James Abbott McNeill Whistler RBA ( 10 de julio de 1834 - 17 de julio de 1903) fue un pintor y grabador estadounidense , activo durante la Edad Dorada estadounidense y radicado principalmente en el Reino Unido. Evitaba el sentimentalismo y la alusión moral en la pintura y fue un destacado defensor del credo " el arte por el arte ".
Su firma para sus pinturas tomó la forma de una mariposa estilizada con un aguijón largo añadido a modo de cola. [1] El símbolo combinaba ambos aspectos de su personalidad: su arte está marcado por una delicadeza sutil, mientras que su personaje público era combativo. Encontró un paralelismo entre la pintura y la música, y tituló muchas de sus pinturas "arreglos", "armonías" y "nocturnos" , enfatizando la primacía de la armonía tonal. [2] Su pintura más famosa, Arreglo en gris y negro n.º 1 (1871), comúnmente conocida como La madre de Whistler , es un retrato reverenciado y a menudo parodiado de la maternidad. Whistler influyó en el mundo del arte y la cultura más amplia de su tiempo con sus teorías estéticas y sus amistades con otros artistas y escritores destacados. [3]
James Abbott Whistler nació en Lowell, Massachusetts , el 10 de julio de 1834, [4] [5] [6] el primer hijo de Anna McNeill Whistler y George Washington Whistler , y el hermano mayor del cirujano confederado William McNeill Whistler . [ cita requerida ]
En años posteriores, Whistler destacó la conexión de su madre con el sur de Estados Unidos y sus raíces, y se presentó como un aristócrata sureño empobrecido , aunque no está claro hasta qué punto simpatizaba realmente con la causa sureña durante la Guerra Civil estadounidense . Adoptó el apellido de soltera de su madre después de su muerte, usándolo como segundo nombre adicional. [7]
Su padre era ingeniero ferroviario y Anna fue su segunda esposa. James vivió los tres primeros años de su vida en una modesta casa en el 243 de Worthen Street en Lowell, Massachusetts. [8] La casa es ahora el Museo de Arte Whistler House , un museo dedicado a él. [9] Durante el juicio a Ruskin, afirmó que San Petersburgo, Rusia, era su lugar de nacimiento: "Naceré cuando y donde quiera, y no elijo nacer en Lowell". [10]
Whistler era un niño temperamental, propenso a los ataques de ira y la insolencia, y a menudo caía en períodos de pereza después de episodios de enfermedad. Sus padres descubrieron que el dibujo a menudo lo tranquilizaba y lo ayudaba a centrar su atención. [11]
La familia se mudó de Lowell a Stonington, Connecticut en 1837, donde su padre trabajaba para el ferrocarril de Stonington . Tres de los hijos de la pareja murieron en la infancia durante este período. [8] Su fortuna mejoró considerablemente en 1839 cuando su padre se convirtió en ingeniero jefe del ferrocarril de Boston y Albany , [12] y la familia construyó una mansión en Springfield, Massachusetts , donde ahora se encuentra el Museo de Historia de Wood . Vivieron en Springfield hasta que dejaron los Estados Unidos para ir a Rusia a fines de 1842. [13]
En 1842, Nicolás I de Rusia contrató a su padre para diseñar un ferrocarril en Rusia. El emperador se enteró del ingenio de George Whistler en la ingeniería del viaducto de Cantón para el ferrocarril de Boston y Albany, y le ofreció un puesto como ingeniero del ferrocarril San Petersburgo-Moscú . El resto de la familia se mudó a San Petersburgo para unirse a él en el invierno de 1842/43. [7]
Después de mudarse a San Petersburgo, el joven Whistler tomó lecciones privadas de arte y luego se inscribió en la Academia Imperial de las Artes a los once años. [10] El joven artista siguió el plan de estudios tradicional de dibujo a partir de moldes de yeso y modelos vivos ocasionales, se deleitó en la atmósfera de charlas de arte con compañeros mayores y complació a sus padres con una nota de primera clase en anatomía. [14] En 1844, conoció al célebre artista Sir William Allan , que llegó a Rusia con el encargo de pintar una historia de la vida de Pedro el Grande . La madre de Whistler anotó en su diario: "El gran artista me comentó: 'Tu pequeño tiene un genio poco común, pero no lo presiones más allá de su inclinación'". [15]
Entre 1847 y 1848, su familia pasó algún tiempo en Londres con parientes, mientras que su padre se quedó en Rusia. El cuñado de Whistler, Francis Haden , un médico que también era artista, estimuló su interés por el arte y la fotografía. Haden llevó a Whistler a visitar coleccionistas y a conferencias, y le regaló un juego de acuarelas con instrucciones. [ cita requerida ]
Whistler ya estaba imaginando una carrera artística. Comenzó a coleccionar libros sobre arte y estudió las técnicas de otros artistas. Cuando Sir William Boxall pintó su retrato en 1848, el joven Whistler exclamó que el retrato era "muy parecido a mí y una imagen muy fina. El señor Boxall es un colorista hermoso... Es una superficie hermosa y cremosa, y se ve muy rica". [16] En su floreciente entusiasmo por el arte, a los quince años, informó a su padre por carta de su futura dirección: "Espero, querido padre, que no te opongas a mi elección". [17] Sin embargo, su padre murió de cólera a la edad de 49 años, y la familia Whistler regresó a la ciudad natal de su madre, Pomfret, Connecticut . [ cita requerida ] [18]
La familia vivía frugalmente y se las arreglaba para sobrevivir con un ingreso limitado. Sus planes artísticos seguían siendo vagos y su futuro incierto. Su primo informó que Whistler en ese momento era "delgado, con un rostro pensativo y delicado, sombreado por suaves rizos castaños... tenía una apariencia y modales algo extranjeros, lo que, ayudado por habilidades naturales, lo hacía muy encantador, incluso a esa edad". [19]
Whistler fue enviado a la escuela Christ Church Hall School con la esperanza de su madre de que se convirtiera en ministro. [20] Whistler rara vez estaba sin su cuaderno de dibujo y era popular entre sus compañeros de clase por sus caricaturas . [21] Sin embargo, quedó claro que una carrera en religión no le convenía, por lo que solicitó ingresar en la Academia Militar de los Estados Unidos en West Point, donde su padre había enseñado dibujo y otros familiares habían asistido. Fue admitido en la institución altamente selectiva en julio de 1851 gracias a su apellido, a pesar de su extrema miopía y su mal historial de salud. [22] Sin embargo, durante los tres años que estuvo allí, sus calificaciones fueron apenas satisfactorias y era un espectáculo lamentable en la instrucción y el vestido, conocido como "Curly" por la longitud de su cabello que excedía las regulaciones. Whistler se rebeló contra la autoridad, soltó comentarios sarcásticos y acumuló deméritos . El coronel Robert E. Lee era el superintendente de West Point y, después de una considerable indulgencia con Whistler, no tuvo más remedio que despedir al joven cadete. El mayor logro de Whistler en West Point fue aprender a dibujar y hacer mapas con el artista estadounidense Robert W. Weir . [20]
Su salida de West Point parece haber sido precipitada por un fracaso en un examen de química en el que se le pidió que describiera el silicio y comenzó diciendo: "El silicio es un gas ". Como él mismo dijo más tarde: "Si el silicio fuera un gas, algún día habría sido general". [23] Sin embargo, una anécdota separada sugiere que la mala conducta en la clase de dibujo fue la razón de la salida de Whistler. [24]
