El arte griego antiguo se destaca entre el de otras culturas antiguas por su desarrollo de representaciones naturalistas pero idealizadas del cuerpo humano, en las que las figuras masculinas, en su mayoría desnudas, eran generalmente el foco de innovación. El ritmo de desarrollo estilístico entre aproximadamente 750 y 300 a. C. fue notable para los estándares antiguos, y en las obras supervivientes se ve mejor en la escultura . Hubo innovaciones importantes en la pintura, que tienen que ser reconstruidas esencialmente debido a la falta de supervivencias originales de calidad, aparte del campo específico de la cerámica pintada.
La arquitectura griega , técnicamente muy simple, estableció un estilo armonioso con numerosas convenciones detalladas que fueron ampliamente adoptadas por la arquitectura romana y aún se siguen en algunos edificios modernos. Utilizó un vocabulario de ornamentación que compartía con la cerámica, la metalistería y otros medios, y tuvo una enorme influencia en el arte euroasiático , especialmente después de que el budismo lo llevara más allá del mundo griego expandido creado por Alejandro Magno . El contexto social del arte griego incluyó desarrollos políticos radicales y un gran aumento de la prosperidad; los logros griegos igualmente impresionantes en filosofía , literatura y otros campos son bien conocidos.
El arte más antiguo de los griegos generalmente se excluye del "arte griego antiguo", y en su lugar se lo conoce como arte neolítico griego seguido del arte egeo ; este último incluye el arte cicládico y el arte de las culturas minoica y micénica de la Edad del Bronce griega . [1] El arte de la antigua Grecia suele dividirse estilísticamente en cuatro períodos: el geométrico , el arcaico , el clásico y el helenístico . La edad geométrica suele datar de alrededor del año 1000 a. C., aunque en realidad se sabe poco sobre el arte en Grecia durante los 200 años anteriores, tradicionalmente conocidos como la Edad Oscura griega . El siglo VII a. C. fue testigo del lento desarrollo del estilo arcaico, ejemplificado por el estilo de figuras negras de la pintura de vasos. En general, se considera que el año 500 a. C., poco antes del inicio de las guerras médicas (480 a. C. a 448 a. C.), es la línea divisoria entre los períodos arcaico y clásico, y el reinado de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.) separa el período clásico del helenístico. A partir de algún momento del siglo I a. C. se utiliza el término "grecorromano", o términos más locales para referirse al mundo griego oriental. [2]
En realidad, no hubo una transición brusca de un período a otro. Las formas de arte se desarrollaron a diferentes velocidades en las distintas partes del mundo griego y, como en cualquier época, algunos artistas trabajaron en estilos más innovadores que otros. Las fuertes tradiciones locales y las exigencias de los cultos locales permiten a los historiadores localizar los orígenes incluso de obras de arte que se encuentran lejos de su lugar de origen. El arte griego de diversos tipos se exportó ampliamente. Durante todo el período se produjo un aumento generalmente constante de la prosperidad y de los vínculos comerciales dentro del mundo griego y con las culturas vecinas.
La tasa de supervivencia del arte griego difiere marcadamente entre los distintos medios. Tenemos enormes cantidades de cerámica y monedas, mucha escultura de piedra, aunque aún más copias romanas, y unas pocas esculturas de bronce de gran tamaño. Casi no hay pinturas, vasijas de metal fino y cualquier material perecedero, incluida la madera. Se ha conservado la estructura de piedra de varios templos y teatros, pero poco de su extensa decoración. [3]
Por convención, los vasos finamente pintados de todas las formas se denominan "vasos", y hay más de 100.000 piezas supervivientes significativamente completas, [5] que ofrecen (con las inscripciones que muchas llevan) una visión incomparable de muchos aspectos de la vida griega. La cerámica escultórica o arquitectónica, también muy a menudo pintada, se conoce como terracotas , y también sobrevive en grandes cantidades. En gran parte de la literatura, "cerámica" significa solo vasos pintados o "vasos". La cerámica era la forma principal de ajuar funerario depositado en las tumbas, a menudo como "urnas funerarias" que contenían las cenizas cremadas , y se exportaba ampliamente.
El famoso y característico estilo de la pintura de vasos griegos, con figuras representadas con contornos marcados y líneas finas dentro de los mismos, alcanzó su apogeo entre los años 600 y 350 a. C. y se divide en dos estilos principales, casi inversos entre sí, la pintura de figuras negras y la pintura de figuras rojas , en la que el otro color forma el fondo en cada caso. Los demás colores eran muy limitados, normalmente a pequeñas áreas de blanco y otras más grandes de un rojo violáceo diferente. Dentro de las restricciones de estas técnicas y otras convenciones estrictas, los pintores de vasos lograron resultados notables, combinando refinamiento y expresión poderosa. La técnica de fondo blanco permitía más libertad en la representación, pero no se conservaba bien y se hacía principalmente para los entierros. [6]
Tradicionalmente, se dice que los antiguos griegos fabricaban la mayoría de los recipientes de cerámica para uso cotidiano, no para exhibición. Las excepciones son los grandes vasos monumentales arcaicos hechos como marcadores de tumbas, los trofeos ganados en juegos, como las ánforas Panateneas llenas de aceite de oliva, y las piezas hechas específicamente para ser dejadas en las tumbas; algunos frascos de perfume tienen un fondo para ahorrar dinero justo debajo de la boca, por lo que una pequeña cantidad hace que parezcan llenos. [7] En las últimas décadas, muchos académicos han cuestionado esto, al ver que se ha producido mucho más de lo que se pensaba anteriormente como hecho para ser colocado en tumbas, como un sustituto más barato para la metalistería tanto en Grecia como en Etruria. [8]
La mayor parte de la cerámica que sobrevive consiste en recipientes para almacenar, servir o beber líquidos, como ánforas , cráteras (cuencos para mezclar vino y agua), hidrias (jarras de agua), cuencos para libaciones, frascos de aceite y perfume para el baño, jarras y copas. Los recipientes pintados para servir y comer alimentos son mucho menos comunes. La cerámica pintada era asequible incluso para la gente común, y una pieza "decorada decentemente con unas cinco o seis figuras costaba alrededor de dos o tres días de salario". [9] También se produjeron miniaturas en grandes cantidades, principalmente para su uso como ofrendas en los templos. [10] En el período helenístico se produjo una gama más amplia de cerámica, pero la mayor parte es de poca importancia artística.
En épocas anteriores, incluso las ciudades griegas más pequeñas producían cerámica para su propia localidad. Estas variaban ampliamente en estilo y estándares. La cerámica distintiva que se clasifica como arte se produjo en algunas de las islas del Egeo , en Creta y en las ricas colonias griegas del sur de Italia y Sicilia . [12] Sin embargo, a finales del período Arcaico y principios del Clásico, las dos grandes potencias comerciales, Corinto y Atenas , llegaron a dominar. Su cerámica se exportó a todo el mundo griego, expulsando a las variedades locales. Las vasijas de Corinto y Atenas se encuentran en lugares tan lejanos como España y Ucrania , y son tan comunes en Italia que se recolectaron por primera vez en el siglo XVIII como "vasijas etruscas". [13] Muchas de estas vasijas son productos producidos en masa de baja calidad. De hecho, en el siglo V a. C., la cerámica se había convertido en una industria y la pintura de cerámica dejó de ser una forma de arte importante.
