En música, el modernismo es una postura estética que subyace al período de cambio y desarrollo del lenguaje musical que se produjo a principios del siglo XX, un período de diversas reacciones que cuestionaron y reinterpretaron categorías musicales más antiguas, innovaciones que llevaron a nuevas formas de organizar y abordar los aspectos armónicos, melódicos, sonoros y rítmicos de la música, y cambios en las visiones estéticas del mundo en estrecha relación con el período más amplio identificable del modernismo en las artes de la época. La palabra clave que más se asocia con él es "innovación". [1] Su característica principal es una "pluralidad lingüística", es decir, ningún lenguaje musical o estilo modernista asumió nunca una posición dominante. [2]
El modernismo musical tiene como elemento inherente la convicción de que la música no es un fenómeno estático definido por verdades atemporales y principios clásicos, sino algo intrínsecamente histórico y evolutivo. Si bien la creencia en el progreso musical o en el principio de innovación no es algo nuevo ni exclusivo del modernismo, estos valores son particularmente importantes en las posturas estéticas modernistas.
— Edward Campbell (2010, p. 37) [énfasis añadido]
Los ejemplos incluyen la celebración del rechazo de la tonalidad por parte de Arnold Schoenberg en obras cromáticas postonales y dodecafónicas y el alejamiento de Igor Stravinsky del ritmo simétrico . [3]
Las autoridades suelen considerar el modernismo musical como un período o era histórica que se extiende desde aproximadamente 1890 hasta 1930, y aplican el término " posmodernismo " al período o era posterior a 1930. [4] [5] Para el musicólogo Carl Dahlhaus, la forma más pura había terminado en 1910. [6] Sin embargo, hay otros historiadores y críticos que sostienen que el modernismo revivió después de la Segunda Guerra Mundial . Por ejemplo, Paul Griffiths señala que, si bien el modernismo "parecía ser una fuerza agotada" a fines de la década de 1920, después de la Segunda Guerra Mundial , "una nueva generación de compositores - Boulez , Barraqué , Babbitt , Nono , Stockhausen , Xenakis " revivió el modernismo". [7]
Carl Dahlhaus describe el modernismo como:
un punto obvio de discontinuidad histórica... El "gran avance" de Mahler , Strauss y Debussy implica una profunda transformación histórica... Si tuviéramos que buscar un nombre para transmitir el estado de ánimo separatista de la década de 1890 (un estado de ánimo simbolizado musicalmente por los primeros compases del Don Juan de Strauss ) pero sin imponer una unidad ficticia de estilo a la época, podríamos hacer algo peor que volver al término "modernismo" de Hermann Bahr y hablar de una "música modernista" estilísticamente abierta que se extiende (con cierta latitud) desde 1890 hasta los comienzos de nuestra propia música moderna del siglo XX en 1910. [8]
Eero Tarasti define el modernismo musical directamente en términos de "la disolución de la tonalidad tradicional y la transformación de los fundamentos mismos del lenguaje tonal, buscando nuevos modelos en el atonalismo, el politonalismo u otras formas de tonalidad alterada", que tuvo lugar alrededor del cambio de siglo. [9]
Daniel Albright propone una definición del modernismo musical como “una prueba de los límites de la construcción estética” y presenta las siguientes técnicas o estilos modernistas: el expresionismo, la Nueva Objetividad, el hiperrealismo, el abstraccionismo, el neoclasicismo, el neobarbarie, el futurismo y el método mítico. [10]
El director y erudito Leon Botstein describe el modernismo musical como "...una consecuencia de la convicción fundamental entre las generaciones sucesivas de compositores desde 1900 de que los medios de expresión musical en el siglo XX deben ser adecuados al carácter único y radical de la época", [11] lo que llevó a una reflexión en las artes sobre el progreso de la ciencia, la tecnología y la industria, la mecanización, la urbanización, la cultura de masas y el nacionalismo.
De manera similar, Eric Pietro define el modernismo en su narrativa Listening In: Music, Mind, and the Modernist como “…un deseo de encontrar ‘representaciones cada vez más precisas de los estados y procesos psicológicos’ en virtud de sus vínculos con la ‘crisis histórica del siglo XIX’”. De lo que podemos entender con esta información, hay dos conceptos distinguibles que enfatizan el modernismo: el primero es la música que refleja representaciones narrativas de la mente; y el segundo es la música como un vocabulario que enfrenta la posibilidad de describir comportamientos psicológicos en el lenguaje. [12]
El término "modernismo" (y el término "posmoderno") se ha aplicado ocasionalmente a algunos géneros de música popular , pero sin una definición muy clara.
