Edward Kennedy " Duke " Ellington (29 de abril de 1899 - 24 de mayo de 1974) fue un pianista de jazz , compositor y líder de su orquesta de jazz homónima desde 1923 hasta el resto de su vida. [1]
Nacido y criado en Washington, DC , Ellington residió en la ciudad de Nueva York desde mediados de la década de 1920 y ganó un perfil nacional a través de las apariciones de su orquesta en el Cotton Club en Harlem . Un maestro en la escritura de miniaturas para el formato de grabación de 78 rpm de tres minutos, Ellington escribió o colaboró en más de mil composiciones; su extenso corpus de trabajo es el mayor legado personal de jazz grabado, y muchas de sus piezas se han convertido en estándares . También grabó canciones escritas por sus compañeros de banda, como " Caravan " de Juan Tizol , que aportó un matiz español al jazz de big band.
A finales de la década de 1930, Ellington inició una colaboración de casi treinta años con el compositor, arreglista y pianista Billy Strayhorn , a quien llamaba su compañero de escritura y arreglos. [2] Con Strayhorn, compuso múltiples composiciones extensas, o suites, así como muchas piezas cortas. Durante unos años, al comienzo de la participación de Strayhorn, la orquesta de Ellington contó con el bajista Jimmy Blanton y el saxofonista tenor Ben Webster y alcanzó un pico creativo. [3] Algunos años más tarde, tras un período de bajo perfil, una aparición de Ellington y su orquesta en el Festival de Jazz de Newport en julio de 1956 condujo a un importante resurgimiento y giras mundiales regulares. Ellington grabó para la mayoría de las compañías discográficas estadounidenses de su época, actuó y musicalizó varias películas y compuso un puñado de musicales teatrales.
Aunque fue una figura fundamental en la historia del jazz , en opinión de Gunther Schuller y Barry Kernfeld , "el compositor más significativo del género", [4] el propio Ellington adoptó la frase "más allá de la categoría", considerándola un principio liberador y refiriéndose a su música como parte de la categoría más general de la música estadounidense. [5] Ellington era conocido por su uso inventivo de la orquesta, o big band, así como por su elocuencia y carisma. Fue galardonado póstumamente con el Premio Pulitzer Especial de música en 1999. [6]
Ellington nació el 29 de abril de 1899, hijo de James Edward Ellington y Daisy (née Kennedy) Ellington en Washington, DC. Ambos padres eran pianistas. Daisy tocaba principalmente canciones de salón , y James prefería arias de ópera . [7] Vivían con los padres de Daisy en 2129 Ida Place (ahora Ward Place) NW, en el vecindario West End de DC . [8] El padre de Duke nació en Lincolnton, Carolina del Norte , el 15 de abril de 1879, y en 1886, se mudó a DC con sus padres. [9] Daisy Kennedy nació en Washington, DC, el 4 de enero de 1879, hija de dos ex esclavos estadounidenses . [8] [10] James Ellington hizo planos para la Armada de los Estados Unidos .
Cuando Ellington era niño, su familia mostraba orgullo y apoyo racial en su hogar, al igual que muchas otras familias. Los afroamericanos en DC trabajaron para proteger a sus hijos de las leyes de Jim Crow de la época . [11]
A los siete años, Ellington comenzó a tomar lecciones de piano con Marietta Clinkscales. [7] Daisy rodeó a su hijo de mujeres dignas para reforzar sus modales y enseñarle elegancia. Sus amigos de la infancia notaron que su manera informal y despreocupada y su elegante vestimenta le daban el porte de un joven noble, [12] por lo que comenzaron a llamarlo "Duque". Ellington le atribuyó el apodo a su amigo Edgar McEntee: "Creo que él sintió que para que yo fuera elegible para su compañía constante, debía tener un título. Así que me llamó Duque". [13]
Aunque Ellington tomó lecciones de piano, estaba más interesado en el béisbol. " El presidente [Theodore] Roosevelt venía a veces en su caballo y "se detenía y nos miraba jugar", recordó. [14] Ellington fue a la Armstrong Technical High School en Washington, DC. Su primer trabajo fue vender maní en los partidos de béisbol de los Washington Senators .
Ellington empezó a colarse en el Poolroom de Frank Holiday a los catorce años. Escuchar la música de los pianistas del poolroom encendió el amor de Ellington por el instrumento y empezó a tomarse en serio sus estudios de piano. Entre los muchos pianistas que escuchó se encontraban Doc Perry, Lester Dishman, Louis Brown, Turner Layton , Gertie Wells, Clarence Bowser, Sticky Mack, Blind Johnny, Cliff Jackson , Claude Hopkins , Phil Wurd, Caroline Thornton, Luckey Roberts , Eubie Blake , Joe Rochester y Harvey Brooks . [15]
En el verano de 1914, mientras trabajaba como camarero en el Poodle Dog Café, Ellington escribió su primera composición, "Soda Fountain Rag " (también conocida como "Poodle Dog Rag"). Creó la pieza de oído, ya que aún no había aprendido a leer y escribir música. "Tocaba 'Soda Fountain Rag' como one-step , two-step , vals , tango y fox trot ", recordó Ellington. "Los oyentes nunca supieron que era la misma pieza. Estaba establecido como alguien que tenía mi propio repertorio". [16] En su autobiografía, Music is my Mistress (1973), Ellington escribió que faltaba a más lecciones de las que asistía, sintiendo en ese momento que el piano no era su talento.
