Fantasía es una película antológica musical animada estadounidense de 1940 producida por Walt Disney Productions , con dirección de historia de Joe Grant y Dick Huemer y supervisión de producción de Walt Disney y Ben Sharpsteen . Consta de ocho segmentos animados ambientados en piezas de música clásica dirigidas por Leopold Stokowski , siete de los cuales son interpretados por la Orquesta de Filadelfia . El crítico musical y compositor Deems Taylor actúa como maestro de ceremonias de la película, quien presenta cada segmento en acción en vivo.
Disney se decidió por el concepto de la película en 1938 cuando el trabajo de El aprendiz de brujo estaba a punto de finalizar , originalmente una elaborada caricatura de Silly Symphony diseñada como un papel de regreso para Mickey Mouse , que había declinado en popularidad. Como los costos de producción superaron lo que el corto podía ganar, Disney decidió incluirlo en un largometraje de múltiples segmentos ambientados en piezas clásicas con Stokowski y Taylor como colaboradores. La banda sonora se grabó utilizando múltiples canales de audio y se reprodujo con Fantasound , un sistema de sonido pionero desarrollado por Disney y RCA que convirtió a Fantasia en la primera película comercial mostrada en estéreo y un precursor del sonido envolvente .
Fantasía se estrenó por primera vez como un espectáculo itinerante en cines que se realizó en 13 ciudades de los EE. UU. entre 1940 y 1941 por RKO Radio Pictures ; el primero comenzó en el Teatro Broadway en la ciudad de Nueva York el 13 de noviembre de 1940. Si bien fue aclamada por los críticos, no logró obtener ganancias debido a que la Segunda Guerra Mundial cortó la distribución al mercado europeo, los altos costos de producción de la película y el gasto de construir equipos Fantasound y alquilar salas para las presentaciones itinerantes. Desde 1942, la película ha sido reeditada varias veces por RKO Radio Pictures y Buena Vista Distribution con su metraje y audio originales eliminados, modificados o restaurados en cada versión. Cuando se ajusta a la inflación, Fantasía es la 23.ª película más taquillera de todos los tiempos en los EE. UU.
La franquicia Fantasía ha crecido hasta incluir videojuegos, atracciones de Disneyland y una serie de conciertos en vivo. En 1999 se estrenó una secuela, Fantasía 2000 , coproducida por el sobrino de Walt, Roy E. Disney . Fantasía ha crecido en reputación a lo largo de los años y ahora es ampliamente aclamada como una de las mejores películas animadas de todos los tiempos ; en 1998, el American Film Institute la clasificó como la 58.ª mejor película estadounidense en su lista 100 Years...100 Movies y la quinta mejor película animada en su lista 10 Top 10. En 1990, Fantasía fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".
Fantasía comienza con escenas en vivo de los miembros de una orquesta reunidos sobre un fondo azul y afinando sus instrumentos en penumbra y sombra. El maestro de ceremonias, Deems Taylor, entra al escenario (también en penumbra y sombra) y presenta el programa.
En 1936, Walt Disney sintió que el personaje estrella del estudio Disney, Mickey Mouse, necesitaba un impulso en popularidad. Decidió presentar al ratón en El aprendiz de brujo , un cortometraje de dibujos animados de lujo basado en el poema de 1797 escrito por Johann Wolfgang von Goethe y ambientado en la pieza orquestal de 1897 de Paul Dukas inspirada en el cuento original. [14] El concepto de hacer coincidir la animación con la música clásica se utilizó ya en 1928 en la serie de dibujos animados de Disney, Silly Symphonies , pero quería ir más allá de la payasada habitual y producir cortos donde "se desarrolla la pura fantasía... la acción controlada por un patrón musical tiene un gran encanto en el reino de la irrealidad". [15] [16] Al recibir los derechos para usar la música a fines de julio de 1937, [17] Disney consideró usar un director conocido para grabar la música para mayor prestigio. En el restaurante Chasen's de Hollywood, conoció a Leopold Stokowski , director de la Orquesta de Filadelfia desde 1912, y habló de sus planes para el cortometraje. Stokowski recordó que le "gustaba la música", que estaba feliz de colaborar en el proyecto y que se ofreció a dirigir la pieza sin coste alguno. [18]
Tras su reunión, el representante de Disney en Nueva York se encontró con Stokowski en un tren que se dirigía a la Costa Este. En una carta a Disney, le informó de que Stokowski "había hablado muy en serio en su oferta de hacer la música a cambio de nada. Tenía algunas ideas muy interesantes sobre el coloreado instrumental, que sería perfecto para un medio de animación". [18] En su emocionada respuesta, fechada el 26 de octubre de 1937, Disney escribió que se sentía "muy entusiasmado con la idea de que Stokowski trabajara con nosotros... La unión de Stokowski y su música, junto con lo mejor de nuestro medio, sería el medio del éxito y debería conducir a un nuevo estilo de presentación cinematográfica". Ya había empezado a trabajar en un esbozo de la historia y deseaba utilizar "a los mejores hombres... desde el color... hasta los animadores" [19] en el corto. El aprendiz de brujo iba a ser promocionado como un "especial" y alquilado a los cines como una película única, fuera de la serie de dibujos animados de Mickey Mouse . [18] [20]
Un acuerdo firmado por Disney y Stokowski el 16 de diciembre de 1937 permitía al director "seleccionar y emplear una orquesta sinfónica completa" para la grabación. [21] Stokowski recibió 5.000 dólares por su trabajo. [22] Disney alquiló un escenario en los Culver Studios de California para la sesión. Comenzó a medianoche el 9 de enero de 1938 y duró tres horas, con la participación de ochenta y cinco músicos de Hollywood. [23]
A medida que los costos de producción de El aprendiz de brujo subieron a $125,000, se hizo más claro para Disney y su hermano Roy , quien manejaba las finanzas del estudio, que el cortometraje nunca podría recuperar esa suma por sí solo. [14] Roy quería que su hermano mantuviera los costos adicionales de la película al mínimo. Dijo, "debido a su naturaleza muy experimental y sin precedentes ... no tenemos idea de qué se puede esperar de una producción así". [18] Ben Sharpsteen , un supervisor de producción de Fantasía , señaló que su presupuesto era tres o cuatro veces mayor que el habitual de Silly Symphony , pero Disney "vio este problema en forma de oportunidad. Este fue el nacimiento de un nuevo concepto, un grupo de números separados, independientemente de su duración, reunidos en una sola presentación. Resultó ser un concierto, algo novedoso y de alta calidad". [24]
En febrero de 1938 se empezaron a desarrollar ideas para producir un largometraje completo, cuando se hicieron consultas para extender el contrato de Stokowski. [24] En agosto, Disney le pidió al representante de Stokowski que lo hiciera regresar a los estudios para seleccionar material para la nueva película, que inicialmente se tituló The Concert Feature . [18] Disney aceptó pagarle a Stokowski 80.000 dólares más regalías por sus servicios. [22] La pareja pensó además en presentar la película con un presentador en pantalla para presentar cada número del programa. Ambos habían escuchado al compositor y crítico musical Deems Taylor proporcionar comentarios en el intermedio durante las transmisiones de radio de la Filarmónica de Nueva York y acordaron que sería el más adecuado para el papel. [25] Disney se puso en contacto con Taylor sobre el proyecto, pero para entonces el trabajo en Pinocho , Bambi y el desarrollo de su nuevo estudio en Burbank lo mantenían demasiado ocupado para trabajar en el nuevo largometraje. [26] En un cambio de planes, durante una llamada el 3 de septiembre de 1938 se le pidió a Taylor que fuera a los estudios lo antes posible. Dos días después, partió de Nueva York hacia Los Ángeles en tren para una visita de un mes y le pagaron 1.440 dólares por semana. [27]
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Taylor llegó al estudio un día después de que comenzaran una serie de reuniones para seleccionar las piezas musicales para The Concert Feature . Disney hizo que los guionistas Joe Grant y Dick Huemer reunieran una selección preliminar de música y, junto con Stokowski, Taylor y los jefes de varios departamentos, discutieron sus ideas. [24] Cada reunión fue grabada palabra por palabra por taquígrafos y los participantes recibieron una copia de la conversación completa para su revisión. A medida que se consideraban las selecciones, se localizaba una grabación de la pieza y se reproducía en la siguiente reunión. [28] Disney no contribuyó mucho a las primeras discusiones; admitió que su conocimiento de la música era instintivo y no entrenado. [29] En una reunión, preguntó por una pieza "sobre la que podríamos construir algo así como un tema prehistórico ... con animales". [30] El grupo estaba considerando El pájaro de fuego de Igor Stravinsky, pero Taylor señaló que su « La consagración de la primavera » sería algo así, a lo que Disney respondió al escuchar una grabación: «¡Esto es maravilloso! Sería perfecto para animales prehistóricos. Habría algo fantástico en los dinosaurios, lagartos voladores y monstruos prehistóricos. Podría haber belleza en los escenarios». [31]
Se descartaron numerosas opciones a medida que continuaban las conversaciones, incluida Moto Perpetuo de Niccolò Paganini con "instantáneas de dinamos, engranajes, pistones" y "ruedas giratorias" para mostrar la producción de un botón de cuello. Otro material eliminado incluía Preludio en sol menor y Troika de Sergei Rachmaninoff , y una interpretación de "La canción de la pulga" de Mussorgsky, que iba a ser cantada por Lawrence Tibbett . [32] El 29 de septiembre de 1938, alrededor de sesenta de los artistas de Disney se reunieron para un concierto de piano de dos horas y media mientras él proporcionaba un comentario continuo sobre el nuevo musical. También se mostró una versión preliminar de El aprendiz de brujo que, según un asistente, hizo que la multitud aplaudiera y vitoreara "hasta que sus manos se pusieron rojas". [33] Las piezas finales fueron elegidas a la mañana siguiente, que incluían Toccata y fuga en re menor, Cydalise et le Chèvre-pied de Gabriel Pierné , El cascanueces , La noche en el Monte Pelado , Ave María , La danza de las horas , Claro de luna de Claude Debussy , La consagración de la primavera y El aprendiz de brujo . [33] Disney ya había comenzado a trabajar en los detalles de los segmentos y mostró mayor entusiasmo y entusiasmo en oposición a su ansiedad al comenzar con Pinocho . [34]
