El arte griego antiguo se destaca entre el de otras culturas antiguas por su desarrollo de representaciones naturalistas pero idealizadas del cuerpo humano, en las que las figuras masculinas, en su mayoría desnudas, eran generalmente el foco de innovación. El ritmo de desarrollo estilístico entre aproximadamente 750 y 300 a. C. fue notable para los estándares antiguos, y en las obras supervivientes se ve mejor en la escultura . Hubo innovaciones importantes en la pintura, que tienen que ser reconstruidas esencialmente debido a la falta de supervivencias originales de calidad, aparte del campo específico de la cerámica pintada.
La arquitectura griega , técnicamente muy simple, estableció un estilo armonioso con numerosas convenciones detalladas que fueron ampliamente adoptadas por la arquitectura romana y aún se siguen en algunos edificios modernos. Utilizó un vocabulario de ornamentación que compartía con la cerámica, la metalistería y otros medios, y tuvo una enorme influencia en el arte euroasiático , especialmente después de que el budismo lo llevara más allá del mundo griego expandido creado por Alejandro Magno . El contexto social del arte griego incluyó desarrollos políticos radicales y un gran aumento de la prosperidad; los logros griegos igualmente impresionantes en filosofía , literatura y otros campos son bien conocidos.
El arte más antiguo de los griegos generalmente se excluye del "arte griego antiguo", y en su lugar se lo conoce como arte neolítico griego seguido del arte egeo ; este último incluye el arte cicládico y el arte de las culturas minoica y micénica de la Edad del Bronce griega . [1] El arte de la antigua Grecia suele dividirse estilísticamente en cuatro períodos: el geométrico , el arcaico , el clásico y el helenístico . La edad geométrica suele datar de alrededor del año 1000 a. C., aunque en realidad se sabe poco sobre el arte en Grecia durante los 200 años anteriores, tradicionalmente conocidos como la Edad Oscura griega . El siglo VII a. C. fue testigo del lento desarrollo del estilo arcaico, ejemplificado por el estilo de figuras negras de la pintura de vasos. En general, se considera que el año 500 a. C., poco antes del inicio de las guerras médicas (480 a. C. a 448 a. C.), es la línea divisoria entre el período arcaico y el clásico, y el reinado de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.) separa el período clásico del helenístico. A partir de algún momento del siglo I a. C. se utiliza el término "grecorromano", o términos más locales para referirse al mundo griego oriental. [2]
En realidad, no hubo una transición brusca de un período a otro. Las formas de arte se desarrollaron a diferentes velocidades en las distintas partes del mundo griego y, como en cualquier época, algunos artistas trabajaron en estilos más innovadores que otros. Las fuertes tradiciones locales y las exigencias de los cultos locales permiten a los historiadores localizar los orígenes incluso de obras de arte que se encuentran lejos de su lugar de origen. El arte griego de diversos tipos se exportó ampliamente. Durante todo el período se produjo un aumento generalmente constante de la prosperidad y de los vínculos comerciales dentro del mundo griego y con las culturas vecinas.
La tasa de supervivencia del arte griego difiere marcadamente entre los distintos medios. Tenemos enormes cantidades de cerámica y monedas, mucha escultura de piedra, aunque aún más copias romanas, y unas pocas esculturas de bronce de gran tamaño. Casi no hay pinturas, vasijas de metal fino y cualquier material perecedero, incluida la madera. Se ha conservado la estructura de piedra de varios templos y teatros, pero poco de su extensa decoración. [3]
Por convención, los vasos finamente pintados de todas las formas se denominan "vasos", y hay más de 100.000 piezas supervivientes significativamente completas, [5] que ofrecen (con las inscripciones que muchas llevan) una visión incomparable de muchos aspectos de la vida griega. La cerámica escultórica o arquitectónica, también muy a menudo pintada, se conoce como terracotas , y también sobrevive en grandes cantidades. En gran parte de la literatura, "cerámica" significa solo vasos pintados o "vasos". La cerámica era la forma principal de ajuar funerario depositado en las tumbas, a menudo como "urnas funerarias" que contenían las cenizas cremadas , y se exportaba ampliamente.
El famoso y característico estilo de la pintura de vasos griegos, con figuras representadas con contornos marcados y líneas finas dentro de los mismos, alcanzó su apogeo entre los años 600 y 350 a. C. y se divide en dos estilos principales, casi inversos entre sí, la pintura de figuras negras y la pintura de figuras rojas , en la que el otro color forma el fondo en cada caso. Los demás colores eran muy limitados, normalmente a pequeñas áreas de blanco y otras más grandes de un rojo violáceo diferente. Dentro de las restricciones de estas técnicas y otras convenciones estrictas, los pintores de vasos lograron resultados notables, combinando refinamiento y expresión poderosa. La técnica de fondo blanco permitía más libertad en la representación, pero no se conservaba bien y se hacía principalmente para los entierros. [6]
Tradicionalmente, se dice que los antiguos griegos fabricaban la mayoría de los recipientes de cerámica para uso cotidiano, no para exhibición. Las excepciones son los grandes vasos monumentales arcaicos hechos como marcadores de tumbas, los trofeos ganados en juegos, como las ánforas Panateneas llenas de aceite de oliva, y las piezas hechas específicamente para ser dejadas en las tumbas; algunos frascos de perfume tienen un fondo para ahorrar dinero justo debajo de la boca, por lo que una pequeña cantidad hace que parezcan llenos. [7] En las últimas décadas, muchos académicos han cuestionado esto, al ver que se ha producido mucho más de lo que se pensaba anteriormente como hecho para ser colocado en tumbas, como un sustituto más barato para la metalistería tanto en Grecia como en Etruria. [8]
La mayor parte de la cerámica que sobrevive consiste en recipientes para almacenar, servir o beber líquidos, como ánforas , cráteras (cuencos para mezclar vino y agua), hidrias (jarras de agua), cuencos para libaciones, frascos de aceite y perfume para el baño, jarras y copas. Los recipientes pintados para servir y comer alimentos son mucho menos comunes. La cerámica pintada era asequible incluso para la gente común, y una pieza "decorada decentemente con unas cinco o seis figuras costaba alrededor de dos o tres días de salario". [9] También se produjeron miniaturas en grandes cantidades, principalmente para su uso como ofrendas en los templos. [10] En el período helenístico se produjo una gama más amplia de cerámica, pero la mayor parte es de poca importancia artística.
En épocas anteriores, incluso las ciudades griegas más pequeñas producían cerámica para su propia localidad. Estas variaban ampliamente en estilo y estándares. La cerámica distintiva que se clasifica como arte se produjo en algunas de las islas del Egeo , en Creta y en las ricas colonias griegas del sur de Italia y Sicilia . [12] Sin embargo, a finales del período Arcaico y principios del Clásico, las dos grandes potencias comerciales, Corinto y Atenas , llegaron a dominar. Su cerámica se exportó a todo el mundo griego, expulsando a las variedades locales. Las vasijas de Corinto y Atenas se encuentran en lugares tan lejanos como España y Ucrania , y son tan comunes en Italia que se recolectaron por primera vez en el siglo XVIII como "vasijas etruscas". [13] Muchas de estas vasijas son productos producidos en masa de baja calidad. De hecho, en el siglo V a. C., la cerámica se había convertido en una industria y la pintura de cerámica dejó de ser una forma de arte importante.
