El arte francés está formado por las artes visuales y plásticas (incluida la arquitectura francesa , la carpintería, los textiles y la cerámica) originarias del área geográfica de Francia . La Francia moderna fue el principal centro del arte europeo del Paleolítico superior , [ cita requerida ] luego dejó muchos monumentos megalíticos , y en la Edad del Hierro muchos de los hallazgos más impresionantes del arte celta temprano . El período galorromano dejó un estilo provincial distintivo de escultura, y la región alrededor de la frontera franco-alemana moderna lideró al imperio en la producción en masa de cerámica romana antigua finamente decorada , que se exportó a Italia y otros lugares a gran escala. Con el arte merovingio comienza la historia de los estilos franceses como un elemento distintivo e influyente en el desarrollo más amplio del arte de la Europa cristiana.
La arquitectura románica y gótica floreció en la Francia medieval, con la arquitectura gótica originaria de las regiones de Île-de-France y Picardía del norte de Francia. [1] [2] Durante el Renacimiento, Italia se convirtió en la principal fuente de desarrollos estilísticos hasta que Francia igualó la influencia de Italia durante los períodos rococó y neoclasicismo [ cita requerida ] Durante el siglo XIX y hasta mediados del siglo XX, Francia y especialmente París fueron considerados el centro del mundo del arte con estilos de arte como el impresionismo , el posimpresionismo , el cubismo y el fauvismo originados allí, así como movimientos y congregaciones de artistas extranjeros como la École de Paris . [3] [4] [5] [6] [7] [8]
Actualmente, el arte europeo más antiguo conocido es del Paleolítico superior , de hace entre 40.000 y 10.000 años, y Francia cuenta con una gran selección de arte prehistórico existente de las culturas Chatelperroniense , Auriñaciense , Solutrense , Gravetiense y Magdaleniense . Este arte incluye pinturas rupestres , como las famosas pinturas de Pech Merle en el Lot en Languedoc, que datan de 16.000 a. C., Lascaux , ubicada cerca del pueblo de Montignac , en Dordoña , que datan de entre 13.000 y 15.000 a. C., o quizás, tan atrás como 25.000 a. C., la cueva de Cosquer , la cueva de Chauvet que data de 29.000 a. C. y la cueva de Trois-Frères ; y arte portátil , como esculturas de animales y grandes estatuillas de diosas llamadas figurillas de Venus , como la "Venus de Brassempouy" del 21.000 a. C., descubierta en las Landas , ahora en el museo del castillo de Saint-Germain-en-Laye o la Venus de Lespugue en el Museo del Hombre . Cuentas ornamentales, alfileres de hueso, esculturas, así como puntas de flecha de sílex y piedra también se encuentran entre los objetos prehistóricos de la zona de Francia.
Existen especulaciones de que sólo el Homo sapiens es capaz de expresión artística, sin embargo, un hallazgo reciente, la Máscara de la Roche-Cotard —un artefacto musteriense o neandertal , encontrado en 2002 en una cueva cerca de las orillas del río Loira , que data de aproximadamente 33.000 a. C.— ahora sugiere que los humanos neandertales pueden haber desarrollado una tradición artística sofisticada y compleja.
En el Neolítico ( ver Neolítico europeo ) comienzan a aparecer monumentos megalíticos (de piedra de gran tamaño), como los dólmenes y menhires de Carnac , Saint-Sulpice-de-Faleyrens y otros lugares de Francia; se cree que esta aparición comenzó en el quinto milenio a. C., aunque algunos autores especulan sobre raíces mesolíticas . En Francia hay unos 5.000 monumentos megalíticos, principalmente en Bretaña, donde se encuentra la mayor concentración de estos monumentos. En esta zona hay una gran variedad de estos monumentos que se han conservado bien, como menhires, dólmenes, crómlechs y túmulos. El túmulo de Gavrinis, en el sur de Bretaña, es un ejemplo excepcional de arte megalítico: su corredor interior de 14 metros está casi completamente adornado con tallas ornamentales. El gran menhir roto de Er-Grah , ahora en cuatro pedazos, tenía originalmente más de 20 metros de altura, lo que lo convierte en el menhir más grande jamás erigido. En Francia también se encuentran numerosas piedras pintadas, hachas de piedra pulida y menhires con inscripciones de este período. La zona de Grand-Pressigny era conocida por sus valiosas hojas de sílex, que se exportaron ampliamente durante el Neolítico.
En Francia, desde el Neolítico hasta la Edad del Bronce , se encuentran diversas culturas arqueológicas, entre ellas la cultura de Rössen de c. 4500-4000 a. C., la cultura del vaso campaniforme de c. 2800-1900 a. C., la cultura de los túmulos de c. 1600-1200 a. C., la cultura de los campos de urnas de c. 1300-800 a. C. y, en una transición hacia la Edad del Hierro , la cultura de Hallstatt de c. 1200-500 a. C.
Para obtener más información sobre los sitios prehistóricos en el oeste de Francia, consulte Prehistoria de Bretaña .
A partir de las culturas protoceltas de los campos de urnas y de Hallstatt, se desarrolló un arte celta continental de la Edad del Hierro , asociado principalmente con la cultura de La Tène , que floreció durante la Edad del Hierro tardía, desde el 450 a. C. hasta la conquista romana en el siglo I a. C. Este arte se nutrió de fuentes nativas, clásicas y, tal vez, mediterráneas y orientales. Los celtas de la Galia son conocidos a través de numerosas tumbas y túmulos funerarios encontrados en toda Francia.