Después de West Point, Whistler trabajó como dibujante cartografiando toda la costa de Estados Unidos con fines militares y marítimos. [25] El trabajo le resultaba aburrido y con frecuencia llegaba tarde o se ausentaba. Pasaba gran parte de su tiempo libre jugando al billar y holgazaneando, siempre estaba en bancarrota y, aunque era un hombre encantador, tenía poca relación con las mujeres. [26] Después de que se descubriera que dibujaba serpientes marinas, sirenas y ballenas en los márgenes de los mapas, fue transferido a la división de grabado del United States Coast Survey . Allí sólo duró dos meses, pero aprendió la técnica del grabado que más tarde resultó valiosa para su carrera. [20]
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En ese momento, Whistler decidió firmemente que el arte sería su futuro. Durante unos meses vivió en Baltimore con un amigo rico, Tom Winans, quien incluso le proporcionó un estudio y algo de dinero para sus gastos. El joven artista hizo algunos contactos valiosos en la comunidad artística y también vendió algunas de sus primeras pinturas a Winans. Whistler rechazó las sugerencias de su madre de seguir otras carreras más prácticas y le informó que, con el dinero de Winans, se disponía a continuar su formación artística en París. Whistler nunca regresó a los Estados Unidos. [27]
Whistler llegó a París en 1855, alquiló un estudio en el Barrio Latino y rápidamente adoptó la vida de un artista bohemio. Pronto tuvo una novia francesa, una modista llamada Héloise. [28] Estudió métodos de arte tradicional durante un corto tiempo en la École Impériale y en el taller de Charles Gleyre . Este último fue un gran defensor de la obra de Ingres , e impresionó a Whistler con dos principios que utilizó durante el resto de su carrera: que la línea es más importante que el color y que el negro es el color fundamental de la armonía tonal. [29] Veinte años después, los impresionistas derrocarían en gran medida esta filosofía, prohibiendo el negro y el marrón como "colores prohibidos" y enfatizando el color sobre la forma. Whistler prefería el estudio autodidacta y disfrutar de la vida de café. [20]
Aunque las cartas que le llegaban desde casa informaban de los esfuerzos de su madre por ahorrar, Whistler gastó con liberalidad, vendió poco o nada en su primer año en París y se encontraba endeudado. [30] Para aliviar la situación, se dedicó a pintar y vender copias de obras del Louvre y finalmente se mudó a un lugar más barato. Por suerte, la llegada a París de George Lucas, otro amigo rico, ayudó a estabilizar las finanzas de Whistler durante un tiempo. A pesar de un respiro financiero, el invierno de 1857 fue difícil para Whistler. Su mala salud, agravada por el exceso de tabaco y alcohol, lo dejó deprimido. [31]
Las condiciones mejoraron durante el verano de 1858. Whistler se recuperó y viajó con su colega artista Ernest Delannoy por Francia y Renania. Más tarde produjo un grupo de grabados conocidos como "El conjunto francés", con la ayuda del maestro impresor francés Auguste Delâtre . Durante ese año, pintó su primer autorretrato, Retrato de Whistler con sombrero , una obra oscura y de trazos gruesos que recuerda a Rembrandt . [10] Pero el evento de mayor importancia ese año fue su amistad con Henri Fantin-Latour , a quien conoció en el Louvre. A través de él, Whistler fue presentado al círculo de Gustave Courbet , que incluía a Carolus-Duran (más tarde maestro de John Singer Sargent ), Alphonse Legros y Édouard Manet . [20]
También en este grupo estaba Charles Baudelaire , cuyas ideas y teorías del arte "moderno" influyeron en Whistler. Baudelaire desafió a los artistas a examinar la brutalidad de la vida y la naturaleza y a retratarla fielmente, evitando los viejos temas de la mitología y la alegoría. [32] Théophile Gautier , uno de los primeros en explorar las cualidades de traducción entre el arte y la música, puede haber inspirado a Whistler a ver el arte en términos musicales. [33]
Reflejando el estandarte del movimiento artístico del Realismo de su círculo adoptivo , Whistler pintó su primera obra expuesta, La Mère Gérard en 1858. A continuación pintó Al piano en 1859 en Londres, que adoptó como su hogar, mientras también visitaba regularmente a amigos en Francia. Al piano es un retrato compuesto por su sobrina y su madre en su sala de música de Londres, un esfuerzo que mostró claramente su talento y promesa. Un crítico escribió: "[a pesar de] un estilo temerariamente audaz y un esbozo del tipo más salvaje y rudo, [tiene] un sentimiento genuino por el color y un espléndido poder de composición y diseño, que evidencian una apreciación justa de la naturaleza muy poco común entre los artistas". [34] La obra no es sentimental y contrasta eficazmente a la madre en negro y a la hija en blanco, con otros colores mantenidos restringidos de la manera aconsejada por su maestro Gleyre . Se exhibió en la Royal Academy al año siguiente y en muchas exposiciones posteriores. [33]
En una segunda pintura realizada en la misma sala, Whistler demostró su inclinación natural hacia la innovación y la novedad al crear una escena de género con una composición y un escorzo inusuales. Más tarde se tituló Harmony in Green and Rose: The Music Room . [35] Esta pintura también demostró el patrón de trabajo continuo de Whistler, especialmente con los retratos: un comienzo rápido, ajustes importantes, un período de abandono y luego una ráfaga final hasta el final. [34]
Tras un año en Londres, en 1860 produjo una serie de grabados al aguafuerte llamada Thames Set, como contrapunto a su serie francesa de 1858, así como algunas obras impresionistas tempranas, entre ellas El Támesis en el hielo . En esta etapa, estaba empezando a establecer su técnica de armonía tonal basada en una paleta limitada y predeterminada. [36]
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En 1861, después de regresar a París por un tiempo, Whistler pintó su primera obra famosa, Sinfonía en blanco, n.º 1: La muchacha blanca . El retrato de su amante y gerente comercial Joanna Hiffernan fue creado como un simple estudio en blanco; sin embargo, otros lo vieron de manera diferente. El crítico Jules-Antoine Castagnary pensó que la pintura era una alegoría de la inocencia perdida de una nueva novia. Otros lo relacionaron con La mujer de blanco de Wilkie Collins , una novela popular de la época, o varias otras fuentes literarias. En Inglaterra, algunos lo consideraron una pintura al estilo prerrafaelita . [37] En la pintura, Hiffernan sostiene un lirio en su mano izquierda y está de pie sobre una alfombra de piel de lobo (interpretada por algunos como representación de la masculinidad y la lujuria) con la cabeza del lobo mirando amenazadoramente al espectador. El retrato fue rechazado para su exhibición en la conservadora Royal Academy, pero se mostró en una galería privada bajo el título La mujer de blanco . En 1863, se mostró en el Salón de los Rechazados en París, un evento patrocinado por el emperador Napoleón III para la exposición de obras rechazadas del Salón . [38]
La pintura de Whistler fue ampliamente conocida, aunque eclipsada por la pintura más impactante de Manet Le déjeuner sur l'herbe . Contrarrestando las críticas de los tradicionalistas, los partidarios de Whistler insistieron en que la pintura era "una aparición con un contenido espiritual" y que personificaba su teoría de que el arte debería ocuparse esencialmente de la disposición de los colores en armonía, no de una representación literal del mundo natural. [39]
