Jean-Luc Godard (Reino Unido: /ˈɡɒdɑːr/GOD-ar; Estados Unidos: /ɡoʊˈdɑːr / goh-DAR; francés: [ ʒɑ̃lykɡɔdaʁ ] ; 3 de diciembre de 1930 - 13 de septiembre de 2022 ) fue un director de cine , guionista y crítico de cine francés y suizo. Saltó a la fama como pionero del movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague de la década de 1960, [1] junto a cineastas como François Truffaut , Agnès Varda , Éric Rohmer y Jacques Demy . Podría decirse que fue el cineasta francés más influyente de la posguerra . [2] Según AllMovie , su obra "revolucionó la forma cinematográfica" a través de su experimentación con la narrativa, la continuidad , el sonido y el trabajo de cámara . [2] Entre sus películas más aclamadas se encuentran Sin aliento (1960), Vivir su vida (1962), El desprecio (1963), Band of Outsiders (1964), Alphaville (1965), Pierrot le Fou (1965), Masculin Féminin (1966), Weekend (1967) y Adiós al lenguaje (2014). [3] [4]
Durante su temprana carrera como crítico de cine para la influyente revista Cahiers du Cinéma , Godard criticó la "Tradición de Calidad" del cine francés convencional, que restaba importancia a la innovación y la experimentación. [5] [1] En respuesta, él y críticos con ideas afines comenzaron a hacer sus propias películas, [1] desafiando las convenciones del Hollywood tradicional además del cine francés . [6] Godard recibió por primera vez elogios mundiales por su largometraje de 1960 Sin aliento , que ayudó a establecer el movimiento de la Nouvelle Vague. [2] Su trabajo hace uso de frecuentes homenajes y referencias a la historia del cine , y a menudo expresaba sus opiniones políticas; era un ávido lector del existencialismo [7] y la filosofía marxista , y en 1969 formó el Grupo Dziga Vertov con otros cineastas radicales para promover obras políticas. [8] Después de la Nouvelle Vague, su política fue menos radical, y sus películas posteriores llegaron a ser sobre el conflicto humano y la representación artística "desde una perspectiva humanista en lugar de marxista". [8]
Godard se casó tres veces, con las actrices Anna Karina y Anne Wiazemsky , quienes protagonizaron varias de sus películas, y más tarde con su pareja de muchos años, Anne-Marie Miéville . [9] Sus colaboraciones con Karina, que incluyeron películas aclamadas por la crítica como Vivre sa vie (1962), Bande à part (1964) y Pierrot le Fou (1965), fueron llamadas "posiblemente el cuerpo de trabajo más influyente en la historia del cine" por la revista Filmmaker . [10] En una encuesta de Sight & Sound de 2002 , Godard ocupó el tercer lugar entre los diez mejores directores de todos los tiempos de los críticos. [11] Se dice que ha "generado uno de los mayores cuerpos de análisis crítico de cualquier cineasta desde mediados del siglo XX". [12] Su trabajo ha sido central para la teoría narrativa y ha "desafiado tanto las normas del cine narrativo comercial como el vocabulario de la crítica cinematográfica". [13] En 2010, Godard recibió un Premio Honorífico de la Academia . [14]
Jean-Luc Godard nació el 3 de diciembre de 1930 [15] en el distrito 7 de París , [16] hijo de Odile ( née Monod) y Paul Godard, un médico suizo. [17] Sus padres ricos provenían de familias protestantes de ascendencia franco-suiza, y su madre era hija de Julien Monod, fundador del Banque Paribas . Era la bisnieta del teólogo Adolphe Monod . Otros parientes por parte de su madre incluyen al compositor Jacques-Louis Monod , el naturalista Théodore Monod y el pastor Frédéric Monod . [18] [19] Por parte de su padre, es primo hermano del ex primer ministro y más tarde presidente de Perú Pedro Pablo Kuczynski . [20] Cuatro años después del nacimiento de Jean-Luc, su padre trasladó a la familia a Suiza. Al estallar la Segunda Guerra Mundial , Godard se encontraba en Francia y regresó a Suiza con dificultades. [21] Pasó la mayor parte de la guerra en Suiza, aunque su familia hizo viajes clandestinos a la finca de su abuelo en el lado francés del lago de Ginebra . Godard asistió a la escuela en Nyon , Suiza. [22] [23]
No era un cinéfilo asiduo, y atribuyó su introducción al cine a una lectura del ensayo de André Malraux Esquema de una psicología del cine y a su lectura de La Revue du cinéma , que se relanzó en 1946. [24] En 1946, fue a estudiar al Lycée Buffon en París y, a través de conexiones familiares, se mezcló con miembros de su élite cultural. Se alojó con el escritor Jean Schlumberger . Tras suspender su examen de bachillerato en 1948, regresó a Suiza. Estudió en Lausana y vivió con sus padres, cuyo matrimonio se estaba rompiendo. Pasó un tiempo en Ginebra también con un grupo que incluía a otro fanático del cine, Roland Tolmatchoff, y al filósofo de extrema derecha Jean Parvulesco. Su hermana mayor, Rachel, lo animó a pintar, lo que hizo, en un estilo abstracto. Después de pasar un tiempo en un internado en Thonon para prepararse para el nuevo examen, que aprobó, regresó a París en 1949. [25] Se inscribió para obtener un certificado en antropología en la Universidad de París (Sorbona), pero no asistió a clases. [26]
En París, en el Barrio Latino , justo antes de 1950, los cineclubs (sociedades cinematográficas) estaban ganando prominencia. Godard comenzó a asistir a estos clubes (la Cinémathèque Française , el Ciné-Club du Quartier Latin (CCQL), el cineclub Trabajo y Cultura y otros) que se convirtieron en sus lugares habituales. La Cinémathèque fue fundada por Henri Langlois y Georges Franju en 1936; Trabajo y Cultura era un grupo de educación obrera para el que André Bazin había organizado proyecciones y debates de películas de guerra y que se había convertido en un modelo para los cineclubs que habían surgido en toda Francia después de la Liberación; el CCQL, fundado alrededor de 1947 o 1948, fue animado y dirigido intelectualmente por Maurice Schérer . [27] En estos clubes conoció a otros entusiastas del cine, incluidos Jacques Rivette , Claude Chabrol y François Truffaut . [28] Godard formó parte de una generación para la que el cine adquirió una importancia especial. Decía: «En los años cincuenta el cine era tan importante como el pan, pero ya no es así. Creíamos que el cine se impondría como un instrumento de conocimiento, un microscopio... un telescopio... En la Cinemateca descubrí un mundo del que nadie me había hablado. Nos habían hablado de Goethe , pero no de Dreyer ... Veíamos películas mudas en la época del cine sonoro. Soñábamos con el cine. Éramos como cristianos en las catacumbas ». [29] [30]