Por ejemplo, el profesor de estudios culturales Andrew Goodwin escribe que "dada la confusión de los términos, la identificación de textos posmodernos ha abarcado una profusión extraordinariamente divergente e incoherente de instancias textuales... En segundo lugar, existen debates dentro de la música popular sobre pastiche y autenticidad. 'Modernismo' significa algo bastante diferente dentro de cada uno de estos dos campos... Esta confusión es obvia en un intento formativo temprano de entender la música rock en términos posmodernos". [13] Goodwin sostiene que los ejemplos de modernismo en la música popular generalmente no se citan porque " socava la tesis posmoderna de la fusión cultural, en su esfuerzo explícito por preservar una noción burguesa del arte en oposición al rock y pop 'comercial' dominante". [14]
El autor Domenic Priore escribe que: "el concepto de modernismo estaba ligado a la construcción misma del área metropolitana de Los Ángeles, en un momento en que la ciudad estaba empezando a cobrar importancia como centro cultural internacional"; [15] parece que la palabra se utiliza aquí como un equivalente del término "moderno". Priore cita " River Deep – Mountain High " de Ike & Tina Turner (1966) y " Good Vibrations " de los Beach Boys (1966). Deseando "un toque de R&B moderno y vanguardista " para la grabación de este último, el miembro del grupo y coautor de la canción Brian Wilson consideró la música "Rythm and blues avanzado", pero recibió críticas de sus compañeros de banda, que ridiculizaron la canción por ser "demasiado moderna" durante su realización. [16]
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En la última década, antes del cambio de siglo, la era romántica en la música había entrado en su último período, en el que se estaban produciendo grandes cambios. Entre los mayores cambios se encontraba el sistema tonal tradicional, que ahora se veía llevado al límite por compositores como Gustav Mahler, que empezó a incorporar tonalidad progresiva [17] en sus piezas. Los impresionistas, como Claude Debussy, también empezaron a experimentar con tonalidades ambiguas y escalas exóticas. "La percepción del lenguaje compositivo de Debussy como decididamente posromántico/impresionista —matizado, sobrio y sutil— está firmemente consolidada entre los músicos actuales y el público bien informado". [18] Aunque esta no es la primera vez que los compositores comenzaron a empujar los límites de la tonalidad como se puede ver en las obras de Richard Wagner en Tristan und Isolde [19] y en las obras de Franz Liszt en Bagatelle sans tonalité , [20] estas prácticas se volvieron mucho más comunes dentro del período romántico tardío . Esta ruptura con la tonalidad finalmente llegó a un punto crítico en 1908 cuando Arnold Schoenberg compuso el segundo cuarteto de cuerdas , Op. 10, con soprano. El último movimiento de esta pieza no contiene armadura de clave, [21] marcando un punto de transición decisivo del Romanticismo al Modernismo.
En el marco de esta nueva era modernista, se fundaron varios movimientos paralelos como reacción contra el romanticismo tardío. Entre los más destacados se encuentran el expresionismo, con Arnold Schoenberg y la Segunda Escuela de Viena como sus principales promotores, el primitivismo , con Igor Stravinsky como su compositor más influyente, y el futurismo, con Luigi Russolo como uno de sus principales defensores.
El expresionismo musical está estrechamente asociado con la música de la Segunda Escuela Vienesa durante su período "atonal libre" de 1908 a 1921. [22] Uno de los principales objetivos de este movimiento era evitar las "formas tradicionales de belleza" para transmitir sentimientos poderosos en su música. [23] En esencia, la música expresionista a menudo presenta un alto nivel de disonancia, contrastes extremos de dinámica, cambio constante de texturas, melodías y armonías "distorsionadas" y melodías angulares con grandes saltos. [24]
El primitivismo fue un movimiento que pretendía rescatar el folclore más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno o modernista. Similar al nacionalismo en su afán por rescatar las tradiciones locales, el primitivismo también incorporó métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y otros timbres , escalas modales y armonía politonal . Entre las obras importantes de este estilo se encuentran El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911), La consagración de la primavera (1913) y El mandarín milagroso (1926). Dentro de este movimiento, los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Ígor Stravinski y el húngaro Béla Bartók , aunque la obra de ambos supera con creces la denominación de "primitivista".