Clair de Lune fue pronto eliminada del programa Fantasía , pero Disney y sus escritores encontraron problemas para establecer una historia concreta para Cydalise . Su marcha de apertura, "La entrada de los pequeños faunos", atrajo a Disney a la pieza que al principio proporcionaba representaciones adecuadas de los faunos que quería. El 5 de enero de 1939, después de una búsqueda de una pieza más fuerte que se ajustara al tema mitológico, la pieza fue reemplazada por secciones de la sexta sinfonía de Beethoven. [35] Stokowski no estuvo de acuerdo con el cambio, creyendo que la "idea de mitología de Disney ... no es exactamente lo que trata esta sinfonía". También estaba preocupado por la recepción de los entusiastas de la música clásica que criticarían a Disney por aventurarse demasiado lejos de la intención del compositor. [36] Taylor, por otro lado, dio la bienvenida al cambio, describiéndolo como "impresionante", y no vio "ninguna objeción posible al mismo". [37]
El nuevo largometraje siguió siendo conocido como The Concert Feature o Musical Feature hasta noviembre de 1938. Hal Horne, publicista de la distribuidora cinematográfica de Disney, RKO Radio Pictures , deseaba un título diferente y sugirió Filmharmonic Concert . Stuart Buchanan luego realizó un concurso en el estudio para un título que produjo casi 1.800 sugerencias, incluidas Bach to Stravinsky y Bach and Highbrowski by Stokowski . Aún así, el favorito entre los supervisores de la película era Fantasía , un título provisional temprano que incluso había crecido en Horne, "No es la palabra solo, sino el significado que leemos en ella". [38] Desde el comienzo de su desarrollo, Disney expresó la mayor importancia de la música en Fantasía en comparación con su trabajo anterior: "En nuestro material ordinario, nuestra música siempre está en acción, pero en esto ... se supone que debemos estar imaginando esta música, no la música que se ajusta a nuestra historia". [39] Disney esperaba que la película acercara la música clásica a personas que, como él, anteriormente habían "abandonado este tipo de cosas". [40]
Más de 1000 artistas y técnicos fueron utilizados en la realización de Fantasía , [41] que presenta más de 500 personajes animados. [42] Los segmentos fueron codificados por colores escena por escena para que los colores en una sola toma armonizaran entre los anteriores y los siguientes. [43] Antes de que se completara el patrón narrativo de un segmento, se diseñó un esquema de color general según el estado de ánimo general de la música y se diseñó para que se correspondiera con el desarrollo del tema. [43] El departamento de modelos de personajes del estudio esculpió modelos de arcilla tridimensionales para que los animadores pudieran ver su tema desde todos los ángulos. [44] Las escenas de acción en vivo se filmaron utilizando el proceso Technicolor de tres tiras , mientras que los segmentos animados se filmaron en fotogramas sucesivos expuestos al amarillo, cian y magenta . Luego, los diferentes trozos de película se empalmaron para formar una copia completa. [45] Se construyó específicamente para la película una cámara multiplano que podía manejar siete niveles, tres más que el modelo original del estudio. [46] Fantasía tiene 3.500 pies de metraje en varios planos, más que Blancanieves y los siete enanitos y Pinocho juntos. [47]
Disney había estado interesado en producir animación abstracta desde que vio A Colour Box de Len Lye en 1935. Explicó que el trabajo realizado en Toccata y Fuga no fue "una idea repentina... eran algo que habíamos cuidado durante varios años pero nunca tuvimos la oportunidad de probar". [48] Los diseños preliminares incluyeron los del animador de efectos Cy Young , que produjo dibujos influenciados por los patrones en el borde de un trozo de película sonora. [35] A fines de 1938, Disney contrató a Oskar Fischinger , un artista alemán que había producido numerosas películas animadas abstractas, incluidas algunas con música clásica, para trabajar con Young. Tras revisar tres carretes Leica producidos por los dos, Disney rechazó los tres. Según Huemer, todo lo que hizo Fishinger "fueron pequeños triángulos y diseños... no salió en absoluto. Demasiado diminuto, dijo Walt". [49] Fischinger, como Disney, estaba acostumbrado a tener control total sobre su trabajo y no estaba acostumbrado a trabajar en grupo. Sintiendo que sus diseños eran demasiado abstractos para una audiencia masiva, [14] Fishinger abandonó el estudio en aparente desesperación, antes de que el segmento se completara, en octubre de 1939. [50] Disney tenía planes de hacer de la Toccata y Fuga una película tridimensional experimental, en la que se les daría al público marcos estereoscópicos de cartón con sus programas de recuerdo, pero esta idea fue abandonada. [48]
En El cascanueces , se dice que el animador Art Babbitt le dio crédito a Los tres chiflados como guía para animar los hongos danzantes en la rutina de la danza china . Dibujó con una partitura musical clavada en su escritorio para trabajar la coreografía para poder relacionar la acción con la melodía y el contrapunto, "esas pequeñas notas desagradables debajo... así que algo tiene que estar relacionado con eso". [51] El estudio filmó a las bailarinas profesionales Joyce Coles y Marjorie Belcher con faldas de ballet que se parecían a formas de flores que iban a estar sobre el agua para la Danza de las flautas . También se trajo a una bailarina árabe para estudiar los movimientos de los peces de colores en la Danza árabe . [52] Jules Engel también trabajó en la coreografía y la combinación de colores para esta secuencia. [53] Para evitar contornos de tinta dura, se utilizaron nuevas técnicas como pintura transparente en las celdas. Los copos de nieve utilizados en la secuencia de las hadas de los copos de nieve eran difíciles de dibujar a mano, por lo que a un hombre llamado Leonard Pickley, del Departamento de Efectos Especiales, se le ocurrió la idea de utilizar la animación stop-motion. El Departamento de Tinta y Pintura trazó diagramas de copos de nieve reales, utilizó un material un poco más pesado que las celdas normales y los pintó de blanco translúcido. Luego se recortaron y se colocaron en carretes giratorios unidos a pequeños rieles de acero. La mecánica se ocultó bajo terciopelo negro mientras los copos de nieve se movían un cuadro a la vez. La animación dibujada a mano se agregó más tarde. [54]
La animación de El aprendiz de brujo comenzó el 21 de enero de 1938, cuando James Algar , el director del segmento, asignó al animador Preston Blair para trabajar en la escena en la que Mickey Mouse despierta de su sueño. [44] Cada uno de los setecientos miembros del personal en ese momento recibió una sinopsis del poema de Goethe de 1797 Der Zauberlehrling , y se les animó a completar un formulario de veinte preguntas que solicitaba sus ideas sobre qué acción podría tener lugar. [55] Al principio, Disney consideró usar a Tontín de Blancanieves y los siete enanitos como aprendiz, pero no quería diluir el impacto de su primer largometraje y eligió a Mickey Mouse. [18] Stokowski sugirió que la caricatura podría protagonizar "una personalidad completamente nueva" que representara "en la mente y el corazón de todos los que vieran la película su propia personalidad, para que entraran en todo el drama y los cambios emocionales de la película de la manera más intensa"; Disney también rechazó esto. [18] En su forma original, el segmento se abría con una obertura seguida de tomas en vivo de Stokowski dirigiendo en silueta, cuya filmación tuvo lugar en enero de 1938 con el director de fotografía James Wong Howe . [18]
El artista de maquetación Tom Codrick creó lo que Dick Huemer describió como "miniaturas de colores brillantes" a partir de bocetos preliminares del guión gráfico utilizando pinturas gouache , que presentaban un uso más audaz del color y la iluminación que cualquier cortometraje anterior de Disney. [56] Mickey fue rediseñado por el animador Fred Moore , quien agregó pupilas a sus ojos por primera vez para lograr mayores rangos de expresión. [17] [57] La mayor parte del segmento se filmó en acción en vivo, incluida una escena en la que se le pidió a un atleta de UCLA que corriera y saltara a través de uno de los escenarios de sonido del estudio con barriles en el camino, que se usó como referencia cuando Mickey atraviesa el agua. [58] El actor de cine mudo inglés Nigel De Brulier fue contratado para interpretar a Yen Sid para la cámara para que los animadores lo usaran como referencia. Se compró una túnica y un sombrero de brujo en una tienda de alquiler de disfraces y se decoró con estrellas y lunas crecientes. [18]
Un concepto inicial para La consagración de la primavera fue extender la historia a la era de los mamíferos y los primeros humanos y el descubrimiento del fuego y el triunfo del hombre. John Hubley , el director artístico del segmento, explicó que Disney lo redujo más tarde para evitar la controversia de los creacionistas , quienes prometieron causar problemas si conectaba la evolución con los humanos. [59] Para obtener una mejor comprensión de la historia del planeta, el estudio recibió orientación de Roy Chapman Andrews , director del Museo Americano de Historia Natural ; el biólogo inglés Julian Huxley ; el paleontólogo Barnum Brown ; y el astrónomo Edwin Hubble . [60] [19] Los animadores estudiaron cometas y nebulosas en el Observatorio del Monte Wilson , y observaron una manada de iguanas y un caimán bebé que fueron llevados al estudio. [61] El punto de vista se mantuvo bajo durante todo el segmento para aumentar la inmensidad de los dinosaurios . [60]
