El arte de la Antigua Roma , y de los territorios de su República y posteriormente del Imperio , incluye la arquitectura , la pintura , la escultura y el trabajo en mosaico . Los objetos de lujo en metalistería , grabados de gemas , tallas de marfil y vidrio a veces se consideran formas menores del arte romano , [1] aunque no se consideraban como tales en su época. La escultura era quizás considerada como la forma de arte más alta por los romanos, pero la pintura de figuras también era muy valorada. Ha sobrevivido un gran cuerpo de escultura desde aproximadamente el siglo I a. C. en adelante, aunque muy poco de antes, pero queda muy poca pintura, y probablemente nada que un contemporáneo hubiera considerado de la más alta calidad. [ cita requerida ]
La cerámica romana antigua no era un producto de lujo, sino una vasta producción de "objetos finos" en terra sigillata que estaban decorados con relieves que reflejaban el gusto más actual y proporcionaban a un amplio grupo de la sociedad objetos elegantes a un precio evidentemente asequible. Las monedas romanas eran un importante medio de propaganda [ cita requerida ] y han sobrevivido en cantidades enormes.
Aunque la visión tradicional de los artistas romanos antiguos es que a menudo tomaban prestado de precedentes griegos y los copiaban (gran parte de las esculturas griegas que conocemos hoy en día tienen la forma de copias romanas en mármol), análisis más recientes han indicado que el arte romano es un pastiche altamente creativo que se basa en gran medida en modelos griegos, pero que también abarca la cultura visual etrusca , itálica nativa e incluso egipcia . El eclecticismo estilístico y la aplicación práctica son las características distintivas de gran parte del arte romano.
Plinio , el historiador más importante de la antigua Roma en lo que respecta a las artes, registró que casi todas las formas de arte (escultura, paisaje, retrato, incluso pintura de género) eran avanzadas en la época griega y, en algunos casos, más avanzadas que en Roma. Aunque queda muy poco del arte mural y el retrato griegos, sin duda la escultura griega y la pintura de vasos lo confirman. Es probable que estas formas no fueran superadas por los artistas romanos en cuanto a fineza de diseño o ejecución. Como otro ejemplo de la perdida " Edad de Oro ", destacó a Peiraikos , "cuyo arte es superado solo por muy pocos ... Pintó barberías y puestos de zapateros, burros, verduras y cosas así, y por esa razón llegó a ser llamado el 'pintor de temas vulgares'; sin embargo, estas obras son en conjunto deliciosas y se vendieron a precios más altos que las grandes pinturas de muchos otros artistas". [2] El adjetivo "vulgar" se utiliza aquí en su definición original, que significa "común".
Los antecedentes griegos del arte romano fueron legendarios. A mediados del siglo V a. C., los artistas griegos más famosos fueron Polignoto , conocido por sus murales, y Apolodoro , el creador del claroscuro . El desarrollo de la técnica realista se atribuye a Zeuxis y Parrasio , quienes, según una antigua leyenda griega , se dice que una vez compitieron en una exhibición de bravura de sus talentos, las primeras descripciones de la historia de la pintura trampantojo . [3] En escultura, Escopas , Praxíteles , Fidias y Lisipo fueron los escultores más destacados. Parece que los artistas romanos tenían mucho arte griego antiguo para copiar, ya que el comercio del arte era dinámico en todo el imperio y gran parte del patrimonio artístico griego encontró su camino hacia el arte romano a través de libros y enseñanzas. Se sabe que existieron tratados griegos antiguos sobre las artes en la época romana, aunque ahora se han perdido. [4] Muchos artistas romanos provenían de colonias y provincias griegas. [5]
El elevado número de copias romanas del arte griego también habla de la estima que los artistas romanos tenían por el arte griego, y quizás de su mayor rareza y calidad. [5] Muchas de las formas y métodos artísticos utilizados por los romanos, como el alto y bajo relieve, la escultura exenta, la fundición de bronce, el arte de los vasos, el mosaico , el camafeo , el arte de las monedas, la joyería fina y la metalistería, la escultura funeraria, el dibujo en perspectiva, la caricatura , la pintura de género y retrato , la pintura de paisajes , la escultura arquitectónica y la pintura trampantojo , fueron desarrollados o refinados por artistas griegos antiguos. [6] Una excepción es el busto romano, que no incluía los hombros. El busto tradicional de cabeza y hombros puede haber sido una forma etrusca o romana temprana. [7] Prácticamente todas las técnicas y métodos artísticos utilizados por los artistas del Renacimiento 1.900 años después habían sido demostrados por los artistas griegos antiguos, con las notables excepciones de los colores al óleo y la perspectiva matemáticamente precisa. [8] Mientras que los artistas griegos eran muy venerados en su sociedad, la mayoría de los artistas romanos eran anónimos y se consideraban comerciantes. No hay registros, como en la antigua Grecia, de los grandes maestros del arte romano, y prácticamente no hay obras firmadas. Mientras que los griegos veneraban las cualidades estéticas del gran arte y escribieron extensamente sobre teoría artística, el arte romano era más decorativo e indicativo de estatus y riqueza, y aparentemente no era tema de eruditos o filósofos. [9]
En parte, debido a que las ciudades romanas eran en su mayoría mucho más grandes que las ciudades-estado griegas en términos de población y, en general, menos provinciales, el arte en la Antigua Roma adoptó un propósito más amplio y, a veces, más utilitario. La cultura romana asimiló muchas culturas y, en su mayor parte, fue tolerante con las formas de vida de los pueblos conquistados. [5] El arte romano se encargaba, se exhibía y se poseía en cantidades mucho mayores y se adaptaba a más usos que en la época griega. Los romanos ricos eran más materialistas; decoraban sus paredes con arte, su hogar con objetos decorativos y a sí mismos con joyas finas.
