El movimiento Arts and Crafts fue una tendencia internacional en las artes decorativas y bellas artes que se desarrolló primero y más plenamente en las Islas Británicas [1] y posteriormente se extendió por todo el Imperio Británico y al resto de Europa y América. [2]
Iniciado como reacción contra el empobrecimiento percibido de las artes decorativas y las condiciones en las que se producían, [3] el movimiento floreció en Europa y América del Norte entre aproximadamente 1880 y 1920. Algunos consideran que es la raíz del Estilo Moderno , una expresión británica de lo que más tarde llegó a llamarse el movimiento Art Nouveau . [4] Otros consideran que es la encarnación del Art Nouveau en Inglaterra. [5]
Otros consideran que el Arts and Crafts se opone al Art Nouveau. [6] El Arts and Crafts, en efecto, criticó al Art Nouveau por su uso de materiales industriales como el hierro. Y en cuanto a los artistas del Art Nouveau, la utopía del Arts and Crafts era intrínsecamente contradictoria: "el confinamiento paradójico del movimiento Arts & Crafts en una práctica artesanal estaba completamente fuera de sintonía con la evolución del estatus del artista-decorador, pero también con la voluntad democrática de un arte 'para el pueblo y por el pueblo' proclamada por William Morris". [7] Por ejemplo, si bien Henry van de Velde comprendió el discurso social del Arts and Crafts, no fue un discípulo incondicional del movimiento y terminó alejándose de él, considerándolo como anacrónico y teñido de quijotismo . [8]
En Japón, surgió en la década de 1920 como el movimiento Mingei . Defendía la artesanía tradicional y a menudo utilizaba estilos de decoración medievales , románticos o folclóricos . Abogaba por la reforma económica y social y tenía una orientación antiindustrial. [3] [9] Tuvo una fuerte influencia en las artes en Europa hasta que fue desplazado por el modernismo en la década de 1930, [1] y su influencia continuó entre los artesanos, diseñadores y urbanistas mucho después. [10]
El término fue utilizado por primera vez por T. J. Cobden-Sanderson en una reunión de la Arts and Crafts Exhibition Society en 1887, [11] aunque los principios y el estilo en los que se basaba se habían estado desarrollando en Inglaterra durante al menos 20 años. Se inspiró en las ideas del historiador Thomas Carlyle , el crítico de arte John Ruskin y el diseñador William Morris . [12] En Escocia, se asocia con figuras clave como Charles Rennie Mackintosh . [13] Los libros de Viollet le Duc sobre la naturaleza y el arte gótico también juegan un papel esencial en la estética del movimiento Arts and Crafts.
El movimiento Arts and Crafts surgió del intento de reformar el diseño y la decoración en Gran Bretaña a mediados del siglo XIX. Fue una reacción contra la percepción de un declive en los estándares que los reformistas asociaban con la maquinaria y la producción fabril. Su crítica se agudizó por los objetos que vieron en la Gran Exposición de 1851 , que consideraron excesivamente ornamentados, artificiales e ignorantes de las cualidades de los materiales utilizados. El historiador de arte Nikolaus Pevsner escribe que las exhibiciones mostraban "ignorancia de esa necesidad básica en la creación de patrones, la integridad de la superficie", además de exhibir "vulgaridad en los detalles". [14]
La reforma del diseño comenzó con los organizadores de la Exposición Henry Cole (1808-1882), Owen Jones (1809-1874), Matthew Digby Wyatt (1820-1877) y Richard Redgrave (1804-1888), [15] todos ellos desaprobaron el exceso de ornamentación y las cosas poco prácticas o mal hechas. [16] Los organizadores fueron "unánimes en su condena de las exposiciones". [17] Owen Jones, por ejemplo, se quejaba de que "el arquitecto, el tapicero, el papelero, el tejedor, el impresor de percal y el alfarero" producían "novedad sin belleza, o belleza sin inteligencia". [17] De estas críticas a los productos manufacturados surgieron varias publicaciones que establecían lo que los autores consideraban los principios correctos del diseño. El Informe complementario sobre el diseño (1852) de Richard Redgrave analizaba los principios del diseño y la ornamentación y abogaba por "más lógica en la aplicación de la decoración". [16]
Otras obras siguieron en una línea similar, como Industrial Arts of the Nineteenth Century (1853) de Wyatt , Wissenschaft, Industrie und Kunst (Ciencia, industria y arte) de Gottfried Semper (1852), Analysis of Ornament (Análisis del ornamento) de Ralph Wornum (1856), Manual of Design (Manual de diseño) de Redgrave (1876) y Grammar of Ornament (Gramática del ornamento) de Jones (1856). [16] La Grammar of Ornament fue particularmente influyente, se distribuyó generosamente como premio estudiantil y tuvo nueve reimpresiones en 1910. [16]
Jones declaró que el ornamento "debe ser secundario a la cosa decorada", que debe haber "adecuación entre el ornamento y la cosa ornamentada", y que los papeles pintados y las alfombras no deben tener ningún patrón "que sugiera algo que no sea un plano o una superficie lisa". [18] Una tela o un papel pintado de la Gran Exposición podía estar decorado con un motivo natural que pareciera lo más real posible, mientras que estos escritores abogaban por motivos naturales planos y simplificados. Redgrave insistió en que el "estilo" exigía una construcción sólida antes que la ornamentación, y un conocimiento adecuado de la calidad de los materiales utilizados. " La utilidad debe tener precedencia sobre la ornamentación". [19]
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Sin embargo, los reformadores del diseño de mediados del siglo XIX no llegaron tan lejos como los diseñadores del movimiento Arts and Crafts. Estaban más preocupados por la ornamentación que por la construcción, tenían una comprensión incompleta de los métodos de fabricación [19] y no criticaban los métodos industriales como tales. Por el contrario, el movimiento Arts and Crafts fue tanto un movimiento de reforma social como de reforma del diseño, y sus principales practicantes no separaron ambos.
