John Cromwell (nacido Elwood Dager ; 23 de diciembre de 1886 - 26 de septiembre de 1979) fue un director de cine y teatro y actor estadounidense. Sus películas abarcaron desde los primeros días del cine sonoro hasta el cine negro de principios de la década de 1950, momento en el que su carrera como director casi terminó por la lista negra de Hollywood . [2]
Nacido como Elwood Dager en Toledo, Ohio, en el seno de una adinerada familia anglo-escocesa, ejecutivos de la industria del acero y el hierro, Cromwell se graduó de la escuela secundaria privada en la Academia Militar Howe en 1905, pero nunca realizó estudios superiores. [3]
Al terminar la escuela, Cromwell comenzó inmediatamente su carrera teatral haciendo giras con compañías de teatro en Chicago, y luego se dirigió a la ciudad de Nueva York cuando tenía poco más de 20 años. Anunciado como Elwood Dager en su juventud, cambió su nombre a John Cromwell a la edad de 26 años después de una aparición en un escenario de Nueva York en 1912. [4]
Cromwell hizo su debut en Broadway en el papel de John Brooke en Mujercitas (1912), una adaptación de la novela de Louisa May Alcott . La producción fue un éxito inmediato y se representó durante 184 funciones. [5]
A lo largo de su carrera teatral, Cromwell trabajó en estrecha colaboración con uno de los productores de Broadway más destacados de la época, William A. Brady . De hecho, prácticamente todas las producciones teatrales en las que participó Cromwell antes de comenzar su carrera cinematográfica fueron producidas por Brady. [6] [7] The Painted Woman (1913) marcó el primer trabajo de Cromwell como director de escena. Escrita por Frederic Arnold Kummer , la obra se estrenó en dos días. [8] En 1914, ya actuaba y codirigía producciones, incluida "Too Many Cooks" (1914), que tuvo 223 funciones. [9]
En 1915, se unió a la New York Repertory Company y actuó en los estrenos estadounidenses de dos obras de George Bernard Shaw : Major Barbara en 1916, como el personaje "Charles Lomax", y en una reposición de La conversión del capitán Brassbound . La carrera teatral de Cromwell se vio interrumpida por una breve temporada en el ejército de los EE. UU. durante la Primera Guerra Mundial. [10] [11]
En la década de 1920, Cromwell se había convertido en un respetado director de Broadway, a menudo en colaboración con codirectores como Frank Craven o William Brady. Cromwell actuó con frecuencia en el escenario en este período, incluyendo obras de futuros ganadores del Premio Pulitzer como Sidney Howard y Robert E. Sherwood . En 1927, Cromwell dirigió e interpretó el papel principal en el drama de gánsteres, The Racket , con el recién llegado Edward G. Robinson debutando en un papel de tipo duro del tipo por el que Robinson se hizo conocido a lo largo de su carrera cinematográfica. [12]
En 1928, Cromwell se mudó a Hollywood para trabajar como director de diálogos durante la transición de la industria cinematográfica hacia películas con sonido. Aunque Cromwell regresó a Broadway en años posteriores, su ocupación principal después de 1928 fue la de director de cine. [13]
El famoso productor de cine de Paramount, BP Schulberg, contrató a Cromwell, de 42 años, como actor de cine en octubre de 1928, en el momento de la transición de toda la industria de las producciones mudas a la nueva tecnología del sonido. Después de una actuación de debut satisfactoria en la temprana película sonora de 1929 The Dummy , en la que participaron Ruth Chatterton , Fredric March , Jack Oakie y ZaSu Pitts , Cromwell fue invitado a compartir las tareas de dirección con Edward Sutherland , un cineasta experimentado.
Aunque Cromwell nunca había trabajado detrás de una cámara, Paramount estaba ansiosa por contratar directores de escena experimentados "debido a su presunto conocimiento en el manejo del diálogo". Por errónea que fuera esta suposición, Cromwell y Sutherland disfrutaron de una colaboración productiva al completar dos de las primeras películas sonoras, ambas en 1929: Close Harmony , un romance de una banda de jazz, y The Dance of Life , basada en la obra de George Mankers Watters Burlesque (la codirección de Sutherland no fue acreditada en The Dance of Death ). Cromwell tuvo un papel actoral menor en cada una de estas producciones. [14] [15]
En una entrevista de 1973 con Leonard Maltin , Cromwell ofreció una evaluación franca de sus dificultades para adaptarse al nuevo medio como director de cine:
Nunca me acostumbré a la tremenda variedad de posibilidades que ofrece la cámara y a lo que la elección de un plano puede hacer en una escena... [aunque] siempre fui muy consciente de la composición. Tuve que confiar enormemente en mi camarógrafo, especialmente al principio. Nunca pude aprender mucho sobre iluminación porque me parece que cada camarógrafo que tuve era tan diferente del anterior en su técnica que se volvió casi imposible aprender a menos que simplemente te tomaras el tiempo y te dedicaras a ello. Así que tuve que estar completamente a su merced... Pero tuve mucha suerte. Tuve algunos camarógrafos maravillosos, maravillosos en el sentido de que nunca me decepcionaron... hombres como Jimmy Howe , Charlie Lang , Arthur Miller . [16]
Durante las primeras películas de Cromwell con Paramount, se le encargó dirigir a la estrella de cine y teatro George Bancroft , la principal propiedad del estudio. Bancroft había actuado en varias películas mudas de éxito con el director en ascenso de Paramount, Josef von Sternberg , que culminó con una nominación a Mejor Actor para Bancroft en Thunderbolt (1930). The Mighty (1930) fue la primera de las cuatro parejas de Cromwell con Bancroft, y su primer debut en solitario como director. [17]
En su siguiente película, The Street of Chance , Cromwell estableció un vínculo personal y profesional con el productor David O. Selznick en su primera producción, entonces asistente de BP Schulberg. La película, protagonizada por William Powell , Kay Francis y Jean Arthur , fue un éxito de taquilla. [18]
En 1930, Paramount Famous Lasky Corporation cambió su nombre a Paramount Publix Corporation debido a la creciente importancia de la cadena de cines Publix.
The Texan (1930) fue la adaptación de Cromwell delcuento de O. Henry " A Double-Dyed Deceiver " y protagonizada por la estrella en ascenso de Paramount, Gary Cooper . [19]
Paramount volvió a contratar a los actores Powell y Francis en For the Defense (1930), un drama legal protagonizado por un abogado y su prometida criminal. Dirigió la segunda versión cinematográfica de Tom Sawyer (1930), de Mark Twain, con Jackie Coogan en el papel del homónimo Tom.