Ellington continuó escuchando, viendo e imitando a pianistas de ragtime , no solo en Washington, DC sino también en Filadelfia y Atlantic City , donde pasaba las vacaciones con su madre durante el verano. [16] A veces escuchaba música extraña tocada por quienes no podían permitirse muchas partituras, así que para las variaciones, tocaban las partituras al revés. [17] Henry Lee Grant, un profesor de música de la Dunbar High School , le dio lecciones privadas de armonía . Con la guía adicional del pianista y líder de banda de Washington Oliver "Doc" Perry, Ellington aprendió a leer partituras , proyectar un estilo profesional y mejorar su técnica. Ellington también se inspiró en sus primeros encuentros con los pianistas de stride James P. Johnson y Luckey Roberts. Más tarde en Nueva York, recibió consejos de Will Marion Cook , Fats Waller y Sidney Bechet . Comenzó a tocar en cafés y clubes en Washington, DC y sus alrededores. Su apego a la música era tan fuerte que en 1916 rechazó una beca de arte para el Pratt Institute en Brooklyn . Tres meses antes de graduarse, abandonó la Escuela de Capacitación Manual Armstrong, donde estaba estudiando arte comercial. [18]
Ellington comenzó a trabajar como pintor de carteles independiente en 1917 y comenzó a formar grupos para tocar en bailes. En 1919 conoció al baterista Sonny Greer, de Nueva Jersey, quien alentó la ambición de Ellington de convertirse en músico profesional. Ellington construyó su negocio musical a través de su trabajo diario. Cuando un cliente le pedía que hiciera un cartel para un baile o una fiesta, preguntaba si tenían entretenimiento musical; si no, Ellington se ofrecía a tocar para la ocasión. También tenía un trabajo de mensajero en la Marina de los EE. UU. y en los departamentos de Estado, donde hizo una amplia gama de contactos.
Ellington se fue de la casa de sus padres y compró la suya propia mientras se convertía en un pianista de éxito. Al principio, tocó en otros conjuntos y a finales de 1917 formó su primer grupo, "The Duke's Serenaders" ("Colored Syncopators", proclamaba su anuncio en la guía telefónica). [18] También fue el agente de contratación del grupo. Su primera actuación fue en el True Reformer's Hall, donde se llevó a casa 75 centavos. [19]
Ellington tocó en toda la zona de DC y en Virginia en bailes de sociedades privadas y fiestas de embajadas. La banda incluía a su amigo de la infancia Otto Hardwick , que comenzó a tocar el contrabajo, luego pasó al saxofón melodioso en do y finalmente se decidió por el saxofón alto; Arthur Whetsel en la trompeta; Elmer Snowden en el banjo; y Sonny Greer en la batería. La banda prosperó, tocando tanto para audiencias afroamericanas como blancas, algo poco común en la sociedad segregada de la época. [20]
Cuando su baterista Sonny Greer fue invitado a unirse a la Orquesta Wilber Sweatman en la ciudad de Nueva York, Ellington dejó su exitosa carrera en DC y se mudó a Harlem , convirtiéndose finalmente en parte del Renacimiento de Harlem . [21] Nuevas modas de baile como el charleston surgieron en Harlem, así como el teatro musical afroamericano , incluido el Shuffle Along de Eubie Blake y Noble Sissle (el último de los cuales era su vecino) . Después de que los jóvenes músicos dejaron la Orquesta Sweatman para emprender su propio camino, encontraron una escena de jazz emergente que era altamente competitiva y de difícil acceso. Jugaban al billar durante el día y tocaban en todos los conciertos que podían encontrar. La joven banda conoció al pianista de stride Willie "The Lion" Smith , quien los presentó a la escena y les dio algo de dinero. Tocaron en fiestas en casas de alquiler para obtener ingresos. Después de unos meses, los jóvenes músicos regresaron a Washington, DC, sintiéndose desanimados.
En junio de 1923, tocaron en un concierto en Atlantic City, Nueva Jersey y otro en el prestigioso Exclusive Club en Harlem. A esto le siguió en septiembre de 1923 un traslado al Hollywood Club (en la calle 49 y Broadway) y un compromiso de cuatro años, lo que le dio a Ellington una sólida base artística. Era conocido por tocar la corneta al final de cada actuación. El grupo se llamó inicialmente Elmer Snowden and his Black Sox Orchestra y tenía siete miembros, incluido el trompetista James "Bubber" Miley . Se rebautizaron como The Washingtonians. Snowden dejó el grupo a principios de 1924 y Ellington asumió el cargo de director de la banda. Después de un incendio, el club volvió a abrir como Club Kentucky (a menudo denominado Kentucky Club).
Ellington grabó ocho discos en 1924, recibiendo crédito como compositor en tres de ellos, incluido "Choo Choo". [22] En 1925, Ellington contribuyó con cuatro canciones a Chocolate Kiddies protagonizada por Lottie Gee y Adelaide Hall , [ cita requerida ] una revista totalmente afroamericana que presentó al público europeo los estilos e intérpretes afroamericanos. Duke Ellington y su Kentucky Club Orchestra crecieron hasta convertirse en un grupo de diez músicos; desarrollaron su propio sonido a través de la expresión no tradicional de los arreglos de Ellington, los ritmos callejeros de Harlem y los gruñidos de trombón y wah-wahs de sonido exótico, las trompetas agudas y los riffs de blues de saxofón de los miembros de la banda. Durante un breve tiempo, el saxofonista soprano y clarinetista Sidney Bechet tocó con ellos, convirtiéndose supuestamente en la personalidad dominante del grupo, y Sonny Greer dijo que Bechet "encajaba con la banda como un guante". Su presencia provocó fricciones con Miley y el trombonista Charlie Irvis , cuyos estilos diferían del estilo de tocar de Bechet, influenciado por Nueva Orleans. Fue principalmente la falta de fiabilidad de Bechet (estuvo ausente durante tres días seguidos) lo que hizo que su asociación con Ellington fuera efímera. [23]
En octubre de 1926, Ellington llegó a un acuerdo con el agente-editor Irving Mills , [24] otorgándole a Mills una participación del 45% en el futuro de Ellington. [25] Mills tenía ojo para los nuevos talentos y publicó composiciones de Hoagy Carmichael , Dorothy Fields y Harold Arlen al principio de sus carreras. Después de grabar un puñado de temas acústicos durante 1924-26, el fichaje de Ellington con Mills le permitió grabar prolíficamente. Sin embargo, a veces grabó diferentes versiones de la misma melodía. Mills regularmente aparecía como co-compositor. Desde el principio de su relación, Mills organizó sesiones de grabación en casi todos los sellos, incluidos Brunswick , Victor , Columbia , OKeh , Pathé (y su filial, Perfect), el grupo de sellos ARC/Plaza (Oriole, Domino, Jewel, Banner) y sus sellos de baratillo (Cameo, Lincoln, Romeo), Hit of the Week y los sellos más económicos de Columbia (Harmony, Diva, Velvet Tone, Clarion), sellos que dieron a Ellington el reconocimiento popular. En OKeh, sus discos se publicaban normalmente como The Harlem Footwarmers. En contraste, los Brunswicks se publicaban normalmente como The Jungle Band. Whoopee Makers y los Ten BlackBerries eran otros seudónimos.