Algunas de las ideas del movimiento fueron anticipadas por Augustus Pugin (1812-1852), un líder del neogótico en la arquitectura . Por ejemplo, abogó por la verdad en cuanto a los materiales, la estructura y la función, al igual que los artistas del movimiento Arts and Crafts. [20] Pugin articuló la tendencia de los críticos sociales a comparar los defectos de la sociedad moderna con los de la Edad Media, [21] como el crecimiento descontrolado de las ciudades y el tratamiento de los pobres, una tendencia que se volvió rutinaria con Ruskin, Morris y el movimiento Arts and Crafts. Su libro Contrasts (1836) presentó ejemplos de malos edificios modernos y planificación urbana en contraste con buenos ejemplos medievales, y su biógrafa Rosemary Hill señala que "llegó a conclusiones, casi de pasada, sobre la importancia de la artesanía y la tradición en la arquitectura que tomaría el resto del siglo y los esfuerzos combinados de Ruskin y Morris para desarrollar en detalle". Ella describe los muebles sobrios que él especificó para un edificio en 1841, "sillas de junco, mesas de roble", como "el interior de Arts and Crafts en embrión". [21]
La filosofía de las Artes y Oficios se derivó en gran medida de la crítica social de John Ruskin , profundamente influida por la obra de Thomas Carlyle . [22] Ruskin relacionó la salud moral y social de una nación con las cualidades de su arquitectura y con la naturaleza de su trabajo. Ruskin consideraba que el tipo de producción mecanizada y división del trabajo que se había creado en la revolución industrial era "trabajo servil", y pensaba que una sociedad sana y moral requería trabajadores independientes que diseñaran las cosas que hacían. Creía que las obras hechas en fábricas eran "deshonestas", y que el trabajo manual y la artesanía fusionaban la dignidad con el trabajo. [23]
En el aspecto artístico, Ruskin recibió la influencia de su contemporáneo Viollet le Duc , a quien enseñó a todos sus alumnos. En una carta a uno de sus alumnos, Ruskin escribe: «Sólo hay un libro de valor y es el Diccionario de Viollet le Duc. Todo el mundo debería aprender francés». Y según algunos, la influencia de Ruskin en las artes y oficios fue suplantada en 1860 por la de Viollet le Duc. [24]
Sus seguidores favorecían la producción artesanal frente a la fabricación industrial y estaban preocupados por la pérdida de las habilidades tradicionales, pero les preocupaban más los efectos del sistema fabril que la maquinaria en sí. [25] La idea de "artesanía" de William Morris era esencialmente trabajo sin ninguna división del trabajo en lugar de trabajo sin ningún tipo de maquinaria. [26] Morris admiraba Las siete lámparas de la arquitectura y Las piedras de Venecia de Ruskin, pero no estaba interesado en sus escritos sobre pintura, como Pintores modernos . [27] Por su parte, Ruskin discrepaba firmemente de la idea que se convirtió en la ortodoxia de las Artes y Oficios, de que la decoración debía ser plana y no representar formas tridimensionales. [28]
William Morris (1834-1896) fue la figura más destacada del diseño de finales del siglo XIX y la principal influencia en el movimiento Arts and Crafts. La visión estética y social del movimiento surgió de las ideas que desarrolló en la década de 1850 con el Birmingham Set , un grupo de estudiantes de la Universidad de Oxford, entre ellos Edward Burne-Jones , que combinaba el amor por la literatura romántica con un compromiso con la reforma social. [29] John William Mackail señala que " Pasado y presente de Carlyle se situó al lado de los Pintores modernos [de Ruskin] como una verdad inspirada y absoluta". [30] El medievalismo de La muerte de Arturo de Malory estableció el estándar para su estilo temprano. [31] En palabras de Burne-Jones, pretendían "librar una guerra santa contra la época". [32]
Morris comenzó a experimentar con diversas artesanías y a diseñar muebles e interiores. [34] Se involucró personalmente en la fabricación y el diseño, [34] que fue el sello distintivo del movimiento Arts and Crafts. Ruskin había argumentado que la separación del acto intelectual del diseño del acto manual de la creación física era perjudicial tanto social como estéticamente. Morris desarrolló aún más esta idea, insistiendo en que no se debía realizar ningún trabajo en sus talleres antes de que él dominara personalmente las técnicas y los materiales apropiados, argumentando que "sin una ocupación humana digna y creativa, la gente se desconectaba de la vida". [34]
En 1861, Morris comenzó a fabricar muebles y objetos decorativos de forma comercial, modelando sus diseños en estilos medievales y utilizando formas atrevidas y colores fuertes. Sus patrones se basaban en la flora y la fauna, y sus productos se inspiraban en las tradiciones vernáculas o domésticas de la campiña británica. Algunos se dejaron deliberadamente sin terminar para mostrar la belleza de los materiales y el trabajo del artesano, creando así una apariencia rústica. Morris se esforzó por unir todas las artes dentro de la decoración del hogar, enfatizando la naturaleza y la simplicidad de la forma. [35]
William Morris compartía la crítica de Ruskin a la sociedad industrial y en un momento u otro atacó la fábrica moderna, el uso de maquinaria, la división del trabajo, el capitalismo y la pérdida de los métodos artesanales tradicionales. Pero su actitud hacia la maquinaria era inconsistente. En un momento dijo que la producción mediante maquinaria era "totalmente un mal", [14] pero en otras ocasiones, estaba dispuesto a encargar trabajo a fabricantes que fueran capaces de cumplir con sus estándares con la ayuda de máquinas. [37] Morris dijo que en una "sociedad verdadera", donde no se fabricaran lujos ni basura barata, la maquinaria podría mejorarse y usarse para reducir las horas de trabajo. [38] La historiadora cultural del siglo XIX Fiona McCarthy dijo de Morris que "a diferencia de fanáticos posteriores como Gandhi , William Morris no tenía objeciones prácticas al uso de maquinaria per se siempre que las máquinas produjeran la calidad que necesitaba". [39]
Morris insistió en que el artista debía ser un artesano-diseñador que trabajara a mano [14] y abogó por una sociedad de artesanos libres, como creía que había existido durante la Edad Media. "Debido a que los artesanos disfrutaban de su trabajo", escribió, "la Edad Media fue un período de grandeza en el arte de la gente común... Los tesoros de nuestros museos ahora son solo los utensilios comunes utilizados en los hogares de esa época, cuando cientos de iglesias medievales, cada una de ellas una obra maestra, fueron construidas por campesinos poco sofisticados". [40] El arte medieval fue el modelo para gran parte del diseño de Arts and Crafts, y la vida, la literatura y la construcción medievales fueron idealizadas por el movimiento.