Durante 1931-1932, Cromwell cumplió con su compromiso de dirigir a Bancroft en tres películas más. De hecho, Cromwell había acordado seguir trabajando con Bancroft solo si Paramount le permitía dirigir a Gary Cooper y Helen Hayes en una adaptación de la novela de Hemingway Adiós a las armas , un proyecto que finalmente dirigió Frank Borzage .
Entre las películas de Bancroft se encuentran Scandal Sheet , con su coprotagonista Clive Brook , Rich Man's Folly (ambas de 1931), una adaptación de Dombey and Son de Dickens y The World and the Flesh (también de 1931), una novela romántica ambientada en la Rusia revolucionaria. La opinión profesional de Cromwell sobre la actuación de Bancroft en Rich Man's Folly provocó estos comentarios:
[El papel] debería haber sido absolutamente espléndido para Bancroft, salvo que requería una conciencia del material, ¡de la que no tenía ninguna! Para él, siempre era simplemente otro papel que interpretar de la misma manera... [20]
Cromwell hizo tres películas más para Paramount-Publix, todas estrenadas en 1931: Scandal Sheet , con Bancroft, Unfaithful , con Ruth Chatterton y The Vice Squad con Paul Lukas y Kay Francis . [21]
Durante la preproducción de El mundo y la carne (1932) , una historia sobre la revolución bolchevique de 1917, Cromwell se disgustó tanto con la calidad del guión como con la drástica reducción del tiempo de ensayo por parte de la Paramount. La perspectiva histórica de Cromwell y su experiencia escénica inspiraron los siguientes comentarios:
"El mundo y la carne fue el punto culminante de la degradación desde mi punto de vista. ¡Era una historia tan absurda y tan inventada! Yo personalmente me había interesado por la Revolución rusa y había oído hablar mucho de ella a un periodista... Lincoln Steffens, que había estado en Moscú en el momento en que ocurrió... Así que tuve una idea de las posibilidades que había de hacer una película real. ¡Y luego tener esta... esta historia casi repugnante, la misma basura de siempre servida como guión! Decidí que eso sería lo último que se supiera, que trataría de escapar". [22]
En las primeras películas sonoras, los estudios, que sólo tenían experiencia con películas sin diálogos (mudas), recurrieron a los directores de escena expertos en diálogos de Broadway, como Cromwell, a quien contrataron durante la transición al cine sonoro. En la primera producción de For the Defense , Cromwell informa que le informaron sobre un cambio en la política relativa a los ensayos:
Yo había establecido el calendario de ensayos habitual [de 2 semanas y media ], pero en la reunión de producción Schulberg dijo: "No podemos tener más ensayos, John". Le pregunté qué quería decir y continuó: "Es una pérdida de tiempo. Los directores [de la película] no saben qué hacer con los ensayos..." Yo también me había dado cuenta de eso, pero había mejorado cada minuto de mi tiempo con los ensayos, así que le dije: "Bueno, sabes que no tienes que hacer eso conmigo, sabes que no pierdo el tiempo". Schulberg respondió: "Si te doy el privilegio, todos lo querrán, y eso solo creará una situación..." [23]
Cromwell negoció con el productor y acordaron intercambiar días de rodaje por días de ensayo. Cromwell recordó: "Creo que terminé con cuatro días de ensayo [al] quitarle dos días al programa de rodaje. ¡Increíble! Años después no lo podía creer". [24] [25]
El descontento de Cromwell con Paramount lo llevó a "abandonar el estudio" después de The World and the Flesh , y con la ayuda de su agente Myron Selznick , se mudó a RKO . En ese momento, David O. Selznick dirigía RKO, y Cromwell recordó su experiencia profesional allí con cariño: "RKO siempre fue un lugar entrañable para mí; tenía una sensación distintiva de independencia e individualidad que nunca perdió". [26]
Cromwell fue inicialmente asignado por RKO para dirigir "una serie de telenovelas y películas sobre conflictos familiares". Entre ellas se encontraban Sweepings (1933), protagonizada por Lionel Barrymore en una actuación inusualmente "restringida". Cromwell dirigió The Silver Cord , una adaptación de una obra que dirigió en 1926. Su adaptación cinematográfica de 1933 trata sobre una joven esposa, Irene Dunne , que lucha con su suegra entrometida Laura Hope Crews . La película, que menospreciaba la "maternidad", fue considerada audaz en su época. [27]
Cromwell cerró esta serie con Double Harness (1933), "un drama interior astuto y sofisticado" con Ann Harding y William Powell . [28]
Cromwell filmó una adaptación, por entonces controvertida, de la novela de Sinclair Lewis Ann Vickers (1933). Irene Dunne interpretó al personaje epónimo, una reformadora social que expone las condiciones degradantes en las prisiones estadounidenses y tiene un romance con el jurista Walter Huston . El guion de Jane Murfin reflejó las caracterizaciones de la novela de Lewis, donde Vickers es una "defensora del control de la natalidad" que se involucra en una relación extramatrimonial. El guion provocó la ira de la Administración del Código de Producción y la Iglesia Católica. El presidente del Comité de Relaciones con los Estudios (SRC), James Wingate, calificó el guion de "vulgarmente ofensivo". El SRC, que supervisa la MPPDA , exigió una revisión del guion de Murfin. Los gerentes de RKO protestaron y se llegó a un acuerdo cuando el personaje de Dunne fue liberado de los cargos de adulterio mediante un cambio en su estado civil. Aunque recibió la aprobación, la película ayudó a impulsar la formación de la Administración del Código de Producción, que más tarde censuró rigurosamente las películas durante casi 25 años, en gran parte bajo el mando del cruzado moral católico Joseph Ignatius Breen . [29]
Las dos primeras películas de Cromwell de 1934 se consideran "en gran medida olvidables", según el autor Michael Barson, comenzando con una Katharine Hepburn "mal elegida" en Spitfire . [30]
El papel de Hepburn, de 26 años, como "Spitfire" (su apodo peyorativo) fue concebido como un "estudio de personaje" en lugar de una narrativa genuina, para mostrar a la joven estrella en ascenso. Basada en la obra Trigger de Lula Vollmer, a Hepburn se le encomienda, de manera improbable, interpretar a una paleto antisocial, marimacho y curandera en una comunidad rural. Cromwell admitió que era escéptico en cuanto a la idoneidad de Hepburn para el papel y se opuso a su acento rural artificial. La propia Hepburn intentó, sin éxito, salirse de la película. [31]
Cromwell, que luchaba por preparar sus tomas y que quería evitar sobrecostes, discutió con Hepburn sobre la posibilidad de volver a rodar una escena clave. El contratiempo llevó a Cromwell a rechazar enfáticamente sus peticiones y el director, "a quien no le gustó mucho la película", recordó que "creo que esas [disputas] se reflejaron en la película". No obstante, las composiciones visuales de Cromwell, junto con el trabajo de su director de fotografía Edward Cronjager, muestran la actuación "exuberante" de Hepburn, en la que "sus celebraciones físicas de las alegrías de la vida hacen de ésta una película excéntrica y agradable". Sorprendentemente, la película fue un éxito de taquilla. [32]
Cromwell completó otra telenovela con Irene Dunne y Ralph Bellamy , This Man is Mine (1934).
