Art Déco , abreviatura de las artes decorativas francesas ( literalmente, ' artes decorativas ' ), [1] es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño de productos que apareció por primera vez en París en la década de 1910 (justo antes de la Primera Guerra Mundial ). [2] y floreció en los Estados Unidos y Europa durante la década de 1920 y principios de la de 1930. A través del estilo y diseño del exterior e interior de cualquier cosa, desde grandes estructuras hasta pequeños objetos, incluyendo la apariencia de las personas (ropa, moda y joyería), el Art Deco ha influido en puentes, edificios (desde rascacielos hasta cines), barcos, transatlánticos , trenes, automóviles, camiones, autobuses, muebles y objetos cotidianos, incluidas radios y aspiradoras. [3]
Art Déco debe su nombre a la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) de 1925 celebrada en París . [4] El Art Déco tiene su origen en las audaces formas geométricas de la Secesión de Viena y el Cubismo . Desde sus inicios, estuvo influenciado por los colores brillantes del fauvismo y de los Ballets Rusos , y los exóticos estilos de arte de China , Japón , India , Persia , el antiguo Egipto y los mayas .
Durante su apogeo, el Art Déco representó lujo, glamour, exuberancia y fe en el progreso social y tecnológico. El movimiento presentaba materiales raros y costosos, como ébano y marfil, y una artesanía exquisita. También introdujo nuevos materiales como el cromado , el acero inoxidable y el plástico. En Nueva York, el Empire State Building , el Chrysler Building y otros edificios de las décadas de 1920 y 1930 son monumentos de este estilo.
En la década de 1930, durante la Gran Depresión , el Art Déco se volvió gradualmente más moderado. Una forma más elegante de este estilo, llamada Streamline Moderne , apareció en la década de 1930, presentando formas curvas y superficies lisas y pulidas. [5] El Art Déco era un estilo verdaderamente internacional, pero su dominio terminó con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de los estilos estrictamente funcionales y sin adornos de la arquitectura moderna y el Estilo Internacional de arquitectura que siguió. [6] [7]
El Art Déco tomó su nombre, abreviatura de Arts Décoratifs , de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925, [4] aunque los diversos estilos que lo caracterizaron ya habían aparecido en París y Bruselas antes de la Primera Guerra Mundial .
Artes decorativas se utilizó por primera vez en Francia en 1858 en el Bulletin de la Société française de photographie . [8] En 1868, el periódico Le Figaro utilizó el término objetos de arte decorativos para designar los objetos de escenografía creados para el Théâtre de l'Opéra . [9] [10] [11] En 1875, el gobierno francés otorgó oficialmente el estatus de artistas a los diseñadores de muebles, textiles, joyeros, vidrieros y otros artesanos. En respuesta, la École royale gratuite de dessin (Real Escuela Libre de Diseño), fundada en 1766 bajo el rey Luis XVI para formar artistas y artesanos en oficios relacionados con las bellas artes, pasó a llamarse École nationale des arts decoratifs ( Escuela Nacional de Diseño Decorativo). Letras). Tomó su nombre actual, ENSAD ( École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs ), en 1927.
El actual término art déco no apareció impreso hasta 1966, en el título de la primera exposición moderna sobre el tema, celebrada en el Museo de Artes Decorativas de París, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau , que cubrió una variedad de estilos importantes en las décadas de 1920 y 1930. [12] El término fue utilizado luego en un artículo periodístico de 1966 escrito por Hillary Gelson en The Times (Londres, 12 de noviembre), describiendo los diferentes estilos en la exposición. [13]
El Art Déco ganó popularidad como etiqueta estilística ampliamente aplicada en 1968, cuando el historiador Bevis Hillier publicó el primer libro académico importante sobre este tema, Art Déco de los años 20 y 30 . [3] Señaló que el término ya estaba siendo utilizado por los marchantes de arte y cita The Times (2 de noviembre de 1966) y un ensayo titulado Les Arts Déco en la revista Elle (noviembre de 1967) como ejemplos. [14] En 1971, organizó una exposición en el Instituto de Artes de Minneapolis , que detalla en su libro The World of Art Deco . [15] [16]
En su época, el Art Déco fue etiquetado con otros nombres, como estilo moderne , moderne , modernista o estilo contemporain , y no fue reconocido como un estilo distinto y homogéneo. [7]
Los nuevos materiales y tecnologías, especialmente el hormigón armado , fueron claves para el desarrollo y aparición del Art Déco. La primera casa de hormigón fue construida en 1853 en las afueras de París por François Coignet. En 1877, Joseph Monier introdujo la idea de reforzar el hormigón con una malla de varillas de hierro en forma de rejilla. En 1893, Auguste Perret construyó el primer garaje de hormigón en París, luego un edificio de apartamentos, una casa y luego, en 1913, el Teatro de los Campos Elíseos . El teatro fue denunciado por un crítico como el "Zeppelin de la Avenue Montaigne", una supuesta influencia germánica, copiada de la Secesión de Viena . A partir de entonces, la mayoría de los edificios Art Déco se hicieron de hormigón armado, lo que dio mayor libertad de forma y menos necesidad de reforzar pilares y columnas. Perret fue también pionero en revestir el hormigón con baldosas cerámicas , tanto para protección como para decoración. El arquitecto Le Corbusier aprendió por primera vez los usos del hormigón armado trabajando como dibujante en el estudio de Perret. [17]
Otras nuevas tecnologías que fueron importantes para el Art Déco fueron los nuevos métodos para producir placas de vidrio , que eran menos costosas y permitían ventanas mucho más grandes y resistentes, y para la producción en masa de aluminio , que se utilizó para la construcción y los marcos de ventanas y, más tarde, por Corbusier, Warren McArthur y otros, para muebles livianos.
Los arquitectos de la Secesión de Viena (formada en 1897), especialmente Josef Hoffmann , tuvieron una notable influencia en el Art Déco. Su Palacio Stoclet , en Bruselas (1905-1911), fue un prototipo del estilo Art Déco, con volúmenes geométricos, simetría, líneas rectas, hormigón cubierto con placas de mármol, adornos finamente esculpidos e interiores lujosos, incluidos frisos de mosaicos de Gustav. Klimt . Hoffmann también fue uno de los fundadores de Wiener Werkstätte (1903-1932), una asociación de artesanos y diseñadores de interiores que trabajaban con el nuevo estilo. Este se convirtió en el modelo de la Compagnie des arts français , creada en 1919, que reunió a André Mare y Louis Süe , los primeros diseñadores y decoradores franceses destacados del Art Déco. [18]
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El surgimiento del Art Déco estuvo estrechamente relacionado con el ascenso del estatus de los artistas decorativos, que hasta finales del siglo XIX eran considerados simplemente artesanos. El término artes decorativas se inventó en 1875 [ cita necesaria ] , otorgando a los diseñadores de muebles, textiles y otras decoraciones un estatus oficial. La Société des artistas decoradores (Sociedad de Artistas Decorativos), o SAD, se fundó en 1901 y los artistas decorativos obtuvieron los mismos derechos de autoría que los pintores y escultores. Un movimiento similar se desarrolló en Italia. La primera exposición internacional dedicada íntegramente a las artes decorativas, la Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna , se celebró en Turín en 1902. En París se fundaron varias revistas nuevas dedicadas a las artes decorativas, entre ellas Arts et decoración y L'Art decoratif moderne . Se introdujeron secciones de artes decorativas en los salones anuales de la Sociéte des artistas franceses , y más tarde en el Salón de Otoño . El nacionalismo francés también jugó un papel en el resurgimiento de las artes decorativas, ya que los diseñadores franceses se sintieron desafiados por las crecientes exportaciones de muebles alemanes menos costosos. En 1911, SAD propuso una nueva e importante exposición internacional de artes decorativas en 1912. No se permitirían copias de estilos antiguos, sólo obras modernas. La exposición se pospuso hasta 1914; y luego, a causa de la guerra, hasta 1925, cuando dio nombre a toda la familia de estilos conocida como "Déco". [19]
Los grandes almacenes y los diseñadores de moda parisinos también desempeñaron un papel importante en el auge del Art Déco. Empresas destacadas como la firma de platería Christofle , el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron comenzaron a diseñar productos en estilos más modernos. [20] [21] A partir de 1900, los grandes almacenes reclutaron artistas decorativos para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salón de Otoño de 1912 se encargó a los grandes almacenes Printemps , [22] [23] y ese año creó su propio taller, Primavera . [23] En 1920 Primavera empleaba a más de 300 artistas, cuyos estilos iban desde versiones actualizadas de Luis XIV , Luis XVI y especialmente muebles de Luis Felipe hechos por Louis Süe y el taller Primavera , hasta formas más modernas del taller del Au Louvre. grandes almacenes. Otros diseñadores, incluidos Émile-Jacques Ruhlmann y Paul Follot, se negaron a utilizar la producción en masa, insistiendo en que cada pieza se hiciera individualmente. El estilo Art Déco temprano presentaba materiales lujosos y exóticos como el ébano , el marfil y la seda, colores muy brillantes y motivos estilizados , particularmente cestas y ramos de flores de todos los colores, dando un aspecto modernista. [24]
En su nacimiento, entre 1910 y 1914, el Art Déco fue una explosión de colores, con tonos brillantes y a menudo contradictorios, frecuentemente en diseños florales, presentados en tapizados de muebles , alfombras, biombos, papel tapiz y telas. En el Salón de artistas decoradores de 1912 se presentaron muchas obras coloridas, incluidas sillas y una mesa de Maurice Dufrêne y una brillante alfombra Gobelin de Paul Follot . En 1912-1913, el diseñador Adrien Karbowsky realizó una silla floral con un diseño de loro para el pabellón de caza del coleccionista de arte Jacques Doucet . [25] Los diseñadores de muebles Louis Süe y André Mare hicieron su primera aparición en la exposición de 1912, bajo el nombre de Atelier français , combinando tejidos policromáticos con materiales exóticos y caros, como el ébano y el marfil. Después de la Primera Guerra Mundial, se convirtió en una de las firmas francesas de diseño de interiores más destacadas, produciendo muebles para los salones y cabinas de primera clase de los transatlánticos franceses . [26]