Los seguidores de Morris también tenían opiniones diferentes sobre la maquinaria y el sistema fabril. Por ejemplo, C. R. Ashbee , una figura central del movimiento Arts and Crafts, dijo en 1888 que "no rechazamos la máquina, la acogemos con agrado, pero desearíamos verla dominada". [14] [41] Después de oponer sin éxito su gremio de la Guild and School of Handicraft a los métodos modernos de fabricación, reconoció que "la civilización moderna se basa en la maquinaria", [14] pero continuó criticando los efectos nocivos de lo que llamó "mecanismo", diciendo que "la producción de ciertos productos mecánicos es tan mala para la salud nacional como lo es la producción de caña cultivada por esclavos o artículos hechos por niños". [42] William Arthur Smith Benson , por otro lado, no tuvo reparos en adaptar el estilo Arts and Crafts a la metalistería producida en condiciones industriales. (Véase el recuadro de citas).
Morris y sus seguidores creían que la división del trabajo de la que dependía la industria moderna era indeseable, pero hasta qué punto cada diseño debía ser realizado por el diseñador era un tema de debate y desacuerdo. No todos los artistas de Arts and Crafts llevaban a cabo ellos mismos todas las etapas de la fabricación de los bienes, y fue sólo en el siglo XX cuando eso se convirtió en algo esencial para la definición de artesanía. Aunque Morris era famoso por adquirir experiencia práctica en muchas artesanías (incluidos el tejido, el teñido, la impresión, la caligrafía y el bordado), no consideraba que la separación del diseñador y el ejecutor en su fábrica fuera problemática. Walter Crane, un estrecho colaborador político de Morris, tenía una visión poco comprensiva de la división del trabajo tanto por motivos morales como artísticos, y defendía firmemente que el diseño y la fabricación debían provenir de la misma mano. Lewis Foreman Day, un amigo y contemporáneo de Crane, tan generoso como Crane en su admiración por Morris, estaba en total desacuerdo con Crane. Pensaba que la separación del diseño y la ejecución no sólo era inevitable en el mundo moderno, sino también que sólo ese tipo de especialización permitía lo mejor en diseño y lo mejor en fabricación. [43]
Pocos de los fundadores de la Arts and Crafts Exhibition Society insistieron en que el diseñador también debía ser el creador. Peter Floud, escribiendo en la década de 1950, dijo que "Los fundadores de la Sociedad... nunca ejecutaron sus propios diseños, sino que invariablemente los entregaron a firmas comerciales". [44] La idea de que el diseñador debía ser el creador y el creador el diseñador no derivaba "de Morris o de las primeras enseñanzas de Arts and Crafts, sino más bien de la doctrina de elaboración de segunda generación elaborada en la primera década del siglo [xx] por hombres como WR Lethaby ". [44]
Muchos de los diseñadores del movimiento Arts and Crafts eran socialistas , entre ellos Morris, TJ Cobden Sanderson , Walter Crane , CR Ashbee , Philip Webb , Charles Faulkner y AH Mackmurdo . [45] A principios de la década de 1880, Morris dedicaba más tiempo a promover el socialismo que a diseñar y fabricar. [46] Ashbee estableció una comunidad de artesanos llamada Guild of Handicraft en el este de Londres, y luego se mudó a Chipping Campden . [11] Aquellos seguidores que no eran socialistas, como Alfred Hoare Powell , [25] abogaban por una relación más humana y personal entre empleador y empleado. Lewis Foreman Day fue otro diseñador exitoso e influyente de Arts and Crafts que no era socialista, a pesar de su larga amistad con Crane.
En Gran Bretaña, el movimiento se asoció con la reforma de la vestimenta , [47] el ruralismo , el movimiento de las ciudades-jardín [10] y el resurgimiento de la canción popular . Todos ellos estaban vinculados, en algún grado, por el ideal de la "vida sencilla". [48] En Europa continental, el movimiento se asoció con la preservación de las tradiciones nacionales en la construcción, las artes aplicadas, el diseño doméstico y el vestuario. [49]
Los diseños de Morris se hicieron populares rápidamente y despertaron interés cuando el trabajo de su empresa se exhibió en la Exposición Internacional de 1862 en Londres. Gran parte de este trabajo está directamente inspirado en el Dictionnaire de Viollet le Duc. La mayor parte del trabajo inicial de Morris & Co fue para iglesias y Morris ganó importantes encargos de diseño de interiores en el Palacio de St James y el Museo de South Kensington (ahora el Museo Victoria y Albert). Más tarde, su trabajo se hizo popular entre las clases medias y altas, a pesar de su deseo de crear un arte democrático, y a fines del siglo XIX, el diseño Arts and Crafts en casas e interiores domésticos era el estilo dominante en Gran Bretaña, copiado en productos fabricados con métodos industriales convencionales.
La difusión de las ideas de Arts and Crafts a finales del siglo XIX y principios del XX dio lugar a la creación de numerosas asociaciones y comunidades de artesanos, aunque Morris tuvo poco que ver con ellas debido a su preocupación por el socialismo en ese momento. Se formaron ciento treinta organizaciones de Arts and Crafts en Gran Bretaña, la mayoría entre 1895 y 1905. [50]
En 1881, Eglantyne Louisa Jebb , Mary Fraser Tytler y otras iniciaron la Asociación de Artes e Industrias del Hogar para alentar a las clases trabajadoras, especialmente a las de las áreas rurales, a que se dedicaran a la artesanía bajo supervisión, no con fines de lucro, sino para proporcionarles ocupaciones útiles y mejorar su gusto. En 1889, contaba con 450 clases, 1000 profesores y 5000 estudiantes. [51]
En 1882, el arquitecto AHMackmurdo formó el Century Guild , una asociación de diseñadores que incluía a Selwyn Image , Herbert Horne , Clement Heaton y Benjamin Creswick . [52] [53]
En 1884, cinco jóvenes arquitectos, William Lethaby , Edward Prior , Ernest Newton , Mervyn Macartney y Gerald C. Horsley , fundaron el Art Workers Guild con el objetivo de reunir las bellas artes y las artes aplicadas y elevar el estatus de estas últimas. Fue dirigido originalmente por George Blackall Simonds . En 1890, el gremio tenía 150 miembros, que representaban al creciente número de practicantes del estilo Arts and Crafts. [54] Todavía existe.