Su incursión en el mundo del cine comenzó en el campo de la crítica . Junto con Maurice Schérer (que escribía bajo el seudónimo que luego sería famoso, Éric Rohmer ) y Jacques Rivette, fundó la efímera revista de cine La Gazette du cinéma , que publicó cinco números en 1950. [31] Cuando Bazin cofundó la influyente revista crítica Cahiers du Cinéma en 1951 (una publicación seminal sobre el cine y sus principales observadores y participantes), Godard fue el primero de los críticos más jóvenes del grupo CCQL/Cinémathèque en publicarse. [32] El número de enero de 1952 presentó su reseña de un melodrama estadounidense dirigido por Rudolph Maté , No Sad Songs for Me . [33] Su "Defensa e ilustración del découpage clásico", publicada en septiembre de 1952, en la que ataca un artículo anterior de Bazin y defiende el uso de la técnica de plano-contraplano , es una de sus primeras contribuciones importantes a la crítica cinematográfica. [34] Al elogiar a Otto Preminger y al "mayor artista americano, Howard Hawks ", Godard eleva sus duros melodramas por encima de las "películas más formalistas y abiertamente artísticas de Welles , De Sica y Wyler que Bazin respaldaba". [35] En este punto, las actividades de Godard no incluían hacer películas. Más bien, veía películas, escribía sobre ellas y ayudaba a otros a hacer películas, en particular a Rohmer, con quien trabajó en Présentation ou Charlotte et son steak . [36]
Tras abandonar París en el otoño de 1952, Godard regresó a Suiza y se fue a vivir con su madre en Lausana. Allí trabó amistad con el amante de su madre, Jean-Pierre Laubscher, que trabajaba como obrero en la presa de Grande Dixence . A través de Laubscher consiguió trabajo como obrero de la construcción en la obra de la Plaz Fleuri en la presa. Vio la posibilidad de hacer un documental sobre la presa; cuando su contrato inicial terminó, para prolongar su tiempo en la presa, pasó a ocupar el puesto de operador de una centralita telefónica. Mientras estaba de servicio, en abril de 1954, llamó a Laubscher para comunicarle que Odile Monod, la madre de Godard, había muerto en un accidente de moto. Gracias a unos amigos suizos que le prestaron una cámara de cine de 35 mm , pudo rodar en película de 35 mm. Reescribió el comentario que había escrito Laubscher y le dio a su película un título rimado: Opération béton ( Operación hormigón ). La empresa que administraba la presa compró la película y la utilizó con fines publicitarios. [37]
Mientras continuaba trabajando para Cahiers , realizó Une femme coquette (1955), un cortometraje de 10 minutos, en Ginebra ; y en enero de 1956 regresó a París. Un plan para un largometraje de Las afinidades electivas de Goethe resultó demasiado ambicioso y no llegó a nada. Truffaut solicitó su ayuda para trabajar en una idea que tenía para una película basada en la historia de un crimen real de un delincuente de poca monta, Michel Portail, que había disparado a un policía en motocicleta y cuya novia lo había delatado a la policía, pero Truffaut no interesó a ningún productor. Otro proyecto con Truffaut, una comedia sobre una chica de campo que llega a París, también fue abandonado. [38] Trabajó con Rohmer en una serie planificada de cortometrajes centrados en las vidas de dos mujeres jóvenes, Charlotte y Véronique; En otoño de 1957, Pierre Braunberger produjo la primera película de la serie, Todos los chicos se llaman Patrick , dirigida por Godard a partir del guion de Rohmer. Una historia de agua (1958) se creó en gran parte a partir de material no utilizado filmado por Truffaut. En 1958, Godard, con un reparto que incluía a Jean-Paul Belmondo y Anne Colette, realizó su último corto antes de ganar prominencia internacional como cineasta, Charlotte et son Jules , un homenaje a Jean Cocteau . La película se rodó en la habitación del hotel de Godard en la rue de Rennes y aparentemente reflejaba algo de la "austeridad romántica" de la propia vida de Godard en esa época. Su amigo suizo Roland Tolmatchoff señaló: "En París tenía un gran póster de Bogart en la pared y nada más". [39] En diciembre de 1958, Godard informó desde el Festival de Cortometrajes de Tours y elogió el trabajo de Jacques Demy , Jacques Rozier y Agnès Varda , con quienes se hizo amigo (ya conocía a Alain Resnais, cuya película elogió), pero Godard ahora quería hacer un largometraje. Viajó al Festival de Cine de Cannes de 1959 y le pidió a Truffaut que le permitiera utilizar la historia en la que habían colaborado en 1956, sobre el ladrón de coches Michel Portail. Buscó dinero del productor Georges de Beauregard , a quien había conocido previamente mientras trabajaba brevemente en el departamento de publicidad de la oficina de París de Twentieth Century Fox , y que también estaba en el Festival. Beauregard podía ofrecer su experiencia, pero estaba endeudado por dos producciones basadas en historias de Pierre Loti ; por lo tanto, la financiación vino de un distribuidor de películas, René Pignières. [40]
El período más celebrado de Godard como director abarca aproximadamente desde su primer largometraje, Sin aliento (1960), hasta Week End (1967). Su trabajo durante este período se centró en películas relativamente convencionales que a menudo hacen referencia a diferentes aspectos de la historia del cine. Aunque el trabajo de Godard durante este período se considera innovador por derecho propio, el período contrasta con el que lo siguió inmediatamente, durante el cual Godard denunció ideológicamente gran parte de la historia del cine como burguesa y, por lo tanto, sin mérito. [41]
Sin aliento ( À bout de souffle , 1960) de Godard , protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg , expresó claramente el estilo de la Nouvelle Vague francesa e incorporó citas de varios elementos de la cultura popular, específicamente del cine negro estadounidense . La película empleó varias técnicas, como el uso innovador de cortes de salto (que tradicionalmente se consideraban amateurs), comentarios sobre los personajes y la ruptura de la línea de visión en la edición de continuidad . [42] [43] Otro aspecto único de Sin aliento fue la escritura espontánea del guion el día del rodaje, una técnica que los actores encontraron inquietante, que contribuyó al ambiente espontáneo y documental de la película. [44]
