Ralph Vaughan Williams OM ( / ˌ r eɪ f v ɔː n ˈ w ɪ l j ə m z / RAYFvawnWIL-yəmz;[1][n 1]12 de octubre de 1872 - 26 de agosto de 1958) fue un compositor inglés. Sus obras incluyen óperas, ballets, música de cámara, piezas vocales seculares y religiosas y composiciones orquestales, incluidas nueve sinfonías, escritas a lo largo de sesenta años. Fuertemente influenciado porla música Tudoryla canción popular inglesa, su producción marcó una ruptura decisiva en la música británica con su estilo dominado por los alemanes del siglo XIX.
Vaughan Williams nació en una familia acomodada con fuertes convicciones morales y una perspectiva social progresista. A lo largo de su vida trató de estar al servicio de sus conciudadanos y creía en hacer que la música estuviera lo más disponible posible para todos. Escribió muchas obras para interpretación de aficionados y estudiantes. Su desarrollo musical fue tardío y no encontró su verdadera voz hasta finales de los treinta; sus estudios en 1907-1908 con el compositor francés Maurice Ravel lo ayudaron a aclarar las texturas de su música y liberarla de las influencias teutónicas .
Vaughan Williams es uno de los sinfonistas británicos más conocidos, conocido por su amplia gama de estados de ánimo, desde tormentosos y apasionados a tranquilos, desde misteriosos a exuberantes. Entre sus otras obras de concierto más conocidas se encuentran Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis (1910) y The Lark Ascending (1914). Sus obras vocales incluyen himnos, arreglos de canciones populares y piezas corales a gran escala. Escribió ocho obras para su interpretación escénica entre 1919 y 1951. Aunque ninguna de sus óperas se convirtió en piezas de repertorio populares, su ballet Job: A Masque for Dancing (1930) tuvo éxito y se ha representado con frecuencia.
Dos episodios dejaron una huella especialmente profunda en la vida personal de Vaughan Williams. La Primera Guerra Mundial , en la que sirvió en el ejército, tuvo un efecto emocional duradero. Veinte años después, aunque ya tenía sesenta años y estaba casado devotamente, se sintió revigorizado por una relación amorosa con una mujer mucho más joven, que más tarde se convertiría en su segunda esposa. Siguió componiendo durante sus setenta y ochenta años, y produjo su última sinfonía meses antes de su muerte a la edad de ochenta y cinco años. Sus obras han seguido siendo un elemento básico del repertorio de conciertos británico, y todas sus composiciones principales y muchas de las menores han sido grabadas.
Vaughan Williams nació en Down Ampney , Gloucestershire , el tercer hijo y el varón más joven del vicario , el reverendo Arthur Vaughan Williams (1834-1875), y su esposa, Margaret, de soltera Wedgwood (1842-1937). [3] [n 2] Sus antepasados paternos eran de ascendencia inglesa y galesa mixta; muchos de ellos se dedicaron al derecho o a la Iglesia . Los jueces Sir Edward y Sir Roland Vaughan Williams eran respectivamente el padre y el hermano de Arthur. [5] Margaret Vaughan Williams era bisnieta de Josiah Wedgwood y sobrina de Charles Darwin . [n 3]
Arthur Vaughan Williams murió repentinamente en febrero de 1875, y su viuda se llevó a los niños a vivir a su casa familiar, Leith Hill Place, Wotton, Surrey . [6] Los niños estaban bajo el cuidado de una niñera, Sara Wager, que les inculcó no sólo modales educados y buena conducta, sino también opiniones sociales y filosóficas liberales. [7] Tales puntos de vista eran coherentes con la tradición progresista de ambos lados de la familia. Cuando el joven Vaughan Williams le preguntó a su madre sobre el polémico libro de Darwin El origen de las especies , ella respondió: "La Biblia dice que Dios hizo el mundo en seis días. El tío abuelo Charles cree que tardó más: pero no debemos preocuparnos por eso, porque es igualmente maravilloso de cualquier manera". [8]
En 1878, a la edad de cinco años, Vaughan Williams comenzó a recibir lecciones de piano de su tía, Sophy Wedgwood. Mostró signos de talento musical desde muy temprano, componiendo su primera pieza musical, una pieza para piano de cuatro compases llamada "The Robin's Nest", ese mismo año. No le gustaba mucho el piano, y se alegró de comenzar a tomar lecciones de violín al año siguiente. [6] [9] En 1880, cuando tenía ocho años, tomó un curso de música por correspondencia en la Universidad de Edimburgo y aprobó los exámenes correspondientes. [9]
En septiembre de 1883 fue a estudiar como interno en la escuela preparatoria Field House, en Rottingdean , en la costa sur de Inglaterra, a sesenta y cuatro kilómetros de Wotton. En general, allí se sentía feliz, aunque le sorprendió encontrarse por primera vez con el esnobismo social y el conservadurismo político que reinaban entre sus compañeros. [10] De allí pasó a la escuela pública Charterhouse en enero de 1887. Sus logros académicos y deportivos allí fueron satisfactorios, y la escuela fomentó su desarrollo musical. [11] En 1888 organizó un concierto en el salón de actos de la escuela, que incluyó una interpretación de su Trío para piano en sol mayor (ahora perdido) con el compositor como violinista. [6]
Mientras estuvo en Charterhouse, Vaughan Williams descubrió que la religión significaba cada vez menos para él y, durante un tiempo, fue ateo . Esto se suavizó hasta convertirse en un "alegre agnosticismo " [12] y continuó asistiendo a la iglesia regularmente para no molestar a la familia. Sus opiniones sobre la religión no afectaron su amor por la Versión Autorizada de la Biblia , cuya belleza, en palabras de su viuda Ursula Vaughan Williams en su biografía del compositor de 1964, siguió siendo "una de sus compañeras esenciales a lo largo de la vida". [12] En esto, como en muchas otras cosas de su vida, fue, según su biógrafo Michael Kennedy , "ese producto extremadamente inglés, el inconformista natural con un respeto conservador por la mejor tradición". [13]
En julio de 1890 Vaughan Williams abandonó Charterhouse y en septiembre se matriculó como estudiante en el Royal College of Music (RCM) de Londres. Tras un curso obligatorio de armonía con Francis Edward Gladstone , profesor de órgano, contrapunto y armonía, estudió órgano con Walter Parratt y composición con Hubert Parry . Idolatraba a Parry, [14] y recordaba en su Autobiografía musical (1950):
Parry me dijo una vez: «Escribe música coral como corresponde a un inglés y a un demócrata». Los discípulos de Parry, si hemos sido inteligentes, hemos heredado de él la gran tradición coral inglesa, que Tallis transmitió a Byrd , Byrd a Gibbons , Gibbons a Purcell , Purcell a Battishill y Greene , y éstos a su vez, a través de los Wesley, a Parry. Él nos ha pasado la antorcha y es nuestro deber mantenerla encendida. [15]
La familia de Vaughan Williams hubiera preferido que permaneciera en Charterhouse dos años más y luego fuera a la Universidad de Cambridge . No estaban convencidos de que tuviera el talento suficiente para seguir una carrera musical, pero sintieron que sería un error impedirle que lo intentara, por lo que le permitieron ir al RCM. [n 4] Sin embargo, se esperaba que tuviera una educación universitaria y en 1892 abandonó temporalmente el RCM y entró en el Trinity College de Cambridge , donde pasó tres años estudiando música e historia. [6]