Dos años más tarde, Whistler pintó otro retrato de Hiffernan en blanco, esta vez mostrando su nuevo interés en los motivos asiáticos, que tituló La pequeña niña blanca . Su Dama de la tierra Lijsen y La pantalla dorada , ambas terminadas en 1864, retratan nuevamente a su amante, con un atuendo y un entorno asiáticos aún más enfáticos. [40]
Durante este período, Whistler se hizo cercano a Gustave Courbet , el líder temprano de la escuela realista francesa, pero cuando Hiffernan modeló desnudo para Courbet, Whistler se enfureció y su relación con Hiffernan comenzó a desmoronarse. [41]
En enero de 1864, la madre de Whistler, muy religiosa y muy educada, llegó a Londres, trastornando la existencia bohemia de su hijo y exacerbando temporalmente las tensiones familiares. Como le escribió a Henri Fantin-Latour : "¡¡Conmoción general!! Tuve que vaciar mi casa y purificarla desde el sótano hasta los aleros". Inmediatamente después, trasladó a Hiffernan a otro lugar. [42]
A partir de 1866, Whistler se instaló en Chelsea, Londres , una zona popular entre los artistas, primero en Cheyne Walk , luego un traslado desafortunado a Tite Street y finalmente a Upper Church Street. [43]
En 1866, Whistler decidió visitar Valparaíso, Chile , un viaje que ha desconcertado a los académicos, aunque Whistler afirmó que lo hizo por razones políticas. Chile estaba en guerra con España y tal vez Whistler pensó que era una lucha heroica de una nación pequeña contra una más grande, pero no hay evidencia que respalde esa teoría. [42] Lo que el viaje produjo fueron las tres primeras pinturas nocturnas de Whistler (que originalmente llamó "luces de luna"): escenas nocturnas del puerto pintadas con una paleta azul o verde claro. [ cita requerida ]
Después de regresar a Londres, pintó varios nocturnos más durante los siguientes diez años, muchos de ellos en el río Támesis y en los jardines de Cremorne , un parque de atracciones famoso por sus frecuentes exhibiciones de fuegos artificiales , que presentaban un nuevo desafío para pintar. En sus nocturnos marítimos, Whistler utilizó pintura muy diluida como base con color ligeramente difuminado para sugerir barcos, luces y la línea de costa. [44] Algunas de las pinturas del Támesis también muestran similitudes compositivas y temáticas con los grabados japoneses de Hiroshige . [45]
En 1872, Whistler atribuyó sus títulos de inspiración musical a su mecenas Frederick Leyland , un músico aficionado devoto de Chopin .
¡No puedo agradecerte lo suficiente el título de Nocturno para mis obras de luz de luna! No tienes idea de la irritación que esto causa a los críticos y el consiguiente placer que me produce a mí. Además, es realmente encantador y dice poéticamente todo lo que quiero decir y nada más de lo que quisiera. [46]
En ese momento, Whistler pintó otro autorretrato y lo tituló Arreglo en gris: retrato del pintor [47] (c. 1872), y también comenzó a cambiar el título de muchas de sus obras anteriores utilizando términos asociados con la música, como " nocturno ", " sinfonía ", " armonía ", " estudio " o " arreglo ", para enfatizar las cualidades tonales y la composición y restar importancia al contenido narrativo. [46] Los nocturnos de Whistler se encontraban entre sus obras más innovadoras. Además, su envío de varios nocturnos al comerciante de arte Paul Durand-Ruel después de la guerra franco-prusiana le dio a Whistler la oportunidad de explicar su "teoría en el arte" en evolución a artistas, compradores y críticos en Francia. [48]
Su buen amigo Fantin-Latour , cada vez más reaccionario en sus opiniones, especialmente en su negatividad respecto de la escuela impresionista emergente, encontró las nuevas obras de Whistler sorprendentes y confusas. Fantin-Latour admitió: "No entiendo nada de eso; es extraño cómo uno cambia. Ya no lo reconozco". Su relación estaba casi a punto de terminar para entonces, pero continuaron compartiendo opiniones en correspondencia ocasional. [49]
Cuando Edgar Degas invitó a Whistler a exponer con la primera muestra de los impresionistas en 1874, Whistler rechazó la invitación, al igual que Manet , y algunos estudiosos atribuyeron esto en parte a la influencia de Fantin-Latour en ambos hombres. [50]
La guerra franco-prusiana de 1870 fragmentó la comunidad artística francesa. Muchos artistas se refugiaron en Inglaterra y se unieron a Whistler, entre ellos Camille Pissarro y Claude Monet , mientras que Manet y Degas se quedaron en Francia. Al igual que Whistler, Monet y Pissarro centraron sus esfuerzos en vistas de la ciudad, y es probable que Whistler estuviera expuesto a la evolución del impresionismo fundado por estos artistas y que hubieran visto sus nocturnos. [51] Whistler se estaba alejando del "maldito realismo" de Courbet y su amistad se había marchitado, al igual que su relación con Joanna Hiffernan. [52]
En 1871, Whistler volvió a los retratos y pronto produjo su pintura más famosa, la figura de cuerpo entero casi monocromática titulada Arreglo en gris y negro n.º 1 , pero generalmente conocida como La madre de Whistler . Un día, según una carta de su madre, no apareció una modelo, por lo que Whistler se dirigió a su madre y le sugirió que le hiciera un retrato. Al principio la hizo estar de pie, en su forma típicamente lenta y experimental, pero eso resultó demasiado agotador, por lo que adoptó la pose sentada. Fueron necesarias docenas de sesiones para completarla. [53]
El retrato austero, en su paleta normalmente limitada, es otro ejercicio de Whistler en armonía tonal y composición. El diseño engañosamente simple es, de hecho, un acto de equilibrio de formas diferentes, en particular los rectángulos de la cortina, el cuadro en la pared y el suelo que estabilizan la curva de su rostro, vestido y silla. Whistler comentó que la narrativa de la pintura tenía poca importancia, [54] pero la pintura también rendía homenaje a su piadosa madre. Después del impacto inicial de que ella se mudara a vivir con su hijo, lo ayudó considerablemente estabilizando un poco su comportamiento, atendiendo sus necesidades domésticas y proporcionando un aura de respetabilidad conservadora que ayudó a ganarse a los mecenas. [53]
El público reaccionó negativamente a la pintura, sobre todo por su simplicidad antivictoriana en una época en Inglaterra en la que el sentimentalismo y la decoración extravagante estaban de moda. Los críticos pensaron que la pintura era un "experimento" fallido en lugar de una obra de arte. La Royal Academy la rechazó, pero luego la aceptó a regañadientes después de la presión ejercida por Sir William Boxall , pero la colgaron en un lugar desfavorable en su exposición. [55]
Desde el principio, La madre de Whistler provocó diversas reacciones, incluidas la parodia, el ridículo y la reverencia, que han continuado hasta hoy. Algunos la vieron como "el sentimiento digno de la vejez", "un grave sentimiento de duelo" o un "símbolo perfecto de la maternidad"; otros la emplearon como un vehículo apropiado para la burla. Ha sido satirizada en infinitas variaciones en tarjetas de felicitación y revistas, y por personajes de dibujos animados como el Pato Donald y Bullwinkle el Alce . [56] Whistler hizo su parte en la promoción de la pintura y popularización de la imagen. La exhibió con frecuencia y autorizó las primeras reproducciones que llegaron a miles de hogares. [57] La pintura escapó por poco de ser quemada en un incendio a bordo de un tren durante el envío. [55] Finalmente fue comprada por el gobierno francés, la primera obra de Whistler en una colección pública, y ahora se encuentra en el Museo de Orsay en París.