Los tonos vívidos del Art Déco provienen de muchas fuentes, incluidas las exóticas escenografías de Léon Bakst para los Ballets Russes , que causaron sensación en París justo antes de la Primera Guerra Mundial. Algunos de los colores se inspiraron en el anterior movimiento fauvismo liderado por Henri. Matisse ; otros por el orfismo de pintores como Sonia Delaunay ; [27] otros por el movimiento conocido como Les Nabis , y en la obra del pintor simbolista Odilon Redon, que diseñó mamparas de chimeneas y otros objetos decorativos. Los tonos brillantes fueron una característica del trabajo del diseñador de moda Paul Poiret , cuyo trabajo influyó tanto en la moda Art Déco como en el diseño de interiores. [26] [28] [29]
El Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), de Auguste Perret , fue el primer edificio Art Déco emblemático terminado en París. Hasta entonces, el hormigón armado sólo se utilizaba en edificios industriales y de viviendas; Perret construyó en 1903-1904 el primer edificio de viviendas moderno de hormigón armado en París, en la rue Benjamin Franklin. Henri Sauvage , otro importante futuro arquitecto Art Déco, construyó otro en 1904 en el número 7 de la rue Trétaigne (1904). De 1908 a 1910, Le Corbusier, de 21 años, trabajó como dibujante en el despacho de Perret, aprendiendo las técnicas de construcción con hormigón. El edificio de Perret tenía una forma rectangular limpia, decoración geométrica y líneas rectas, las futuras marcas del Art Déco. La decoración del teatro también fue revolucionaria; la fachada estaba decorada con altos relieves de Antoine Bourdelle , una cúpula de Maurice Denis , pinturas de Édouard Vuillard y un telón Art Déco de Ker-Xavier Roussel . El teatro se convirtió en la sede de muchas de las primeras representaciones de los Ballets Rusos . [30] Perret y Sauvage se convirtieron en los principales arquitectos Art Déco en París en la década de 1920. [31] [32]
El movimiento artístico conocido como cubismo apareció en Francia entre 1907 y 1912, influyendo en el desarrollo del Art Déco. [30] [27] [28] En Art Deco Complete: La guía definitiva de las artes decorativas de las décadas de 1920 y 1930, Alastair Duncan escribe "El cubismo, de una forma bastarda u otra, se convirtió en la lengua franca de los artistas decorativos de la época". [28] [33] Los cubistas, ellos mismos bajo la influencia de Paul Cézanne , estaban interesados en la simplificación de las formas a sus elementos geométricos esenciales: el cilindro, la esfera, el cono. [34] [35]
En 1912, los artistas de la Sección de Oro expusieron obras mucho más accesibles al público en general que el cubismo analítico de Picasso y Braque. El vocabulario cubista estaba preparado para atraer a diseñadores de moda, muebles e interiores. [27] [29] [35] [36]
En la sección Art Décoratif del Salón de Otoño de 1912 se exhibió una instalación arquitectónica conocida como La Maison Cubiste . [37] [38] La fachada fue diseñada por Raymond Duchamp-Villon . La decoración de la casa fue de André Mare . [39] [40] La Maison Cubiste era una instalación amueblada con una fachada, una escalera, barandillas de hierro forjado, un dormitorio, una sala de estar: el Salón Bourgeois , donde se exhiben pinturas de Albert Gleizes , Jean Metzinger , Marie Laurencin , Marcel Duchamp , Fernand Léger y Roger de La Fresnaye fueron colgados. [41] [42] [43] Miles de espectadores en el salón pasaron por el modelo a escala real. [44]
La fachada de la casa, diseñada por Duchamp-Villon, no era muy radical para los estándares modernos; los dinteles y frontones tenían formas prismáticas, pero por lo demás la fachada parecía una casa corriente de la época. Para las dos habitaciones, Mare diseñó el papel tapiz, que presentaba rosas estilizadas y motivos florales, junto con tapizados, muebles y alfombras, todos con motivos extravagantes y coloridos. Fue una clara ruptura con la decoración tradicional. El crítico Emile Sedeyn describió el trabajo de Mare en la revista Art et Décoration : "No se avergüenza de la sencillez, pues multiplica las flores dondequiera que se puedan poner. El efecto que busca es obviamente pintoresco y alegre. Lo logra". [45] El elemento cubista lo aportaron las pinturas. La instalación fue atacada por algunos críticos como extremadamente radical, lo que contribuyó a su éxito. [46] Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913 , en la ciudad de Nueva York, Chicago y Boston. [27] [35] [47] [48] [49] Gracias en gran parte a la exposición, el término "cubista" comenzó a aplicarse a cualquier cosa moderna, desde cortes de pelo de mujer hasta ropa y representaciones teatrales". [46]
La influencia cubista continuó dentro del Art Déco, incluso cuando éste se expandió en muchas otras direcciones. [27] [28]
La geometría esbozada del cubismo se convirtió en moneda corriente en la década de 1920. El desarrollo del Art Déco de la geometría selectiva del cubismo en una gama más amplia de formas llevó el cubismo como taxonomía pictórica a un público mucho más amplio y a un atractivo más amplio. (Richard Harrison Martin, Museo Metropolitano de Arte) [50]
El Art Déco no era un estilo único, sino una colección de estilos diferentes y a veces contradictorios. En arquitectura, el Art Déco fue el sucesor (y la reacción contra) el Art Nouveau, un estilo que floreció en Europa entre 1895 y 1900, y coexistió con las Bellas Artes y el neoclásico que predominaban en la arquitectura europea y americana. En 1905, Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, [52] en el que exploraba sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de elementos geométricos, formas, motivos y sus variaciones, en contraste con (y como desviación de) el ondulante estilo Art Nouveau de Héctor Guimard , tan popular en París unos años antes. Grasset destacó el principio de que varias formas geométricas simples, como triángulos y cuadrados, son la base de todos los arreglos compositivos. Los edificios de hormigón armado de Auguste Perret y Henri Sauvage, y en particular el Théâtre des Champs-Élysées , ofrecieron una nueva forma de construcción y decoración que fue copiada en todo el mundo. [53]
En decoración, el Art Déco tomó prestados y utilizó muchos estilos diferentes. Incluían arte premoderno de todo el mundo y se podían observar en el Musée du Louvre , el Musée de l'Homme y el Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie . También hubo interés popular en la arqueología debido a las excavaciones en Pompeya , Troya y la tumba del faraón Tutankamón de la XVIII Dinastía . Artistas y diseñadores integraron motivos del antiguo Egipto , África , Mesopotamia , Grecia , Roma , Asia, Mesoamérica y Oceanía con elementos de la Era de las Máquinas . [57] [58] [59] [60] [61] [62]
Otros estilos tomados prestados incluyeron el futurismo , el orfismo, el funcionalismo y el modernismo en general. El cubismo descubre su potencial decorativo dentro de la estética Art Déco, cuando se traspone del lienzo a un material textil o papel pintado. Sonia Delaunay concibe sus modelos de vestidos en un estilo abstracto y geométrico, "como pinturas vivas o esculturas de formas vivas". Louis Barrilet crea diseños de estilo cubista en las vidrieras del bar americano del Atrium Casino de Dax (1926), pero también incluye nombres de cócteles de moda. En arquitectura, el claro contraste entre volúmenes horizontales y verticales, específico tanto del constructivismo ruso como de la línea Frank Lloyd Wright - Willem Marinus Dudok , se convierte en un recurso común en la articulación de fachadas Art Déco, desde casas individuales y edificios de viviendas hasta cines o gasolineras. [69] [35] [57] [70] [71] El Art Déco también utilizó los colores y diseños contrastantes del fauvismo, especialmente en el trabajo de Henri Matisse y André Derain , inspiró los diseños de textiles, papel tapiz y pinturas art decó. cerámica. [35] Tomó ideas del vocabulario de la alta costura de la época, que presentaba diseños geométricos, galones, zigzags y ramos de flores estilizados. Fue influenciado por los descubrimientos en egiptología y el creciente interés por Oriente y el arte africano. A partir de 1925, a menudo se inspiró en la pasión por las nuevas máquinas, como dirigibles, automóviles y transatlánticos, y en 1930 esta influencia dio como resultado el estilo llamado Streamline Moderne . [72]
El evento que marcó el cenit del estilo y le dio nombre fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas que tuvo lugar en París de abril a octubre de 1925. Esta fue patrocinada oficialmente por el gobierno francés y cubrió un sitio en París de 55 hectáreas, que van desde el Grand Palais en la margen derecha hasta Los Inválidos en la margen izquierda, y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, la sala más grande de la ciudad, se llenó de exposiciones de artes decorativas de los países participantes. Había 15.000 expositores de veinte países diferentes, entre ellos Austria, Bélgica, Checoslovaquia, Dinamarca, Gran Bretaña, Italia, Japón, Países Bajos, Polonia, España, Suecia y la nueva Unión Soviética . Alemania no fue invitada debido a las tensiones posteriores a la guerra; Estados Unidos, al no entender el propósito de la exposición, se negó a participar. El evento fue visitado por dieciséis millones de personas durante sus siete meses de duración. Las reglas de la exposición exigían que todas las obras fueran modernas; no se permitieron estilos históricos. El objetivo principal de la exposición era promocionar a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, vidrio, orfebrería, textiles y otros productos decorativos. Para promocionar aún más los productos, todos los grandes almacenes de París y los grandes diseñadores tenían sus propios pabellones. La Exposición tenía un objetivo secundario de promover los productos de las colonias francesas en África y Asia, incluido el marfil y las maderas exóticas.