Entre aquellos con quienes Vaughan Williams trabó amistad en Cambridge se encontraban los filósofos G. E. Moore y Bertrand Russell , el historiador G. M. Trevelyan y el músico Hugh Allen . [3] [17] Se sintió eclipsado intelectualmente por algunos de sus compañeros, pero aprendió mucho de ellos y formó amistades de por vida con varios. [18] Entre las mujeres con las que se relacionó socialmente en Cambridge estaba Adeline Fisher, la hija de Herbert Fisher , un viejo amigo de la familia Vaughan Williams. Ella y Vaughan Williams se hicieron cercanos, y en junio de 1897, después de que él se fuera de Cambridge, se comprometieron para casarse. [19] [n 5]
Durante su estancia en Cambridge, Vaughan Williams continuó sus lecciones semanales con Parry y estudió composición con Charles Wood y órgano con Alan Gray . Se graduó como Licenciado en Música en 1894 y como Licenciado en Artes al año siguiente. [6] Tras dejar la universidad, regresó para completar su formación en el RCM. Para entonces, Parry había sucedido a Sir George Grove como director de la universidad y el nuevo profesor de composición de Vaughan Williams era Charles Villiers Stanford . Las relaciones entre profesor y alumno eran tormentosas pero afectuosas. Stanford, que había sido aventurero en su juventud, se había vuelto profundamente conservador; chocaba vigorosamente con su alumno de mentalidad moderna. Vaughan Williams no tenía ningún deseo de seguir las tradiciones de los ídolos de Stanford, Brahms y Wagner , y se enfrentó a su profesor como pocos estudiantes se atrevieron a hacerlo. [21] Debajo de la severidad de Stanford se escondía un reconocimiento del talento de Vaughan Williams y un deseo de ayudar al joven a corregir su orquestación opaca y su extrema predilección por la música modal . [22]
En su segunda etapa en el RCM (1895-1896), Vaughan Williams conoció a un compañero de estudios, Gustav Holst , con quien se convirtió en un amigo de por vida. Stanford hizo hincapié en la necesidad de que sus estudiantes fueran autocríticos, pero Vaughan Williams y Holst se convirtieron, y siguieron siendo, los críticos más valiosos del otro; cada uno tocaba su última composición al otro mientras seguía trabajando en ella. Vaughan Williams observó más tarde: "Lo que uno realmente aprende en una academia o universidad no es tanto de sus profesores oficiales como de sus compañeros de estudios... [discutíamos] todos los temas bajo el sol, desde la nota más baja del fagot hasta la filosofía de Jude el Oscuro ". [23] En 1949 escribió sobre su relación: "Holst declaró que su música estaba influenciada por la de su amigo: lo inverso es ciertamente cierto". [24]
Vaughan Williams tenía unos ingresos privados modestos, que al principio de su carrera complementó con una variedad de actividades musicales. Aunque el órgano no era su instrumento preferido, [n 6] el único puesto que ocupó por un salario anual fue el de organista de iglesia y director de coro. Ocupó el puesto en St Barnabas, en el distrito de South Lambeth , en el centro de Londres , de 1895 a 1899 por un salario de 50 libras al año. No le gustaba el trabajo, pero trabajar en estrecha colaboración con un coro fue una experiencia valiosa para sus proyectos posteriores. [25]
En octubre de 1897 Adeline y Vaughan Williams se casaron. Pasaron su luna de miel durante varios meses en Berlín, donde él estudió con Max Bruch . [3] A su regreso se establecieron en Londres, originalmente en Westminster y, a partir de 1905, en Chelsea . No hubo hijos del matrimonio. [26]
En 1899 Vaughan Williams aprobó el examen para el grado de Doctor en Música en Cambridge; el título le fue conferido formalmente en 1901. [26] [27] La canción "Linden Lea" se convirtió en la primera de sus obras en aparecer impresa, publicada en la revista The Vocalist en abril de 1902 y luego como partitura independiente. [6] [28] Además de la composición, se ocupó de varias capacidades durante la primera década del siglo. Escribió artículos para revistas musicales y para la segunda edición del Grove's Dictionary of Music and Musicians , editó el primer volumen de Purcell's Welcome Songs para la Purcell Society y estuvo involucrado durante un tiempo en la educación de adultos en las University Extension Lectures. De 1904 a 1906 fue editor musical de un nuevo himnario, The English Hymnal , del que más tarde dijo: "Ahora sé que dos años de estrecha asociación con algunas de las mejores (así como algunas de las peores) melodías del mundo fueron una mejor educación musical que cualquier cantidad de sonatas y fugas". [29] Siempre comprometido con la creación musical para toda la comunidad, ayudó a fundar el Leith Hill Musical Festival amateur en 1905, y fue nombrado su director principal, cargo que ocupó hasta 1953. [3]
Entre 1903 y 1904, Vaughan Williams comenzó a recopilar canciones populares . Siempre le habían interesado y ahora seguía el ejemplo de una generación reciente de entusiastas como Cecil Sharp y Lucy Broadwood , que iban a la campiña inglesa a anotar y transcribir canciones que se cantaban tradicionalmente en varios lugares. [30] Se publicaron colecciones de las canciones, que preservaron muchas que de otro modo podrían haber desaparecido a medida que se extinguían las tradiciones orales. Vaughan Williams incorporó algunas a sus propias composiciones y, en general, se vio influenciado por las formas modales predominantes. [31] Esto, junto con su amor por la música Tudor y Estuardo, ayudó a dar forma a su estilo compositivo para el resto de su carrera. [3]
Durante este período, Vaughan Williams compuso de manera constante, produciendo canciones, música coral, obras de cámara y piezas orquestales, encontrando gradualmente los inicios de su estilo maduro. [32] Sus composiciones incluyeron el poema sinfónico In the Fen Country (1904) y Norfolk Rhapsody No. 1 (1906). [33] Siguió insatisfecho con su técnica como compositor. Después de buscar lecciones sin éxito de Sir Edward Elgar , [34] contempló estudiar con Vincent d'Indy en París. En cambio, el crítico y musicólogo M. D. Calvocoressi le presentó a Maurice Ravel , un músico más modernista y menos dogmático que d'Indy. [34]
Ravel tuvo pocos alumnos y era conocido por ser un maestro exigente con aquellos a los que aceptaba enseñar. [35] Vaughan Williams pasó tres meses en París en el invierno de 1907-1908, trabajando con él cuatro o cinco veces por semana. [36] Hay poca documentación del tiempo de Vaughan Williams con Ravel; el musicólogo Byron Adams aconseja cautela al confiar en los recuerdos de Vaughan Williams en la Autobiografía musical escrita cuarenta y tres años después del evento. [37] El grado en que el compositor francés influyó en el estilo del inglés es objeto de debate. [38] Ravel declaró que Vaughan Williams era "mi único alumno que no escribe mi música"; [39] Sin embargo, comentaristas como Kennedy, Adams, Hugh Ottaway y Alain Frogley encuentran las texturas instrumentales de Vaughan Williams más ligeras y nítidas en la música escrita después de su regreso de París, como el Cuarteto de cuerdas en sol menor, On Wenlock Edge , la Obertura de The Wasps y A Sea Symphony . [31] [40] El propio Vaughan Williams dijo que Ravel lo había ayudado a escapar de "la pesada manera teutónica contrapuntística". [41]