Cromwell se embarcó en una película que resultó ser muy ofensiva para los censores, pero inmensamente popular entre los espectadores: Of Human Bondage . [33]
Aunque el historiador de cine John Baxter considera que la adaptación de Cromwell de la novela Of Human Bondage de W. Somerset Maugham está "sobrevalorada", el crítico Jon Hopwood postuló que el director "se hizo un nombre" en Hollywood con esta película. [34] [35]
La película dramatiza formas de tiranía y obsesión personal, en las que una camarera poco sofisticada y despiadada, Mildred ( Bette Davis ), emplea astucia para ganarse el afecto de un joven estudiante de medicina de pies zambos y modesto, Philip ( Leslie Howard ). Las escenas están filmadas con gran eficiencia y efecto en las que "el movimiento de la cámara parece representar el estado emocional de los personajes". [36] Cromwell se adaptó a las limitaciones presupuestarias del estudio, empleando los decorados interiores espartanos con buenos resultados para enfatizar la "irrealidad" de las rutinas diarias de los estudiantes de medicina. [37]
La Mildred de Bette Davis fue el surgimiento de la actriz en una actuación "revolucionaria" y "su primer papel cinematográfico verdaderamente grandioso". La interpretación de Davis transmite plenamente "la vulgaridad y venalidad" del personaje, impresionando a los ejecutivos de los estudios y al público. [38]
Al igual que Ann Vickers de Cromwell de 1933 , Of Human Bondage recibió la desaprobación de la Production Code Administration (PCA), dirigida por el activista católico Joseph Breen . La PCA exigió una serie de modificaciones al guión, entre ellas que el diagnóstico de sífilis de Mildred se cambiara por tuberculosis y que se atenuara la grosería de la interpretación de Davis de la "camarera desaliñada". RKO accedió de inmediato bajo la amenaza de una multa de 25.000 dólares por infracción. [39] [40]
A pesar de que los ejecutivos de los estudios se sometieron a la censura, Of Human Bondage fue objeto de piquetes en las principales ciudades del Medio Oeste de los Estados Unidos por parte de la Legión Nacional Católica de la Decencia . Tal vez como respuesta a la reputación que adquirió la película gracias a estas manifestaciones, la película batió récords de asistencia en el Hippodrome Theater de Chicago, donde cientos de espectadores fueron rechazados. A nivel nacional, la película disfrutó de un tremendo éxito de taquilla. [41] [42]
En cuanto al éxito de Cromwell en la interpretación del papel de Davis, nunca se le calificó de "director de mujeres" (como sí lo fueron directores como George Cukor ). Sin embargo, su amplia experiencia como actor de teatro le confirió una simpatía que provocó excelentes actuaciones de sus actores, especialmente de las mujeres. La actuación de Davis fue una manifestación temprana de esta saludable influencia. [43] [44]
"Ya sea por suerte o por diseño, la carrera ecléctica de Cromwell ha sido redimida por las contribuciones iconográficas de Irene Dunne, Katharine Hepburn, Bette Davis, Madeleine Carroll , Mary Astor , Carole Lombard ... Afortunadamente, sus deficiencias formales rara vez oscurecen a las hermosas conductoras de los vehículos de Cromwell". — Andrew Sarris (The American Cinema, 1968) [45]
La última película estrenada en 1934 dirigida por Cromwell fue un drama romántico posterior a la Primera Guerra Mundial, The Fountain, sobre una mujer inglesa que debe decirle a su devoto marido alemán que regresa de la guerra que se ha enamorado de su amor de la infancia. [46]
El historiador de cine Kingsley Canham considera que esta es una película "clave" en la obra de Cromwell, que muestra la "elegancia" y la "seguridad" del director en su manejo de la decoración y su relación con las actuaciones. [47]
La "inquietud y la introspección" de la esposa expatriada Julie ( Ann Harding ) y su amante, el aviador británico Lewis ( Brian Aherne ), se transmiten a través de movimientos de cámara y con un mínimo de diálogo. La naturaleza "metafísica" de este romance se hace explícita mediante la inserción por parte de Cromwell de un extracto del poema " Dejection " del poeta inglés Coleridge . Canham elogia La fuente de la vida como "sin duda uno de los logros más destacados de Cromwell..." [48]
Después de terminar Of Human Bondage , Cromwell disfrutó de un agradable interludio haciendo Village Tale (1935), "uno de los proyectos favoritos de Cromwell". Compuesta por una serie de estudios de personajes, la película presenta a Guinn "Big Boy" Williams y Ann Dvorak . [49] Jalna y I Dream Too Much (ambas de 1935), representan un regreso a las representaciones de "telenovela" de Cromwell de las relaciones familiares y los conflictos matrimoniales. La esposa del director, Kay Johnson, apareció en Jalna , y Henry Fonda protagonizó I Dream too Much . [50]
Tras sus recientes colaboraciones con Pandro S. Berman y otros productores, Cromwell se reunió con David O. Selznick, y lo siguió hasta United Artists y 20th Century Fox para realizar cinco películas: Little Lord Fauntleroy (1936), To Mary – with Love (1936), Banjo on My Knee (1936), The Prisoner of Zenda (1937) y Algiers (1938). [51]
David O. Selznick reclutó a Cromwell para hacer una nueva versión, muy costosa, de la película de la era muda Little Lord Fauntleroy (1921) [52] [53]
La primera película creada bajo Selznick International Pictures , Little Lord Fauntleroy fue su producción más rentable hasta Lo que el viento se llevó (1939).