El arte celta es muy ornamental, evita las líneas rectas y utiliza la simetría solo ocasionalmente, sin la imitación de la naturaleza ni el ideal de belleza central de la tradición clásica , pero aparentemente, a menudo implica un simbolismo complejo. Estas obras de arte incluyen una variedad de estilos y a menudo incorporan elementos sutilmente modificados de otras culturas, un ejemplo es el característico entrelazado por encima y por debajo que llegó a Francia solo en el siglo VI, aunque ya lo utilizaban los artistas germánicos . La tumba celta de Vix en la actual Borgoña reveló el cráter de bronce más grande de la Antigüedad, que probablemente fue importado por aristócratas celtas de Grecia.
La región de la Galia ( en latín : Gallia ) estuvo bajo el dominio del Imperio Romano desde el siglo I a. C. hasta el siglo V d. C. El sur de Francia, y especialmente la Provenza y el Languedoc, son conocidos por sus numerosos monumentos galorromanos intactos. Lugdunum , la actual Lyon, era en la época del Imperio Romano la ciudad más grande fuera de Italia y vio nacer a dos emperadores romanos. La ciudad aún cuenta con algunos restos romanos, incluido un teatro. Entre las obras monumentales de este periodo destacan el anfiteatro de Orange, en Vaucluse , la « Maison Carrée » de Nimes , uno de los templos romanos mejor conservados de Europa, la ciudad de Vienne , cerca de Lyon, que cuenta con un templo excepcionalmente bien conservado (el templo de Augusto y Livia), un circo y otros restos, el acueducto del Pont du Gard , también en un estado de conservación excepcional, las ciudades romanas de Glanum y Vaison-la-Romaine , dos arenas galorromanas intactas en Nimes y Arles , así como las termas romanas y la arena de París .
El arte merovingio es el arte y la arquitectura de la dinastía merovingia de los francos , que duró desde el siglo V hasta el siglo VIII en la actual Francia y Alemania . La llegada de la dinastía merovingia a la Galia durante el siglo V condujo a cambios importantes en las artes. En arquitectura, ya no existía el deseo de construir edificios robustos y armoniosos. La escultura retrocedió a ser poco más que una simple técnica para la ornamentación de sarcófagos , altares y mobiliario eclesiástico. Por otro lado, el auge de la orfebrería y la iluminación de manuscritos provocó un resurgimiento de la decoración celta , que, con contribuciones cristianas y de otros tipos, constituye la base del arte merovingio. La unificación del reino franco bajo Clodoveo I (465-511) y sus sucesores, correspondió con la necesidad de construir iglesias. Los planos para ellas probablemente fueron copiados de las basílicas romanas . Desafortunadamente, estas estructuras de madera no han sobrevivido debido a la destrucción causada por el fuego, ya sea accidental o causado por los normandos en el momento de sus incursiones.
El arte carolingio es el período de aproximadamente 120 años que va desde el año 750 al 900, durante el reinado de Carlos Martel , Pipino el Joven , Carlomagno y sus herederos inmediatos, conocido popularmente como el Renacimiento carolingio . La era carolingia es el primer período del movimiento artístico medieval conocido como prerrománico . Por primera vez, los reyes del norte de Europa patrocinaron las formas de arte romano mediterráneo clásico, mezclando formas clásicas con las germánicas, creando innovaciones completamente nuevas en el dibujo de líneas de figurillas y preparando el escenario para el surgimiento del arte románico y, eventualmente, el arte gótico en Occidente.
De este período se conservan manuscritos iluminados, trabajos en metal, esculturas de pequeño formato, mosaicos y frescos. Los carolingios también emprendieron importantes campañas de construcción arquitectónica en numerosas iglesias de Francia, entre ellas las de Metz , Lyon , Vienne , Le Mans , Reims , Beauvais , Verdún , Saint-Germain en Auxerre , Saint-Pierre en Flavigny y Saint-Denis , así como el centro de la ciudad de Chartres . La abadía de Saint-Riquier ( Somme ) de Centula, terminada en 788, fue un logro importante de la arquitectura monástica. Otro edificio importante (casi perdido en la actualidad) fue la "Villa de Teodulfo" en Germigny-des-Prés .
Con el fin del dominio carolingio alrededor del año 900, la producción artística se detuvo durante casi tres generaciones. Tras la desaparición del Imperio carolingio, Francia se dividió en varias provincias enfrentadas, sin ningún mecenazgo organizado. El arte francés de los siglos X y XI fue producido por los monasterios locales para promover la alfabetización y la piedad; sin embargo, los estilos primitivos producidos no eran tan sofisticados como las técnicas del período carolingio anterior.
Se desarrollaron múltiples estilos regionales basados en la disponibilidad casual de manuscritos carolingios como modelos para copiar y la disponibilidad de artistas itinerantes. El monasterio de Saint Bertin se convirtió en un centro importante bajo su abad Odbert (986-1007), quien creó un nuevo estilo basado en formas anglosajonas y carolingias. La cercana abadía de Saint Vaast (Pas-de-Calais) también creó una serie de obras importantes. En el suroeste de Francia se produjeron varios manuscritos alrededor del año 1000, en el monasterio de Saint Martial en Limoges , así como en Albi , Figeac y Saint-Sever-de-Rustan en Gascuña . En París, se desarrolló un estilo único en la abadía de Saint-Germain-des-Prés . En Normandía surgió un nuevo estilo en 975. A finales del siglo X, con el movimiento de reforma de Cluny y un espíritu renovado por el concepto de Imperio, la producción artística se reanudó.