Desde el comienzo de su carrera, Godard incluyó más referencias cinematográficas en sus películas que cualquiera de sus colegas de la Nouvelle Vague. En Sin aliento , sus citas incluyen un póster de película que muestra a Humphrey Bogart —de The Harder They Fall , su última película [45] (cuya expresión el actor principal Jean-Paul Belmondo intenta imitar reverentemente)—, citas visuales de películas de Ingmar Bergman , Samuel Fuller , Fritz Lang y otros; y una dedicatoria en pantalla a Monogram Pictures , [46] un estudio de películas de serie B estadounidense . Las citas y referencias a la literatura incluyen a William Faulkner , Dylan Thomas , Louis Aragon , Rilke , Françoise Sagan y Maurice Sachs . La película también contiene citas en imágenes o en la banda sonora: Mozart , Picasso , JS Bach , Paul Klee y Auguste Renoir . «Este cine en primera persona no invocaba la experiencia del director sino su presencia». [47]
Godard quería contratar a la actriz estadounidense Jean Seberg, que vivía en París con su marido François Moreuil, un abogado, para interpretar a la mujer estadounidense. Seberg se había hecho famosa en 1956 cuando Otto Preminger la había elegido para interpretar a Juana de Arco en su Santa Juana , y luego la había elegido para su adaptación de 1958 de Bonjour Tristesse . [48] Su actuación en esta película no había sido generalmente considerada como un éxito ( el crítico de The New York Times la llamó una "aficionada fuera de lugar"), pero Truffaut y Godard no estaban de acuerdo. En el papel de Michel Poiccard, Godard eligió a Belmondo, un actor al que ya había llamado, escribiendo en Arts en 1958, "el Michel Simon y el Jules Berry del mañana". [49] El camarógrafo fue Raoul Coutard , elección del productor Beauregard. Godard quería que Sin aliento se filmara como un documental, con una cámara de mano liviana y un mínimo de iluminación adicional; Coutard tenía experiencia como camarógrafo de documentales mientras trabajaba para el servicio de información del ejército francés en Indochina durante la guerra franco-indochina . Coutard filmó los travellings desde una silla de ruedas empujada por Godard. Aunque Godard había preparado un guion tradicional, prescindió de él y escribió el diálogo día a día a medida que avanzaba la producción. [50] La importancia de la película fue reconocida de inmediato y en enero de 1960 Godard ganó el Premio Jean Vigo , otorgado "para alentar a un autor del futuro". Un crítico mencionó la profecía de Alexandre Astruc sobre la era de la cámara-stylo , la cámara que una nueva generación usaría con la eficacia con la que un escritor usa su pluma: "he aquí de hecho la primera obra escrita auténticamente con una cámara-stylo " . [51]
En 1960 Godard filmó El soldadito . El reparto incluía a la futura esposa de Godard, Anna Karina . En ese momento Karina prácticamente no tenía experiencia como actriz. Godard utilizó su torpeza como un elemento de su actuación. Godard y Karina eran pareja al final del rodaje. Ella apareció nuevamente, junto con Belmondo, en la primera película en color de Godard, Una mujer es una mujer (1961), su primer proyecto en ser estrenado. La película fue pensada como un homenaje al musical estadounidense . Los ajustes que Godard hizo a la versión original de la historia le dieron resonancias autobiográficas, "específicamente en lo que respecta a su relación con Anna Karina". La película reveló "el confinamiento dentro de las cuatro paredes de la vida doméstica" y "las fallas emocionales y artísticas que amenazaban su relación". [52]
La siguiente película de Godard, Vivre sa vie ( 1962 ), fue una de las más populares entre los críticos. Karina interpretó a Nana, una madre descarriada y aspirante a actriz cuyas circunstancias económicas difíciles la llevan a la vida de prostituta callejera . Es un relato episódico de sus racionalizaciones para demostrar que es libre, a pesar de estar atada al final de la corta correa de su proxeneta . En una escena, dentro de un café, extiende los brazos y anuncia que es libre de levantarlos o bajarlos como desee. [53]
La película fue un éxito popular y llevó a Columbia Pictures a ofrecerle un trato por el que recibiría 100.000 dólares para hacer una película, con control artístico completo. [53]
El soldadito no se estrenó hasta 1963, la primera de las tres películas que estrenó ese año. El soldadito trataba sobre la Guerra de Independencia de Argelia . El gobierno francés la prohibió durante los dos años siguientes debido a su naturaleza política. [54] El "soldadito" Bruno Forestier fue interpretado por Michel Subor . Forestier era un personaje cercano al propio Godard, un creador de imágenes e intelectual, "más o menos mi portavoz, pero no totalmente", dijo Godard a un entrevistador. [55]
La película comienza el 13 de mayo de 1958, fecha del intento de golpe de Estado en Argelia , y termina más tarde ese mismo mes. En la película, Bruno Forestier, un fotoperiodista que tiene vínculos con un grupo paramilitar de derecha que trabaja para el gobierno francés, recibe la orden de asesinar a un profesor acusado de ayudar a la resistencia argelina. Está enamorado de Verónica Dreyer, una joven que ha trabajado con los combatientes argelinos. Es capturado por militantes argelinos y torturado. Su organización la captura y la tortura. Al hacer El pequeño soldado , Godard tomó la inusual medida de escribir diálogos todos los días y llamar las líneas a los actores durante el rodaje, una técnica que se hizo posible al filmar sin sonido directo y doblar los diálogos en posproducción. [56] [57]
Su siguiente película fue Les Carabiniers , basada en una historia de Roberto Rossellini , una de las influencias de Godard. [58] La película sigue a dos campesinos que se unen al ejército de un rey, solo para encontrar inutilidad en todo el asunto cuando el rey revela el engaño de los líderes administradores de la guerra.