Según Ward Kimball , los animadores fueron "extremadamente específicos en temas delicados". Las centauros hembras fueron dibujadas originalmente con el pecho desnudo, pero la oficina de Hays que hace cumplir el Código de Producción Cinematográfica insistió en que colgaran discretamente guirnaldas alrededor de sus cuellos. [62] Los centauros machos también fueron atenuados para parecer menos intimidantes para la audiencia. Originalmente, el segmento incluía un par de centauros negros que atendían a los demás, pero estos fueron eliminados de la película en lanzamientos posteriores debido a sus implicaciones de racismo. (ver § Controversias). [62]
La Danza de las Horas fue dirigida por Norman Ferguson y Thornton Hee y fue completada por once animadores. [63] La mayor parte de la historia fue delineada en una reunión en octubre de 1938, incluyendo la creación del personaje principal del caimán, Ben Ali Gator. Su historia, dirección, diseño y animación sufrieron varias reescrituras, pero Disney quería presentar animales realizando una secuencia de ballet de caricatura legítima con "deslices" cómicos. [64] El diseño de los elefantes y caimanes se basó en los del ilustrador alemán Heinrich Kley , mientras que los hipopótamos y avestruces se basaron en los del dibujante TS Sullivant . Para tener una mejor idea de los movimientos de los animales, el equipo visitó el zoológico Griffith Park en Los Ángeles. [65] El animador John Hench fue asignado para trabajar en el segmento, pero se resistió porque sabía poco sobre ballet. Luego, Disney le dio a Hench boletos de temporada para el Ballet Russe de Monte Carlo con acceso detrás del escenario para que pudiera aprender más sobre él. [66]
El estudio filmó a varias personas en acción real para ayudar con la animación de los personajes. La avestruz principal, Madmoiselle Upanova, está basada en Irina Baronova . [67] [57] [68] Hyacinth Hippo, la primera bailarina, se inspiró en las bailarinas Marge Champion y Tatiana Riabouchinska y la actriz Hattie Noel, que pesaban más de 200 libras (91 kg), y los animadores estudiaron "el menor temblor de su carne, notando aquellas partes de su anatomía que estaban sujetas al mayor estrés y tensión". [62] [67] El esposo de Riabouchinska, David Lichine, fue utilizado para los movimientos de Ben Ali Gator. [68]
La noche en el monte pelado fue dirigida por Wilfred Jackson . Su historia sigue de cerca las descripciones que Mussorgsky había escrito en su banda sonora original del poema sinfónico. [69] Chernabog fue animada por Vladimir "Bill" Tytla , su diseño se inspiró en un boceto a lápiz del artista suizo Albert Hurter de un demonio sentado en la cima de una montaña desplegando sus alas. A pesar de que Hurter nunca produjo animación para Disney, el estudio lo contrató temporalmente para producir bocetos a lápiz para que los animadores se inspiraran. [69] Chernabog y partes del segmento fueron desarrollados aún más por el ilustrador nacido en Dinamarca Kay Nielsen . [69] Tytla realizó una investigación sobre todos los personajes que había animado y, al ser ucraniano, estaba familiarizado con el folclore que detallaba la historia. [69] El actor Béla Lugosi , mejor conocido por su papel en Drácula (1931), fue contratado para proporcionar poses de referencia para Chernabog, pero a Tytla no le gustaron los resultados. Luego hizo que Jackson posara sin camisa, lo que le dio las imágenes que necesitaba. [14] En un momento de su desarrollo, se consideró la idea de utilizar gatos negros para representar el mal, pero Disney la rechazó porque pensaba que los gatos siempre se habían utilizado. [70]
El programa de la película dice que Ave María proporciona "un alivio emocional a las audiencias tensas por el shock" de Una noche en el Monte Pelado . [71] Disney no quería mucho movimiento animado, pero quería que el segmento trajera la obra de arte de fondo al frente, lo que se convirtió en un escaparate para la cámara multiplano. [47] Un esquema inicial de la historia tenía el segmento final con una Madonna presentada en la pantalla con las nubes, pero Disney decidió no hacerlo porque no quería sugerir imágenes demasiado religiosas. [72] Hubo ideas de liberar aromas en todo el teatro durante Fantasía , incluido el olor a incienso durante Ave María . [73]
La toma final, que comienza con un primer plano negro y una luz blanca brillante en el fondo, medía 66 metros de película; según el historiador de Disney John Culhane, esta fue probablemente la escena continua más larga en la historia de la animación hasta la fecha. [74] Ed Gershman, quien trabajó en el segmento, describió cómo la animación de las figuras de la procesión estaba dibujada con tanta precisión que "una diferencia en el ancho de una línea de lápiz era más que suficiente para causar nerviosismo, no solo en la animación, sino en todos los relacionados con la secuencia". [72] El nerviosismo creado en la primera toma llevó a Disney a ordenar una nueva versión que requirió mucho tiempo y dinero. El estudio no tenía una cámara que se moviera lo suficientemente lenta y continuamente para filmar el segmento como Disney quería, por lo que se construyó una grúa de cámara horizontal personalizada que acomodaba paneles de vidrio de cuatro pies de ancho, con la obra de arte pintada en ellos, para que pudieran moverse mientras la cámara avanzaba. [75] Los trabajadores filmaron continuamente durante seis días y seis noches, pero después del revelado descubrieron que la cámara estaba equipada con el tipo de lente incorrecto y había fotografiado la pista, las gradas y a ellos mismos. Tres días después de la tercera filmación, un pequeño terremoto sacudió las gradas de madera y los paneles que mantenían los paneles de vidrio en su lugar. En lugar de continuar con el riesgo de que las imágenes se distorsionaran, comenzaron de nuevo por cuarta vez y terminaron un día antes del estreno de la película. La película terminada fue enviada rápidamente a Nueva York en un avión chárter y empalmada en su lugar con cuatro horas de margen. [75] [76]
Las escenas de acción en vivo fueron las primeras en filmarse dentro del Stage 1 , un estudio de sonido de producción de 11.000 pies cuadrados construido en los estudios de Disney en Burbank en 1940. Posteriormente se dedicó a la película. [77] Los músicos en pantalla no eran la Orquesta de Filadelfia, sino de hecho músicos locales, con el artista de efectos de sonido de Disney Jimmy MacDonald en timbales y el compositor Paul Smith en violín. [78] Las introducciones de Taylor se filmaron en agosto de 1940, con Howe regresando como director de fotografía. Howe agrega energía visual con breves destellos de color proyectados sobre algunos instrumentos mientras los músicos afinan, y cambia los tonos de la iluminación lateral para cada introducción para darle variedad. [79] La sesión de improvisación durante el intermedio incluye un tema de The Pastoral Symphony y "Bach Goes to Town", una melodía de jazz popularizada por Benny Goodman . David Butler destaca la importancia del breve interludio, demostrando a la audiencia que "estos músicos no son serios todo el tiempo" y que el jazz es visto como un "antídoto a la música seria". [80]
En 1940, Ub Iwerks fue recontratado en los estudios Disney como supervisor técnico de efectos visuales especiales. Entre sus primeras tareas estuvo la escena del apretón de manos entre Mickey Mouse y Stokowski. La escena se produjo filmando a Stokowski estrechando la mano en el aire, después de lo cual los animadores colocaron papel de dibujo sobre la impresión fotográfica y combinaron las acciones de Mickey con las suyas. La animación se fotografió con la película de Stokowski dentro de la cámara para crear un único negativo que combinaba ambas secuencias. [81]
Disney quería experimentar con técnicas de grabación y reproducción de sonido más sofisticadas para Fantasía . Dijo: "La música que sale de un altavoz detrás de la pantalla suena delgada, tintineante y tensa. Queríamos reproducir obras maestras tan hermosas... para que el público se sintiera como si estuviera de pie en el podio con Stokowski". [82] El aprendiz de brujo se grabó en una sesión de tres horas que comenzó a medianoche en los Culver Studios el 9 de enero de 1938. El lugar fue elegido porque el estudio de sonido en el estudio de Disney en Hyperion Avenue era demasiado pequeño. Stokowski eligió a los 85 músicos él mismo y sintió que estarían más alerta trabajando a una hora tan tardía. La sesión implicó un solo ensayo. [23] Los ingenieros de Disney colaboraron con RCA Corporation que implicó la grabación con múltiples canales de audio para permitir que se lograra cualquier equilibrio dinámico deseado durante la reproducción. [23] El escenario fue alterado acústicamente con particiones semicirculares de madera contrachapada doble que separaron la orquesta en cinco secciones y actuaron como una pared deflectora para aumentar la reverberación . [83] El ingeniero de sonido jefe de Disney, William Garity , estaba "muy decepcionado" con los resultados generales y no pudo tener un ensayo completo y grabar la orquesta en secciones separadas como estaba programado, pero Stokowski insistió en que la grabación fue satisfactoria. [18]
El 18 de enero de 1939, Stokowski firmó un contrato de dieciocho meses con Disney para dirigir las piezas restantes con la Orquesta de Filadelfia. [21] Las principales sesiones de grabación tuvieron lugar el 6, 8 y 12 de abril, cada una de tres horas de duración, en la Academy of Music , la sede de la orquesta que fue elegida por su excelente acústica . [82] [84] La orquesta de 90 piezas incluía algunos estudiantes del Curtis Institute of Music , y a cada músico se le pagaba una tarifa fija de $10 por hora y los músicos principales recibían hasta $400. [85]
El Westminster Choir College (un conservatorio de expatriados de Ohio que recientemente se había reubicado de manera permanente en la cercana Princeton ) fue contratado para proporcionar los elementos cantados de la película bajo la supervisión de Charles E. Henderson . Julietta Novis, afiliada a la universidad, fue seleccionada para el solo de soprano. [86] Habiendo conocido por primera vez al conjunto durante su mandato en la Sinfónica de Cincinnati , el Coro de Westminster (anteriormente de la vecina Dayton ) se estableció a partir de entonces como uno de los colaboradores de preferencia de Stokowski durante mucho tiempo.