Los grandes almacenes londinenses Liberty & Co. , fundados en 1875, fueron un importante minorista de productos en el estilo y la " vestimenta artística " favorecidos por los seguidores del movimiento Arts and Crafts.
En 1887 se formó la Arts and Crafts Exhibition Society , que dio su nombre al movimiento, con Walter Crane como presidente, celebrando su primera exposición en la New Gallery de Londres, en noviembre de 1888. [55] Fue la primera muestra de artes decorativas contemporáneas en Londres desde la Exposición de Invierno de la Grosvenor Gallery de 1881. [56] Morris & Co. estuvo bien representada en la exposición con muebles, telas, alfombras y bordados. Edward Burne-Jones observó: "aquí por primera vez se puede medir un poco el cambio que ha sucedido en los últimos veinte años". [57] La sociedad todavía existe como la Society of Designer Craftsmen. [58]
En 1888, CR Ashbee , un importante practicante tardío del estilo en Inglaterra, fundó el Gremio y Escuela de Artesanía en el East End de Londres. El gremio era una cooperativa artesanal inspirada en los gremios medievales y tenía como objetivo dar satisfacción a los trabajadores en su artesanía. Los artesanos expertos, trabajando según los principios de Ruskin y Morris, debían producir artículos hechos a mano y administrar una escuela para aprendices. La idea fue recibida con entusiasmo por casi todos, excepto Morris, que para entonces estaba involucrado en la promoción del socialismo y pensaba que el plan de Ashbee era trivial. De 1888 a 1902, el gremio prosperó y empleó a unos 50 hombres. En 1902, Ashbee trasladó el gremio fuera de Londres para comenzar una comunidad experimental en Chipping Campden en los Cotswolds . El trabajo del gremio se caracteriza por superficies lisas de plata martillada, alambres fluidos y piedras de colores en engastes simples. Ashbee diseñó joyas y vajillas de plata. El gremio floreció en Chipping Camden, pero no prosperó y fue liquidado en 1908. Algunos artesanos se quedaron, contribuyendo a la tradición de la artesanía moderna en la zona. [20] [59] [60]
CFA Voysey (1857–1941) fue un arquitecto de estilo Arts and Crafts que también diseñó telas, azulejos, cerámicas, muebles y herrería. Su estilo combinaba sencillez con sofisticación. Sus papeles pintados y textiles, con formas estilizadas de pájaros y plantas en contornos llamativos y colores planos, se utilizaron ampliamente. [20]
El pensamiento de Morris influyó en el distributismo de GK Chesterton y Hilaire Belloc . [61]
A finales del siglo XIX, los ideales de las artes y oficios habían influido en la arquitectura, la pintura, la escultura, los gráficos, la ilustración, la fabricación de libros y la fotografía, el diseño doméstico y las artes decorativas, incluidos los muebles y la carpintería, las vidrieras, [62] la marroquinería, la confección de encajes, el bordado, la confección de alfombras y tejidos, la joyería y la metalistería, el esmaltado y la cerámica. [63] En 1910, había una moda por las "artes y oficios" y por todo lo hecho a mano. Hubo una proliferación de artesanías amateurs de calidad variable [64] y de imitadores incompetentes que hicieron que el público considerara las artes y oficios como "algo menos, en lugar de más, competente y adecuado para un propósito que un artículo común producido en masa". [65]
La Arts and Crafts Exhibition Society celebró once exposiciones entre 1888 y 1916. Cuando estalló la guerra en 1914, estaba en decadencia y se enfrentaba a una crisis. Su exposición de 1912 había sido un fracaso financiero. [66] Mientras los diseñadores de la Europa continental realizaban innovaciones en el diseño y alianzas con la industria a través de iniciativas como el Deutsche Werkbund y se estaban adoptando nuevas iniciativas en Gran Bretaña por parte de los Talleres Omega y la Design in Industries Association, la Arts and Crafts Exhibition Society, ahora bajo el control de una vieja guardia, se estaba retirando del comercio y la colaboración con los fabricantes hacia el trabajo manual purista y lo que Tania Harrod describe como "desmercantilización" [66] Su rechazo de un papel comercial se ha visto como un punto de inflexión en su suerte. [66] Nikolaus Pevsner en su libro Pioneers of Modern Design presenta el movimiento Arts and Crafts como radicales del diseño que influyeron en el movimiento moderno, pero no lograron cambiar y finalmente fueron reemplazados por él. [14]
El artista ceramista británico Bernard Leach trajo a Inglaterra muchas ideas que había desarrollado en Japón con el crítico social Yanagi Soetsu sobre el valor moral y social de las artesanías sencillas; ambos eran lectores entusiastas de Ruskin. Leach fue un propagandista activo de estas ideas, que tocaron la fibra sensible de los practicantes de las artesanías en los años de entreguerras, y las expuso en A Potter's Book , publicado en 1940, que denunciaba la sociedad industrial en términos tan vehementes como los de Ruskin y Morris. De este modo, la filosofía Arts and Crafts se perpetuó entre los artesanos británicos en las décadas de 1950 y 1960, mucho después de la desaparición del movimiento Arts and Crafts y en el auge del modernismo. El mobiliario utilitario británico de la década de 1940 también se derivaba de los principios de Arts and Crafts. [67]
Uno de sus principales promotores, Gordon Russell , presidente del Utility Furniture Design Panel, estaba imbuido de ideas Arts and Crafts. Fabricaba muebles en Cotswold Hills, una región de fabricación de muebles Arts and Crafts desde Ashbee, y era miembro de la Arts and Crafts Exhibition Society. La biógrafa de William Morris, Fiona MacCarthy , detectó la filosofía Arts and Crafts incluso detrás del Festival of Britain (1951), la obra del diseñador Terence Conran (1931-2020) [10] y la fundación del British Crafts Council en la década de 1970. [68]