El arte románico se refiere al arte de Europa occidental durante un período de ciento cincuenta años, desde aproximadamente el año 1000 d. C. hasta el surgimiento del estilo gótico , que surgió a mediados del siglo XII en Francia. El "arte románico" estuvo marcado por un renovado interés en las técnicas de construcción romanas. Por ejemplo, los capiteles del siglo XII del claustro de Saint-Guilhem-le-Désert adoptan un motivo de hojas de acanto y el uso decorativo de agujeros perforados, que se encontraban comúnmente en los monumentos romanos. Otros edificios románicos importantes en Francia incluyen la abadía de Saint-Benoît-sur-Loire en Loiret , las iglesias de Saint-Foy en Conques de Aveyron , Saint-Martin en Tours , Saint-Philibert en Tournus de Saône-et-Loire , Saint-Remi en Reims y Saint-Sernin en Toulouse . En particular, Normandía conoció una gran campaña de construcción en las iglesias de Bernay , Mont-Saint-Michel , la catedral de Coutances y Bayeux .
La mayor parte de la escultura románica se integró en la arquitectura de las iglesias, no solo por motivos estéticos, sino también estructurales. La escultura a pequeña escala durante el período prerrománico estuvo influenciada por la escultura bizantina y paleocristiana . Otros elementos se adoptaron de varios estilos locales de los países de Oriente Medio. Los motivos se derivaron de las artes de los "bárbaros", como figuras grotescas, bestias y patrones geométricos, que fueron adiciones importantes, particularmente en las regiones al norte de los Alpes. Entre las obras escultóricas importantes de la época se encuentran las tallas de marfil del monasterio de Saint Gall . La escultura monumental rara vez se practicaba separada de la arquitectura en el período prerrománico. Por primera vez después de la caída del imperio romano, la escultura monumental surgió como una forma de arte significativa. Las fachadas cubiertas de las iglesias , las puertas y los capiteles aumentaron y se expandieron en tamaño e importancia, como en el Tímpano del Juicio Final , Beaulieu-sur-Dordogne , y el Profeta de pie en Moissac . Puertas monumentales, pilas bautismales y candelabros, frecuentemente decorados con escenas de la historia bíblica, fueron fundidos en bronce, lo que da testimonio de las habilidades de los trabajadores del metal de la época. Se aplicaron frescos a las bóvedas y paredes de las iglesias. Se produjeron ricos textiles y objetos preciosos en oro y plata, como cálices y relicarios, en cantidades cada vez mayores para satisfacer las necesidades de la liturgia y servir al culto de los santos. En el siglo XII, la escultura en piedra a gran escala se extendió por toda Europa. En las iglesias románicas francesas de Provenza , Borgoña y Aquitania , las esculturas adornaban las fachadas y se incorporaron estatuas en los capiteles.
El arte y la arquitectura góticos fueron productos de un movimiento artístico medieval que duró unos trescientos años. Comenzó en Francia, desarrollándose a partir del período románico a mediados del siglo XII. A fines del siglo XIV, había evolucionado hacia un estilo más secular y natural conocido como gótico internacional , que continuó hasta fines del siglo XV, cuando evolucionó aún más, hacia el arte renacentista . Los principales medios del arte gótico fueron la escultura , la pintura sobre tabla , las vidrieras , los frescos y los manuscritos iluminados .
La arquitectura gótica nació a mediados del siglo XII en Île-de-France , cuando el abad Suger construyó la abadía de Saint Denis , c. 1140, considerada el primer edificio gótico, y poco después, la catedral de Chartres , c. 1145. Antes de esto, no había habido tradición escultórica en Île-de-France, por lo que se trajeron escultores de Borgoña , que crearon las figuras revolucionarias que actúan como columnas en el Portal occidental (real) de la catedral de Chartres ( ver imagen ): fue una invención completamente nueva en el arte francés, y proporcionaría el modelo para una generación de escultores. Otras iglesias góticas notables en Francia incluyen la catedral de Bourges , la catedral de Amiens , Notre-Dame de Laon , Notre-Dame en París , la catedral de Reims , la Sainte-Chapelle en París y la catedral de Estrasburgo .
Las denominaciones de los estilos en la arquitectura gótica francesa son las siguientes: gótico temprano, gótico alto, radiante y gótico tardío o flamígero . La división en estas divisiones es eficaz, pero discutible. Debido a que las catedrales góticas se construyeron a lo largo de varios períodos sucesivos y los artesanos de cada período no necesariamente siguieron los deseos de los períodos anteriores, el estilo arquitectónico dominante a menudo cambió durante la construcción de un edificio en particular. En consecuencia, es difícil declarar que un edificio pertenece a cierta era de la arquitectura gótica. Es más útil usar los términos como descriptores de elementos específicos dentro de una estructura, en lugar de aplicarlos al edificio en su conjunto.
Las ideas francesas se extendieron. La escultura gótica evolucionó desde el estilo rígido y alargado inicial, todavía en parte románico, hacia un tratamiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del XIII. Las influencias de las esculturas griegas y romanas antiguas supervivientes se incorporaron al tratamiento de los drapeados, la expresión facial y la pose del escultor holandés-borgoñón Claus Sluter , y el gusto por el naturalismo marcó por primera vez el fin de la escultura gótica, evolucionando hacia el estilo renacentista clasicista a finales del siglo XV.