El Hôtel du Collectionneur fue una atracción popular en la Exposición; exhibía los nuevos diseños de muebles de Emile-Jacques Ruhlmann, así como telas, alfombras y un cuadro Art Déco de Jean Dupas . El diseño interior siguió los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo diferencian del Art Nouveau, y colores brillantes, fina artesanía, materiales raros y costosos que lo diferencian de la estricta funcionalidad del estilo modernista. Si bien la mayoría de los pabellones estaban profusamente decorados y llenos de muebles de lujo hechos a mano, dos pabellones, el de la Unión Soviética y el Pabellón de L'Esprit Nouveau , construido por la revista del mismo nombre dirigida por Le Corbusier, fueron construidos en un estilo austero. estilo con paredes blancas y sin decoración; estaban entre los primeros ejemplos de arquitectura modernista . [73]
En 1925, dentro del Art Déco coexistían dos escuelas diferentes en competencia: los tradicionalistas, que habían fundado la Sociedad de Artistas Decorativos; Entre ellos se encontraban el diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand , el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret; combinaron formas modernas con artesanía tradicional y materiales caros. Del otro lado estaban los modernistas, que rechazaban cada vez más el pasado y querían un estilo basado en los avances de las nuevas tecnologías, la sencillez, la falta de decoración, los materiales baratos y la producción en masa. Los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa de Artistas Modernos , en 1929. Entre sus miembros se encontraban los arquitectos Pierre Chareau , Francis Jourdain , Robert Mallet-Stevens , Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov ; la diseñadora irlandesa Eileen Gray; la diseñadora francesa Sonia Delaunay; y los joyeros Georges Fouquet y Jean Puiforcat . Atacaron ferozmente el tradicional estilo art déco, que decían que fue creado sólo para los ricos, e insistieron en que los edificios bien construidos deberían estar disponibles para todos y que la forma debería seguir a la función. La belleza de un objeto o edificio residía en si estaba perfectamente apto para cumplir su función. Los métodos industriales modernos permitieron producir muebles y edificios en masa, no a mano. [74] [75] [ página necesaria ]
El interiorista Art Déco Paul Follot defendió el Art Déco de esta manera: "Sabemos que el hombre nunca se contenta con lo indispensable y que lo superfluo siempre es necesario... Si no, tendríamos que deshacernos de la música, las flores y ¡Perfumes...!” [76] Sin embargo, Le Corbusier fue un brillante publicista de la arquitectura modernista; afirmó que una casa era simplemente "una máquina para vivir", y promovió incansablemente la idea de que el Art Déco era el pasado y el modernismo el futuro. Las ideas de Le Corbusier fueron adoptadas gradualmente por las escuelas de arquitectura y se abandonó la estética del Art Deco. Las mismas características que hicieron popular al Art Déco al principio, su artesanía, ricos materiales y adornos, llevaron a su declive. La Gran Depresión que comenzó en Estados Unidos en 1929 y llegó a Europa poco después, redujo en gran medida el número de clientes adinerados que podían pagar los muebles y objetos de arte. En el clima económico de la Depresión, pocas empresas estaban dispuestas a construir nuevos rascacielos. [35] Incluso la empresa Ruhlmann recurrió a la producción de muebles en serie, en lugar de artículos individuales hechos a mano. Los últimos edificios construidos en París con el nuevo estilo fueron el Museo de Obras Públicas de Auguste Perret (hoy Consejo Económico, Social y Medioambiental Francés ), el Palacio de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu y Léon Azéma , y el Palacio de Tokio de la Exposición Internacional de París de 1937 ; contemplaron el grandioso pabellón de la Alemania nazi, diseñado por Albert Speer , que estaba frente al igualmente grandioso pabellón socialista-realista de la Unión Soviética de Stalin.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el estilo arquitectónico dominante se convirtió en el estilo internacional iniciado por Le Corbusier y Mies van der Rohe . Se construyeron un puñado de hoteles Art Déco en Miami Beach después de la Segunda Guerra Mundial, pero en otros lugares el estilo desapareció en gran medida, excepto en el diseño industrial, donde continuó utilizándose en el diseño de automóviles y en productos como máquinas de discos. En la década de 1960, experimentó un modesto resurgimiento académico, gracias en parte a los escritos de historiadores de la arquitectura como Bevis Hillier. En la década de 1970, se hicieron esfuerzos en Estados Unidos y Europa para preservar los mejores ejemplos de arquitectura Art Déco, y muchos edificios fueron restaurados y reutilizados. La arquitectura posmoderna , que apareció por primera vez en la década de 1980, al igual que el Art Déco, a menudo incluye elementos puramente decorativos. [35] [57] [77] [78] Deco continúa inspirando a los diseñadores y se usa a menudo en moda, joyería y artículos de tocador contemporáneos. [79]
En la Exposición de 1925 no se dedicó ninguna sección a la pintura. La pintura Art Déco era, por definición, decorativa, diseñada para decorar una habitación u obra arquitectónica, por lo que pocos pintores trabajaron exclusivamente en este estilo, pero dos pintores están estrechamente asociados con el Art Déco. Jean Dupas pintó murales Art Déco para el Pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 en París, y también pintó el cuadro sobre la chimenea en la exhibición de la Maison du Collectionneur en la Exposición de 1925, que presentaba muebles de Ruhlmann y otros destacados diseñadores Art Déco. Sus murales también destacaron en la decoración del transatlántico francés SS Normandie . Su obra era puramente decorativa, pensada como fondo o acompañamiento de otros elementos de la decoración. [80]
La otra pintora muy asociada al estilo es Tamara de Lempicka . Nacida en Polonia, emigró a París después de la Revolución Rusa . Estudió con Maurice Denis y André Lhote y tomó prestados muchos elementos de sus estilos. Pintó retratos en un estilo Art Déco realista, dinámico y colorido. [81]
En la década de 1930, apareció en Estados Unidos una nueva y espectacular forma de pintura Art Déco. Durante la Gran Depresión, se creó el Proyecto Federal de Arte de la Works Progress Administration para dar trabajo a artistas desempleados. A muchos se les encomendó la tarea de decorar edificios gubernamentales, hospitales y escuelas. No se utilizó ningún estilo art déco específico en los murales; los artistas contratados para pintar murales en edificios gubernamentales procedían de muchas escuelas diferentes, desde el regionalismo estadounidense hasta el realismo social ; entre ellos estaban Reginald Marsh , Rockwell Kent y el pintor mexicano Diego Rivera . Los murales eran Art Déco porque todos eran decorativos y estaban relacionados con las actividades del edificio o ciudad donde fueron pintados: Reginald Marsh y Rockwell Kent decoraron edificios postales de EE. UU. y mostraban a empleados postales trabajando, mientras que Diego Rivera representaba a trabajadores de fábricas de automóviles para el Instituto de Artes de Detroit . El mural de Diego Rivera El hombre en la encrucijada (1933) para el número 30 de Rockefeller Plaza presentaba un retrato no autorizado de Lenin . [82] [83] Cuando Rivera se negó a sacar a Lenin, la pintura fue destruida y el artista español Josep Maria Sert pintó un nuevo mural . [84] [85] [86]
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La escultura era una característica muy común e integral de la arquitectura Art Deco. En Francia, los bajorrelieves alegóricos que representan la danza y la música de Antoine Bourdelle decoraron el primer hito Art Déco de París, el Théâtre des Champs-Élysées , en 1912. La Exposición de 1925 tuvo importantes obras escultóricas colocadas alrededor del sitio, los pabellones fueron decorados con esculturas frisos y varios pabellones dedicados a esculturas de estudio más pequeñas. En la década de 1930, un gran grupo de destacados escultores realizó obras para la Exposición Internacional de Artes y Técnicas de la Vida Moderna de 1937 en Chaillot. Alfred Janniot realizó las esculturas en relieve de la fachada del Palacio de Tokio. El Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París y la explanada frente al Palacio de Chaillot, frente a la Torre Eiffel, estaban repletos de nuevas estatuas de Charles Malfray , Henry Arnold y muchos otros. [87]
La escultura pública art déco era casi siempre representativa, generalmente de figuras heroicas o alegóricas relacionadas con el propósito del edificio o habitación. Los temas solían ser seleccionados por los mecenas, no por el artista. La escultura abstracta para decoración era extremadamente rara. [88] [89]
En los Estados Unidos, el escultor Art Déco más destacado para el arte público fue Paul Manship , quien actualizó temas y temas clásicos y mitológicos en un estilo Art Déco. Su obra más famosa fue la estatua de Prometeo en el Rockefeller Center de la ciudad de Nueva York, una adaptación del siglo XX de un tema clásico. Otras obras importantes para el Rockefeller Center fueron realizadas por Lee Lawrie , incluida la fachada escultórica y la estatua del Atlas .