Compositores italianos como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo ayudaron al desarrollo del futurismo musical . Este género intenta recrear sonidos cotidianos y colocarlos dentro de un contexto "futurista". La "música de máquina" de George Antheil (comenzando con su segunda sonata, "El avión") y Alexander Mosolov (más notoriamente con su Fundición de hierro ) se desarrolló a partir de esto.
El proceso de ampliación del vocabulario musical mediante la exploración de todos los tonos disponibles se vio impulsado aún más por el uso de microtonos . Esto se puede ver en obras de compositores como Charles Ives , Julián Carrillo , Alois Hába , John Foulds , Ivan Wyschnegradsky , Harry Partch y Mildred Couper . Los microtonos son intervalos que son más pequeños que un semitono ; las voces humanas y las cuerdas sin trastes pueden producirlos fácilmente al colocarse entre las notas "normales", sin embargo, otros instrumentos musicales tendrán más dificultades para lograr el mismo resultado. El piano y el órgano no tienen forma de producirlos en absoluto, aparte de la resintonización o de una reconstrucción importante.
En los Estados Unidos , Charles Ives comenzó a integrar las tradiciones estadounidenses y europeas, así como los estilos coloquiales y eclesiásticos, al tiempo que utilizaba técnicas innovadoras en su armonía, ritmo y forma. [25] Sus técnicas incluían el uso de polirritmia , politonalidad , grupos de tonos , cuartos de tono y elementos aleatorios . Este nuevo estilo experimental de composición influyó en varios compositores estadounidenses que llegaron a ser conocidos colectivamente como los Cinco Americanos .
A principios de la década de 1920, Schoenberg desarrolló la técnica de los doce tonos , un método de composición musical que garantiza que las 12 notas de la escala cromática suenen con la misma frecuencia unas con otras en una composición, al tiempo que evita el énfasis en ninguna nota [26] mediante el uso de filas de tonos y el ordenamiento de las 12 clases de tonos . Esta nueva técnica fue rápidamente adoptada por los miembros de la Segunda Escuela de Viena , en particular Anton Webern, quien refinó el sistema y se convirtió en una influencia masiva para el desarrollo del serialismo .
Después del final de la Primera Guerra Mundial , Igor Stravinsky comenzó a regresar a las tradiciones compositivas prerrománticas pasadas en busca de inspiración y escribió obras que extrajeron elementos como la forma, la armonía, la melodía y la estructura de ellas. Este estilo de música llegó a conocerse como neoclasicismo y llegó a ser el estilo dominante de composición durante el período de entreguerras . Las obras importantes de este estilo incluyen; Pulcinella , Sinfonía clásica , Le Tombeau de Couperin , El retablo de maese Pedro y Sinfonía: Mathis der Maler . Un grupo destacado de compositores en su mayoría franceses conocidos como Les Six fueron especialmente influenciados por este método de composición.
Un movimiento similar se apoderó de la Alemania de posguerra como reacción contra el sentimentalismo del Romanticismo tardío y la agitación emocional del expresionismo . Este modelo de composición, conocido como Nueva Objetividad , se remontaba a los modelos de la era barroca y utilizaba formas tradicionales y estructuras polifónicas estables , combinadas con disonancias modernas y ritmos inspirados en el jazz . Paul Hindemith fue el compositor más destacado de este estilo.
La década de 1930 resultó ser una época difícil para la escena musical modernista en Europa después de que Adolf Hitler y el Partido Nazi tomaran el poder en Alemania y los austrofascistas tomaran el poder en Austria . Como resultado, la mayoría de la música modernista que presentaba atonalidad , disonancia y "ritmos perturbadores" fue considerada música degenerada y prohibida. La música de Alban Berg , Hans Eisler , Paul Hindemith , Arnold Schoenberg , Anton von Webern , Kurt Weill y otros compositores anteriormente destacados, así como compositores judíos como Felix Mendelssohn , Giacomo Meyerbeer , Jacques Offenbach e incluso George Gershwin e Irving Berlin , ya no fueron programados ni se les permitió ser interpretados. [27] Como resultado de estas nuevas políticas, muchos compositores modernistas destacados como Arnold Schoenberg e Igor Stravinsky se vieron obligados a huir a los Estados Unidos, mientras que otros como Anton Webern se vieron obligados a componer sus obras en secreto.