Durante la Gran Depresión en los Estados Unidos, la pintura fue promocionada como una pintura de "un millón de dólares" y fue un gran éxito en la Feria Mundial de Chicago de 1933-1934 . Fue aceptada como un ícono universal de la maternidad por el público mundial, que no era particularmente consciente ni estaba preocupado por las teorías estéticas de Whistler. En reconocimiento a su estatus y popularidad, Estados Unidos emitió un sello postal en 1934 con una adaptación de la pintura. [58]
En 2015, el crítico del New Yorker Peter Schjeldahl escribió que "sigue siendo la obra estadounidense más importante que reside fuera de los Estados Unidos". [59] Martha Tedeschi escribe:
La madre de Whistler , American Gothic de Wood , La Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El grito de Edvard Munch han logrado algo que la mayoría de las pinturas, independientemente de su importancia histórica, belleza o valor monetario, no han logrado: comunicar un significado específico casi de inmediato a casi todos los espectadores. Estas pocas obras han logrado realizar con éxito la transición del ámbito de élite del visitante del museo al enorme ámbito de la cultura popular. [60]
Otros retratos importantes de Whistler incluyen los de Thomas Carlyle (historiador, 1873), Maud Franklin (su amante, 1876), Cicely Alexander (hija de un banquero de Londres, 1873), Lady Meux (persona de la alta sociedad, 1882) y Théodore Duret (crítico, 1884). En la década de 1870, Whistler pintó retratos de cuerpo entero de su benefactor Frederick Leyland y su esposa Frances. Posteriormente, Leyland encargó al artista que decorara su comedor (véase la Sala del pavo real a continuación). [61]
Whistler se había sentido decepcionado por la irregular aceptación de sus obras para las exposiciones de la Royal Academy y por la mala colocación y colocación de sus cuadros. En respuesta, Whistler organizó su primera exposición individual en 1874. Sin embargo, la exposición fue notable y se hizo notar por el diseño y la decoración de la sala, que armonizaba bien con las pinturas, de acuerdo con sus teorías artísticas. Un crítico escribió: "Al entrar en la galería, el visitante se ve sorprendido por una curiosa sensación de armonía y adecuación que la impregna, y tal vez esté más interesado en el efecto general que en una obra en particular". [62]
Whistler no fue un retratista tan exitoso como el otro famoso expatriado estadounidense John Singer Sargent . La técnica sobria de Whistler y su falta de inclinación a adular a sus modelos, así como su notoriedad, pueden explicar esto. También trabajaba muy lentamente y exigía sesiones extraordinariamente largas. William Merritt Chase se quejó de su sesión para un retrato de Whistler: "Resultó ser un verdadero tirano, pintando todos los días hasta el crepúsculo, mientras que a mí me dolían las extremidades de cansancio y mi cabeza daba vueltas mareada. '¡No te muevas! ¡No te muevas!', gritaba cada vez que empezaba a descansar". [63] Cuando ganó una amplia aceptación en la década de 1890, Whistler ya había pasado su mejor momento como retratista. [64]
La manera en que Whistler abordaba el retrato en su madurez tardía fue descrita por uno de sus modelos, Arthur J. Eddy, quien posó para el artista en 1894:
Trabajaba con gran rapidez y durante muchas horas, pero utilizaba colores muy finos y cubría el lienzo con innumerables capas de pintura. Los colores aumentaban en profundidad e intensidad a medida que avanzaba el trabajo. Al principio pintaba toda la figura en tonos pardo grisáceo, con muy poco color carne, todo se mezclaba perfectamente con el pardo grisáceo del lienzo preparado; luego se intensificaba un poco todo el fondo; luego la figura se hacía un poco más fuerte; luego el fondo, y así día tras día y semana tras semana, y a menudo mes tras mes... Y así el retrato realmente crecía, realmente se desarrollaba como un todo, de manera muy similar a como un negativo bajo la acción de los productos químicos sale gradualmente: luz, sombras y todo, desde los primeros indicios tenues hasta sus valores completos. Era como si el retrato estuviera oculto dentro del lienzo y el maestro, al pasar sus varitas día tras día sobre la superficie, evocara la imagen. [65]
Whistler produjo numerosos grabados al aguafuerte, litografías y punta seca . Sus litografías, algunas dibujadas sobre piedra, otras dibujadas directamente sobre papel litográfico, son quizás la mitad de numerosas que sus grabados al aguafuerte. Algunas de las litografías son de figuras ligeramente vestidas; dos o tres de las más bellas son de temas del Támesis, incluido un "nocturno" en Limehouse ; mientras que otras representan el Faubourg Saint-Germain en París y las iglesias georgianas en Soho y Bloomsbury en Londres. [66]
Los grabados incluyen retratos de familia, amantes y escenas íntimas de la calle en Londres y Venecia . [68] Whistler se ganó una enorme reputación como grabador. Martin Hardie escribió "hay algunos que lo colocan al lado de Rembrandt, tal vez por encima de Rembrandt, como el más grande maestro de todos los tiempos. Personalmente, prefiero considerarlos como Júpiter y Venus, los más grandes y brillantes entre los planetas en el cielo del grabador". [69] Tuvo mucho cuidado con la impresión de sus grabados y la elección del papel. Al principio y al final de su carrera, puso gran énfasis en la limpieza de la línea, aunque en un período intermedio experimentó más con el entintado y el uso del tono de la superficie . [70]
La famosa firma de mariposa de Whistler se desarrolló por primera vez en la década de 1860 a partir de su interés por el arte asiático. Estudió las marcas del alfarero en la porcelana que había comenzado a coleccionar y decidió diseñar un monograma con sus iniciales. Con el tiempo, esto evolucionó hasta convertirse en una mariposa abstracta. Hacia 1880, añadió un aguijón a la imagen de la mariposa para crear una marca que representara tanto su naturaleza gentil y sensible como su espíritu provocador y combativo. [71] Tuvo mucho cuidado en la colocación apropiada de la imagen tanto en sus pinturas como en sus marcos hechos a medida. Su enfoque en la importancia del equilibrio y la armonía se extendió más allá del marco a la ubicación de sus pinturas en sus entornos, y más allá del diseño de un elemento arquitectónico completo, como en la Sala del Pavo Real. [48]
Armonía en azul y oro: La habitación del pavo real [72] es la obra maestra de Whistler en el arte mural decorativo de interiores. Pintada entre 1876 y 1877, actualmente se considera un gran ejemplo del estilo anglo-japonés .