Durante la Gran Depresión en Estados Unidos, muchos escultores recibieron el encargo de realizar obras para la decoración de edificios del gobierno federal, con fondos proporcionados por la WPA, o Works Progress Administration . Entre ellos se encontraba el escultor Sidney Biehler Waugh, quien creó imágenes estilizadas e idealizadas de trabajadores y sus tareas para los edificios de oficinas del gobierno federal. [90] En San Francisco, Ralph Stackpole proporcionó esculturas para la fachada del nuevo edificio de la Bolsa de Valores de San Francisco . En Washington DC, Michael Lantz realizó obras para el edificio de la Comisión Federal de Comercio .
En Gran Bretaña, las estatuas públicas Deco fueron realizadas por Eric Gill para la BBC Broadcasting House , mientras que Ronald Atkinson decoró el vestíbulo del antiguo edificio Daily Express en Londres (1932).
Una de las esculturas Art Déco públicas más conocidas y ciertamente la más grande es el Cristo Redentor del escultor francés Paul Landowski , terminada entre 1922 y 1931, ubicada en la cima de una montaña con vistas a Río de Janeiro , Brasil.
Muchas de las primeras esculturas Art Déco eran pequeñas y estaban diseñadas para decorar salones. Un género de esta escultura se llamó estatuilla criselefantina , llamada así por un estilo de estatuas de los antiguos templos griegos hechas de oro y marfil. A veces estaban hechos de bronce, o a veces con materiales mucho más lujosos, como marfil, ónix , alabastro y pan de oro.
Uno de los escultores de salón Art Déco más conocidos fue Demétre Chiparus , nacido en Rumania , que produjo pequeñas y coloridas esculturas de bailarines. Otros escultores de salón notables fueron Ferdinand Preiss , Josef Lorenzl , Alexander Kelety, Dorothea Charol y Gustav Schmidtcassel. [91] Otra escultora estadounidense importante en el formato de estudio fue Harriet Whitney Frishmuth , que había estudiado con Auguste Rodin en París.
Pierre Le Paguays fue un destacado escultor de estudio Art Déco, cuyo trabajo se mostró en la Exposición de 1925. Trabajó con bronce, mármol, marfil, ónix, oro, alabastro y otros materiales preciosos. [92]
François Pompon fue un pionero de la escultura animal estilizada moderna . No fue plenamente reconocido por sus logros artísticos hasta los 67 años en el Salón de Otoño de 1922 con la obra Ours blanc , también conocida como El oso blanco , ahora en el Museo de Orsay de París. [93]
Paralelamente a estos escultores Art Déco, escultores modernistas más vanguardistas y abstractos trabajaban en París y Nueva York. Los más destacados fueron Constantin Brâncuși , Joseph Csaky , Alexander Archipenko , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Gustave Miklos , Jean Lambert-Rucki , Jan et Joël Martel , Chana Orloff y Pablo Gargallo . [94]
El estilo Art Déco apareció temprano en las artes gráficas, en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Apareció en París en los carteles y diseños de vestuario de Léon Bakst para los Ballets Rusos y en los catálogos de los diseñadores de moda Paul Poiret. [95] Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepape y las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton captaron a la perfección la elegancia y sensualidad del estilo. En la década de 1920, la apariencia cambió; La moda destacada era más informal, deportiva y atrevida, y las modelos femeninas solían fumar cigarrillos. Revistas de moda estadounidenses como Vogue , Vanity Fair y Harper's Bazaar rápidamente adoptaron el nuevo estilo y lo popularizaron en Estados Unidos. También influyó en el trabajo de ilustradores de libros estadounidenses como Rockwell Kent. En Alemania, el cartelista más famoso de la época fue Ludwig Hohlwein , que creó carteles coloridos y dramáticos para festivales de música, cervezas y, al final de su carrera, para el Partido Nazi. [96]
Durante el período Art Nouveau, los carteles solían anunciar productos teatrales o cabarets. En la década de 1920, los carteles de viajes, hechos para líneas aéreas y navieras, se hicieron extremadamente populares. El estilo cambió notablemente en la década de 1920, para centrar la atención en el producto que se anunciaba. Las imágenes se volvieron más simples, precisas, más lineales, más dinámicas y, a menudo, se colocaban sobre un fondo de un solo color. En Francia, los diseñadores Art Déco populares incluyeron a Charles Loupot y Paul Colin , quienes se hicieron famosos por sus carteles de la cantante y bailarina estadounidense Josephine Baker . Jean Carlu diseñó carteles para películas, telenovelas y teatros de Charlie Chaplin; a finales de la década de 1930 emigró a Estados Unidos, donde, durante la Guerra Mundial, diseñó carteles para fomentar la producción bélica. El diseñador Charles Gesmar se hizo famoso realizando carteles para el cantante Mistinguett y para Air France . Entre los diseñadores de carteles art déco franceses más conocidos se encontraba Cassandre , que realizó el célebre cartel del transatlántico SS Normandie en 1935. [96]
En la década de 1930 apareció un nuevo género de carteles en los Estados Unidos durante la Gran Depresión. El Federal Art Project contrató a artistas estadounidenses para crear carteles para promover el turismo y los eventos culturales.
El estilo arquitectónico art déco hizo su debut en París en 1903-04, con la construcción de dos edificios de apartamentos en París, uno de Auguste Perret en la rue Benjamin Franklin y el otro en la rue Trétaigne de Henri Sauvage. Los dos jóvenes arquitectos utilizaron por primera vez hormigón armado en edificios residenciales de París; los nuevos edificios tenían líneas limpias, formas rectangulares y ninguna decoración en las fachadas; Marcaron una clara ruptura con el estilo art nouveau . [97] Entre 1910 y 1913, Perret utilizó su experiencia en edificios de apartamentos de hormigón para construir el Théâtre des Champs-Élysées, 15 Avenue Montaigne . Entre 1925 y 1928, Sauvage construyó la nueva fachada art déco de los grandes almacenes La Samaritaine en París. [98]
El estilo Art Déco no se limitó a las construcciones en tierra; el transatlántico SS Normandie , cuyo primer viaje fue en 1935, presentaba un diseño Art Déco, incluido un comedor cuyo techo y decoración eran de vidrio de Lalique . [99]
La arquitectura Art Déco a veces se clasifica en tres tipos: Zigzag [Moderna] (también conocida como Jazz Moderne [100] ); Clásico moderno; y Streamline Moderne . [101]
Zigzag Moderne (también conocido como Jazz Moderne ) fue el primer estilo en llegar a Estados Unidos. " Zigzag " se refiere al escalonamiento del contorno de un rascacielos para exagerar su altura, [101] [100] y se utilizaba principalmente para grandes edificios públicos y comerciales, en particular hoteles, cines, restaurantes, rascacielos y grandes almacenes. [102]
Classic Moderne tiene una apariencia más elegante y hay menos ornamentación. Classic Moderne también se conoce a veces como PWA ( Administración de Obras Públicas ) Moderne o Depression Moderne, ya que fue emprendido por la PWA durante la Gran Depresión . [102] [100] [101]
A finales de la década de 1930, se hizo común una nueva variedad de arquitectura Art Déco; se llamó Streamline Moderne o simplemente Streamline, o, en Francia, Style Paquebot , o estilo Ocean Liner. Los edificios de este estilo tenían esquinas redondeadas y largas líneas horizontales; estaban construidas con hormigón armado y casi siempre eran blancas; y en ocasiones tenían elementos náuticos, como barandillas y ojos de buey que se asemejaban a los de un barco. La esquina redondeada no era del todo nueva; había aparecido en Berlín en 1923 en la Mossehaus de Erich Mendelsohn , y más tarde en el edificio Hoover , un complejo industrial en el suburbio londinense de Perivale . En Estados Unidos, se asoció más estrechamente con el transporte; Streamline Moderne era poco común en edificios de oficinas, pero a menudo se usaba para estaciones de autobuses y terminales de aeropuertos, como la terminal del aeropuerto La Guardia en la ciudad de Nueva York que manejó los primeros vuelos transatlánticos, a través de los hidroaviones PanAm Clipper; y en arquitectura al borde de carreteras, como gasolineras y restaurantes. A finales de la década de 1930, se produjeron e instalaron en ciudades de Nueva Inglaterra una serie de restaurantes, inspirados en vagones de ferrocarril aerodinámicos; Aún quedan al menos dos ejemplos que ahora están registrados como edificios históricos. [103]
Los rascacielos americanos marcaron la cumbre del estilo Art Déco; se convirtieron en los edificios modernos más altos y reconocibles del mundo. Fueron diseñados para mostrar el prestigio de sus constructores a través de su altura, su forma, su color y su espectacular iluminación nocturna. [104] El American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinó elementos modernos góticos y déco en el diseño del edificio. Se seleccionó ladrillo negro en la fachada del edificio (que simboliza el carbón) para dar una idea de solidez y darle al edificio una masa sólida. Otras partes de la fachada estaban cubiertas con ladrillos dorados (que simbolizan el fuego) y la entrada estaba decorada con mármol y espejos negros. Otro de los primeros rascacielos Art Déco fue el Guardian Building de Detroit , inaugurado en 1929. Diseñado por el modernista Wirt C. Rowland , el edificio fue el primero en emplear acero inoxidable como elemento decorativo y el uso extensivo de diseños de colores en lugar de adornos tradicionales.