En la era cristiana del Imperio tardío, de 350 a 500 d. C., la pintura mural, los trabajos en mosaicos de techos y suelos y la escultura funeraria prosperaron, mientras que la escultura de tamaño natural en bulto redondo y la pintura sobre tabla desaparecieron, muy probablemente por razones religiosas. [10] Cuando Constantino trasladó la capital del imperio a Bizancio (rebautizada como Constantinopla), el arte romano incorporó influencias orientales para producir el estilo bizantino del Imperio tardío. Cuando Roma fue saqueada en el siglo V, los artesanos se trasladaron y encontraron trabajo en la capital oriental. La iglesia de Santa Sofía en Constantinopla empleó a casi 10.000 trabajadores y artesanos, en un estallido final del arte romano bajo el emperador Justiniano (527-565 d. C.), quien también ordenó la creación de los famosos mosaicos de la Basílica de San Vitale en la ciudad de Rávena . [11]
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Del vasto corpus de pintura romana sólo tenemos hoy en día unos pocos restos, y muchos tipos documentados no han sobrevivido en absoluto, o lo han hecho sólo desde el final del período.
El conjunto más conocido e importante son las pinturas murales de Pompeya , Herculano y otros sitios cercanos, que muestran cómo los residentes de un rico balneario decoraban sus paredes en el siglo anterior a la erupción fatal del Vesubio en el año 79 d. C. Los historiadores del arte moderno han definido y analizado una sucesión de estilos fechados , comenzando por August Mau , que muestran una elaboración cada vez mayor.
También se han encontrado pinturas murales del mismo período en los restos de importantes casas aristocráticas de la propia Roma. Gran parte del palacio de Nerón en Roma, la Domus Aurea , construida en los años 60 d. C., sobrevivió como grutas; sus pinturas inspiraron el estilo grotesco de pintura popular durante el Renacimiento. También tenemos murales de casas identificadas con el emperador Augusto y su esposa Livia , que datan de principios del siglo I d . C. La Casa della Farnesina es otra supervivencia destacada del Imperio temprano que dejó muchas pinturas.
Fuera de Italia se han encontrado numerosos fragmentos de murales pintados en todo el Imperio, pero pocas piezas completas. En las provincias occidentales del Imperio la mayoría de los fragmentos datan de después del año 200 d. C.
Del Egipto romano hay un gran número de lo que se conoce como retratos de momias de Fayum , retratos de busto en madera añadidos al exterior de las momias por una clase media romanizada; a pesar de su carácter local muy marcado, probablemente sean ampliamente representativos del estilo romano en retratos pintados, que de otro modo se habrían perdido por completo.
Desde el siglo III d. C. y hasta alrededor del año 400, tenemos un gran conjunto de pinturas procedentes de las Catacumbas de Roma , de ninguna manera todas cristianas, que muestran la continuación posterior de la tradición decorativa doméstica en una versión adaptada -probablemente no muy adaptada- para su uso en cámaras funerarias, en lo que probablemente era un entorno social bastante más humilde que las casas más grandes de Pompeya.
No queda nada de las pinturas griegas importadas a Roma durante los siglos IV y V, ni de la pintura sobre madera realizada en Italia durante ese período. [4] En suma, el abanico de muestras se limita a sólo unos 200 años de los aproximadamente 900 años de historia romana, [12] y de pinturas provinciales y decorativas.
La mayor parte de estas pinturas murales se realizaron con el método a secco (seco), pero también existían algunas pinturas al fresco en la época romana. Hay evidencia de mosaicos y algunas inscripciones de que algunas pinturas romanas eran adaptaciones o copias de obras griegas anteriores. [12] Sin embargo, lo que aumenta la confusión es el hecho de que las inscripciones pueden estar registrando los nombres de artistas griegos inmigrantes de la época romana, no de originales de la Antigua Grecia que fueron copiados. [8] Los romanos carecían por completo de una tradición de pintura figurativa de vasos comparable a la de los antiguos griegos, que los etruscos habían emulado.