Frederick Leyland dejó la habitación al cuidado de Whistler para realizar pequeños cambios, "para armonizar" la habitación cuyo propósito principal era exhibir la colección de porcelana de Leyland. Pintó sobre la habitación original con paneles diseñada por Thomas Jeckyll (1827-1881), en una paleta unificada de brillantes tonos azul verdosos con sobreesmalte y pan de oro metálico. [ cita requerida ]
Sin embargo, Whistler dejó volar su imaginación: "Bueno, ya sabes, simplemente pinté. Seguí adelante, sin diseño ni boceto, poniendo cada toque con tanta libertad... Y la armonía en azul y dorado que se desarrollaba, ya sabes, me olvidé de todo en mi alegría por ello". Pintó completamente sobre los revestimientos de pared de cuero cordobés del siglo XVI que Catalina de Aragón trajo por primera vez a Gran Bretaña y por los que Leyland había pagado £ 1,000. [73]
Después de haber adquirido la pieza central de la sala, la pintura de Whistler de La princesa del país de la porcelana , el industrial y esteta estadounidense Charles Lang Freer compró la sala entera en 1904 a los herederos de Leyland, incluida la hija de Leyland y su esposo, el artista británico Val Prinsep . Luego, Freer hizo instalar el contenido de la Sala del Pavo Real en su mansión de Detroit . Después de la muerte de Freer en 1919, la Sala del Pavo Real se instaló permanentemente en la Galería de Arte Freer en el Smithsonian en Washington, DC. La galería abrió al público en 1923. [74] Una gran caricatura pintada por Whistler de Leyland que lo retrata como un pavo real antropomórfico tocando un piano, y titulada The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre (La costra de oro: erupción en un lucro frívolo), un juego de palabras sobre la tacañería de Leyland y su afición por los frentes de camisa con volantes, se encuentra en la colección permanente de los Museos de Bellas Artes de San Francisco . [75]
En 1877 Whistler demandó al crítico John Ruskin después de que este condenara su pintura Nocturno en negro y oro: el cohete que cae . Whistler exhibió la obra en la Grosvenor Gallery , una alternativa a la exposición de la Royal Academy, junto con obras de Edward Burne-Jones y otros artistas. Ruskin, que había sido un defensor de los prerrafaelistas y de JMW Turner , reseñó la obra de Whistler en su publicación Fors Clavigera el 2 de julio de 1877. Ruskin elogió a Burne-Jones, mientras que atacó a Whistler:
Por el bien del propio señor Whistler, no menos que por la protección del comprador, Sir Coutts Lindsay [fundador de la Galería Grosvenor] no debería haber admitido en la galería obras en las que la presunción mal educada del artista casi rozaba el aspecto de una impostura deliberada. He visto y oído muchas de las desfachateces cockneys antes de ahora, pero nunca esperé oír a un petimetre pedir doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público. [76]
Whistler, al ver el ataque en el periódico, respondió a su amigo George Boughton : "Es el estilo de crítica más degradado que me han lanzado hasta ahora". Luego fue a ver a su abogado y redactó un escrito por difamación , que fue entregado a Ruskin. [77] Whistler esperaba recuperar £1000 más los costos de la acción. El caso llegó a juicio al año siguiente después de los retrasos causados por los episodios de enfermedad mental de Ruskin, mientras que la situación financiera de Whistler seguía deteriorándose. [78] Se llevó a cabo en la División de Hacienda del Tribunal Superior el 25 y 26 de noviembre de 1878, ante el barón Huddleston y un jurado especial. [79] El abogado de John Ruskin, el fiscal general Sir John Holker , interrogó a Whistler:
Holker: "¿Cuál es el tema de Nocturno en negro y oro: El cohete que cae ?"
Whistler: "Es una pieza nocturna y representa los fuegos artificiales en Cremorne Gardens ".
Holker: "¿No hay vistas de Cremorne?"
Whistler: "Si fuera Una vista de Cremorne, sin duda no provocaría más que decepción en los espectadores. Es un montaje artístico. Por eso lo llamo nocturno ..."
Holker: "¿Te llevó mucho tiempo pintar el Nocturno en negro y dorado? ¿Cuánto tiempo tardaste en terminarlo?"
Whistler: "Oh, posiblemente 'haré uno' en un par de días: un día para hacer el trabajo y otro para terminarlo..." [la pintura mide 24 3/4 x 18 3/8 pulgadas]
Holker: "¿El trabajo de dos días es aquello por lo que pides doscientas guineas?"
Whistler: “No, lo pido por el conocimiento que he adquirido en el trabajo de toda una vida”. [80]
Whistler había contado con muchos artistas para que se pusieran de su lado como testigos, pero se negaron, temiendo dañar su reputación. Los otros testigos que lo apoyaron no fueron convincentes y la propia reacción del jurado ante la obra fue despectiva. Con los testigos de Ruskin más impresionantes, incluido Edward Burne-Jones, y con Ruskin ausente por razones médicas, el contraataque de Whistler fue ineficaz. No obstante, el jurado llegó a un veredicto a favor de Whistler, pero otorgó un mero centavo en daños nominales, y las costas judiciales se dividieron. [81] El costo del caso, junto con las enormes deudas de la construcción de su residencia ("The White House" en Tite Street , Chelsea, diseñada con EW Godwin , 1877-8), lo llevaron a la quiebra en mayo de 1879, [82] lo que resultó en una subasta de su obra, colecciones y casa. Stansky [83] señala la ironía de que la Sociedad de Bellas Artes de Londres , que había organizado una colecta para pagar los costos legales de Ruskin, lo apoyó en el grabado de "Las piedras de Venecia" (y en la exhibición de la serie en 1883), lo que ayudó a recuperar los costos de Whistler. [ cita requerida ]
Whistler publicó su relato del juicio en el panfleto Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics , [84] incluido en su posterior The Gentle Art of Making Enemies (1890), en diciembre de 1878, poco después del juicio. La gran esperanza de Whistler de que la publicidad del juicio rescatara su carrera se vio frustrada cuando perdió popularidad entre los mecenas en lugar de ganarla debido a ello. Entre sus acreedores estaba Leyland, que supervisó la venta de las posesiones de Whistler. [85] Whistler hizo varias caricaturas de su antiguo mecenas, incluida una mordaz pintura satírica llamada The Gold Scab , justo después de que Whistler se declarara en quiebra. Whistler siempre culpó a Leyland por su caída financiera. [86]
" Siempre es un placer recordar que, en realidad, el señor Whistler era realmente tímido. Quienes tuvieron el placer de escuchar su primer "Ten O'Clock" deben recordar que, cuando se presentó ante su audiencia, bastante desconcertada y distinguida, hubo unos minutos de pánico escénico muy palpable". – Anna Lea Merritt
La vida de James McNeill Whistler , por ER y J. Pennell, Volumen 2 (1908) [88]