En septiembre de 1927, King Oliver rechazó una reserva regular para su grupo como banda de la casa en el Cotton Club de Harlem ; [26] la oferta pasó a Ellington después de que Jimmy McHugh le sugiriera y Mills organizara una audición. [27] Ellington tuvo que aumentar de un grupo de seis a 11 piezas para cumplir con los requisitos de la gerencia del Cotton Club para la audición, [28] y el compromiso finalmente comenzó el 4 de diciembre. [29] Con una transmisión de radio semanal, la clientela exclusivamente blanca y adinerada del Cotton Club acudía todas las noches para verlos. En el Cotton Club, el grupo de Ellington interpretó toda la música para las revistas, que mezclaban comedia, números de baile, vodevil, burlesque, música y alcohol ilícito . Los números musicales fueron compuestos por Jimmy McHugh y las letras fueron escritas por Dorothy Fields (más tarde Harold Arlen y Ted Koehler ), con algunas canciones originales de Ellington mezcladas. (Allí, se mudó con una bailarina, su segunda esposa Mildred Dixon ). Las transmisiones de radio semanales desde el club le dieron a Ellington exposición nacional. Al mismo tiempo, Ellington también grabó canciones de Fields-JMcHugh y Fats Waller - Andy Razaf .
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Aunque el trompetista Bubber Miley fue miembro de la orquesta solo por un corto período, tuvo una gran influencia en el sonido de Ellington. [30] Como uno de los primeros exponentes de la trompeta growl, Miley cambió el dulce sonido de banda de baile del grupo a uno más caliente, que los contemporáneos denominaron Jungle Style, que se puede ver en su coro destacado en East St. Louis Toodle-Oo (1926). [31] En octubre de 1927, Ellington y su orquesta grabaron varias composiciones con Adelaide Hall . Un lado en particular, " Creole Love Call ", se convirtió en una sensación mundial y le dio a Ellington y Hall su primer disco de éxito. [32] [33] Miley había compuesto la mayor parte de " Creole Love Call " y " Black and Tan Fantasy ". Alcohólico, Miley tuvo que dejar la banda antes de que ganaran mayor fama. Murió en 1932 a la edad de 29 años, pero fue una influencia importante en Cootie Williams , quien lo reemplazó.
En 1929, la Cotton Club Orchestra apareció en el escenario durante varios meses en Show Girl de Florenz Ziegfeld , junto con las estrellas de vodevil Jimmy Durante , Eddie Foy, Jr. , Ruby Keeler , y con música y letras de George Gershwin y Gus Kahn . Will Vodery , el supervisor musical de Ziegfeld, recomendó a Ellington para el espectáculo. [34] Según Beyond Category: The Life and Genius of Duke Ellington de John Edward Hasse , "Quizás durante la presentación de Show Girl , Ellington recibió lo que más tarde denominó 'valiosas lecciones de orquestación de Will Vody'". En su biografía de 1946, Duke Ellington , Barry Ulanov escribió:
De Vodery, como él mismo dice (Ellington), extrajo sus convicciones cromáticas , sus usos de los tonos ordinariamente ajenos a la escala diatónica , con la consiguiente alteración del carácter armónico de su música, su ampliación, la profundización de sus recursos. Se ha vuelto habitual atribuir las influencias clásicas sobre Duke —Delius , Debussy y Ravel— al contacto directo con su música. En realidad, su apreciación seria de esos y otros compositores modernos, llegó después de que conoció a Vody. [35]
El trabajo cinematográfico de Ellington comenzó con Black and Tan (1929), un cortometraje afroamericano de 19 minutos de la RKO [36] en el que interpretó al héroe "Duke". También apareció en la película de Amos 'n' Andy Check and Double Check estrenada en 1930, que muestra a la orquesta tocando "Old Man Blues" en una escena de salón de baile extendida. [37] Ese año, Ellington y su orquesta conectaron con una audiencia completamente diferente en un concierto con Maurice Chevalier y también actuaron en el Roseland Ballroom , "el salón de baile más importante de Estados Unidos". El compositor nacido en Australia Percy Grainger fue uno de sus primeros admiradores y seguidores. Escribió: "Los tres compositores más grandes que jamás hayan vivido son Bach , Delius y Duke Ellington. Desafortunadamente, Bach está muerto, Delius está muy enfermo, pero estamos felices de tener con nosotros hoy a The Duke". [38] El primer período de Ellington en el Cotton Club concluyó en 1931.
Ellington dirigía la orquesta dirigiendo desde el teclado, utilizando señales de piano y gestos visuales; muy rara vez dirigía utilizando una batuta. En 1932, su orquesta estaba formada por seis instrumentos de viento metal, cuatro instrumentos de lengüeta y una sección rítmica de cuatro músicos. [39] Como líder, Ellington no era un disciplinario estricto; mantenía el control de su orquesta con una combinación de encanto, humor, adulación y psicología astuta. Era una persona compleja y privada, que revelaba sus sentimientos sólo a sus más íntimos. Utilizó eficazmente su personalidad pública para desviar la atención de sí mismo.
Ellington firmó en exclusiva con Brunswick en 1932 y permaneció con ellos hasta fines de 1936 (aunque con un breve cambio a Victor entre 1933 y 1934, cuando Irving Mills trasladó temporalmente sus actuaciones desde Brunswick).
A medida que la Depresión empeoraba, la industria discográfica estaba en crisis, perdiendo más del 90% de sus artistas en 1933. [40] Ivie Anderson fue contratada como vocalista destacada de la Orquesta de Ellington en 1931. Ella es la vocalista en " It Don't Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing) " (1932) entre otras grabaciones. Sonny Greer había estado proporcionando voces ocasionales y continuó haciéndolo en una función de diálogo cruzado con Anderson. La exposición radial ayudó a mantener el perfil público de Ellington cuando su orquesta comenzó a realizar giras. Los otros 78 de esta era incluyen: " Mood Indigo " (1930), " Sophisticated Lady " (1933), " Solitude " (1934) y " In a Sentimental Mood " (1935).