París, la mayor ciudad del mundo occidental en aquella época , se convirtió en un centro líder de producción de objetos lujosos en los siglos XIII y XIV, especialmente pequeñas esculturas de marfil y cofres de marfil con escenas de amor cortés (como el Cofre con escenas de romances del Museo de Arte Walters ). París también se convirtió en uno de los centros más exuberantes de producción de joyas y relicarios preciosos, como el Relicario de la Santa Espina realizado para Juan, duque de Berry , o el Goldenes Rössl de Altötting , realizado para Carlos VI , rey de Francia.
La pintura en un estilo que podría llamarse "gótico" no apareció hasta alrededor de 1200, casi cincuenta años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y de ninguna manera claramente delineada, pero se puede ver el comienzo de un estilo que es más sombrío, oscuro y emocional que el período anterior. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania alrededor de 1220 y en Italia alrededor de 1300. La pintura, la representación de imágenes en una superficie, se practicó durante el período gótico en cuatro artesanías principales, frescos , pinturas sobre tabla , iluminación de manuscritos y vidrieras . Los frescos continuaron utilizándose como la principal artesanía narrativa pictórica en las paredes de las iglesias en el sur de Europa como una continuación de las tradiciones cristianas y románicas primitivas. En el norte, las vidrieras y la iluminación de manuscritos siguieron siendo la forma de arte dominante hasta el siglo XV.
A finales del siglo XIV y durante el siglo XV, las cortes principescas francesas como las de los duques de Borgoña, el duque de Anjou o el duque de Berry, así como el papa y los cardenales de Aviñón emplearon a pintores de renombre, como los hermanos Limbourg , Barthélemy d'Eyck , Enguerrand Quarton o Jean Fouquet , que desarrollaron el llamado estilo gótico internacional que se extendió por Europa e incorporó la nueva influencia flamenca, así como las innovaciones de los artistas italianos del primer Renacimiento. El norte de Francia también fue el principal centro europeo de producción de manuscritos iluminados . Los manuscritos iluminados representan el registro más completo de la pintura gótica, proporcionando un registro de estilos en lugares donde de otro modo no han sobrevivido obras monumentales.
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Los primeros manuscritos completos con ilustraciones góticas francesas datan de mediados del siglo XIII. [9] Muchos de estos manuscritos iluminados eran biblias reales, aunque los salterios también incluían ilustraciones; el Salterio parisino de San Luis , que data de 1253 a 1270, presenta 78 iluminaciones a página completa en pintura al temple y pan de oro. [10]
Los manuscritos iluminados prosperaron sobre todo en el siglo XV, gracias a las numerosas cortes ducales que llegaron al poder en Francia en esa época. En el siglo XV, estos preciosos libros pintados eran realizados generalmente por pintores flamencos de los Países Bajos borgoñones (entonces bajo el dominio francés de los duques de Borgoña) o pintores franceses al servicio de las principales cortes principescas (la corte del rey en París, pero también las cortes ducales de Borgoña, Anjou, Berry, Borbón, Orleans y Bretaña). El propio René , rey de Sicilia y duque de Anjou, fue un escritor de novelas de amor cortés y encargó a los mejores artistas que decoraran sus propios escritos con elaboradas pinturas, como el Livre du cœur d'Amour épris iluminado por Barthélémy d'Eyck. Los hermanos Limbourg fueron los autores de las Muy ricas horas del duque de Berry , considerada la obra maestra de los manuscritos góticos internacionales, realizada para el duque de Berry, hermano del rey Carlos V.
A finales del siglo XV, la invasión francesa de Italia y la proximidad de la vibrante corte de Borgoña , con sus conexiones flamencas, pusieron a los franceses en contacto con los bienes, las pinturas y el espíritu creativo del Renacimiento del norte y de Italia . Los cambios artísticos iniciales en esa época en Francia fueron ejecutados por artistas italianos y flamencos, como Jean Clouet y su hijo François Clouet , junto con los italianos Rosso Fiorentino , Francesco Primaticcio y Niccolò dell'Abbate de lo que a menudo se llama la primera Escuela de Fontainebleau a partir de 1531. Leonardo da Vinci también fue invitado a Francia por Francisco I, pero aparte de las pinturas que trajo consigo, produjo poco para el rey francés.
El arte del período que va desde Francisco I hasta Enrique IV suele estar fuertemente inspirado en los últimos desarrollos pictóricos y escultóricos italianos, comúnmente conocidos como manierismo , que se asocia con las obras posteriores de Miguel Ángel y Parmigianino , entre otros. Se caracteriza por figuras alargadas y gráciles que se basan en la retórica visual , incluido el uso elaborado de la alegoría y la mitología . Quizás el mayor logro del Renacimiento francés fue la construcción de los castillos del valle del Loira . Ya no se concibieron como fortalezas, estos palacios de placer aprovecharon la riqueza de los ríos y las tierras de la región del Loira y muestran una notable habilidad arquitectónica.
Algunos arquitectos franceses importantes que adoptaron el estilo renacentista son Pierre Lescot , que reconstruyó una parte del palacio del Louvre para el rey, Philibert Delorme , Jean Bullant y Jacques I Androuet du Cerceau .