Después del juicio, Whistler recibió un encargo para hacer doce grabados en Venecia . Aceptó con entusiasmo la tarea y llegó a la ciudad con su novia Maud Franklin , alquilándose habitaciones en un palacio en ruinas que compartían con otros artistas, entre ellos John Singer Sargent. [89] Aunque echaba de menos Londres, se adaptó a Venecia y se dedicó a descubrir su carácter. Hizo todo lo posible por distraerse de la penumbra de sus asuntos financieros y de la venta pendiente de todos sus bienes en Sotheby's . Era un invitado habitual en las fiestas del consulado estadounidense y, con su ingenio habitual, encantaba a los invitados con florituras verbales como «la única virtud positiva del artista es la ociosidad, y hay tan pocos que tengan talento para ello». [90]
Sus nuevos amigos informaron, por el contrario, de que Whistler se levantaba temprano y dedicaba todo el día a su trabajo. [91] Escribió a un amigo: «He aprendido a conocer una Venecia en Venecia que los demás nunca parecen haber percibido y que, si la llevo conmigo como me propongo, compensará con creces todas las molestias, los retrasos y las vejaciones del espíritu». [92] El encargo, que duró tres meses, se alargó hasta catorce meses. Durante este período excepcionalmente productivo, Whistler terminó más de cincuenta aguafuertes, varios nocturnos, algunas acuarelas y más de 100 pasteles, que ilustraban tanto los estados de ánimo de Venecia como sus delicados detalles arquitectónicos. [89] Además, Whistler influyó en la comunidad artística estadounidense de Venecia, especialmente en Frank Duveneck (y los «muchachos» de Duveneck) y Robert Blum, que emularon la visión de Whistler de la ciudad y más tarde difundieron sus métodos e influencia en Estados Unidos. [93]
De regreso en Londres, los pasteles se vendieron particularmente bien, y bromeó: "No son tan buenos como suponía. ¡Se están vendiendo!" [94] Se dedicó activamente a exhibir sus otros trabajos, pero con un éxito limitado. Aunque todavía luchaba económicamente, se sintió alentado por la atención y la admiración que recibió de la generación más joven de pintores ingleses y estadounidenses que lo convirtieron en su ídolo y adoptaron con entusiasmo el título de "discípulo de Whistler". Muchos de ellos regresaron a Estados Unidos y difundieron historias sobre el egoísmo provocador de Whistler, su agudo ingenio y sus pronunciamientos estéticos, estableciendo la leyenda de Whistler, para gran satisfacción suya. [94]
En enero de 1881, su madre, Anna Whistler, murió. En su honor, adoptó públicamente su apellido de soltera, McNeill, como segundo nombre. [95]
Whistler publicó su primer libro, Ten O'Clock Lecture, en 1885, una importante expresión de su creencia en el " arte por el arte ". En esa época, reinaba la noción victoriana opuesta, a saber, que el arte, y de hecho gran parte de la actividad humana, tenía una función moral o social. Para Whistler, sin embargo, el arte era su propio fin y la responsabilidad del artista no era hacia la sociedad, sino hacia sí mismo, interpretar a través del arte y no reproducir ni moralizar lo que veía. [96] Además, afirmó: "La naturaleza rara vez tiene razón", y el artista debe mejorarla con su propia visión. [97]
Aunque difería de Whistler en varios puntos, incluida su insistencia en que la poesía era una forma de arte superior a la pintura, [98] Oscar Wilde fue generoso en sus elogios y aclamó la conferencia como una obra maestra:
no sólo por su ingeniosa sátira y sus divertidos chistes... sino por la pura y perfecta belleza de muchos de sus pasajes... por eso es, en mi opinión, uno de los más grandes maestros de la pintura. Y puedo añadir que el propio señor Whistler coincide plenamente con esta opinión. [96]
Whistler, sin embargo, pensó que Oscar Wilde se había burlado de él, y desde entonces, se produjeron enfrentamientos públicos que llevaron a una ruptura total de su amistad, precipitada por un informe escrito por Herbert Vivian . [99] [100] Más tarde, Wilde "asesinó simbólicamente a Whistler", [101] basando a Basil Hallward, el artista asesinado en su novela El retrato de Dorian Gray, en Whistler. [102]
Whistler se unió a la Sociedad de Artistas Británicos en 1884 y el 1 de junio de 1886 fue elegido presidente. Al año siguiente, durante el Jubileo de Oro de la Reina Victoria , Whistler le presentó a la Reina, en nombre de la Sociedad, un elaborado álbum que incluía un largo discurso escrito e ilustraciones que él mismo había realizado. La Reina Victoria admiró tanto "la bella y artística iluminación" que decretó en adelante "que la Sociedad se llamaría Real". Este logro fue ampliamente apreciado por los miembros, pero pronto se vio eclipsado por la disputa que inevitablemente surgió con la Real Academia de las Artes. Whistler propuso que los miembros de la Royal Society se retiraran de la Royal Academy. Esto encendió una disputa dentro de las filas de los miembros que eclipsó todos los demás asuntos de la sociedad. En mayo de 1888, nueve miembros escribieron a Whistler para exigir su renuncia. En la reunión anual del 4 de junio, fue derrotado para la reelección por una votación de 18 a 19, con nueve abstenciones. Whistler y 25 partidarios dimitieron, [103] mientras que la mayoría anti-Whistler (en su opinión) tuvo éxito en purgarlo por sus "excentricidades" y su origen "no inglés". [104]
Cuando su relación con Maud Franklin se desmoronó, Whistler le propuso matrimonio de repente a Beatrice Godwin (también llamada Beatrix o Trixie), una exalumna y viuda de su difunto amigo, el arquitecto Edward William Godwin . A través de su amistad con Godwin, Whistler se había acercado a Beatrice, a quien Whistler pintó en el retrato de cuerpo entero titulado Harmony in Red: Lamplight (GLAHA 46315). [105] [106] En el verano de 1888, Whistler y Beatrice aparecieron en público como pareja. En una cena, Louise Jopling y Henry Labouchère insistieron en que debían casarse antes de fin de semana. [107]
La ceremonia de matrimonio se organizó rápidamente; como miembro del Parlamento, Labouchère hizo arreglos para que el capellán de la Cámara de los Comunes casara a la pareja. [107] No se dio publicidad a la ceremonia para evitar la posibilidad de que una furiosa Maud Franklin interrumpiera la ceremonia de matrimonio. [107] El matrimonio se celebró el 11 de agosto de 1888, y a la ceremonia asistió un reportero del Pall Mall Gazette , de modo que el evento recibió publicidad. La pareja se fue poco después a París, para evitar cualquier riesgo de una escena con Maud. [107]
La reputación de Whistler en Londres y París estaba en aumento y recibió críticas positivas de los críticos y nuevos encargos. [108] Su libro El gentil arte de hacer enemigos se publicó en 1890 con un éxito mixto, pero proporcionó una publicidad útil. [109]