En las notas de la funda de la versión LP de la banda sonora, Disney reconoció que las palabras originales fueron escritas por Walter Scott , pero decidió usar letras originales escritas especialmente para Fantasía por la autora estadounidense Rachel Field . [13] [ verificación necesaria ] Los dos efectos de sonido que se escuchan en la película se utilizan en Dance of the Hours : un golpe cuando una bailarina avestruz cae al suelo y el estruendo de las puertas del palacio al final. [87]
La configuración utilizada para El aprendiz de brujo fue abandonada ya que Disney y RCA querían utilizar un arreglo de grabación multicanal diferente. [83] Para las sesiones de la Academia, se colocaron 33 micrófonos alrededor de la orquesta que capturaron la música en ocho máquinas de grabación de sonido óptico colocadas en el sótano de la sala, donde los ingenieros siguieron la música en tiempo real y silenciaron los micrófonos cuando su sección asignada no estaba tocando. [88] Cada uno representaba un canal de audio que se enfocaba en una sección diferente de instrumentos: violonchelos y bajos, violines, metales, violas, instrumentos de viento de madera y timbales. El séptimo canal era una combinación de los primeros seis, mientras que el octavo proporcionaba un sonido general de la orquesta a distancia. [82] [89] [90] Un noveno canal proporcionó una función de pista de clic para que los animadores sincronizaran sus dibujos con la música. [89] [91] El material de la película de sonido óptico se almacenó en un camión fuera de la Academia, ya que mantener el material altamente inflamable dentro del sótano de madera planteaba un riesgo de incendio. [88] En los 42 días de grabación se utilizaron 483.000 pies (147.000 m) de película. [82] Disney pagó todos los gastos que incluían los salarios de los músicos, el personal de escenario, un bibliotecario musical y el director de la orquesta que costó casi $ 18.000. [21] Cuando las grabaciones terminadas llegaron al estudio, se celebró una reunión el 14 de julio de 1939, para permitir que los artistas que trabajaban en cada segmento escucharan los arreglos de Stokowski y sugirieran alteraciones en el sonido para trabajar de manera más efectiva con sus diseños. [92] Algunas partes solistas se grabaron posteriormente en California, todavía bajo la dirección de Stokowski. [88]
Los hermanos Disney se pusieron en contacto con David Sarnoff de la RCA para la fabricación de un nuevo sistema que "crearía la ilusión de que la orquesta sinfónica real está tocando en el teatro". Sarnoff se echó atrás al principio por razones financieras, pero en julio de 1939 aceptó fabricar el equipo siempre que los Disney pudieran mantener bajo control los costos estimados de 200.000 dólares (equivalentes a unos 4,4 millones de dólares en 2023). [93] Aunque no se sabía exactamente cómo lograr su objetivo, los ingenieros de Disney y RCA investigaron muchas ideas y pruebas realizadas con varias configuraciones de equipos. [83] La colaboración condujo al desarrollo de Fantasound, un sistema de sonido envolvente estereofónico pionero que innovó algunos procesos ampliamente utilizados en la actualidad, incluida la grabación multipista simultánea , la sobregrabación y la reducción de ruido . [89]
Fantasound, desarrollado en parte por Garity, empleaba dos proyectores que funcionaban al mismo tiempo. Uno contenía la película con una banda sonora mono para fines de respaldo, el otro reproducía una película sonora que se mezcló a partir de las nueve pistas grabadas en la Academia en cuatro: tres de las cuales contenían el audio para los altavoces izquierdo, central y derecho del escenario respectivamente, mientras que la cuarta se convirtió en una pista de control con tonos de amplitud y frecuencia que impulsaban amplificadores de ganancia variable para controlar el volumen de las tres pistas de audio. [83] Además, se colocaron tres altavoces "de la casa" a la izquierda, derecha y centro del auditorio que se derivaban de los canales izquierdo y derecho del escenario que actuaban como canales envolventes . [89] Como la grabación original se capturó casi en la modulación máxima para aumentar la relación señal-ruido , la pista de control se utilizó para restaurar la dinámica a donde Stokowski pensó que debería estar. Para esto, se construyó un dispositivo de ajuste de ganancia operado por tono para controlar los niveles de cada una de las tres pistas de audio a través de los amplificadores. [89]
La ilusión de que el sonido viajaba a través de los altavoces se logró con un dispositivo llamado " pan pot ", que dirigía el movimiento predeterminado de cada canal de audio con la pista de control. La mezcla de la banda sonora requirió que seis personas operaran los diversos pan pots en tiempo real, mientras que Stokowski dirigía cada nivel y cambio de pan que estaba marcado en su partitura musical. Para monitorear los niveles de grabación, Disney usó osciloscopios con diferenciación de color para minimizar la fatiga ocular. [94] Para probar el equipo de grabación y los sistemas de altavoces, Disney ordenó ocho osciladores electrónicos a la recién establecida compañía Hewlett-Packard . [95] [96] Entre las tomas individuales, las copias y las nuevas versiones, se utilizaron aproximadamente tres millones de pies de película sonora en la producción de Fantasía . [82] [97] Casi una quinta parte del presupuesto de la película se gastó en sus técnicas de grabación. [98]
RKO se opuso a la idea de distribuir Fantasía , que describió como un "musical de largo aliento", [99] y creyó que su duración de dos horas y cinco minutos más el intermedio era demasiado larga para un lanzamiento general. [100] [101] Relajó su contrato de distribución exclusiva con Disney, que quería una exhibición más prestigiosa en forma de una atracción itinerante de ejecución limitada . Se llevaron a cabo un total de trece espectáculos itinerantes en los Estados Unidos; cada uno de ellos incluía dos proyecciones diarias con reservas de asientos realizadas con anticipación a precios más altos y un intermedio de quince minutos. Disney contrató al vendedor de películas Irving Ludwig para gestionar los primeros once compromisos, [102] a quien se le dieron instrucciones específicas sobre cada aspecto de la presentación de la película, incluida la instalación de marquesinas exteriores del teatro y señales de telón e iluminación. Los espectadores fueron llevados a sus asientos por personal contratado y capacitado por Disney, [103] y recibieron un folleto del programa ilustrado por Gyo Fujikawa . [104]
El primer espectáculo itinerante se inauguró en el Teatro Broadway de la ciudad de Nueva York el 13 de noviembre de 1940. [104] Los Disney habían conseguido un contrato de arrendamiento de un año con el lugar que estaba completamente equipado con Fantasound, cuya instalación requirió de personal que trabajó las 24 horas del día durante una semana. [105] Las ganancias obtenidas en la noche se destinaron a la British War Relief Society después de la Batalla de Gran Bretaña . [106] La demanda de entradas fue tan grande que se emplearon ocho operadores telefónicos para manejar las llamadas adicionales mientras se alquilaba la tienda contigua para atender las reservas de taquilla. [107] Fantasía se presentó en Broadway durante cuarenta y nueve semanas consecutivas, la presentación más larga lograda por una película en ese momento. [108] Su presentación continuó durante un total de cincuenta y siete semanas hasta el 28 de febrero de 1942. [109]
Los doce roadshows restantes se llevaron a cabo a lo largo de 1941, que incluyeron una carrera de 39 semanas [108] en el Carthay Circle Theatre en Los Ángeles desde el 29 de enero. [110] [111] Fantasía rompió el récord de larga duración en el lugar en su vigésimo octava semana; un récord que anteriormente tenía Lo que el viento se llevó . [112] Su carrera de ocho semanas en el Fulton Theatre en Pittsburgh atrajo a más de 50.000 personas con reservas realizadas desde ciudades ubicadas a cien millas del lugar. [113] También se llevaron a cabo compromisos en el Geary Theatre en San Francisco durante ocho meses, [104] el Hanna Theatre en Cleveland durante nueve semanas, [114] [115] el Majestic Theatre en Boston , [104] el Apollo Theatre en Chicago , [116] y también en Filadelfia , Detroit , Buffalo , Minneapolis , Washington, DC y Baltimore . [117]
Fantasía recaudó más de 300.000 dólares en las primeras dieciséis semanas en Nueva York; más de 20.000 dólares en las primeras cinco semanas en San Francisco; y casi la misma cantidad en las primeras diez semanas tanto en Los Ángeles como en Boston. [107] Los primeros once roadshows recaudaron un total de 1,3 millones de dólares en abril de 1941, [108] pero los 85.000 dólares en costes de producción e instalación de una única instalación de Fantasound, [89] [118] junto con los cines que tenían que ser arrendados, [119] obligaron a Disney a superar sus límites de préstamo. [120] El inicio de la Segunda Guerra Mundial impidió los planes para un posible estreno en Europa, normalmente la fuente de hasta el cuarenta y cinco por ciento de los ingresos del estudio. [106] Se esbozaron hasta ochenta y ocho compromisos a lo largo de cinco años, pero las demandas de material en tiempos de guerra limitaron el número de copias de Fantasound a dieciséis. [108] Todas las instalaciones de Fantasound, menos una, fueron desmanteladas y donadas al esfuerzo bélico. [2] Al adquirir los derechos de distribución de la película en abril de 1941, RKO inicialmente continuó con la política de reservas de espectáculos itinerantes, pero presentó la película en mono, que era más fácil de exhibir. [121] [108] Los ingresos promedio combinados de cada espectáculo itinerante fueron de alrededor de $325,000, lo que colocó a Fantasia en una pérdida incluso mayor que Pinocho . [122]
Disney permitió a RKO manejar el lanzamiento general de Fantasía , pero luchó contra su decisión de cortar la película. Cedió ya que el estudio necesitaba la mayor cantidad de ingresos posible para remediar sus finanzas, pero se negó a cortarla él mismo, "Puedes conseguir a quien quieras para editarla... yo no puedo hacerlo". [123] Sin ninguna aportación de Disney, el director musical Ed Plumb y Ben Sharpsteen redujeron Fantasía a una hora y cuarenta minutos al principio, luego a una hora y veinte minutos eliminando la mayor parte de los comentarios de Taylor y la Toccata y Fuga . [120] [124] Fantasía fue reeditada en enero de 1942 a precios más populares con una banda sonora mono, y se colocó en la mitad inferior de los programas dobles con la película Western Valley of the Sun. [ 125]
El 1 de septiembre de 1946, la RKO reeditó Fantasía , con las secuencias animadas completas y las escenas de Taylor, Stokowski y la orquesta restauradas, pero acortadas. Su duración fue restaurada a una hora y cincuenta y cinco minutos. Esta edición sería la forma estándar para los relanzamientos posteriores y fue la base para la restauración de 1990. [101]
Quería un espectáculo especial, como el Cinerama que se presenta hoy en día... Tenía Fantasía preparada para una pantalla ancha. Tenía sonido dimensional... Para conseguir esa pantalla ancha, tenía el proyector girando de lado... Tenía el doble marco. Pero no llegué a construir mis cámaras ni mis proyectores porque surgió el problema del dinero... El compromiso fue que finalmente salió a la venta de manera estándar con sonido dimensional. Creo que si hubiera tenido el dinero y hubiera podido seguir adelante, habría tenido un espectáculo realmente sensacional en ese momento.