La pintura romana ofrece una amplia variedad de temas: animales, naturalezas muertas, escenas de la vida cotidiana, retratos y algunos temas mitológicos. Durante el período helenístico, evocaba los placeres del campo y representaba escenas de pastores, rebaños, templos rústicos, paisajes rurales de montaña y casas de campo. [8] Las escenas eróticas también son relativamente comunes. En el Imperio tardío, después del año 200 d. C., sobreviven en las paredes de las catacumbas temas cristianos primitivos mezclados con imágenes paganas. [13]
La principal innovación de la pintura romana en comparación con el arte griego fue el desarrollo de los paisajes, en particular la incorporación de técnicas de perspectiva, aunque la perspectiva matemática verdadera se desarrolló 1.500 años después. Las texturas de las superficies, el sombreado y la coloración están bien aplicados, pero la escala y la profundidad espacial aún no se representaban con precisión. Algunos paisajes eran escenas puras de la naturaleza, en particular jardines con flores y árboles, mientras que otros eran vistas arquitectónicas que representaban edificios urbanos. Otros paisajes muestran episodios de la mitología, siendo los más famosos los que muestran escenas de la Odisea . [14]
Desde el punto de vista cultural, el arte del Oriente antiguo habría conocido la pintura de paisajes únicamente como telón de fondo de escenas narrativas civiles o militares. [15] Esta teoría, defendida por Franz Wickhoff , es discutible. Es posible ver evidencia del conocimiento griego de la representación del paisaje en el Critias de Platón (107b–108b):
... y si observamos los retratos de cuerpos divinos y humanos tal como los ejecutan los pintores, en cuanto a la facilidad o dificultad con que logran imitar a sus sujetos en la opinión de los espectadores, notaremos en primer lugar que en lo que respecta a la tierra, las montañas, los ríos, los bosques y todo el cielo, con las cosas que existen y se mueven en ellos, nos contentamos con que un hombre sea capaz de representarlos incluso con un pequeño grado de semejanza... [16]
Los bodegones romanos se suelen colocar en nichos o estanterías ilusionistas y representan una variedad de objetos cotidianos, como frutas, animales vivos y muertos, mariscos y conchas. Se pintaron con destreza ejemplos del tema de la jarra de cristal llena de agua que luego sirvieron como modelos para el mismo tema, que se pintó a menudo durante los períodos renacentista y barroco . [17]
Plinio se quejaba del estado decadente del arte del retrato romano: "La pintura de retratos, que solía transmitir a través de los siglos las semejanzas exactas de las personas, ha desaparecido por completo... La indolencia ha destruido las artes". [18] [19]
En Grecia y Roma, la pintura mural no se consideraba un arte elevado. La forma de arte más prestigiosa, además de la escultura, era la pintura sobre tabla , es decir, la pintura al temple o encáustica sobre paneles de madera. Desafortunadamente, dado que la madera es un material perecedero, solo han sobrevivido unos pocos ejemplos de tales pinturas, a saber, el Tondo Severano de c. 200 d. C. , un retrato oficial muy rutinario de alguna oficina del gobierno provincial, y los conocidos retratos de momias de Fayum , todos del Egipto romano, y casi con certeza no de la más alta calidad contemporánea. Los retratos se adherían a las momias funerarias en la cara, de las que ahora se han separado casi todos. Por lo general, representan a una sola persona, mostrando la cabeza, o la cabeza y la parte superior del pecho, vista de frente. El fondo siempre es monocromo, a veces con elementos decorativos. [20] En términos de tradición artística, las imágenes derivan claramente más de las tradiciones grecorromanas que de las egipcias. Son notablemente realistas, aunque variables en calidad artística, y pueden indicar que un arte similar estaba muy extendido en otros lugares pero no sobrevivió. Se han conservado algunos retratos pintados sobre vidrio y medallas del Bajo Imperio, así como retratos en monedas, algunos de los cuales también se consideran muy realistas. [21]
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El vidrio dorado , o vidrio sándwich dorado, era una técnica para fijar una capa de pan de oro con un diseño entre dos capas de vidrio fusionadas, desarrollada en el vidrio helenístico y revivida en el siglo III d. C. Hay muy pocos diseños grandes, incluido un grupo muy fino de retratos del siglo III con pintura agregada, pero la gran mayoría de los aproximadamente 500 sobrevivientes son redondeles que son los fondos recortados de copas de vino o vasos utilizados para marcar y decorar tumbas en las catacumbas de Roma presionándolos en el mortero. Datan predominantemente de los siglos IV y V. La mayoría son cristianos, aunque hay muchos ejemplos paganos y algunos judíos. Es probable que originalmente se dieran como obsequios en bodas o ocasiones festivas como Año Nuevo. Su iconografía ha sido muy estudiada, aunque artísticamente son relativamente poco sofisticados. [23] Sus temas son similares a las pinturas de las catacumbas, pero con un equilibrio diferente que incluye más retratos. Con el tiempo hubo un aumento en la representación de santos. [24] La misma técnica comenzó a utilizarse para las teselas de oro para mosaicos a mediados del siglo I en Roma, y hacia el siglo V éstas se habían convertido en el fondo estándar para los mosaicos religiosos.