La gama de colores que se podían utilizar en las vasijas estaba limitada por la tecnología de cocción: el negro, el blanco, el rojo y el amarillo eran los más comunes. En los tres períodos anteriores, las vasijas conservaban su color claro natural y se decoraban con engobe que se volvía negro en el horno. [6]
La cerámica griega suele estar firmada, a veces por el alfarero o el maestro alfarero, pero sólo ocasionalmente por el pintor. Sin embargo, cientos de pintores son identificables por sus personalidades artísticas: cuando no han sobrevivido sus firmas, se les nombra por sus elecciones temáticas, como "el Pintor de Aquiles ", por el alfarero para el que trabajaron, como el " Pintor de Cleofrades " del Arcaico Tardío, o incluso por sus ubicaciones modernas, como el " Pintor de Berlín " del Arcaico Tardío. [14]
La historia de la cerámica griega antigua se divide estilísticamente en cinco períodos:
Durante los períodos protogeométrico y geométrico , la cerámica griega estaba decorada con diseños abstractos, en el primero generalmente elegantes y grandes, con mucho espacio sin pintar, pero en el geométrico a menudo cubrían densamente la mayor parte de la superficie, como en las grandes vasijas del Maestro Dipylon , que trabajó alrededor de 750. Él y otros alfareros de su época comenzaron a introducir figuras de siluetas muy estilizadas de humanos y animales, especialmente caballos. Estas a menudo representan procesiones fúnebres o batallas, presumiblemente representando las libradas por los difuntos. [15]
La fase geométrica fue seguida por un período orientalizante a finales del siglo VIII, cuando algunos animales, muchos de ellos míticos o no nativos de Grecia (como la esfinge y el león respectivamente) fueron adaptados del Cercano Oriente, acompañados de motivos decorativos, como el loto y la palmeta. Estos se mostraban mucho más grandes que las figuras anteriores. El estilo de la cabra salvaje es una variante regional, que muy a menudo muestra cabras . Las figuras humanas no fueron tan influenciadas por Oriente, pero también se volvieron más grandes y más detalladas. [16]
La técnica de figuras negras , que alcanzó su madurez plena y con detalles en rojo y blanco añadidos e incisiones para los contornos y los detalles, se originó en Corinto a principios del siglo VII a. C. y se introdujo en Ática aproximadamente una generación después; floreció hasta finales del siglo VI a. C. [17] La técnica de figuras rojas , inventada alrededor del 530 a. C., invirtió esta tradición, ya que las vasijas se pintaban de negro y las figuras de rojo. Los jarrones de figuras rojas reemplazaron lentamente al estilo de figuras negras. A veces, los vasos más grandes también se grababan y se pintaban. Los temas eróticos, tanto heterosexuales como homosexuales masculinos , se volvieron comunes. [18]
Hacia el año 320 a. C., la pintura figurativa de vasos había cesado en Atenas y otros centros griegos, y el estilo policromado de Kerch fue su último florecimiento; probablemente fue reemplazado por la metalistería para la mayoría de sus funciones. La cerámica de la ladera oeste , con motivos decorativos sobre un cuerpo vidriado en negro , continuó durante más de un siglo después. [19] La pintura italiana de figuras rojas terminó alrededor del año 300, y en el siglo siguiente, los vasos Hadra relativamente primitivos , probablemente de Creta , la cerámica Centuripe de Sicilia y las ánforas Panateneas , ahora una tradición congelada, fueron los únicos vasos pintados de gran tamaño que todavía se fabricaban. [20]
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La metalistería fina era un arte importante en la antigua Grecia, pero la producción posterior está muy poco representada por los restos, la mayoría de los cuales proceden de los confines del mundo griego o de lugares tan lejanos como Francia o Rusia. Se producían vasijas y joyas de gran calidad y se exportaban a lugares muy lejanos. Los objetos de plata, que en aquella época valían más que el oro en relación con su valor actual, solían llevar inscripciones de parte de los fabricantes con su peso, ya que se consideraban en gran medida depósitos de valor y era probable que se vendieran o se volvieran a fundir en poco tiempo. [22]
Durante las fases geométrica y arcaica, la producción de grandes vasijas de metal fue una expresión importante de la creatividad griega y una etapa importante en el desarrollo de las técnicas de trabajo del bronce, como la fundición y el martillado repujado . Los primeros santuarios, especialmente Olimpia , produjeron cientos de vasijas trípode o vasijas trípode para sacrificios , en su mayoría de bronce , depositadas como votivas . Estas tenían un cuenco poco profundo con dos asas elevadas sobre tres patas; en versiones posteriores, el soporte y el cuenco eran piezas diferentes. Durante el período orientalizante, estos trípodes se decoraban con frecuencia con protomos figurativos , en forma de grifos , esfinges y otras criaturas fantásticas. [23]
Las espadas, el casco griego y, a menudo, las armaduras corporales, como la coraza de músculos, estaban hechas de bronce, a veces decoradas con metales preciosos, como en la coraza Ksour Essef del siglo III . [24] La armadura y las "bandas de escudo" son dos de los contextos para las tiras de escenas en bajorrelieve arcaicas, que también se unían a varios objetos de madera; la banda del cráter de Vix es un gran ejemplo. [25] Los espejos de bronce pulido, inicialmente con dorsos decorados y mangos de kore, eran otro artículo común; el tipo posterior de "espejo plegable" tenía piezas de cubierta con bisagras, a menudo decoradas con una escena en relieve, típicamente erótica. [26] Las monedas se describen a continuación.
Desde finales del Arcaico, la mejor metalistería siguió el ritmo de los desarrollos estilísticos en la escultura y otras artes, y Fidias se encuentra entre los escultores que se sabe que la practicaron. [27] El gusto helenístico fomentaba exhibiciones muy intrincadas de virtuosismo técnico, tendiendo a la "inteligencia, la extravagancia o la elegancia excesiva". [28] Muchas o la mayoría de las formas de cerámica griega se tomaron de formas utilizadas por primera vez en metal, y en las últimas décadas ha habido una opinión cada vez mayor de que gran parte de las mejores pinturas de vasos reutilizaron diseños de plateros para vasos con grabados y secciones revestidas en un metal diferente, trabajando a partir de diseños dibujados. [29]
Supervivencias excepcionales de lo que puede haber sido una clase relativamente común de grandes vasos de bronce son dos cráteras de voluta , para mezclar vino y agua. [30] Se trata de la Crátera de Vix , c. 530 a. C. , de 1,63 m (5 pies 4 pulgadas) de alto y más de 200 kg (440 libras) de peso, con capacidad para unos 1100 litros, y encontrada en el entierro de una mujer celta en la Francia moderna, [31] y la Crátera de Derveni del siglo IV , de 90,5 cm (35,6 pulgadas) de alto. [32] Las élites de otros vecinos de los griegos, como los tracios y los escitas , eran ávidos consumidores de metalistería griega, y probablemente atendidas por orfebres griegos establecidos en sus territorios, que adaptaron sus productos para satisfacer los gustos y funciones locales. Estas piezas híbridas forman una gran parte de las supervivencias, incluido el tesoro de Panagyurishte , el tesoro de Borovo y otros tesoros tracios , y varios entierros escitas, que probablemente contenían obras de artistas griegos establecidos en los asentamientos griegos en el Mar Negro . [33] Al igual que con otras artes de lujo, el cementerio real macedonio en Vergina ha producido objetos de primera calidad de la cúspide de los períodos clásico y helenístico. [34]
Las joyas destinadas al mercado griego suelen ser de una calidad excelente [35] , y una forma poco habitual son las intrincadas y delicadas coronas de oro que imitan formas vegetales y que se llevan sobre la cabeza. Probablemente, rara vez se llevaban en vida, sino que se daban como exvotos y se llevaban en la muerte [36] . Muchos de los retratos de momias de Fayum las llevan. Algunas piezas, especialmente en el período helenístico, son lo suficientemente grandes como para ofrecer espacio para figuras, como lo hacía el gusto escita por piezas relativamente sustanciales en oro [37] .
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Los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. [39] Al ver a sus dioses con forma humana, había poca distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era tanto secular como sagrado. Un desnudo masculino de Apolo o Heracles tenía solo ligeras diferencias de tratamiento con uno del campeón olímpico de boxeo de ese año. En el Período Arcaico, la forma escultórica más importante era el kouros (plural kouroi ), el desnudo masculino de pie (ver por ejemplo Biton y Kleobis ). El kore (plural korai ), o figura femenina vestida de pie, también era común, pero como la sociedad griega no permitió la exhibición pública de desnudez femenina hasta el siglo IV a. C., se considera que el kore fue de menor importancia en el desarrollo de la escultura. [40] A finales del período, la escultura arquitectónica en los templos estaba adquiriendo importancia.