"Para Cromwell, el trabajo del director no consistía en generar chispas individuales de creatividad, sino en fusionar los esfuerzos de todo el equipo creativo en pos de los mejores intereses de la obra terminada. Tal altruismo siempre ha sido poco común en el cine, y Cromwell ha sido ignorado durante mucho tiempo por críticos e historiadores por igual.
Pero las evaluaciones recientes de su trabajo, en particular de películas tardías tan amargas como Caged y The Goddess , lo han establecido como un director de sustancia y estilo, no simplemente el literato contratado por Paramount, RKO o Selznick". – Biógrafo Richard Koszarski de Hollywood Directors: 1914-1940 [55]
Selznick encargó a Cromwell la filmación de "otro drama marital" estrenado por los estudios 20th Century Fox con Claire Trevor como la intrusa y Myrna Loy y Warner Baxter como la feliz pareja. [56] Banjo on My Knee (1936), ambientada en Nueva Orleans y una comedia de errores intercalada con producciones musicales, incluyó una interpretación completa de " St. Louis Blues " de WC Handy . La película tiene similitudes en ambientación y puesta en escena con Show Boat del director James Whale estrenada el mismo año. [57]
Cromwell, según Canham, no logra desarrollar cinematográficamente los personajes de sus coprotagonistas Barbara Stanwyck y Joel McCrea y reduce a los habitantes plebeyos del delta del río Misisipi a caricaturas. [58]
Walter Brennan fue elegido para interpretar al patriarca rural Newt Holley, que surge como un bienvenido alivio cómico en una película, escribe Canham, donde "nada resulta fácil para la gente en las películas de Cromwell y la ambición a menudo encubre el fracaso o la muerte de los plebeyos o incluso de la realeza ruritana ". [59]
Al revivir la película de aventuras El prisionero de Zenda del novelista Anthony Hope , David O. Selznick asumió un riesgo calculado en cuanto al gusto popular. El hecho de que el protagonista Ronald Colman estuviera bajo contrato con Selznick fue el factor clave para seguir adelante con el proyecto. [60] La decisión de elegir a John Cromwell como director se basó en su demostrada capacidad para manejar actores y su disciplinada observancia de las restricciones presupuestarias. [61]
A pesar de la habilidad de Cromwell con los actores, tanto masculinos como femeninos, surgió un divertido contratiempo durante el desarrollo del guion y el storyboard. Ronald Colman (al igual que el actor de cine John Barrymore ) prefería presentar un solo perfil facial a la cámara para ocultar su "lado malo". Su coprotagonista Madeleine Carroll pronto se acercó a Cromwell, alegando un defecto facial en el mismo lado que Colman, lo que significa que cualquier primer plano en pantalla cara a cara pondría a un actor en desventaja. [62]
Como recordaba el director Cromwell:
Llamé a Jimmy Howe [el camarógrafo] y le pregunté si [Carroll] tenía un lado malo, y él dijo: "¡No podrías culparla ni aunque la pusieras de cabeza!". Así que volví a hablar con ella, señalándole lo ridículo que era y que no podríamos haber filmado la película si ella tenía el mismo lado [malo] que Colman. Después de eso, no me habló durante el resto de la película. [63]
A pesar del "estilo generalmente fluido de la obra terminada", la autoría de varias de las escenas de acción sigue siendo cuestionada. Selznick se mantuvo firme en su deseo de contratar a los directores George Cukor y Woody van Dyke para infundir un elemento expresivo más agudo en la actuación o para proporcionar una presentación más gráfica de los episodios de acción. La "elegancia visual" ampliamente reconocida de Cromwell puede haber influido en la "mala opinión que Selznick tenía de él como director de acción". [64] Tanto Cukor como Van Dyke no fueron acreditados como era habitual según las reglas del Gremio de Directores. [65] [66]
El crítico de cine Michael Barson considera El prisionero de Zenda de Cromwell como el comienzo de su "época dorada" entre los directores de Hollywood, y una producción que merece la designación de "clásico". [67] [68]
Argel (1938), la nueva versión de Cromwell del thriller francés Pepe Le Moko (1936) del director Julien Duvivier , lanzó las carreras en Hollywood de dos actores europeos: Charles Boyer y Hedy Lamarr . Cromwell obtuvo una excelente interpretación de Boyer como un ladrón internacional que se enfrenta al inspector de policía local interpretado por Joseph Calleia , intentando atraer al fugitivo francés de su refugio en la "Casbah", el barrio nativo de Argel. El diálogo, "conciso y lógico", fue elaborado por John Howard Lawson , con contribuciones del novelista y guionista James M. Cain . Cromwell y su director de fotografía James Wong Howe fabricaron con éxito un facsímil "pulido" del original de Duvivier para el productor Walter Wanger . [69]
Cromwell se esforzó por conseguir que el austriaco Lamarr, a quien Wanger quería convertir en una "segunda Garbo ", hiciera un impresionante debut como actor estadounidense. Cromwell recordó:
Yo podía percibir su incompetencia [como actriz], Wanger podía percibirla, y yo podía ver a Boyer preocupándose... A veces la palabra personalidad es intercambiable con presencia, aunque no sean lo mismo. Pero el principio se aplica, y Hedy tampoco tenía personalidad. ¿Cómo podían pensar que podía convertirse en una segunda Garbo?... Bueno, logramos que la película funcionara, y nos fue bien. Los críticos vieron que no podía actuar, pero se las arregló, y vendieron la película alardeando de lo hermosa que era. Me atribuiré parte del mérito por hacer que su actuación fuera pasable, pero sólo puedo compartir el mérito con Boyer al cincuenta por ciento. [70]
Cromwell hizo un intento fallido de dirigir Las aventuras de Marco Polo del productor Sam Goldwyn (finalmente completada por el director Archie Mayo y John Ford en 1938), seguido brevemente por un regreso al escenario para dirigir a Fredric March y Florence Eldridge . [71]
Mientras Selznick estaba inmerso en la preproducción de Lo que el viento se llevó (1939), contrató a Cromwell para dirigir a Carole Lombard y James Stewart en la comedia romántica Hechos el uno para el otro (1939). La sencilla narrativa de los jóvenes recién casados que luchan con "lo trivial y lo traumático" proporcionó una plataforma para mostrar el hábil manejo del reparto por parte de Cromwell. [72]
Lombard estaba ansiosa por un papel con potencial dramático ( en sus papeles anteriores había sido designada como "La reina de la comedia disparatada "). [73] Se benefició del guión sencillo "que permitió una gran comprensión de los personajes y una cantidad inusual de flexibilidad en la interpretación del elenco". La interpretación dramática de Lombard de la esposa Jane Mason surge como "casual y muy humana". [74] [75] Stewart es perfectamente adecuada para el papel del joven esposo poco asertivo pero entrañable que necesita la guía diplomática de su esposa más madura. [76] [77]