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La escultura tuvo un gran desarrollo en Francia durante el Renacimiento y se ha conservado mejor que la pintura. Aunque Francesco Laurana trabajó en Francia durante un breve período de tiempo a finales del siglo XV, no fue hasta principios del siglo XVI cuando el estilo italiano se hizo predominante en Francia, después de que comenzaran las guerras italianas . En escultura, la llegada de la familia Giusto , que siguió a Luis XII en Francia en 1504, fue fundamental. Más tarde, otro escultor italiano importante que trabajó en la corte fue Benvenuto Cellini , que trabajó para Francisco I desde 1540 e importó el estilo manierista a Francia (un ejemplo es la Ninfa de Fontainebleau ). Los principales escultores franceses de la época son Michel Colombe , responsable de la Tumba de Francisco II, duque de Bretaña en Nantes, que tuvo la oportunidad de trabajar junto a los hermanos Giusto. Junto con Colombe, Jean Goujon y Germain Pilon son considerados los mejores escultores franceses de la época, trabajando en un elaborado estilo manierista. Otra figura importante de la época es Pierre Bontemps . La región de Champaña, en torno a Troyes , pero también el valle del Loira y Normandía eran importantes centros regionales de escultura. En el ducado de Lorena y Bar, apareció una figura regional pero de gran talento: Ligier Richier .
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El siglo XVII marcó una época dorada para el arte francés en todos los campos. A principios del siglo XVII, las tendencias del manierismo tardío y del barroco temprano continuaron floreciendo en la corte de María de Médici y Luis XIII . El arte de este período muestra influencias tanto del norte de Europa, a saber, las escuelas holandesa y flamenca, como de los pintores romanos de la Contrarreforma . Los artistas en Francia debatían con frecuencia los méritos contrastantes de Peter Paul Rubens con su barroco flamenco, líneas y colores voluptuosos, hasta Nicolas Poussin con su control racional, proporción, estilo barroco clasicista romano. Otro defensor del clasicismo que trabajó en Roma fue Claude Gellée , conocido como Le Lorrain, quien definió la forma del paisaje clásico.
Muchos jóvenes pintores franceses de principios de siglo fueron a Roma para formarse y pronto asimilaron la influencia de Caravaggio , por ejemplo Valentin de Boulogne y Simon Vouet . A este último se le atribuye el mérito de introducir el barroco en Francia y a su regreso a París en 1627 fue nombrado primer pintor del rey. Pero la pintura francesa pronto se apartó de la extravagancia y el naturalismo del barroco italiano, y pintores como Eustache Le Sueur y Laurent de La Hyre , siguiendo el ejemplo de Poussin, desarrollaron un estilo clasicista conocido como Aticismo parisino , inspirado en la Antigüedad, y centrado en la proporción, la armonía y la importancia del dibujo. Incluso Vouet, tras su regreso de Italia, cambió su estilo a un estilo más medido pero todavía muy decorativo y elegante.
Pero al mismo tiempo, todavía existía una fuerte escuela barroca caravaggista , representada en la época por las sorprendentes pinturas a la luz de las velas de Georges de La Tour . Los miserables y los pobres fueron representados de manera casi holandesa en las pinturas de los tres hermanos Le Nain . En las pinturas de Philippe de Champaigne hay retratos propagandísticos del ministro de Luis XIII, el cardenal Richelieu , y otros retratos más contemplativos de personas de la secta católica jansenista .
En arquitectura, arquitectos como Salomon de Brosse , François Mansart y Jacques Lemercier ayudaron a definir la forma francesa del barroco, desarrollando la fórmula del hôtel particulier urbano que influiría en toda Europa y se apartó fuertemente del equivalente italiano, el palazzo . Muchos castillos aristocráticos fueron reconstruidos en el nuevo estilo clásico-barroco, algunos de los más famosos fueron Maisons y Cheverny , caracterizados por altos techos "a la francesa" y una forma que conservaba el modelo medieval del castillo adornado con prominentes torres.
Desde mediados hasta finales del siglo XVII, el arte francés se conoce más a menudo con el término "clasicismo", que implica una adhesión a ciertas reglas de proporción y sobriedad poco características del barroco, tal como se practicaba en la mayor parte del resto de Europa durante el mismo período. Bajo el reinado de Luis XIV , el barroco tal como se practicaba en Italia no era del gusto francés; por ejemplo, la famosa propuesta de Bernini para rediseñar el Louvre fue rechazada por Luis XIV.
A través de la propaganda , las guerras y las grandes obras arquitectónicas, Luis XIV puso en marcha un vasto programa diseñado para la glorificación de Francia y de su nombre. El Palacio de Versalles , inicialmente un pequeño pabellón de caza construido por su padre, fue transformado por Luis XIV en un maravilloso palacio para fiestas y festejos, bajo la dirección de los arquitectos Louis Le Vau (que también había construido el castillo de Vaux-le-Vicomte ) y Jules Hardouin Mansart (que construyó la iglesia de los Inválidos en París), el pintor y diseñador Charles Le Brun , y el arquitecto paisajista André Le Nôtre que perfeccionó la forma racional del jardín francés que a partir de Versalles se extendió por toda Europa.
El reinado de Luis XIV también fue un momento importante para la escultura gracias a la protección que el rey dio a artistas como Pierre Puget , François Girardon o Antoine Coysevox . En Roma, Pierre Legros , que trabajaba en un estilo más barroco, fue uno de los escultores más influyentes de finales de siglo.
