El teatro en Estados Unidos es parte de la antigua tradición teatral europea y ha sido fuertemente influenciado por el teatro británico . El eje central de la escena teatral estadounidense es Manhattan , con sus divisiones de Broadway , Off-Broadway y Off-Off-Broadway . Muchas estrellas de cine y televisión han conseguido su gran oportunidad trabajando en producciones de Nueva York. Fuera de Nueva York, muchas ciudades tienen compañías de teatro profesionales regionales o residentes que producen sus propias temporadas, y algunas obras se producen regionalmente con la esperanza de mudarse eventualmente a Nueva York. El teatro estadounidense también tiene una cultura teatral comunitaria activa , que depende principalmente de voluntarios locales que tal vez no estén siguiendo activamente una carrera teatral. [1]
Antes de que se estableciera la primera colonia inglesa en 1607, había dramas españoles y tribus nativas americanas que representaban eventos teatrales. [2] Las representaciones continuaron realizándose en territorios controlados por españoles en lo que más tarde se convirtió en los Estados Unidos. Por ejemplo, en el Presidio de Los Adaes en Nueva Filipinas (ahora Luisiana ), se presentaron varias obras de teatro el 12 de octubre de 1721. [3]
Aunque se construyó un teatro en Williamsburg, Virginia en 1716, y el Dock Street Theatre original se inauguró en Charleston, Carolina del Sur en 1736, el nacimiento del teatro profesional en las colonias inglesas pudo haber comenzado cuando Lewis Hallam llegó con su compañía teatral a Williamsburg en 1752. [4] Lewis y su hermano William , que llegaron en 1754, fueron los primeros en organizar una compañía completa de actores en Europa y traerlos a las colonias . Trajeron un repertorio de obras populares en Londres en ese momento, incluidas Hamlet , Otelo , El oficial de reclutamiento y Ricardo III . El mercader de Venecia fue su primera representación, mostrada inicialmente el 15 de septiembre de 1752. [5] Al encontrar la oposición de organizaciones religiosas, Hallam y su compañía partieron hacia Jamaica en 1754 o 1755. [ cita necesaria ] Poco después, Lewis Hallam, Jr. , fundó la American Company, abrió un teatro en Nueva York y presentó la primera obra estadounidense montada profesionalmente: El príncipe de Partia , de Thomas Godfrey , en 1767. [6]
En el siglo XVIII, se aprobaron leyes que prohibían la representación de obras de teatro en Massachusetts en 1750, en Pensilvania en 1759 y en Rhode Island en 1761, y las obras de teatro fueron prohibidas en la mayoría de los estados durante la Guerra de Independencia de los Estados Unidos a instancias del Congreso Continental . [5] En 1794, el presidente del Yale College , Timothy Dwight IV , en su "Ensayo sobre el escenario", declaró que "permitir el gusto por el teatro significa ni más ni menos que la pérdida de ese tesoro más valioso: el alma inmortal". ". [ cita necesaria ]
A pesar de tales leyes, algunos escritores intentaron dedicarse a la dramaturgia. Lo más probable es que las primeras obras escritas en Estados Unidos fueran de autores nacidos en Europa (sabemos de obras originales escritas por españoles, franceses e ingleses que se remontan a 1567), aunque no se imprimieron obras en Estados Unidos hasta Androboros de Robert Hunter en 1714. Aun así, en los primeros años, la mayoría de las obras producidas procedían de Europa; sólo con El Príncipe de Partia de Godfrey en 1767 tenemos una obra de teatro producida profesionalmente escrita por un estadounidense, aunque fue un sustituto de último minuto de la ópera cómica de Thomas Forrest The Disappointment; o La fuerza de la credulidad , y aunque es la primera obra que trata temas estadounidenses en serio, Ponteach; or, the Savages of America de Robert Rogers , se había publicado en Londres un año antes. [7] 'Cato', una obra sobre la revolución, se representó para George Washington y sus tropas en Valley Forge en el invierno de 1777-1778.