La gama de colores que se podían utilizar en las vasijas estaba limitada por la tecnología de cocción: el negro, el blanco, el rojo y el amarillo eran los más comunes. En los tres períodos anteriores, las vasijas conservaban su color claro natural y se decoraban con engobe que se volvía negro en el horno. [6]
La cerámica griega suele estar firmada, a veces por el alfarero o el maestro alfarero, pero sólo ocasionalmente por el pintor. Sin embargo, cientos de pintores son identificables por sus personalidades artísticas: cuando no han sobrevivido sus firmas, se les nombra por sus elecciones temáticas, como "el Pintor de Aquiles ", por el alfarero para el que trabajaron, como el " Pintor de Cleofrades " del Arcaico Tardío , o incluso por sus ubicaciones modernas, como el " Pintor de Berlín " del Arcaico Tardío. [14]
La historia de la cerámica griega antigua se divide estilísticamente en cinco períodos:
Durante los períodos protogeométrico y geométrico , la cerámica griega estaba decorada con diseños abstractos, en el primero generalmente elegantes y grandes, con mucho espacio sin pintar, pero en el geométrico a menudo cubrían densamente la mayor parte de la superficie, como en las grandes vasijas del Maestro Dipylon , que trabajó alrededor de 750. Él y otros alfareros de su época comenzaron a introducir figuras de siluetas muy estilizadas de humanos y animales, especialmente caballos. Estas a menudo representan procesiones fúnebres o batallas, presumiblemente representando las libradas por los difuntos. [15]
La fase geométrica fue seguida por un período orientalizante a finales del siglo VIII, cuando algunos animales, muchos de ellos míticos o no nativos de Grecia (como la esfinge y el león respectivamente) fueron adaptados del Cercano Oriente, acompañados de motivos decorativos, como el loto y la palmeta. Estos se mostraban mucho más grandes que las figuras anteriores. El estilo de la cabra salvaje es una variante regional, que muy a menudo muestra cabras . Las figuras humanas no fueron tan influenciadas por Oriente, pero también se volvieron más grandes y más detalladas. [16]
La técnica de figuras negras , que alcanzó su madurez plena y con detalles en rojo y blanco añadidos e incisiones para los contornos y los detalles, se originó en Corinto a principios del siglo VII a. C. y se introdujo en Ática aproximadamente una generación después; floreció hasta finales del siglo VI a. C. [17] La técnica de figuras rojas , inventada alrededor del 530 a. C., invirtió esta tradición, ya que las vasijas se pintaban de negro y las figuras de rojo. Los jarrones de figuras rojas reemplazaron lentamente al estilo de figuras negras. A veces, los vasos más grandes también se grababan y se pintaban. Los temas eróticos, tanto heterosexuales como homosexuales masculinos , se volvieron comunes. [18]
Hacia el año 320 a. C., la pintura figurativa de vasos había cesado en Atenas y otros centros griegos, y el estilo policromado de Kerch fue su último florecimiento; probablemente fue reemplazado por la metalistería para la mayoría de sus funciones. La cerámica de la ladera oeste , con motivos decorativos sobre un cuerpo vidriado en negro , continuó durante más de un siglo después. [19] La pintura italiana de figuras rojas terminó alrededor del año 300, y en el siglo siguiente, los vasos Hadra relativamente primitivos , probablemente de Creta , la cerámica Centuripe de Sicilia y las ánforas Panateneas , ahora una tradición congelada, fueron los únicos vasos pintados de gran tamaño que todavía se fabricaban. [20]
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La metalistería fina era un arte importante en la antigua Grecia, pero la producción posterior está muy poco representada por los restos, la mayoría de los cuales proceden de los confines del mundo griego o de lugares tan lejanos como Francia o Rusia. Se producían vasijas y joyas de gran calidad y se exportaban a lugares muy lejanos. Los objetos de plata, que en aquella época valían más que el oro en relación con su valor actual, solían llevar inscripciones de parte de los fabricantes con su peso, ya que se consideraban en gran medida depósitos de valor y era probable que se vendieran o se volvieran a fundir en poco tiempo. [22]
Durante las fases geométrica y arcaica, la producción de grandes vasijas de metal fue una expresión importante de la creatividad griega y una etapa importante en el desarrollo de las técnicas de trabajo del bronce, como la fundición y el martillado repujado . Los primeros santuarios, especialmente Olimpia , produjeron cientos de vasijas trípode o vasijas trípode para sacrificios , en su mayoría de bronce , depositadas como votivas . Estas tenían un cuenco poco profundo con dos asas elevadas sobre tres patas; en versiones posteriores, el soporte y el cuenco eran piezas diferentes. Durante el período orientalizante, estos trípodes se decoraban con frecuencia con protomos figurativos , en forma de grifos , esfinges y otras criaturas fantásticas. [23]
Las espadas, el casco griego y, a menudo, las armaduras corporales, como la coraza de músculos , estaban hechas de bronce, a veces decoradas con metales preciosos, como en la coraza Ksour Essef del siglo III . [24] La armadura y las "bandas de escudo" son dos de los contextos para las tiras de escenas en bajorrelieve arcaicas, que también se unían a varios objetos de madera; la banda del cráter de Vix es un gran ejemplo. [25] Los espejos de bronce pulido, inicialmente con dorsos decorados y mangos de kore, eran otro artículo común; el tipo posterior de "espejo plegable" tenía piezas de cubierta con bisagras, a menudo decoradas con una escena en relieve, típicamente erótica. [26] Las monedas se describen a continuación.
Desde finales del Arcaico, la mejor metalistería siguió el ritmo de los desarrollos estilísticos en la escultura y otras artes, y Fidias se encuentra entre los escultores que se sabe que la practicaron. [27] El gusto helenístico fomentaba exhibiciones muy intrincadas de virtuosismo técnico, tendiendo a la "inteligencia, la extravagancia o la elegancia excesiva". [28] Muchas o la mayoría de las formas de cerámica griega se tomaron de formas utilizadas por primera vez en metal, y en las últimas décadas ha habido una opinión cada vez mayor de que gran parte de las mejores pinturas de vasos reutilizaron diseños de plateros para vasos con grabados y secciones revestidas en un metal diferente, trabajando a partir de diseños dibujados. [29]
Supervivencias excepcionales de lo que puede haber sido una clase relativamente común de grandes vasos de bronce son dos cráteras de voluta , para mezclar vino y agua. [30] Se trata de la Crátera de Vix , c. 530 a. C. , de 1,63 m (5 pies 4 pulgadas) de alto y más de 200 kg (440 libras) de peso, con capacidad para unos 1100 litros, y encontrada en el entierro de una mujer celta en la Francia moderna, [31] y la Crátera de Derveni del siglo IV , de 90,5 cm (35,6 pulgadas) de alto. [32] Las élites de otros vecinos de los griegos, como los tracios y los escitas , eran ávidos consumidores de metalistería griega, y probablemente atendidas por orfebres griegos establecidos en sus territorios, que adaptaron sus productos para satisfacer los gustos y funciones locales. Estas piezas híbridas forman una gran parte de las supervivencias, incluido el tesoro de Panagyurishte , el tesoro de Borovo y otros tesoros tracios , y varios entierros escitas, que probablemente contenían obras de artistas griegos establecidos en los asentamientos griegos en el Mar Negro . [33] Al igual que con otras artes de lujo, el cementerio real macedonio en Vergina ha producido objetos de primera calidad de la cúspide de los períodos clásico y helenístico. [34]
Las joyas destinadas al mercado griego suelen ser de una calidad excelente [35] , y una forma poco habitual son las intrincadas y delicadas coronas de oro que imitan formas vegetales y que se llevan sobre la cabeza. Probablemente, rara vez se llevaban en vida, sino que se daban como exvotos y se llevaban en la muerte [36] . Muchos de los retratos de momias de Fayum las llevan. Algunas piezas, especialmente en el período helenístico, son lo suficientemente grandes como para ofrecer espacio para figuras, como lo hacía el gusto escita por piezas relativamente sustanciales en oro [37] .