Aunque el público estadounidense de Ellington siguió siendo principalmente afroamericano en este período, la orquesta tenía un número significativo de seguidores en el extranjero. Viajaron a Inglaterra y Escocia en 1933, así como a Francia (tres conciertos en la Salle Pleyel de París) [41] y los Países Bajos antes de regresar a Nueva York. [42] [43] El 12 de junio de 1933, la Duke Ellington Orchestra hizo su debut británico en el London Palladium ; [44] Ellington recibió una ovación cuando subió al escenario. [45] Fueron uno de los 13 actos en el cartel y se limitaron a ocho números cortos; la reserva duró hasta el 24 de junio. [43] [46] La visita británica vio a Ellington ganar elogios de los miembros de la comunidad musical seria, incluido el compositor Constant Lambert , lo que impulsó el interés de Ellington en componer obras más largas.
Sus piezas más largas ya habían comenzado a aparecer. Ellington había compuesto y grabado "Creole Rhapsody" ya en 1931 (publicada como ambas caras de un disco de 12" para Victor y ambas caras de un disco de 10" para Brunswick). [47] Un homenaje a su madre, "Reminiscing in Tempo", tomó cuatro caras de disco de 10" de 78 rpm para grabarse en 1935 después de su muerte en ese año. [48] Symphony in Black (también de 1935), un cortometraje, presentó su pieza extendida "A Rhapsody of Negro Life". Presentó a Billie Holiday y ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje Musical. [49] Ellington y su orquesta también aparecieron en los largometrajes Murder at the Vanities y Belle of the Nineties (ambos de 1934).
Para el agente Mills, la atención fue un triunfo publicitario, ya que Ellington era conocido internacionalmente. En la gira de la banda por el Sur segregado en 1934, evitaron algunas de las dificultades de viaje de los afroamericanos al viajar en vagones de tren privados. Estos proporcionaban alojamiento accesible, comida y almacenamiento para el equipo, al tiempo que evitaban las indignidades de las instalaciones segregadas.
Sin embargo, la competencia se intensificó a medida que bandas de swing como la de Benny Goodman comenzaron a recibir una atención generalizada. El baile swing se convirtió en un fenómeno juvenil, en particular entre el público universitario blanco, y la capacidad de bailar impulsó las ventas de discos y las contrataciones. Las máquinas de discos proliferaron en todo el país, difundiendo el evangelio del swing. La banda de Ellington ciertamente podía bailar swing, pero sus puntos fuertes eran el estado de ánimo, los matices y la riqueza de la composición, de ahí su declaración "el jazz es música, el swing es negocio". [50]
A partir de 1936, Ellington comenzó a realizar grabaciones con grupos más pequeños (sextetos, octetos y nonetos) seleccionados de su orquesta de 15 hombres en ese momento. [51] Compuso piezas destinadas a presentar a un instrumentista específico, como "Jeep's Blues" para Johnny Hodges , "Yearning for Love" para Lawrence Brown , "Trumpet in Spades" para Rex Stewart , " Echoes of Harlem " para Cootie Williams y "Clarinet Lament" para Barney Bigard . [52] En 1937, Ellington regresó al Cotton Club, que se había mudado al Distrito Teatral del centro de la ciudad . En el verano de ese año, su padre murió y, debido a muchos gastos, las finanzas de Ellington eran ajustadas. Sin embargo, su situación mejoró en los años siguientes.
Después de dejar al agente Irving Mills, firmó con la agencia William Morris . Sin embargo, Mills continuó grabando a Ellington. Después de sólo un año, sus sellos Master y Variety (los pequeños grupos que habían grabado para este último) colapsaron a fines de 1937. Mills colocó a Ellington nuevamente en Brunswick y esas pequeñas unidades de grupo en Vocalion hasta 1940. Se siguieron grabando temas conocidos, " Caravan " en 1937 y "I Let a Song Go Out of My Heart" al año siguiente.
Billy Strayhorn , contratado originalmente como letrista, comenzó su asociación con Ellington en 1939. [53] Apodado "Sweet Pea" por su manera apacible, Strayhorn pronto se convirtió en un miembro vital de la organización de Ellington. Ellington mostró un gran cariño por Strayhorn y nunca dejó de hablar elogiosamente del hombre y su relación de trabajo colaborativo, "mi brazo derecho, mi brazo izquierdo, todos los ojos en la parte posterior de mi cabeza, mis ondas cerebrales en su cabeza y las suyas en la mía". [54] Strayhorn, con su formación en música clásica, no solo contribuyó con sus letras y música originales, sino que también arregló y pulió muchas de las obras de Ellington, convirtiéndose en un segundo Ellington o "el doppelgänger de Duke". No era raro que Strayhorn reemplazara a Duke, ya sea dirigiendo o ensayando con la banda, tocando el piano, en el escenario y en el estudio de grabación. [55] La década terminó con una gira europea muy exitosa en 1939, justo cuando la Segunda Guerra Mundial se avecinaba en Europa.