El período revolucionario supuso un impulso para los dramaturgos, para quienes los debates políticos eran un terreno fértil tanto para la sátira, como se ve en las obras de Mercy Otis Warren y el coronel Robert Munford, como para las obras de teatro sobre el heroísmo, como en las obras de Hugh Henry Brackenridge . El período de posguerra vio el nacimiento de la comedia social estadounidense en The Contrast de Royall Tyler , que estableció una versión muy imitada del personaje "yankee", aquí llamado "Jonathan". Pero no hubo dramaturgos profesionales hasta William Dunlap , cuyo trabajo como dramaturgo, traductor, director e historiador del teatro le ha valido el título de "Padre del drama americano"; Además de traducir las obras de August von Kotzebue y los melodramas franceses, Dunlap escribió obras de teatro en diversos estilos, de los cuales André y El padre; o el shandyismo estadounidense es el mejor. [7]
En 825 Walnut Street en Filadelfia , Pensilvania, se encuentra el Walnut Street Theatre , o "The Walnut". Fundado en 1809 por el Circo de Pipino y Breschard , "El Nogal" es el teatro más antiguo de América. La primera producción teatral de Walnut, The Rivals , se representó en 1812. Asistieron el presidente Thomas Jefferson y el marqués de Lafayette . [8]
Los teatros provinciales con frecuencia carecían de calefacción y de un mínimo de elementos teatrales ("accesorios") y escenografía . A la par de la expansión del país hacia el oeste , algunos empresarios operaban teatros flotantes en barcazas o barcos fluviales que viajaban de ciudad en ciudad. Una ciudad grande podía permitirse una larga "carrera" (o período de tiempo durante el cual una compañía en gira presentaría múltiples representaciones consecutivas) de una producción, y en 1841, una sola obra se exhibió en la ciudad de Nueva York durante tres semanas sin precedentes. [ cita necesaria ]
Las obras de William Shakespeare se representaban habitualmente. Las obras de teatro estadounidenses de la época eran en su mayoría melodramas , un ejemplo famoso de los cuales fue La cabaña del tío Tom , adaptada por George Aiken , de la novela del mismo nombre de Harriet Beecher Stowe .
En 1821, William Henry Brown estableció el African Grove Theatre en la ciudad de Nueva York. Fue el tercer intento de tener un teatro afroamericano, pero este fue el más exitoso de todos. La compañía no sólo representó a Shakespeare, sino que también puso en escena la primera obra escrita por un afroamericano, The Drama of King Shotaway . El teatro se cerró en 1823. [9] El teatro afroamericano estaba relativamente inactivo, a excepción de la obra de 1858 The Escape; o Un salto hacia la libertad de William Wells Brown , quien fue un ex esclavo. Las obras afroamericanas no volverían a ser consideradas hasta el Renacimiento de Harlem de la década de 1920 . [9]
Una forma popular de teatro durante esta época era el espectáculo de juglar , que presentaba actores blancos (y a veces, especialmente después de la Guerra Civil, negros ) vestidos con " cara negra (pintarse la cara, etc.) con maquillaje oscuro para imitar el color de un africano" . o afroamericano). " Los jugadores entretuvieron a la audiencia con parodias cómicas, parodias de obras de teatro y musicales populares, y bufonadas y comedias en general, todo con un gran uso de estereotipos raciales y temas racistas . [ cita necesaria ]
A lo largo del siglo XIX, la cultura teatral estuvo asociada al hedonismo e incluso a la violencia; Los actores (especialmente las mujeres) eran considerados poco mejores que las prostitutas. Jessie Bond escribió que a mediados del siglo XIX, "el escenario estaba en su punto más bajo, las glorias isabelinas y las artificialidades georgianas se habían desvanecido en el pasado, la tragedia forzada y la farsa vulgar eran todo lo que el aspirante a espectador tenía para elegir. y el teatro se había convertido en un lugar de mala fama". [10] El 15 de abril de 1865, menos de una semana después del final de la Guerra Civil de los Estados Unidos , Abraham Lincoln , mientras veía una obra de teatro en el Teatro Ford en Washington, DC, fue asesinado por un actor de teatro popular a nivel nacional de la época. , cabina de John Wilkes .
El burlesco victoriano , una forma de teatro cómico obsceno que se burlaba del arte y la cultura elevados, se importó de Inglaterra alrededor de 1860 y en Estados Unidos se convirtió en una forma de farsa en la que las mujeres en papeles masculinos se burlaban de la política y la cultura de la época. Criticada por su sexualidad y franqueza, esta forma de entretenimiento fue expulsada del "escenario legítimo" y relegada a salones y bares . [ cita necesaria ] Las productoras, como Lydia Thompson , fueron reemplazadas por sus homólogos masculinos, quienes atenuaron la política y resaltaron la sexualidad, hasta que los espectáculos burlescos finalmente se convirtieron en poco más que chicas guapas con ropa diminuta cantando canciones, mientras que los comediantes masculinos contó chistes obscenos.