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Los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. [39] Al ver a sus dioses con forma humana, había poca distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era tanto secular como sagrado. Un desnudo masculino de Apolo o Heracles tenía solo ligeras diferencias de tratamiento con uno del campeón olímpico de boxeo de ese año. En el Período Arcaico, la forma escultórica más importante era el kouros (plural kouroi ), el desnudo masculino de pie (ver por ejemplo Biton y Kleobis ). El kore (plural korai ), o figura femenina vestida de pie, también era común, pero como la sociedad griega no permitió la exhibición pública de desnudez femenina hasta el siglo IV a. C., se considera que el kore fue de menor importancia en el desarrollo de la escultura. [40] A finales del período, la escultura arquitectónica en los templos estaba adquiriendo importancia.
Al igual que con la cerámica, los griegos no produjeron esculturas monumentales con el único fin de exhibirlas. Las estatuas eran encargadas por individuos aristocráticos o por el estado y se utilizaban para conmemoraciones públicas, como ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como se muestra con frecuencia por las inscripciones en las estatuas), o como marcadores de tumbas. Las estatuas del período arcaico no estaban destinadas a representar a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Siempre eran representaciones de hombres jóvenes, de edades que iban desde la adolescencia hasta la madurez temprana, incluso cuando se colocaban en las tumbas de ciudadanos (presumiblemente) mayores. Los kouroi eran todos estilísticamente similares. Las graduaciones en la estatura social de la persona que encargaba la estatua se indicaban por el tamaño en lugar de por innovaciones artísticas. [41]
A diferencia de los autores, quienes practicaban las artes visuales, incluida la escultura, inicialmente tenían un estatus social bajo en la antigua Grecia, aunque escultores cada vez más destacados podían llegar a ser famosos y bastante ricos, y a menudo firmaban sus obras (a menudo en el pedestal, que normalmente se separaba de la estatua misma). [42] Plutarco ( Vida de Pericles , II) dijo "admiramos la obra de arte pero despreciamos a su autor"; esta era una visión común en el mundo antiguo. La escultura griega antigua se clasifica por los períodos estilísticos habituales de "arcaico", "clásico" y "helenístico", aumentados con algunos adicionales que se aplican principalmente a la escultura, como el estilo orientalizante daédico y el estilo severo de la escultura clásica temprana. [43]
Las esculturas de la antigua Grecia que han sobrevivido se hacían principalmente con dos tipos de materiales. La piedra, especialmente el mármol u otras calizas de alta calidad, se utilizaba con más frecuencia y se tallaba a mano con herramientas de metal. Las esculturas de piedra podían ser esculturas independientes totalmente talladas en bulto redondo (estatuas) o relieves parcialmente tallados todavía adheridos a una placa de fondo, por ejemplo, en frisos arquitectónicos o estelas funerarias . [44]
Las estatuas de bronce tenían un estatus superior, pero han sobrevivido en cantidades mucho menores, debido a la reutilización de los metales. Por lo general, se hacían con la técnica de la cera perdida . Las estatuas criselefantinas , o de oro y marfil, eran las imágenes de culto en los templos y se consideraban la forma más alta de escultura, pero solo han sobrevivido algunas piezas fragmentarias. Normalmente eran de tamaño superior al natural, construidas alrededor de un marco de madera, con delgadas losas talladas de marfil que representaban la carne, y láminas de pan de oro , probablemente sobre madera, que representaban las prendas, la armadura, el cabello y otros detalles. [45]
En algunos casos, se utilizó pasta de vidrio, vidrio y piedras preciosas y semipreciosas para los detalles, como los ojos, las joyas y las armas. Otras grandes estatuas acrolíticas utilizaron piedra para las partes carnosas y madera para el resto, y las estatuas de mármol a veces tenían peinados de estuco . La mayoría de las esculturas estaban pintadas (ver más abajo) y muchas llevaban joyas reales y tenían ojos incrustados y otros elementos en diferentes materiales. [46]
En ocasiones se empleó terracota para estatuas de gran tamaño. De este material sobrevivieron pocos ejemplos, al menos en parte debido a la fragilidad de dichas estatuas. La excepción más conocida es una estatua de Zeus cargando a Ganimedes encontrada en Olimpia , ejecutada alrededor del 470 a. C. En este caso, la terracota está pintada. Sin duda, hubo esculturas puramente en madera, que pueden haber sido muy importantes en los primeros períodos, pero en realidad no sobrevivió ninguna. [47]
El arte cicládico de la Edad del Bronce , hasta aproximadamente el año 1100 a. C., ya mostraba un enfoque inusual en la figura humana, que generalmente se mostraba en una posición frontal, de pie y con los brazos cruzados sobre el estómago. Entre los rasgos más pequeños, solo se esculpían narices, a veces ojos y pechos femeninos, aunque aparentemente las figuras solían estar pintadas y es posible que originalmente tuvieran un aspecto muy diferente.
Inspirados por la monumental escultura de piedra de Egipto y Mesopotamia , durante el período Arcaico los griegos comenzaron de nuevo a tallar en piedra: los mercenarios y comerciantes griegos estaban activos en el extranjero, como en Egipto al servicio del faraón Psamético I (664-610 a. C.), y estuvieron expuestos al arte monumental de estos países. [48] [49] En general, se acepta que "la estatuaria egipcia del segundo milenio a. C. dio el impulso decisivo para la innovación de la escultura griega en tamaño natural y en hiperformatos en el Período Arcaico durante finales del siglo VII". [48] Las figuras exentas comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (Período Arcaico Temprano, c. 660-580 a. C., ambos en el Louvre, París). Después de aproximadamente el año 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, lucían la llamada sonrisa arcaica . Esta expresión, que no tiene ninguna adecuación específica a la persona o situación representada, puede haber sido un recurso para dar a las figuras una característica humana distintiva. [50]
Se utilizaron tres tipos de figuras: el joven desnudo de pie (kouros), la muchacha de pie vestida con ropas (kore) y, con menos frecuencia, la mujer sentada. [51] Todas enfatizan y generalizan los rasgos esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Algunos ejemplos son Apolo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana; el Apolo de Strangford de Anafi (Museo Británico, Londres), una obra mucho más tardía; y el Anavyssos Kouros ( Museo Arqueológico Nacional de Atenas ). En esta estatua se ve más musculatura y estructura esquelética que en obras anteriores. Las muchachas de pie vestidas con ropas tienen una amplia gama de expresión, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas . Sus ropajes están tallados y pintados con la delicadeza y meticulosidad comunes en los detalles de la escultura de este período. [52]
Se han conservado relieves arcaicos de muchas tumbas y de edificios más grandes en Foce del Sele (ahora en el Museo Arqueológico Nacional de Paestum ) en Italia, con dos grupos de paneles de metopas , de alrededor de 550 y 510, y el Tesoro de los Sifnios en Delfos, con frisos y un pequeño frontón . Partes, todas ahora en museos locales, sobreviven de los grandes grupos de frontones triangulares del Templo de Artemisa, Corfú ( c. 580 ), dominado por una enorme Gorgona , y el Antiguo Templo de Atenea en Atenas ( c. 530-500 ). [53]
En el período clásico se produjo una revolución en la estatuaria griega, generalmente asociada con la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática asociada con los kouroi . El período clásico vio cambios en el estilo y la función de la escultura. Las poses se volvieron más naturalistas (véase el Auriga de Delfos como ejemplo de la transición a una escultura más naturalista), y la habilidad técnica de los escultores griegos para representar la forma humana en una variedad de poses aumentó enormemente. A partir de aproximadamente el año 500 a. C., las estatuas comenzaron a representar personas reales. Se dice que las estatuas de Harmodio y Aristogitón erigidas en Atenas para marcar el derrocamiento de la tiranía fueron los primeros monumentos públicos a personas reales. [54]
Al mismo tiempo, la escultura y las estatuas se utilizaron más ampliamente. Los grandes templos de la era clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, requerían esculturas en relieve para los frisos decorativos y esculturas en bulto redondo para llenar los campos triangulares de los frontones . El difícil desafío estético y técnico estimuló mucho la innovación escultórica. Estas obras sobreviven solo en fragmentos, los más famosos de los cuales son los mármoles del Partenón , la mitad de los cuales se encuentran en el Museo Británico. [57]