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El rococó y el neoclasicismo son términos utilizados para describir las artes visuales, plásticas y arquitectónicas en Europa desde principios del siglo XVIII hasta finales del siglo XVIII. En Francia, la muerte de Luis XIV en 1715 dio lugar a un período de libertad comúnmente llamado la Régence . Versalles fue abandonado de 1715 a 1722, el joven rey Luis XV y el gobierno dirigido por el duque de Orleans residieron en París. Allí surgió un nuevo estilo en las artes decorativas, conocido como rocaille : la asimetría y el dinamismo del barroco se mantuvieron pero se renovaron en un estilo menos retórico y con efectos menos pomposos, una investigación más profunda de la artificialidad y el uso de motivos inspirados en la naturaleza. Esta manera utilizada para decorar habitaciones y muebles también existió en la pintura. La pintura rocaille se inclinó hacia temas más ligeros, como las "fêtes galantes", los escenarios teatrales, las agradables narraciones mitológicas y el desnudo femenino. La mayoría de las veces se omiten los aspectos moralizantes de los mitos o las pinturas históricas y se pone el acento en el aspecto decorativo y agradable de las escenas representadas. Las pinturas de la época muestran un énfasis más en el color que en el dibujo, con pinceladas aparentes y escenas muy coloridas. Entre los pintores franceses importantes de este período se encuentran Antoine Watteau , considerado el inventor de la fête galante , Nicolas Lancret y François Boucher , conocido por sus suaves escenas pastorales y galantes. La pintura de retratos al pastel se puso particularmente de moda en Europa en esa época y Francia fue el principal centro de actividad de los pastelistas, con las figuras destacadas de Maurice Quentin de La Tour , Jean-Baptiste Perronneau y el suizo Jean-Étienne Liotard .
El estilo de decoración Luis XV , aunque ya se apreciaba al final del último reinado, era más ligero, con colores pastel, paneles de madera, habitaciones más pequeñas, menos dorados y menos brocados; predominaban las conchas, las guirnaldas y los ocasionales temas chinos. Las manufacturas de Chantilly , Vincennes y luego Sèvres produjeron algunas de las mejores porcelanas de la época. Los altamente cualificados ébénistes , ebanistas en su mayoría afincados en París, crearon elaboradas piezas de mobiliario con maderas preciosas y adornos de bronce que serían muy elogiadas e imitadas en toda Europa. Los más famosos son Jean-François Oeben , que creó el escritorio de trabajo del rey Luis XV en Versalles, Bernard II van Risamburgh y Jean-Henri Riesener . Los artistas altamente cualificados, llamados ciseleur-doreurs , se especializaron en adornos de bronce para muebles y otras piezas de artes decorativas; los más famosos fueron Pierre Gouthière y Pierre-Philippe Thomire . Los talentosos plateros como Thomas Germain y su hijo François-Thomas Germain crearon elaborados servicios de platería que fueron muy elogiados por las diversas realezas de Europa. Las habitaciones de los castillos y los hoteles particulares eran más íntimas que durante el reinado de Luis XIV y estaban decoradas con boiseries de estilo rocalla (paneles de madera tallada que cubren las paredes de una habitación) concebidos por arquitectos como Germain Boffrand y Gilles-Marie Oppenord u ornemanistas (diseñadores de objetos decorativos) como Juste-Aurèle Meissonnier .
Los arquitectos más destacados de la primera mitad del siglo fueron, además de Boffrand, Robert de Cotte y Ange-Jacques Gabriel , que diseñaron plazas públicas como la Place de la Concorde en París y la Place de la Bourse en Burdeos en un estilo conscientemente inspirado en el de la época de Luis XIV. Durante la primera mitad del siglo, Francia sustituyó a Italia como centro artístico y principal influencia artística en Europa y muchos artistas franceses trabajaron en otras cortes del continente.
La segunda mitad del siglo XVIII siguió siendo testigo de la preeminencia francesa en Europa, en particular en las artes y las ciencias, y se esperaba que los miembros de las cortes europeas hablaran el idioma francés . El sistema académico francés siguió produciendo artistas, pero algunos, como Jean-Honoré Fragonard y Jean-Baptiste-Siméon Chardin , exploraron estilos de pintura nuevos y cada vez más impresionistas con pinceladas gruesas. Aunque la jerarquía de géneros siguió respetándose oficialmente, la pintura de género , el paisaje , el retrato y la naturaleza muerta estaban muy de moda. Chardin y Jean-Baptiste Oudry fueron aclamados por sus naturalezas muertas, aunque oficialmente se consideraba que este era el género más bajo de todos en la jerarquía de temas de pintura.
En este período también se encuentra un aspecto prerromántico . Son típicas en este sentido las imágenes de ruinas de Hubert Robert , inspiradas en los caprichos italianos , así como la imagen de tormentas y marinos a la luz de la luna de Claude Joseph Vernet . También el paso del jardín francés racional y geométrico de André Le Nôtre al jardín inglés , que enfatizaba artificialmente la naturaleza salvaje e irracional. En algunos de estos jardines también se encuentran curiosas ruinas de templos llamados "follies".