El drama del período anterior a la guerra tendía a ser derivado en la forma, imitando los melodramas y tragedias románticas europeos, pero nativo en el contenido, apelando al nacionalismo popular al dramatizar los acontecimientos actuales y retratar el heroísmo estadounidense. Pero los dramaturgos estaban limitados por una serie de factores, incluida la necesidad de que las obras fueran rentables, los gustos medios de los espectadores estadounidenses y la falta de protección de los derechos de autor y de compensación para los dramaturgos. Durante esta época, la mejor estrategia para un dramaturgo era convertirse en actor y/o manager, siguiendo el modelo de John Howard Payne , Dion Boucicault y John Brougham . Este período vio la popularidad de ciertos tipos de personajes nativos, especialmente el "yanqui", el "negro" y el "indio", ejemplificados por los personajes de Jonathan , Sambo y Metamora . Mientras tanto, el aumento de la inmigración provocó una serie de obras de teatro sobre irlandeses y alemanes, que a menudo encajaban con preocupaciones sobre la templanza y la religión católica. Este período también vio obras de teatro sobre la expansión estadounidense hacia Occidente (incluidas obras sobre el mormonismo) y sobre los derechos de las mujeres. Entre las mejores obras de la época se encuentran Superstition, de James Nelson Barker ; o, el Padre Fanático , Anna Cora Mowatt 's Fashion; o La vida en Nueva York , Putnam, el hijo de hierro del 76 , de Nathaniel Bannister , El octoroon, de Dion Boucicault ; o La vida en Luisiana y La brujería de Cornelius Mathews ; o los Mártires de Salem . Al mismo tiempo, Estados Unidos había creado nuevas formas dramáticas en los Tom Shows , el teatro showboat y el espectáculo de juglares . [7]
Durante la posguerra en el Norte, el teatro floreció a medida que el auge de la posguerra permitió producciones más largas y frecuentes. La llegada del transporte ferroviario estadounidense permitió a las productoras, actores y decorados grandes y elaborados viajar fácilmente entre ciudades, lo que hizo factibles los teatros permanentes en ciudades pequeñas. La invención y la aplicación práctica de la iluminación eléctrica también provocaron cambios y mejoras en los estilos de escenografía, así como cambios en el diseño de los interiores de los teatros y las zonas de asientos.
En 1896, Charles Frohman , Al Hayman , Abe Erlanger , Mark Klaw , Samuel F. Flenderson y J. Fred Zimmerman, Sr. formaron Theatrical Syndicate , que estableció redes de reservas sistematizadas en todo Estados Unidos y creó un monopolio administrativo que controlaba todos los aspectos de los contratos y reservas hasta principios del siglo XX, cuando los hermanos Shubert fundaron una agencia rival, The Shubert Organization .
Para los dramaturgos, el período posterior a la guerra trajo más recompensas financieras y respeto estético (incluida la crítica profesional) que antes. En términos de forma, los espectáculos, los melodramas y las farsas siguieron siendo populares, pero el drama poético y el romanticismo casi desaparecieron por completo debido al nuevo énfasis en el realismo, que fue adoptado tanto por el drama serio como por el melodrama y la comedia. Este realismo no era exactamente el realismo europeo de Los fantasmas de Ibsen , sino una combinación de realismo escénico (por ejemplo, el " Método Belasco ") con una visión menos romántica de la vida que acompañó la agitación cultural de la época. El esfuerzo más ambicioso hacia el realismo durante este período provino de James Herne , quien fue influenciado por las ideas de Ibsen, Hardy y Zola respecto al realismo, la verdad y la calidad literaria; su logro más importante, Margaret Fleming , promulga los principios que expuso en su ensayo "El arte por el bien de la verdad en el drama". Aunque Fleming no atrajo al público (los críticos y el público sintieron que se explayaba demasiado en temas indecorosos e incluía escenas impropias, como la de Margaret amamantando al hijo bastardo de su marido en el escenario), otras formas de realismo dramático se estaban volviendo más populares en el melodrama (por ejemplo, Augustin Daly 's Under the Gaslight ) y en obras de teatro locales ( Shenandoah de Bronson Howard ). Otros dramaturgos clave durante este período son David Belasco , Steele MacKaye , William Dean Howells , Dion Boucicault y Clyde Fitch . [7]
El vodevil era común a finales del siglo XIX y principios del XX, y se destaca por influir en gran medida en las primeras producciones cinematográficas, radiofónicas y televisivas del país. (Esto nació de una práctica estadounidense anterior de hacer que cantantes y actos novedosos actuaran entre actos en una obra estándar). George Burns fue un comediante estadounidense de larga vida que comenzó en la comunidad de vodevil, pero continuó disfrutando de una carrera en hasta los años 1990.