—Walt Disney sobre el estreno en pantalla ancha en 1956. [122]
En 1955, los negativos de sonido originales comenzaron a deteriorarse, aunque una copia de cuatro pistas había sobrevivido en buenas condiciones. Utilizando el sistema Fantasound restante en el estudio, se transfirió una copia estéreo de tres pistas a través de cables telefónicos sin ruido a una película magnética en una instalación de RCA en Hollywood. [2] [45] Esta copia se utilizó cuando Fantasía fue reeditada en estéreo por Buena Vista Distribution en SuperScope, un derivado del formato panorámico anamórfico CinemaScope , el 7 de febrero de 1956. [101] El proyector presentaba un mecanismo de control automático diseñado por ingenieros de Disney que estaba acoplado a una lente anamórfica variable, que permitía que la imagen cambiara entre su relación de aspecto estándar de la Academia de 1.33:1 a la relación de aspecto panorámica de 2.35:1 en veinte segundos sin una interrupción en la película. Esto se logró colocando las señales que controlaban el mecanismo en una pista separada además de los tres canales de audio. Solo se estiraron partes seleccionadas de la animación, mientras que todas las escenas de acción en vivo permanecieron sin cambios. [126] Esta reedición generó algunas críticas por parte de los espectadores, ya que el formato de pantalla ancha provocó el recorte y reencuadre de las imágenes. [127]
El 20 de febrero de 1963, Fantasía se volvió a publicar en versiones estándar y SuperScope con sonido estéreo, aunque los registros existentes no son claros. Su duración fue 56 segundos más larga que la edición anterior, lo que no se explica. [101] Este fue el último lanzamiento que se produjo antes de la muerte de Disney (y Taylor) en 1966. [101]
Fantasía comenzó a generar ganancias con su presupuesto de $2.28 millones después de su regreso a los cines el 17 de diciembre de 1969. [2] [101] La película fue promocionada con una campaña publicitaria de estilo psicodélico y se volvió popular entre los adolescentes y estudiantes universitarios que, según se informa, la apreciaron como una experiencia psicodélica . [128] El animador Ollie Johnston recordó que los jóvenes "pensaban que estábamos de viaje cuando la hicimos... cada vez que íbamos a hablar con una escuela o algo así, nos preguntaban qué estábamos tomando". [129] El lanzamiento también se destaca por la eliminación de cuatro escenas de The Pastoral Symphony por estereotipos raciales. Fantasía se emitió de forma regular, generalmente para su exhibición en casas de arte en ciudades universitarias, hasta mediados de la década de 1970. [101]
La película fue reeditada a nivel nacional una vez más el 15 de abril de 1977 (el mismo año de la muerte de Stokowski), esta vez con sonido estéreo simulado. [2] [106] Esta edición presentó el logotipo de distribución de RKO reemplazado por el de Buena Vista Distribution, ya que RKO no había sido parte de un lanzamiento desde 1946. No se había eliminado antes, ya que la secuencia de créditos habría requerido ser filmada nuevamente. Una reducción de dos minutos y medio en el tiempo de ejecución de la película en esta versión sigue sin estar clara en los registros existentes. [101]
En 1980, el estudio envió un segmento dañado de El cascanueces a varias compañías de restauración de películas; cada una informó que la grabación de sonido no podía actualizarse a una calidad adecuada para proyecciones en salas de cine. [130] A fines de 1981, los ejecutivos de Disney decidieron reemplazar la banda sonora de Stokowski con una nueva grabación digital en Dolby Stereo con el director Irwin Kostal ; el presidente y director ejecutivo Ron W. Miller dijo que el original se había degradado y "ya no coincidía con las imágenes extraordinarias". [131] Kostal dirigió una orquesta de 121 piezas cuidadosamente seleccionada y un coro de 50 voces para la grabación que se llevó a cabo en 18 sesiones de tres horas en enero de 1982 en CBS Studio Center en Los Ángeles, con un costo de producción de casi $ 1.4 millones. [131] [132] [133] [134] Cinco músicos que participaron en la grabación de 1940 actuaron en la nueva. [133] Kostal tuvo la difícil tarea de ajustar su dirección para que coincidiera con la de Stokowski, pero eligió la orquestación de Mussorgsky de Una noche en el monte pelado en lugar del arreglo que Stokowski había utilizado, que se basaba en la versión de Nikolay Rimsky-Korsakov . [132] [133] La nueva grabación también corrigió un retraso de dos cuadros en la proyección causado por las técnicas de grabación utilizadas en el momento en que se hizo la película. [3] La banda sonora de Kostal se preparó para la reedición de la película a partir del 2 de abril de 1982, en la que las escenas de Taylor se reemplazaron con una narración en off más breve de Hugh Douglas, ya que el estudio sintió que el público a esta altura se había vuelto "más sofisticado y conocedor de la música". [101] [3] Las voces de Mickey Mouse y Stokowski en la escena del apretón de manos también fueron dobladas nuevamente, la primera por Wayne Allwine , quien lo haría nuevamente en la versión de Fantasía 2000 de la misma escena. [134]
La versión de 1982 se reeditó a partir de febrero de 1985, que comenzó con una presentación en el Teatro Plitt Century Plaza de Los Ángeles, que estaba equipado con el sistema de altavoces digitales HPS-4000. Esto permitió que se presentara por primera vez la grabación estéreo digital de la banda sonora de Kostal, y convirtió a Fantasía en el primer largometraje cinematográfico presentado en sonido estéreo digital. [135] La grabación estándar se utilizó para el estreno generalizado de la película en alrededor de 400 salas de cine. [136] Esta vez, el actor Tim Matheson proporcionó la narración. [137]
Para su reedición del quincuagésimo aniversario, Fantasía se sometió a un proceso de restauración de dos años que comenzó con una búsqueda de seis meses para localizar los negativos originales, que habían estado almacenados desde 1946, y unirlos. Esta fue la primera vez desde entonces que se había preparado una copia de la película utilizando el negativo original y no una copia. [138] Se formó una nueva copia que era idéntica a la versión de 1946 con las introducciones de Taylor restauradas pero con una nueva secuencia de créditos finales agregada. Como no se pudieron encontrar las tomas iniciales originales de La consagración de la primavera , se utilizaron en su lugar imágenes de la película educativa de Disney A World is Born , que usaba imágenes del segmento. Este también fue el caso de una secuencia en The Pastoral Symphony , por lo que se utilizó un duplicado. [45] Cada uno de los 535.680 fotogramas se restauró a mano con una copia intacta de 1951 utilizada como guía sobre los colores y el tono correctos. [138] [139] Los cines que aceptaron proyectar la película debían instalar un equipo de sonido estéreo específico y presentarla en su relación de aspecto original de 1,33:1. [129] [140] La reedición de 1990 también tuvo la banda sonora de Stokowski restaurada, que fue remasterizada digitalmente por Terry Porter , quien trabajó con la banda sonora magnética de 1955. Calculó que se eliminaron 3000 ruidos y silbidos de la grabación. [84] [89] [140] Lanzada el 5 de octubre de 1990, la reedición recaudó 25 millones de dólares a nivel nacional. [141]
Disney consideró lanzar la banda sonora de la película en la época del estreno itinerante de la película, pero esta idea no se concretó. [21] La banda sonora fue lanzada por primera vez como un conjunto de tres LP mono [142] en dieciséis países [143] por Disneyland y Buena Vista Records en 1957, que contenía las piezas musicales sin la narración. Buena Vista Records publicó una edición estéreo en LP en 1961. [144] Disney tuvo que obtener el permiso de Stokowski, quien inicialmente rechazó su venta a menos que la Asociación de la Orquesta de Filadelfia recibiera una parte de las regalías. [143]
La grabación de Kostal fue lanzada en dos CD, dos LP y dos casetes de audio por Buena Vista Records, en 1982. [131] [145] [146]
En septiembre de 1990, la banda sonora remasterizada de Stokowski fue lanzada en CD y casete de audio por Buena Vista Records., [147] [148] y luego fue reeditada en 2006. En los Estados Unidos, debutó en la lista Billboard 200 en el número 190, su posición más alta, durante la semana del 17 de noviembre de 1990. [149] Dos meses después de su lanzamiento, el álbum fue certificado oro por la Recording Industry Association of America (RIAA) por 500.000 copias vendidas en los Estados Unidos. En enero de 1993, fue certificado platino por ventas superiores a un millón de copias. [150]
Para el 75.º aniversario de la película en 2015, las grabaciones de Stokowski y Kostal fueron lanzadas por Walt Disney Records en un álbum de cuatro discos como el quinto volumen de The Legacy Collection . El conjunto incluye la grabación de Stokowski del segmento eliminado de Clair de Lune y una grabación de El aprendiz de brujo y Pedro y el lobo (de Make Mine Music ) con narración adicional de Sterling Holloway ; él mismo narró este último originalmente. [151]
