gongs , ritmos de percusión, bramadoras , voces distorsionadas o cualquier otra cosa que el artista quiera samplear (a menudo procesada hasta el punto en que la muestra original ya no es reconocible). [75] Obras enteras pueden basarse en grabaciones de radiotelescopios , el balbuceo de bebés recién nacidos o sonidos grabados a través de micrófonos de contacto en cables telegráficos. [75]
El ambient pop es un estilo que se desarrolló en los años 1980 y 1990 contemporáneamente con el post-rock ; también ha sido considerado como una extensión del movimiento dream pop y el estilo atmosférico shoegaze . Incorpora estructuras que son comunes a la música indie , pero explora extensamente "texturas electrónicas y atmósferas que reflejan las cualidades hipnóticas y meditativas de la música ambiental", que también es central para la música electrónica indie . [76] El ambient pop utiliza la experimentación musical de la psicodelia y los rasgos repetitivos del minimalismo , el krautrock y el techno como influencias predominantes. A pesar de ser una extensión del dream pop, se distingue por su adopción de "idiomas electrónicos contemporáneos, incluido el sampling , aunque en su mayor parte los instrumentos en vivo continúan definiendo el sonido". [76]
La trilogía Berlin de David Bowie con el pionero de la música ambient Brian Eno , ambos inspirados durante la producción de los álbumes de la trilogía por bandas de música cósmica alemana y compositores minimalistas, [77] fue considerada influyente en el pop ambiental. La canción "Red Sails" del tercer álbum de la trilogía, Lodger (1979), fue descrita retroactivamente como una "pieza de pop ambiental" por el periodista musical David Buckley en David Bowie: The Music and The Changes , ya que incorpora de manera prominente un ritmo de batería motorik , guitarras procesadas electrónicamente y una melodía simplista. [78]
El álbum Pygmalion de la banda dream pop Slowdive de 1995 fue un gran cambio con respecto al sonido habitual de la banda, incorporando en gran medida elementos de electrónica ambiental y psicodelia con ritmos hipnóticos y repetitivos, [79] influyendo en muchas bandas de pop ambiental y posteriormente siendo considerado como un álbum emblemático en el género; [80] El crítico de Pitchfork Nitsuh Abebe describió las canciones del álbum como "sueños de pop ambiental que tienen más en común con [bandas] de post-rock como Disco Inferno que shoegazers como Ride ". [81] El género continuó progresando estilísticamente en la década de 2000 con bandas como Sweet Trip , Múm , Broadcast , Dntel y su proyecto The Postal Service . [82]
La visión original de Brian Eno de la música ambient como un discreto fondo musical, fusionada más tarde con cálidos ritmos house y dotada de cualidades lúdicas por The Orb en los años 90, encontró su opuesto en el estilo conocido como dark ambient. Poblado por una amplia variedad de personalidades, que van desde los experimentalistas industriales y del metal más antiguos ( Mick Harris de Scorn , David Tibet de Current 93 , Steven Stapleton de Nurse with Wound ) hasta los expertos en electrónica ( Kim Cascone / PGR, Psychick Warriors Ov Gaia ), artistas de noise japoneses ( KK Null , Merzbow ) y rockeros indie de los últimos días ( Main , Bark Psychosis ), el dark ambient presenta ritmos atenuados o completamente ausentes con pasajes inquietantes de teclados, samples inquietantes y efectos de guitarra tratados. Como la mayoría de los estilos relacionados de alguna manera con la música electrónica/dance de los años 90, es un término muy nebuloso; muchos artistas entran o salen del estilo con cada lanzamiento sucesivo. [83] Los estilos relacionados incluyen el ambiente industrial (ver más abajo) y el ambiente aislacionista.
La música espacial, también escrita "Spacemusic", incluye música del género ambiental, así como una amplia gama de otros géneros con ciertas características en común para crear la experiencia de amplitud contemplativa. [84] [85] [86]
La música espacial varía desde texturas sonoras simples a complejas, a veces carentes de componentes melódicos, rítmicos o vocales convencionales, [87] [88] generalmente evocando una sensación de "continuum de imágenes y emociones espaciales", [89] introspección beneficiosa, escucha profunda [90] y sensaciones de flotar, navegar o volar. [91] [92]
La música espacial es utilizada por personas tanto para mejorar el sonido de fondo como para escuchar en primer plano, a menudo con auriculares, para estimular la relajación, la contemplación, la inspiración y, en general, estados de ánimo pacíficos y expansivos [93] y paisajes sonoros . La música espacial también es un componente de muchas bandas sonoras de películas y se utiliza habitualmente en planetarios , como ayuda para la relajación y la meditación . [94]
Ejemplos de películas con bandas sonoras que presentan algún uso, o un uso extenso, de música ambiental incluyen, Planeta Prohibido (1956), THX 1138 (1971), [95] Solaris (1972), [96] Blade Runner (1982), [96] La cosa (1982), [95] Dune (1984), [96] Heathers (1988), [96] Akira (1988), [96] Ghost in the Shell (1995), [95] Titanic (1997), [97] Traffic (2000), Donnie Darko (2001), Solaris (2002), La Pasión de Cristo (2004), [98] Orgullo y prejuicio (2005), [96] Luna (2009), [95] La red social (2010), [96] Cosmópolis (2012), [95] Her (2013), Enemy (2013), Drive (2011), [99] Interstellar (2014), Gone Girl (2014), [96] The Revenant (2015), Columbus (2017), Mandy (2018), [100] Annihilation (2018), Ad Astra (2019), Chernobyl (2019) [101] y Dune (2021), [102] entre muchas otras.
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