Al igual que con la cerámica, los griegos no produjeron esculturas monumentales con el único fin de exhibirlas. Las estatuas eran encargadas por individuos aristocráticos o por el estado y se utilizaban para conmemoraciones públicas, como ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como se muestra con frecuencia por las inscripciones en las estatuas), o como marcadores de tumbas. Las estatuas del período arcaico no estaban destinadas a representar a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Siempre eran representaciones de hombres jóvenes, de edades que iban desde la adolescencia hasta la madurez temprana, incluso cuando se colocaban en las tumbas de ciudadanos (presumiblemente) mayores. Los kouroi eran todos estilísticamente similares. Las graduaciones en la estatura social de la persona que encargaba la estatua se indicaban por el tamaño en lugar de por innovaciones artísticas. [41]
A diferencia de los autores, quienes practicaban las artes visuales, incluida la escultura, inicialmente tenían un estatus social bajo en la antigua Grecia, aunque escultores cada vez más destacados podían llegar a ser famosos y bastante ricos, y a menudo firmaban sus obras (a menudo en el pedestal, que normalmente se separaba de la estatua misma). [42] Plutarco ( Vida de Pericles , II) dijo "admiramos la obra de arte pero despreciamos a su autor"; esta era una visión común en el mundo antiguo. La escultura griega antigua se clasifica por los períodos estilísticos habituales de "arcaico", "clásico" y "helenístico", aumentados con algunos adicionales que se aplican principalmente a la escultura, como el estilo orientalizante daédico y el estilo severo de la escultura clásica temprana. [43]
Las esculturas de la antigua Grecia que han sobrevivido se hacían principalmente con dos tipos de materiales. La piedra, especialmente el mármol u otras calizas de alta calidad, se utilizaba con más frecuencia y se tallaba a mano con herramientas de metal. Las esculturas de piedra podían ser esculturas independientes totalmente talladas en bulto redondo (estatuas) o relieves parcialmente tallados todavía adheridos a una placa de fondo, por ejemplo, en frisos arquitectónicos o estelas funerarias . [44]
Las estatuas de bronce tenían un estatus superior, pero han sobrevivido en cantidades mucho menores, debido a la reutilización de los metales. Por lo general, se hacían con la técnica de la cera perdida . Las estatuas criselefantinas , o de oro y marfil, eran las imágenes de culto en los templos y se consideraban la forma más alta de escultura, pero solo han sobrevivido algunas piezas fragmentarias. Normalmente eran de tamaño superior al natural, construidas alrededor de un marco de madera, con delgadas losas talladas de marfil que representaban la carne, y láminas de pan de oro , probablemente sobre madera, que representaban las prendas, la armadura, el cabello y otros detalles. [45]
En algunos casos, se utilizó pasta de vidrio, vidrio y piedras preciosas y semipreciosas para los detalles, como los ojos, las joyas y las armas. Otras grandes estatuas acrolíticas utilizaron piedra para las partes carnosas y madera para el resto, y las estatuas de mármol a veces tenían peinados de estuco . La mayoría de las esculturas estaban pintadas (ver más abajo) y muchas llevaban joyas reales y tenían ojos incrustados y otros elementos en diferentes materiales. [46]
En ocasiones se empleó terracota para estatuas de gran tamaño. De este material, sobrevivieron pocos ejemplos, al menos en parte debido a la fragilidad de dichas estatuas. La excepción más conocida es una estatua de Zeus cargando a Ganimedes encontrada en Olimpia , realizada alrededor del 470 a. C. En este caso, la terracota está pintada. Sin duda, hubo esculturas puramente en madera, que pueden haber sido muy importantes en los primeros períodos, pero en realidad no sobrevivió ninguna. [47]
El arte cicládico de la Edad del Bronce , hasta aproximadamente el año 1100 a. C., ya mostraba un enfoque inusual en la figura humana, que generalmente se mostraba en una posición frontal, de pie y con los brazos cruzados sobre el estómago. Entre los rasgos más pequeños, solo se esculpían narices, a veces ojos y pechos femeninos, aunque aparentemente las figuras solían estar pintadas y es posible que originalmente tuvieran un aspecto muy diferente.
Inspirados por la monumental escultura de piedra de Egipto y Mesopotamia , durante el período Arcaico los griegos comenzaron de nuevo a tallar en piedra: los mercenarios y comerciantes griegos estaban activos en el extranjero, como en Egipto al servicio del faraón Psamético I (664-610 a. C.), y estuvieron expuestos al arte monumental de estos países. [48] [49] En general, se acepta que "la estatuaria egipcia del segundo milenio a. C. dio el impulso decisivo para la innovación de la escultura griega en tamaño natural y en hiperformatos en el Período Arcaico durante finales del siglo VII". [48] Las figuras exentas comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (Período Arcaico Temprano, c. 660-580 a. C., ambos en el Louvre, París). Después de aproximadamente el año 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, lucían la llamada sonrisa arcaica . Esta expresión, que no tiene ninguna adecuación específica a la persona o situación representada, puede haber sido un recurso para dar a las figuras una característica humana distintiva. [50]
Se utilizaron tres tipos de figuras: el joven desnudo de pie (kouros), la muchacha de pie vestida con ropas (kore) y, con menos frecuencia, la mujer sentada. [51] Todas enfatizan y generalizan los rasgos esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Algunos ejemplos son Apolo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana; el Apolo de Strangford de Anafi (Museo Británico, Londres), una obra mucho más tardía; y el Anavyssos Kouros ( Museo Arqueológico Nacional de Atenas ). En esta estatua se ve más musculatura y estructura esquelética que en obras anteriores. Las muchachas de pie vestidas con ropas tienen una amplia gama de expresión, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas . Sus ropajes están tallados y pintados con la delicadeza y meticulosidad comunes en los detalles de la escultura de este período. [52]
Se han conservado relieves arcaicos de muchas tumbas y de edificios más grandes en Foce del Sele (ahora en el Museo Arqueológico Nacional de Paestum ) en Italia, con dos grupos de paneles de metopas , de alrededor de 550 y 510, y el Tesoro de los Sifnios en Delfos, con frisos y un pequeño frontón . Partes, todas ahora en museos locales, sobreviven de los grandes grupos de frontones triangulares del Templo de Artemisa, Corfú ( c. 580 ), dominado por una enorme Gorgona , y el Antiguo Templo de Atenea en Atenas ( c. 530-500 ). [53]
En el período clásico se produjo una revolución en la estatuaria griega, generalmente asociada con la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática asociada con los kouroi . El período clásico vio cambios en el estilo y la función de la escultura. Las poses se volvieron más naturalistas (véase el Auriga de Delfos como ejemplo de la transición a una escultura más naturalista), y la habilidad técnica de los escultores griegos para representar la forma humana en una variedad de poses aumentó enormemente. A partir de aproximadamente el año 500 a. C., las estatuas comenzaron a representar personas reales. Se dice que las estatuas de Harmodio y Aristogitón erigidas en Atenas para marcar el derrocamiento de la tiranía fueron los primeros monumentos públicos a personas reales. [54]
Al mismo tiempo, la escultura y las estatuas se utilizaron más ampliamente. Los grandes templos de la era clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, requerían esculturas en relieve para los frisos decorativos y esculturas en bulto redondo para llenar los campos triangulares de los frontones . El difícil desafío estético y técnico estimuló mucho la innovación escultórica. Estas obras sobreviven solo en fragmentos, los más famosos de los cuales son los mármoles del Partenón , la mitad de los cuales se encuentran en el Museo Británico. [57]
Durante este período, la estatuaria funeraria evolucionó desde los rígidos e impersonales kouros del período arcaico hasta los grupos familiares sumamente personales del período clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan tipos "ideales" (la madre en duelo, el hijo obediente), cada vez más representaban a personas reales, generalmente mostrando al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Se encuentran entre los restos más íntimos y conmovedores de los antiguos griegos. [58]
En el período clásico, por primera vez conocemos los nombres de escultores individuales. Fidias supervisó el diseño y la construcción del Partenón . Praxíteles hizo que el desnudo femenino fuera respetable por primera vez en el período clásico tardío (mediados del siglo IV): su Afrodita de Cnido , de la que sobreviven copias, fue considerada por Plinio como la estatua más grande del mundo. [59]
Las obras más famosas del período clásico para los contemporáneos fueron la colosal estatua de Zeus en Olimpia y la estatua de Atenea Partenos en el Partenón. Ambas eran criselefantinas y fueron ejecutadas por Fidias o bajo su dirección, y ahora están perdidas, aunque todavía existen copias más pequeñas (en otros materiales) y buenas descripciones de ambas. Su tamaño y magnificencia impulsaron a los emperadores a apoderarse de ellas en el período bizantino , y ambas fueron trasladadas a Constantinopla , donde más tarde fueron destruidas en incendios. [60]
La transición del periodo clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a. C. Tras las conquistas de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.), la cultura griega se extendió hasta la India , como revelan las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán , y la civilización de los grecobactrianos y los indogriegos . El arte grecobudista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Así, el arte griego se volvió más diverso y más influenciado por las culturas de los pueblos atraídos hacia la órbita griega. [61]
En opinión de algunos historiadores del arte, también decayó en calidad y originalidad. Sin embargo, se trata de una opinión que los artistas y amantes del arte de la época no habrían compartido. De hecho, muchas esculturas que antes se consideraban obras maestras clásicas ahora se reconocen como helenísticas. La habilidad técnica de los escultores helenísticos se evidencia claramente en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotracia y el Altar de Pérgamo . Nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, se desarrollaron en Alejandría , Antioquía , Pérgamo y otras ciudades, donde las nuevas monarquías eran mecenas pródigos. [62] En el siglo II, el creciente poder de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y también una proporción cada vez mayor de sus productos. [63]
Durante este período, la escultura se volvió más naturalista y expresiva; el interés por representar emociones extremas a veces se llevó al extremo. Los temas de género de gente común, mujeres, niños, animales y escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que fue encargada por familias adineradas para adornar sus hogares y jardines; El niño con espinas es un ejemplo. Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. [64]
El mundo de Dioniso , un idilio pastoral poblado por sátiros , ménades , ninfas y silenos , había sido representado a menudo en pinturas y figurillas de vasos anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño natural. Ahora se hicieron tales obras, sobreviviendo en copias que incluyen el Fauno de Barberini , el Torso de Belvedere y el Sátiro en reposo ; los Centauros Furietti y Hermafrodito durmiente reflejan temas relacionados. [65] Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgieron por todo Egipto , Siria y Anatolia requirieron estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto convirtió la escultura, como la cerámica, en una industria, con la consiguiente estandarización y cierta disminución de la calidad. Por estas razones, han sobrevivido muchas más estatuas helenísticas que en el caso del período clásico.
Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria alada de Samotracia (siglo II o I a.C.), [66] la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a.C.), el Galo moribundo (hacia el 230 a.C.) y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos (finales del siglo I a.C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emotivo de lo que habría permitido el gusto austero del período clásico o sus habilidades técnicas.
El grupo de estatuas de múltiples figuras fue una innovación helenística, probablemente del siglo III, que quitó las batallas épicas de los relieves de frontones de templos anteriores de sus paredes y las colocó como grupos de estatuas de tamaño natural. Su estilo a menudo se llama " barroco ", con poses corporales extravagantemente contorsionadas y expresiones intensas en los rostros. Los relieves del Altar de Pérgamo son las supervivencias originales más cercanas, pero se cree que varias obras bien conocidas son copias romanas de originales helenísticos. Estas incluyen el Galo moribundo y el Galo de Ludovisi , así como un Galo arrodillado menos conocido y otras, todas ellas se cree que copian encargos de Pérgamo por Atalo I para conmemorar su victoria alrededor de 241 sobre los galos de Galacia , probablemente compuestos por dos grupos. [67]
El grupo del Laocoonte , el Toro Farnesio , Menelao sosteniendo el cuerpo de Patroclo ("grupo Pasquino"), Arrotino y las esculturas de Sperlonga son otros ejemplos. [68] A partir del siglo II, el estilo neoático o neoclásico es visto por diferentes académicos como una reacción a los excesos barrocos, volviendo a una versión del estilo clásico, o como una continuación del estilo tradicional para estatuas de culto. [69] Los talleres de este estilo se convirtieron principalmente en productores de copias para el mercado romano, que prefería copias de piezas clásicas en lugar de helenísticas. [70]
Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la antigua ciudad egipcia de Heracleo (hoy sumergida) incluyen una representación de Isis del siglo IV a. C., inusualmente sensual, detallada y feminista (en lugar de deificada) , que marca una combinación de formas egipcias y helenísticas que comenzó alrededor de la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno . Sin embargo, esto no era típico de la escultura de la corte ptolemaica , que generalmente evitaba mezclar estilos egipcios con su estilo helenístico bastante convencional, [71] mientras que los templos del resto del país continuaron utilizando versiones tardías de fórmulas egipcias tradicionales. [72] Los académicos han propuesto un "estilo alejandrino" en la escultura helenística, pero de hecho hay poco que lo relacione con Alejandría. [73]
La escultura helenística también se caracterizó por un aumento de escala, que culminó con el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que tenía el mismo tamaño que la Estatua de la Libertad . El efecto combinado de los terremotos y los saqueos destruyó esta y otras obras de gran tamaño de este período.
La arcilla es un material frecuentemente utilizado para la fabricación de estatuillas votivas o ídolos, incluso antes de la civilización minoica y hasta el período romano. Durante el siglo VIII a. C., las tumbas de Beocia contienen a menudo "ídolos de campana", estatuillas femeninas con piernas móviles: la cabeza, pequeña en comparación con el resto del cuerpo, se posa en el extremo de un cuello largo, mientras que el cuerpo es muy lleno, en forma de campana. [74] Las tumbas heroónicas arcaicas , para los héroes locales, podían recibir gran cantidad de figurillas de formas toscas, con figuración rudimentaria, que generalmente representaban personajes con los brazos en alto.
En el período helenístico, la mayoría de las figurillas de terracota habían perdido su naturaleza religiosa y representaban personajes de la vida cotidiana. Las figurillas de Tanagra , de uno de los varios centros de producción, se fabricaban en masa utilizando moldes y luego se pintaban después de la cocción. Las muñecas, las figuras de damas vestidas a la moda y de actores, algunas de ellas probablemente retratos, se encontraban entre los nuevos temas, representados con un estilo refinado. Eran baratas y, al principio, se exhibían en el hogar de manera muy similar a las figurillas ornamentales modernas, pero a menudo se enterraban con sus dueños. Al mismo tiempo, ciudades como Alejandría , Esmirna o Tarso produjeron una gran cantidad de figurillas grotescas, que representaban a individuos con miembros deformados, ojos saltones y contorsionándose. Estas figurillas también se hacían de bronce. [75]
Para terracotas arquitectónicas pintadas, consulte Arquitectura a continuación.
Las figurillas de metal, principalmente de bronce, son un hallazgo extremadamente común en los santuarios griegos primitivos como Olimpia , donde se han encontrado miles de estos objetos, en su mayoría representando animales. Por lo general, se producen con la técnica de la cera perdida y pueden considerarse la etapa inicial en el desarrollo de la escultura griega de bronce. Los motivos más comunes durante el período geométrico eran caballos y ciervos, pero también se representan perros, ganado y otros animales. Ocasionalmente aparecen figuras humanas. La producción de pequeñas votivas de metal continuó durante toda la antigüedad griega. En los períodos clásico y helenístico, también se hicieron comunes las estatuillas de bronce más elaboradas, estrechamente relacionadas con la escultura monumental . Los griegos ricos y, más tarde, los romanos coleccionaron con entusiasmo ejemplos de alta calidad, pero han sobrevivido relativamente pocos. [76]
La arquitectura (es decir, los edificios ejecutados según un diseño estéticamente considerado) cesó en Grecia desde finales del período micénico (alrededor de 1200 a. C.) hasta el siglo VII, cuando la vida urbana y la prosperidad se recuperaron hasta un punto en el que se pudo emprender la construcción pública. Dado que la mayoría de los edificios griegos de los períodos Arcaico y Clásico Temprano estaban hechos de madera o adobe , no queda nada de ellos excepto unos pocos planos, y casi no hay fuentes escritas sobre la arquitectura temprana o descripciones de edificios. La mayor parte de nuestro conocimiento de la arquitectura griega proviene de los edificios supervivientes de los períodos Arcaico Tardío, Clásico, Helenístico y Romano (ya que la arquitectura romana antigua utilizó en gran medida los estilos griegos), y de fuentes escritas tardías como Vitruvio (siglo I a. C.). Esto significa que hay un fuerte sesgo hacia los templos , los edificios principales más comunes que sobreviven. Aquí los bloques cuadrados de piedra utilizados para las paredes fueron útiles para edificios posteriores, y por lo tanto, a menudo todo lo que sobrevive son partes de columnas y metopas que eran más difíciles de reciclar. [77]
Durante la mayor parte del período se utilizó un estricto sistema de construcción con pilares y dinteles de piedra, que se mantenían en su lugar únicamente por la gravedad. Las ménsulas eran conocidas en la Grecia micénica, y el arco se conocía a partir del siglo V como muy tarde, pero apenas se hizo uso de estas técnicas hasta el período romano. [78] La madera solo se utilizaba para los techos y las vigas de los tejados en prestigiosos edificios de piedra. El uso de grandes tejas de terracota, que solo se mantenían en su lugar mediante ranuras, significaba que los tejados debían tener una inclinación baja. [79]
Hasta la época helenística, sólo se construían edificios públicos utilizando el estilo formal de piedra; estos incluían sobre todo templos y los edificios de tesorería más pequeños que a menudo los acompañaban, y que fueron construidos en Delfos por muchas ciudades. Otros tipos de edificios, a menudo sin techo, eran el ágora central , a menudo con una o más stoa con columnas a su alrededor, los teatros , el gimnasio y la palestra o escuela de lucha, el ekklesiasterion o bouleuterion para asambleas, y los propileos o puertas monumentales. [80] Los edificios circulares para diversas funciones se llamaban tholos , [81] y las estructuras de piedra más grandes eran a menudo murallas defensivas de la ciudad.