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La Segunda Guerra Mundial fue devastadora para Europa y una nueva generación de compositores tuvo que retomar el rumbo y restablecer la escena de la música de arte . A través del redescubrimiento y la promoción de compositores de antes de la guerra como Anton Webern y Edgard Varèse , así como los desarrollos más recientes iniciados por el compositor francés Olivier Messiaen , el serialismo llegó a ser uno de los métodos dominantes de composición dentro del establishment de la música de arte durante las siguientes décadas. También influenciado por otras obras pioneras de la Segunda Escuela de Viena , a partir de 1946, el Darmstädter Ferienkurse comenzó un programa anual de verano en Darmstadt , Alemania, donde se enseñaban y promovían formas modernistas de música clásica. Entre los compositores más importantes que surgieron de estos cursos se incluyen Pierre Boulez , Bruno Maderna , Luigi Nono y Karlheinz Stockhausen . Juntos, este grupo llegó a ser conocido colectivamente como la Escuela de Darmstadt . Entre sus principales objetivos estaba restablecer y expandir las filosofías serialistas establecidas por personas como Arnold Schoenberg y Anton Webern . [28] También se alentó a Igor Stravinsky a explorar la música serial y los compositores de la Segunda Escuela de Viena , comenzando el tercer y último período musical distinto de Stravinsky, que duró desde 1954 hasta su muerte en 1971. [29] [30] [31] Sin embargo, algunos compositores más tradicionales como Dmitri Shostakovich y Benjamin Britten mantuvieron un estilo tonal de composición a pesar del destacado movimiento serialista.
Los Estados Unidos tomaron una dirección algo diferente hacia el modernismo en comparación con sus contrapartes europeas en la era temprana de la posguerra. Compositores estadounidenses como John Cage , Morton Feldman , Earle Brown y Christian Wolff [32] formaron un círculo informal de músicos llamado la Escuela de Nueva York . Este grupo estaba mucho menos preocupado por trabajar con el serialismo y más bien se centró en experimentar con el azar. Sus composiciones influyeron en la música y los eventos del grupo Fluxus , y tomaron su nombre de los pintores expresionistas abstractos . Sin embargo, compositores como Milton Babbitt , George Rochberg y Roger Sessions crearon sus propias extensiones del serialismo dodecafónico de Schoenberg .
Uno de los desarrollos más importantes e influyentes de la escena musical modernista en Estados Unidos fue el concepto de indeterminación en la música . Encabezado por John Cage , este nuevo enfoque de composición dejó algunos aspectos de una obra musical abiertos al azar o a la libre elección del intérprete. Esto se puede ver en Music of Changes (1951) de Cage, donde el compositor selecciona la duración, el tempo y la dinámica utilizando el I Ching , un antiguo libro chino que prescribe métodos para llegar a números aleatorios. [33] Otro ejemplo es "Intersection No. 2" (1951) de Morton Feldman para piano solo, escrito en papel de coordenadas. Las unidades de tiempo están representadas por los cuadrados vistos horizontalmente, mientras que los niveles de tono relativos de alto, medio y bajo se indican por tres cuadrados verticales en cada fila. El intérprete determina qué tonos y ritmos particulares tocar. [34]
En Europa se desarrolló un método de composición similar. Conocido como " música aleatoria " por Meyer-Eppler y popularizado por el compositor francés Pierre Boulez , [35] este nuevo estilo compositivo no entregó completamente su creación e interpretación al azar, sino que los eventos notados son proporcionados por el compositor, pero su disposición se deja a la determinación del intérprete. Un ejemplo destacado de este estilo se puede ver en la obra Klavierstück XI (1956) de Karlheinz Stockhausen , donde los diecinueve eventos presentados están compuestos y notados de manera tradicional, pero la disposición de estos eventos es determinada por el intérprete espontáneamente durante la interpretación. Otro ejemplo se puede ver en Available forms II (1962) de Earle Brown , donde se le pide al director que decida el orden de los eventos en el momento mismo de la interpretación. [36]
Poco después del final de la Segunda Guerra Mundial también se estaban gestando importantes avances en la música electrónica . A finales de los años 1940, el ingeniero acústico y radiocientífico Pierre Schaeffer creó un nuevo estilo de composición llamado Musique concrète , en el que se utilizan sonidos grabados como materia prima. [37] Estos sonidos grabados suelen modificarse mediante la aplicación de técnicas de procesamiento de señales de audio y música en cinta , y pueden ensamblarse en una forma de collage de sonido . [nb 1] Las obras pioneras de Schaeffer atrajeron e inspiraron a una nueva generación de compositores como Olivier Messiaen , Karlheinz Stockhausen , Iannis Xenakis , Pierre Boulez , entre otros, para probar suerte en este nuevo mundo y desarrollar sus propias innovaciones.