El horizonte de la ciudad de Nueva York fue cambiado radicalmente por el edificio Chrysler en Manhattan (terminado en 1930), diseñado por William Van Alen . Era un anuncio gigante de setenta y siete pisos de altura de automóviles Chrysler. La parte superior estaba coronada por una aguja de acero inoxidable y estaba adornada con "gárgolas" decorativas en forma de adornos de tapas de radiador de acero inoxidable. La base de la torre, treinta y tres pisos sobre la calle, estaba decorada con coloridos frisos art decó, y el vestíbulo estaba decorado con símbolos e imágenes art decó que expresaban modernidad. [105]
El edificio Chrysler pronto fue superado en altura por el Empire State Building de William F. Lamb (1931), en un estilo Déco un poco menos fastuoso, y el edificio RCA (ahora 30 Rockefeller Plaza) de Raymond Hood (1933), que juntos cambiaron por completo la nueva El horizonte de la ciudad de York. La parte superior de los edificios estaba decorada con coronas y chapiteles Art Déco cubiertos de acero inoxidable y, en el caso del edificio Chrysler, con gárgolas Art Déco modeladas a partir de adornos de radiadores, mientras que las entradas y vestíbulos estaban profusamente decorados con esculturas Art Déco. cerámica y diseño. Pronto aparecieron edificios similares, aunque no tan altos, en Chicago y otras grandes ciudades estadounidenses. El Rockefeller Center añadió un nuevo elemento de diseño: varios edificios altos agrupados alrededor de una plaza abierta, con una fuente en el medio. [106]
Los grandes escaparates del diseño de interiores Art Déco estadounidense fueron los vestíbulos de los edificios gubernamentales, los teatros y, en particular, los edificios de oficinas. Los interiores eran extremadamente coloridos y dinámicos, combinando esculturas, murales y diseños geométricos ornamentados en mármol, vidrio, cerámica y acero inoxidable. Un ejemplo temprano fue el edificio Fisher en Detroit, de Joseph Nathaniel French ; El vestíbulo estaba muy decorado con esculturas y cerámicas. The Guardian Building (originalmente Union Trust Building) en Detroit, de Wirt Rowland (1929), decorado con mármol rojo y negro y cerámica de colores brillantes, resaltado por puertas y mostradores de ascensor de acero muy pulido. La decoración escultórica instalada en las paredes ilustraba las virtudes de la industria y el ahorro; el edificio fue inmediatamente denominado "Catedral del Comercio". El Edificio Médico y Dental llamado 450 Sutter Street en San Francisco por Timothy Pflueger se inspiró en la arquitectura maya , en una forma muy estilizada; utilizaba formas piramidales y las paredes interiores estaban cubiertas con hileras de jeroglíficos muy estilizadas. [107]
En Francia, el mejor ejemplo de interior Art Déco durante este período fue el Palacio de la Porte Dorée (1931) de Albert Laprade , Léon Jaussely y Léon Bazin . El edificio (ahora Museo Nacional de la Inmigración, con un acuario en el sótano) fue construido para la Exposición Colonial de París de 1931, para celebrar a la gente y los productos de las colonias francesas. La fachada exterior estaba completamente cubierta de esculturas y el vestíbulo creaba una armonía Art Déco con un piso de parquet de madera con un patrón geométrico, un mural que representaba a la gente de las colonias francesas; y una composición armoniosa de puertas verticales y balcones horizontales. [107]
Muchos de los mejores ejemplos supervivientes del Art Déco son cines construidos en las décadas de 1920 y 1930. El período Art Déco coincidió con la conversión del cine mudo al sonoro, y las compañías cinematográficas construyeron grandes espacios de exhibición en las principales ciudades para captar la enorme audiencia que venía a ver películas. Los cines de la década de 1920 a menudo combinaban temas exóticos con estilo art déco; El Teatro Egipcio de Grauman en Hollywood (1922) se inspiró en las tumbas y pirámides del antiguo Egipto , mientras que el Teatro Fox en Bakersfield, California, adjuntó una torre al estilo de la Misión de California a una sala Art Deco. El más grande de todos es el Radio City Music Hall en la ciudad de Nueva York, que se inauguró en 1932. Originalmente diseñado como espacio para representaciones teatrales, rápidamente se transformó en un cine con capacidad para 6.015 clientes. El diseño interior de Donald Deskey utilizó vidrio, aluminio, cromo y cuero para crear un escape visual de la realidad. El Teatro Paramount en Oakland, California, de Timothy Pflueger, tenía una colorida fachada de cerámica, un vestíbulo de cuatro pisos de altura y salas de fumadores Art Deco separadas para caballeros y damas. En Europa aparecieron grandes palacios similares. El Grand Rex de París (1932), con su imponente torre, era el cine más grande de Europa después de las 6.000 butacas del Palacio Gaumont (1931-1973). El Gaumont State Cinema de Londres (1937) tenía una torre inspirada en el edificio Empire State, revestida con azulejos de cerámica color crema y un interior de estilo Art Déco-Renacimiento italiano. El Teatro Paramount de Shanghai, China (1933) fue construido originalmente como un salón de baile llamado La puerta de los 100 placeres ; se convirtió en cine después de la Revolución Comunista de 1949 y ahora es un salón de baile y discoteca. En la década de 1930, arquitectos italianos construyeron un pequeño cine, el Cinema Impero, en Asmara , en lo que hoy es Eritrea. Hoy en día, muchas de las salas de cine se han subdividido en multicines, pero otras han sido restauradas y se utilizan como centros culturales en sus comunidades. [108]
![El medallón en forma de octógono – Letrero de los grandes almacenes La Samaritaine de París, de Henri Sauvage (1928)[114]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Paris_La_Samaritaine_374.JPG/1280px-Paris_La_Samaritaine_374.JPG)
Decoration in the Art Deco period went through several distinct phases. Between 1910 and 1920, as Art Nouveau was exhausted, design styles saw a return to tradition, particularly in the work of Paul Iribe. In 1912 André Vera published an essay in the magazine L'Art Décoratif calling for a return to the craftsmanship and materials of earlier centuries and using a new repertoire of forms taken from nature, particularly baskets and garlands of fruit and flowers. A second tendency of Art Deco, also from 1910 to 1920, was inspired by the bright colours of the artistic movement known as the Fauves and by the colourful costumes and sets of the Ballets Russes. This style was often expressed with exotic materials such as sharkskin, mother of pearl, ivory, tinted leather, lacquered and painted wood, and decorative inlays on furniture that emphasized its geometry. This period of the style reached its high point in the 1925 Paris Exposition of Decorative Arts. In the late 1920s and the 1930s, the decorative style changed, inspired by new materials and technologies. It became sleeker and less ornamental. Furniture, like architecture, began to have rounded edges and to take on a polished, streamlined look, taken from the streamline modern style. New materials, such as nickel or chrome-plated steel, aluminium and bakelite, an early form of plastic, began to appear in furniture and decoration.[119]
Throughout the Art Deco period, and particularly in the 1930s, the motifs of the décor expressed the function of the building. Theatres were decorated with sculpture which illustrated music, dance, and excitement; power companies showed sunrises, the Chrysler building showed stylized hood ornaments; The friezes of Palais de la Porte Dorée at the 1931 Paris Colonial Exposition showed the faces of the different nationalities of French colonies. The Streamline style made it appear that the building itself was in motion. The WPA murals of the 1930s featured ordinary people; factory workers, postal workers, families and farmers, in place of classical heroes.[120]
Art Deco, like the complex times that engendered it, can best be characterized by a series of contradictions: minimalist vs maximalist, angular vs fluid, ziggurat vs streamline, symmetrical vs irregular, to name a few. The iconography chosen by Art Deco artists to express the period is also laden with contradictions. Fair maidens in 18th-century dress seem to coexist with chic sophisticated ladies and recumbent nudes, and flashes of lightning illuminate stylized rosebuds.[121]
French furniture from 1910 until the early 1920s was largely an updating of French traditional furniture styles, and the art nouveau designs of Louis Majorelle, Charles Plumet and other manufacturers. French furniture manufacturers felt threatened by the growing popularity of German manufacturers and styles, particularly the Biedermeier style, which was simple and clean-lined. The French designer Frantz Jourdain, the President of the Paris Salon d'Automne, invited designers from Munich to participate in the 1910 Salon. French designers saw the new German style and decided to meet the German challenge. The French designers decided to present new French styles in the Salon of 1912. The rules of the Salon indicated that only modern styles would be permitted. All of the major French furniture designers took part in Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare and Louis Suë took part, presenting new works that updated the traditional French styles of Louis XVI and Louis Philippe with more angular corners inspired by Cubism and brighter colours inspired by Fauvism and the Nabis.[122]
The painter André Mare and furniture designer Louis Süe both participated the 1912 Salon. After the war the two men joined to form their own company, formally called the Compagnie des Arts Française, but usually known simply as Suë and Mare. Unlike the prominent art nouveau designers like Louis Majorelle, who personally designed every piece, they assembled a team of skilled craftsmen and produced complete interior designs, including furniture, glassware, carpets, ceramics, wallpaper and lighting. Their work featured bright colors and furniture and fine woods, such as ebony encrusted with mother of pearl, abalone and silvered metal to create bouquets of flowers. They designed everything from the interiors of ocean liners to perfume bottles for the label of Jean Patou.The firm prospered in the early 1920s, but the two men were better craftsmen than businessmen. The firm was sold in 1928, and both men left.[123]