Durante la mayor parte del período, las tumbas se construyeron únicamente como elaborados mausoleos en los confines del mundo griego, especialmente en Anatolia. [82] Las casas privadas se construían alrededor de un patio cuando los fondos lo permitían y mostraban paredes lisas hacia la calle. A veces tenían un segundo piso, pero muy raramente sótanos. Por lo general, se construían con escombros en el mejor de los casos, y se sabe relativamente poco sobre ellas; al menos en el caso de los varones, gran parte de la vida transcurría fuera de ellas. [83] Se han excavado algunos palacios del período helenístico. [84]
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Los templos y otros edificios, como los tesoros de Delfos, se planificaban como un cubo o, más a menudo, un rectángulo hecho de piedra caliza , de la que Grecia tiene una gran abundancia, y que se cortaba en grandes bloques y se labraba. Esto se complementaba con columnas, al menos en el frente de la entrada, y a menudo en todos los lados. [85] Otros edificios eran más flexibles en su planta, e incluso las casas más ricas parecen haber carecido de mucha ornamentación externa. El mármol era un material de construcción caro en Grecia: el mármol de alta calidad provenía solo del monte Pentelo en el Ática y de unas pocas islas como Paros , y su transporte en grandes bloques era difícil. Se utilizó principalmente para la decoración escultórica , no estructural, excepto en los edificios más grandiosos del período clásico, como el Partenón de Atenas. [86]
Hubo dos órdenes clásicos principales de la arquitectura griega, el dórico y el jónico , con el orden corintio solo apareciendo en el período clásico y no convirtiéndose en dominante hasta el período romano. Las características más obvias de los tres órdenes son los capiteles de las columnas, pero hay diferencias significativas en otros puntos de diseño y decoración entre los órdenes. [87] Estos nombres fueron utilizados por los propios griegos y reflejaban su creencia de que los estilos descendían de los griegos dóricos y jonios de la Edad Oscura, pero es poco probable que esto sea cierto. El dórico fue el más antiguo, probablemente apareció por primera vez en piedra a principios del siglo VII, habiéndose desarrollado (aunque quizás no muy directamente) a partir de predecesores en madera. [88] Se utilizó en Grecia continental y en las colonias griegas en Italia. El estilo jónico se utilizó por primera vez en las ciudades de Jonia (ahora la costa oeste de Turquía) y algunas de las islas del Egeo, probablemente a partir del siglo VI. [89] El estilo dórico era más formal y austero, el jónico más relajado y decorativo. El orden corintio, más ornamentado, fue un desarrollo posterior del jónico, que al parecer inicialmente solo se utilizaba en el interior de los edificios y en el que se utilizaban formas jónicas para todo, excepto para los capiteles. El famoso y bien conservado monumento corintio de Lisícrates, cerca de la Acrópolis de Atenas (335/334), es el primer uso conocido del orden corintio en el exterior de un edificio. [90]
La mayoría de los edificios griegos supervivientes más conocidos, como el Partenón y el Templo de Hefesto en Atenas, son dóricos. Sin embargo, el Erecteión , junto al Partenón, es jónico. El orden jónico se convirtió en dominante en el período helenístico, ya que su estilo más decorativo se adaptaba mejor a la estética de la época que el dórico más sobrio. Algunos de los mejores edificios helenísticos supervivientes, como la Biblioteca de Celso , se pueden ver en Turquía, en ciudades como Éfeso y Pérgamo . [91] Pero en la mayor de las ciudades helenísticas, Alejandría en Egipto , casi nada sobrevive.
Las monedas fueron inventadas (probablemente) en Lidia en el siglo VII a. C., pero fueron los griegos los primeros en utilizarlas ampliamente [93] , y ellos establecieron el canon del diseño de monedas que se ha seguido desde entonces. Hoy en día, el diseño de monedas sigue claramente los patrones que descienden de la antigua Grecia. Los griegos no consideraban el diseño de monedas como una forma de arte importante, aunque algunas fueron diseñadas a un alto costo por los orfebres más importantes, especialmente fuera de Grecia, entre los reinos de Asia central y en las ciudades sicilianas deseosas de promocionarse. Sin embargo, la durabilidad y abundancia de monedas las han convertido en una de las fuentes más importantes de conocimiento sobre la estética griega [94] . Las monedas griegas son la única forma de arte del mundo griego antiguo que todavía puede ser comprada y poseída por coleccionistas privados de medios modestos.
Las monedas más extendidas, utilizadas mucho más allá de sus territorios nativos y copiadas y falsificadas por otros, fueron el tetradracma ateniense , emitido desde c. 510 hasta c. 38 a. C. , y en la época helenística el tetradracma macedonio , ambos de plata. [95] Ambos mantuvieron el mismo diseño familiar durante largos períodos. [96] Los diseñadores griegos comenzaron la práctica de poner un retrato de perfil en el anverso de las monedas. Inicialmente, se trataba de un retrato simbólico del dios o diosa patrona de la ciudad que emitía la moneda: Atenea para Atenas , Apolo en Corinto, Deméter en Tebas , etc. Más tarde, se utilizaron cabezas de héroes de la mitología griega, como Heracles en las monedas de Alejandro Magno .
Los primeros retratos humanos en monedas fueron los de los sátrapas del Imperio aqueménida en Asia Menor , comenzando con el general ateniense exiliado Temístocles , que se convirtió en sátrapa de Magnesia alrededor del 450 a. C. , y continuando especialmente con los dinastas de Licia hacia finales del siglo V. [97] Las ciudades griegas de Italia, como Siracusa, comenzaron a poner cabezas de personas reales en las monedas en el siglo IV a. C., al igual que los sucesores helenísticos de Alejandro Magno en Egipto , Siria y otros lugares. [98] En el reverso de sus monedas, las ciudades griegas solían poner un símbolo de la ciudad: un búho para Atenas, un delfín para Siracusa, etc. La colocación de inscripciones en las monedas también comenzó en la época griega. Todas estas costumbres fueron continuadas más tarde por los romanos. [94]
Las monedas más ambiciosas desde el punto de vista artístico, diseñadas por orfebres o grabadores de gemas, a menudo procedían de los confines del mundo griego, de nuevas colonias en el período temprano y de nuevos reinos más tarde, como una forma de comercializar sus "marcas" en términos modernos. [99] De las ciudades más grandes, Corinto y Siracusa también emitieron monedas consistentemente atractivas. Algunas de las monedas grecobactrianas se consideran los mejores ejemplos de monedas griegas con grandes retratos con "una agradable combinación de realismo e idealización", incluidas las monedas más grandes acuñadas en el mundo helenístico: la moneda de oro más grande fue acuñada por Eucratides (que reinó entre 171 y 145 a. C.), la moneda de plata más grande por el rey indogriego Amintas Nikator (que reinó entre 95 y 90 a . C.). Los retratos "muestran un grado de individualidad nunca igualado por las representaciones a menudo insulsas de sus contemporáneos reales más al oeste". [100]
Los griegos parecen haber valorado la pintura por encima incluso de la escultura, y en el período helenístico la apreciación informada e incluso la práctica de la pintura eran componentes de una educación de caballeros. La ekphrasis era una forma literaria que consistía en una descripción de una obra de arte, y tenemos un cuerpo considerable de literatura sobre la pintura y los pintores griegos, con añadidos posteriores en latín, aunque ninguno de los tratados de los artistas que se mencionan ha sobrevivido. [101] Apenas tenemos alguna de las clases más prestigiosas de pinturas, sobre tabla de madera o al fresco , de las que se ocupaba esta literatura, y muy pocas de las copias que sin duda existieron, equivalentes a las que nos proporcionan la mayor parte de nuestro conocimiento de la escultura griega.