Dos músicos que se unieron a Ellington en ese momento crearon una sensación por derecho propio, Jimmy Blanton y Ben Webster . Blanton fue contratado efectivamente en el acto a fines de octubre de 1939, antes de que Ellington supiera su nombre, cuando apareció en un concierto de Fate Marable en St Louis. [57] Blanton, de corta vida, transformó el uso del contrabajo en el jazz, lo que le permitió funcionar como un instrumento solista/melódico en lugar de un instrumento rítmico solo. [58] Una enfermedad terminal lo obligó a irse a fines de 1941 después de unos dos años. El mandato principal de Ben Webster con Ellington abarcó de 1939 a 1943. Una ambición suya, le dijo a su empleador anterior, Teddy Wilson , entonces líder de una gran banda, que Ellington era el único rival por el que dejaría a Wilson. [59] Fue el primer saxofonista tenor regular de la orquesta y aumentó el tamaño de la sección de saxos a cinco por primera vez. [60] [59] Muy influenciado por Johnny Hodges, a menudo le atribuía el mérito de haberle enseñado "cómo tocar mi trompeta". Los dos hombres se sentaban uno al lado del otro en la orquesta. [61]
El trompetista Ray Nance se unió, reemplazando a Cootie Williams, quien había desertado para unirse a Benny Goodman . Además, Nance agregó el violín a los colores instrumentales que Ellington tenía a su disposición. Existen grabaciones de la primera fecha de concierto de Nance el 7 de noviembre de 1940, en Fargo, Dakota del Norte . Realizadas en forma privada por Jack Towers y Dick Burris, estas grabaciones se publicaron legítimamente por primera vez en 1978 con el título Duke Ellington at Fargo, 1940 Live ; se encuentran entre las primeras de las innumerables presentaciones en vivo que sobreviven. Nance también fue un vocalista ocasional, aunque Herb Jeffries fue el vocalista masculino principal en esta era (hasta 1943) mientras que Al Hibbler (que reemplazó a Jeffries en 1943) continuó hasta 1951. Ivie Anderson se fue en 1942 por razones de salud después de 11 años, el período más largo de cualquiera de los vocalistas de Ellington. [62]
Una vez más, en 1940, cuando se volvieron a grabar para Victor, los pequeños grupos se publicaron en su sello Bluebird , y Ellington, Billy Strayhorn, el hijo de Ellington, Mercer Ellington , y los miembros de la orquesta siguieron grabando obras maestras de tres minutos en discos de 78 rpm . [63] « Cotton Tail », «Main Stem», « Harlem Air Shaft », «Jack the Bear» y docenas de otras canciones datan de este período. « Take the "A" Train » de Strayhorn, un éxito en 1941, se convirtió en el tema principal de la banda, reemplazando a « East St. Louis Toodle-Oo ». Ellington y sus asociados escribieron para una orquesta de voces distintivas que mostraban una tremenda creatividad. [64] Las grabaciones comerciales de esta época se reeditaron en la colección de tres CD, Never No Lament , en 2003.
El objetivo a largo plazo de Ellington, sin embargo, era extender la forma del jazz más allá de ese límite de tres minutos, del que era un maestro reconocido. [65] Si bien había compuesto y grabado algunas piezas extensas antes, dichas obras ahora se convirtieron en una característica habitual de la producción de Ellington. En esto, fue ayudado por Strayhorn, quien había disfrutado de una formación más completa en las formas asociadas con la música clásica que Ellington. La primera de ellas, Black, Brown, and Beige (1943), estaba dedicada a contar la historia de los afroamericanos y el lugar de la esclavitud y la iglesia en su historia. [66] Black, Brown and Beige debutó en el Carnegie Hall el 23 de enero de 1943, comenzando una serie anual de conciertos de Ellington en el lugar durante los siguientes cuatro años. Si bien algunos músicos de jazz habían tocado en el Carnegie Hall antes, ninguno había interpretado algo tan elaborado como la obra de Ellington. Desafortunadamente, iniciando un patrón regular, las obras más largas de Ellington en general no fueron bien recibidas.
Una excepción parcial fue Jump for Joy , un musical de larga duración basado en temas de identidad afroamericana, que debutó el 10 de julio de 1941 en el Teatro Mayan de Los Ángeles. Los actores de Hollywood John Garfield y Mickey Rooney invirtieron en la producción, y Charlie Chaplin y Orson Welles se ofrecieron a dirigir. [67] En una actuación, Garfield insistió en que Herb Jeffries, que era de piel clara, debía usar maquillaje. Ellington se opuso en el intervalo y comparó a Jeffries con Al Jolson . El cambio fue revertido. El cantante comentó más tarde que el público debe haber pensado que era un personaje completamente diferente en la segunda mitad del espectáculo. [68]
Aunque tuvo funciones con entradas agotadas y recibió críticas positivas, [69] solo se representó durante 122 funciones hasta el 29 de septiembre de 1941, con una breve reposición en noviembre de ese año. Su temática no la hizo atractiva para Broadway; Ellington tenía planes incumplidos de llevarla allí. [70] A pesar de esta decepción, una producción de Broadway de Beggar's Holiday de Ellington , su único musical basado en un libro, se estrenó el 23 de diciembre de 1946, [71] bajo la dirección de Nicholas Ray .
La resolución de la primera prohibición de grabaciones de 1942-44 , que condujo a un aumento de las regalías pagadas a los músicos, tuvo un efecto severo en la viabilidad financiera de las grandes bandas, incluida la orquesta de Ellington. Sus ingresos como compositor finalmente la subsidiaron. Aunque siempre gastó generosamente y obtuvo un ingreso respetable de las operaciones de la orquesta, los ingresos de la banda a menudo solo cubrían los gastos. [72] Sin embargo, en 1943 Ellington le pidió a Webster que se fuera; la personalidad del saxofonista inquietaba a sus colegas y el saxofonista estaba regularmente en conflicto con el líder. [73]
Los músicos que se alistaron en el ejército y las restricciones de viaje dificultaron las giras de las grandes bandas, y el baile pasó a estar sujeto a un nuevo impuesto, que se prolongó durante muchos años y afectó las decisiones de los propietarios de los clubes. Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial, el foco de la música popular se estaba desplazando hacia cantantes melódicos como Frank Sinatra y Jo Stafford . Como el coste de contratar grandes bandas había aumentado, los propietarios de clubes ahora consideraban que los grupos de jazz más pequeños eran más rentables. Algunas de las nuevas obras de Ellington, como la película vocal sin palabras "Transblucency" (1946) con Kay Davis , no iban a tener un alcance similar al de las nuevas estrellas emergentes.
Ellington continuó su propio camino a través de estos cambios tectónicos. Mientras que Count Basie se vio obligado a disolver todo su conjunto y trabajar como octeto por un tiempo, Ellington pudo realizar una gira por la mayor parte de Europa occidental entre el 6 de abril y el 30 de junio de 1950, con la orquesta tocando 74 fechas durante 77 días. [74] Durante la gira, según Sonny Greer, Ellington no interpretó las obras más nuevas. Sin embargo, la composición extendida de Ellington, Harlem (1950), estaba en proceso de completarse en este momento. Ellington presentó más tarde su partitura al presidente amante de la música Harry Truman . También durante su estancia en Europa, Ellington compondría la música para una producción teatral de Orson Welles . Titulado Time Runs in Paris [75] y An Evening With Orson Welles in Frankfurt , el espectáculo de variedades también contó con una recién descubierta Eartha Kitt , que interpretó la canción original de Ellington "Hungry Little Trouble" como Helena de Troya . [76]
En 1951, Ellington sufrió una pérdida significativa de personal: Sonny Greer, Lawrence Brown y, lo más importante, Johnny Hodges se marcharon para dedicarse a otras cosas. Sin embargo, sólo Greer se marchó definitivamente. El baterista Louie Bellson reemplazó a Greer, y su "Skin Deep" fue un éxito para Ellington. El tenor Paul Gonsalves se había incorporado en diciembre de 1950 [74] después de períodos con Count Basie y Dizzy Gillespie y se quedó por el resto de su vida, mientras que Clark Terry se incorporó en noviembre de 1951. [77]
André Previn dijo en 1952: "Ya sabes, Stan Kenton puede pararse frente a mil violines y mil instrumentos de viento y hacer un gesto dramático y cualquier arreglista de estudio puede asentir con la cabeza y decir: Oh, sí, eso se hace así. ¡ Pero Duke simplemente levanta su dedo, tres instrumentos de viento hacen un sonido, y no sé qué es!" [78] Sin embargo, en 1955, después de tres años de grabar para Capitol , Ellington carecía de una afiliación de grabación regular.