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Los inicios del movimiento Arts and Crafts en Escocia se dieron en el resurgimiento de las vidrieras de la década de 1850, iniciado por James Ballantine (1806-1877). Entre sus principales obras se encuentran la gran ventana occidental de la abadía de Dunfermline y el esquema para la catedral de St. Giles en Edimburgo. En Glasgow, el pionero fue Daniel Cottier (1838-1891), que probablemente había estudiado con Ballantine, y que recibió la influencia directa de William Morris , Ford Madox Brown y John Ruskin . Entre sus obras clave se encuentra El bautismo de Cristo en la abadía de Paisley (c. 1880). Entre sus seguidores se encontraban Stephen Adam y su hijo del mismo nombre. [69]
El diseñador y teórico nacido en Glasgow Christopher Dresser (1834-1904) fue uno de los primeros y más importantes diseñadores independientes, una figura fundamental del Movimiento Estético y un importante colaborador del movimiento anglo-japonés aliado . [70] El movimiento tuvo un "florecimiento extraordinario" en Escocia, donde estuvo representado por el desarrollo del " Estilo Glasgow ", que se basó en el talento de la Escuela de Arte de Glasgow . El resurgimiento celta se apoderó de aquí y motivos como la rosa de Glasgow se popularizaron. Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) y la Escuela de Arte de Glasgow influirían en otros en todo el mundo. [1] [63]
La situación en Gales era diferente a la del resto del Reino Unido. En lo que se refiere a la artesanía, Arts and Crafts fue una campaña de renovación . Pero en Gales, al menos hasta la Primera Guerra Mundial , todavía existía una auténtica tradición artesanal. Se seguían utilizando materiales locales, piedra o arcilla, de forma habitual. [71]
Escocia se hizo conocida en el movimiento Arts and Crafts por sus vidrieras; Gales sería conocido por su cerámica. A mediados del siglo XIX, los pesados esmaltes de sal utilizados durante generaciones por los artesanos locales habían pasado de moda, sobre todo porque la cerámica producida en masa rebajaba los precios. Pero el movimiento Arts and Crafts trajo consigo una nueva apreciación de su trabajo. Horace W Elliot, un galerista inglés, visitó la Ewenny Pottery (que databa del siglo XVII) en 1885, tanto para encontrar piezas locales como para fomentar un estilo compatible con el movimiento. [72] Las piezas que trajo de vuelta a Londres durante los siguientes veinte años revivieron el interés por el trabajo de cerámica galesa.
Un promotor clave del movimiento Arts and Crafts en Gales fue Owen Morgan Edwards . Edwards era un político reformista dedicado a renovar el orgullo galés exponiendo a su gente a su propia lengua e historia. Para Edwards, "no hay nada que Gales requiera más que una educación en las artes y la artesanía". [73] – aunque Edwards estaba más inclinado a resucitar el nacionalismo galés que a admirar los esmaltes o la integridad rústica. [74]
En arquitectura, Clough Williams-Ellis buscó renovar el interés en los edificios antiguos, reviviendo la construcción de "tierra apisonada" o pisé [75] en Gran Bretaña.
El movimiento se extendió a Irlanda, lo que representó un momento importante para el desarrollo cultural de la nación, una contraparte visual del renacimiento literario de la misma época [76] y fue una publicación del nacionalismo irlandés. El uso de vidrieras en las artes y oficios fue popular en Irlanda, con Harry Clarke como el artista más conocido y también con Evie Hone . La arquitectura del estilo está representada por la Capilla Honan (1916) en la ciudad de Cork en los terrenos del University College Cork . [77] Otros arquitectos que ejercieron en Irlanda incluyeron a Sir Edwin Lutyens (Heywood House en Co. Laois, Lambay Island y los Irish National War Memorial Gardens en Dublín) y Frederick 'Pa' Hicks ( edificios de la finca del castillo de Malahide y torre redonda). Los motivos celtas irlandeses fueron populares con el movimiento en la platería, el diseño de alfombras, las ilustraciones de libros y los muebles tallados a mano.
En Europa continental, el resurgimiento y la preservación de los estilos nacionales fue un motivo importante para los diseñadores de Arts and Crafts; por ejemplo, en Alemania, después de la unificación en 1871 bajo el estímulo del Bund für Heimatschutz (1897) [78] y los Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk fundados en 1898 por Karl Schmidt; y en Hungría, Károly Kós resucitó el estilo vernáculo de la construcción de Transilvania . En Europa central, donde varias nacionalidades diversas vivían bajo imperios poderosos (Alemania, Austria-Hungría y Rusia), el descubrimiento de lo vernáculo se asoció con la afirmación del orgullo nacional y la lucha por la independencia, y, mientras que para los practicantes de Arts and Crafts en Gran Bretaña el estilo ideal se encontraba en la Edad Media, en Europa central se buscaba en aldeas campesinas remotas. [79]
El estilo Arts and Crafts, muy extendido en Europa, inspiró por su sencillez a diseñadores como Henry van de Velde y a estilos como el Art Nouveau , el grupo holandés De Stijl , la Secesión vienesa y, finalmente, el estilo Bauhaus . Pevsner consideraba que este estilo era un preludio del modernismo , que utilizaba formas sencillas sin ornamentación. [14]
La primera actividad de Artes y Oficios en la Europa continental tuvo lugar en Bélgica alrededor de 1890, donde el estilo inglés inspiró a artistas y arquitectos, entre ellos Henry Van de Velde , Gabriel Van Dievoet , Gustave Serrurier-Bovy y un grupo conocido como La Libre Esthétique (Estética Libre).