El contraste con la pintura de vasos es total. No hay mención alguna de ello en la literatura, pero se conservan más de 100.000 ejemplos, lo que da a muchos pintores individuales una obra respetable. [102] Nuestra idea de cómo era la mejor pintura griega debe extraerse de una cuidadosa consideración de los paralelismos entre la pintura de vasos, las copias grecorromanas tardías en mosaico y fresco, algunos ejemplos muy tardíos de pintura real en la tradición griega y la literatura antigua. [103]
En la antigua Grecia existían varias tradiciones pictóricas interconectadas que, debido a sus diferencias técnicas, experimentaron desarrollos algo diferenciados. La pintura primitiva parece haberse desarrollado siguiendo líneas similares a la pintura de vasos, muy dependiente del contorno y de las áreas planas de color, pero luego floreció y se desarrolló en la época en que la pintura de vasos entró en decadencia. Hacia el final del período helenístico, los desarrollos técnicos incluían el modelado para indicar contornos en las formas, sombras, escorzos, algunas formas de perspectiva probablemente imprecisas, fondos interiores y paisajísticos y el uso de colores cambiantes para sugerir distancia en los paisajes, de modo que "los artistas griegos tenían todos los recursos técnicos necesarios para una pintura completamente ilusionista". [104]
La forma de arte más común y respetada, según autores como Plinio o Pausanias , eran las pinturas sobre tabla , pinturas individuales y portátiles sobre tablas de madera. Las técnicas utilizadas eran la pintura encáustica (cera) y el temple . Estas pinturas normalmente representaban escenas figurativas, incluidos retratos y naturalezas muertas ; tenemos descripciones de muchas composiciones. Se coleccionaban y a menudo se exhibían en espacios públicos. Pausanias describe tales exposiciones en Atenas y Delfos . Conocemos los nombres de muchos pintores famosos, principalmente de los períodos clásico y helenístico, por la literatura (ver lista expandible a la derecha). El más famoso de todos los pintores griegos antiguos fue Apeles de Cos , a quien Plinio el Viejo elogió por haber "superado a todos los demás pintores que lo precedieron o lo sucedieron". [105] [106]
Debido a la naturaleza perecedera de los materiales utilizados y a los grandes trastornos que se produjeron al final de la Antigüedad, no ha sobrevivido ninguna de las famosas obras de pintura sobre tabla griega. Tenemos restos ligeramente más significativos de composiciones murales. Los ejemplos griegos supervivientes más importantes de antes del periodo romano son los paneles de Pitsa de calidad bastante baja de alrededor del 530 a . C. , [107] la Tumba del Buceador de Paestum y varias pinturas de las tumbas reales de Vergina . Las pinturas más numerosas de las tumbas etruscas y de Campania se basan en estilos griegos. En el periodo romano, hay una serie de pinturas murales en Pompeya y sus alrededores, así como en la propia Roma, algunas de las cuales se cree que son copias de obras maestras específicas anteriores. [108]
En particular, se han identificado con seguridad copias de pinturas murales específicas en el Mosaico de Alejandro y Villa Boscoreale . [109] Hay un gran grupo de supervivencias arqueológicas grecorromanas mucho más tardías de las condiciones secas de Egipto, los retratos de momias de Fayum , junto con el similar Tondo Severano , y un pequeño grupo de miniaturas de retratos pintados en vidrio dorado . [110] Los iconos bizantinos también se derivan de la tradición de la pintura sobre panel encáustico, y los manuscritos iluminados bizantinos a veces continuaron un estilo ilusionista griego durante siglos.
La tradición de la pintura mural en Grecia se remonta al menos a la Edad del Bronce minoica y micénica , con la suntuosa decoración al fresco de lugares como Cnosos , Tirinto y Micenas . No está claro si existe alguna continuidad entre estos antecedentes y las pinturas murales griegas posteriores.
En Pausanias se describen con frecuencia pinturas murales, y muchas parecen haber sido realizadas en los periodos clásico y helenístico. Debido a la falta de arquitectura que sobreviva intacta, no se conservan muchas. Los ejemplos más notables son una escena monumental del siglo VII a. C. de combate hoplita arcaico del interior de un templo en Kalapodi (cerca de Tebas ), y los elaborados frescos de la "Tumba de Felipe" del siglo IV y la "Tumba de Perséfone" en Vergina en Macedonia , o la tumba de Agios Athanasios, Tesalónica , que a veces se sugiere que están estrechamente vinculadas a las pinturas sobre tabla de alta calidad mencionadas anteriormente. La inusual supervivencia de la Tumba de las Palmetas (siglo III a. C., excavada en 1971) con pintura en buen estado incluye retratos de la pareja enterrada en el interior en el tímpano .
La tradición de la pintura mural griega también se refleja en las decoraciones funerarias contemporáneas de las colonias griegas en Italia , por ejemplo, la famosa Tumba del Saltador en Paestum . Los estudiosos creen que los famosos frescos romanos en sitios como Pompeya son descendientes de la tradición griega, y algunos copian pinturas sobre tabla famosas en particular. Sin embargo, estas copias romanas son todas adaptaciones libres a las que se les agregaron figuras adicionales, se alteraron las poses y se cambiaron los colores.
Gran parte de la escultura figurativa o arquitectónica de la antigua Grecia estaba pintada con colores vivos. Este aspecto de la mampostería griega se describe como policromía (del griego πολυχρωμία , πολύ = muchos y χρώμα = color). Debido a la intensa erosión, la policromía en las esculturas y la arquitectura se ha desvanecido total o sustancialmente en la mayoría de los casos.
