La música absoluta (a veces música abstracta ) es música que no trata explícitamente de nada; a diferencia de la música programada , no es representativa . [1] La idea de música absoluta se desarrolló a fines del siglo XVIII en los escritos de autores del Romanticismo alemán temprano , como Wilhelm Heinrich Wackenroder , Ludwig Tieck y E. T. A. Hoffmann, pero el término no se acuñó hasta 1846, cuando fue utilizado por primera vez por Richard Wagner en un programa para la Novena Sinfonía de Beethoven . [1] [2]
Las ideas estéticas que subyacen a la música absoluta se derivan de los debates sobre el valor relativo de lo que en los primeros años de la teoría estética se conocía como las bellas artes. Kant , en su Crítica del juicio , desestimó la música como "más una cuestión de disfrute que de cultura" y "menos valiosa a juicio de la razón que cualquier otra de las bellas artes" [3] debido a su falta de contenido conceptual, tratando así como un déficit la característica misma de la música que otros celebraban. Johann Gottfried Herder , en cambio, consideraba que la música era la más alta de las artes debido a su espiritualidad, que Herder atribuía a la invisibilidad del sonido. [4] Las discusiones resultantes entre músicos, compositores, historiadores musicales y críticos continúan hoy en día.
Un grupo de románticos formado por Johann Gottfried Herder , Johann Wolfgang Goethe , Jean Paul Richter y E. T. Hoffmann dieron origen a la idea de lo que puede etiquetarse como "absolutismo espiritual". [5] En este sentido, la música instrumental trasciende otras artes y lenguajes para convertirse en el discurso de un "reino superior", una idea expresada en la reseña de Hoffmann de la Quinta Sinfonía de Beethoven, publicada en 1813. [6] Estos pensadores creían que la música podía ser más poderosa y estimulante emocionalmente sin palabras. Según Richter, la música eventualmente "sobreviviría" a la palabra. [7]
El formalismo es el concepto de la música por la música, o de que el "significado" de la música reside enteramente en su forma. En este sentido, la música no tiene ningún significado extramusical y se disfruta apreciando su estructura formal y su construcción técnica. [8] El crítico musical del siglo XIX Eduard Hanslick sostenía que la música podía disfrutarse como puro sonido y forma, y que no necesitaba ninguna connotación de elementos extramusicales para justificar su existencia. Sostenía que, de hecho, estas ideas e imágenes extramusicales restaban valor a la belleza de la música.
La música no tiene tema más allá de las combinaciones de notas que oímos, porque la música no habla sólo por medio de sonidos, no habla nada más que sonido.
—Eduard Hanslick [9]
Por lo tanto, el formalismo rechazó géneros como la ópera , la canción y los poemas sinfónicos , ya que transmitían significados explícitos o imágenes programáticas. Las formas sinfónicas se consideraban más puras estéticamente. (El final coral de la Novena Sinfonía de Beethoven , así como la Sexta Sinfonía programática , se volvieron problemáticos para los críticos formalistas que habían defendido al compositor como pionero de lo Absoluto, especialmente con los últimos cuartetos de cuerda de Beethoven). Carl Dahlhaus describió la música absoluta como música sin un "concepto, objeto y propósito". [10]
Richard Wagner fue un opositor vocal de la música absoluta, una frase que él acuñó. [11] Wagner consideró que el final coral de la Novena Sinfonía de Beethoven era la prueba de que la música funciona mejor con palabras, diciendo famosamente: "Allí donde la música no puede ir más allá, llega la palabra ... la palabra se eleva por encima del tono". [12] Wagner también llamó a la Novena Sinfonía de Beethoven la sentencia de muerte de la sinfonía, porque estaba mucho más interesado en combinar todas las formas de arte con su Gesamtkunstwerk .
Hoy en día, el debate continúa sobre si la música tiene, o debería tener, un significado extramusical o no. Sin embargo, la mayoría de las opiniones contemporáneas [ ¿cuáles? ] , que reflejan ideas que surgen de las opiniones sobre la subjetividad en el significado lingüístico que surgen de la lingüística cognitiva , así como el trabajo de Kuhn sobre los sesgos culturales en la ciencia y otras ideas sobre el significado y la estética (por ejemplo, Wittgenstein sobre las construcciones culturales en el pensamiento y el lenguaje [13] ), parecen estar avanzando hacia un consenso de que la música proporciona al menos algún significado o significado, en términos del cual se entiende .
Las bases culturales de la comprensión musical han sido resaltadas en la obra de Philip Bohlman , quien considera la música como una forma de comunicación cultural:
Hay quienes creen que la música no representa nada más que a sí misma. Yo sostengo que constantemente le estamos dando nuevas y diferentes capacidades para que represente quienes somos. [14]
Bohlman continuó argumentando que el uso de la música, por ejemplo entre la diáspora judía , era de hecho una forma de construcción de identidad .
Susan McClary ha criticado la noción de "música absoluta", argumentando que toda música, ya sea explícitamente programática o no, contiene programas implícitos que reflejan los gustos, la política, las filosofías estéticas y las actitudes sociales del compositor y su situación histórica. Estos académicos argumentarían que la música clásica rara vez trata de nada, sino que refleja gustos estéticos que están influidos por la cultura, la política y la filosofía. Los compositores a menudo están atados a una red de tradición e influencia, en la que se esfuerzan por situarse conscientemente en relación con otros compositores y estilos. [15] Lawrence Kramer , por otro lado, cree que la música no tiene medios para reservar una "capa o bolsillo específico para el significado. Una vez que se ha puesto en conexión sostenible con una estructura de prejuicios, la música simplemente se vuelve significativa". [16]
La música que parece exigir una interpretación, pero es lo suficientemente abstracta como para justificar la objetividad (por ejemplo, la Sexta Sinfonía de Chaikovski ), es lo que Lydia Goehr llama "autonomía de doble cara". [17] Esto sucede cuando las propiedades formalistas de la música se volvieron atractivas para los compositores porque, al no tener un significado del cual hablar, la música podía usarse para imaginar un orden cultural y/o político alternativo, al tiempo que escapaba al escrutinio de la censura.
Sobre el tema del significado musical, Wittgenstein , en varios puntos de su diario tardío Cultura y valor , [18] atribuye significado a la música, por ejemplo, que en el final se está sacando una conclusión, por ejemplo:
[Uno] puede señalar lugares específicos en una melodía de Schubert y decir: mira, ese es el punto de la melodía, aquí es donde el pensamiento llega a su punto culminante.
Jerrold Levinson se basó ampliamente en Wittgenstein para comentar:
La música inteligible se encuentra en la misma relación con el pensamiento literal que el discurso verbal inteligible. Si esa relación no es la ejemplificación sino, por ejemplo, la expresión, entonces la música y el lenguaje están, en cualquier caso, en el mismo barco, y bastante cómodo. [19]