Basándose en elementos aleatorios y componentes electrónicos, se incorporaron conceptos matemáticos y científicos para producir música estocástica . Iniciados por las obras del compositor griego Iannis Xenakis , ejemplos importantes de composiciones que se basan en conceptos de la ciencia física incluyen; el uso de la mecánica estadística de los gases en Pithoprakta , restricciones mínimas en Achorripsis , cadenas de Markov en Analogiques , distribución estadística de puntos en un plano en Diamorphoses , el uso de la distribución normal en ST/10 y Atrées , el movimiento browniano en N'Shima , la teoría de juegos en Duel y Stratégie , la teoría de grupos en Nomos Alpha (para Siegfried Palm ) y la teoría de conjuntos en Herma y Eonta . [39] Xenakis también utilizó con frecuencia computadoras para producir sus composiciones, como la serie ST que incluye Morsima-Amorsima y Atrées . Compositores estadounidenses como Lejaren Hiller y Leonard Issacson también utilizaron gramáticas generativas y cadenas de Markov en su Suite Illiac de 1957 .
A partir de 1944, Elliott Carter comenzó a incorporar procesos en sus composiciones, como en su Sonata para piano y su Primer cuarteto de cuerdas. [40] [41] Básicamente, las notas a través del tono y el tiempo se estiraron en un cambio a largo plazo con transformaciones limitadas de los eventos musicales. Este nuevo estilo de composición llegó a conocerse como música de proceso y sería adoptado por los serialistas durante la década de 1960. Los minimalistas también adoptarían este enfoque en la década siguiente. [42] Otros ejemplos destacados de obras que incorporan procesos incluyen; Nr. 5, met zuivere tonen (1953), Kreuzspiel (1951), [43] Plus-Minus (1963), Prozession (1967), It's Gonna Rain (1965), [44] Come Out (1966), [44] y Reed Phase (1966).
En 1977, el compositor francés Pierre Boulez fundó el Institut de Recherche et Coordination Acoustique / Musique (IRCAM), cuyos objetivos incluían la investigación en acústica, diseño instrumental y el uso de computadoras en música. [45] El espectralismo , que surgió originalmente en Francia a principios de la década de 1970, había recibido gran parte de su desarrollo y refinamiento a través de esta institución. La composición de música espectral a menudo se basaba en representaciones sonográficas y análisis matemáticos de espectros de sonido, o en espectros generados matemáticamente. Este nuevo estilo también surgió en parte como una reacción y una alternativa a la estética principalmente centrada en el tono de las composiciones serialistas y post-serialistas que eran comunes en la época. [46] Las dos escuelas más destacadas en música espectral fueron el Ensemble l'Itinéraire francés encabezado por Gérard Grisey y Tristan Murail y el grupo Feedback alemán encabezado por Péter Eötvös y Claude Vivier . De la misma manera, las técnicas espectrales pronto serían adoptadas por una variedad más amplia de compositores, como Magnus Lindberg y Kaija Saariaho . [47]
En el Reino Unido , un grupo de compositores comenzó a escribir partituras en una notación musical cada vez más compleja que a menudo era atonal , altamente abstracta y disonante en sonido. Acuñado como Nueva Complejidad , la primera mención destacada se encuentra en el artículo de Richard Toop "Cuatro facetas de la Nueva Complejidad", [48] este nuevo estilo ganó fuerza en Europa continental, particularmente a través del Darmstädter Ferienkurse en los años 1980 y 1990. Las figuras más influyentes de este movimiento fueron Brian Ferneyhough y Michael Finnissy .