Aunque la palabra policromía se crea a partir de la combinación de dos palabras griegas, no se utilizaba en la antigua Grecia. El término fue acuñado a principios del siglo XIX por Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy. [113]
La pintura también se utilizó para realzar los aspectos visuales de la arquitectura. Ciertas partes de la superestructura de los templos griegos se pintaron habitualmente desde el período Arcaico. Esta policromía arquitectónica podía adoptar la forma de colores brillantes aplicados directamente a la piedra (como se evidencia, por ejemplo, en el Partenón ), o de patrones elaborados, con frecuencia elementos arquitectónicos hechos de terracota (ejemplos arcaicos en Olimpia y Delfos ). A veces, las terracotas también representaban escenas figurativas, como lo hacen las metopas de terracota del siglo VII a. C. de Termón . [114]
La mayoría de las esculturas griegas estaban pintadas con colores fuertes y brillantes; esto se llama " policromía ". La pintura se limitaba con frecuencia a partes que representaban ropa, cabello, etc., y la piel se dejaba con el color natural de la piedra o el bronce, pero también podía cubrir las esculturas en su totalidad; la piel femenina en el mármol tendía a no tener color, mientras que la masculina podía ser de un marrón claro. La pintura de la escultura griega no debe verse simplemente como una mejora de su forma esculpida, sino que tiene las características de un estilo artístico distinto. [115]
Por ejemplo, recientemente se ha demostrado que las esculturas del frontón del Templo de Afaya en Egina fueron pintadas con patrones audaces y elaborados, que representan, entre otros detalles, ropas estampadas. La policromía de las estatuas de piedra fue acompañada por el uso de diferentes materiales para distinguir la piel, la ropa y otros detalles en las esculturas criselefantinas , y por el uso de diferentes metales para representar labios, uñas, etc. en bronces de alta calidad como los bronces de Riace . [115]
La evidencia más abundante de la pintura griega antigua sobrevive en forma de pinturas en vasos, que se describen en la sección " cerámica " anterior. Ofrecen al menos una idea de la estética de la pintura griega. Sin embargo, las técnicas utilizadas eran muy diferentes de las utilizadas en la pintura de gran formato. Probablemente lo mismo se aplica a los temas representados. Los pintores de vasos parecen haber sido generalmente especialistas dentro de un taller de cerámica, no pintores en otros medios ni alfareros. También debe tenerse en cuenta que la pintura de vasos, aunque es con diferencia la fuente superviviente más conspicua sobre la pintura griega antigua, no se tenía en la más alta estima en la antigüedad y nunca se menciona en la literatura clásica. [116]
Los mosaicos se hacían inicialmente con guijarros redondeados y, más tarde, con vidrio y teselas que daban más color y una superficie plana. Fueron populares en el período helenístico, al principio como decoración para los suelos de los palacios, pero con el tiempo para las casas privadas. [118] A menudo, una imagen del emblema central en un panel central se completaba con un trabajo mucho más fino que la decoración circundante. [119] Los motivos de Xenia , en los que una casa mostraba ejemplos de la variedad de alimentos que los invitados podían esperar disfrutar, proporcionan la mayoría de los ejemplares supervivientes de la naturaleza muerta griega . En general, el mosaico debe considerarse como un medio secundario que copia la pintura, a menudo de forma muy directa, como en el mosaico de Alejandro . [120]
El suelo sin barrer de Sosus de Pérgamo ( c. 200 a. C. ) fue una pieza de trampantojo original y famosa , conocida por muchas copias grecorromanas. Según John Boardman , Sosus es el único artista de mosaico cuyo nombre ha sobrevivido; sus palomas también se mencionan en la literatura y se copian. [121] Sin embargo, Katherine MD Dunbabin afirma que dos artistas de mosaico diferentes dejaron sus firmas en mosaicos de Delos . [122] El artista del mosaico de la caza del ciervo del siglo IV a. C. tal vez también dejó su firma como Gnosis , aunque esta palabra puede ser una referencia al concepto abstracto de conocimiento. [123]
Los mosaicos son un elemento significativo del arte macedonio superviviente , con un gran número de ejemplos preservados en las ruinas de Pella , la antigua capital macedonia , en la actual Macedonia Central . [124] Mosaicos como el mosaico "Mosaico de la caza del ciervo y la caza del león" demuestran cualidades ilusionistas y tridimensionales que generalmente se encuentran en las pinturas helenísticas, aunque la rústica búsqueda macedonia de la caza es notablemente más pronunciada que otros temas. [125] Los mosaicos del siglo II a. C. de Delos , Grecia, fueron juzgados por François Chamoux como representantes del pináculo del arte del mosaico helenístico, con estilos similares que continuaron durante todo el período romano y quizás sentaron las bases para el uso generalizado de mosaicos en el mundo occidental hasta la Edad Media . [118]
La gema grabada era un arte de lujo con gran prestigio; Pompeyo y Julio César estuvieron entre los coleccionistas posteriores. [128] La técnica tiene una antigua tradición en Oriente Próximo , y los sellos cilíndricos , cuyo diseño solo aparece cuando se ruedan sobre arcilla húmeda, de donde se desarrolló el tipo de anillo plano, se extendieron al mundo minoico, incluidas partes de Grecia y Chipre . La tradición griega surgió bajo la influencia minoica en la cultura heládica continental , y alcanzó un apogeo de sutileza y refinamiento en el período helenístico. [129]
Se han encontrado gemas griegas redondas u ovaladas (junto con objetos similares en hueso y marfil) de los siglos VIII y VII a. C., generalmente con animales en enérgicas poses geométricas, a menudo con un borde marcado por puntos o un borde. [130] Los primeros ejemplos se encuentran principalmente en piedras más blandas. Las gemas del siglo VI son más a menudo ovaladas, [131] con un dorso en forma de escarabajo (en el pasado este tipo se llamaba "scarabaeus"), y figuras humanas o divinas, así como animales; la forma del escarabajo aparentemente fue adoptada de Fenicia . [132]
Las formas son sofisticadas para la época, a pesar del tamaño generalmente pequeño de las gemas. [96] En el siglo V las gemas se hicieron algo más grandes, pero todavía solo de 2 a 3 centímetros de altura. A pesar de esto, se muestran detalles muy finos, incluidas las pestañas en una cabeza masculina, tal vez un retrato. Cuatro gemas firmadas por Dexamenos de Quíos son las más finas del período, dos muestran garzas . [133]
El tallado en relieve se hizo común en Grecia en el siglo V a. C. y, gradualmente, la mayoría de las gemas espectaculares talladas eran en relieve. Generalmente, una imagen en relieve es más impresionante que una calcografía; en la forma más temprana, el destinatario de un documento lo veía en el lacre impreso, mientras que en los relieves más recientes era el propietario del sello quien lo guardaba para sí mismo, probablemente marcando el surgimiento de gemas destinadas a ser coleccionadas o usadas como colgantes de joyería en collares y similares, en lugar de usarse como sellos; las más recientes a veces son bastante grandes para usarlas para sellar cartas. Sin embargo, las inscripciones generalmente todavía están al revés ("escritura en espejo"), por lo que solo se leen correctamente en las impresiones (o viéndolas desde atrás con piedras transparentes). Este aspecto también explica en parte la recolección de impresiones en yeso o cera de gemas, que pueden ser más fáciles de apreciar que el original.
Las tallas de piedra dura de mayor tamaño y los camafeos , que son raros en forma de huecograbado, parecen haber llegado a Grecia alrededor del siglo III; la Tazza Farnese es el único ejemplo helenístico importante que sobrevive (dependiendo de las fechas asignadas al Camafeo de Gonzaga y la Copa de los Ptolomeos ), pero otras imitaciones de pasta de vidrio con retratos sugieren que los camafeos de tipo gema se hicieron en este período. [134] Las conquistas de Alejandro habían abierto nuevas rutas comerciales al mundo griego y aumentado la gama de piedras preciosas disponibles. [135]
La síntesis en el período Arcaico del repertorio nativo de motivos geométricos simples con motivos importados, en su mayoría de base vegetal, desde el este creó un vocabulario considerable de ornamentos, que los artistas y artesanos usaron con confianza y fluidez. [136] Hoy en día, este vocabulario se ve sobre todo en el gran corpus de cerámica pintada, así como en restos arquitectónicos, pero originalmente se habría utilizado en una amplia gama de medios, ya que una versión posterior del mismo se utiliza en el Neoclasicismo europeo .
Los elementos de este vocabulario incluyen el meandro geométrico o "llave griega", huevo y dardo , cuentas y carrete , rollo de Vitruvio , guilloché y del mundo vegetal las hojas de acanto estilizadas , voluta , palmeta y media palmeta, volutas vegetales de varios tipos , roseta , flor de loto y flor de papiro . Originalmente utilizados de forma destacada en vasos arcaicos, a medida que se desarrolló la pintura figurativa, estos fueron generalmente relegados a servir como bordes que demarcaban los bordes del vaso o diferentes zonas de decoración. [137] La arquitectura griega fue notable por desarrollar convenciones sofisticadas para el uso de molduras y otros elementos ornamentales arquitectónicos, que usaban estos motivos en un todo integrado armoniosamente.
Incluso antes del período clásico, este vocabulario había influido en el arte celta, y la expansión del mundo griego después de Alejandro, y la exportación de objetos griegos aún más lejos, expusieron gran parte de Eurasia a él, incluidas las regiones del norte del subcontinente indio donde el budismo se estaba expandiendo y creando arte grecobudista . A medida que el budismo se extendió por Asia central hasta China y el resto de Asia oriental , en una forma que hizo un gran uso del arte religioso, se llevaron consigo versiones de este vocabulario y se usaron para rodear imágenes de budas y otras imágenes religiosas, a menudo con un tamaño y énfasis que habría parecido excesivo a los antiguos griegos. El vocabulario fue absorbido por el ornamento de la India, China, Persia y otros países asiáticos, además de desarrollarse aún más en el arte bizantino . [138] Los romanos se apoderaron del vocabulario más o menos en su totalidad, y aunque muy alterado, se puede rastrear en todo el arte medieval europeo , especialmente en el ornamento basado en plantas.