Un éxito de crítica notable, pero poco destacado en taquilla, Cromwell estaba encantado de tener la oportunidad de dirigir a Lombard en su siguiente largometraje: In Name Only (1939). [78] Otra producción en un género que Cromwell estaba bien equipado para presentar (el melodrama marital), Lombard interpreta a "la otra mujer" del rico Cary Grant , atrapado en un matrimonio infeliz con la posesiva Kay Francis . [79]
La Julie de Lombard, una viuda que sufre de "ilusiones destrozadas" de poseer alguna vez a Grant, debe primero abandonar toda esperanza antes de que el destino intervenga en su favor. Grant conserva su "natural frivolidad" para ofrecer una serie de escenas cómicas que evitan socavar la credibilidad de su personaje, y la obsesiva matrona de Kay Francis acepta darle el divorcio a Grant con esta maligna invectiva: "¡Espero que ambos seáis miserables!". La comprensión general de Cromwell de la atmósfera dramática sirve para mezclar las actuaciones y "casi logra que todo salga bien". [80]
El historiador Kingley Canham ofrece una visión del manejo que Cromwell hacía de las "ilusiones románticas" inherentes a las narraciones melodramáticas:
La realidad está siempre presente en la obra de Cromwell, apareciendo incluso en sus propuestas más ligeras... la actitud del director hacia su material de "telenovela" difiere de la de otros artistas [como] Cukor , Borzage y Stahl ... en que es básicamente antirromántico, minimizando el sentimentalismo y optando en su lugar por el realismo y la practicidad. [81]
Los ejecutivos de RKO encargaron a Cromwell la adaptación de la obra del dramaturgo Robert Sherwood, Abe Lincoln in Illinois , que había sido representada con gran éxito en Broadway en 1938. La producción teatral ganadora del premio Pulitzer trataba sobre la carrera temprana del presidente estadounidense Abraham Lincoln , quien lideró a las fuerzas de la Unión a la victoria en la Guerra Civil estadounidense . La guerra que se desarrollaba en Europa y el Lejano Oriente le dio una resonancia especial al tema. [82]
A pesar de que 20th Century Fox ya había avanzado mucho en la producción de una película sobre John Ford protagonizada por Henry Fonda que dramatizaba los mismos acontecimientos de la vida de Lincoln, esto no detuvo las ofertas por los derechos cinematográficos del drama histórico de Sherwood y el productor independiente Max Gordon financió su compra por 250.000 dólares, para ser filmada por los estudios RKO. El actor de teatro Raymond Massey , que interpretó el papel de Lincoln en la producción de Broadway, fue seleccionado, con la aprobación efusiva de Sherwood, para actuar en el papel cinematográfico de Abe Lincoln en Illinois .
La caracterización que Cromwell hace de Lincoln es distinta a la que hace Ford en El joven Lincoln (1939). Mientras que Ford presenta una figura mitológica que asciende desde un humilde abogado rural hasta la posición más exaltada de la nación, la de Cromwell se apoya menos en la iconografía y enfatiza detalles históricos que revelan que el carácter temprano de Lincoln era menos exaltado: "Raymond Massey [surge] como un Lincoln mucho menos confiado que Henry Fonda". [83]
La presentación de la relación histórica de Lincoln con Ann Rutledge (interpretada por May Howard) es utilizada por Cromwell para establecer aspectos del carácter esencial de Lincoln y evita la romantización de Rutledge por parte de Ford en Young Abe Lincoln , que incluye un elogio sentimental junto a la tumba. [84]
La actriz Ruth Gordon , en su debut cinematográfico como la futura señora Lincoln, ofrece un antídoto clave para el Lincoln inexperto de Cromwell, que es perezoso, escéptico y carente de ambición. La Mary Todd de Gordon se propone sin rodeos preparar a Lincoln para enfrentarse a su destino antes de casarse con él, lo que proporciona "una interpretación cinematográfica notablemente astuta". El trabajo de iluminación y cámara del director de fotografía James Wong Howe documenta de manera eficaz la transformación de Lincoln que le valió a Howe una nominación al Oscar. [85]
En 1919, Cromwell se interesó profundamente por el drama psicológico Victory: An Island Tale (1915) del novelista Joseph Conrad , sobre un expatriado inglés que intenta retirarse como recluso a una pequeña isla de Indonesia. Su existencia solitaria se deshace cuando rescata a una joven, lo que lleva a la infiltración de su santuario por una pandilla de sociópatas, con trágicos resultados. Cromwell contactó personalmente a Conrad poco después de la publicación de Victory para obtener los derechos de producción y dramatización de la obra, solo para descubrir que se había otorgado el permiso al productor Laurence Irving y McDonald Hastings, respectivamente. Cromwell dirigió una versión de su adaptación en los Estados Unidos en la década de 1920 que fracasó rápidamente. [86]
Veinte años después, Cromwell filmó su versión cinematográfica, Victory (1940), para Paramount con Frederick March como el recluso Hendrik Heyst y Betty Field como Alma, y Cedric Hardwicke como el patológico Sr. Jones (también actuando como narrador). La relación profesional de Cromwell con March había comenzado en Broadway en 1925 cuando dirigió a March en Harvest de Kay Horton . [87] [88]
Cromwell no estaba satisfecho con algunos de los actores que interpretaron en Victory, en particular con el actor británico Cedric Hardwicke:
Luego estaba el señor Hardwicke, a quien conocía (o creía conocer) bastante bien. No sé qué demonios le pasó. Se quedó completamente dormido y no me dio ninguna pista de lo que estaba pasando... no parecía haber ningún esfuerzo de su parte. [89]
Cromwell consideró que su siguiente proyecto era más satisfactorio. En la adaptación cinematográfica de Cromwell, Así termina nuestra noche (1941), una adaptación de la novela de Erich Maria Remarque Flotsam (1939), Fredrick March interpreta a un fugitivo antinazi perseguido por las autoridades fascistas austríacas. En su huida se encuentra con otros exiliados, interpretados por Glenn Ford y Margaret Sullavan , y su libertad solo se logra a través de un sacrificio máximo. Erich von Stroheim aparece en un papel secundario como el oficial nazi de las SS Brenner. [90]
Cromwell estaba particularmente satisfecho con el guión de Talbot Jennings , y aunque la película no fue un éxito comercial, Cromwell consideró a So Ends the Night "una de mis mejores". [91]
Cromwell desestimó su siguiente proyecto, Son of Fury , como un "proyecto de estudio". Financiado generosamente por 20th Century Fox pero controlado en cada fase para asegurar su éxito comercial, Cromwell se limitó a utilizar sus "lujosos decorados" de Darryl F. Zanuck para fabricar una "tradicionalidad típica de 20th Century Fox" de época. [92]