Algunos teatros de vodevil construidos entre 1900 y 1920 aproximadamente lograron sobrevivir también, aunque muchos pasaron por períodos de uso alternativo, más a menudo como salas de cine, hasta que en la segunda mitad del siglo muchas poblaciones urbanas disminuyeron y se construyeron multicines en los suburbios. Desde entonces, algunos de ellos han sido restaurados a su estado original o casi original y atraen a nuevos públicos casi cien años después.
A principios del siglo XX, el teatro legítimo de 1752 (no vodevil) se había vuelto decididamente más sofisticado en los Estados Unidos, al igual que en Europa. Las estrellas de esta época, como Ethel Barrymore y John Barrymore , a menudo eran vistas como incluso más importantes que el programa en sí. El avance del cine también provocó muchos cambios en el teatro. La popularidad de los musicales puede deberse en parte al hecho de que las primeras películas no tenían sonido y, por lo tanto, no podían competir, hasta The Jazz Singer de 1927, que combinaba conversación y música en una película en movimiento. En este período florecieron dramas más complejos y sofisticados, y los estilos de actuación se volvieron más moderados. Incluso en 1915, los actores estaban siendo atraídos desde el teatro hacia la pantalla grande , y el vodevil comenzaba a enfrentar una dura competencia.
Si bien durante los primeros 20 años del siglo XX dominaron las revistas que consistían en canciones, sketches, rutinas de comedia y bailarinas (chicas Ziegfeld ), en su mayoría inconexas, el teatro musical eventualmente se desarrollaría más allá de esto. Uno de los primeros grandes pasos fue Show Boat , con música de Jerome Kern y letra de Oscar Hammerstein . Presentaba canciones y escenas no musicales que se integraron para desarrollar la trama del programa. ¡ El siguiente gran paso adelante fue Oklahoma! , con letra de Hammerstein y música de Richard Rodgers . Sus "ballets de ensueño" utilizaban la danza para llevar adelante la trama y desarrollar los personajes.
Los grupos de artistas aficionados siempre han tenido un lugar junto a las compañías de actores profesionales. El Amateur Comedy Club, Inc. fue fundado en la ciudad de Nueva York el 18 de abril de 1884. Fue organizado por siete caballeros que se separaron de la Organización Dramática de Madison Square, una compañía socialmente prominente presidida por la Sra. James Brown Potter y David Belasco. . El ACC realizó su primera representación el 13 de febrero de 1885. Ha actuado continuamente desde entonces, lo que la convierte en la sociedad teatral más antigua de los Estados Unidos que actúa continuamente. Entre los neoyorquinos destacados que han sido miembros del ACC se encuentran Theodore, Frederick y John Steinway, de la familia de fabricantes de pianos; Gordon Grant, el artista marino; Christopher La Farge, el arquitecto; Van H. Cartmell, el editor; Albert Sterner , el pintor; y Edward Fales Coward, crítico de teatro y dramaturgo. Elsie De Wolfe , Lady Mendl, más tarde famosa como la primera decoradora de interiores profesional del mundo, actuó en producciones del Club en los primeros años del siglo XX, al igual que Hope Williams y Julie Harris en la década de 1940.