La segunda mitad del siglo XVIII vio un giro hacia el neoclasicismo en Francia, es decir, un uso consciente de las formas y la iconografía griegas y romanas . Este movimiento fue promovido por intelectuales como Diderot, en reacción a la artificialidad y la esencia decorativa del estilo rocalla . En pintura, el mayor representante de este estilo es Jacques-Louis David , quien, reflejando los perfiles de los vasos griegos, enfatizó el uso del perfil. Su temática a menudo involucraba la historia clásica como la muerte de Sócrates y Bruto. La dignidad y la temática de sus pinturas se inspiraron en gran medida en las obras de Nicolas Poussin del siglo XVII. Poussin y David fueron a su vez grandes influencias para Jean Auguste Dominique Ingres . Otros pintores neoclásicos importantes de la época son Jean-Baptiste Greuze , Joseph-Marie Vien y, en el género del retrato, Élisabeth Louise Vigée Le Brun . El neoclasicismo también penetró en las artes decorativas y la arquitectura.
Arquitectos como Ledoux y Boullée desarrollaron un estilo radical de arquitectura neoclásica basada en formas geométricas simples y puras con una búsqueda de simetría y armonía, elaborando proyectos visionarios, como por ejemplo el complejo de las Salinas de Arc-et-Senans de Ledoux, un modelo de fábrica ideal desarrollado a partir de los conceptos racionales de los pensadores de la Ilustración .
La Revolución Francesa y las guerras napoleónicas trajeron grandes cambios a las artes en Francia. El programa de exaltación y creación de mitos que acompañaba al emperador Napoleón I de Francia estuvo estrechamente coordinado en las pinturas de David, Gros y Guérin. Jean-Auguste-Dominique Ingres fue la figura principal del neoclasicismo hasta la década de 1850 y un destacado maestro, dando prioridad al dibujo sobre el color. Mientras tanto, el orientalismo , los motivos egipcios, el antihéroe trágico , el paisaje salvaje, la novela histórica y las escenas de la Edad Media y el Renacimiento —todos estos elementos del Romanticismo— crearon un período vibrante que desafía una clasificación fácil. El pintor romántico más importante de la época fue Eugène Delacroix, que tuvo una exitosa carrera pública y fue el principal oponente de Ingres. Antes de él, Théodore Géricault abrió el camino al romanticismo con su monumental Balsa de la Medusa expuesta en el Salón de 1819. Camille Corot intentó escapar de la forma convencional e idealizada de la pintura de paisaje influenciada por el clasicismo para ser más realista y sensible a las variaciones atmosféricas al mismo tiempo.
Las tendencias románticas continuaron durante todo el siglo; tanto la pintura de paisajes idealizados como el realismo tienen sus semillas en el Romanticismo. La obra de Gustave Courbet y la escuela de Barbizon son desarrollos lógicos de ella, al igual que el simbolismo de finales del siglo XIX de pintores como Gustave Moreau , profesor de Henri Matisse y Georges Rouault , así como Odilon Redon .
La pintura académica desarrollada en la Escuela de Bellas Artes fue la que tuvo más éxito entre el público y el Estado: pintores de gran formación como Jean-Léon Gérôme , William Bouguereau y Alexandre Cabanel pintaron escenas históricas inspiradas en la antigüedad, siguiendo los pasos de Ingres y los neoclásicos. Aunque los jóvenes pintores de vanguardia y los críticos los criticaron por su convencionalismo, los pintores académicos más talentosos renovaron el género histórico, inspirándose en múltiples culturas y técnicas, como Oriente y los nuevos encuadres que posibilitó la invención de la fotografía.
Para muchos críticos, Édouard Manet escribió sobre el siglo XIX y el período moderno (de forma muy similar a lo que hace Charles Baudelaire en poesía). Su redescubrimiento de la pintura española de la edad de oro, su disposición a mostrar el lienzo sin pintar, su exploración del desnudo directo y sus pinceladas radicales son los primeros pasos hacia el impresionismo. El impresionismo llevaría a la escuela de Barbizon un paso más allá, rechazando de una vez por todas un estilo elaborado y el uso de colores mixtos y negro, en favor de frágiles efectos transitivos de luz capturados al aire libre con luz cambiante (en parte inspirados en las pinturas de JMW Turner y Eugène Boudin ). Condujo a Claude Monet con sus catedrales y almiares, Pierre-Auguste Renoir con sus primeros festivales al aire libre y su posterior estilo plumoso de desnudos rojizos, y Edgar Degas con sus bailarinas y bañistas. Otros impresionistas importantes fueron Alfred Sisley , Camille Pissarro y Gustave Caillebotte .
Una vez cruzado ese umbral, los siguientes treinta años se convirtieron en una letanía de experimentos asombrosos. Vincent van Gogh , nacido en Holanda, pero residente en Francia, abrió el camino al expresionismo . Georges Seurat , influenciado por la teoría del color, ideó una técnica puntillista que rigió el experimento impresionista y fue seguida por Paul Signac . Paul Cézanne , pintor de pintores, intentó una exploración geométrica del mundo, que dejó indiferentes a muchos de sus compañeros. Paul Gauguin , banquero, encontró el simbolismo en Bretaña junto con Émile Bernard , y luego el exotismo y el primitivismo en la Polinesia Francesa . A estos pintores se les denominó postimpresionistas . Les Nabis , un movimiento de la década de 1890, que incluía a pintores como Paul Sérusier , Pierre Bonnard , Édouard Vuillard y Maurice Denis , se vio influenciado por el ejemplo de Gauguin en Bretaña: exploraron un arte decorativo en llanuras planas con el enfoque gráfico de una estampa japonesa. Predicaban que una obra de arte es el producto final y la expresión visual de la síntesis de la naturaleza que hace un artista en metáforas y símbolos estéticos personales. Henri Rousseau , el autodidacta y aficionado director de correos, se convirtió en el modelo de la revolución ingenua.