En los años transcurridos entre su regreso de París en 1908 y el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, Vaughan Williams se fue consolidando cada vez más como figura de la música británica. Para un compositor en ascenso era importante recibir interpretaciones en los grandes festivales provinciales de música, que generaban publicidad y regalías. [42] En 1910 su música se presentó en dos de los festivales más grandes y prestigiosos, con los estrenos de la Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis en el Festival de los Tres Coros en la Catedral de Gloucester en septiembre y A Sea Symphony en el Festival de Leeds el mes siguiente. [43] [44] Los principales críticos musicales británicos de la época, JA Fuller Maitland de The Times y Samuel Langford de The Manchester Guardian , fueron fuertes en sus elogios. El primero escribió sobre la fantasía: "La obra es maravillosa porque parece elevarte a una región desconocida de pensamiento y sentimiento musical. A lo largo de su curso uno nunca está seguro de si está escuchando algo muy antiguo o muy nuevo". [43] Langford declaró que la sinfonía "coloca definitivamente una nueva figura en el primer rango de nuestros compositores ingleses". [45] [n 7] Entre estos éxitos y el comienzo de la guerra, la obra de mayor envergadura de Vaughan Williams fue la primera versión de A London Symphony (1914). Ese mismo año escribió The Lark Ascending en su forma original para violín y piano. [6]
A pesar de su edad (se acercaba a los cuarenta y dos en octubre), Vaughan Williams se presentó voluntario al servicio militar cuando estalló la Primera Guerra Mundial en agosto. Se unió al Cuerpo Médico del Ejército Real como soldado raso y sirvió como camillero en una ambulancia en Francia y más tarde en Grecia. [47] Frogley escribe sobre este período que Vaughan Williams era considerablemente mayor que la mayoría de sus camaradas, y "el agotador trabajo de los peligrosos viajes nocturnos a través del barro y la lluvia debe haber sido más agotador de lo habitual". [3] La guerra dejó su marca emocional en Vaughan Williams, que perdió a muchos camaradas y amigos, incluido el joven compositor George Butterworth . [48] En 1917, Vaughan Williams fue comisionado como teniente de la Artillería Real y entró en acción en Francia desde marzo de 1918. El ruido continuo de los cañones dañó su audición y le provocó sordera en sus últimos años. [49] Después del armisticio de 1918, sirvió como director de música del Primer Ejército británico hasta su desmovilización en febrero de 1919. [5]
Durante la guerra, Vaughan Williams dejó de escribir música y, tras regresar a la vida civil, tardó un tiempo en sentirse preparado para componer nuevas obras. Revisó algunas piezas anteriores y centró su atención en otras actividades musicales. En 1919 aceptó una invitación de Hugh Allen, que había sucedido a Parry como director, para enseñar composición en el RCM; permaneció en el cuerpo docente de la universidad durante los siguientes veinte años. [50] [n 8] En 1921 sucedió a Allen como director del Coro Bach de Londres. No fue hasta 1922 que produjo una nueva composición importante, A Pastoral Symphony ; la obra se estrenó en Londres en mayo dirigida por Adrian Boult y se estrenó en Estados Unidos en junio dirigida por el compositor. [53]
A lo largo de la década de 1920, Vaughan Williams continuó componiendo, dirigiendo y enseñando. Kennedy enumera cuarenta obras estrenadas durante la década, entre ellas la Misa en sol menor (1922), el ballet Old King Cole (1923), las óperas Hugh the Drover y Sir John in Love (1924 y 1928), la suite Flos Campi (1925) y el oratorio Sancta Civitas (1925). [54]
Durante la década, Adeline quedó cada vez más inmovilizada por la artritis, y las numerosas escaleras de su casa de Londres finalmente hicieron que los Vaughan Williams se mudaran en 1929 a una casa más manejable, "The White Gates", Dorking , donde vivieron hasta la muerte de Adeline en 1951. Vaughan Williams, que se consideraba un londinense completo, lamentaba dejar la capital, pero su esposa estaba ansiosa por vivir en el campo, y Dorking estaba a una distancia razonablemente conveniente de la ciudad. [55]
En 1932, Vaughan Williams fue elegido presidente de la English Folk Dance and Song Society . De septiembre a diciembre de ese año estuvo en los EE. UU. como profesor visitante en el Bryn Mawr College , Pensilvania. [6] Los textos de sus conferencias se publicaron bajo el título National Music en 1934; resumen su credo artístico y social de manera más completa que todo lo que había publicado anteriormente, y permanecieron impresos durante la mayor parte del resto del siglo. [3]
Durante la década de 1930, Vaughan Williams llegó a ser considerado una figura destacada de la música británica, en particular después de las muertes de Elgar, Delius y Holst en 1934. [56] La muerte de Holst fue un duro golpe personal y profesional para Vaughan Williams; los dos habían sido los amigos más cercanos y consejeros musicales desde sus días universitarios. Después de la muerte de Holst, Vaughan Williams se alegró de recibir el consejo y el apoyo de otros amigos, entre ellos Boult y el compositor Gerald Finzi , [57] pero su relación con Holst era irremplazable. [58]
En algunas de las obras de Vaughan Williams de la década de 1930 hay un tono explícitamente oscuro, incluso violento. El ballet Job: A Masque for Dancing (1930) y la Cuarta Sinfonía (1935) sorprendieron al público y a los críticos. [31] El tono discordante y violento de la sinfonía, escrita en una época de creciente tensión internacional, llevó a muchos críticos a suponer que la sinfonía era programática . Hubert Foss la denominó «La romántica» y Frank Howes la llamó «La fascista». [59] El compositor desestimó tales interpretaciones e insistió en que la obra era música absoluta , sin programa de ningún tipo; no obstante, algunos de sus allegados, incluidos Foss y Boult, seguían convencidos de que algo del espíritu atribulado de la época estaba capturado en la obra. [59] [n 9]
A medida que avanzaba la década, Vaughan Williams se dio cuenta de que le faltaba inspiración musical y atravesó su primer período de estancamiento desde su silencio musical durante la guerra. Después de su cantata contra la guerra Dona nobis pacem en 1936, no completó otra obra de extensión sustancial hasta finales de 1941, cuando se completó la primera versión de la Quinta Sinfonía . [3]
En 1938, Vaughan Williams conoció a Ursula Wood (1911-2007), la esposa de un oficial del ejército, el capitán (más tarde teniente coronel) Michael Forrester Wood. [61] Ella era poeta y se había acercado al compositor con una propuesta de guión para un ballet. A pesar de que ambos estaban casados y había una diferencia de edad de cuatro décadas, se enamoraron casi desde su primer encuentro; mantuvieron una relación amorosa secreta durante más de una década. [62] Ursula se convirtió en la musa, ayudante y compañera del compositor en Londres, y más tarde lo ayudó a cuidar de su esposa enferma. No se sabe con certeza si Adeline sabía o sospechaba que Ursula y Vaughan Williams eran amantes, pero las relaciones entre las dos mujeres fueron de cálida amistad durante los años que se conocieron. La preocupación del compositor por su primera esposa nunca flaqueó, según Ursula, quien admitió en la década de 1980 que había estado celosa de Adeline, cuyo lugar en la vida y los afectos de Vaughan Williams era indiscutible. [62]