El protagonista, Benjamin Blake, heredero de un título de barón, es interpretado por el actor infantil Roddy McDowell en su juventud, y luego por Tyrone Power en la edad adulta. Curiosamente, aunque una secuencia temporal muestra la transformación del joven Blake de niño a hombre, su tío Sir Arthur Blake George Sanders no muestra signos perceptibles de envejecimiento. [93]
Cromwell recordó que disfrutó de su trabajo con el protagonista Tyrone Power "y particularmente con [su coprotagonista] Gene Tierney ", ya que "nunca la vi en una película que me gustara hasta Son or Fury y creo que fue porque trabajé muy duro para lograr que dejara de actuar y fuera simple". [94]
El historiador Kingsley Canham emitió este juicio sobre la dirección que Cromwell dio al cuadro:
Son of Fury contiene los dos extremos de la carrera de Cromwell, [y] desafortunadamente, en la confrontación entre el buen gusto, un presupuesto lujoso y una caracterización atmosférica por un lado y la sumisión a la influencia del estudio por el otro, este último demuestra ser el factor más fuerte. [95]
Como parte de su promoción de su protegida, Jennifer Jones , de 25 años , Selznick reclutó a Cromwell para dirigir un himno a la familia estadounidense en tiempos de guerra, Since You Went Away (1944). [96]
El historiador de cine Kingley Canham describe Since You Went Away como "sin duda una de las obras de propaganda de guerra más superiores, pulidas y efectivas que surgieron del cine durante la Segunda Guerra Mundial". [97] Selznick, insatisfecho con el guion escrito por la autora Margaret Buell Wilder, lo revisó para crear una celebración del frente interno estadounidense como una "fortaleza inexpugnable" que sostenía el esfuerzo bélico de Estados Unidos. [98] [99]
El reparto incluye a Claudette Colbert , Shirley Temple , Joseph Cotten , Lionel Barrymore , Robert Walker y Agnes Moorehead . El manejo de las escenas por parte de Cromwell establece, escribe Canham, "una calidez y convicción" que supera las actuaciones superficiales. [100] [101] A pesar de la habitual participación intensa de Selznick en la producción, el despliegue de Cromwell del elenco y los técnicos fue tal que "su reputación como profesional de Hollywood podría haber sobrevivido enteramente gracias a la fuerza de Since You Went Away ". [102] [103]
Un éxito comercial y de crítica, la película recibió nueve nominaciones al Oscar (incluyendo Mejor Película, prácticamente todo el elenco y todos los créditos técnicos), pero ganó solo una, por la banda sonora de Max Steiner.
Cromwell regresó a la RKO para hacer una de sus películas más gratificantes a nivel personal, The Enchanted Cottage (1945), una nueva versión de la producción cinematográfica muda de 1924 del director John S. Robertson , ambas basadas en la obra de teatro homónima de 1921 de Arthur Wing Pinero . [104]
Una fantasía romántica, “manejada con percepción y sentimiento” por Cromwell, cuenta la historia (presentada en flashbacks) de un veterano de guerra desfigurado Robert Young que regresa de la Segunda Guerra Mundial y una doncella “patito feo” Dorothy McGuire , quienes se casan y juntos descubren el poder transformador del amor. El pianista y compositor Herbert Marshall , cegado en la guerra, contribuye a su triunfo personal. [105] [106]
Al regresar a 20th Century Fox, Cromwell se embarcó en otro proyecto satisfactorio, Ana y el rey de Siam (1947), "una demostración de la artesanía de Cromwell" que le valió premios Oscar por fotografía y dirección artística. La historia de 1944 de la autora Margaret Landon se basa en las memorias de la angloindia Anna Leonowens , quien sirvió como institutriz del rey Mongkut de Siam (ahora Tailandia) en la década de 1860. El rey es interpretado por Rex Harrison y la institutriz por Irene Dunne . Su tarea es dar tutoría a sus numerosos hijos engendrados con su harén y "guiar al rey en asuntos de estado y de casa" informados por sus sensibilidades pequeñoburguesas. Cromwell evita tanto el alivio cómico como el espectáculo, concentrándose en el desarrollo del carácter del rey y Ana. [107] [108]
Un éxito de taquilla y de los premios Oscar, el cuento de Leonowens apareció como musical de Broadway de Rodgers y Hammerstein en 1951 y en la película El rey y yo (1956). [109] [110]
RKO le asignó a Cromwell el drama Night Song (1948), protagonizado por Dana Andrews y Merle Oberon, sobre una mujer adinerada de la alta sociedad que se esfuerza por avanzar en su carrera como pianista ciega. Calificada como "un desastre [y] una película increíble", la única gracia salvadora de la película es una aparición especial de Arthur Rubinstein tocando el piano. [111]
Durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, Cromwell creó una serie de películas que se consideran cine negro y reflejan la trampa que se le inculpó al director como un compañero de viaje acusado de simpatías comunistas por los investigadores del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes y los ejecutivos de Hollywood durante la era emergente del macartismo . Cromwell afirmó que "nunca fui nada que sugiriera un rojo , y nunca hubo la más mínima evidencia con la que acusarme de serlo". Sin embargo, Cromwell estuvo en la lista negra de la industria cinematográfica de Hollywood desde 1952 hasta 1958. [112]
Los estudios Warner Bros., que tenían bajo contrato a la estrella de cine Humphrey Bogart , aceptaron a regañadientes un intercambio de actores con Columbia Pictures de Harry Cohn , lo que dejó a Bogart disponible por un período de tiempo limitado para el estudio rival. Bogart tenía la opción de elegir a su director y guion, y se decidió por Cromwell. [113] [114] Cromwell recordó su primer encuentro con el actor en la producción de Broadway de 1922 de Drifting en la que Bogart fue elegido para los papeles de Ernie Crockett y El tercer marido: [115]
Había puesto a Humphrey Bogart en escena cuando era un niño; solía rondar por el Teatro Playhouse [y] asistir a los ensayos... [Una vez, cuando un actor destacado no se presentó] alguien pensó en Bogart, que en ese momento era el más responsable, el más encantador [de los jóvenes actores en perspectiva]. Por supuesto, estaba muy emocionado por hacerlo, y creo que una vez me dijo: "Sr. Cromwell... ¿Me dirijo al público cuando digo mis líneas o hablo con los personajes?". Hablé con él sobre todas estas cosas, pero la obra fue un fracaso estrepitoso. [116]
En Dead Reckoning (1947), Bogart interpreta a un veterano de la Segunda Guerra Mundial que se embarca en una persecución mortal para localizar al asesino de un compañero de armas. Lizabeth Scott es la femme fatale del cine negro . [117] La narrativa, a menudo incoherente, refleja la lucha de Cromwell por darle sentido al desconcertante guión. Cromwell recordó:
No teníamos historia. [Los guionistas] nos proporcionaron el montón de material que siempre tenían a mano para ver a quién podían encomendárselo... Finalmente conseguí esto, una especie de cosa nociva, pero sentí que tal vez [Bogart y yo] podríamos hacer algo con ella. [118]
A pesar de estas limitaciones conceptuales, Cromwell logra un nivel de coherencia que produce una película vigorosa en el estilo del cine negro. [119]
Durante las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes (HUAC) de 1947 sobre la industria cinematográfica, John Cromwell fue identificado como una persona de interés vinculada a la supuesta subversión comunista en Hollywood. [120] Cromwell se describió a sí mismo como "un demócrata 'liberal'" y afirma que no se volvió políticamente activo hasta la campaña de reelección del presidente estadounidense Franklin Delano Roosevelt , que se presentó por tercera vez a la Casa Blanca en 1940. La mayor parte de esto, según Cromwell, se limitó a recaudar cuotas de membresía para el Comité Demócrata de Hollywood, que constaba de "3.000 miembros". [121] En una entrevista de 1973 con el historiador de cine Leonard Maltin para la revista Action , Cromwell relató los esfuerzos de los estudios para socavar su trabajo durante las cacerías de brujas anticomunistas :
Empecé a sentir la presión, sí... Le había pedido a mi agente que averiguara si yo figuraba en una lista de 200 nombres [de presuntos comunistas] que se suponía que circularía universalmente en todos los grandes estudios, y él hizo lo que pudo para averiguarlo y dijo: "¡De ninguna manera!". Y sentí que esto era prácticamente una autorización porque mi nombre figuraba en la lista local del estado [de California] y había aparecido muy a menudo. Así que conseguí el contrato de la RKO. [122]
El agente de Cromwell había negociado un excelente contrato cinematográfico, pero en cuestión de semanas RKO fue adquirida por el productor cinematográfico y anticomunista Howard Hughes . Como recordaba Cromwell, "la completa libertad respecto de la política entre estudios se esfumó". Dijo que el cambio de propiedad provocó un éxodo de guionistas y técnicos de los estudios cuyas "reputaciones" eran percibidas por los ejecutivos de Hollywood como "teñidas" de simpatías por el comunismo: los guionistas "sabían que era inútil quedarse allí". [123] [124]
Cromwell, que seguía bajo contrato, decidió perseverar en la RKO, confiado en que "no podrían hacerme mucho daño". Por el contrario, Cromwell percibió un esfuerzo consciente para obligarlo a dejar la empresa cuando los ejecutivos de la RKO le presentaron un ultimátum: aceptar los guiones y libretos dictados por el estudio o violar su contrato. Cromwell estaba convencido de que un guionista se había acercado a Hughes, instándolo a comprar los derechos de una historia que era tan repulsiva para Cromwell que el director se vería obligado a rechazarla, lo que le daría a la RKO motivos para rescindir su lucrativo acuerdo. [125] Cromwell describe su dilema:
Me enviaron un guión y me dijeron: "Esta será tu próxima tarea". Miré el guión y el título era " Me casé con un comunista" y pensé que era bastante gracioso... Nunca leí un guión tan malo en mi vida; cuanto más pensaba en ello, más convencido estaba de que nunca podría hacerse... [pero] decidí perseverar. [126]
Cromwell informa que el estudio asignó inmediatamente a un guionista al equipo de preproducción que era "uno de los peores ' cazadores de brujas ' [anticomunistas] de Hollywood, y vi que esto era bastante deliberado". [127] Se encargó a varios guionistas desarrollar un guion viable a partir de la historia defectuosa. Llegaron a un desacuerdo con Cromwell, y finalmente convencieron a la gerencia de RKO de que era "lógicamente" imposible hacer la película. Cuando los retrasos en la producción amenazaron con activar la cláusula de "triple salario" en el contrato de Cromwell, RKO prestó a Cromwell a Warner Bros. para hacer Caged . La película final, finalmente estrenada en 1949, tuvo que retitularse The Woman on Pier 13. [ 128]
La película negra de Cromwell, Caged (1950), es una crítica a la jerarquía social y sexual estadounidense que se desarrolla en el microcosmos de una prisión de mujeres. Entre las "películas más amargas" de Cromwell, el historiador Kingsley Canham describe su formulación:
Se desarrolla en una sucesión de acusaciones estructuradas en función de su importancia. Los hombres son vistos como la perdición de las mujeres; el trato severo en prisión los embrutece; la indiferencia y las artimañas oficiales impiden la ayuda generosa; y su corrupción se completa con su contacto con los criminales empedernidos que son ellos mismos víctimas. [129]
Cromwell, una producción de Warner Brothers, adoptó los efectos visuales, la temática y la música dramática característicos de las películas del estudio, incluido su diálogo “duro”. [130] [131]
En el centro de la obra de Cromwell -y "contrariamente a su tipo"- están las sólidas actuaciones de Eleanor Parker , Agnes Moorehead , Hope Emerson , Betty Garde y Lee Patrick , a través de las cuales "expone su caso". [132] [133]
Cromwell regresó a RKO (con John Houseman como productor) en un intento de los estudios por duplicar el éxito de Caged, nuevamente un drama criminal, donde Dennis O'Keefe es el objeto de amor de Jane Greer y Lizabeth Scott : The Company She Keeps (1951). Cromwell no logró aprovechar al máximo el talentoso elenco ni dramatizar de manera efectiva el confuso guion. [134]
La última película de Cromwell antes de su expulsión de los estudios de Hollywood en virtud de la lista negra anticomunista fue The Racket (1951). La obra de Bartlett Cormack se había representado en Broadway en 1927, con Cromwell en el papel principal del capitán McQuigg (con la futura estrella de cine Edward G. Robinson en un pequeño papel). En la adaptación cinematográfica muda de 1928 de la obra dirigida por Lewis Milestone y producida por Howard Hughes, de 22 años, Robinson es elevado al papel del gánster Nick Scanlon para esta versión cinematográfica muda. [135] [136] Robert Mitchum repite el papel del honesto capitán de policía Thomas McQuigg, el mismo director de personajes que Cromwell había interpretado en Broadway en 1927. [137]
La versión cinematográfica de Cromwell es una película negra oscura y pesimista que exhibe el gangsterismo de "la estructura corporativa empresarial... los matones sin cerebro... los fiadores corruptos y los policías y jueces corruptos hasta el invisible 'Hombre' que está en la cima". La película, que incluye escenas de lucha llenas de suspenso y efectivas, ofrece "entretenimiento competente".