El arte islámico , donde el ornamento reemplaza en gran medida a la figuración, desarrolló el rollo vegetal bizantino en el arabesco completo e interminable , y especialmente a partir de las conquistas mongolas del siglo XIV recibió nuevas influencias de China, incluidos los descendientes del vocabulario griego. [139] Desde el Renacimiento en adelante, varios de estos estilos asiáticos estuvieron representados en textiles, porcelana y otros productos importados a Europa, e influyeron en el ornamento allí, un proceso que aún continúa.
Aunque el vidrio se fabricó en Chipre en el siglo IX a. C. y se desarrolló considerablemente hacia el final del período, solo quedan unas pocas supervivencias de trabajos en vidrio de antes del período grecorromano que muestran la calidad artística de las mejores obras. [140] La mayoría de las supervivencias son pequeños frascos de perfume, en estilos de "plumas" de colores extravagantes similares a otros vidrios mediterráneos . [141] El vidrio helenístico se volvió más barato y accesible para una población más amplia.
No se ha conservado ningún mueble griego, pero hay muchas imágenes de él en jarrones y relieves conmemorativos, por ejemplo, el de Hegeso . Evidentemente, a menudo era muy elegante, al igual que los estilos derivados de él a partir del siglo XVIII. Han sobrevivido algunas piezas de marfil tallado que se usaban como incrustaciones, como en Vergina, y algunas tallas de marfil; se trataba de un arte de lujo que podía ser de muy buena calidad. [142]
Las pinturas en vasijas demuestran que los griegos solían llevar ropa con estampados elaborados y que la habilidad para tejer era la marca de la mujer respetable. Sobreviven dos lujosas piezas de tela, procedentes de la tumba de Filipo de Macedonia . [143] Hay numerosas referencias a tapices decorativos tanto para hogares como para templos, pero ninguno de ellos ha sobrevivido.
El arte griego antiguo ejerció una influencia considerable en la cultura de muchos países del mundo, sobre todo en su tratamiento de la figura humana. En Occidente, la arquitectura griega también ejerció una enorme influencia, y tanto en Oriente como en Occidente, la influencia de la decoración griega se puede rastrear hasta nuestros días. El arte etrusco y romano se derivó en gran medida y directamente de modelos griegos, [144] y los objetos y la influencia griega llegaron al arte celta al norte de los Alpes, [145] así como a todo el mundo mediterráneo y a Persia. [146]
En Oriente, las conquistas de Alejandro Magno iniciaron varios siglos de intercambio entre las culturas griega, centroasiática e india, a lo que contribuyó en gran medida la difusión del budismo , que desde el principio recogió muchos rasgos y motivos griegos del arte grecobudista , que luego se transmitieron como parte de un paquete cultural al este de Asia , incluso hasta Japón , entre artistas que sin duda desconocían por completo el origen de los motivos y estilos que utilizaban. [147]
Tras el Renacimiento en Europa, la estética humanista y los altos estándares técnicos del arte griego inspiraron a generaciones de artistas europeos, con un importante resurgimiento del movimiento neoclásico que comenzó a mediados del siglo XVIII, coincidiendo con un acceso más fácil desde Europa occidental a la propia Grecia, y una renovada importación de originales griegos, entre los que destacan los mármoles de Elgin del Partenón. Hasta bien entrado el siglo XIX, la tradición clásica derivada de Grecia dominó el arte del mundo occidental. [148]
Las clases altas romanas helenizadas de la Baja República y el Primer Imperio aceptaron en general la superioridad griega en las artes sin muchas objeciones, aunque el elogio de Plinio a la escultura y la pintura de artistas prehelenísticos puede estar basado en escritos griegos anteriores más que en un gran conocimiento personal. Plinio y otros autores clásicos eran conocidos en el Renacimiento, y esta suposición de superioridad griega fue nuevamente aceptada en general. Sin embargo, los críticos del Renacimiento y mucho después no tenían claro qué obras eran realmente griegas. [149]
Como parte del Imperio otomano , Grecia sólo podía ser visitada por unos pocos europeos occidentales hasta mediados del siglo XVIII. No sólo los vasos griegos encontrados en los cementerios etruscos, sino también (de manera más controvertida) los templos griegos de Paestum fueron considerados etruscos, o de otro modo itálicos, hasta finales del siglo XVIII y más allá, una idea errónea que se prolongó por el sentimiento nacionalista italiano. [149]
Los escritos de Johann Joachim Winckelmann , especialmente sus libros Pensamientos sobre la imitación de obras griegas en pintura y escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia del arte antiguo", 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre el arte griego antiguo, el etrusco y el romano, y definir períodos dentro del arte griego, trazando una trayectoria desde el crecimiento hasta la madurez y luego la imitación o decadencia que continúa teniendo influencia hasta nuestros días. [150]
El desenredo completo de las estatuas griegas de sus copias romanas posteriores, y una mejor comprensión del equilibrio entre lo griego y lo romano en el arte grecorromano tomó mucho más tiempo, y tal vez todavía continúe. [151] El arte griego, especialmente la escultura, siguió disfrutando de una enorme reputación, y su estudio y copia fue una gran parte de la formación de los artistas, hasta la caída del arte académico a fines del siglo XIX. Durante este período, el corpus conocido real de arte griego, y en menor medida de arquitectura, se ha expandido enormemente. El estudio de los vasos desarrolló una enorme literatura a fines del siglo XIX y el XX, basada en gran medida en la identificación de las manos de artistas individuales, con Sir John Beazley como figura principal. Esta literatura generalmente asumía que la pintura de vasos representaba el desarrollo de un medio independiente, solo en términos generales basándose en el desarrollo estilístico en otros medios artísticos. Esta suposición ha sido cada vez más cuestionada en las últimas décadas, y algunos investigadores ahora lo ven como un medio secundario, que representa en gran medida copias baratas de trabajos en metal ahora perdidos, y muchos de ellos fabricados, no para uso ordinario, sino para depositarlos en entierros. [152]
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![Ritón de plata para el mercado tracio, finales del siglo IV[38]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b7/Rhyton_Greek_Thracian_silver,_end_of_4th_c_BC,_Prague_Kinsky,_NM-HM10_1407,_140856.jpg/1280px-Rhyton_Greek_Thracian_silver,_end_of_4th_c_BC,_Prague_Kinsky,_NM-HM10_1407,_140856.jpg)
![Modelo de la vía procesional en la antigua Delfos, sin gran parte de la estatuaria mostrada.[92]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Santuario_Delfos.jpg/1280px-Santuario_Delfos.jpg)
.jpg/1280px-The_great_theater_of_Epidaurus,_designed_by_Polykleitos_the_Younger_in_the_4th_century_BC,_Sanctuary_of_Asklepeios_at_Epidaurus,_Greece_(14015010416).jpg)
![Una escena de banquete de una tumba macedonia de Agios Athanasios, Tesalónica, siglo IV a. C.; se muestran seis hombres reclinados en divanes, con comida dispuesta en mesas cercanas, un sirviente masculino atendiendo y músicas femeninas brindando entretenimiento.[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c6/Banquet,_tombe_d'Agios_Athanasios.jpg/1280px-Banquet,_tombe_d'Agios_Athanasios.jpg)
![El tapiz Sampul, un tapiz de lana que cuelga de la pared del condado de Lop, prefectura de Hotan, Xinjiang, China, muestra a un posible soldado griego del reino grecobactriano (250-125 a. C.), con ojos azules, empuñando una lanza y luciendo lo que parece ser una diadema; sobre él se representa un centauro, de la mitología griega, un motivo común en el arte helenístico;[112] Museo de la Región de Xinjiang.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0b/UrumqiWarrior.jpg/1280px-UrumqiWarrior.jpg)
![Alejandro Magno (izquierda), vistiendo una kausia y luchando contra un león asiático con su amigo Crátero (detalle); mosaico de finales del siglo IV a. C. de Pella[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Lion_hunt_mosaic_from_Pella.jpg/1280px-Lion_hunt_mosaic_from_Pella.jpg)
.jpg/1280px-Hellenistic_mosaic_floor_panel_of_an_Alexandrine_parakeet_from_Pergamon,_2nd_century_BC,_Pergamon_Museum_(8408107096).jpg)
![Mosaico helenístico de Thmuis (Mendes), Egipto, firmado por Sophilos c. 200 a. C.; la reina ptolemaica Berenice II (gobernante conjunta con su marido Ptolomeo III) como personificación de Alejandría.[127]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg/1280px-Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg)