Durante la Segunda Guerra Mundial, Vaughan Williams participó activamente en el trabajo de guerra civil, presidiendo el Comité del Ministerio del Interior para la Liberación de Músicos Extranjeros Internados, ayudando a Myra Hess con la organización de los conciertos diarios de la National Gallery , sirviendo en un comité para refugiados de la opresión nazi y en el Consejo para el Fomento de la Música y las Artes (CEMA), el precursor del Consejo de las Artes . [6] En 1940 compuso su primera banda sonora para la película de propaganda 49th Parallel . [63]
En 1942, Michael Wood murió repentinamente de un paro cardíaco. A instancias de Adeline, Ursula, que ya había quedado viuda, fue invitada a quedarse con los Vaughan Williams en Dorking, y desde entonces fue una visitante habitual, a veces quedándose semanas enteras. El crítico Michael White sugiere que Adeline "parece, de la manera más amistosa, haber adoptado a Ursula como su sucesora". [64] Ursula registró que durante los ataques aéreos las tres dormían en la misma habitación, en camas adyacentes, cogidas de la mano para consolarse. [64]
En 1943, Vaughan Williams dirigió el estreno de su Quinta sinfonía en los Proms . Su tono sereno contrastaba con la tormentosa Cuarta, y llevó a algunos comentaristas a pensar que era una despedida sinfónica. William Glock escribió que era "como la obra de un poeta distinguido que no tiene nada muy nuevo que decir, pero lo dice en un lenguaje exquisitamente fluido". [65] La música que Vaughan Williams escribió para la BBC para celebrar el final de la guerra, Thanksgiving for Victory , estuvo marcada por lo que el crítico Edward Lockspeiser llamó la característica evitación del compositor de "cualquier sugerencia de pomposidad retórica". [66] Cualquier sospecha de que el compositor septuagenario se había asentado en una tranquilidad benigna fue disipada por su Sexta sinfonía (1948), descrita por la crítica Gwyn Parry-Jones como "una de las declaraciones musicales más perturbadoras del siglo XX", que comienza con un "grito primario, sumergiendo al oyente inmediatamente en un mundo de agresión y caos inminente". [67] Como se produjo cerca del comienzo de la Guerra Fría , muchos críticos pensaron que su último movimiento, en pianissimo, era una representación de un páramo arrasado por la energía nuclear. [68] El compositor desestimó las teorías programáticas: "A la gente nunca parece ocurrírsele que un hombre podría querer escribir una pieza musical". [69]
En 1951, Adeline murió a los ochenta años. [70] Ese mismo año, la última ópera de Vaughan Williams, El progreso del peregrino , se representó en el Covent Garden como parte del Festival de Gran Bretaña . Había estado trabajando de forma intermitente en un tratamiento musical de la alegoría de John Bunyan durante cuarenta y cinco años, y la "moralidad" de 1951 fue el resultado final. Las críticas fueron respetuosas, [71] pero la obra no captó la imaginación del público operístico, y la producción de la Royal Opera House fue "insultantemente poco entusiasta", según Frogley. [3] La pieza fue reestrenada al año siguiente, pero aún no fue un gran éxito. Vaughan Williams le comentó a Ursula: "No les gusta, no les gustará, no quieren una ópera sin heroína ni duetos de amor, y no me importa, es lo que quise decir, y ahí está". [72]
En febrero de 1953, Vaughan Williams y Ursula se casaron. [n 10] Él dejó la casa de Dorking y alquilaron el número 10 de Hanover Terrace , Regent's Park , Londres. Fue el año de la coronación de la reina Isabel II ; la contribución de Vaughan Williams fue un arreglo de la melodía del antiguo salmo 100 y una nueva versión de "O taste and see" del Salmo 34 , interpretada en el servicio en la Abadía de Westminster . [73]
Tras regresar a vivir a Londres, Vaughan Williams, con el apoyo de Ursula, se volvió mucho más activo socialmente y en actividades pro bono públicas . Fue una figura destacada en la Sociedad para la Promoción de la Nueva Música [74] , y en 1956 creó y dotó al RVW Trust para apoyar a compositores jóvenes y promover música nueva o olvidada [75] [n 11] Él y su esposa viajaron extensamente por Europa, y en 1954 visitó los EE. UU. una vez más, habiendo sido invitado a dar conferencias en Cornell y otras universidades y a dirigir. Recibió una entusiasta bienvenida de grandes audiencias y se sintió abrumado por la calidez de su recepción [76] Kennedy lo describe como "como una ocasión de estado musical". [77]
Entre las obras de Vaughan Williams de la década de 1950, Grove hace mención particular de Three Shakespeare Songs (1951) para coro no acompañado, la cantata de Navidad Hodie (1953-1954), la Sonata para violín y, más particularmente, Ten Blake Songs (1957) para voz y oboe, "una obra maestra de economía y precisión". [31] Las obras inacabadas de la década fueron un concierto para violonchelo y una nueva ópera, Thomas the Rhymer . [78] Las obras predominantes de la década de 1950 fueron sus tres últimas sinfonías. La séptima, oficialmente sin numerar y titulada Sinfonia antartica , dividió la opinión; la partitura es una reelaboración de la música que Vaughan Williams había escrito para la película de 1948 Scott of the Antarctic , y algunos críticos pensaron que no era verdaderamente sinfónica. [31] La Octava , aunque melancólica en partes, es predominantemente de tono alegre; Fue recibida con entusiasmo en su estreno en 1956, interpretada por la Orquesta Hallé bajo la dirección de Sir John Barbirolli . [79] La Novena , estrenada en un concierto de la Royal Philharmonic Society dirigido por Sir Malcolm Sargent en abril de 1958, desconcertó a los críticos con su tono sombrío e inquisitivo, y no logró inmediatamente el reconocimiento que obtuvo más tarde. [31]
Vaughan Williams, que gozaba de excelente salud, murió repentinamente en la madrugada del 26 de agosto de 1958 en Hanover Terrace, a los 85 años. [80] Dos días después, tras un funeral privado en Golders Green , fue incinerado. El 19 de septiembre, en un concurrido servicio conmemorativo, sus cenizas fueron enterradas cerca de las tumbas de Purcell y Stanford en el pasillo del coro norte de la Abadía de Westminster. [81] [82]
Michael Kennedy caracteriza la música de Vaughan Williams como una mezcla fuertemente individual de las armonías modales familiares de la canción popular con la influencia francesa de Ravel y Debussy. La base de su trabajo es la melodía, sus ritmos, en opinión de Kennedy, son poco sutiles a veces. [83] La música de Vaughan Williams a menudo se describe como visionaria; [n 12] Kennedy cita la mascarada Job y la Quinta y Novena Sinfonías. [83] La producción de Vaughan Williams fue prolífica y de amplio alcance. Para la voz compuso canciones, óperas y obras corales que iban desde piezas más simples adecuadas para aficionados hasta obras exigentes para coros profesionales. Sus comparativamente pocas obras de cámara no se encuentran entre sus composiciones más conocidas. [90] Algunas de sus mejores obras eluden la categorización convencional, como la Serenata a la música (1938) para dieciséis cantantes solistas y orquesta; Flos Campi (1925) para viola solista, pequeña orquesta y pequeño coro; y su obra de cámara más importante, en opinión de Howes —no puramente instrumental sino un ciclo de canciones— On Wenlock Edge (1909) con acompañamiento para cuarteto de cuerdas y piano. [5]