Durante este período, la estatuaria funeraria evolucionó desde los rígidos e impersonales kouros del período arcaico hasta los grupos familiares sumamente personales del período clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan tipos "ideales" (la madre en duelo, el hijo obediente), cada vez más representaban a personas reales, generalmente mostrando al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Se encuentran entre los restos más íntimos y conmovedores de los antiguos griegos. [58]
En el período clásico, por primera vez conocemos los nombres de escultores individuales. Fidias supervisó el diseño y la construcción del Partenón . Praxíteles hizo que el desnudo femenino fuera respetable por primera vez en el período clásico tardío (mediados del siglo IV): su Afrodita de Cnido , de la que sobreviven copias, fue considerada por Plinio como la estatua más grande del mundo. [59]
Las obras más famosas del período clásico para los contemporáneos fueron la colosal estatua de Zeus en Olimpia y la estatua de Atenea Partenos en el Partenón. Ambas eran criselefantinas y fueron ejecutadas por Fidias o bajo su dirección, y ahora están perdidas, aunque todavía existen copias más pequeñas (en otros materiales) y buenas descripciones de ambas. Su tamaño y magnificencia impulsaron a los emperadores a apoderarse de ellas en el período bizantino , y ambas fueron trasladadas a Constantinopla , donde más tarde fueron destruidas en incendios. [60]
La transición del periodo clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a. C. Tras las conquistas de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.), la cultura griega se extendió hasta la India , como revelan las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán , y la civilización de los grecobactrianos y los indogriegos . El arte grecobudista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Así, el arte griego se volvió más diverso y más influenciado por las culturas de los pueblos atraídos hacia la órbita griega. [61]
En opinión de algunos historiadores del arte, también decayó en calidad y originalidad. Sin embargo, se trata de una opinión que los artistas y amantes del arte de la época no habrían compartido. De hecho, muchas esculturas que antes se consideraban obras maestras clásicas ahora se reconocen como helenísticas. La habilidad técnica de los escultores helenísticos se evidencia claramente en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotracia y el Altar de Pérgamo . Nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, se desarrollaron en Alejandría , Antioquía , Pérgamo y otras ciudades, donde las nuevas monarquías eran mecenas pródigos. [62] En el siglo II, el creciente poder de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y también una proporción cada vez mayor de sus productos. [63]
Durante este período, la escultura se volvió más naturalista y expresiva; el interés por representar emociones extremas a veces se llevó al extremo. Los temas de género de gente común, mujeres, niños, animales y escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que fue encargada por familias adineradas para adornar sus hogares y jardines; el Niño con espinas es un ejemplo. Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. [64]
El mundo de Dioniso , un idilio pastoral poblado por sátiros , ménades , ninfas y silenos , había sido representado a menudo en pinturas y figurillas de vasos anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño natural. Ahora se hicieron tales obras, sobreviviendo en copias que incluyen el Fauno de Barberini , el Torso de Belvedere y el Sátiro en reposo ; los Centauros Furietti y Hermafrodito durmiente reflejan temas relacionados. [65] Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgieron por todo Egipto , Siria y Anatolia requirieron estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto convirtió la escultura, como la cerámica, en una industria, con la consiguiente estandarización y cierta disminución de la calidad. Por estas razones, han sobrevivido muchas más estatuas helenísticas que en el caso del período clásico.
Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria alada de Samotracia (siglo II o I a.C.), [66] la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a.C.), el Galo moribundo (hacia el 230 a.C.) y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos (finales del siglo I a.C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emotivo de lo que habría permitido el gusto austero del período clásico o sus habilidades técnicas.
El grupo de estatuas de múltiples figuras fue una innovación helenística, probablemente del siglo III, que quitó las batallas épicas de los relieves de frontones de templos anteriores de sus paredes y las colocó como grupos de estatuas de tamaño natural. Su estilo a menudo se llama " barroco ", con poses corporales extravagantemente contorsionadas y expresiones intensas en los rostros. Los relieves del Altar de Pérgamo son las supervivencias originales más cercanas, pero se cree que varias obras bien conocidas son copias romanas de originales helenísticos. Estas incluyen el Galo moribundo y el Galo de Ludovisi , así como un Galo arrodillado menos conocido y otras, todas ellas se cree que copian encargos de Pérgamo por Atalo I para conmemorar su victoria alrededor de 241 sobre los galos de Galacia , probablemente compuestos por dos grupos. [67]
El grupo del Laocoonte , el Toro Farnesio , Menelao sosteniendo el cuerpo de Patroclo ("grupo Pasquino"), Arrotino y las esculturas de Sperlonga son otros ejemplos. [68] A partir del siglo II, el estilo neoático o neoclásico es visto por diferentes académicos como una reacción a los excesos barrocos, volviendo a una versión del estilo clásico, o como una continuación del estilo tradicional para estatuas de culto. [69] Los talleres de este estilo se convirtieron principalmente en productores de copias para el mercado romano, que prefería copias de piezas clásicas en lugar de helenísticas. [70]
Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la antigua ciudad egipcia de Heracleo (hoy sumergida) incluyen una representación de Isis del siglo IV a. C., inusualmente sensual, detallada y feminista (en lugar de deificada) , que marca una combinación de formas egipcias y helenísticas que comenzó alrededor de la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno . Sin embargo, esto no era típico de la escultura de la corte ptolemaica , que generalmente evitaba mezclar estilos egipcios con su estilo helenístico bastante convencional, [71] mientras que los templos del resto del país continuaron utilizando versiones tardías de fórmulas egipcias tradicionales. [72] Los académicos han propuesto un "estilo alejandrino" en la escultura helenística, pero de hecho hay poco que lo relacione con Alejandría. [73]
La escultura helenística también se caracterizó por un aumento de escala, que culminó con el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que tenía el mismo tamaño que la Estatua de la Libertad . El efecto combinado de los terremotos y los saqueos destruyó esta y otras obras de gran tamaño de este período.
La arcilla es un material frecuentemente utilizado para la fabricación de estatuillas votivas o ídolos, incluso antes de la civilización minoica y hasta el período romano. Durante el siglo VIII a. C., las tumbas de Beocia contienen a menudo "ídolos de campana", estatuillas femeninas con piernas móviles: la cabeza, pequeña en comparación con el resto del cuerpo, se posa en el extremo de un cuello largo, mientras que el cuerpo es muy lleno, en forma de campana. [74] Las tumbas heroónicas arcaicas , para los héroes locales, podían recibir gran cantidad de figurillas de formas toscas, con figuración rudimentaria, que generalmente representaban personajes con los brazos en alto.
En el período helenístico, la mayoría de las figurillas de terracota habían perdido su naturaleza religiosa y representaban personajes de la vida cotidiana. Las figurillas de Tanagra , de uno de los varios centros de producción, se fabricaban en masa utilizando moldes y luego se pintaban después de la cocción. Las muñecas, las figuras de damas vestidas a la moda y de actores, algunas de ellas probablemente retratos, se encontraban entre los nuevos temas, representados con un estilo refinado. Eran baratas y, al principio, se exhibían en el hogar de manera muy similar a las figurillas ornamentales modernas, pero a menudo se enterraban con sus dueños. Al mismo tiempo, ciudades como Alejandría , Esmirna o Tarso produjeron una gran cantidad de figurillas grotescas, que representaban a individuos con miembros deformados, ojos saltones y contorsionándose. Estas figurillas también se hacían de bronce. [75]
Para terracotas arquitectónicas pintadas, consulte Arquitectura a continuación.