Durante los años 1960 y 1970, comenzó a surgir una reacción contra el serialismo estricto promovido por grupos como la Escuela de Darmstadt , que esencialmente se había apoderado del establishment musical académico. En Estados Unidos , había surgido una nueva forma de música artística llamada música minimalista como reacción contra la complejidad percibida como extrema e insuperable del serialismo . [49] En cambio, la música minimalista se centra en la repetición de acordes comunes que cambian lentamente en ritmos constantes, a menudo superpuestos con una melodía lírica en frases largas y arqueadas. [50]
Europa también experimentó una reacción similar contra el serialismo estricto , como se puede ver en el surgimiento del movimiento de la Nueva Simplicidad encabezado por compositores como Wolfgang Rihm . En general, estos compositores se esforzaron por lograr una inmediatez entre el impulso creativo y el resultado musical, lo que contrasta con la elaborada planificación precompositiva característica de los Altos Modernistas. Algunos escritores sostienen que el representante de la Escuela de Darmstadt, Karlheinz Stockhausen , había anticipado esta reacción a través de una simplificación radical de su estilo lograda entre 1966 y 1975, que culminó en sus melodías Tierkreis . [51] [52] [53]
El impresionismo fue un movimiento entre varios compositores de música clásica occidental desde aproximadamente 1890 hasta 1920, cuya música se centra en el estado de ánimo y la atmósfera. [54] Al igual que el impresionismo en la pintura y el impresionismo en la literatura, el impresionismo musical intenta representar impresiones de momentos. La característica más destacada de la música impresionista es el timbre y la instrumentación . Las capas de niveles musicales son típicas, pero también incluyen: un bajo profundo pero no intrusivo, voces medias en movimiento y un motivo significativo en las voces superiores, y no está sujeto a las leyes del procesamiento clásico-romántico habitual (disminución, secesión, etc.) sino que se trata de forma más bien asociativa. Los compositores más notables de este movimiento incluyen a Claude Debussy , Erik Satie y Maurice Ravel .
El expresionismo fue un movimiento musical en el que los compositores buscaban una inmediatez subjetiva de expresión, extraída lo más directamente posible del alma humana. Para lograrlo, se deseaba una ruptura con la tradición en lo que respecta a la estética tradicional y las formas anteriores. Estilísticamente, es particularmente sorprendente el cambio de función de las disonancias : aparecen en pie de igualdad con las consonancias y ya no se resuelven, lo que también se llamó la "emancipación de la disonancia". El sistema tonal se disuelve en gran medida y se expande hacia la atonalidad . Las características musicales incluyen: tonos extremos, contrastes dinámicos extremos (de susurros a gritos, de pppp a ffff ), líneas melódicas irregulares con grandes saltos; ritmo libre sin límites métricos e instrumentación novedosa . Forma: estructura de período asimétrica; sucesión rápida de momentos contrastantes; piezas "aforísticas" a menudo muy breves. Los principales representantes de este movimiento son los compositores de la Segunda Escuela Vienesa: Arnold Schoenberg , Anton Webern y Alban Berg .
La Segunda Escuela de Viena fue un grupo de compositores formado por Arnold Schoenberg y sus alumnos, entre los que destacan Alban Berg y Anton Webern , así como colaboradores cercanos de la Viena de principios del siglo XX . Su música se caracterizó inicialmente por una tonalidad expandida del Romanticismo tardío . Sin embargo, su estilo compositivo evolucionaría hacia un expresionismo totalmente cromático sin un centro tonal firme, a menudo denominado atonalidad . Incluso más tarde, a principios de la década de 1920, este grupo adoptaría la técnica dodecafónica serial de Schoenberg . Muy promovida por críticos y musicólogos como Theodor Adorno , la música de la Segunda Escuela de Viena se apoderaría de los círculos intelectuales y del mundo de la música artística , especialmente después de la conclusión de la Segunda Guerra Mundial.
El primitivismo fue un movimiento que pretendía incorporar el folclore más arcaico y a menudo pagano de ciertas regiones de Europa a las composiciones musicales modernistas. Similar al nacionalismo en su afán por rescatar las tradiciones locales, el primitivismo también incorporó métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y otros timbres , escalas modales y armonía politonal . Dentro de este movimiento, los compositores más destacados fueron el ruso Ígor Stravinski y el húngaro Béla Bartók , aunque la obra de ambos excede con creces la denominación de «primitivista».
El futurismo fue un movimiento originado en Italia que rechazó la tradición e introdujo sonidos experimentales inspirados en la maquinaria. Gran parte de los orígenes de este nuevo género se remontan al pintor y compositor Luigi Russolo , quien en 1913 publicó su innovador manifiesto, El arte de los ruidos , en el que pedía la incorporación de ruidos de todo tipo a la música. [55] Esto inspiró a sus compañeros compositores italianos Francesco Balilla Pratella y Franco Casavola a seguir sus pasos. Esta nueva estética también fue rápidamente adoptada por la vanguardia rusa, creando un movimiento paralelo de futuristas rusos . Entre los compositores rusos más destacados de esta tradición se incluyen Mikhail Matyushin y Nikolai Roslavets .