Fantasía ha recibido cuatro lanzamientos en formato de vídeo doméstico. El primero, que incluye la versión restaurada para cines de 1990, se lanzó en VHS, Betamax y LaserDisc el 1 de noviembre de 1991, como parte de la línea Walt Disney Classics . La banda sonora original regresó cuando Fantasound también se recreó en Dolby Stereo para el estreno en cines de la película en 1990. El resultado, llamado "Fantasound 90", se utilizó como base del audio para estos lanzamientos. [152] El lanzamiento se limitó a solo 50 días, lo que provocó 9,25 millones de pedidos anticipados de casetes y un récord de 200.000 de discos, duplicando la cifra del récord anterior. El paquete de la "Edición Deluxe" incluía la película, un video del "making of", una litografía conmemorativa , un folleto de 16 páginas, una banda sonora de dos discos con la partitura de Stokowski y un certificado de autenticidad firmado por Roy E. Disney , el sobrino de Walt. [141] En 1992, Fantasía se convirtió en el casete más vendido de todos los tiempos en los EE. UU. con 14,2 millones de copias vendidas. [153] El récord fue superado más tarde ese año por La bella y la bestia . [154] También fue el video más vendido en el Reino Unido en ese momento, con ventas de 3 millones. [155] Para octubre de 1994, se habían vendido 21,7 millones de copias del video en todo el mundo. [156]
En noviembre de 2000, Fantasía fue lanzada en video por segunda vez, esta vez junto con Fantasía 2000 , en DVD con sonido envolvente 5.1 . Las películas se emitieron por separado y en un conjunto de tres discos llamado The Fantasia Anthology . Se incluyeron una variedad de características adicionales en el disco adicional, The Fantasia Legacy . Esta edición intentó seguir lo más fielmente posible la duración y el formato de la versión original del roadshow, e incluyó imágenes de acción en vivo restauradas adicionales de Taylor y la orquesta, incluidos los sujetalibros del intermedio de la película. [157] Desde el lanzamiento de 2000, la voz de Taylor fue regrabada por Corey Burton porque la mayoría de las pistas de audio de las escenas restauradas de Taylor se habían deteriorado hasta el punto de que ya no se podían usar. [158] Curiosamente, el DVD del Reino Unido todavía usa la versión teatral de 1990 para su contenido de video, aunque con la nueva restauración de audio de la versión estadounidense. [159]
Ambas películas fueron reeditadas nuevamente por Walt Disney Studios Home Entertainment en noviembre de 2010 por separado, como un set de dos discos DVD/Blu-ray y un set combinado de cuatro discos DVD y Blu-ray (llamado "Fantasia 2 Movie Collection") que incluía video de alta definición de 1080p y sonido envolvente 7.1 . [160] La versión de 2010 de Fantasía contó con una nueva restauración de Reliance MediaWorks y una nueva restauración de sonido, [161] pero era editorialmente idéntica a la versión de 2000. [162] Esto también marcó la primera vez en Europa, donde originalmente se le negó un lanzamiento debido a la guerra, que se lanzó la versión de roadshow. Fantasía fue retirada del lanzamiento y regresó a la moratoria de " Disney Vault " el 30 de abril de 2011. [163] [164]
En 2021, ambas películas, junto con la compilación de 2018 Celebrating Mickey , una colección de 13 cortos de Mickey Mouse, se reeditaron en DVD, Blu-ray y digitalmente como parte de la exclusiva The Best of Mickey Collection de Disney Movie Club de EE. UU . [165] También se lanzaron por primera vez en múltiples plataformas de transmisión compradas en EE. UU., incluidas Movies Anywhere y sus minoristas. [166] [167]
Fantasía obtuvo importantes elogios de la crítica en el momento de su estreno y fue vista por algunos críticos como una obra maestra. [168] El estreno en la Costa Oeste en el Carthay Circle Theatre fue un gran evento, que atrajo a unas 5000 personas, entre ellas Shirley Temple , Cecil B. DeMille , Forrest Tucker , James Cagney , Robert Montgomery , James Murphy, Edgar Bergen y muchas otras personalidades notables de la industria cinematográfica. [168] Entre los asistentes al estreno de la película se encontraba el crítico de cine Edwin Schallert, del Los Angeles Times, que consideró que la película era un logro magnífico en el cine que pasaría a la historia cinematográfica como una película histórica, destacando el aplauso entusiasta que recibió la película por parte del público durante los diversos interludios. Afirmó que Fantasía era "caviar para el general, ambrosía y néctar para la intelectualidad" y consideró que la película era "valiente más allá de lo creíble". [168] La crítica musical del periódico, Isabel Morse Jones , elogió enormemente la banda sonora de la película, creyendo que era un "sueño de concierto sinfónico", un "concierto enormemente variado de ideas pictóricas, de música abstracta de compositores reconocidos, de intérpretes como Leopold Stokowski y músicos de orquesta de Hollywood y Filadelfia, y, para la gran mayoría, nuevos y maravillosos efectos de sonido". [168] Bosley Crowther de The New York Times , también en el estreno, señaló que "anoche se hizo historia en el cine... Fantasía arroja por la borda las fórmulas convencionales y revela el alcance de las películas para la excursión imaginativa... Fantasía ... es simplemente estupenda". [106] Peyton Boswell, editor de Art Digest , lo llamó "una experiencia estética que nunca se olvidará". [118] La revista Time describió el estreno como "más extraño y maravilloso que cualquiera de los de Hollywood" y la experiencia de Fantasound "como si el oyente estuviera en medio de la música. A medida que la música llega a su clímax, espumea sobre el arco del proscenio, hierve en la parte trasera del teatro, casi salta de un lado a otro por los pasillos". [61] La revista Dance Magazine dedicó su artículo principal a la película, diciendo que "lo más extraordinario de Fantasía es, para un bailarín o un balletómano, no la grabación musical milagrosa, la gama de colores o la integridad floreciente de los colaboradores de Disney, sino simplemente la perfección de su baile".[106] Variety también elogió a Fantasia, llamándola "un experimento exitoso para elevar la relación desde el plano del entretenimiento popular y de masas a los estratos superiores de atractivo para los amantes de la música clásica". [169] El Chicago Tribune asignó a tres escritores para cubrir el estreno de la película en Chicago: la columnista de sociedad Harriet Pribble; la crítica de cine Mae Tinee; y el crítico musical Edward Barry. Pribble se fue asombrada por la "audiencia brillantemente vestida", mientras que Tinee sintió que la película era "hermosa ... pero también desconcertante. Es estupenda. Es colosal. Es una orgía abrumadoramente ambiciosa de color, sonido e imaginación". Barry estaba satisfecho con el "programa de buena música bien interpretada ... y bellamente grabada" y se sintió "gratamente distraído" de la música a lo que se mostraba en la pantalla. [116] En un desglose de las críticas de los críticos de cine y música, el autor de Disney Paul Anderson encontró que el 33% eran "muy positivas", el 22% tanto "positivas" como "positivas y negativas", y el 11% negativas. [170]
Aquellos que adoptaron una visión más negativa en el momento del estreno de la película provenían principalmente de la comunidad de música clásica. Muchos encontraron fallas en los reordenamientos y abreviaciones de la música de Stokowski. Igor Stravinsky , el único compositor vivo cuya música apareció en la película, expresó su descontento por cómo en el arreglo de Stokowski de La consagración de la primavera , "el orden de las piezas había sido barajado y las más difíciles eliminadas", y criticó la interpretación de la orquesta, observando que la simplificación de la partitura "no salvó la interpretación musical, que fue execrable". [171] [172] Otros compositores y críticos musicales criticaron la premisa de la película en sí, argumentando que presentar música clásica con imágenes visuales robaría a las piezas musicales su integridad. El compositor y crítico musical Virgil Thomson elogió Fantasound, que en su opinión ofrecía una "buena transmisión de la música", pero no le gustó el "gusto musical" de Stokowski, con excepción de El aprendiz de brujo y La consagración de la primavera . [106] Olin Downes de The New York Times también elogió la calidad de sonido que presentaba Fantasound, pero dijo que "gran parte de Fantasía distraía o dañaba directamente las partituras". [106] La crítica de cine Pauline Kael descartó partes de Fantasía como "grotescamente kitsch ". [173] Algunos padres se resistieron a pagar los precios más altos de los espectáculos itinerantes para sus hijos, y varios se quejaron de que el segmento Night on Bald Mountain los había asustado. [123] También hubo algunas reacciones negativas que eran de naturaleza más política, especialmente porque el estreno de la película ocurrió en un momento en que la Alemania nazi reinaba suprema en Europa . Una reseña de la película de esta manera, escrita por Dorothy Thompson para The New York Herald TribuneEl 25 de noviembre de 1940, la película fue especialmente dura. Thompson afirmó que "abandonó el cine en un estado que bordeaba el colapso nervioso", porque la película era una "pesadilla notable". Thompson comparó la película con el nazismo desenfrenado, al que describió como "el abuso de poder" y "la traición pervertida de los mejores instintos". Thompson también afirmó que la película mostraba a la naturaleza como algo "titánico", mientras que el hombre era solo "un liquen en movimiento sobre la piedra del tiempo". Concluyó que la película era "cruel", "brutal y embrutecedora", y una "caricatura negativa de la decadencia de Occidente". De hecho, Thompson afirmó que estaba tan angustiada por la película que incluso salió de ella antes de ver los dos últimos segmentos, Night on Bald Mountain y Ave Maria , porque no quería estar sujeta a más "brutalización" de la película. [174]