Las figurillas de metal, principalmente de bronce, son un hallazgo extremadamente común en los santuarios griegos primitivos como Olimpia , donde se han encontrado miles de estos objetos, en su mayoría representando animales. Por lo general, se producen con la técnica de la cera perdida y pueden considerarse la etapa inicial en el desarrollo de la escultura griega de bronce. Los motivos más comunes durante el período geométrico eran caballos y ciervos, pero también se representan perros, ganado y otros animales. Ocasionalmente aparecen figuras humanas. La producción de pequeñas votivas de metal continuó durante toda la antigüedad griega. En los períodos clásico y helenístico, también se hicieron comunes las estatuillas de bronce más elaboradas, estrechamente relacionadas con la escultura monumental . Los griegos ricos y, más tarde, los romanos coleccionaron con entusiasmo ejemplos de alta calidad, pero han sobrevivido relativamente pocos. [76]
La arquitectura (es decir, los edificios ejecutados según un diseño estéticamente considerado) cesó en Grecia desde finales del período micénico (alrededor de 1200 a. C.) hasta el siglo VII, cuando la vida urbana y la prosperidad se recuperaron hasta un punto en el que se pudo emprender la construcción pública. Dado que la mayoría de los edificios griegos de los períodos Arcaico y Clásico Temprano estaban hechos de madera o adobe , no queda nada de ellos excepto unos pocos planos, y casi no hay fuentes escritas sobre la arquitectura temprana o descripciones de edificios. La mayor parte de nuestro conocimiento de la arquitectura griega proviene de los edificios supervivientes de los períodos Arcaico Tardío, Clásico, Helenístico y Romano (ya que la arquitectura romana antigua utilizó en gran medida los estilos griegos), y de fuentes escritas tardías como Vitruvio (siglo I a. C.). Esto significa que hay un fuerte sesgo hacia los templos , los edificios principales más comunes que sobreviven. Aquí los bloques cuadrados de piedra utilizados para las paredes fueron útiles para edificios posteriores, y por lo tanto, a menudo todo lo que sobrevive son partes de columnas y metopas que eran más difíciles de reciclar. [77]
Durante la mayor parte del período se utilizó un estricto sistema de construcción con pilares y dinteles de piedra, que se mantenían en su lugar únicamente por la gravedad. Las ménsulas eran conocidas en la Grecia micénica, y el arco se conocía a partir del siglo V como muy tarde, pero apenas se hizo uso de estas técnicas hasta el período romano. [78] La madera solo se utilizaba para los techos y las vigas de los tejados en prestigiosos edificios de piedra. El uso de grandes tejas de terracota, que solo se mantenían en su lugar mediante ranuras, significaba que los tejados debían tener una inclinación baja. [79]
Hasta la época helenística, sólo se construían edificios públicos utilizando el estilo formal de piedra; estos incluían sobre todo templos y los edificios de tesorería más pequeños que a menudo los acompañaban, y que fueron construidos en Delfos por muchas ciudades. Otros tipos de edificios, a menudo sin techo, eran el ágora central , a menudo con una o más stoa con columnas a su alrededor, los teatros , el gimnasio y la palestra o escuela de lucha, el ekklesiasterion o bouleuterion para asambleas, y los propileos o puertas monumentales. [80] Los edificios circulares para diversas funciones se llamaban tholos , [81] y las estructuras de piedra más grandes eran a menudo murallas defensivas de la ciudad.
Durante la mayor parte del período, las tumbas se construyeron únicamente como elaborados mausoleos en los confines del mundo griego, especialmente en Anatolia. [82] Las casas privadas se construían alrededor de un patio cuando los fondos lo permitían y mostraban paredes lisas hacia la calle. A veces tenían un segundo piso, pero muy raramente sótanos. Por lo general, se construían con escombros en el mejor de los casos, y se sabe relativamente poco sobre ellas; al menos en el caso de los varones, gran parte de la vida transcurría fuera de ellas. [83] Se han excavado algunos palacios del período helenístico. [84]
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Los templos y otros edificios, como los tesoros de Delfos, se planificaron como un cubo o, más a menudo, un rectángulo hecho de piedra caliza , de la que Grecia tiene una gran abundancia, y que se cortaba en grandes bloques y se labraba. Esto se complementaba con columnas, al menos en el frente de la entrada, y a menudo en todos los lados. [85] Otros edificios eran más flexibles en su planta, e incluso las casas más ricas parecen haber carecido de mucho adorno externo. El mármol era un material de construcción caro en Grecia: el mármol de alta calidad provenía solo del monte Pentelo en el Ática y de unas pocas islas como Paros , y su transporte en grandes bloques era difícil. Se utilizó principalmente para la decoración escultórica , no estructural, excepto en los edificios más grandiosos del período clásico, como el Partenón de Atenas. [86]
Hubo dos órdenes clásicos principales de la arquitectura griega, el dórico y el jónico , con el orden corintio solo apareciendo en el período clásico y no convirtiéndose en dominante hasta el período romano. Las características más obvias de los tres órdenes son los capiteles de las columnas, pero hay diferencias significativas en otros puntos de diseño y decoración entre los órdenes. [87] Estos nombres fueron utilizados por los propios griegos y reflejaban su creencia de que los estilos descendían de los griegos dóricos y jonios de la Edad Oscura, pero es poco probable que esto sea cierto. El dórico fue el más antiguo, probablemente apareció por primera vez en piedra a principios del siglo VII, habiéndose desarrollado (aunque quizás no muy directamente) a partir de predecesores en madera. [88] Se utilizó en Grecia continental y en las colonias griegas en Italia. El estilo jónico se utilizó por primera vez en las ciudades de Jonia (ahora la costa oeste de Turquía) y algunas de las islas del Egeo, probablemente a partir del siglo VI. [89] El estilo dórico era más formal y austero, el jónico más relajado y decorativo. El orden corintio, más ornamentado, fue un desarrollo posterior del jónico, que al parecer inicialmente solo se utilizaba en el interior de los edificios y en el que se utilizaban formas jónicas para todo, excepto para los capiteles. El famoso y bien conservado monumento corintio de Lisícrates, cerca de la Acrópolis de Atenas (335/334), es el primer uso conocido del orden corintio en el exterior de un edificio. [90]
La mayoría de los edificios griegos supervivientes más conocidos, como el Partenón y el Templo de Hefesto en Atenas, son dóricos. Sin embargo, el Erecteión , junto al Partenón, es jónico. El orden jónico se convirtió en dominante en el período helenístico, ya que su estilo más decorativo se adaptaba mejor a la estética de la época que el dórico más sobrio. Algunos de los mejores edificios helenísticos supervivientes, como la Biblioteca de Celso , se pueden ver en Turquía, en ciudades como Éfeso y Pérgamo . [91] Pero en la mayor de las ciudades helenísticas, Alejandría en Egipto , casi nada sobrevive.
Las monedas fueron inventadas (probablemente) en Lidia en el siglo VII a. C., pero fueron los griegos los primeros en utilizarlas ampliamente [93], y ellos establecieron el canon del diseño de monedas que se ha seguido desde entonces. Hoy en día, el diseño de monedas sigue claramente los patrones que descienden de la antigua Grecia. Los griegos no consideraban el diseño de monedas como una forma de arte importante, aunque algunas fueron diseñadas a un alto costo por los orfebres más importantes, especialmente fuera de Grecia, entre los reinos de Asia central y en las ciudades sicilianas deseosas de promocionarse. Sin embargo, la durabilidad y abundancia de monedas las han convertido en una de las fuentes más importantes de conocimiento sobre la estética griega [94] . Las monedas griegas son la única forma de arte del mundo griego antiguo que todavía puede ser comprada y poseída por coleccionistas privados de medios modestos.