En 1955, los autores de The Record Guide , Edward Sackville-West y Desmond Shawe-Taylor , escribieron que la música de Vaughan Williams mostraba una voz individual excepcionalmente fuerte: el estilo de Vaughan Williams "no es notable por la gracia o la cortesía o el colorido inventivo", sino que expresa "una visión consistente en la que el pensamiento y el sentimiento y sus imágenes equivalentes en la música nunca caen por debajo de un cierto nivel alto de distinción natural". Comentaron que la visión del compositor se expresa en dos estados de ánimo principales contrastantes: "uno contemplativo y similar al trance, el otro combativo y siniestro". El primer estado de ánimo, generalmente predominante en la producción del compositor, fue más popular, ya que el público prefería "la belleza de vidrieras de la Fantasía de Tallis, el atractivo melódico directo de la Serenata a la música , la poesía pastoral de The Lark Ascending y la grave serenidad de la Quinta sinfonía". Por el contrario, como en la ferocidad de las Sinfonías Cuarta y Sexta y el Concierto para dos pianos: "en sus estados de ánimo más sombríos, Vaughan Williams puede ser tan aterrador como Sibelius y Bartók ". [91]
Vaughan Williams es más conocido como sinfonista. [5] El compositor y académico Elliott Schwartz escribió (1964): "Se puede decir con certeza que Vaughan Williams, Sibelius y Prokofiev son los sinfonistas de este siglo". [92] Aunque Vaughan Williams no completó la primera de ellas hasta que tenía treinta y ocho años, las nueve sinfonías abarcan casi medio siglo de su vida creativa. En su análisis de las nueve en 1964, Schwartz encontró sorprendente que no haya dos sinfonías iguales, ni en estructura ni en tono. [93] Los comentaristas han encontrado útil considerar las nueve sinfonías en tres grupos de tres: temprana, media y tardía. [94]
Las tres primeras sinfonías, a las que Vaughan Williams les asignó títulos en lugar de números, [n.° 13] forman un subgrupo dentro de las nueve, ya que tienen elementos programáticos ausentes en las seis posteriores. [94]
Una Sinfonía del Mar (1910), la única de la serie que incluye una parte para coro completo, difiere de la mayoría de las sinfonías corales anteriores en que el coro canta en todos los movimientos. [5] [96] Se ha debatido hasta qué punto es una verdadera sinfonía; en un estudio de 2013, Alain Frogley la describe como una obra híbrida, con elementos de sinfonía, oratorio y cantata. [96] Su gran duración, unos ochenta minutos, no tenía precedentes para una obra sinfónica inglesa, y dentro de su construcción completamente tonal contiene disonancias armónicas que hacen eco de las primeras obras de Stravinsky que pronto seguirían. [97] Una Sinfonía de Londres (1911-1913), que el compositor observó más tarde que podría llamarse con más precisión una "sinfonía de un londinense", [98] en su mayor parte no es abiertamente pictórica en su presentación de Londres. Vaughan Williams insistió en que es "autoexpresiva y debe mantenerse o caer como música 'absoluta'". [99] Hay algunas referencias al paisaje sonoro urbano: breves impresiones de música callejera, con el sonido del organillo imitado por la orquesta; el canto característico del vendedor de lavanda; el tintineo de los cabriolés ; y las campanadas del Big Ben tocadas por el arpa y el clarinete. [100] Pero los comentaristas han escuchado -y el compositor nunca negó ni confirmó- algún comentario social en ecos siniestros al final del scherzo y un estallido orquestal de dolor y desesperación al comienzo del final. [101] Schwartz comenta que la sinfonía, en su "presentación unificada de elementos ampliamente heterogéneos", es "muy parecida a la ciudad misma". [102] Vaughan Williams dijo en sus últimos años que ésta era su sinfonía favorita. [n 14]
La última del primer grupo es Sinfonía pastoral (1921). Los tres primeros movimientos son para orquesta sola; se añade una voz solista de soprano o tenor sin palabras en el final. A pesar del título, la sinfonía se inspira poco en las canciones populares que tanto amaba el compositor, y el paisaje pastoral que evoca no es una escena inglesa tranquila, sino la campiña francesa devastada por la guerra. [104] Algunos músicos ingleses que no habían luchado en la Primera Guerra Mundial malinterpretaron la obra y solo escucharon los tempos lentos y el tono tranquilo, sin darse cuenta del carácter de réquiem en la música y confundiendo la pieza con un idilio rústico. [n 15] Kennedy comenta que no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial que "el espectral 'Last Post' en el segundo movimiento y la voz lamentatoria de la niña en el final" fueron ampliamente notados y comprendidos. [105]
Las tres sinfonías centrales son puramente orquestales y generalmente de forma convencional, con forma sonata (modificada en algunos lugares), tonalidades específicas y estructura de cuatro movimientos. [106] Las fuerzas orquestales requeridas no son grandes para los estándares de la primera mitad del siglo XX, aunque la Cuarta Sinfonía requiere una sección de instrumentos de viento de madera aumentada y la Sexta incluye una parte para saxofón tenor . [107] La Cuarta Sinfonía (1935) asombró a los oyentes con su sorprendente disonancia, muy alejada del tono tranquilo predominante de la sinfonía anterior. [108] El compositor contradijo firmemente cualquier noción de que la obra fuera programática en algún aspecto, y Kennedy llama a los intentos de darle a la obra "un programa meretriz... un pobre complemento a su vitalidad musical y autosuficiencia". [109]
La Quinta Sinfonía (1943) contrastaba totalmente con su predecesora. Vaughan Williams había estado trabajando intermitentemente durante muchos años en su versión operística de El progreso del peregrino de Bunyan . Temiendo (erróneamente, como se demostró) que la ópera nunca se terminara, Vaughan Williams reelaboró parte de la música ya escrita para ella en una nueva sinfonía. A pesar de las tensiones internas causadas por el conflicto deliberado de modalidad en algunos lugares, la obra tiene un carácter generalmente sereno y fue particularmente bien recibida por el consuelo que brindaba en una época de guerra total. [110] Neville Cardus escribió más tarde: "La Quinta Sinfonía contiene la música más benedictoria y consoladora de nuestro tiempo". [111]
Con la Sexta Sinfonía (1948), Vaughan Williams volvió a desbaratar las expectativas. Muchos habían visto la Quinta, compuesta cuando tenía setenta años, como una obra de despedida, y la turbulenta y problemática Sexta fue una sorpresa. Después de los violentos choques orquestales en el primer movimiento, el ostinato obsesivo del segundo y el scherzo "diabólico", el final desconcertó a muchos oyentes. Descrito como "uno de los viajes más extraños jamás emprendidos en la música", [112] está marcado como pianissimo a lo largo de sus 10-12 minutos de duración. [n 16]