El grupo anterior se encuentra "entre los retratos más vívidos que sobrevivieron de los primeros tiempos cristianos. Nos miran con una intensidad extraordinariamente severa y melancólica", [25] y representan las mejores indicaciones sobrevivientes de lo que el retrato romano de alta calidad podía lograr en pintura. El medallón de Gennadios en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York es un buen ejemplo de un retrato alejandrino sobre vidrio azul, que utiliza una técnica bastante más compleja y un estilo naturalista que la mayoría de los ejemplos romanos tardíos, incluida la pintura sobre el oro para crear sombreado, y con la inscripción griega que muestra características del dialecto local . Quizás le habían regalado o encargado la pieza para celebrar la victoria en una competencia musical. [26] Uno de los medallones de retrato de estilo alejandrino más famosos, con una inscripción en griego egipcio, fue montado más tarde en una crux gemmata medieval temprana en Brescia , en la creencia errónea de que mostraba a la piadosa emperatriz y reina gótica Gala Placida y sus hijos; [27] de hecho, el nudo en el vestido de la figura central puede marcar a un devoto de Isis . [28] Esta es una de un grupo de 14 piezas que datan del siglo III d. C., todos retratos seculares individualizados de alta calidad. [29] La inscripción en el medallón está escrita en el dialecto alejandrino del griego y, por lo tanto, lo más probable es que represente a una familia del Egipto romano . [30] El medallón también se ha comparado con otras obras de arte romano-egipcio contemporáneas, como los retratos de momias de Fayum . [22] Se cree que el minúsculo detalle de piezas como estas solo se puede haber logrado utilizando lentes . [31] Las gafas posteriores de las catacumbas tienen un nivel de retrato que es rudimentario, con rasgos, peinados y ropa que siguen estilos estereotipados. [32]
Las escenas del género romano generalmente representan a los romanos en sus ratos libres e incluyen juegos de azar, música y encuentros sexuales. [ cita requerida ] Algunas escenas representan a dioses y diosas en sus ratos libres. [ 8 ] [ 12 ]
A partir del siglo III a. C., aparece un género específico conocido como Pinturas Triunfales , como indica Plinio (XXXV, 22). [33] Se trataba de pinturas que mostraban entradas triunfales tras victorias militares, representaban episodios de la guerra y regiones y ciudades conquistadas. Se dibujaban mapas resumen para destacar los puntos clave de la campaña. Josefo describe la pintura ejecutada con motivo del saqueo de Jerusalén por Vespasiano y Tito :
También había oro y marfil forjados alrededor de ellos, y muchas semejanzas de la guerra, y éstas de varias maneras y con una variedad de artificios, proporcionando un retrato muy vivo de ella. Porque se podía ver un país feliz devastado, y escuadrones enteros de enemigos muertos, mientras que algunos de ellos huyeron, y otros fueron llevados al cautiverio; con murallas de gran altura y magnitud derribadas y arruinadas por máquinas; con las fortificaciones más fuertes tomadas, y las murallas de las ciudades más populosas en las cimas de las colinas ocupadas, y un ejército fluyendo dentro de las murallas; también como cada lugar lleno de matanzas, y súplicas de los enemigos, cuando ya no podían levantar sus manos en forma de oposición. También se representaban el fuego que se enviaba a los templos, las casas que caían sobre sus dueños y los ríos que, al salir de un desierto grande y triste, corrían no a una tierra cultivada ni para beber ni para los hombres ni para el ganado, sino a través de una tierra que todavía estaba en llamas por todos lados, pues los judíos contaban que habían sufrido algo así durante esta guerra. Ahora bien, la ejecución de estas representaciones era tan magnífica y tan viva en la construcción de las cosas que mostraba lo que se había hecho a quienes no lo veían, como si hubieran estado allí realmente presentes. En la parte superior de cada una de estas representaciones se colocaba el comandante de la ciudad que había sido tomada y la forma en que fue tomada. [34]
Estas pinturas han desaparecido, pero probablemente influyeron en la composición de los relieves históricos tallados en los sarcófagos militares , el Arco de Tito y la Columna de Trajano . Esta evidencia subraya la importancia de la pintura de paisajes, que a veces tendía a ser planos en perspectiva.