Las monedas más extendidas, utilizadas mucho más allá de sus territorios nativos y copiadas y falsificadas por otros, fueron el tetradracma ateniense , emitido desde c. 510 hasta c. 38 a. C. , y en la época helenística el tetradracma macedonio , ambos de plata. [95] Ambos mantuvieron el mismo diseño familiar durante largos períodos. [96] Los diseñadores griegos comenzaron la práctica de poner un retrato de perfil en el anverso de las monedas. Inicialmente, se trataba de un retrato simbólico del dios o diosa patrona de la ciudad que emitía la moneda: Atenea para Atenas , Apolo en Corinto, Deméter en Tebas , etc. Más tarde, se utilizaron cabezas de héroes de la mitología griega, como Heracles en las monedas de Alejandro Magno .
Los primeros retratos humanos en monedas fueron los de los sátrapas del Imperio aqueménida en Asia Menor , comenzando con el general ateniense exiliado Temístocles, que se convirtió en sátrapa de Magnesia alrededor del 450 a. C. , y continuando especialmente con los dinastas de Licia hacia finales del siglo V. [97] Las ciudades griegas de Italia, como Siracusa, comenzaron a poner cabezas de personas reales en las monedas en el siglo IV a. C., al igual que los sucesores helenísticos de Alejandro Magno en Egipto , Siria y otros lugares. [98] En el reverso de sus monedas, las ciudades griegas solían poner un símbolo de la ciudad: un búho para Atenas, un delfín para Siracusa, etc. La colocación de inscripciones en las monedas también comenzó en la época griega. Todas estas costumbres fueron continuadas más tarde por los romanos. [94]
Las monedas más ambiciosas desde el punto de vista artístico, diseñadas por orfebres o grabadores de gemas, a menudo procedían de los confines del mundo griego, de nuevas colonias en el período temprano y de nuevos reinos más tarde, como una forma de comercializar sus "marcas" en términos modernos. [99] De las ciudades más grandes, Corinto y Siracusa también emitieron monedas consistentemente atractivas. Algunas de las monedas grecobactrianas se consideran los mejores ejemplos de monedas griegas con grandes retratos con "una agradable combinación de realismo e idealización", incluidas las monedas más grandes acuñadas en el mundo helenístico: la moneda de oro más grande fue acuñada por Eucratides (que reinó entre 171 y 145 a. C.), la moneda de plata más grande por el rey indogriego Amintas Nikator (que reinó entre 95 y 90 a. C.). Los retratos "muestran un grado de individualidad nunca igualado por las representaciones a menudo insulsas de sus contemporáneos reales más al oeste". [100]
Los griegos parecen haber valorado la pintura por encima incluso de la escultura, y en el período helenístico la apreciación informada e incluso la práctica de la pintura eran componentes de una educación de caballeros. La ekphrasis era una forma literaria que consistía en una descripción de una obra de arte, y tenemos un cuerpo considerable de literatura sobre la pintura y los pintores griegos, con añadidos posteriores en latín, aunque ninguno de los tratados de los artistas que se mencionan ha sobrevivido. [101] Apenas tenemos alguna de las más prestigiosas pinturas, sobre tabla de madera o al fresco , de las que se ocupaba esta literatura, y muy pocas de las copias que sin duda existieron, equivalentes a las que nos proporcionan la mayor parte de nuestro conocimiento de la escultura griega.
El contraste con la pintura de vasos es total. No hay mención alguna de ello en la literatura, pero se conservan más de 100.000 ejemplos, lo que da a muchos pintores individuales una obra respetable. [102] Nuestra idea de cómo era la mejor pintura griega debe extraerse de una cuidadosa consideración de los paralelismos entre la pintura de vasos, las copias grecorromanas tardías en mosaico y fresco, algunos ejemplos muy tardíos de pintura real en la tradición griega y la literatura antigua. [103]
En la antigua Grecia existían varias tradiciones pictóricas interconectadas que, debido a sus diferencias técnicas, experimentaron desarrollos algo diferenciados. La pintura primitiva parece haberse desarrollado siguiendo líneas similares a la pintura de vasos, muy dependiente del contorno y de las áreas planas de color, pero luego floreció y se desarrolló en la época en que la pintura de vasos entró en decadencia. Hacia el final del período helenístico, los desarrollos técnicos incluían el modelado para indicar contornos en las formas, sombras, escorzos, algunas formas de perspectiva probablemente imprecisas, fondos interiores y paisajísticos y el uso de colores cambiantes para sugerir distancia en los paisajes, de modo que "los artistas griegos tenían todos los recursos técnicos necesarios para una pintura completamente ilusionista". [104]
La forma de arte más común y respetada, según autores como Plinio o Pausanias , eran las pinturas sobre tabla , pinturas individuales y portátiles sobre tablas de madera. Las técnicas utilizadas eran la pintura encáustica (cera) y el temple . Estas pinturas normalmente representaban escenas figurativas, incluidos retratos y naturalezas muertas ; tenemos descripciones de muchas composiciones. Se coleccionaban y a menudo se exhibían en espacios públicos. Pausanias describe tales exposiciones en Atenas y Delfos . Conocemos los nombres de muchos pintores famosos, principalmente de los períodos clásico y helenístico, por la literatura (ver lista expandible a la derecha). El más famoso de todos los pintores griegos antiguos fue Apeles de Cos , a quien Plinio el Viejo elogió por haber "superado a todos los demás pintores que lo precedieron o lo sucedieron". [105] [106]
Debido a la naturaleza perecedera de los materiales utilizados y a los grandes trastornos que se produjeron al final de la Antigüedad, no ha sobrevivido ninguna de las famosas obras de pintura sobre tabla griega. Tenemos restos ligeramente más significativos de composiciones murales. Los ejemplos griegos supervivientes más importantes de antes del periodo romano son los paneles de Pitsa de calidad bastante baja de alrededor del 530 a . C. , [107] la Tumba del Buceador de Paestum y varias pinturas de las tumbas reales de Vergina . Las pinturas más numerosas de las tumbas etruscas y de Campania se basan en estilos griegos. En el periodo romano, hay una serie de pinturas murales en Pompeya y sus alrededores, así como en la propia Roma, algunas de las cuales se cree que son copias de obras maestras específicas anteriores. [108]
En particular, se han identificado con seguridad copias de pinturas murales específicas en el Mosaico de Alejandro y Villa Boscoreale . [109] Hay un gran grupo de supervivencias arqueológicas grecorromanas mucho más tardías de las condiciones secas de Egipto, los retratos de momias de Fayum , junto con el similar Tondo Severano , y un pequeño grupo de miniaturas de retratos pintados en vidrio dorado . [110] Los iconos bizantinos también se derivan de la tradición de la pintura sobre panel encáustico, y los manuscritos iluminados bizantinos a veces continuaron un estilo ilusionista griego durante siglos.
La tradición de la pintura mural en Grecia se remonta al menos a la Edad del Bronce minoica y micénica , con la suntuosa decoración al fresco de lugares como Cnosos , Tirinto y Micenas . No está claro si existe alguna continuidad entre estos antecedentes y las pinturas murales griegas posteriores.