La séptima sinfonía, la Sinfonia antartica (1952), un subproducto de la partitura del compositor para Scott of the Antarctic , ha dividido constantemente la opinión crítica sobre si puede clasificarse correctamente como una sinfonía. [113] Alain Frogley en Grove sostiene que, aunque la obra puede causar una profunda impresión en el oyente, no es ni una verdadera sinfonía en el sentido entendido del término ni un poema sinfónico y, en consecuencia, es la menos exitosa de las sinfonías maduras. La obra tiene cinco movimientos, con líneas vocales sin palabras para el coro femenino y la soprano solista en el primer y último movimiento. [31] Además de grandes secciones de instrumentos de viento y percusión, la partitura presenta una parte destacada para máquina de viento . [114]
La Octava Sinfonía (1956) en re menor se diferencia notablemente de sus siete predecesoras por su brevedad y, a pesar de su tonalidad menor, por su desenfado general. La orquesta es más pequeña que en la mayoría de las sinfonías, con la excepción de la sección de percusión, que es particularmente grande y, como dijo Vaughan Williams, tiene "todos los 'teléfonos' y 'juegos' que conocía el compositor". [115] La obra fue recibida con entusiasmo en sus primeras interpretaciones y ha permanecido entre las obras más populares de Vaughan Williams. [115] [116]
La última sinfonía, la Novena , se completó a fines de 1957 y se estrenó en abril de 1958, cuatro meses antes de la muerte del compositor. Está compuesta para una gran orquesta, que incluye tres saxofones, un fliscorno y una sección de percusión ampliada. El tono es más sombrío que el de la Octava; Grove dice que su tono es "a la vez heroico y contemplativo, desafiante y melancólicamente absorto". [31] La obra recibió una ovación en su estreno, [117] pero al principio los críticos no estaban seguros de qué hacer con ella, y pasaron algunos años hasta que se la ubicó junto a sus ocho predecesoras. [118]
Grove enumera más de treinta obras de Vaughan Williams para orquesta o banda, además de las sinfonías. Entre ellas se incluyen dos de sus obras más populares: la Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis (1910, revisada en 1919) y The Lark Ascending , originalmente para violín y piano (1914); orquestada en 1920. [119] Otras obras que sobreviven en el repertorio británico son la Norfolk Rhapsody No 1 (1905-1906), The Wasps, la suite aristofánica —en particular la obertura (1909)—, la English Folk Song Suite (1923) y la Fantasía sobre Greensleeves (1934). [31]
Vaughan Williams escribió cuatro conciertos: para violín (1925), piano (1926), oboe (1944) y tuba (1954); otra pieza concertante es su Romance para armónica , cuerdas y piano (1951). [31] Ninguna de estas obras ha rivalizado en popularidad con las sinfonías o las obras orquestales cortas mencionadas anteriormente. [n 17] Bartók estaba entre los admiradores del Concierto para piano, escrito para Harriet Cohen y defendido por ella , pero ha permanecido, en palabras del crítico Andrew Achenbach, como una obra maestra olvidada. [121]
Además de la música para Scott of the Antarctic , Vaughan Williams compuso música incidental para otras once películas, desde 49th Parallel (1941) hasta The Vision of William Blake (1957). [31]
En comparación con su producción en otros géneros, la música de Vaughan Williams para conjuntos de cámara e instrumentos solistas constituye una pequeña parte de su obra. Grove enumera veinticuatro piezas bajo el título "Cámara e instrumental"; tres son obras tempranas, inéditas. [31] Vaughan Williams, como la mayoría de los principales compositores británicos del siglo XX, no se sintió atraído por el piano solo y escribió poco para él. [n 18] De sus años de madurez, sobreviven para agrupaciones de cámara estándar dos cuartetos de cuerda (1908-1909, revisado en 1921; y 1943-1944), un quinteto de cuerdas "fantasía" (1912) y una sonata para violín y piano (1954). El primer cuarteto fue escrito poco después de los estudios de Vaughan Williams en París con Ravel, cuya influencia es muy evidente. [n 19] En 2002, la revista Gramophone describió el segundo cuarteto como una obra maestra que debería ser, pero no es, parte del repertorio de cámara internacional. [123] Es del mismo período que la Sexta Sinfonía, y tiene algo de la severidad y angustia de esa obra. [124] El quinteto (1912) fue escrito dos años después del éxito de la Fantasía de Tallis , con la que tiene elementos en común, tanto en términos de disposición instrumental como en el estado de ánimo de contemplación absorta. [125] La sonata para violín ha tenido poco impacto. [126]
Ursula Vaughan Williams escribió sobre el amor de su marido por la literatura y enumeró algunos de sus escritores y escritos favoritos:
Desde Skelton y Chaucer , Sidney , Spenser , la versión autorizada de la Biblia, los poetas madrigalistas, los poetas anónimos, hasta Shakespeare—inevitablemente y devotamente—hasta Herbert y sus contemporáneos, Milton , Bunyan y Shelley , Tennyson , Swinburne , ambos Rossettis , Whitman , Barnes , Hardy y Housman . [127]
Además de su amor por la poesía, la música vocal de Vaughan Williams está inspirada en su creencia de toda la vida de que la voz "puede convertirse en el medio de la mejor y más profunda emoción humana". [128]
Entre mediados de la década de 1890 y finales de la de 1950, Vaughan Williams compuso más de ochenta poemas para acompañamiento de voz y piano. El más antiguo que sobrevive es "A Cradle Song", con palabras de Coleridge , de alrededor de 1894. [31] Las canciones incluyen muchas que han entrado en el repertorio, como "Linden Lea" (1902), "Silent Noon" (1904) y los ciclos de canciones Songs of Travel (1905 y 1907) y On Wenlock Edge . [129] Para Vaughan Williams, la voz humana era "el más antiguo y más grande de los instrumentos musicales". [130] Describió sus primeras canciones como "más o menos simples y de carácter popular", [131] y la musicóloga Sophie Fuller describe esta simplicidad y popularidad como constantes a lo largo de su carrera. [132] Muchos compositores de finales del siglo XIX y principios del XX escribieron obras sentimentales para voz femenina; En contraste, las canciones de Vaughan Williams, como "The Vagabond" de Songs of Travel , con texto de Robert Louis Stevenson , son "un soplo de aire fresco particularmente masculino" (Fuller), "versos viriles al aire libre" (Kennedy). [133] Algunas de las canciones posteriores de Vaughan Williams son menos conocidas; Fuller destaca el ciclo Tres poemas de Walt Whitman , una obra en gran parte oscura, que los cantantes y los críticos suelen pasar por alto. [134] Para algunas de sus canciones, el compositor amplía el acompañamiento para incluir dos o más instrumentos de cuerda además del piano; incluyen On Wenlock Edge y el ciclo de Chaucer Merciless Beauty (1921), juzgado por un crítico contemporáneo anónimo como "seguramente entre las mejores canciones inglesas modernas". [134]
A pesar de su agnosticismo, Vaughan Williams compuso muchas obras para la iglesia. Sus dos melodías de himnos más conocidas, ambas de alrededor de 1905, son "Down Ampney" con las palabras " Come Down, O Love Divine " y " Sine nomine " " For All the Saints ". [135] Grove enumera una docena más, compuestas entre 1905 y 1935. Otras obras para la iglesia incluyen un Magnificat y Nunc Dimittis (1925), la Misa en sol menor (1920-1921), un Te Deum (1928) [31] y los motetes O Clap Your Hands (1920), Lord, Thou hast been our Refuge (1921) y O Taste and See (1953, interpretado por primera vez en la coronación de la reina Isabel II). [136]