En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes , el 95% de las 58 reseñas de los críticos son positivas, con una calificación promedio de 8.6/10. El consenso del sitio web dice: "Un hito en la animación (y una gran influencia en el medio del video musical), Fantasía de Disney es una mezcla implacablemente inventiva de los clásicos con imágenes fantasmagóricas". [175] Metacritic , que utiliza un promedio ponderado , le asignó a la película una puntuación de 96 sobre 100, basada en 18 críticos, lo que indica "aclamación universal". [176] TV Guide le otorgó a la película cuatro estrellas, llamándola "la película animada más ambiciosa jamás salida de los estudios Disney", y señaló cómo la película "integra obras famosas de música clásica con imágenes tremendamente desiguales pero extraordinariamente imaginativas que abarcan desde hipopótamos danzantes hasta lo puramente abstracto". [177] Roger Ebert del Chicago Sun-Times calificó la película con cuatro estrellas de cuatro, y señaló que a lo largo de Fantasía , "Disney va más allá de los límites". [178] Sin embargo, la revista Empire solo la calificó con dos estrellas de cinco (pobre), concluyendo que "es un asunto muy irregular: mientras que algunas de las piezas animadas funcionan, otras parecen completamente locas". [179] También se han hecho comentarios sobre que Fantasía no es una película para niños. El escritor sobre religión Mark I. Pinsky considera que Fantasía es una de las películas animadas de Disney más problemáticas, ya que estaba destinada tanto a adultos como a niños y no a lo que la gente esperaba. [180]
Fantasía ocupó el quinto lugar en los Premios de la National Board of Review de 1940 en la categoría de las diez mejores películas . [181] Disney y Stokowski ganaron un Premio Especial por la película en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1940. [182] Fantasía fue objeto de dos Premios Honorarios de la Academia el 26 de febrero de 1942: uno para Disney, William Garity, John NA Hawkins y la RCA Manufacturing Company por su "destacada contribución al avance del uso del sonido en las películas cinematográficas a través de la producción de Fantasía ", y el otro para Stokowski "y sus asociados por su logro único en la creación de una nueva forma de música visualizada en la producción de Walt Disney Fantasía , ampliando así el alcance de la película como entretenimiento y como forma de arte". [183]
En 1990, Fantasía fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [184] En el centenario del cine en 1995, el Vaticano incluyó a Fantasía en su lista de 45 "grandes películas" realizadas en la categoría de Arte; las otras son Religión y Valores. [185] Fantasía aparece en tres listas que clasifican las mejores películas estadounidenses según lo determinado por el American Film Institute . La película ocupó el puesto número 58 en 100 Years... 100 Movies en 1998, [186] antes de que fuera eliminada de su clasificación en la revisión del décimo aniversario en 2007, [187] aunque fue nominada para su inclusión. [188] La lista de los 10 mejores 10 formada en 2008 colocó a Fantasía en quinto lugar en Animación. [186]
En abril de 1939, el agente publicitario de Filadelfia Mark S. Tutelman presentó una demanda judicial en un intento de impedir que se hiciera la película. Tutelman afirmó que la película se originó a partir de una idea de sincronizar la animación con la música clásica que le describió por primera vez a Stokowski en 1937, había preparado guiones y arreglos orquestales a pedido de Stokowski sin reconocimiento ni crédito, y exigió una parte de las ganancias de la película. [189] [190] En abril de 1940, el caso de Tutelman fue desestimado. [191] En 1942, Tutelman presentó una demanda por daños y perjuicios de 25.000 dólares contra Stokowski, acusando al director de una apropiación indebida de ideas sin crédito. [192]
En abril de 1942, el censor cinematográfico irlandés insistió en que la película cortara la introducción científica de Taylor a La consagración de la primavera debido a su "representación materialista de los orígenes de la vida ". [193]
En la década de 1960, se eliminaron cuatro tomas de The Pastoral Symphony que mostraban a dos personajes de una manera racialmente estereotipada. Una centaureta negra llamada Sunflower fue representada puliendo las pezuñas de una centaureta blanca, y una segunda llamada Otika apareció brevemente durante las escenas de la procesión con Baco y sus seguidores. [194] Los personajes fueron eliminados inicialmente para una repetición de 1963 del episodio de Disneyland Magic and Music , que originalmente se emitió sin cortes en 1958. El propio Disney aprobó los cambios. [195] [196] El episodio se emitió sin cortes en televisión una vez más en 1966, antes de que las ediciones se incorporaran a la reedición teatral de la película de 1969 y ha permanecido en todos los lanzamientos desde entonces. [197] [198] John Carnochan , el editor del lanzamiento en video de 1991, dijo: "Es un poco espantoso para mí que estos estereotipos se hayan incluido". [199] El crítico de cine Roger Ebert comentó sobre la edición: "Si bien la película original debería, por supuesto, preservarse con fines históricos, no hay necesidad de que la versión de lanzamiento general perpetre estereotipos racistas en una película diseñada principalmente para niños". [198]
En mayo de 1992, la Asociación de Orquesta de Filadelfia presentó una demanda contra The Walt Disney Company y Buena Vista Home Video . La orquesta sostuvo que, como cocreador de Fantasía , el grupo tenía derecho a la mitad de los aproximadamente 120 millones de dólares en ganancias por las ventas de videos y discos láser. [200] La orquesta abandonó su caso en 1994 cuando las dos partes llegaron a un acuerdo no revelado fuera de los tribunales. [201] La editorial musical británica Boosey & Hawkes presentó otra demanda en 1993, alegando que Disney no tenía los derechos para distribuir La consagración de la primavera en los lanzamientos de videos de 1991 porque el permiso otorgado a Disney por Stravinsky en 1940 fue solo en el contexto de una película que se exhibiría en cines. [172] Un tribunal de distrito federal respaldó el caso de Boosey & Hawkes en 1996, [202] [203] pero el Tribunal de Apelaciones del Segundo Circuito revocó el fallo en 1998, afirmando que la "licencia original de Disney para los derechos cinematográficos se extiende a la distribución en formato de vídeo". [204] [205]
Disney había querido que Fantasía fuera un proyecto en curso, con una nueva edición que se lanzara cada pocos años. [206] Su plan era reemplazar uno de los segmentos originales con uno nuevo a medida que se completaba, para que el público siempre viera una nueva versión de la película. [104] De enero a agosto de 1941, se desarrolló material de la historia basado en obras musicales adicionales, incluyendo La cabalgata de las valquirias de Richard Wagner , El cisne de Tuonela de Jean Sibelius , Invitación a la danza de Carl Maria von Weber , la Polca y fuga de Schwanda el gaitero de Jaromír Weinberger , un "ballet para bebés" ambientado en Berceuse de Frédéric Chopin y un "ballet de insectos" ambientado en El vuelo del moscardón de Nikolai Rimsky-Korsakov , [14] [104] que luego se adaptó al segmento Bumble Boogie en Melody Time (1948). El decepcionante desempeño inicial de la película en taquilla y la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial pusieron fin a estos planes. [207] Deems Taylor preparó introducciones para El pájaro de fuego de Stravinsky, La Mer de Claude Debussy , Aventuras en un cochecito de niño de John Alden Carpenter , Don Quijote de Richard Strauss y Cuadros de una exposición de Mussorgsky "para tenerlas para el futuro en caso de que decidiéramos hacer alguna de ellas". [206] [208]
Otro segmento, Clair de lune de Debussy , fue desarrollado como parte del programa original de la película. Después de ser completamente animado, fue cortado de la película final para acortar su largo tiempo de duración. La animación mostraba dos garzas blancas volando a través de los Everglades de Florida en una noche iluminada por la luna, con más enfoque en el arte de fondo del segmento que en la historia y la animación. La secuencia fue posteriormente editada y re-musicalizada para el segmento Blue Bayou en Make Mine Music (1946). En 1992, se descubrió una copia de trabajo del original y Clair de Lune fue restaurado, completo con la banda sonora original de Stokowski con la Orquesta de Filadelfia. Fue incluido como un contenido adicional en el DVD The Fantasia Anthology en 2000. [209]
Destino , una colaboración entre Walt Disney y el artista surrealista Salvador Dalí , también fue considerada para su inclusión como un futuro segmento de Fantasía , pero fue archivada hasta que fue redescubierta durante la producción de Fantasía 2000. En su secuencia de presentadora para El soldadito de plomo en esa película, Bette Midler menciona varias secuencias canceladas, específicamente La cabalgata de las valquirias , Destino , El vuelo del moscardón , Berceuse y La polca y fuga.