Los American Five fueron un grupo de compositores experimentales estadounidenses que a menudo implementaron polirritmia , politonalidad , grupos de tonos , cuartos de tono y elementos aleatorios dentro de su música. Liderados por Charles Ives , se destacaron por sus piezas inusuales y a menudo disonantes que rompieron con las técnicas de composición europeas para crear un estilo exclusivamente estadounidense. [56] Los miembros principales de este grupo fueron Charles Ives , John J. Becker , Wallingford Riegger , Henry Cowell y Carl Ruggles . [57] [58]
El neoclasicismo fue un movimiento, especialmente frecuente durante el período de entreguerras , en el que los compositores buscaron volver a los preceptos estéticos asociados con el concepto ampliamente definido de " clasicismo ", a saber, orden, equilibrio, claridad, economía y moderación emocional. Como tal, el neoclasicismo fue una reacción contra el emocionalismo desenfrenado y la falta de forma percibida del Romanticismo tardío , así como un "llamado al orden" después del fermento experimental de las primeras dos décadas del siglo XX. El impulso neoclásico encontró su expresión en características tales como el uso de fuerzas interpretativas reducidas, un énfasis en el ritmo y en la textura contrapuntística , una armonía tonal actualizada o expandida y una concentración en la música absoluta en oposición a la música programática romántica . Los principales representantes de este movimiento son Ígor Stravinski y Serguéi Prokófiev .
Les Six fueron un grupo de seis compositores, cinco de ellos franceses y uno suizo, que trabajaron principalmente en la región de Montparnasse de París , Francia . Componiendo en el estilo neoclásico de Igor Stravinsky , su música a menudo fue vista como una reacción tanto contra el Romanticismo alemán tardío de Gustav Mahler como contra el cromatismo impresionista de Claude Debussy . También se inspiraron en gran medida en la música de Erik Satie y la poesía de Jean Cocteau . Los miembros principales de este grupo fueron Georges Auric , Louis Durey , Arthur Honegger , Darius Milhaud , Francis Poulenc y Germaine Tailleferre .
La Escuela de Darmstadt se refiere a un grupo de compositores que estuvieron asociados con el Darmstädter Ferienkurse de los años 1950 y 1960 centrado en Darmstadt , Alemania. Muy influenciados por la técnica dodecafónica de Arnold Schoenberg , la desarrollaron aún más para implementar el serialismo integral como base de sus composiciones. También aplicaron a menudo técnicas electroacústicas y aleatorias en sus obras. Otras influencias clave de la Escuela incluyeron las obras de Anton Webern , Edgard Varèse , [59] y " Mode de valeurs et d'intensités " de Olivier Messiaen (de los Quatre études de rythme ). Los compositores más destacados incluyen a Pierre Boulez , Bruno Maderna , Luigi Nono y Karlheinz Stockhausen .
La Escuela de Nueva York fue un círculo informal de músicos y compositores experimentales activos en las décadas de 1950 y 1960, originarios de la ciudad de Nueva York. A menudo se inspiraron en el dadaísmo y los movimientos artísticos de vanguardia contemporáneos. Su música a menudo mostraba indeterminación , propiedades electroacústicas y un uso no estándar de instrumentos musicales . En particular, estuvieron muy influenciados por las obras experimentales pioneras de Charles Ives , Henry Cowell y Edgard Varèse . Los compositores más destacados de esta escuela compositiva incluyen a John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , Morton Feldman y David Tudor .
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La técnica dodecafónica es un método de composición musical desarrollado por el compositor austríaco Arnold Schoenberg , en el que las 12 notas de la escala cromática suenan con la misma frecuencia en una pieza musical, evitando al mismo tiempo el énfasis en una sola nota [26] mediante el uso de filas de tonos , ordenamientos de las 12 clases de tonos . De este modo, a las 12 notas se les da más o menos la misma importancia y la música evita estar en una tonalidad . La técnica de Schoenberg sería adoptada primero por otros miembros de la Segunda Escuela Vienesa , sobre todo Alban Berg y Anton Webern . Sin embargo, su uso se expandiría enormemente después de la Segunda Guerra Mundial a través de su promoción por parte de la Escuela de Darmstadt , compositores estadounidenses como Milton Babbitt y su adopción por Igor Stravinsky después de abandonar su período neoclásico a principios de la década de 1950.