Las obras corales de Vaughan Williams para interpretación en concierto incluyen versiones de textos tanto seculares como religiosos. Entre las primeras se incluyen Toward the Unknown Region con textos de Whitman (compuesta entre 1904 y 1906), Five Tudor Portraits , con textos de John Skelton (1935) y la Shakespearean Serenade to Music (en su versión alternativa para coro y orquesta, 1938). Entre las piezas corales con textos religiosos se incluyen el oratorio Sancta Civitas (1923-1925) y la cantata navideña Hodie (1954). En 1953, el compositor dijo que de sus obras corales Sancta Civitas era su favorita. [137] Dona Nobis Pacem , una apasionada cantata contra la guerra (1936) es una combinación de ambos, con textos de Whitman y otros yuxtapuestos con extractos de la misa latina, anticipando una mezcla similar de texto sagrado y secular en el War Requiem de Britten veinticinco años después. [138]
Vaughan Williams desconfiaba de las etiquetas convencionales; su ballet más conocido se describe en la portada como "una mascarada para bailar" y sólo una de sus obras operísticas está catalogada por el compositor simplemente como ópera. Para algunas de sus piezas teatrales que podrían clasificarse como óperas o ballets, prefería los términos "mascarada", "extravagancia romántica", "obra musicalizada" o "moralidad". [n 20]
En una encuesta de 2013 sobre las obras teatrales de Vaughan Williams, Eric Saylor escribe: "Con la posible excepción de Chaikovski , la carrera operística de ningún compositor fue menos emblemática de su éxito en otros lugares". [140] Aunque Vaughan Williams era un aficionado habitual a la ópera, entusiasta y conocedor de las obras de maestros operísticos desde Mozart hasta Wagner y Verdi , su éxito en el campo operístico fue, en el mejor de los casos, irregular. Existe un amplio acuerdo entre los comentaristas de que esto se debió en parte a la mala elección de libretistas del compositor para algunas, aunque no todas, sus óperas. [141] Otro problema fue su entusiasmo por alentar a aficionados y grupos de estudiantes, lo que a veces llevó a la puesta en escena de sus óperas con estándares menos que profesionales. [140] Otro factor fue la preferencia expresada por el compositor por " cuadros lentos y largos ", que tendían a reducir el impacto dramático, aunque los creía esenciales, ya que "la música tarda mucho en hablar, mucho más que las palabras por sí mismas". [142]
Hugh the Drover, or Love in the Stocks (finalizada en 1919, estrenada en 1924) tiene un libreto del escritor y crítico teatral Harold Child, que The Stage describió como "repleto de arquetipos populares de pueblos de Cotswold". [143] En opinión del crítico Richard Traubner, la pieza es un cruce entre la ópera balada tradicional y las obras de Puccini y Ravel, "con resultados rapsódicos". La partitura utiliza canciones populares genuinas y pastiche, pero termina con un apasionado dúo de amor que Traubner considera que tiene pocos iguales en la ópera inglesa. [144] Su primera interpretación fue a cargo de estudiantes del Royal College of Music, y la obra rara vez es puesta en escena por grandes compañías profesionales. [143]
Old King Cole (1923) es un ballet humorístico. La partitura, que hace un uso generoso de melodías de canciones populares, fue considerada por los críticos como sorprendentemente moderna cuando se escuchó por primera vez. Kennedy comenta que la música "no es una obra importante, pero es divertida". La pieza no se ha visto con frecuencia desde su estreno, pero fue reestrenada en una producción estudiantil en el RCM en 1937. [145]
En la noche de Navidad (1926), una mascarada de Adolph Bolm y Vaughan Williams, combina canto, baile y mímica. La historia está basada libremente en Un cuento de Navidad de Dickens . [146] La compañía de Bolm interpretó la pieza por primera vez en Chicago ; el estreno en Londres fue en 1935. Saylor describe la obra como una "mezcolanza dramática" que no ha atraído el interés de los intérpretes posteriores. [147]
La única obra que el compositor designó como ópera es la comedia Sir John in Love (1924-1928). Está basada en Las alegres comadres de Windsor de Shakespeare . Se utilizan canciones populares, aunque de forma más discreta que en Hugh the Drover , y Saylor describe la partitura como "deslumbrantemente melodiosa". [148] Aunque Nicolai , Verdi y Holst ya habían puesto música a la obra , la de Vaughan Williams se distingue por su mayor énfasis en la música de amor que en la comedia robusta. [149] En 1931, con el Leith Hill Festival en mente, el compositor reformuló parte de la música como una cantata de cinco secciones, In Windsor Forest , que le dio al público "las ciruelas y nada de pastel", como él mismo dijo. [150]
El beso envenenado (1927-1929, estrenada en 1936) es una comedia ligera. Vaughan Williams conocía bien las óperas de Savoy , [151] y su música para esta pieza fue y es ampliamente considerada como de lalínea de Sullivan . [152] Las palabras, escritas por un libretista inexperto, fueron juzgadas como muy inferiores alos estándares de Gilbert . [153] Saylor resume el consenso crítico de que la obra es algo entre "una comedia romántica espumosa [y] un cuento de hadas satírico", y no del todo exitosa en ninguna de las dos categorías. [154]
Job: A Masque for Dancing (1930) fue el primer ballet a gran escala de un compositor británico moderno. [155] El gusto de Vaughan Williams por los cuadros largos, aunque desventajosos en sus óperas, funcionó con éxito en este ballet. La obra está inspirada en Ilustraciones del libro de Job (1826) de William Blake . La partitura está dividida en nueve secciones y un epílogo, que presenta interpretaciones de danza de algunos de los grabados de Blake. [156] La obra, coreografiada por Ninette de Valois , causó una poderosa impresión en sus primeras representaciones y ha sido revivida por el Royal Ballet varias veces. [147] [157] Kennedy clasifica la partitura como "uno de los logros más poderosos de Vaughan Williams", y señala que es familiar en los programas de conciertos, teniendo "la estatura y la cohesión de una sinfonía". [158]
En opinión de Kennedy , Riders to the Sea (1925-1931, estrenada en 1937) es la ópera de un solo acto de Vaughan Williams, que ha tenido más éxito desde el punto de vista artístico; Saylor nombra a Sir John in Love por esa distinción, pero califica a Riders to the Sea como una de las mejores obras del compositor en cualquier género. [159] Es una versión casi palabra por palabra de la obra de teatro homónima de JM Synge de 1902, que describe una tragedia familiar en un pueblo pesquero irlandés. Kennedy describe la partitura como "organizada casi sinfónicamente" y con gran parte del material temático desarrollado a partir del breve preludio. La orquestación es sutil y presagia el final fantasmal de la Sexta Sinfonía; también hay ecos previos de la Sinfonia antartica en las voces de las mujeres que se lamentan y en el sonido del mar. [160]
The Bridal Day (1938-1939) es una mascarada basada en un guión de Ursula que combina voz, mimo y danza y que se representó por primera vez en la televisión de la BBC en 1953. Vaughan Williams la transformó más tarde en una cantata , Epithalamion (1957). [161]