Fantasía es atemporal. Puede que siga vigente durante 10, 20 o 30 años. Puede que siga vigente después de que yo me haya ido. Fantasía es una idea en sí misma. Nunca podré crear otra Fantasía . Puedo mejorarla. Puedo elaborarla. Eso es todo.
—Walt Disney [14]
En 1980, el diario Los Angeles Times informó que Wolfgang Reitherman y Mel Shaw habían comenzado a trabajar en Musicana , "un concepto ambicioso que mezclaba jazz, música clásica, mitos, arte moderno y más, siguiendo el antiguo formato de Fantasía ". [210] El historiador de animación Charles Solomon escribió que el desarrollo tuvo lugar entre 1982 y 1983, que combinó "cuentos étnicos de todo el mundo con la música de varios países". Los segmentos propuestos para la película incluían una batalla entre un dios del hielo y una diosa del sol ambientada en Finlandia por Sibelius, una ambientada en los Andes con las canciones de Yma Sumac , otra con caricaturas de Louis Armstrong y Ella Fitzgerald y una adaptación de El ruiseñor del emperador que habría presentado a Mickey como el dueño del ruiseñor, similar a su papel en El aprendiz de brujo . El proyecto fue archivado en favor de Mickey's Christmas Carol , [211] aunque la obra de arte realizada para El ruiseñor del emperador se usaría más tarde para una adaptación del libro de Teddy Slater en 1992.
Roy E. Disney , el sobrino de Walt, coprodujo Fantasía 2000 , que entró en producción en 1990 y cuenta con siete nuevos segmentos interpretados por la Orquesta Sinfónica de Chicago con el director James Levine . [212] El aprendiz de brujo es el único segmento que se conserva de la película original. Fantasía 2000 se estrenó en el Carnegie Hall el 17 de diciembre de 1999, como parte de una gira de conciertos en vivo por cinco ciudades, seguida de una presentación de cuatro meses en cines IMAX [213] y un amplio lanzamiento en salas regulares, en 2000. [214]
El desarrollo inicial de una tercera película comenzó en 2002, con un título provisional de Fantasia 2006. Los segmentos propuestos incluían The Little Matchgirl de Roger Allers , One by One de Pixote Hunt , Lorenzo de Mike Gabriel y Destino de Dominique Monféry . [215] El proyecto fue archivado en 2004, y los segmentos propuestos se lanzaron como cortometrajes individuales. [216]
El 25 de octubre de 2019, se anunció que Disney está desarrollando un proyecto basado en Fantasía para su servicio de transmisión, Disney+ . [217]
Fantasía es parodiada en A Corny Concerto , un dibujo animado de Warner Bros. de 1943 de la serie Merrie Melodies dirigida por Bob Clampett . El corto presenta a Elmer Fudd [219] en el papel de Taylor, con sus gafas de estilo, que presenta dos segmentos ambientados por Johann Strauss ( Cuentos de los bosques de Viena y el vals del Danubio azul , el primero con Porky y Bugs y el segundo con Daffy). En 1976, el animador italiano Bruno Bozzetto produjo Allegro Non Troppo , una parodia de largometraje de Fantasía . [220]
La serie animada de televisión Los Simpson hace referencia a Fantasía en algunos episodios. Matt Groening , el creador de la serie, expresó su deseo de hacer una película de parodia llamada Simpstasia ; nunca se produjo, en parte porque hubiera sido demasiado difícil escribir un guion de largometraje. [221] En " Treehouse of Horror IV ", el director David Silverman había admirado la animación en Night on Bald Mountain , e hizo que la primera aparición de Devil Flanders se pareciera a Chernabog. [222] El episodio " Itchy & Scratchy Land " hace referencia a El aprendiz de brujo en un fragmento titulado "Scratchtasia", que presenta la música y varias tomas que lo parodian exactamente. [223]
En 2014, BBC Music creó un programa de educación musical similar a Fantasía llamado Ten Pieces , destinado a introducir a los niños a la música clásica. Abarcando dos películas (en 2014 y 2015), también se incluyen varias piezas que aparecen en las películas de Fantasía . [224]
La película de 2018 Teen Titans Go! To the Movies hace referencia a Fantasia durante la secuencia musical "My Superhero Movie". [ cita requerida ]
De 2001 a 2015, el Sombrero del Brujo fue el ícono de Disney's Hollywood Studios , uno de los cuatro parques temáticos ubicados en Walt Disney World Resort . La estructura era del sombrero mágico de El aprendiz de brujo . [225] También se encuentra en el resort Fantasia Gardens , un campo de golf en miniatura que integra personajes y objetos de la película en cada hoyo. [226] El espectáculo de fuegos artificiales y agua Fantasmic! presenta escenas de El aprendiz de brujo y otros segmentos de Fantasía en pantallas de proyección de agua, e involucra la trama de Mickey como el aprendiz haciendo magia mientras también lucha contra los villanos de Disney . [227]
Para el 20.º aniversario de Disneyland París , Mickey fue representado con una versión especial de su traje de aprendiz de brujo y sus amigos lucieron trajes similares. El segmento "Night on Bald Mountain" aparece en la atracción Storybook Land Canal Boats en el parque Disneyland de París, junto con la heladería Fantasia Gelati en Fantasyland, que también está inspirada en la película. [228]
El atuendo de Mickey, los baldes de agua y el libro de hechizos y la silla de Yen Sid están en exhibición como accesorios del segmento de El aprendiz de brujo en la cola de la atracción Mickey & Minnie's Runaway Railway en Disneyland . [229]
En 1983, Atari lanzó un juego llamado Sorcerer's Apprentice para Atari 2600 , basado en ese segmento de Fantasía . El jugador, como Mickey Mouse, debe recolectar estrellas fugaces y cometas que evitarán que las escobas en marcha inunden la caverna de Yen Sid. [230]
En 1991, Infogrames lanzó un videojuego Fantasia de desplazamiento lateral para el sistema Sega Mega Drive/Genesis . El jugador controla a Mickey Mouse, quien debe encontrar notas musicales perdidas esparcidas en cuatro mundos elementales basados en los segmentos de la película. [231]
Hay varios niveles de carretes de película basados en algunos de los segmentos de la película, como El aprendiz de brujo y La noche en la montaña pelada , que aparecen en los juegos de Epic Mickey . Yen Sid y Chernabog también hacen apariciones especiales en los juegos (Yen Sid, el hechicero de El aprendiz de brujo, narra las aperturas y finales de los dos juegos y sirvió como el creador de Wasteland. Chernabog, el demonio del segmento La noche en la montaña pelada/Ave María, aparece como una pintura en el primer juego y aparece en los niveles de carretes de película La noche en la montaña pelada en el segundo). [232]
La serie de juegos crossover de Disney/ Square Enix Kingdom Hearts presenta a Chernabog como jefe en la primera entrega . [233] La pieza Night on Bald Mountain se toca durante la pelea. Yen Sid aparece con frecuencia en la serie comenzando con Kingdom Hearts II , con la voz en inglés de Corey Burton . Symphony of Sorcery, un mundo basado en la película, aparece en Kingdom Hearts 3D: Dream Drop Distance . Al igual que el mundo de Timeless River en Kingdom Hearts II , se presenta como un período del pasado de Mickey Mouse. [234]
Fantasia: Music Evolved , un juego de música , fue desarrollado por Harmonix en asociación con Disney Interactive para lasconsolas Xbox 360 y Xbox One . El juego utiliza el dispositivo Kinect para poner a los jugadores en control de la música de una manera similar a los juegos de ritmo anteriores de Harmonix, afectando el entorno virtual y los objetos interactivos dentro de él. El juego presenta música de rock contemporánea con licencia como Queen y Bruno Mars . [235]
Mickey, en su apariencia de Aprendiz de Brujo, aparece como un personaje jugable en Disney Infinity . [236]
Una presentación en vivo de la película llamada Disney Fantasia: Live in Concert , muestra varios segmentos tanto de Fantasia como de Fantasia 2000. La versión de concierto presenta una orquesta sinfónica en vivo y un solista de piano que acompaña segmentos de video proyectados en alta definición. El concierto de Fantasia todavía estaba de gira por todo el mundo hasta 2022. [237] [238] [239]
Varios elementos de la película aparecen en la serie de televisión Once Upon a Time . El sombrero de El aprendiz de brujo aparece en el episodio de la cuarta temporada " A Tale of Two Sisters ". A medida que avanzaba la serie, se demostró que el sombrero tenía la capacidad de absorber a otros, y aquellos que absorbía aparecerían como una estrella en el sombrero. El propio Aprendiz de Brujo hace una aparición, donde es un anciano que guarda el sombrero en el Bosque Encantado. [240]
Chernabog de Night On Bald Mountain también hace una aparición en el episodio " Oscuridad en el borde de la ciudad ". [241]
Partitura musical dirigida por Leopold Stokowski . Interpretada por la Orquesta de Filadelfia , salvo que se indique lo contrario.
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