La aparición de Ellington en el Festival de Jazz de Newport el 7 de julio de 1956 le devolvió una mayor prominencia. El tema " Diminuendo and Crescendo in Blue " comprendía dos temas que habían estado en el repertorio de la banda desde 1937. Ellington, que había terminado abruptamente el concierto programado de la banda debido a la llegada tardía de cuatro músicos clave, dio comienzo a las dos melodías cuando se acercaba la medianoche. Al anunciar que las dos piezas estarían separadas por un interludio interpretado por el saxofonista tenor Paul Gonsalves , Ellington procedió a dirigir a la banda a través de las dos piezas, con el solo maratónico de 27 coros de Gonsalves enloqueciendo a la multitud, lo que llevó al Maestro a tocar mucho más allá del horario de toque de queda a pesar de las súplicas urgentes del organizador del festival George Wein para que se pusiera fin al programa.
El concierto fue noticia internacional y dio lugar a una de las cinco portadas de la revista Time dedicadas a un músico de jazz, [79] y dio lugar a un álbum producido por George Avakian que se convertiría en el LP más vendido de la carrera de Ellington. [80] Gran parte de la música del LP era, en efecto, simulada, y solo un 40% provenía realmente del propio concierto. Según Avakian, Ellington no estaba satisfecho con algunos aspectos de la actuación y sentía que los músicos habían ensayado poco. [80] La banda se reunió al día siguiente para volver a grabar varios temas con el añadido del sonido falso de una multitud, nada de lo cual fue revelado a los compradores del álbum. No fue hasta 1999 que la grabación del concierto se publicó por primera vez. La renovada atención provocada por la aparición en Newport no debería haber sorprendido a nadie, Johnny Hodges había vuelto el año anterior, [81] y la colaboración de Ellington con Strayhorn se renovó en la misma época, en términos más favorables para el joven. [82]
El álbum original Ellington at Newport fue el primer lanzamiento de un nuevo contrato de grabación con Columbia Records que produjo varios años de estabilidad en la grabación, principalmente bajo la dirección del productor Irving Townsend , quien convenció a Ellington de realizar producciones comerciales y artísticas. [83]
En 1957, CBS (la empresa matriz de Columbia Records) emitió una producción televisiva en vivo de A Drum Is a Woman , una suite alegórica que recibió críticas mixtas. Las apariciones en festivales en el nuevo Monterey Jazz Festival y en otros lugares proporcionaron lugares para la exposición en vivo, y una gira europea en 1958 fue bien recibida. Such Sweet Thunder (1957), basada en las obras y personajes de Shakespeare , y The Queen's Suite (1958), dedicada a la reina Isabel II de Gran Bretaña , fueron productos del renovado impulso que la aparición en Newport ayudó a crear. Sin embargo, este último trabajo no se publicó comercialmente en ese momento. A fines de la década de 1950, Ella Fitzgerald también grabó su Duke Ellington Songbook (Verve) con Ellington y su orquesta, un reconocimiento de que las canciones de Ellington ahora se habían convertido en parte del canon cultural conocido como el " Gran cancionero americano ".
En esa época, Ellington y Strayhorn comenzaron a trabajar en la composición de bandas sonoras para películas . La primera de ellas fue Anatomía de un asesinato (1959), [39] un drama judicial dirigido por Otto Preminger y con James Stewart , en el que Ellington aparecía al frente de un grupo de bar de carretera. Los historiadores de cine han reconocido la banda sonora "como un hito: la primera música cinematográfica significativa de Hollywood hecha por afroamericanos que comprende música no diegética , es decir, música cuya fuente no es visible ni está implícita en la acción de la película, como una banda en pantalla". La banda sonora evitaba los estereotipos culturales que caracterizaban previamente a las bandas sonoras de jazz y rechazaba una estricta adherencia a lo visual en formas que presagiaban el cine de la nueva ola de los años 60". [84] Ellington y Strayhorn, siempre en busca de nuevos territorios musicales, produjeron suites para la novela Sweet Thursday de John Steinbeck , Cascanueces de Tchaikovsky y Peer Gynt de Edvard Grieg .
A Anatomy of a Murder le siguió Paris Blues (1961), en la que actuaron Paul Newman y Sidney Poitier como músicos de jazz. Por esta obra, Ellington fue nominado al Oscar a la mejor banda sonora .
A principios de los años 1960, Ellington se dedicó a grabar con artistas que habían sido rivales amistosos en el pasado o eran músicos más jóvenes que se centraban en estilos posteriores. Las orquestas de Ellington y Count Basie grabaron juntas en el álbum First Time! The Count Meets the Duke (1961). Durante un período en el que Ellington estaba entre contratos de grabación, grabó discos con Louis Armstrong ( Roulette ), Coleman Hawkins , John Coltrane (ambos para Impulse ) y participó en una sesión con Charles Mingus y Max Roach que produjo el álbum Money Jungle ( United Artists ). Firmó con el nuevo sello Reprise de Frank Sinatra , pero la asociación con el sello duró poco.
Los músicos que habían trabajado previamente con Ellington regresaron a la orquesta como miembros: Lawrence Brown en 1960 y Cootie Williams en 1962.