Su última película de 1963 y la de mayor éxito comercial de su carrera fue Le Mépris ( El desprecio ), protagonizada por Michel Piccoli y una de las mayores estrellas femeninas de Francia, Brigitte Bardot . [59] [60] La película sigue a Paul (Piccoli), un guionista a quien Prokosch ( Jack Palance ), un arrogante productor de cine estadounidense, le encarga que reescriba el guion de una adaptación de La Odisea de Homero , que ha estado filmando el director austríaco Fritz Lang . La interpretación de " alta cultura " de Lang de la historia se pierde en Prokosch, cuyo personaje es una firme acusación de la jerarquía cinematográfica comercial. [61]
En 1964, Godard y Karina formaron una compañía de producción, Anouchka Films. [62] Dirigió Bande à part ( Banda de marginados ), otra colaboración entre los dos y descrita por él como " Alicia en el país de las maravillas se encuentra con Franz Kafka ". [63] Sigue a dos jóvenes, que buscan anotar en un atraco, quienes se enamoran de Karina, y cita varias convenciones de películas de gánsteres . [64] [63] Mientras promocionaba la película, Godard escribió que según D. W. Griffith , todo lo que uno necesita para hacer una película es "una chica y un arma". [65]
Después de Band of Outsiders , se estrenó Una mujer casada (1964). Se trataba de una película en blanco y negro lenta, deliberada y atenuada, sin una historia real. La película se rodó en cuatro semanas [66] y era "una película explícita y rigurosamente modernista". Mostraba el "compromiso de Godard con el pensamiento más avanzado de la época, tal como se expresaba en la obra de Claude Lévi-Strauss y Roland Barthes " y su fragmentación y abstracción reflejaban también "su pérdida de fe en los estilos familiares de Hollywood ". [67] Godard hizo la película durante la fase de planificación de Pierrot le Fou (1965). [68]
En 1965, Godard dirigió Alphaville , una mezcla futurista de ciencia ficción, cine negro y sátira. [69] Eddie Constantine interpretó a Lemmy Caution , un detective que es enviado a una ciudad controlada por una computadora gigante llamada Alpha 60. Su misión es hacer contacto con el profesor von Braun ( Howard Vernon ), un famoso científico que ha quedado misteriosamente en silencio y se cree que está suprimido por la computadora. [70] [71] Su siguiente película fue Pierrot le Fou (1965). Gilles Jacob , autor, crítico y presidente del Festival de Cine de Cannes , la calificó de "retrospectiva" y recapitulación. [72] Solicitó la participación de Jean-Paul Belmondo , por entonces un actor famoso, para garantizar la cantidad necesaria de fondos para la costosa película. [73] Godard dijo que la película estaba "conectada con la violencia y la soledad que se encuentran tan cerca de la felicidad hoy en día. Es en gran medida una película sobre Francia". [74]
Masculin Féminin (1966), basada en doscuentos de Guy de Maupassant , La Femme de Paul y Le Signe , fue un estudio de la juventud francesa contemporánea y su participación en la política cultural. Un intertítulo se refiere a los personajes como "Los hijos de Marx y Coca-Cola ". Aunque a veces se piensa que el cine de Godard retrata un punto de vista completamente masculino, Phillip John Usher ha demostrado cómo la película, por la forma en que conecta imágenes y eventos dispares, parece desdibujar las líneas de género. [75]
Godard siguió con Made in USA (1966), cuyo material de partida fue The Jugger de Richard Stark . Un clásico del thriller policial de la nueva ola, se inspiró en las películas noir estadounidenses. Anna Karina protagoniza a la antiheroína que busca a su amante asesinado y la película incluye un cameo de Marianne Faithfull . [76] [77] Un año después llegó Two or Three Things I Know About Her (1967), en la que Marina Vlady interpreta a una mujer que lleva una doble vida como ama de casa y prostituta, considerada "uno de los mayores logros de la cinematografía". [78]
En La Chinoise (1967), Godard se mostró en su faceta más políticamente franca hasta el momento. La película se centraba en un grupo de estudiantes y abordaba las ideas que surgían de los grupos activistas estudiantiles en la Francia contemporánea. Estrenada justo antes de los acontecimientos de mayo de 1968 , algunos piensan que la película presagió las rebeliones estudiantiles que tuvieron lugar. [79] [80]
Ese mismo año, Godard hizo una película más colorida y política, Week End . Sigue a una pareja parisina que se va de viaje de fin de semana a través de la campiña francesa para cobrar una herencia. Lo que sigue es una confrontación con los trágicos defectos de la burguesía consumista. La película contiene un plano secuencia de ocho minutos de la pareja atrapada en un atasco de tráfico incesante mientras salen de la ciudad, citado como una técnica que Godard utilizó para deconstruir las tendencias burguesas. [81] Sorprendentemente, algunas tomas contienen metraje adicional de, por así decirlo, antes del comienzo de la toma (mientras los actores se preparan) y después del final de la toma (mientras los actores salen de los personajes). La enigmática y audaz secuencia del título final de Week End , que dice "Fin del cine", marcó apropiadamente el final del período narrativo y cinematográfico en la carrera cinematográfica de Godard. [82] [ página necesaria ]
Godard era conocido por su "voz altamente política", y regularmente presentaba contenido político en sus películas. [83] [84] Uno de sus primeros largometrajes, Le petit soldat , que trataba sobre la Guerra de Independencia de Argelia , fue notable por su intento de presentar la complejidad de la disputa; la película fue percibida como equívoca y como si estableciera una "equivalencia moral" entre las fuerzas francesas y el Frente de Liberación Nacional . [85] En esta línea, Les Carabiniers presenta una guerra ficticia que inicialmente es romantizada en la forma en que sus personajes abordan su servicio, pero se convierte en una rígida metonimia antibélica . [86] Además de los conflictos internacionales a los que Godard buscó una respuesta artística, también estaba muy preocupado por los problemas sociales en Francia. El primer y mejor ejemplo de esto es la potente interpretación de Karina de una prostituta en Vivre sa vie . [41] [87] [88] En París en la década de 1960, el entorno político no estaba abrumado por un movimiento específico. Sin embargo, hubo un clima de posguerra marcado por varios conflictos internacionales, como el colonialismo en el norte de África y el sudeste asiático. La disposición marxista de Godard no se hizo muy explícita hasta La Chinoise y Week End , pero es evidente en varias películas, a saber, Pierrot y Une femme mariée . [41] [89]