El progreso del peregrino (1951), la última ópera del compositor, fue la culminación de más de cuarenta años de trabajo intermitente sobre el tema de la alegoría religiosa de Bunyan. Vaughan Williams había escrito música incidental para una dramatización amateur en 1906, y había vuelto al tema en 1921 con la obra de un acto Los pastores de las montañas deliciosas (finalmente incorporada, con modificaciones, a la ópera de 1951). La obra ha sido criticada por una preponderancia de música lenta y tramos carentes de acción dramática, [162] pero algunos comentaristas creen que la obra es uno de los logros supremos de Vaughan Williams. [31] Los resúmenes de la música varían desde "hermosa, aunque algo confusa en cuanto a estilo" (Saylor) hasta "una síntesis del progreso estilístico de Vaughan Williams a lo largo de los años, desde la mediación pastoral de los años 1920 hasta la música furiosa de las sinfonías intermedias y, finalmente, la fase más experimental de la Sinfonia antartica en su última década" (Kennedy). [162] [163]
Vaughan Williams dirigió un puñado de grabaciones para gramófono y radio. Sus grabaciones de estudio son la obertura de The Wasps y el ballet Old King Cole (ambos realizados en 1925), [164] y la Cuarta Sinfonía (1937). [164] Las grabaciones de conciertos en vivo incluyen Dona Nobis Pacem (1936), [165] la Serenata a la música , [166] y la Quinta Sinfonía, [165] grabadas en 1951 y 1952, respectivamente. Hay una grabación de Vaughan Williams dirigiendo la Pasión según San Mateo con sus compañeros del Leith Hill Festival. [167] En los primeros días del LP en la década de 1950, Vaughan Williams estaba mejor representado en los catálogos de discos que la mayoría de los compositores británicos. La Record Guide (1955) contenía nueve páginas de listados de su música en disco, en comparación con cinco para Walton y cuatro cada uno para Elgar y Britten. [168]
Se han grabado todas las obras principales del compositor y muchas de las menores. [169] Ha habido numerosos conjuntos completos en LP y CD de las nueve sinfonías, comenzando con el ciclo Decca de Boult de la década de 1950, la mayoría de los cuales se grabaron en presencia del compositor. [170] [n 21] Aunque rara vez se representaron, las óperas han tenido un buen desempeño en disco. La primera grabación de una ópera de Vaughan Williams fue Hugh the Drover , en una versión abreviada dirigida por Sargent en 1924. [174] Desde la década de 1960 ha habido grabaciones estereofónicas de Hugh the Drover , Sir John in Love , Riders to the Sea , The Poisoned Kiss y The Pilgrim's Progress . [175] La mayoría de las grabaciones orquestales han sido realizadas por orquestas y directores británicos, pero entre los directores no británicos notables que han realizado grabaciones de las obras de Vaughan Williams se incluyen Herbert von Karajan , Leonard Bernstein , Leopold Stokowski , [176] y, con mayor frecuencia, André Previn , quien dirigió la Orquesta Sinfónica de Londres en el primer ciclo estéreo completo de las sinfonías, grabado entre 1967 y 1972. [177] Entre los directores británicos más estrechamente asociados con la música de Vaughan Williams en disco y en concierto en las generaciones posteriores a Boult, Sargent y Barbirolli se encuentran Vernon Handley , Richard Hickox , Sir Mark Elder y Sir Andrew Davis . [178] Entre las compañías discográficas con extensas listas de grabaciones de Vaughan Williams se incluyen EMI , Decca, Chandos , Hyperion y Naxos . [169]
Vaughan Williams rechazó el título de caballero al menos una vez, y declinó el puesto de Maestro de la Música del Rey después de la muerte de Elgar. [179] El único honor estatal que aceptó fue la Orden del Mérito en 1935, que no confiere ningún título prenominal: prefirió seguir siendo "Dr. Vaughan Williams". [180] Sus honores académicos y musicales incluyeron un doctorado honorario de música de la Universidad de Oxford (1919); la medalla Cobbett por servicios a la música de cámara (1930); la medalla de oro de la Royal Philharmonic Society (1930); la beca vitalicia Collard de la Worshipful Company of Musicians (1934, en sucesión a Elgar); una beca honoraria del Trinity College, Cambridge (1935); el premio Shakespeare de la Universidad de Hamburgo (1937); la medalla Albert de la Royal Society of Arts (1955); y el premio conmemorativo Howland de la Universidad de Yale (1954). [3] [26]
Después de la muerte de Vaughan Williams, The Times resumió su legado en un artículo editorial :
[H]istóricamente, su logro fue cortar los lazos que desde los tiempos de Handel y Mendelssohn habían atado a Inglaterra de pies y manos al continente. Encontró en las canciones isabelinas y populares los elementos de una lengua inglesa nativa que ya no necesitaba ser hablada con acento alemán, y a partir de ellos forjó su propio idioma. La emancipación que logró con ello fue tan completa que los compositores de generaciones posteriores, como Walton y Britten, ya no necesitaban el nacionalismo consciente que era el credo artístico del propio Vaughan Williams. Ahora hay una música inglesa que puede hacer su contribución distintiva a la comunidad de naciones. [181]
En 1994, un grupo de entusiastas fundó la Sociedad Ralph Vaughan Williams, con la viuda del compositor como presidenta y Roy Douglas y Michael Kennedy como vicepresidentes. La sociedad, una organización benéfica registrada , [182] ha patrocinado y fomentado interpretaciones de las obras del compositor, incluidos ciclos sinfónicos completos y un festival de ópera Vaughan Williams. La sociedad ha promovido estrenos de obras olvidadas y tiene su propio sello discográfico, Albion Records. [183]
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Los compositores de la generación posterior a Vaughan Williams reaccionaron contra su estilo, que pasó de moda en círculos musicales influyentes en la década de 1960; la música diatónica y melódica como la suya fue descuidada en favor de composiciones atonales y otras composiciones modernistas. [184] En el siglo XXI, este descuido se ha revertido. En el año del quincuagésimo aniversario de su muerte se estrenaron dos películas documentales contrastantes: O Thou Transcendent: The Life of Vaughan Williams de Tony Palmer y The Passions of Vaughan Williams de John Bridcut . [185] El público británico se vio impulsado a reevaluar al compositor. La popularidad de sus obras más accesibles, en particular la Fantasía de Tallis y The Lark Ascending , aumentó, [n 22] pero un amplio público también se dio cuenta de lo que un crítico de la película de Bridcut llamó "un genio impulsado por la emoción". [187] Entre los músicos del siglo XXI que han reconocido la influencia de Vaughan Williams en su desarrollo se encuentran John Adams , PJ Harvey , Sir Peter Maxwell Davies , Anthony Payne , Wayne Shorter , Neil Tennant y Mark-Anthony Turnage . [188]
El Royal College of Music encargó un retrato oficial del compositor a Sir Gerald Kelly (1952) que cuelga en la universidad. La Manchester Art Gallery tiene una escultura de bronce de Vaughan Williams de Epstein (1952) y la National Portrait Gallery (NPG) tiene dibujos de Joyce Finzi (1947) y Juliet Pannett (1957 y 1958); versiones de una cabeza de bronce del compositor de David McFall (1956) están en la NPG y en la entrada de la sala de lectura de música de la Biblioteca Británica . [3] [189] Hay una estatua de Vaughan Williams en Dorking, [190] y un busto de Marcus Cornish en Chelsea Embankment Gardens , cerca de su antigua casa en Cheyne Walk. [191]
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