Cromwell estaba tan familiarizado con el material que Howard Hughes, de la RKO, rechazó el montaje final y contrató al director Nicholas Ray para rodar escenas adicionales. Se dice que Cromwell abandonó el set disgustado. Debido a que los estudios de Hollywood lo incluyeron en la lista negra, Cromwell no volvió a trabajar en la industria cinematográfica hasta más tarde en la década. [138]
Durante los años de inactividad forzada de los estudios a partir de 1952, el único trabajo de Cromwell en Hollywood fue un pequeño papel como actor en Top Secret Affair (1957), dirigida por HC Potter y protagonizada por Kirk Douglas y Susan Hayward . El historiador Kingsley Canham informa que el antiguo director estuvo "activo en el teatro" durante estos años intermedios. Cromwell se sintió tentado a volver a dirigir películas cuando Columbia Pictures le prometió la opción de hacer el "primer corte" en el largometraje propuesto. The Goddess (1958) fue su último trabajo cinematográfico importante y "en muchos aspectos una de sus mejores películas". [139]
La historia y el guión del dramaturgo Paddy Chayefsky detallan el trágico ascenso y caída de una actriz ficticia de Hollywood, Emily Ann Faulkner/Rita Shawn. Cromwell eligió presentar la saga en tres episodios cronológicos y dramáticos: "Retrato de una joven, Maryland 1930" (Faulkner interpretada por Patty Duke , de 9 años ), "Retrato de una mujer joven" y "Retrato de una diosa" (los dos últimos interpretados por Kim Stanley ). [140] [141]
Cromwell utiliza la película como una plataforma en la que "parodiar amargamente el emocionalismo de sus películas anteriores", uniendo los episodios mediante la repetición de fragmentos de diálogo de los personajes que "resuenan" a lo largo de la película. [142]
La Diosa surge como un ajuste de cuentas de Cromwell con la industria cinematográfica de Hollywood. La caracterización de Emily Ann Faulkner y Rita Shawn surge como una crítica al sistema de Hollywood. El historiador de cine Kingsley Canham observa:
La heroína de Cromwell es a la vez víctima y monstruo; se le permite una ambigüedad de carácter que comparten muchas de sus villanas, pero él no muestra piedad ni compasión por los mecánicos de la industria cinematográfica a quienes acusa de ser los responsables de su caída. La película le ofrece una oportunidad de desahogar su relación de amor/odio durante toda su vida en la industria cinematográfica. [143]
Cromwell descubrió que sus derechos de “primer corte” no eran suficientes para preservar su obra, y en una edición posterior realizada gracias a los esfuerzos del escritor Chayefsky, La diosa se redujo a la mitad de su extensión original. Cromwell finalmente abandonó el proyecto. [144]
La carrera cinematográfica de Cromwell cerró con dos películas mediocres: The Scavengers (1959), protagonizada por Vince Edwards y Carol Ohmart , hecha en Filipinas, y un drama de bajo presupuesto, A Matter of Morals (1961), hecho en sueco con Maj-Britt Nilsson y Patrick O'Neal . [145]
Cromwell dedicó el resto de su carrera principalmente al teatro, donde había comenzado. Escribió tres obras, todas puestas en escena en Nueva York; protagonizó junto a Helen Hayes una reposición de What Every Woman Knows , dirigió la compañía original de Broadway de Desk Set y finalmente encontró satisfacción artística en cuatro temporadas en el teatro Tyrone Guthrie en Minneapolis, fundado por el director británico expatriado en 1963 cuando él, como Cromwell, se había desencantado con el creciente comercialismo de Broadway.
Cromwell fue elegido por Robert Altman para el papel del Sr. Rose en la película 3 Women (1977), protagonizada por Shelley Duvall y Sissy Spacek , y como el obispo Martin en A Wedding (1978), protagonizada por Desi Arnaz, Jr. , Carol Burnett , Geraldine Chaplin , Mia Farrow , Vittorio Gassman y Lillian Gish . Su esposa Ruth Nelson también apareció en ambas películas de Altman.
Cromwell se casó cuatro veces. Su primera esposa, la actriz de teatro Alice Lindahl, murió de gripe en 1918. [146] Él y la actriz de teatro Marie Goff se divorciaron. Cromwell se casó después con la actriz Kay Johnson en 1928, divorciándose en 1946. Su último matrimonio, con la actriz Ruth Nelson en 1947, duró hasta su muerte en 1979. [1] [147] Cromwell y Johnson tuvieron dos hijos; [148] uno es el actor James Cromwell . [149]
Murió a los 92 años en Santa Bárbara, California, de una embolia pulmonar. [150]
De 1912 a 1928. [151]