El serialismo es un método de composición en el que se utiliza una serie fija de notas, normalmente las doce notas de la escala cromática , para generar la base armónica y melódica de una pieza y están sujetas a cambios solo de formas específicas. El serialismo comenzó principalmente con la técnica dodecafónica de Arnold Schoenberg , aunque algunos de sus contemporáneos también estaban trabajando para establecer el serialismo como una forma de pensamiento postonal . El serialismo de la Segunda Escuela Vienesa anterior a la Segunda Guerra Mundial se componía en la que una serie recurrente de elementos ordenados (normalmente un conjunto —o fila— de tonos o clases de tonos ) se usaba en orden o se manipulaba de formas particulares para dar unidad a una pieza. En la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial, el serialismo integral, que fue desarrollado principalmente por la Escuela de Darmstadt , incorporó el uso de series para aspectos como la duración, la dinámica y el registro, así como el tono. [60] Los compositores más destacados de esta técnica compositiva incluyen a Arnold Schoenberg , Anton Webern , Alban Berg , Karlheinz Stockhausen , Pierre Boulez , Luigi Nono , Milton Babbitt , Igor Stravinsky , Henri Pousseur , Charles Wuorinen y Jean Barraqué .
La música concreta ( del francés : "música concreta") es una forma de música electroacústica que utiliza sonidos grabados como recurso compositivo. El material compositivo se modifica comúnmente mediante la aplicación de técnicas de procesamiento de señales de audio y música en cinta , y se puede ensamblar en una estructura de collage de sonido . [38] La base teórica de esta práctica compositiva fue desarrollada por el compositor francés Pierre Schaeffer a principios de la década de 1940. Otros compositores destacados que utilizaron o fueron influenciados por esta técnica compositiva incluyen a Pierre Henry , Luc Ferrari , Pierre Boulez , Karlheinz Stockhausen , Edgard Varèse e Iannis Xenakis .
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La indeterminación en la música es un método de composición en el que algunos o todos los aspectos de una obra musical se dejan al azar o a la libre elección del intérprete. Su primera adopción significativa se puede atribuir a las obras del compositor estadounidense Charles Ives escritas a principios del siglo XX. Las ideas de Ives fueron desarrolladas aún más en la década de 1930 por Henry Cowell en obras como el Cuarteto Mosaico (Cuarteto de cuerdas n.º 3, 1934), en el que se permite a los intérpretes organizar los fragmentos musicales en varias secuencias posibles diferentes. Durante la década de 1950, el desarrollo de esta técnica alcanzó su apogeo en las obras de John Cage y la Escuela de Nueva York , donde el azar es adoptado por una amplia gama de compositores.
La música aleatoria es un estilo de composición en el que algún elemento de una obra compuesta se deja a la indeterminación , o en otras palabras, a la determinación del intérprete o intérpretes. El término se hizo conocido por los compositores europeos a través de las conferencias del acústico Werner Meyer-Eppler en el Darmstädter Ferienkurse a principios de la década de 1950. Sin embargo, a diferencia de sus homólogos estadounidenses , muchos compositores europeos no dejaban completamente la interpretación de sus obras al azar . En cambio, componían y escribían varios caminos separados dentro de su música en los que el intérprete tenía la libertad de elegir el arreglo. [36] Los compositores más destacados de este estilo incluyen a Pierre Boulez , Karlheinz Stockhausen e Iannis Xenakis .
La música estocástica es un estilo compositivo iniciado por el compositor griego Iannis Xenakis en el que se utilizan procesos matemáticos que suelen encontrarse en la estadística , la probabilidad y la física para generar partituras. Los procesos estocásticos también se pueden utilizar en composiciones para crear una notación fija en la pieza o, alternativamente, se pueden producir en tiempo real durante una interpretación. Las computadoras también se utilizaron con frecuencia para producir este tipo de música. Los compositores más destacados de este estilo incluyen a Iannis Xenakis , Gottfried Michael Koenig , Jean-Claude Risset y Lejaren Hiller .
La música de proceso es un estilo de composición en el que se genera una partitura mediante un proceso que es audible para el público o que se oculta deliberadamente. Estos procesos pueden implicar sistemas específicos de selección y organización de notas a través del tono y el tiempo , que a menudo implican un cambio a largo plazo con una cantidad limitada de material musical, o transformaciones de eventos musicales que ya son relativamente complejos en sí mismos. Originado en composiciones seriales , [61] este estilo también llegó a ser ampliamente adoptado más tarde por los minimalistas . [42] Entre los compositores destacados de este estilo se incluyen Karlheinz Stockhausen , Elliott Carter , Karel Goeyvaerts y Steve Reich .