Ranuccio también describe la pintura más antigua encontrada en Roma, en una tumba en el monte Esquilino :
En él se describe una escena histórica, sobre un fondo claro, pintada en cuatro secciones superpuestas. Se identifican varias personas, como Marco Fanio y Marco Fabio. Estos son de mayor tamaño que las otras figuras... En la segunda zona, a la izquierda, hay una ciudad rodeada de murallas almenadas , frente a la cual hay un gran guerrero equipado con un escudo ovalado y un casco emplumado; cerca de él hay un hombre con una túnica corta, armado con una lanza... Alrededor de estos dos hay soldados más pequeños con túnicas cortas, armados con lanzas... En la zona inferior se está desarrollando una batalla, donde se muestra un guerrero con escudo ovalado y casco emplumado de mayor tamaño que los demás, cuyas armas permiten suponer que se trata probablemente de samnitas.
Este episodio es difícil de precisar. Una de las hipótesis de Ranuccio es que se refiere a una victoria del cónsul Fabio Máximo Ruliano durante la segunda guerra contra los samnitas en el año 326 a. C. La presentación de las figuras con tamaños proporcionales a su importancia es típicamente romana y se encuentra en relieves plebeyos. Esta pintura se encuentra en la infancia de la pintura triunfal y habría sido realizada a principios del siglo III a. C. para decorar la tumba.
El arte romano primitivo estuvo influenciado por el arte de Grecia y el de los vecinos etruscos , a su vez muy influenciados por sus socios comerciales griegos. Una especialidad etrusca eran las efigies funerarias de tamaño casi natural en terracota , que normalmente yacían sobre la tapa de un sarcófago apoyadas sobre un codo en la pose de un comensal de ese período. A medida que la República romana en expansión comenzó a conquistar el territorio griego, al principio en el sur de Italia y luego en todo el mundo helenístico excepto el lejano oriente parto , la escultura oficial y patricia se convirtió en gran medida en una extensión del estilo helenístico, del que los elementos específicamente romanos son difíciles de separar, especialmente porque gran parte de la escultura griega sobrevive solo en copias del período romano. [35] En el siglo II a. C., "la mayoría de los escultores que trabajaban en Roma" eran griegos, [36] a menudo esclavizados en conquistas como la de Corinto (146 a. C.), y los escultores siguieron siendo en su mayoría griegos, a menudo esclavos, cuyos nombres se registran muy raramente. Se importaron a Roma grandes cantidades de estatuas griegas, ya fuera como botín o como resultado de la extorsión o el comercio, y los templos a menudo se decoraban con obras griegas reutilizadas. [37]
En los monumentos funerarios de los romanos de clase media próspera se puede ver un estilo italiano nativo, que muy a menudo presentaba bustos de retratos, y se podría decir que el retrato es el punto fuerte de la escultura romana. No hay supervivencias de la tradición de las máscaras de los antepasados que se usaban en las procesiones en los funerales de las grandes familias y que se exhibían en los hogares, pero muchos de los bustos que sobreviven deben representar figuras ancestrales, tal vez de las grandes tumbas familiares como la Tumba de los Escipiones o los mausoleos posteriores fuera de la ciudad. La famosa cabeza de bronce supuestamente de Lucio Junio Bruto tiene fechas muy variadas, pero se considera una supervivencia muy rara del estilo itálico bajo la República, en el medio preferido del bronce. [38] De manera similar, se ven cabezas severas y enérgicas en las monedas de los cónsules, y en el período imperial, las monedas, así como los bustos enviados por todo el Imperio para ser colocados en las basílicas de las ciudades provinciales, fueron la principal forma visual de propaganda imperial; Incluso Londinium tenía una estatua casi colosal de Nerón , aunque mucho más pequeña que el Coloso de Nerón de 30 metros de altura en Roma, ahora perdido. [39] La Tumba de Eurisaces el Panadero , un liberto exitoso (c. 50-20 a. C.) tiene un friso que es un ejemplo inusualmente grande del estilo "plebeyo". [40] El retrato imperial fue inicialmente helenizado y altamente idealizado, como en el Camafeo de Blacas y otros retratos de Augusto .
Los romanos no intentaron competir en general con las obras griegas exentas de hazañas heroicas de la historia o la mitología, pero desde el principio produjeron obras históricas en relieve , que culminaron en las grandes columnas triunfales romanas con relieves narrativos continuos que se enroscaban a su alrededor, de las que sobreviven en Roma las que conmemoran a Trajano (113 d. C.) y Marco Aurelio (hacia 193 a. C.), donde el Ara Pacis ("Altar de la Paz", 13 a. C.) representa el estilo grecorromano oficial en su forma más clásica y refinada, y las esculturas de Sperlonga lo hacen en su forma más barroca. Algunas esculturas públicas romanas tardías desarrollaron un estilo masivo y simplificado que a veces anticipa el realismo socialista soviético . Entre otros ejemplos importantes se encuentran los relieves reutilizados anteriores en el Arco de Constantino y la base de la Columna de Antonino Pío (161), [41] Los relieves de Campana eran versiones de cerámica más baratas de los relieves de mármol y el gusto por el relieve se expandió desde el período imperial al sarcófago.