En 1890, conoció a Charles Lang Freer , quien se convirtió en un valioso mecenas en Estados Unidos y, en última instancia, en su coleccionista más importante. [110] En esta época, además del retrato, Whistler experimentó con la fotografía en color temprana y con la litografía , creando una serie que presentaba la arquitectura de Londres y la figura humana, principalmente desnudos femeninos. [111] Contribuyó con las primeras tres de sus litografías Songs of Stone a The Whirlwind , una revista neojacobita publicada por su amigo Herbert Vivian . [112] Whistler había conocido a Vivian a fines de la década de 1880 cuando ambos eran miembros de la Orden de la Rosa Blanca , la primera de las sociedades neojacobitas. [ cita requerida ]
En 1891, con la ayuda de su íntimo amigo Stéphane Mallarmé , el gobierno francés compró La madre de Whistler por 4.000 francos, una cifra mucho menor de la que habría pagado un coleccionista estadounidense, pero que, según los cálculos de Whistler, no habría sido tan prestigiosa. [113]
Tras una recepción indiferente a su exposición individual en Londres, en la que se destacaban principalmente sus nocturnos, Whistler decidió de repente que ya había tenido suficiente de Londres. Él y Trixie se mudaron a París en 1892 y residieron en el n° 110 de la Rue du Bac, París , con su estudio en la parte superior del 86 de la Rue Notre Dame des Champs en Montparnasse . [114] [115]
Se sintió bien recibido por sus viejos amigos parisinos Monet, Auguste Rodin , Henri de Toulouse-Lautrec y Stéphane Mallarmé, y montó un gran estudio. Estaba en la cima de su carrera cuando se descubrió que su esposa Trixie tenía cáncer. Regresaron a Londres en febrero de 1896 y se alojaron en el Hotel Savoy mientras buscaban tratamiento médico. Hizo dibujos en papel de transferencia litográfica de la vista del río Támesis, desde la ventana o el balcón del hotel, mientras estaba sentado con ella. [116] Ella murió unos meses después. [117]
En 1899, Charles Freer presentó a Whistler a su amigo y colega empresario Richard Albert Canfield , quien se convirtió en amigo personal y mecenas de Whistler. Canfield era dueño de varias casas de juego de moda en Nueva York y Rhode Island, incluidas Saratoga Springs y Newport, y también era un hombre de cultura con gustos refinados en arte. Poseía muebles americanos y Chippendale tempranos , tapices, porcelana china y bronces de Barye , y poseía la segunda colección Whistler más grande y más importante del mundo antes de su muerte en 1914. [ cita requerida ]
En mayo de 1901, Canfield encargó un retrato a Whistler; comenzó a posar para el Retrato de Richard A. Canfield (YMSM 547) en marzo de 1902. Según Alexander Gardiner, Canfield regresó a Europa para posar para Whistler en el Año Nuevo de 1903, y posó todos los días hasta el 16 de mayo de 1903. Whistler estaba enfermo y frágil en ese momento y la obra fue su último retrato completo. El engañoso aire de respetabilidad que el retrato le dio a Canfield hizo que Whistler lo llamara "Su Reverencia". Los dos hombres mantuvieron correspondencia desde 1901 hasta la muerte de Whistler. [118] Unos meses antes de su propia muerte, Canfield vendió su colección de aguafuertes, litografías, dibujos y pinturas de Whistler al comerciante de arte estadounidense Roland F. Knoedler por $ 300.000. Tres de las pinturas de Whistler de Canfield cuelgan en el Museo Frick de la ciudad de Nueva York. [ cita requerida ]
En los últimos siete años de su vida, Whistler pintó algunas marinas minimalistas en acuarela y un autorretrato final al óleo. Mantuvo correspondencia con sus numerosos amigos y colegas. Whistler fundó una escuela de arte en 1898, pero su mala salud y sus apariciones poco frecuentes llevaron a su cierre en 1901. [119] Murió en Londres el 17 de julio de 1903, seis días después de su 69.º cumpleaños. [120] Está enterrado en el antiguo cementerio de Chiswick, en el oeste de Londres, junto a la iglesia de San Nicolás, en Chiswick . [121]
Whistler fue el tema de una biografía escrita en 1908 por sus amigos, el matrimonio formado por Joseph Pennell y Elizabeth Robins Pennell , grabador y crítico de arte respectivamente. La vasta colección de material de Whistler de los Pennell fue legada a la Biblioteca del Congreso . [122] Todo el patrimonio del artista quedó en manos de su cuñada Rosalind Birnie Philip . Ella pasó el resto de su vida defendiendo su reputación y administrando su arte y sus efectos personales, muchos de los cuales finalmente fueron donados a la Universidad de Glasgow . [123]
Whistler tenía una apariencia distintiva, bajo y delgado, con ojos penetrantes y un bigote rizado, a menudo luciendo un monóculo y el llamativo atuendo de un dandi. [124] Adoptaba una postura de confianza en sí mismo y excentricidad. A menudo era arrogante y egoísta con sus amigos y mecenas. Era un constante autopromotor y egoísta, y disfrutaba escandalizando a amigos y enemigos. Aunque podía ser gracioso y frívolo sobre cuestiones sociales y políticas, siempre se tomaba en serio el arte y a menudo invitaba a la controversia pública y al debate para defender sus firmes teorías. [3]
Whistler tenía una voz aguda y arrastrada y una manera de hablar única, llena de pausas calculadas. Un amigo dijo: "En un segundo descubres que no está conversando, sino que está esbozando palabras, dando impresiones en sonido y sentido para que el oyente las interprete". [125]
Whistler era conocido por su mordaz ingenio, especialmente en sus intercambios con su amigo y rival Oscar Wilde . Ambos eran figuras de la sociedad de los cafés de París y a menudo eran el tema de conversación de la ciudad. Con frecuencia aparecían como caricaturas en Punch , para su mutua diversión. En una ocasión, el joven Oscar Wilde asistió a una de las cenas de Whistler y, al oír a su anfitrión hacer un comentario brillante, aparentemente dijo: "Ojalá hubiera dicho eso", a lo que Whistler respondió: "¡Lo harás, Oscar, lo harás!". De hecho, Wilde repitió en público muchas ocurrencias creadas por Whistler. [96] Su relación se agrió a mediados de la década de 1880, cuando Whistler se volvió contra Wilde y el Movimiento Estético. Cuando Wilde fue reconocido públicamente como homosexual en 1895, Whistler se burló abiertamente de él. [ cita requerida ]
A Whistler le encantaba preparar y gestionar sus reuniones sociales. Como observó un invitado:
Allí se encontraba lo mejor de la sociedad: gente con cerebro y aquellos que tenían suficiente para apreciarlos. Whistler era un anfitrión inimitable. Le encantaba ser el Sol alrededor del cual giraban las luces menores... Todos caían bajo su influencia y, en consecuencia, nadie se aburría ni se aburría. [126]
En París, Whistler era amigo de miembros del círculo simbolista de artistas, escritores y poetas que incluía a Stéphane Mallarmé [127] y Marcel Schwob . [128] Schwob había conocido a Whistler a mediados de la década de 1890 a través de Stéphane Mallarmé; tenían otros amigos en común, entre ellos Oscar Wilde (hasta que discutieron) y el cuñado de Whistler, Charles Whibley .