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Los primeros años del siglo XX estuvieron dominados por los experimentos en color y contenido que habían desatado el impresionismo y el posimpresionismo . Los productos del lejano oriente también aportaron nuevas influencias. Casi al mismo tiempo, los fauvistas ( Henri Matisse , André Derain , Maurice de Vlaminck , Albert Marquet , Raoul Dufy , Othon Friesz , Charles Camoin , Henri Manguin ) explotaron en color, de forma muy similar al expresionismo alemán .
El descubrimiento de máscaras tribales africanas por parte de Pablo Picasso , un español residente en París, lo llevó a crear Les Demoiselles d'Avignon de 1907. Trabajando independientemente, Picasso y Georges Braque retomaron y refinaron la forma de Cézanne de comprensión racional de los objetos en un medio plano; sus experimentos en el cubismo también los llevarían a integrar todos los aspectos y objetos de la vida cotidiana, collages de periódicos, instrumentos musicales, cigarrillos, vino y otros objetos en sus obras. El cubismo en todas sus fases dominaría las pinturas de Europa y América durante los siguientes diez años. (Véase el artículo sobre el cubismo para una discusión completa.)
La Primera Guerra Mundial no detuvo la dinámica creación artística en Francia. En 1916 un grupo de descontentos se reunió en un bar de Zúrich, el Cabaret Voltaire , y crearon el gesto más radical posible, el antiarte del Dadaísmo . Al mismo tiempo, Francis Picabia y Marcel Duchamp exploraban nociones similares. En una exposición de arte de 1917 en Nueva York , Duchamp presentó un urinario de porcelana blanca ( Fountain ) firmado por R. Mutt como obra de arte, convirtiéndose en el padre del ready-made .
Cuando el dadaísmo llegó a París, fue acogido con avidez por un grupo de jóvenes artistas y escritores fascinados por los escritos de Sigmund Freud , en particular por su noción de la mente inconsciente . El espíritu provocador del dadaísmo se vinculó a la exploración de la mente inconsciente mediante el uso de la escritura automática , las operaciones aleatorias y, en algunos casos, los estados alterados. Los surrealistas rápidamente se volcaron a la pintura y la escultura. El impacto de elementos inesperados, el uso del frottage , el collage y la calcomanía , la representación de paisajes misteriosos e imágenes oníricas se convertirían en las técnicas clave durante el resto de la década de 1930.
Immediately after this war the French art scene diverged roughly in two directions. There were those who continued in the artistic experiments from before the war, especially surrealism, and others who adopted the new Abstract Expressionism and action painting from New York, executing them in a French manner using Tachism or L'art informel. Parallel to both of these tendencies, Jean Dubuffet dominated the early post-war years while exploring childlike drawings, graffiti, and cartoons in a variety of media.
Between the two world wars, an art movement known as the École de Paris (School Of Paris), flourished. Centered in Paris, the movement gave rise to a unique form of Expressionist Art. It included many foreign and French artists, many of whom were Jewish; these artists were primarily centered in Montparnasse.[11] These Jewish artists played a significant role in the École de Paris, several had sought refuge in Paris from Eastern Europe escaping persecution and pogroms.[12] Prominent figures such as Marc Chagall, Jules Pascin, Chaïm Soutine, Isaac Frenkel Frenel, Amedeo Modigliani, and Abraham Mintchine were among notable contributors to the movement in France and abroad.[13][14][15] These artists often depicted Jewish themes in their work, imbuing it with intense emotional tones.[16]
The term "l’École de Paris," coined in 1925 to counter xenophobia, acknowledged the foreign, often Jewish, artists. However, the Nazi occupation led to the tragic loss of Jewish artists during the Holocaust, resulting in the decline of the School of Paris as some artists left or fled to Israel or the United States.[12][17][13][11]
The late 1950s and early 1960s in France saw art forms that might be considered Pop Art. Yves Klein had attractive nude women roll around in blue paint and throw themselves at canvases. Victor Vasarely invented Op-Art by designing sophisticated optical patterns. Artists of the Fluxus movement such as Ben Vautier incorporated graffiti and found objects into their work. Niki de Saint Phalle created bloated and vibrant plastic figures. Arman gathered together found objects in boxed or resin-coated assemblages, and César Baldaccini produced a series of large compressed object-sculptures. César Baldaccini was a prominent French sculptor of the 1960s, who created large waste sculptures by compressing discarded materials, for instance, automobiles, metal, rubbish, and domestic objects.[18]
In May 1968, the radical youth movement, through their atelier populaire, produced a great deal of poster-art protesting the moribund policies of president Charles de Gaulle.
Many contemporary artists continue to be haunted by the horrors of the Second World War and the specter of the Holocaust. Christian Boltanski's harrowing installations of the lost and the anonymous are particularly powerful.
(alphabetically by city)
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French words and expressions dealing with the arts:
Specific
" l'École de Paris is a term coined by the art critic André Warnod in 1925, in the magazine Comœdia, to define the group formed by foreign painters in Paris. The École de Paris does not designate a movement or a school in the academic sense of the term, but a historical fact. In Warnod's mind, this term was intended to counter a latent xenophobia rather than to establish a theoretical approach.
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