Se siguió patrocinando todo tipo de esculturas pequeñas de lujo, y su calidad podía ser extremadamente alta, como en la copa de plata de Warren , la copa de cristal de Licurgo y los grandes camafeos como el de Gemma Augustea , el camafeo de Gonzaga y el " Gran camafeo de Francia ". [42] Para un sector mucho más amplio de la población, se produjeron decoraciones en relieve moldeado de vasijas de cerámica y pequeñas figurillas en gran cantidad y, a menudo, de considerable calidad. [43]
Después de atravesar una fase "barroca" a finales del siglo II, [44] en el siglo III el arte romano abandonó en gran medida, o simplemente se volvió incapaz de producir, esculturas en la tradición clásica, un cambio cuyas causas siguen siendo muy discutidas. Incluso los monumentos imperiales más importantes ahora mostraban figuras rechonchas y de ojos grandes en un estilo frontal severo, en composiciones simples que enfatizaban el poder a expensas de la gracia. El contraste se ilustra de manera famosa en el Arco de Constantino de 315 en Roma, que combina secciones en el nuevo estilo con redondeles en el estilo grecorromano completo anterior tomados de otros lugares, y los Cuatro Tetrarcas (c. 305) de la nueva capital de Constantinopla , ahora en Venecia . Ernst Kitzinger encontró en ambos monumentos las mismas "proporciones rechonchas, movimientos angulares, una ordenación de las partes a través de la simetría y la repetición y una representación de los rasgos y los pliegues de los drapeados a través de incisiones en lugar de modelado... El sello distintivo del estilo dondequiera que aparezca consiste en una dureza enfática, pesadez y angularidad; en resumen, un rechazo casi completo de la tradición clásica". [45]
Esta revolución de estilo precedió brevemente al período en el que el cristianismo fue adoptado por el estado romano y la gran mayoría del pueblo, lo que llevó al fin de la gran escultura religiosa, con grandes estatuas que ahora solo se usaban para los emperadores, como en los famosos fragmentos de una estatua acrolítica colosal de Constantino , y el Coloso de Barletta del siglo IV o V. Sin embargo, los cristianos ricos continuaron encargando relieves para sarcófagos, como en el Sarcófago de Junius Bassus , y la escultura muy pequeña, especialmente en marfil, fue continuada por los cristianos, basándose en el estilo del díptico consular . [46]
![Un birreme naval romano representado en un relieve del Templo de Fortuna Primigenia en Praeneste (Palastrina),[47] que fue construido alrededor del año 120 a. C.;[48] exhibido en el Museo Pío Clementino (Museo Pio-Clementino) en los Museos Vaticanos.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/D473-bir%C3%A8me_romaine-Liv2-ch10.png/1280px-D473-bir%C3%A8me_romaine-Liv2-ch10.png)
La escultura romana tradicional se divide en cinco categorías: retratos, relieves históricos, relieves funerarios, sarcófagos y copias de obras griegas antiguas. [49] Contrariamente a la creencia de los primeros arqueólogos, muchas de estas esculturas eran grandes imágenes de terracota policromada , como el Apolo de Veyes (Villa Givlia, Roma), pero la superficie pintada de muchas de ellas se ha desgastado con el tiempo.