Whistler era amigo de muchos artistas franceses, entre ellos Henri Fantin-Latour , Alphonse Legros y Gustave Courbet . Ilustró el libro Les Chauves-Souris con Antonio de La Gandara . También conoció a Édouard Manet y a los impresionistas , en particular a Claude Monet y Edgar Degas . Cuando era un joven artista, fue amigo íntimo de Dante Gabriel Rossetti , miembro de la Hermandad Prerrafaelita . Su estrecha amistad con Monet y el poeta Stéphane Mallarmé, que tradujo la conferencia de las diez al francés, ayudó a fortalecer el respeto por Whistler por parte del público francés. [129] Whistler era amigo de sus compañeros de estudios en el estudio de Gleyre, incluido Ignace Schott , cuyo hijo Leon Dabo Whistler más tarde sería su mentor. [130]
La amante de Whistler y modelo para La muchacha blanca , Joanna Hiffernan , también posó para Gustave Courbet. Los historiadores especulan que Courbet la utilizó como modelo para sus pinturas eróticas Le Sommeil y L'Origine du monde , lo que posiblemente llevó a la ruptura de la amistad entre Whistler y Courbet. [131]
Durante la década de 1870 y gran parte de la de 1880, vivió con su modelo y amante Maud Franklin. Su capacidad para soportar sesiones largas y repetitivas ayudó a Whistler a desarrollar sus habilidades como retratista. [126] No solo hizo varios retratos excelentes de ella, sino que también fue una útil sustituta para otros modelos. Whistler tuvo dos hijas con Maud Franklin: Ione (nacida alrededor de 1877) y Maud McNeill Whistler Franklin (nacida en 1879). [132] Maud a veces se refería a sí misma como "la señora Whistler", [133] y en el censo de 1881 dio su nombre como "Mary M. Whistler". [134]
Whistler tuvo varios hijos extramatrimoniales, de los cuales Charles James Whistler Hanson (1870-1935) es el mejor documentado. [135] Después de que Whistler se separara de su amante Joanna Hiffernan, ella ayudó a criar a Hanson, a pesar de que su madre era la criada, Louisa Fanny Hanson. [136] [137]
En 1888, Whistler se casó con Beatrice Godwin, a quien llamaba Beatrix o Trixie. Ella era la viuda de su amigo EW Godwin , el arquitecto que había diseñado la Casa Blanca de Whistler , e hija del escultor John Birnie Philip [138] y su esposa Frances Black. Beatrix y sus hermanas Rosalind Birnie Philip [139] y Ethel Whibley posaron para muchas de las pinturas y dibujos de Whistler; Ethel Whibley posó para Mother of Pearl and Silver: The Andalusian (1888-1900). [137] Los primeros cinco años de su matrimonio fueron muy felices, pero su vida posterior fue una época de miseria para la pareja, debido a su enfermedad y su eventual muerte por cáncer. Cerca del final, permaneció en coma la mayor parte del tiempo, completamente sometida por la morfina, que se le administraba para aliviar el dolor. Su muerte fue un duro golpe que Whistler nunca superó del todo. [140]
Whistler se inspiró en muchas fuentes e incorporó a su arte, incluidas las obras de Rembrandt , Velázquez y la escultura griega antigua para desarrollar su propio estilo altamente influyente e individual. [71] Era experto en muchos medios, con más de 500 pinturas, así como grabados, pasteles, acuarelas, dibujos y litografías. [141] Whistler fue un líder en el Movimiento Estético , promoviendo, escribiendo y dando conferencias sobre la filosofía del "arte por el arte". Con sus alumnos, abogó por el diseño simple, la economía de medios, la evitación de la técnica demasiado elaborada y la armonía tonal del resultado final. [71]
Whistler ha sido objeto de numerosas exposiciones, estudios y publicaciones en museos importantes. Al igual que los impresionistas, utilizó la naturaleza como recurso artístico. Whistler insistió en que era obligación del artista interpretar lo que veía, no ser esclavo de la realidad y "hacer surgir del caos una armonía gloriosa". [71]
Durante su vida, influyó en muchos artistas de todo el mundo angloparlante. Whistler tuvo un contacto significativo e intercambió ideas e ideales con pintores realistas, impresionistas y simbolistas. El artista Walter Sickert fue su alumno, [142] y el escritor Oscar Wilde fue su amigo. Su tonalismo tuvo un profundo efecto en muchos artistas estadounidenses, incluidos John Singer Sargent, William Merritt Chase , Henry Salem Hubbell , Willis Seaver Adams (con quien se hizo amigo en Venecia ) y Arthur Frank Mathews , a quien Whistler conoció en París a fines de la década de 1890 y quien llevó el tonalismo de Whistler a San Francisco, generando un amplio uso de esa técnica entre los artistas californianos de principios del siglo XIX. Whistler también fue una gran influencia en el movimiento de la Escuela de Heidelberg de la década de 1880 en Australia, también conocido como impresionismo australiano. [143] Como escribió el crítico estadounidense Charles Caffin en 1907:
No sólo atrajo a unos pocos seguidores e imitadores, sino que influyó en todo el mundo del arte. Consciente o inconscientemente, su presencia se siente en innumerables estudios; su genio impregna el pensamiento artístico moderno. [3]
Durante una estadía de catorce meses en Venecia en 1879 y 1880, Whistler creó una serie de grabados al aguafuerte y pasteles que no solo revitalizaron sus finanzas (esto fue después de haberse declarado en quiebra tras el juicio de Ruskin), sino que también revitalizaron la forma en que los artistas y fotógrafos interpretaban la ciudad, centrándose en los callejones, los canales laterales, las entradas y los patrones arquitectónicos, y capturando la atmósfera única de la ciudad. [93]
En 1940, Whistler fue conmemorado en un sello postal de los Estados Unidos cuando la Oficina Postal de ese país emitió un conjunto de 35 sellos en conmemoración de los autores, poetas, educadores, científicos, compositores, artistas e inventores famosos de Estados Unidos: la Serie de Estadounidenses Famosos . [ cita requerida ]
La opereta de Gilbert y Sullivan, Patience, se burla del movimiento estético , y el personaje principal, Reginald Bunthorne, suele ser identificado como una parodia de Oscar Wilde, aunque es más probable que Bunthorne sea una amalgama de varios artistas, escritores y figuras estéticas prominentes. Bunthorne usa un monóculo y tiene prominentes mechas blancas en su cabello oscuro, al igual que Whistler. [ cita requerida ]
El novelista Henry James "se había familiarizado lo suficiente con Whistler como para basar varios personajes ficticios en el 'extraño sureño londinense', sobre todo en Roderick Hudson y The Tragic Muse ". [144] Whistler "también apareció como uno de los personajes secundarios más atractivos de Henry James, el escultor Gloriani en The Ambassadors , cuya personalidad, forma de vida e incluso hogar están estrechamente basados en Whistler". [145]
La novela Trilby de George du Maurier de 1894 tiene un personaje, Joe Sibley, "el aprendiz ocioso", que pretendía representar a Whistler. [146] [147] "Whistler amenazó con demandar, y en ediciones posteriores el personaje fue reemplazado por otro". [148] Whistler también fue el modelo de un personaje en la novela de Marcel Proust , En busca del tiempo perdido : el pintor Elstir. [149] [145]
Whistler era el artista favorito de la cantante y actriz Doris Day . Ella poseía y exhibía un grabado original de Rotherhithe de Whistler y dos de sus litografías originales, The Steps, Luxembourg Gardens, Paris y The Pantheon, from the Terrace of the Luxembourg Gardens . [150]
La casa de Lowell, Massachusetts, en la que nació Whistler se conserva actualmente como el Museo de Arte de Whistler House . Está enterrado en la iglesia de San Nicolás, en Chiswick . [ cita requerida ]
Whistler alcanzó reconocimiento mundial durante su vida:
En 2005, Nicholas Dimbleby erigió una estatua de James McNeill Whistler en el extremo norte del puente Battersea sobre el río Támesis en el Reino Unido. [152]
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El 27 de octubre de 2010, Swann Galleries estableció un precio récord para una impresión de Whistler en una subasta, cuando Nocturne , un aguafuerte y punta seca impreso en negro sobre papel japonés cálido color crema, 1879-80, se vendió por $282.000. [153]
Textos en Wikisource:
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