Los productos de Arts and Crafts fueron admirados en Austria y Alemania a principios del siglo XX, y bajo su inspiración el diseño avanzó rápidamente mientras que se estancó en Gran Bretaña. [80] La Wiener Werkstätte , fundada en 1903 por Josef Hoffmann y Koloman Moser , fue influenciada por los principios de Arts and Crafts de la "unidad de las artes" y lo hecho a mano. La Deutscher Werkbund (Asociación Alemana de Artesanos) se formó en 1907 como una asociación de artistas, arquitectos, diseñadores e industriales para mejorar la competitividad global de las empresas alemanas y se convirtió en un elemento importante en el desarrollo de la arquitectura moderna y el diseño industrial a través de su defensa de la producción estandarizada. Sin embargo, sus miembros principales, van de Velde y Hermann Muthesius , tenían opiniones contradictorias sobre la estandarización. Muthesius creía que era esencial que Alemania se convirtiera en una nación líder en comercio y cultura. Van de Velde, que representaba una actitud más tradicional de Artes y Oficios, creía que los artistas siempre "protestarían contra la imposición de órdenes o estandarización", y que "El artista... nunca, por su propia voluntad, se someterá a una disciplina que le imponga un canon o un tipo". [81]
En Finlandia, una colonia de artistas idealistas en Helsinki fue diseñada por Herman Gesellius , Armas Lindgren y Eliel Saarinen , [1] quienes trabajaron en el estilo romántico nacional , similar al neogótico británico .
En Hungría , bajo la influencia de Ruskin y Morris, un grupo de artistas y arquitectos, entre ellos Károly Kós , Aladár Körösfői-Kriesch y Ede Toroczkai Wigand, descubrieron el arte popular y la arquitectura vernácula de Transilvania . Muchos de los edificios de Kós, incluidos los del zoológico de Budapest y la finca Wekerle en la misma ciudad, muestran esta influencia. [82]
En Rusia, Viktor Hartmann , Viktor Vasnetsov , Yelena Polenova y otros artistas asociados con la Colonia Abramtsevo buscaron revivir la calidad de las artes decorativas rusas medievales de forma bastante independiente del movimiento en Gran Bretaña.
En Islandia, la obra de Sölvi Helgason muestra influencias del estilo Arts and Crafts.
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En los Estados Unidos, el estilo Arts and Crafts inició una variedad de intentos de reinterpretar los ideales de las Arts and Crafts europeas para los estadounidenses. Estos incluyeron la arquitectura, el mobiliario y otras artes decorativas de estilo "Craftsman", como los diseños promovidos por Gustav Stickley en su revista, The Craftsman , y los diseños producidos en el campus de Roycroft, como se publicitó en The Fra de Elbert Hubbard . Ambos hombres usaron sus revistas como vehículo para promocionar los bienes producidos en el taller Craftsman en Eastwood, Nueva York, y en el campus Roycroft de Elbert Hubbard en East Aurora, Nueva York . Una gran cantidad de imitadores de los muebles de Stickley (cuyos diseños a menudo se etiquetan erróneamente como " estilo Mission ") incluyeron tres empresas fundadas por sus hermanos.
Los términos American Craftsman o estilo Craftsman se utilizan a menudo para denotar el estilo de arquitectura, diseño de interiores y artes decorativas que prevalecieron entre las eras dominantes del Art Nouveau y el Art Deco en los EE. UU., o aproximadamente el período de 1910 a 1925. El movimiento fue particularmente notable por las oportunidades profesionales que abrió para las mujeres como artesanas, diseñadoras y empresarias que fundaron y dirigieron, o fueron empleadas por, empresas tan exitosas como Kalo Shops , Pewabic Pottery , Rookwood Pottery y Tiffany Studios . En Canadá, el término Arts and Crafts predomina, pero también se reconoce Craftsman . [83]
Mientras los europeos intentaban recrear las artesanías virtuosas que la industrialización estaba reemplazando, los estadounidenses intentaron establecer un nuevo tipo de virtud para reemplazar la heroica producción artesanal: hogares de clase media bien decorados. Afirmaban que la estética simple pero refinada de las artes decorativas Arts and Crafts ennoblecería la nueva experiencia del consumismo industrial, haciendo que los individuos fueran más racionales y la sociedad más armoniosa. El movimiento Arts and Crafts estadounidense fue la contraparte estética de su filosofía política contemporánea, el progresismo . Característicamente, cuando la Arts and Crafts Society comenzó en octubre de 1897 en Chicago, fue en Hull House , una de las primeras casas de asentamiento estadounidenses para la reforma social. [83]
Los ideales de las artes y la artesanía difundidos en Estados Unidos a través de artículos en revistas y periódicos se complementaron con sociedades que patrocinaban conferencias. [83] La primera se organizó en Boston a fines de la década de 1890, cuando un grupo de arquitectos, diseñadores y educadores influyentes decidieron traer a Estados Unidos las reformas de diseño iniciadas en Gran Bretaña por William Morris; se reunieron para organizar una exposición de objetos artesanales contemporáneos. La primera reunión se celebró el 4 de enero de 1897 en el Museo de Bellas Artes (MFA) de Boston para organizar una exposición de artesanía contemporánea. Cuando los artesanos, consumidores y fabricantes se dieron cuenta del potencial estético y técnico de las artes aplicadas, comenzó el proceso de reforma del diseño en Boston. En esta reunión estuvieron presentes el general Charles Loring, presidente de los fideicomisarios del MFA; William Sturgis Bigelow y Denman Ross , coleccionistas, escritores y fideicomisarios del MFA; Ross Turner, pintor; Sylvester Baxter , crítico de arte del Boston Transcript ; Howard Baker, AW Longfellow Jr .; y Ralph Clipson Sturgis, arquitecto.