En Pausanias se describen con frecuencia pinturas murales, y muchas parecen haber sido realizadas en los periodos clásico y helenístico. Debido a la falta de arquitectura que sobreviva intacta, no se conservan muchas. Los ejemplos más notables son una escena monumental del siglo VII a. C. de combate hoplita arcaico del interior de un templo en Kalapodi (cerca de Tebas ), y los elaborados frescos de la "Tumba de Felipe" del siglo IV y la "Tumba de Perséfone" en Vergina en Macedonia , o la tumba de Agios Athanasios, Tesalónica , que a veces se sugiere que están estrechamente vinculadas a las pinturas sobre tabla de alta calidad mencionadas anteriormente. La inusual supervivencia de la Tumba de las Palmetas (siglo III a. C., excavada en 1971) con pintura en buen estado incluye retratos de la pareja enterrada en el interior en el tímpano .
La tradición de la pintura mural griega también se refleja en las decoraciones funerarias contemporáneas de las colonias griegas en Italia , por ejemplo, la famosa Tumba del Saltador en Paestum . Los estudiosos creen que los famosos frescos romanos en sitios como Pompeya son descendientes de la tradición griega, y algunos copian pinturas sobre tabla famosas en particular. Sin embargo, estas copias romanas son todas adaptaciones libres a las que se les agregaron figuras adicionales, se alteraron las poses y se cambiaron los colores.
Much of the figural or architectural sculpture of ancient Greece was painted colourfully. This aspect of Greek stonework is described as polychrome (from Greek πολυχρωμία, πολύ = many and χρώμα = colour). Due to intensive weathering, polychromy on sculpture and architecture has substantially or totally faded in most cases.
Although the word polychrome is created from the combining of two Greek words, it was not used in ancient Greece. The term was coined in the early nineteenth century by Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy.[113]
Painting was also used to enhance the visual aspects of architecture. Certain parts of the superstructure of Greek temples were habitually painted since the Archaic period. Such architectural polychromy could take the form of bright colours directly applied to the stone (evidenced e.g. on the Parthenon, or of elaborate patterns, frequently architectural members made of terracotta (Archaic examples at Olympia and Delphi). Sometimes, the terracottas also depicted figural scenes, as do the 7th-century BC terracotta metopes from Thermon.[114]
Most Greek sculptures were painted in strong and bright colors; this is called "polychromy". The paint was frequently limited to parts depicting clothing, hair, and so on, with the skin left in the natural color of the stone or bronze, but it could also cover sculptures in their totality; female skin in marble tended to be uncoloured, while male skin might be a light brown. The painting of Greek sculpture should not merely be seen as an enhancement of their sculpted form, but has the characteristics of a distinct style of art.[115]
For example, the pedimental sculptures from the Temple of Aphaia on Aegina have recently been demonstrated to have been painted with bold and elaborate patterns, depicting, amongst other details, patterned clothing. The polychromy of stone statues was paralleled by the use of different materials to distinguish skin, clothing and other details in chryselephantine sculptures, and by the use of different metals to depict lips, fingernails, etc. on high-quality bronzes like the Riace bronzes.[115]
The most copious evidence of ancient Greek painting survives in the form of vase paintings. These are described in the "pottery" section above. They give at least some sense of the aesthetics of Greek painting. The techniques involved, however, were very different from those used in large-format painting. The same probably applies to the subject matter depicted. Vase painters appear to have usually been specialists within a pottery workshop, neither painters in other media nor potters. It should also be kept in mind that vase painting, albeit by far the most conspicuous surviving source on ancient Greek painting, was not held in the highest regard in antiquity, and is never mentioned in Classical literature.[116]
Mosaics were initially made with rounded pebbles, and later glass with tesserae which gave more colour and a flat surface. They were popular in the Hellenistic period, at first as decoration for the floors of palaces, but eventually for private homes.[118] Often a central emblema picture in a central panel was completed in much finer work than the surrounding decoration.[119] Xenia motifs, where a house showed examples of the variety of foods guests might expect to enjoy, provide most of the surviving specimens of Greek still-life. In general mosaic must be considered as a secondary medium copying painting, often very directly, as in the Alexander Mosaic.[120]
The Unswept Floor by Sosus of Pergamon (c. 200 BC) was an original and famous trompe-l'œil piece, known from many Greco-Roman copies. According to John Boardman, Sosus is the only mosaic artist whose name has survived; his Doves are also mentioned in literature and copied.[121] However, Katherine M. D. Dunbabin asserts that two different mosaic artists left their signatures on mosaics of Delos.[122] The artist of the 4th-century BC Stag Hunt Mosaic perhaps also left his signature as Gnosis, although this word may be a reference to the abstract concept of knowledge.[123]
Mosaics are a significant element of surviving Macedonian art, with a large number of examples preserved in the ruins of Pella, the ancient Macedonian capital, in today's Central Macedonia.[124] Mosaics such as the "Stag Hunt Mosaic and Lion Hunt" mosaic demonstrate illusionist and three dimensional qualities generally found in Hellenistic paintings, although the rustic Macedonian pursuit of hunting is markedly more pronounced than other themes.[125] The 2nd-century-BC mosaics of Delos, Greece were judged by François Chamoux as representing the pinnacle of Hellenistic mosaic art, with similar styles that continued throughout the Roman period and perhaps laid the foundations for the widespread use of mosaics in the Western world through to the Middle Ages.[118]
The engraved gem was a luxury art with high prestige; Pompey and Julius Caesar were among later collectors.[128] The technique has an ancient tradition in the Near East, and cylinder seals, whose design only appears when rolled over damp clay, from which the flat ring type developed, spread to the Minoan world, including parts of Greece and Cyprus. The Greek tradition emerged under Minoan influence on mainland Helladic culture, and reached an apogee of subtlety and refinement in the Hellenistic period.[129]
Round or oval Greek gems (along with similar objects in bone and ivory) are found from the 8th and 7th centuries BC, usually with animals in energetic geometric poses, often with a border marked by dots or a rim.[130] Early examples are mostly in softer stones. Gems of the 6th century are more often oval,[131] with a scarab back (in the past this type was called a "scarabaeus"), and human or divine figures as well as animals; the scarab form was apparently adopted from Phoenicia.[132]
The forms are sophisticated for the period, despite the usually small size of the gems.[96] In the 5th century gems became somewhat larger, but still only 2–3 centimetres tall. Despite this, very fine detail is shown, including the eyelashes on one male head, perhaps a portrait. Four gems signed by Dexamenos of Chios are the finest of the period, two showing herons.[133]
Relief carving became common in 5th century BC Greece, and gradually most of the spectacular carved gems were in relief. Generally a relief image is more impressive than an intaglio one; in the earlier form the recipient of a document saw this in the impressed sealing wax, while in the later reliefs it was the owner of the seal who kept it for himself, probably marking the emergence of gems meant to be collected or worn as jewellery pendants in necklaces and the like, rather than used as seals – later ones are sometimes rather large to use to seal letters. However, inscriptions are usually still in reverse ("mirror-writing") so they only read correctly on impressions (or by viewing from behind with transparent stones). This aspect also partly explains the collecting of impressions in plaster or wax from gems, which may be easier to appreciate than the original.
Larger hardstone carvings and cameos, which are rare in intaglio form, seem to have reached Greece around the 3rd century; the Farnese Tazza is the only major surviving Hellenistic example (depending on the dates assigned to the Gonzaga Cameo and the Cup of the Ptolemies), but other glass-paste imitations with portraits suggest that gem-type cameos were made in this period.[134] The conquests of Alexander had opened up new trade routes to the Greek world and increased the range of gemstones available.[135]
The synthesis in the Archaic period of the native repertoire of simple geometric motifs with imported, mostly plant-based, motifs from further east created a sizeable vocabulary of ornament, which artists and craftsmen used with confidence and fluency.[136] Today this vocabulary is seen above all in the large corpus of painted pottery, as well as in architectural remains, but it would have originally been used in a wide range of media, as a later version of it is used in European Neoclassicism.