Mientras que los escultores griegos tradicionalmente ilustraban hazañas militares mediante el uso de alegorías mitológicas, los romanos usaban un estilo más documental. Los relieves romanos de escenas de batalla, como los de la Columna de Trajano , fueron creados para la glorificación del poder romano, pero también brindan una representación de primera mano de trajes y equipos militares. La columna de Trajano registra las diversas guerras dacias llevadas a cabo por Trajano en lo que es la actual Rumania . Es el ejemplo más importante de relieve histórico romano y uno de los grandes tesoros artísticos del mundo antiguo. Este logro sin precedentes, de más de 650 pies de longitud en espiral, presenta no solo individuos representados de manera realista (más de 2500 de ellos), sino también paisajes, animales, barcos y otros elementos en una historia visual continua, en efecto, un precursor antiguo de una película documental. Sobrevivió a la destrucción cuando fue adaptado como base para la escultura cristiana. [50] Durante la era cristiana después del 300 d. C., la decoración de paneles de puertas y sarcófagos continuó, pero la escultura de tamaño completo se extinguió y no pareció ser un elemento importante en las iglesias primitivas. [10]
Los romanos heredaron una tradición artística en una amplia gama de las llamadas "artes menores" o artes decorativas . La mayoría de ellas florecieron de forma impresionante en el nivel de lujo, pero se siguió produciendo un gran número de figurillas de terracota , tanto religiosas como seculares, a bajo precio, así como algunos relieves de Campana de mayor tamaño en terracota. [51] El arte romano no utilizaba la pintura de vasos al estilo de los antiguos griegos, pero las vasijas de cerámica de la Antigua Roma solían estar decoradas con estilo en relieve moldeado. [52] Los productores de los millones de pequeñas lámparas de aceite vendidas parecen haber confiado en una decoración atractiva para vencer a sus competidores y todos los temas del arte romano, excepto el paisaje y el retrato, se encuentran en ellas en miniatura. [53]
Las artes de lujo incluían vidrio romano de lujo en una gran variedad de técnicas, muchos de los cuales, probablemente, eran asequibles para una buena proporción del público romano. Este no era ciertamente el caso de los tipos de vidrio más extravagantes, como las copas de jaula o diatreta , de las cuales la Copa de Licurgo en el Museo Británico es un ejemplo figurativo casi único en vidrio que cambia de color cuando se ve con la luz que pasa a través de él. El Vaso Portland de Augusto es la obra maestra del vidrio camafeo romano , [54] e imitaba el estilo de las grandes gemas grabadas ( Cameo de Blacas , Gemma Augustea , Gran Camafeo de Francia ) y otras tallas de piedra dura que también eran muy populares en esta época. [55]
El mosaico romano era un arte menor, aunque a menudo a gran escala, hasta el final del período, cuando los cristianos de finales del siglo IV comenzaron a usarlo para imágenes religiosas de gran tamaño en las paredes de sus nuevas iglesias de gran tamaño; en el arte romano anterior, el mosaico se usaba principalmente para pisos, techos curvos y paredes interiores y exteriores que iban a mojarse. La famosa copia de una pintura helenística en el Mosaico de Alejandro en Nápoles se colocó originalmente en un piso en Pompeya ; se trata de un trabajo de mucha mayor calidad que la mayoría de los mosaicos romanos, aunque también han sobrevivido paneles muy finos, a menudo de temas de naturaleza muerta en teselas pequeñas o micromosaicas . Los romanos distinguían entre opus tessellatum normal con teselas en su mayoría de más de 4 mm de ancho, que se colocaban en el lugar, y opus vermiculatum más fino para paneles pequeños, que se cree que se produjo fuera del lugar en un taller y se trajo al lugar como un panel terminado. Este último era un género helenístico que se encuentra en Italia entre aproximadamente el 100 a. C. y el 100 d. C. La mayoría de los mosaicos firmados tienen nombres griegos, lo que sugiere que los artistas siguieron siendo en su mayoría griegos, aunque probablemente a menudo esclavos entrenados en talleres. El mosaico del Nilo de Palestrina de finales del siglo II a. C. es un gran ejemplo del género popular del paisaje nilótico , mientras que el mosaico de gladiadores del siglo IV en Roma muestra varias figuras grandes en combate. [56] Los mosaicos de Orfeo , a menudo muy grandes, eran otro tema favorito para las villas, con varios animales feroces domesticados por la música que tocaba Orfeo . En la transición al arte bizantino, las escenas de caza tendieron a reemplazar a las escenas de animales grandes.
La metalistería estaba muy desarrollada y era claramente una parte esencial de las casas de los ricos, que cenaban en plata, mientras que a menudo bebían en cristal, y tenían elaborados accesorios de fundición en sus muebles, joyas y pequeñas figurillas. Una serie de importantes tesoros encontrados en los últimos 200 años, principalmente en los bordes más violentos del imperio tardío, nos han dado una idea mucho más clara de la platería romana. El tesoro de Mildenhall y el tesoro de Hoxne son ambos de East Anglia en Inglaterra. [57] Hay pocos sobrevivientes de muebles romanos antiguos de alta calidad , pero estos muestran un diseño y una ejecución refinados y elegantes.
Pocas monedas romanas alcanzan la cima artística de las mejores monedas griegas, pero sobreviven en gran número y su iconografía e inscripciones constituyen una fuente crucial para el estudio de la historia romana y el desarrollo de la iconografía imperial, además de contener muchos ejemplos excelentes de retratos. Penetraron en la población rural de todo el Imperio y más allá, y los bárbaros de los márgenes del Imperio hicieron sus propias copias. En el Imperio, comenzaron a producirse medallones en metales preciosos en pequeñas ediciones como obsequios imperiales, que son similares a las monedas, aunque más grandes y generalmente de mejor ejecución. Las imágenes en las monedas inicialmente siguieron los estilos griegos, con dioses y símbolos, pero en los estertores de la agonía de la República primero Pompeyo y luego Julio César aparecieron en las monedas, y los retratos del emperador o miembros de su familia se convirtieron en estándar en las monedas imperiales. Las inscripciones se utilizaron para la propaganda y, en el Imperio posterior, el ejército se unió al emperador como beneficiario.