La primera Exposición de Artes y Oficios de Estados Unidos comenzó el 5 de abril de 1897 en Copley Hall, Boston, con más de 1000 objetos hechos por 160 artesanos, la mitad de los cuales eran mujeres. [84] Algunos de los defensores de la exhibición fueron Langford Warren, fundador de la Escuela de Arquitectura de Harvard; la Sra. Richard Morris Hunt; Arthur Astor Carey y Edwin Mead, reformadores sociales; y Will H. Bradley , diseñador gráfico. El éxito de esta exhibición resultó en la incorporación de la Sociedad de Artes y Oficios (SAC), el 28 de junio de 1897, con el mandato de "desarrollar y alentar estándares más altos en las artesanías". Los 21 fundadores afirmaron estar interesados en algo más que las ventas, y enfatizaron el estímulo de los artistas para producir trabajos con la mejor calidad de mano de obra y diseño. Este mandato pronto se amplió a un credo, posiblemente escrito por el primer presidente de la SAC, Charles Eliot Norton , que decía:
Esta Sociedad se constituyó con el propósito de promover el trabajo artístico en todas las ramas de la artesanía. Espera establecer relaciones mutuamente beneficiosas entre diseñadores y trabajadores y alentar a los trabajadores a ejecutar sus propios diseños. Se esfuerza por estimular en los trabajadores la apreciación de la dignidad y el valor del buen diseño; para contrarrestar la impaciencia popular por la Ley y la Forma, y el deseo de ornamentación excesiva y originalidad engañosa. Insistirá en la necesidad de sobriedad y moderación, o disposición ordenada, de la debida consideración por la relación entre la forma de un objeto y su uso, y de la armonía y la idoneidad en la decoración que se le aplica. [85]
Construida entre 1913 y 1914 por el arquitecto bostoniano J. Williams Beal en las montañas Ossipee de New Hampshire , la finca en la cima de la montaña de Tom y Olive Plant , Castle in the Clouds , también conocida como Lucknow , es un excelente ejemplo del estilo Craftsman estadounidense en Nueva Inglaterra. [86]
También influyeron la comunidad Roycroft iniciada por Elbert Hubbard en Buffalo y East Aurora, Nueva York , Joseph Marbella, comunidades utópicas como Byrdcliffe Colony en Woodstock, Nueva York , y Rose Valley, Pensilvania , desarrollos como Mountain Lakes, Nueva Jersey , con grupos de casas tipo bungalow y castillo construidas por Herbert J. Hapgood, y el estilo artesanal contemporáneo de estudio. La cerámica de estudio , ejemplificada por Grueby Faience Company , Newcomb Pottery en Nueva Orleans , Marblehead Pottery, Teco pottery , Overbeck and Rookwood pottery y Mary Chase Perry Stratton 's Pewabic Pottery en Detroit , la compañía Van Briggle Pottery en Colorado Springs, Colorado , así como los azulejos artísticos hechos por Ernest A. Batchelder en Pasadena, California , y los muebles idiosincrásicos de Charles Rohlfs, todos demuestran la influencia de Arts and Crafts.
La " Escuela de la Pradera " de Frank Lloyd Wright , George Washington Maher y otros arquitectos de Chicago, el movimiento de la Country Day School , el estilo de casas tipo bungalow y bungalow definitivo popularizado por Greene y Greene , Julia Morgan y Bernard Maybeck son algunos ejemplos del estilo arquitectónico American Arts and Crafts y American Craftsman . En Estados Unidos todavía se conservan ejemplos restaurados y protegidos como monumentos históricos, especialmente en California, en Berkeley y Pasadena , y en las secciones de otras ciudades que se desarrollaron originalmente durante la época y que no experimentaron una renovación urbana de posguerra. Los estilos Mission Revival , Prairie School y " California bungalow " de construcción residencial siguen siendo populares en los Estados Unidos en la actualidad.
Como teóricos, educadores y artistas prolíficos en medios que van desde el grabado hasta la cerámica y el pastel, dos de las figuras más influyentes fueron Arthur Wesley Dow (1857-1922) en la Costa Este y Pedro Joseph de Lemos (1882-1954) en California. Dow, que enseñó en la Universidad de Columbia y fundó la Escuela de Arte de Verano de Ipswich, publicó en 1899 su obra emblemática Composition (Composición) , que destilaba en un enfoque claramente estadounidense la esencia de la composición japonesa, combinando en una amalgama armoniosa y decorativa tres elementos: la simplicidad de la línea, el "notan" (el equilibrio de las áreas claras y oscuras) y la simetría del color. [87]
Su propósito era crear objetos finamente elaborados y bellamente representados. Su alumno de Lemos, que llegó a ser director del Instituto de Arte de San Francisco , director del Museo y Galería de Arte de la Universidad de Stanford y editor en jefe de la revista School Arts Magazine , amplió y revisó sustancialmente las ideas de Dow en más de 150 monografías y artículos para escuelas de arte en los Estados Unidos y Gran Bretaña. [88] Entre sus muchas enseñanzas poco ortodoxas estaba su creencia de que los productos manufacturados podían expresar "la belleza sublime" y que se podía encontrar una gran comprensión en las "formas de diseño" abstractas de las civilizaciones precolombinas.
El Museo del Movimiento de Artes y Oficios Estadounidenses en San Petersburgo, Florida , abrió sus puertas en 2021. [89] [90]
En Japón, Yanagi Sōetsu , creador del movimiento Mingei que promovió el arte popular a partir de la década de 1920, fue influenciado por los escritos de Morris y Ruskin. [40] Al igual que el movimiento Arts and Crafts en Europa, Mingei buscó preservar las artesanías tradicionales frente a la modernización de la industria.
Muchos de los líderes del movimiento Arts and Crafts se formaron como arquitectos (por ejemplo, William Morris, AH Mackmurdo, CR Ashbee, WR Lethaby) y fue en la construcción donde el movimiento tuvo su influencia más visible y duradera.