El teatro de principios del siglo XX estuvo dominado por los Barrymore: Ethel Barrymore , John Barrymore y Lionel Barrymore . Otros grandes fueron Laurette Taylor , Jeanne Eagels y Eva Le Gallienne . El enorme cambio social que se produjo durante la Gran Depresión también tuvo un efecto en el teatro en Estados Unidos. Las obras asumieron roles sociales, identificándose con inmigrantes y desempleados. El Proyecto Federal de Teatro , un programa del New Deal creado por Franklin D. Roosevelt , ayudó a promover el teatro y proporcionar empleo a los actores. El programa presentó muchas obras elaboradas y controvertidas como It Can't Happen Here de Sinclair Lewis y The Cradle Will Rock de Marc Blitzstein . Por el contrario, el legendario productor Brock Pemberton (fundador de los premios Tony ) estaba entre los que sentían que era más que nunca un momento para el entretenimiento cómico, con el fin de proporcionar un escape de las duras condiciones sociales imperantes: típico de sus producciones era La comedia Personal Appearance (1934) de Lawrence Riley , cuyo éxito en Broadway (501 representaciones) reivindicó a Pemberton.
Los años entre las guerras mundiales fueron años de extremos. Las obras de Eugene O'Neill fueron el punto culminante de obras dramáticas serias que condujeron al estallido de la guerra en Europa. Más allá del horizonte (1920), por la que ganó su primer premio Pulitzer; Más tarde ganó el Pulitzer por Anna Christie (1922) y Strange Interlude (1928), así como el Premio Nobel de Literatura . Alfred Lunt y Lynn Fontanne siguieron siendo una pareja de actores popular en la década de 1930.
1940 resultó ser un año crucial para el teatro afroamericano. Frederick O'Neal y Abram Hill fundaron ANT, o American Negro Theatre , el grupo de teatro afroamericano más renombrado de la década de 1940. Su escenario era pequeño y estaba ubicado en el sótano de una biblioteca en Harlem, y la mayoría de los espectáculos fueron asistidos y escritos por afroamericanos. Algunos espectáculos incluyen Natural Man (1941) de Theodore Browne , Walk Hard (1944) de Abram Hill y Garden of Time (1945) de Owen Dodson . Muchos actores famosos recibieron su formación en ANT, entre ellos Harry Belafonte , Sidney Poitier , Alice y Alvin Childress , Osceola Archer, Ruby Dee , Earle Hyman , Hilda Simms , entre muchos otros. [11]
El teatro de mediados del siglo XX vio una gran cantidad de grandes protagonistas, incluidas Helen Hayes , Katherine Cornell , Tallulah Bankhead , Judith Anderson y Ruth Gordon . El teatro musical contó con estrellas como Ethel Merman , Beatrice Lillie , Mary Martin y Gertrude Lawrence .
Después de la Segunda Guerra Mundial, el teatro estadounidense cobró fuerza. Varios dramaturgos estadounidenses, como Arthur Miller y Tennessee Williams , alcanzaron fama mundial.
En las décadas de 1950 y 1960, la experimentación en las artes se extendió también al teatro, con obras como Hair que incluían referencias a la desnudez y la cultura de las drogas. Los musicales también siguieron siendo populares, y musicales como West Side Story y A Chorus Line batieron récords anteriores. Al mismo tiempo, espectáculos como Stephen Sondheim 's Company comenzaron a deconstruir la forma musical tal como se había practicado durante mediados de siglo, alejándose de la trama tradicional y los escenarios externos realistas para explorar el estado interno del personaje central; sus Follies se basaron en pastiches de la revista estilo Ziegfeld Follies ; sus Pacific Overtures utilizaron prácticas teatrales japonesas de kabuki ; y Merrily We Roll Along contó su historia al revés. De manera similar, la producción de Chicago de Bob Fosse devolvió el musical a sus orígenes de vodevil.
Hechos y cifras del teatro de posguerra
Las audiencias y las taquillas del teatro estadounidense de posguerra disminuyeron debido a la "ofensiva" no declarada de la televisión y la radio contra el teatro clásico y legítimo . Según James F. Reilly, director ejecutivo de la Liga de Teatros de Nueva York , entre 1930 y 1951 el número de teatros legítimos en la ciudad de Nueva York disminuyó de 68 a 30. Además, el impuesto de admisión ha sido una carga para el teatro desde entonces. 1918. Nunca se relajó y se duplicó en 1943. [12] La capacidad total de asientos de los treinta teatros legítimos más renombrados ascendió a 35.697 asientos en 1951. Desde 1937, sólo en la ciudad de Nueva York, 14 antiguos teatros legítimos con una capacidad normal de asientos de 16.955, han sido asumidos para transmisiones de radio o espectáculos de televisión . [13]
A finales de los años 1990 y 2000, el teatro estadounidense comenzó a tomar prestado del cine y las óperas. Por ejemplo, Julie Taymor , directora de El Rey León , dirigió Die Zauberflöte en el Metropolitan Opera . Además, los musicales de Broadway se desarrollaron en torno a Mary Poppins , Tarzán , La Sirenita de Disney y el que empezó todo, La Bella y la Bestia , lo que puede haber contribuido a la revitalización de Times Square en la década de 1990. Además, The Producers y Young Frankenstein de Mel Brooks están basadas en sus exitosas películas.