The most prominent furniture designer at the 1925 Decorative Arts Exposition was Émile-Jacques Ruhlmann, from Alsace. He first exhibited his works at the 1913 Autumn Salon, then had his own pavilion, the "House of the Rich Collector", at the 1925 Exposition. He used only most rare and expensive materials, including ebony, mahogany, rosewood, ambon and other exotic woods, decorated with inlays of ivory, tortoise shell, mother of pearl, Little pompoms of silk decorated the handles of drawers of the cabinets.[124] His furniture was based upon 18th-century models, but simplified and reshaped. In all of his work, the interior structure of the furniture was completely concealed. The framework usually of oak, was completely covered with an overlay of thin strips of wood, then covered by a second layer of strips of rare and expensive woods. This was then covered with a veneer and polished, so that the piece looked as if it had been cut out of a single block of wood. Contrast to the dark wood was provided by inlays of ivory, and ivory key plates and handles. According to Ruhlmann, armchairs had to be designed differently according to the functions of the rooms where they appeared; living room armchairs were designed to be welcoming, office chairs comfortable, and salon chairs voluptuous. Only a small number of pieces of each design of furniture was made, and the average price of one of his beds or cabinets was greater than the price of an average house.[125]
Jules Leleu was a traditional furniture designer who moved smoothly into Art Deco in the 1920s; he designed the furniture for the dining room of the Élysée Palace, and for the first-class cabins of the steamship Normandie. his style was characterized by the use of ebony, Macassar wood, walnut, with decoration of plaques of ivory and mother of pearl. He introduced the style of lacquered art deco furniture in the late 1920s, and in the late 1930s introduced furniture made of metal with panels of smoked glass.[126] In Italy, the designer Gio Ponti was famous for his streamlined designs.
The costly and exotic furniture of Ruhlmann and other traditionalists infuriated modernists, including the architect Le Corbusier, causing him to write a famous series of articles denouncing the arts décoratif style. He attacked furniture made only for the rich and called upon designers to create furniture made with inexpensive materials and modern style, which ordinary people could afford. He designed his own chairs, created to be inexpensive and mass-produced.[127]
In the 1930s, furniture designs adapted to the form, with smoother surfaces and curved forms. The masters of the late style included Donald Deskey, who was one of the most influential designers; he created the interior of the Radio City Music Hall. He used a mixture of traditional and very modern materials, including aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic.[128] Other top designers of Art Deco furniture of the 1930s in the United States included Gilbert Rohde, Warren McArthur, and Kem Weber.
The Waterfall style was popular in the 1930s and 1940s, the most prevalent Art Deco form of furniture at the time. Pieces were typically of plywood finished with blond veneer and with rounded edges, resembling a waterfall.[129]
Streamline was a variety of Art Deco which emerged during the mid-1930s. It was influenced by modern aerodynamic principles developed for aviation and ballistics to reduce aerodynamic drag at high velocities. The bullet shapes were applied by designers to cars, trains, ships, and even objects not intended to move, such as refrigerators, gas pumps, and buildings.[59] One of the first production vehicles in this style was the Chrysler Airflow of 1933. It was unsuccessful commercially, but the beauty and functionality of its design set a precedent; meant modernity. It continued to be used in car design well after World War II.[130][131][132][133]
New industrial materials began to influence the design of cars and household objects. These included aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic. Bakelite could be easily moulded into different forms, and soon was used in telephones, radios and other appliances.
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Ocean liners also adopted a style of Art Deco, known in French as the Style Paquebot, or "Ocean Liner Style". The most famous example was the SS Normandie, which made its first transatlantic trip in 1935. It was designed particularly to bring wealthy Americans to Paris to shop. The cabins and salons featured the latest Art Deco furnishings and decoration. The Grand Salon of the ship, which was the restaurant for first-class passengers, was bigger than the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles. It was illuminated by electric lights within twelve pillars of Lalique crystal; thirty-six matching pillars lined the walls. This was one of the earliest examples of illumination being directly integrated into architecture. The style of ships was soon adapted to buildings. A notable example is found on the San Francisco waterfront, where the Maritime Museum building, built as a public bath in 1937, resembles a ferryboat, with ship railings and rounded corners. The Star Ferry Terminal in Hong Kong also used a variation of the style.[35]
Textiles were an important part of the Art Deco style, in the form of colourful wallpaper, upholstery and carpets, In the 1920s, designers were inspired by the stage sets of the Ballets Russes, fabric designs and costumes from Léon Bakst and creations by the Wiener Werkstätte. The early interior designs of André Mare featured brightly coloured and highly stylized garlands of roses and flowers, which decorated the walls, floors, and furniture. Stylized Floral motifs also dominated the work of Raoul Dufy and Paul Poiret, and in the furniture designs of J.E. Ruhlmann. The floral carpet was reinvented in Deco style by Paul Poiret.[134]
The use of the style was greatly enhanced by the introduction of the pochoir stencil-based printing system, which allowed designers to achieve crispness of lines and very vivid colours. Art Deco forms appeared in the clothing of Paul Poiret, Charles Worth and Jean Patou. After World War I, exports of clothing and fabrics became one of the most important currency earners of France.[135]
Late Art Deco wallpaper and textiles sometimes featured stylized industrial scenes, cityscapes, locomotives and other modern themes, as well as stylized female figures, metallic finishes and geometric designs.[135]
The new woman of pre-WW1 days became the Amazon of the Art Deco era. Fashion changed dramatically during this period, thanks in particular to designers Paul Poiret and later Coco Chanel. Poiret introduced an important innovation to fashion design, the concept of draping, a departure from the tailoring and patternmaking of the past.[136] He designed clothing cut along straight lines and constructed of rectangular motifs.[136] His styles offered structural simplicity[136] The corseted look and formal styles of the previous period were abandoned, and fashion became more practical, and streamlined. With the use of new materials, brighter colours and printed designs.[136] The designer Coco Chanel continued the transition, popularising the style of sporty, casual chic.[137]
A particular typology of the era was the Flapper, a woman who cut her hair into a short bob, drank cocktails, smoked in public, and danced late into the night at fashionable clubs, cabarets or bohemian dives. Of course, most women didn't live like this, the Flapper being more a character present in popular imagination than a reality. Another female Art Deco style was the androgynous garçonne of the 1920s, with flattened bosom, dispelled waist and revealed legs, reducing the silhouette to a short tube, topped with a head-hugging cloche hat.[138]
In the 1920s and 1930s, designers including René Lalique and Cartier tried to reduce the traditional dominance of diamonds by introducing more colourful gemstones, such as small emeralds, rubies and sapphires. They also placed greater emphasis on very elaborate and elegant settings, featuring less-expensive materials such as enamel, glass, horn and ivory. Diamonds themselves were cut in less traditional forms; the 1925 Exposition saw many diamonds cut in the form of tiny rods or matchsticks. Other popular Art Deco cuts include:
The settings for diamonds also changed; More and more often jewellers used platinum instead of gold, since it was strong and flexible, and could set clusters of stones. Jewellers also began to use more dark materials, such as enamels and black onyx, which provided a higher contrast with diamonds.[141]
Jewellery became much more colourful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colourful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.[141]
Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewellery. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colourful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wristwatch before World War I inspired jewelers to create extraordinary, decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.[142]
The established jewellery houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, and Van Cleef & Arpels all created jewellery and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.[142] The jeweller Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colours by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.[142]
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Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects, designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had made ventures into glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, and created statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used coloured glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Île de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table setting and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métiers, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.[144]
Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colourful than that of Lalique.[144]
Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colours, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multi-coloured works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately shaded vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.[144]
The Great Depression ruined a large part of the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.[144] Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.