Elements in this vocabulary include the geometrical meander or "Greek key", egg-and-dart, bead and reel, Vitruvian scroll, guilloche, and from the plant world the stylized acanthus leaves, volute, palmette and half-palmette, plant scrolls of various kinds, rosette, lotus flower, and papyrus flower. Originally used prominently on Archaic vases, as figurative painting developed these were usually relegated to serve as borders demarcating edges of the vase or different zones of decoration.[137] Greek architecture was notable for developing sophisticated conventions for using mouldings and other architectural ornamental elements, which used these motifs in a harmoniously integrated whole.
Even before the Classical period, this vocabulary had influenced Celtic art, and the expansion of the Greek world after Alexander, and the export of Greek objects still further afield, exposed much of Eurasia to it, including the regions in the north of the Indian subcontinent where Buddhism was expanding, and creating Greco-Buddhist art. As Buddhism spread across Central Asia to China and the rest of East Asia, in a form that made great use of religious art, versions of this vocabulary were taken with it and used to surround images of buddhas and other religious images, often with a size and emphasis that would have seemed excessive to the ancient Greeks. The vocabulary was absorbed into the ornament of India, China, Persia and other Asian countries, as well as developing further in Byzantine art.[138] The Romans took over the vocabulary more or less in its entirety, and although much altered, it can be traced throughout European medieval art, especially in plant-based ornament.
Islamic art, where ornament largely replaces figuration, developed the Byzantine plant scroll into the full, endless arabesque, and especially from the Mongol conquests of the 14th century received new influences from China, including the descendants of the Greek vocabulary.[139] From the Renaissance onwards, several of these Asian styles were represented on textiles, porcelain and other goods imported into Europe, and influenced ornament there, a process that still continues.
Although glass was made in Cyprus by the 9th century BC, and was considerably developed by the end of the period, there are only a few survivals of glasswork from before the Greco-Roman period that show the artistic quality of the best work.[140] Most survivals are small perfume bottles, in fancy coloured "feathered" styles similar to other Mediterranean glass.[141] Hellenistic glass became cheaper and accessible to a wider population.
No Greek furniture has survived, but there are many images of it on vases and memorial reliefs, for example that to Hegeso. It was evidently often very elegant, as were the styles derived from it from the 18th century onwards. Some pieces of carved ivory that were used as inlays have survived, as at Vergina, and a few ivory carvings; this was a luxury art that could be of very fine quality.[142]
It is clear from vase paintings that the Greeks often wore elaborately patterned clothes, and skill at weaving was the mark of the respectable woman. Two luxurious pieces of cloth survive, from the tomb of Philip of Macedon.[143] There are numerous references to decorative hangings for both homes and temples, but none of these have survived.
Ancient Greek art has exercised considerable influence on the culture of many countries all over the world, above all in its treatment of the human figure. In the West Greek architecture was also hugely influential, and in both East and West the influence of Greek decoration can be traced to the modern day. Etruscan and Roman art were largely and directly derived from Greek models,[144] and Greek objects and influence reached into Celtic art north of the Alps,[145] as well as all around the Mediterranean world and into Persia.[146]
In the East, Alexander the Great's conquests initiated several centuries of exchange between Greek, Central Asian and Indian cultures, which was greatly aided by the spread of Buddhism, which early on picked up many Greek traits and motifs in Greco-Buddhist art, which were then transmitted as part of a cultural package to East Asia, even as far as Japan, among artists who were no doubt completely unaware of the origin of the motifs and styles they used.[147]
Following the Renaissance in Europe, the humanist aesthetic and the high technical standards of Greek art inspired generations of European artists, with a major revival in the movement of Neoclassicism which began in the mid-18th century, coinciding with easier access from Western Europe to Greece itself, and a renewed importation of Greek originals, most notoriously the Elgin Marbles from the Parthenon. Well into the 19th century, the classical tradition derived from Greece dominated the art of the western world.[148]
The Hellenized Roman upper classes of the Late Republic and Early Empire generally accepted Greek superiority in the arts without many quibbles, though the praise of Pliny for the sculpture and painting of pre-Hellenistic artists may be based on earlier Greek writings rather than much personal knowledge. Pliny and other classical authors were known in the Renaissance, and this assumption of Greek superiority was again generally accepted. However, critics in the Renaissance and much later were unclear which works were actually Greek.[149]
As a part of the Ottoman Empire, Greece itself could only be reached by a very few western Europeans until the mid-18th century. Not only the Greek vases found in the Etruscan cemeteries, but also (more controversially) the Greek temples of Paestum were taken to be Etruscan, or otherwise Italic, until the late 18th century and beyond, a misconception prolonged by Italian nationalist sentiment.[149]
The writings of Johann Joachim Winckelmann, especially his books Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture (1750) and Geschichte der Kunst des Alterthums ("History of Ancient Art", 1764) were the first to distinguish sharply between ancient Greek, Etruscan, and Roman art, and define periods within Greek art, tracing a trajectory from growth to maturity and then imitation or decadence that continues to have influence to the present day.[150]
The full disentangling of Greek statues from their later Roman copies, and a better understanding of the balance between Greekness and Roman-ness in Greco-Roman art was to take much longer, and perhaps still continues.[151] Greek art, especially sculpture, continued to enjoy an enormous reputation, and studying and copying it was a large part of the training of artists, until the downfall of Academic art in the late 19th century. During this period, the actual known corpus of Greek art, and to a lesser extent architecture, has greatly expanded. The study of vases developed an enormous literature in the late 19th and 20th centuries, much based on the identification of the hands of individual artists, with Sir John Beazley the leading figure. This literature generally assumed that vase-painting represented the development of an independent medium, only in general terms drawing from stylistic development in other artistic media. This assumption has been increasingly challenged in recent decades, and some scholars now see it as a secondary medium, largely representing cheap copies of now lost metalwork, and much of it made, not for ordinary use, but to deposit in burials.[152]
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![Ritón de plata para el mercado tracio, finales del siglo IV[38]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b7/Rhyton_Greek_Thracian_silver,_end_of_4th_c_BC,_Prague_Kinsky,_NM-HM10_1407,_140856.jpg/1280px-Rhyton_Greek_Thracian_silver,_end_of_4th_c_BC,_Prague_Kinsky,_NM-HM10_1407,_140856.jpg)
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![A banquet scene from a Macedonian tomb of Agios Athanasios, Thessaloniki, 4th century BC; six men are shown reclining on couches, with food arranged on nearby tables, a male servant in attendance, and female musicians providing entertainment.[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c6/Banquet,_tombe_d'Agios_Athanasios.jpg/1280px-Banquet,_tombe_d'Agios_Athanasios.jpg)
![The Sampul tapestry, a woollen wall hanging from Lop County, Hotan Prefecture, Xinjiang, China, showing a possibly Greek soldier from the Greco-Bactrian kingdom (250–125 BC), with blue eyes, wielding a spear, and wearing what appears to be a diadem headband; depicted above him is a centaur, from Greek mythology, a common motif in Hellenistic art;[112] Xinjiang Region Museum.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0b/UrumqiWarrior.jpg/1280px-UrumqiWarrior.jpg)
![Alexander the Great (left), wearing a kausia and fighting an Asiatic lion with his friend Craterus (detail); late 4th-century BC mosaic from Pella[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Lion_hunt_mosaic_from_Pella.jpg/1280px-Lion_hunt_mosaic_from_Pella.jpg)
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![Hellenistic mosaic from Thmuis (Mendes), Egypt, signed by Sophilos c. 200 BC; Ptolemaic Queen Berenice II (joint ruler with her husband Ptolemy III) as the personification of Alexandria.[127]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg/1280px-Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg)