Los primeros años del siglo XX, antes de la Primera Guerra Mundial, seguían viendo el realismo como el principal desarrollo del drama. Pero a partir de 1900 se produjo un resurgimiento del drama poético en Estados Unidos, correspondiente a un resurgimiento similar en Europa (por ejemplo, Yeats , Maeterlinck y Hauptmann ). El ejemplo más notable de esta tendencia fue la "trilogía bíblica" de William Vaughn Moody , que también ilustra el auge del drama de temática religiosa durante los mismos años, como se ve en la producción de 1899 de Ben-Hur y dos adaptaciones de 1901 de Quo Vadis. . Moody, sin embargo, es mejor conocido por dos obras en prosa, The Great Divide (1906, posteriormente adaptada en tres versiones cinematográficas ) y The Faith Healer (1909), que en conjunto señalan el camino hacia el drama estadounidense moderno en su énfasis en los conflictos emocionales que están en el centro de los conflictos sociales contemporáneos. Otros dramaturgos clave de este período (además del trabajo continuo de Howells y Fitch) incluyen a Edward Sheldon , Charles Rann Kennedy y una de las dramaturgas más exitosas del drama estadounidense, Rachel Crothers , cuyo interés por las cuestiones de la mujer se puede ver en este tipo de obras. como Él y Ella (1911). [7]
Durante el periodo de entreguerras, el teatro americano alcanzó su madurez, gracias en gran parte a las obras de Eugene O'Neill y de los Provincetown Players . Los experimentos de O'Neill con la forma teatral y su combinación de técnicas naturalistas y expresionistas inspiraron a otros dramaturgos a utilizar una mayor libertad en sus obras, ya sea expandiendo las técnicas del realismo , como en Trifles de Susan Glaspell , o tomando prestado más del expresionismo alemán (por ejemplo, , The Adding Machine de Elmer Rice ), otros movimientos distintos durante este período incluyen el drama popular/regionalismo ( In Abraham's Bosom , de Paul Green , ganadora del Pulitzer ), el drama de "desfile" ( The Lost Colony , de Green , sobre la misteriosa colonia de Roanoke) . ), e incluso un regreso al drama poético ( Winterset de Maxwell Anderson ). Al mismo tiempo, la crisis económica de la Gran Depresión condujo al crecimiento del drama de protesta, como se ve en las producciones del Living Newspaper del Federal Theatre Project y en las obras de Clifford Odets (por ejemplo, Waiting for Lefty ), así como en drama moralista, como en The Little Foxes y The Children's Hour de Lillian Hellman . Otras figuras clave de esta época incluyen a George S. Kaufman , George Kelly , Langston Hughes , SN Behrman , Sidney Howard , Robert E. Sherwood y un conjunto de dramaturgos que siguieron el camino de búsqueda filosófica de O'Neill, Philip Barry , Thornton Wilder ( Our Town ) y William Saroyan ( El tiempo de tu vida ). La crítica teatral siguió el ritmo del drama, como en la obra de George Jean Nathan y en los numerosos libros y revistas sobre teatro estadounidense que se publicaron durante esta época. [7]
La estatura que el drama estadounidense había alcanzado entre guerras se consolidó durante la generación posterior a la Segunda Guerra Mundial, y a las obras finales de O'Neill y su generación se unieron figuras tan destacadas como Tennessee Williams y Arthur Miller , así como el Maduración de la forma del teatro musical. Otros dramaturgos clave incluyen a William Inge , Arthur Laurents y Paddy Chayefsky en la década de 1950, el movimiento de vanguardia de Jack Richardson, Arthur Kopit , Jack Gelber y Edward Albee en la década de 1960, y la maduración del drama negro a través de Lorraine Hansberry , James Baldwin y Amiri Baraka. . En el teatro musical, figuras importantes incluyen a Rodgers y Hammerstein , Lerner y Loewe , Betty Comden y Adolph Green , Richard Adler y Jerry Ross , Frank Loesser , Jule Styne , Jerry Bock , Meredith Willson y Stephen Sondheim . [7]