Godard fue acusado por algunos de albergar opiniones antisemitas : en 2010, en el período previo a la presentación del Oscar honorario de Godard, un destacado artículo en The New York Times escrito por Michael Cieply llamó la atención sobre la idea, que había estado circulando por la prensa en las semanas anteriores, de que Godard podría ser un antisemita y, por lo tanto, no merecedor del galardón. Cieply hace referencia al libro de Richard Brody Todo es cine: la vida laboral de Jean-Luc Godard , y aludió a un artículo anterior, más largo, publicado por el Jewish Journal como uno de los orígenes del debate. [90] El artículo también se basa en el libro de Brody, por ejemplo en la siguiente cita, que Godard hizo en la televisión en 1981: " Moisés es mi principal enemigo... Moisés, cuando recibió los mandamientos, vio imágenes y las tradujo. Luego trajo los textos, no mostró lo que había visto. Es por eso que el pueblo judío está maldito". [91]
Inmediatamente después de que se publicara el artículo de Cieply, Brody criticó claramente el "uso extremadamente selectivo y limitado" de pasajes en su libro, y señaló que la obra de Godard abordaba el Holocausto con "la mayor seriedad moral". [92] De hecho, sus documentales presentan imágenes del Holocausto en un contexto que sugiere que considera al nazismo y al Holocausto como el nadir de la historia humana. Las opiniones de Godard se vuelven más complejas en relación con el Estado de Israel . En 1970, Godard viajó a Oriente Medio para hacer una película pro palestina que no completó y cuyo metraje finalmente se convirtió en parte de la película de 1976 Ici et ailleurs . En esta película, Godard parece ver la causa palestina como uno de los muchos movimientos revolucionarios de izquierda en todo el mundo. En otro lugar, Godard se identificó explícitamente como antisionista, pero negó las acusaciones de antisemitismo. [93]
Godard produjo varias piezas que abordan directamente la guerra de Vietnam . Además, hay dos escenas en Pierrot le fou que abordan el tema. La primera es una escena que tiene lugar en el viaje inicial en automóvil entre Ferdinand (Belmondo) y Marianne (Karina). A través de la radio del automóvil, los dos escuchan el mensaje "guarnición masacrada por el Viet Cong que perdió 115 hombres". Marianne responde con una reflexión extensa sobre la forma en que la radio deshumaniza a los combatientes norvietnamitas. [94] La guerra está presente en toda la película en menciones, alusiones y representaciones en imágenes de noticieros , y el estilo de la película se vio afectado por la ira política de Godard hacia la guerra, alterando su capacidad para inspirarse en estilos cinematográficos anteriores. [95]
Cabe destacar que también participó en Loin du Vietnam (1967), un proyecto antibélico que consta de siete sketches dirigidos por Godard (que utilizó material de archivo de La Chinoise ), Claude Lelouch , Joris Ivens , William Klein , Chris Marker , Alain Resnais y Agnès Varda . [96] [97]
El compromiso de Godard con el poeta y dramaturgo alemán Bertolt Brecht surge principalmente de su intento de transponer la teoría de Brecht sobre el teatro épico y su perspectiva de alienar al espectador ( Verfremdungseffekt ) a través de una separación radical de los elementos del medio (el teatro en el caso de Brecht, pero el cine en el de Godard). La influencia de Brecht se siente profundamente en gran parte de la obra de Godard, particularmente antes de 1980, cuando Godard utilizó la expresión cinematográfica con fines políticos específicos. [41] [98]
Por ejemplo, el montaje elíptico de Breathless , que niega al espectador una narrativa fluida típica del cine convencional, obliga a los espectadores a asumir roles más críticos, conectando las piezas en sí mismas y saliendo con una mayor inversión en el contenido de la obra. [99] En muchas de sus piezas más políticas, específicamente Week-end , Pierrot le Fou y La Chinoise , los personajes se dirigen a la audiencia con pensamientos, sentimientos e instrucciones. [41]
Es posible realizar una lectura marxista de la mayor parte de la obra temprana de Godard, si no de toda. Sin embargo, la interacción directa de Godard con el marxismo no se hace explícitamente evidente hasta Week End , donde se cita el nombre de Karl Marx junto con figuras como Jesucristo . Un estribillo constante a lo largo del período cinematográfico de Godard es el del consumismo de la burguesía , la mercantilización de la vida y la actividad cotidianas y la alienación del hombre , todas ellas características centrales de la crítica de Marx al capitalismo . [8]
En un ensayo sobre Godard, el filósofo y estudioso de la estética Jacques Rancière afirma: "Cuando en Pierrot le fou (1965), una película sin un mensaje político claro, Belmondo jugó con la palabra 'escándalo' y la 'libertad' que el cinturón Scandal supuestamente ofrecía a las mujeres, el contexto de una crítica marxista de la mercantilización , de una burla del arte pop al consumismo y de una denuncia feminista de la falsa 'liberación' de las mujeres, fue suficiente para fomentar una lectura dialéctica del chiste y de toda la historia". La forma en que Godard trató la política en su período cinematográfico fue en el contexto de un chiste, una pieza de arte o una relación, presentadas para ser utilizadas como herramientas de referencia, romantizando la retórica marxista, en lugar de ser únicamente herramientas de educación. [100]
Una mujer casada también se estructura en torno al concepto de fetichismo de la mercancía de Marx . Godard dijo una vez que se trata de "una película en la que los individuos son considerados como cosas, en la que las persecuciones en taxi se alternan con entrevistas etológicas, en la que el espectáculo de la vida se entremezcla con su análisis". Era muy consciente de la forma en que deseaba retratar al ser humano. Sus esfuerzos son abiertamente característicos de Marx, quien en sus Manuscritos económicos y filosóficos de 1844 ofrece una de sus elaboraciones más matizadas, analizando cómo el trabajador se aliena de su producto, el objeto de su actividad productiva. Georges Sadoul , en su breve reflexión sobre la película, la describe como un "estudio sociológico de la alienación de la mujer moderna". [101]
El período que va desde mayo de 1968 hasta los años 1970 ha recibido diversas etiquetas, desde el período "militante" hasta el período "radical", pasando por términos tan específicos como " maoísta " y tan vagos como "político". En cualquier caso, en ese período Godard empleó una retórica revolucionaria coherente en sus películas y en sus declaraciones públicas. [102] [41]
Inspirado por el levantamiento de Mayo del 68 , Godard, junto con François Truffaut , encabezó las protestas que cerraron el Festival de Cine de Cannes de 1968 en solidaridad con los estudiantes y los trabajadores. Godard afirmó que no se exhibió ni una sola película en el festival que representara sus causas. "Ni una, ni de Milos , ni de mí, ni de Roman o de François. No hay ninguna. Estamos atrasados". [103]