Fue en el área de la arquitectura donde el arte romano produjo sus mayores innovaciones. Debido a que el Imperio Romano se extendía sobre un área tan grande e incluía tantas áreas urbanizadas, los ingenieros romanos desarrollaron métodos para la construcción de ciudades a gran escala, incluido el uso del hormigón . Edificios enormes como el Panteón y el Coliseo nunca podrían haberse construido con materiales y métodos anteriores. Aunque el hormigón se había inventado mil años antes en Oriente Próximo, los romanos extendieron su uso desde las fortificaciones a sus edificios y monumentos más impresionantes, aprovechando la resistencia y el bajo costo del material. [58] El núcleo de hormigón se cubría con una capa de yeso, ladrillo, piedra o mármol, y a menudo se añadían esculturas decorativas policromadas y doradas para producir un efecto deslumbrante de poder y riqueza. [58]
Gracias a estos métodos, la arquitectura romana es legendaria por la durabilidad de su construcción; todavía hay muchos edificios en pie y algunos en uso, en su mayoría edificios reconvertidos en iglesias durante la era cristiana. Sin embargo, muchas ruinas han sido despojadas de su revestimiento de mármol y han quedado con el núcleo de hormigón expuesto, por lo que parecen algo reducidas en tamaño y grandiosidad con respecto a su aspecto original, como en el caso de la Basílica de Constantino. [59]
Durante la era republicana, la arquitectura romana combinó elementos griegos y etruscos, y produjo innovaciones como el templo redondo y el arco curvo. [60] A medida que el poder romano crecía en el imperio temprano, los primeros emperadores inauguraron la nivelación total de los barrios marginales para construir grandes palacios en el monte Palatino y áreas cercanas, lo que requirió avances en los métodos de ingeniería y diseño a gran escala. Los edificios romanos se construyeron entonces en la agrupación comercial, política y social conocida como foro, siendo el de Julio César el primero y varios agregados después, siendo el Foro Romano el más famoso. La arena más grande del mundo romano, el Coliseo , se completó alrededor del 80 d. C. en el otro extremo de ese foro. Tenía capacidad para más de 50.000 espectadores, tenía cubiertas de tela retráctiles para dar sombra y podía albergar espectáculos masivos, incluyendo enormes combates de gladiadores y simulacros de batallas navales. Esta obra maestra de la arquitectura romana personifica la eficiencia de la ingeniería romana e incorpora los tres órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio. [61] Menos celebrada pero igual de importante, si no más, para la mayoría de los ciudadanos romanos, era la ínsula o manzana de cinco pisos, el equivalente romano de un edificio de apartamentos, que albergaba a decenas de miles de romanos. [62]
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Fue durante el reinado de Trajano (98-117 d. C.) y Adriano (117-138 d. C.) que el Imperio romano alcanzó su mayor extensión y que la propia Roma estaba en la cima de su gloria artística, lograda a través de programas de construcción masivos de monumentos, casas de reunión, jardines, acueductos, baños, palacios, pabellones, sarcófagos y templos. [50] El uso romano del arco , el uso de métodos de construcción de hormigón , el uso de la cúpula permitieron la construcción de techos abovedados y posibilitaron la construcción de estos espacios públicos y complejos, incluidos los palacios, baños públicos y basílicas de la "Edad de Oro" del imperio. Ejemplos destacados de construcción de cúpulas incluyen el Panteón , las Termas de Diocleciano y las Termas de Caracalla . El Panteón (dedicado a todos los dioses planetarios) es el templo mejor conservado de la antigüedad con un techo intacto que presenta un "ojo" abierto en el centro. La altura del techo es exactamente igual al radio interior del edificio, creando un recinto hemisférico. [59] Estos grandes edificios sirvieron más tarde como modelos de inspiración para los arquitectos del Renacimiento italiano, como Brunelleschi . En la época de Constantino (306-337 d. C.), se llevaron a cabo los últimos grandes programas de construcción en Roma, incluida la construcción del Arco de Constantino construido cerca del Coliseo , que recicló algunas obras de piedra del foro cercano, para producir una mezcla ecléctica de estilos. [13]
Los acueductos romanos , también basados en el arco, eran habituales en el imperio y eran medios esenciales para transportar agua a las grandes áreas urbanas. Sus restos de mampostería en pie son especialmente impresionantes, como el Pont du Gard (con tres niveles de arcos) y el acueducto de Segovia , que sirven como testimonio mudo de la calidad de su diseño y construcción. [61]
Según
la taxonomía
histórica del arte tradicional , la escultura romana se divide en varias categorías distintas: retratos, relieves históricos, relieves funerarios, sarcófagos y copias.
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