El período que comenzó a mediados de los años 1960, con la aprobación de la legislación sobre derechos civiles y sus repercusiones, produjo el surgimiento de un teatro de "agenda" comparable al de los años 1930. Muchos de los principales dramaturgos de mediados de siglo continuaron produciendo nuevas obras, pero se les unieron nombres como Sam Shepard , Neil Simon , Romulus Linney , David Rabe , Lanford Wilson , David Mamet y John Guare . Muchas dramaturgas importantes fueron mujeres, entre ellas Beth Henley , Marsha Norman , Wendy Wasserstein , Megan Terry , Paula Vogel y María Irene Fornés . El crecimiento de los movimientos de orgullo étnico llevó a un mayor éxito de los dramaturgos de minorías raciales, como los dramaturgos negros Douglas Turner Ward , Adrienne Kennedy , Ed Bullins , Charles Fuller , Suzan-Lori Parks , Ntozake Shange , George C. Wolfe y August Wilson , quienes Creó una historia dramática de Estados Unidos con su ciclo de obras, El ciclo de Pittsburgh , una para cada década del siglo XX. El teatro asiático-americano estuvo representado a principios de los años 1970 por Frank Chin y alcanzó el éxito internacional con M. Butterfly de David Henry Hwang . El teatro latino creció desde las actuaciones activistas locales del Teatro Campesino de Luis Valdez , centrado en los chicanos , hasta sus obras más formales, como Zoot Suit , y más tarde hasta el trabajo premiado de los cubanoamericanos Fornés (múltiples Obies) y su alumno Nilo Cruz. (Pulitzer), a los dramaturgos puertorriqueños José Rivera y Miguel Piñero , y al musical ganador del premio Tony sobre los dominicanos en la ciudad de Nueva York, In the Heights . Finalmente, el ascenso del movimiento por los derechos de los homosexuales y de la crisis del SIDA llevó a que varios dramaturgos gays y lesbianas importantes, entre ellos Christopher Durang , Holly Hughes , Karen Malpede , Terrence McNally , Larry Kramer , Tony Kushner , cuyo Angels in America ganara el Premio Tony dos años seguidos, y el compositor y dramaturgo Jonathan Larson , cuyo musical Rent estuvo en cartelera durante más de doce años. [7]
Otra pieza importante del teatro estadounidense incluye el activismo que contiene, incluidas obras creadas por Lorraine Hansberry , como A Raisin in the Sun. Sus obras impulsan la representación de los afroamericanos, así como la igualdad. Otro activista del teatro estadounidense es William Finn , quien creó la obra A New Brain , sobre la representación de personas LGBTQ+ en el entretenimiento.
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Aunque los estilos anteriores de teatro, como los espectáculos de juglares y los actos de vodevil , han desaparecido del panorama, [14] el teatro sigue siendo una forma de arte estadounidense contemporáneo popular. Las producciones de Broadway todavía entretienen a millones de espectadores, incluso cuando las producciones se han vuelto más elaboradas y costosas. [15] Al mismo tiempo, el teatro también ha servido como plataforma para la expresión, [16] y como lugar para la exploración de la identidad de comunidades minoritarias subrepresentadas, que han formado sus propias compañías y creado sus propios géneros de obras, incluidas aquellas creado por August Wilson , Tony Kushner , David Henry Hwang , John Guare y Wendy Wasserstein . Los teatros urbanos más pequeños siguen siendo una fuente de innovación y los teatros regionales siguen siendo una parte importante de la vida teatral. El teatro también se enseña en las escuelas secundarias y universidades, algo que no se hacía en épocas anteriores, y muchos se interesan por el teatro a través de este género.
El 12 de octubre [1721...] más extraña y significativa aún fue la presentación de varias obras de teatro.
El bosque virgen del este de Texas se convirtió en el escenario de la primera representación dramática en suelo texano.
Una historia del teatro en América, vol.
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