La composición y la interpretación de música son una cuestión de intención... No se puede simplemente arrojar un pincel contra la pared y decir que lo que ocurra es arte. Mi música se adapta a la personalidad tonal del intérprete. Pienso demasiado en términos de alterar mi música para que se adapte al intérprete como para impresionarme por la música accidental. No se puede tomar en serio el garabato. [16]
En ese momento, actuaba por todo el mundo y pasaba gran parte del año realizando giras por el extranjero. Como consecuencia, estableció nuevas relaciones de trabajo con artistas de todo el mundo, entre ellos la vocalista sueca Alice Babs y los músicos sudafricanos Dollar Brand y Sathima Bea Benjamin ( A Morning in Paris , 1963/1997).
Ellington escribió una partitura original para la producción del director Michael Langham de Timón de Atenas de Shakespeare en el Festival de Stratford en Ontario, Canadá, que se inauguró el 29 de julio de 1963. Langham la ha utilizado para varias producciones posteriores, incluida una adaptación mucho posterior de Stanley Silverman que amplía la partitura con algunas de las obras más conocidas de Ellington.
Ellington fue nominado para el Premio Pulitzer de Música en 1965. Sin embargo, ese año no se le otorgó ningún premio. [85] Con 66 años, bromeó: "El destino está siendo amable conmigo. El destino no quiere que sea famoso demasiado joven". [86] En 1999, se le otorgó póstumamente un Premio Pulitzer especial "en conmemoración del centenario de su nacimiento, en reconocimiento a su genio musical, que evocaba estéticamente los principios de la democracia a través del jazz y, por lo tanto, hizo una contribución indeleble al arte y la cultura". [6] [87]
En septiembre de 1965, estrenó el primero de sus Conciertos Sagrados . Creó una liturgia cristiana de jazz. Aunque la obra recibió críticas mixtas, Ellington estaba orgulloso de la composición y la interpretó docenas de veces. A este concierto le siguieron otros dos del mismo tipo en 1968 y 1973, conocidos como el Segundo y Tercer Concierto Sagrado. Muchos vieron las suites de Música Sacra como un intento de reforzar el apoyo comercial a la religión organizada. Sin embargo, Ellington simplemente dijo que era "lo más importante que he hecho". [88] El piano Steinway en el que se compusieron los Conciertos Sagrados es parte de la colección del Museo Nacional de Historia Estadounidense del Smithsonian . Al igual que Haydn y Mozart , Ellington dirigió su orquesta desde el piano: siempre tocaba las partes del teclado cuando se interpretaban los Conciertos Sagrados. [89]
Duke cumplió 65 años en la primavera de 1964, pero no mostró signos de desaceleración, ya que continuó haciendo grabaciones de obras significativas como The Far East Suite (1966), New Orleans Suite (1970), The Afro-Eurasian Eclipse (1971) y Latin American Suite (1972), muchas de ellas inspiradas en sus giras mundiales. Fue durante esta época cuando grabó su único álbum con Frank Sinatra , titulado Francis A. & Edward K. (1967).
Entre 1972 y 1974, Ellington trabajó en su única ópera, Queenie Pie , junto con Maurice Peress . Ellington tuvo la idea de escribir una ópera sobre una esteticista negra en la década de 1930, pero no la terminó. [90] [91]
Entre los últimos espectáculos que Ellington y su orquesta ofrecieron se encuentran uno el 21 de marzo de 1973 en el Salón de Música de la Universidad de Purdue , dos el 22 de marzo de 1973 en el Auditorio Sturges-Young en Sturgis, Michigan [92] y el Eastbourne Performance el 1 de diciembre de 1973, publicado posteriormente en LP. [93] Ellington realizó lo que se considera su último concierto completo en un salón de baile de la Universidad del Norte de Illinois el 20 de marzo de 1974. Desde 1980, ese salón de baile se ha dedicado como el "Duke Ellington Ballroom". [94]
Ellington se casó con su novia de la secundaria, Edna Thompson (fallecida en 1967), el 2 de julio de 1918, cuando tenía 19 años. [95] La primavera siguiente, el 11 de marzo de 1919, Edna dio a luz a su único hijo, Mercer Kennedy Ellington . [95]
Ellington se reunió en la ciudad de Nueva York con su esposa y su hijo a fines de la década de 1920, pero la pareja pronto se separó definitivamente. [96] Según su obituario en la revista Jet , ella estaba "nostalgia de Washington" y regresó. [97] En 1929, Ellington se convirtió en el compañero de Mildred Dixon , [98] quien viajó con él, manejó Tempo Music, inspiró canciones, como " Sophisticated Lady ", [99] en la cima de su carrera, y crió a su hijo. [100] [101] [102]
En 1938, dejó a su familia (su hijo tenía 19 años) y se mudó con Beatrice "Evie" Ellis, una empleada del Cotton Club. [103] Su relación, aunque tormentosa, continuó después de que Ellington conociera y formara una relación con Fernanda de Castro Monte a principios de la década de 1960. [104] Ellington apoyó a ambas mujeres por el resto de su vida. [105]
La hermana de Ellington, Ruth (1915-2004), dirigió más tarde Tempo Music, su compañía editorial musical. [102] El segundo marido de Ruth fue el bajo-barítono McHenry Boatwright , a quien conoció cuando cantó en el funeral de su hermano. [106] De adulto, su hijo Mercer Ellington (fallecido en 1996) tocaba la trompeta y el piano, dirigió su propia banda y trabajó como gerente comercial de su padre. [107]
Ellington era miembro de Alpha Phi Alpha [108] y era un masón asociado con la masonería Prince Hall . [109]
Ellington murió el 24 de mayo de 1974, por complicaciones de cáncer de pulmón y neumonía , [110] unas semanas después de su 75 cumpleaños. En su funeral, al que asistieron más de 12.000 personas en la Catedral de San Juan el Divino , Ella Fitzgerald resumió la ocasión: "Es un día muy triste. Ha fallecido un genio". [111]
Fue enterrado en el cementerio Woodlawn , en el Bronx , ciudad de Nueva York. [112]
Se han dedicado numerosos monumentos a Duke Ellington en ciudades desde Nueva York y Washington, DC hasta Los Ángeles.
En Washington, DC, el lugar de nacimiento de Ellington, la Escuela de Artes Duke Ellington educa a estudiantes talentosos que están considerando carreras en las artes al brindar instrucción artística y programas académicos para preparar a los estudiantes para la educación postsecundaria y carreras profesionales. En 1974, el Distrito rebautizó el puente de Calvert Street, construido originalmente en 1935, como el puente Duke Ellington . Otra escuela es PS 004 Duke Ellington en Nueva York.