Red House , en Bexleyheath , Londres, diseñada para Morris en 1859 por el arquitecto Philip Webb , ejemplifica el estilo Arts and Crafts temprano, con sus formas sólidas bien proporcionadas, amplios porches, techo inclinado, arcos de ventanas apuntados, chimeneas de ladrillo y accesorios de madera. Webb rechazó el clasicismo y otros resurgimientos de estilos históricos basados en grandes edificios, y basó su diseño en la arquitectura vernácula británica , expresando la textura de materiales ordinarios, como piedra y azulejos, con una composición de edificios asimétrica y pintoresca. [20]
El suburbio londinense de Bedford Park , construido principalmente en las décadas de 1880 y 1890, tiene alrededor de 360 casas de estilo Arts and Crafts y alguna vez fue famoso por sus residentes estéticos . Varias casas de beneficencia se construyeron en el estilo Arts and Crafts, por ejemplo, Whiteley Village , Surrey, construida entre 1914 y 1917, con más de 280 edificios, y las casas de beneficencia Dyers , Sussex, construidas entre 1939 y 1971. Letchworth Garden City , la primera ciudad jardín, se inspiró en los ideales de Arts and Crafts. [10]
Las primeras casas fueron diseñadas por Barry Parker y Raymond Unwin en el estilo vernáculo popularizado por el movimiento y la ciudad pasó a ser asociada con la nobleza y la vida sencilla. El taller de fabricación de sandalias establecido por Edward Carpenter se trasladó de Yorkshire a Letchworth Garden City y la burla de George Orwell sobre "todos los bebedores de zumo de frutas, nudistas, usuarios de sandalias, maníacos sexuales, cuáqueros, curanderos de la 'cura natural', pacifistas y feministas de Inglaterra" que iban a una conferencia socialista en Letchworth se ha hecho famosa. [91]
Gertrude Jekyll aplicó los principios de Arts and Crafts al diseño de jardines. Trabajó con el arquitecto inglés Sir Edwin Lutyens , para cuyos proyectos creó numerosos paisajes, y quien diseñó su casa Munstead Wood , cerca de Godalming en Surrey. [92] Jekyll creó los jardines de Bishopsbarns , [93] la casa del arquitecto de York Walter Brierley , un exponente del movimiento Arts and Crafts y conocido como el "Lutyens del Norte". [94] El jardín para el proyecto final de Brierley, Goddards en York, fue obra de George Dillistone, un jardinero que trabajó con Lutyens y Jekyll en Castle Drogo . [95] En Goddards, el jardín incorporó una serie de características que reflejaban el estilo Arts and Crafts de la casa, como el uso de setos y bordes herbáceos para dividir el jardín en una serie de habitaciones al aire libre. [96]
Otro notable jardín Arts and Crafts es Hidcote Manor Garden, diseñado por Lawrence Johnston , que también está distribuido en una serie de habitaciones al aire libre y donde, como Goddards, el paisajismo se vuelve menos formal a medida que se aleja de la casa. [97] Otros ejemplos de jardines Arts and Crafts incluyen Hestercombe Gardens , Lytes Cary Manor y los jardines de algunos de los ejemplos arquitectónicos de edificios Arts and Crafts (enumerados anteriormente).
Las ideas de Morris fueron adoptadas por el Movimiento de Nueva Educación a fines de la década de 1880, que incorporó la enseñanza de la artesanía en las escuelas de Abbotsholme (1889) y Bedales (1892), y su influencia se ha notado en los experimentos sociales de Dartington Hall a mediados del siglo XX. [68]
Los profesionales de las artes y oficios en Gran Bretaña criticaron el sistema gubernamental de educación artística basado en el diseño en abstracto con poca enseñanza de la artesanía práctica. Esta falta de formación en artesanía también causó preocupación en los círculos industriales y oficiales, y en 1884 una Comisión Real (aceptando el consejo de William Morris) recomendó que la educación artística debería prestar más atención a la idoneidad del diseño para el material en el que se iba a ejecutar. [98] La primera escuela en realizar este cambio fue la Birmingham School of Arts and Crafts , que "abrió el camino en la introducción del diseño ejecutado en la enseñanza del arte y el diseño a nivel nacional (trabajando en el material para el que estaba destinado el diseño en lugar de diseñar en papel). En su informe de examinador externo de 1889, Walter Crane elogió a la Birmingham School of Art porque "consideraba el diseño en relación con los materiales y el uso". [ 99 ] Bajo la dirección de Edward Taylor, su director de 1877 a 1903, y con la ayuda de Henry Payne y Joseph Southall , la Birmingham School se convirtió en un centro líder de artes y oficios. [100]
Otras escuelas de autoridades locales también comenzaron a introducir una enseñanza más práctica de las artesanías, y en la década de 1890 los ideales de las Artes y Oficios estaban siendo difundidos por los miembros del Gremio de Trabajadores del Arte en las escuelas de arte de todo el país. Los miembros del Gremio ocuparon puestos influyentes: Walter Crane fue director de la Escuela de Arte de Manchester y posteriormente del Royal College of Art ; FM Simpson, Robert Anning Bell y CJAllen fueron respectivamente profesor de arquitectura, instructor de pintura y diseño e instructor de escultura en la Escuela de Arte de Liverpool ; Robert Catterson-Smith, director de la Escuela de Arte de Birmingham de 1902 a 1920, también fue miembro del AWG; WR Lethaby y George Frampton fueron inspectores y asesores de la junta de educación del London County Council (LCC) y en 1896, en gran parte como resultado de su trabajo, el LCC creó la Escuela Central de Artes y Oficios y los nombró directores conjuntos. [101] Hasta la formación de la Bauhaus en Alemania, la Escuela Central fue considerada como la escuela de arte más progresista de Europa. [102] Poco después de su fundación, el consejo municipal local creó la Escuela de Artes y Oficios de Camberwell siguiendo los lineamientos de las Artes y Oficios.
Como director del Royal College of Art en 1898, Crane intentó reformarlo siguiendo líneas más prácticas, pero dimitió al cabo de un año, derrotado por la burocracia del Consejo de Educación , que entonces nombró a Augustus Spencer para implementar su plan. Spencer contrató a Lethaby para dirigir su escuela de diseño y a varios miembros del Art Workers' Guild como profesores. [101] Diez años después de la reforma, un comité de investigación revisó el RCA y descubrió que todavía no estaba formando adecuadamente a los estudiantes para la industria. [103]
En el debate que siguió a la publicación del informe del comité, CRAshbee publicó un ensayo muy crítico, Should We Stop Teaching Art (¿Deberíamos dejar de enseñar arte?) , en el que pedía que se desmantelara por completo el sistema de educación artística y que, en su lugar, las artesanías se aprendieran en talleres subvencionados por el Estado. [104] Lewis Foreman Day , una figura importante del movimiento Arts and Crafts, adoptó una opinión diferente en su informe disidente al comité de investigación, argumentando a favor de un mayor énfasis en los principios del diseño frente a la creciente ortodoxia de la enseñanza del diseño mediante el trabajo directo con materiales. Sin embargo, el espíritu de Arts and Crafts invadió por completo las escuelas de arte británicas y persistió, en opinión del historiador de la educación artística, Stuart MacDonald, hasta después de la Segunda Guerra Mundial. [101]