Amiens Cathedral has a rare example of Art Deco stained glass windows in the Chapel of the Sacred Heart, made in 1932–34 by the Paris glass artist Jean Gaudin based on drawings by Jacques Le Breton.[145]
Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centre-piece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme "The Hunt", covered with gold leaf and paint on plaster (1935).[146]
Art Deco visuals and imagery was used in multiple animated films including Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia and Sleeping Beauty.[147] The architecture is featured in the fictitious underwater city of Rapture in the BioShock video game series.
Art Deco architecture began in Europe, but by 1939 there were examples in large cities on every continent and in almost every country. This is a selection of prominent buildings on each continent.
For a comprehensive list of existing buildings by country, see: List of Art Deco architecture.
![Fiat Tagliero Building in Asmara, Eritrea, by Giuseppe Pettazzi (1938)[148]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Fiat_tagliero,_08.JPG/1280px-Fiat_tagliero,_08.JPG)
Most Art Deco buildings in Africa were built during European colonial rule, and often designed by Italian, French and Portuguese architects.
Many Art Deco buildings in Asia were designed by European architects. But in the Philippines, local architects such as Juan Nakpil, Juan Arellano, Pablo Antonio and others were preeminent. Many Art Deco landmarks in Asia were demolished during the great economic expansion of Asia the late 20th century, but some notable enclaves of the architecture still remain, particularly in Shanghai and Mumbai.
The Indian Institute of Architects, founded in Mumbai in 1929, played a prominent role in propagating the Art Deco movement. In November 1937, this institute organised the 'Ideal Home Exhibition' held in the Town Hall in Mumbai which spanned over 12 days and attracted about one hundred thousand visitors. As a result, it was declared a success by the 'Journal of the Indian Institute of Architects'. The exhibits displayed the 'ideal', or better described as the most 'modern' arrangements for various parts of the house, paying close detail to avoid architectural blunders and present the most efficient and well-thought-out models. The exhibition focused on various elements of a home ranging from furniture, elements of interior decoration as well as radios and refrigerators using new and scientifically relevant materials and methods.[149]Guided by their desire to emulate the west, the Indian architects were fascinated by the industrial modernity that Art Deco offered.[149] The western elites were the first to experiment with the technologically advanced facets of Art Deco, and architects began the process of transformation by the early 1930s.[149]
Mumbai's expanding port commerce in the 1930s resulted in the growth of educated middle class population. It also saw an increase of people migrating to Mumbai in search of job opportunities. This led to the pressing need for new developments through Land Reclamation Schemes and construction of new public and residential buildings.[150] Parallelly, the changing political climate in the country and the aspirational quality of the Art Deco aesthetics led to a whole-hearted acceptance of the building style in the city's development. Most of the buildings from this period can be seen spread throughout the city neighbourhoods in areas such as Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra and Chembur.[151][152]
Melbourne and Sydney, Australia, have several notable Art Deco buildings, including the Manchester Unity Building and the former Russell Street Police Headquarters in Melbourne, the Castlemaine Art Museum in Castlemaine, central Victoria and the Grace Building, AWA Tower and Anzac Memorial in Sydney.
Several towns in New Zealand, including Napier and Hastings were rebuilt in Art Deco style after the 1931 Hawke's Bay earthquake, and many of the buildings have been protected and restored. Napier has been nominated for UNESCO World Heritage Site status, the first cultural site in New Zealand to be nominated.[153][154] Wellington has retained a sizeable number of Art Deco buildings.[155]
In Canada, surviving Art Deco structures are mainly in the major cities; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontario, and Vancouver. They range from public buildings like Vancouver City Hall to commercial buildings (College Park) to public works (R. C. Harris Water Treatment Plant).
In Mexico, the most imposing Art Deco example is interior of the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts), finished in 1934 with its elaborate décor and murals. Examples of Art Deco residential architecture can be found in the Condesa district, many designed by Francisco J. Serrano.
In the United States, Art Deco buildings are found from coast to coast, in all the major cities. It was most widely used for office buildings, train stations, airport terminals, and cinemas; residential buildings are rare. During the 1920s and 1930s architects in the Southwestern United States, particularly in the US state of New Mexico, combined Pueblo Revival with Territorial Style and Art Deco to create Pueblo Deco, as seen in the KiMo Theater in Albuquerque. In the 1930s, the more austere streamline style became popular. Many buildings were demolished between 1945 and the late 1960s, but then efforts began to protect the best examples. The City of Miami Beach established the Miami Beach Architectural District to preserve the fine collection of Art Deco buildings found there.
Art Deco buildings can be found throughout Central America, including in Cuba.
The architectural style first appeared in Paris with the Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) by Auguste Perret but then spread rapidly around Europe, until examples could be found in nearly every large city, from London to Moscow. In Germany two variations of Art Deco flourished in the 1920s and 30s: The Neue Sachlichkeit style and Expressionist architecture. Notable examples include Erich Mendelsohn's Mossehaus and Schaubühne in Berlin, Fritz Höger's Chilehaus in Hamburg and his Kirche am Hohenzollernplatz in Berlin, the Anzeiger Tower in Hanover and the Borsig Tower in Berlin.[157]
One of the largest Art Deco buildings in Western Europe is the National Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg, Brussels. In 1925, architect Albert van Huffel won the Grand Prize for Architecture with his scale model of the basilica at the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris.[158]
Spain and Portugal have some striking examples of Art Deco buildings, particularly movie theaters. Examples in Portugal are the Capitólio Theater (1931) and the Éden Cine-Theatre (1937) in Lisbon, the Rivoli Theater (1937) and the Coliseu (1941) in Porto and the Rosa Damasceno Theater (1937) in Santarém. An example in Spain is the Cine Rialto in Valencia (1939).
During the 1930s, Art Deco had a noticeable effect on house design in the United Kingdom,[57] as well as the design of various public buildings.[77] Straight, white-rendered house frontages rising to flat roofs, sharply geometric door surrounds and tall windows, as well as convex-curved metal corner windows, were all characteristic of that period.[78][159][160]
The London Underground is famous for many examples of Art Deco architecture,[161] and there are a number of buildings in the style situated along the Golden Mile in Brentford. Also in West London is the Hoover Building, which was originally built for The Hoover Company and was converted into a superstore in the early 1990s.
Bucharest, once known as the "Little Paris" of the 19th century, engaged in a new design after World War I, redirected its inspiration towards New York City. The 1930s brought a new fashion which echoed in the cinema, theatre, dancing styles, art and architecture. Bucharest during the 1930s was marked by more and more art deco architecture from the bigger boulevards like Bulevardul Magheru to the private houses and smaller districts. The Telephone Palace, an early landmark of modern Bucharest, was the first skyscraper of the city. It was the tallest building between 1933 and the 1950s, with a height of 52.5 metres (172 ft). The architects were Louis Weeks and Edmond van Saanen Algi and engineer Walter Troy. The art deco monuments are a crucial part of the character of Bucharest since they describe and mark an important period from its history, the interbellic life (World War I–World War II). Most of the buildings from those years are prone to catastrophe, as Bucharest is located in an earthquake zone.[162]
Art Deco in South America is especially present in countries that received a great wave of immigration in the first half of the 20th century, with notable works in their richest cities, like São Paulo and Rio de Janeiro in Brazil and Buenos Aires in Argentina. The Kavanagh Building in Buenos Aires (1934), by Sánchez, Lagos and de la Torre, was the tallest reinforced-concrete structure when it was completed and is a notable example of late Art Deco style.
In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic art deco cinemas have been preserved and turned into cultural centres. Even more modest art deco buildings have been preserved as part of America's architectural heritage; an art deco café and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. In Havana, Cuba, many Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original appearance.