En medio de las convulsiones de finales de los años 1960, Godard se apasionó por "hacer películas políticas políticamente". Aunque muchas de sus películas de 1968 a 1972 son largometrajes, son de bajo presupuesto y desafían la noción de lo que puede ser una película. Además de abandonar el cine convencional, Godard también trató de escapar del culto a la personalidad que se había formado a su alrededor. Trabajó de forma anónima en colaboración con otros cineastas, sobre todo Jean-Pierre Gorin , con quien formó el colectivo cinematográfico Dziga-Vertov . Durante este período, Godard hizo películas en Inglaterra, Italia, Checoslovaquia, Palestina y Estados Unidos, así como en Francia. Él y Gorin realizaron giras con su trabajo, intentando crear debate, principalmente en los campus universitarios. Este período llegó a su clímax con la producción de gran presupuesto Tout Va Bien , protagonizada por Yves Montand y Jane Fonda . Debido a un accidente de motocicleta que incapacitó gravemente a Godard, Gorin terminó dirigiendo este trabajo, el más celebrado de los dos, casi sin ayuda de nadie. Como pieza complementaria a Tout va bien , la pareja hizo Letter to Jane , un "examen de una imagen fija" de 50 minutos que muestra a Jane Fonda visitando al Viet Cong durante la Guerra de Vietnam . La película es una deconstrucción de la ideología imperialista occidental. Esta fue la última película que Godard y Gorin hicieron juntos. [102]
En 1978, el gobierno de Mozambique encargó a Godard la realización de un cortometraje. Durante esa época, su experiencia con la película Kodak le llevó a criticar la película por considerarla «intrínsecamente racista», ya que no reflejaba la variedad, los matices o la complejidad de la piel morena o oscura . Esto se debía a que las tarjetas Kodak Shirley sólo se fabricaban para sujetos caucásicos, un problema que no se solucionó hasta 1995. [104]
En 1972, Godard y su compañera de vida, la cineasta suiza Anne-Marie Miéville, fundaron la empresa de producción y distribución de vídeos alternativos Sonimage, con sede en Grenoble . Bajo Sonimage, Godard produjo Comment ca va , Numéro Deux (1975) y Sauve qui peut (la vie) (1980). [105] En 1976, Godard y Miéville, su futura esposa, colaboraron en una serie de trabajos en vídeo innovadores para la televisión europea, titulados Six fois deux/Sur et sous lacommunication (1976) y France/tour/détour/deux/enfants. (1978). [106] Desde el momento en que Godard regresó al cine convencional en 1980, Anne-Marie Miéville siguió siendo una colaboradora importante. [105]
Después de los acontecimientos de mayo de 1968 , cuando la ciudad de París sufrió una conmoción total en respuesta al «autoritario De Gaulle », y Godard se replanteó su objetivo profesional, empezó a colaborar con personas de ideas afines en el ámbito cinematográfico. Su colaborador más notable fue Jean-Pierre Gorin , un estudiante maoísta de Louis Althusser , Michel Foucault y Jacques Lacan , que más tarde se convirtió en profesor de Estudios Cinematográficos en la Universidad de California en San Diego , con una pasión por el cine que atrajo la atención de Godard. [102]
Entre 1968 y 1973, Godard y Gorin colaboraron para hacer un total de cinco películas con fuertes mensajes maoístas. La película más destacada de la colaboración fue Tout Va Bien (1972). La película fue protagonizada por Jane Fonda , quien era, en ese momento, la esposa del cineasta francés Roger Vadim . Fonda estaba en el apogeo de su carrera como actriz, habiendo ganado un premio de la Academia por su actuación en Klute (1971), y había ganado notoriedad como activista izquierdista contra la guerra. El protagonista masculino era el legendario cantante y actor francés Yves Montand , que había aparecido en prestigiosas películas de Georges Clouzot , Alain Résnais, Sacha Guitry , Vincente Minelli , George Cukor y Costa-Gavras . [102]
El pequeño grupo de maoístas que Godard había reunido, que incluía a Gorin, adoptó el nombre de Grupo Dziga Vertov. Godard tenía un interés específico en Dziga Vertov , un cineasta soviético, que era conocido por una serie de documentales radicales titulados " Kino Pravda " (literalmente, "la verdad cinematográfica") y el largometraje de finales de la era muda El hombre de la cámara (1929). Vertov también fue contemporáneo tanto de los teóricos del montaje soviéticos , en particular Sergei Eisenstein , como de los artistas constructivistas y vanguardistas rusos como Alexander Rodchenko y Vladimir Tatlin . Parte del cambio político de Godard después de Mayo de 1968 fue hacia una participación proactiva en la lucha de clases y se inspiró en cineastas asociados con la Revolución rusa . [107]
Hacia el final de este período de su vida, Godard empezó a sentirse decepcionado de sus ideales maoístas y fue abandonado por su esposa de entonces, Anne Wiazemsky. En este contexto, según el biógrafo Antoine de Baecque, Godard intentó suicidarse en dos ocasiones. [108]
Godard volvió a una ficción algo más tradicional con Sauve qui peut (la vie) (1980), la primera de una serie de películas más convencionales marcadas por corrientes autobiográficas: fue seguida por Passion , Lettre à Freddy Buache (ambas de 1982), Prénom Carmen (1983) y Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma (1986). Sin embargo, hubo otra oleada de controversias con Je vous salue, Marie (1985), que fue condenada por la Iglesia Católica Romana por supuesta herejía , y también con King Lear (1987), una producción posmoderna de la obra de William Shakespeare . También se completó en 1987 un segmento en la película Aria que se basó vagamente en la trama de Armide ; está ambientado en un gimnasio y utiliza varias arias de Jean-Baptiste Lully de su famosa Armide . [102]
Sus películas posteriores se caracterizaron por una gran belleza formal y con frecuencia un sentido de réquiem: Nouvelle Vague ( Nueva ola , 1990), la autobiográfica JLG/JLG, autoportrait de décembre ( JLG/JLG: Autorretrato en diciembre , 1995) y For Ever Mozart (1996). [109] [110] [111] Allemagne année 90 neuf zéro ( Alemania año 90 nueve cero , 1991) que es una cuasi secuela de Alphaville , pero realizada con un tono elegíaco y se centra en la inevitable decadencia de la edad. [112] En 1990 , Godard recibió un premio especial de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine . [113] Entre 1988 y 1998, produjo la serie de varias partes Histoire(s) du cinéma , un proyecto monumental que combinaba todas las innovaciones de su trabajo en video con un compromiso apasionado con las cuestiones de la historia del siglo XX y la historia del cine en sí. [41]