En 1989, se colocó una placa de bronce en el recién nombrado edificio Duke Ellington en 2121 Ward Place NW. [113] En 2012, el nuevo propietario del edificio encargó un mural a Aniekan Udofia que aparece sobre las letras "Duke Ellington". En 2010, el parque triangular, al otro lado de la calle del lugar de nacimiento de Duke Ellington, en la intersección de las calles New Hampshire y M NW, recibió el nombre de Duke Ellington Park .
La residencia de Ellington en 2728 Sherman Avenue NW, durante los años 1919-1922, [114] está marcada por una placa de bronce.
El 24 de febrero de 2009, la Casa de la Moneda de los Estados Unidos emitió una moneda con Duke Ellington en ella, convirtiéndolo en el primer afroamericano en aparecer solo en una moneda estadounidense en circulación. [115] Ellington aparece en el reverso (cruz) de la moneda de veinticinco centavos del Distrito de Columbia . [ 115] La moneda es parte del programa de la Casa de la Moneda de los Estados Unidos en honor al Distrito y los territorios estadounidenses [116] y celebra el lugar de nacimiento de Ellington en el Distrito de Columbia. [115] Ellington está representado en la moneda de veinticinco centavos sentado frente a un piano, con una partitura en la mano, junto con la inscripción "Justicia para todos", que es el lema del Distrito. [116]
En 1986, se emitió un sello conmemorativo de los Estados Unidos con la imagen de Ellington. [117]
Ellington vivió sus últimos años en Manhattan, en una casa adosada en el 333 de Riverside Drive , cerca de la calle 106 Oeste. Su hermana Ruth, que dirigía su editorial, también vivía allí, y su hijo Mercer vivía al lado. Tras su muerte, la calle 106 Oeste pasó a llamarse oficialmente Duke Ellington Boulevard.
Un gran monumento a Ellington, creado por el escultor Robert Graham , fue inaugurado en 1997 en el Central Park de Nueva York , cerca de la Quinta Avenida y la calle 110 , una intersección llamada Duke Ellington Circle .
A la entrada del Schoenberg Hall de la UCLA se encuentra una estatua de Ellington junto a un piano . Según la revista de la UCLA :
Cuando los estudiantes de la UCLA quedaron fascinados por las melodías provocativas de Duke Ellington en un club de Culver City en 1937, le pidieron al músico en ciernes que tocara un concierto gratuito en el Royce Hall . "¡Estaba esperando a que alguien nos lo pidiera!", exclamó Ellington. El día del concierto, Ellington confundió accidentalmente el lugar y se dirigió a la USC. Finalmente llegó al campus de la UCLA y, para disculparse por su tardanza, tocó para el público que abarrotaba el recinto durante más de cuatro horas. Y así, "Sir Duke" y su grupo tocaron la primera actuación de jazz de la historia en una sala de conciertos. [118]
El Essentially Ellington High School Jazz Band Competition and Festival es una competencia anual de renombre nacional para prestigiosas bandas de escuelas secundarias. El festival, que comenzó en 1996 en Jazz at Lincoln Center , lleva el nombre de Ellington debido al enfoque significativo que el festival le da a sus obras.
Después de la muerte de Duke, su hijo Mercer se hizo cargo de la dirección de la orquesta, cargo que ocupó hasta su muerte en 1996. Al igual que la Count Basie Orchestra , esta "banda fantasma" siguió publicando álbumes durante muchos años. Digital Duke , atribuido a The Duke Ellington Orchestra, ganó el premio Grammy de 1988 al mejor álbum de gran conjunto de jazz . Mercer Ellington había estado manejando todos los aspectos administrativos del negocio de su padre durante varias décadas. Los hijos de Mercer siguen vinculados al trabajo de su abuelo.
Gunther Schuller escribió en 1989:
Ellington compuso incesantemente hasta los últimos días de su vida. La música era, en efecto, su amante; era toda su vida y su compromiso con ella era incomparable e inalterable. En el jazz era un gigante entre gigantes. Y en la música del siglo XX, puede que algún día sea reconocido como uno de los seis grandes maestros de nuestro tiempo. [119] : 157
Martin Williams dijo: "Duke Ellington vivió lo suficiente para oírse nombrado entre nuestros mejores compositores. Y desde su muerte en 1974, no ha sido nada raro verlo nombrado, junto con Charles Ives , como el mejor compositor que hemos producido, independientemente de la categoría". [120]
En opinión de Bob Blumenthal de The Boston Globe en 1999: "[e]n el siglo transcurrido desde su nacimiento, no ha habido mayor compositor, estadounidense o no, que Edward Kennedy Ellington". [121]
En 2002, el académico Molefi Kete Asante incluyó a Duke Ellington en su lista de los 100 afroamericanos más importantes . [122]
Sus composiciones han sido revisadas por artistas y músicos de todo el mundo como fuentes de inspiración y como base de sus carreras interpretativas:
Existen cientos de álbumes dedicados a la música de Duke Ellington y Billy Strayhorn, tanto de artistas famosos como desconocidos. Sophisticated Ladies , una premiada revista musical de 1981, incorporó muchas melodías del repertorio de Ellington. Un segundo musical de Broadway que interpolaba la música de Ellington, Play On!, debutó en 1997.
Ellington ganó 14 premios Grammy entre 1959 y 2000 (tres de ellos póstumos) y un total de 25 nominaciones.
Las grabaciones de Duke Ellington fueron incluidas en el Salón de la Fama de los Grammy , un premio Grammy especial establecido en 1973 para honrar grabaciones de al menos 25 años de antigüedad que tengan importancia cualitativa o histórica.
{{cite AV media}}: CS1 maint: bot: original URL status unknown (link)[¿ Fuente poco confiable? ]La Casa de la Moneda de los Estados Unidos lanzó el martes una nueva moneda con la imagen de la leyenda del jazz Duke Ellington, lo que lo convierte en el primer afroamericano en aparecer solo en una moneda estadounidense en circulación. [...] La moneda se emitió para celebrar el lugar de nacimiento de Ellington, el Distrito de Columbia.