In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco (or neo-Art Deco), have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s.[165] Examples include the NBC Tower in Chicago, inspired by 30 Rockefeller Plaza in New York City; and Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, which includes art deco features from Hoover Dam, 80 km (50 miles) away.[165][166][167][168]
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![Influencias del Art Nouveau – Curvas sinuosas en la fachada de la Avenue Montaigne núm. 26, París, de Louis Duhayon y Marcel Julien (1937)[51]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/57/Avenue_Montaigne_(47128639262).jpg/1280px-Avenue_Montaigne_(47128639262).jpg)
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![Arte mesopotámico – Zigurat de Ur en Tell el-Muqayyar, provincia de Dhi Qar, Irak, arquitecto desconocido (siglo XXI a.C.)[55]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/93/Ancient_ziggurat_at_Ali_Air_Base_Iraq_2005.jpg/1280px-Ancient_ziggurat_at_Ali_Air_Base_Iraq_2005.jpg)
![Arte precolombino (en este caso maya) – Dintel 24 de Yaxchilán (702 d.C.), piedra caliza, Museo Británico, Londres[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/00/Yaxchilan_Lintel_24.jpg/1280px-Yaxchilan_Lintel_24.jpg)
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![De Stijl – Casa Rietveld Schröder en Utrecht, Países Bajos, por Gerrit Rietveld (1924)[63]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Casa_Rietveld_Schr%C3%B6der_02.jpg/1280px-Casa_Rietveld_Schr%C3%B6der_02.jpg)
![Influencias de De Stijl – Pavillon du Tourisme, de Robert Mallet-Stevens, Exposición Internacional de Artes Industriales y Decorativas Modernas, París (1925)[64]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Pavillon_du_tourisme_de_Robert_Mallet-Stevens_(UAM,_Centre_Pompidou,_Paris)_(43200558625).jpg/1280px-Pavillon_du_tourisme_de_Robert_Mallet-Stevens_(UAM,_Centre_Pompidou,_Paris)_(43200558625).jpg)
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![Influencias constructivistas – Reloj decorado con formas geométricas planas, de Jean Goulden (1928), bronce plateado con esmalte, Colección Stephen E. Kelly[65]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/01/Clock_-_Jean_Goulden_(38866282265).jpg/1280px-Clock_-_Jean_Goulden_(38866282265).jpg)
![Influencias del teatro y el cine expresionistas – Interior del Teatro Apollo Victoria de Londres, por Ernest Wamsley Lewis (1928-1930)[66]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Stitched_Panorama_of_the_Apollo_theatre_near_Victoria,_London_167_(5058015607).jpg/1280px-Stitched_Panorama_of_the_Apollo_theatre_near_Victoria,_London_167_(5058015607).jpg)
![Futurismo – Casa con escaleras y ascensores desde cuatro niveles, parte de La Città Nuova, de Antonio Sant'Elia (1914), tinta y lápiz sobre papel, Musei Civici, Como, Italia[67]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Casa_a_gradinata_con_ascensori_dai_quattro_piani_stradali_1914-_Sant'Elia.jpg/1280px-Casa_a_gradinata_con_ascensori_dai_quattro_piani_stradali_1914-_Sant'Elia.jpg)
![Influencias futuristas – Rue du Laos no. 25 en París, de Charles Thomas (1930)[67]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f0/25_Rue_du_Laos_Pary%C5%BC,_%C3%8Ele-de-France_(50594191012).jpg/1280px-25_Rue_du_Laos_Pary%C5%BC,_%C3%8Ele-de-France_(50594191012).jpg)
![Arquitectura expresionista: edificio de la imprenta y editorial Rudolf Mosse en Berlín, por Erich Mendelsohn (1921-1923)[68]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5b/Berlin,_Mitte,_Schuetzenstrasse,_Mosse-Zentrum_05.jpg/1280px-Berlin,_Mitte,_Schuetzenstrasse,_Mosse-Zentrum_05.jpg)
![Influencias de la arquitectura expresionista – Grandes almacenes Aux Trois-Quartiers en París, de Louis Faure-Dujarric (1932)[68]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/64/Aux_Trois-Quartiers,_Paris,_with_it's_original_facade.jpg/1280px-Aux_Trois-Quartiers,_Paris,_with_it's_original_facade.jpg)
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![La cesta de flores – Balcones y frontón de la Avenue Montaigne n°. 41 en París, arquitecto o escultor desconocido (1924)[109]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/41_Avenue_Montaigne,_75008_Paris,_France_27_December_2016.jpg/1280px-41_Avenue_Montaigne,_75008_Paris,_France_27_December_2016.jpg)
![Patrones repetidos: herrajes decorativos del edificio Madison Belmont (Madison Avenue núm. 181–183) en la ciudad de Nueva York, por Ferrobrandt (1925)[110]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Grille_of_the_Cheney_Silk_Company_Building,_New_York_City,_1925,_designed_by_the_French_metalworking_company_Ferrobrandt.jpg/1280px-Grille_of_the_Cheney_Silk_Company_Building,_New_York_City,_1925,_designed_by_the_French_metalworking_company_Ferrobrandt.jpg)
![La flor de papiro – Porte d'honneur, en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de París, de Edgar Brandt (1925)[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ef/Porte_d'honneur,_by_Edgar_Brandt,_1925,_at_the_International_Exhibition_of_Modern_Decorative_and_Industrial_Arts.jpg/1280px-Porte_d'honneur,_by_Edgar_Brandt,_1925,_at_the_International_Exhibition_of_Modern_Decorative_and_Industrial_Arts.jpg)
![La voluta de follaje – Puertas de ascensor, de Brandt (1926), hierro forjado, vidrio, bronce patinado y dorado, Museo Calouste Gulbenkian, Lisboa[112]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Edgar_brandt,_porte_da_ascensore_in_ferro,_vetro_e_bronzo,_francia_1926_02.jpg/1280px-Edgar_brandt,_porte_da_ascensore_in_ferro,_vetro_e_bronzo,_francia_1926_02.jpg)
![Decoración no sólo a través de ornamentos, sino también a través de combinaciones de volúmenes - Withuis (Avenida Charles Woeste no. 183) en Bruselas, Bélgica, por Joseph Diongre (1927)[113]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Belgique_-_Bruxelles_-_Withuis_-_01.jpg/1280px-Belgique_-_Bruxelles_-_Withuis_-_01.jpg)
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![Molduras verticales – Greybrook House (Brook Street nº 28) en Londres, por Sir John Burnet & Partners (1928–29)[115]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/28_Brook_Street,_Mayfair,_January_2022_01.jpg/1280px-28_Brook_Street,_Mayfair,_January_2022_01.jpg)
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![Una estética de la iluminación artificial – Maison de France (ahora showroom de Louis Vuitton), Avenue des Champs-Élysées no. 101 en París, de Louis-Hippolyte Boileau y Charles-Henri Besnard (1931)[116]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Louis_Vuitton_Maison_Champs_%C3%89lys%C3%A9es_(49570496372).jpg/1280px-Louis_Vuitton_Maison_Champs_%C3%89lys%C3%A9es_(49570496372).jpg)
![Ziggurat – Union Hotel (Strada Ion Câmpineanu no. 11) in Bucharest, by Arghir Culina (1931)[116]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Bucharest_-_Strada_Ion_C%C3%A2mpineanu_11_(cropped_top).jpg/1280px-Bucharest_-_Strada_Ion_C%C3%A2mpineanu_11_(cropped_top).jpg)
![Vertical and horizontal luminous surfaces – Entrance hall of the Villa Cavrois in Croix, France, by Rob Mallet-Stevens (1932)[117]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/de/Villa_Cavrois_le_vestibule_(cropped).jpg/1280px-Villa_Cavrois_le_vestibule_(cropped).jpg)
![The undulating line – Relief on the Grave of the Străjescu Family in Bellu Cemetery, Bucharest, by George Cristinel (1934)[118]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(08).jpg/1280px-Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(08).jpg)
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![Angular chandeliers by Lanchester & Lodge (c. 1929–1936), Brotherton Library, University of Leeds, West Yorkshire, UK[143]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dc/A_light_fixture_in_the_Leeds_Uni._library_(353154643).jpg/1280px-A_light_fixture_in_the_Leeds_Uni._library_(353154643).jpg)
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![Ventilation tower of the Maastunnel in Rotterdam, Netherlands (1937)[156]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/1604_Maastunnel_-_entrance_building_of_pedestrian_and_cyclists'_tunnel_at_Parkkade,_Rotterdam_114.jpg/1280px-1604_Maastunnel_-_entrance_building_of_pedestrian_and_cyclists'_tunnel_at_Parkkade,_Rotterdam_114.jpg)
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![Messeturm in Frankfurt, Germany, by Helmut Jahn (1990), a Postmodern building that is reminiscent of Art Deco architecture[163]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Messeturm,_Frankfurt,_Southwest_detail_view_20170325_1.jpg/1280px-Messeturm,_Frankfurt,_Southwest_detail_view_20170325_1.jpg)
![Rue Henri Heine no. 3-5 in Paris by J.J. Ory (2001), a neo-Art Deco building[164]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Rue_Henri_Heine_3.jpg/1280px-Rue_Henri_Heine_3.jpg)
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