En 2001, se estrenó Éloge de l'amour ( Elogio del amor ). La película se destaca por su uso tanto de película como de video: la primera mitad capturada en blanco y negro de 35 mm, la segunda mitad filmada en color en DV , y posteriormente transferida a película para su edición. [114] La película también se destaca por contener temas de envejecimiento, amor, separación y redescubrimiento, ya que sigue al joven artista Edgar en su contemplación de una nueva obra sobre las cuatro etapas del amor. [115] En Notre musique (2004), Godard centró su atención en la guerra, específicamente, la guerra en Sarajevo , pero con atención a todas las guerras, incluida la Guerra Civil estadounidense , la guerra entre los EE. UU. y los nativos americanos y el conflicto israelí-palestino . [116] [117] La película está estructurada en tres reinos dantescos : el infierno, el purgatorio y el paraíso . [116] La fascinación de Godard por la paradoja es constante en la película. Comienza con un largo y pesado montaje de imágenes de guerra que ocasionalmente cae en lo cómico; el Paraíso se muestra como una exuberante playa boscosa patrullada por marines estadounidenses . [118] [116]
La película de Godard Film Socialisme (2010) se estrenó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cine de Cannes de 2010. [ 119] [120] Se estrenó en cines en Francia en mayo de 2010. Se rumoreaba que Godard estaba considerando dirigir una adaptación cinematográfica de The Lost: A Search for Six of Six Million de Daniel Mendelsohn , un libro premiado sobre el Holocausto. [121] En 2013, Godard estrenó el corto Les trois désastres ( Los tres desastres ) como parte de la película ómnibus 3X3D con los cineastas Peter Greenaway y Edgar Pera . [122] 3X3D se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2013 . [123] Su película de 2014 Adiós al lenguaje , filmada en 3D , [124] [125] gira en torno a una pareja que no puede comunicarse entre sí hasta que su perro actúa como intérprete para ellos. La película hace referencia a una amplia gama de influencias, como las pinturas de Nicolas de Staël y los escritos de William Faulkner, así como al trabajo del matemático Laurent Schwartz y el dramaturgo Bertolt Brecht, una de las influencias más importantes de Godard. [44] Fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en la sección de competencia principal en el Festival de Cine de Cannes de 2014 , donde ganó el Premio del Jurado . [126] El guion no tradicional de Godard para la película fue descrito como un collage de texto escrito a mano e imágenes, y una "obra de arte" en sí misma. [127]
En 2015, J. Hoberman informó que Godard estaba trabajando en una nueva película. [128] Inicialmente titulada Tentative de bleu , [129] en diciembre de 2016, el codirector de Wild Bunch , Vincent Maraval, declaró que Godard había estado filmando Le livre d'image ( El libro de la imagen ) durante casi dos años "en varios países árabes, incluido Túnez" y que es un examen del mundo árabe moderno. Le livre d'image se mostró por primera vez en noviembre de 2018. [130] [41] El 4 de diciembre de 2019, una pieza de instalación de arte creada por Godard se inauguró en la Fondazione Prada en Milán. Titulada Le Studio d'Orphée , la instalación es un espacio de trabajo recreado e incluye equipo de edición, muebles y otros materiales utilizados por Godard en la posproducción . [131]
En 2020, Godard le dijo a Les Inrockuptibles que su nueva película sería sobre un manifestante de los chalecos amarillos , e indicó que junto con material de archivo "también habrá un rodaje. No sé si encontraré lo que se llama actores... Me gustaría filmar a la gente que vemos en los canales de noticias, pero sumergiéndolos en una situación en la que el documental y la ficción se unen". [132] En marzo de 2021 dijo que estaba trabajando en dos nuevas películas durante una entrevista virtual en el Festival Internacional de Cine de Kerala . Godard declaró: "Estoy terminando mi vida cinematográfica -sí, mi vida de cineasta- haciendo dos guiones... Después, diré: 'Adiós, cine ' " . [133]
En julio de 2021, el director de fotografía y colaborador de mucho tiempo Fabrice Aragno dijo que el trabajo en las películas iba lento y Godard estaba más centrado en "los libros, en las ideas de la película y menos en la realización". Godard sugirió hacer una película como La Jetée de Chris Marker para "volver a su origen". Gran parte de la película se rodaría en película de 35 mm, 16 mm y 8 mm, pero el coste de la película de celuloide y la pandemia de COVID-19 paralizaron la producción. Aragno esperaba rodar metraje de prueba ese otoño. Añadió que la segunda película era para el canal Arte en Francia. [134] La primera de las dos películas, un corto de 20 minutos titulado Trailer of the Film That Will Never Exist: "Phony Wars" , se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2023 , en colaboración con St. Laurent . El segundo y último corto póstumo, Scenarios , que quedó inacabado en el momento de la muerte de Godard, fue terminado por Aragno y Jean-Paul Battagia y tendrá su estreno mundial en el Festival de Cine de Cannes de 2024. [ 135] [136]
Aragno dijo que no creía que ninguna de las dos películas fuera la última de Godard, y añadió: "Digo a menudo que Éloge de l'amour fue el comienzo de su último gesto. Estas cinco, seis o siete películas están conectadas entre sí de alguna manera, no son sólo puntos finales. No es sólo una pintura". [135]
Godard estuvo casado con dos de sus protagonistas femeninas: Anna Karina (1961-1965) [137] y Anne Wiazemsky (1967-1979). [138] A partir de 1970, colaboró personal y profesionalmente con Anne-Marie Miéville . Godard vivió con Miéville en Rolle , Suiza, desde 1978 en adelante, [139] y fue descrito por su ex esposa Karina como un "recluso". [140] Godard se casó con Miéville en la década de 2010, según Patrick Jeanneret, un asesor de Godard. [9]
Su relación con Karina en particular produjo algunas de sus películas más aclamadas por la crítica, [141] y su relación fue ampliamente publicitada: The Independent los describió como "una de las parejas más celebradas de la década de 1960". [141] La revista Filmmaker calificó sus colaboraciones como "posiblemente el trabajo más influyente en la historia del cine". [10]
Según Karina, su relación era tumultuosa y Godard la maltrataba. [142] [143] [144] Más tarde en su vida, Karina dijo que ya no se hablaban. [143]
Por parte de padre, [145] era primo de Pedro Pablo Kuczynski , expresidente del Perú . [146]
En 2017, Michel Hazanavicius dirigió una película sobre Godard, Redoubtable , basada en las memorias Un año después (en francés: Un an après ; 2015) de Wiazemsky. [138] Se centra en su vida a fines de la década de 1960, cuando él y Wiazemsky hicieron películas juntos. La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 2017. [147] Godard dijo que la película era una "idea estúpida, estúpida". [148]
El documental Faces Places de Agnes Varda de 2017 culmina con Varda y el codirector JR llamando a la puerta principal de Godard en Rolle para una entrevista. Godard aceptó la reunión pero "los dejó plantados". [149] Su sobrino y asistente Paul Grivas dirigió el documental Film Catastrophe de 2018 , que incluía imágenes detrás de escena, filmadas en el crucero Costa Concordia por Grivas durante la realización de Film Socialism , de Godard trabajando con actores y dirigiendo la película. [150] Godard participó en el documental de 2022 See You Friday, Robinson . La directora Mitra Farahani inició un intercambio de correos electrónicos entre Godard y el cineasta iraní Ebrahim Golestan , con cartas de texto enviadas por correo electrónico de Golestan y respuestas de "videos, imágenes y aforismos" de Godard. [151]
Godard murió el 13 de septiembre de 2022 a los 91 años en su casa de Rolle. Su muerte fue notificada como un procedimiento de suicidio asistido , que es legal en Suiza. [152] [153] [154] [155] El asesor legal de Godard dijo que tenía "múltiples patologías discapacitantes", [156] pero un miembro de la familia dijo que "no estaba enfermo, simplemente estaba exhausto". [157] Miéville estaba a su lado cuando murió. Su cuerpo fue incinerado y no hubo servicio fúnebre. [158]
Godard ha sido reconocido como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX y uno de los líderes de la Nueva Ola Francesa. [159]
En 1969, el crítico de cine Roger Ebert escribió sobre la importancia de Godard en el cine:
Godard es un director de primerísima categoría; ningún otro director de los años 60 ha tenido tanta influencia en el desarrollo del largometraje. Como Joyce en la ficción o Beckett en el teatro, es un pionero cuya obra actual no es aceptable para el público actual. Pero su influencia en otros directores está creando y educando gradualmente a un público que, tal vez en la próxima generación, podrá mirar atrás a sus películas y ver que allí es donde comenzó su cine. [160]
En 2001, Ebert recordó sus primeros días como crítico, escribiendo: "Por mucho que habláramos de Tarantino después de Pulp Fiction , hablábamos de Godard en esos días". [161] Tarantino cita a Godard como una influencia; nombró a una compañía de producción que fundó A Band Apart , una referencia a la película de Godard de 1964. [ 44]
Las obras e innovaciones de Godard fueron elogiadas por directores notables como Michelangelo Antonioni , [162] Satyajit Ray [163] y Orson Welles . [164] [165] Welles admiraba a Godard como director, pero lo criticaba como pensador, diciéndole a Peter Bogdanovich : "Es la influencia definitiva , si no realmente el primer gran artista cinematográfico de esta última década, y sus dones como director son enormes. Simplemente no puedo tomarlo muy en serio como pensador , y ahí es donde parecemos diferir, porque él lo hace". [166] David Thomson llegó a una conclusión similar, escribiendo que "la grandeza de Godard reside en su comprensión de la idea de que las películas están hechas de imágenes en movimiento, de momentos de películas, de imágenes proyectadas frente al público", pero que "sólo conoce el cine: en política y en la vida real es infantil y pretencioso". Aun así, Thomson dice que las primeras películas de Godard son "una magnífica explicación crítica de las películas estadounidenses" y "uno de los cuerpos de trabajo ineludibles" y merecedores de retrospectivas. [167] Thomson incluyó Pierrot le Fou en su lista de Sight & Sound . [168] Al director sueco Ingmar Bergman le disgustaba mucho Godard, y afirmó: "Nunca he sacado nada de sus películas. Me han parecido construidas, falsamente intelectuales y completamente muertas. Cinematográficamente poco interesantes e infinitamente aburridas. Ha hecho sus películas para los críticos. Una de las películas, Masculin Féminin (1966), se rodó aquí en Suecia. Era tremendamente aburrida". [169]
Fritz Lang aceptó participar en la película de Godard Le Mépris debido a su admiración por Godard como director. [170] Akira Kurosawa incluyó Sin aliento como una de sus 100 películas favoritas. [171] [172] El activista político, crítico y cineasta Tariq Ali incluyó la película de Godard Tout Va Bien como una de sus diez películas favoritas de todos los tiempos en la encuesta de críticos de Sight and Sound de 2012. [173] El crítico de cine estadounidense Armond White incluyó la película de Godard Nouvelle Vague como una de sus diez películas favoritas en la misma encuesta. [174] Susan Sontag llamó a Vivre sa vie "una de las obras de arte más extraordinarias, hermosas y originales que conozco". [175]
Cuatro de las películas de Godard están incluidas en la edición de 2022 de la lista de las 100 mejores películas de la revista Sight and Sound del British Film Institute (BFI) : Sin aliento (38), Le Mépris (54), Histoire(s) du cinéma (78) y Pierrot le Fou (85). [176]
El 60.º Festival de Cine de Nueva York , que se celebró en 2022, rindió homenaje a Godard, que falleció a principios de ese año. The Onion rindió homenaje a Godard con el titular "Jean-Luc Godard muere al final de su vida con una elección narrativa inusualmente lineal". [177]
Largometrajes
Documental
Cortometrajes
Godard mantuvo una duradera amistad con Manfred Eicher , fundador y director del sello discográfico alemán ECM Records . [206] El sello publicó las bandas sonoras de Nouvelle Vague (ECM NewSeries 1600–01) e Histoire(s) du cinéma (ECM NewSeries 1706) de Godard. Esta colaboración se expandió con los años, lo que llevó a Godard a concederle a ECM permiso para utilizar fotogramas de sus películas para portadas de álbumes, [207] mientras que Eicher se hizo cargo de la dirección musical de películas de Godard como Allemagne 90 neuf zéro , Hélas Pour Moi , JLG y For Ever Mozart . Las pistas de los discos de ECM se han utilizado en sus películas; por ejemplo, la banda sonora de In Praise of Love utiliza ampliamente el álbum Epigraphs de Ketil Bjørnstad y David Darling . Godard también publicó en el sello una colección de cortometrajes que realizó con Anne-Marie Miéville llamada Four Short Films (ECM 5001). [208]
Entre las portadas de los álbumes de ECM con imágenes de las películas de Godard se encuentran estas: [209]
Su asesor legal y fiscal, Patrick Jeanneret, confirmó que la causa fue el suicidio asistido y dijo que un informe médico reciente indicaba que Godard tenía lo que él denominó "múltiples patologías invalidantes". ... Desde principios de la década de 1970, había sido compañero y colaborador de la cineasta suiza Anne-Marie Miéville, su única sobreviviente inmediata. Se casaron hace unos 10 años, dijo Jeanneret.
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En ese libro, Welles dice de Godard: "Lo más admirable de él es su maravilloso desprecio por la maquinaria de las películas e incluso por las películas mismas, una especie de desprecio anarquista y nihilista por el medio, que, cuando está en su mejor momento y más vigoroso, es muy emocionante".
Fritz Lang aceptó porque admiraba el trabajo de Godard como director y aceptó actuar en lapelícula
,
pero sólo actuar y no interferir en el proceso creativo de Godard como cineasta.
La Nouvelle Vague de Godard, que rara vez se proyecta, sigue presente en mi memoria como su obra más grandiosa, más grandiosa y más importante aún debido al reciente declive de la cinefilia.
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