La tecnología musical es el estudio o el uso de cualquier dispositivo, mecanismo, máquina o herramienta por un músico o compositor para hacer o interpretar música ; para componer , escribir , reproducir o grabar canciones o piezas; o para analizar o editar música.
La primera aplicación conocida de la tecnología a la música fue el uso que hacían los pueblos prehistóricos de una herramienta para perforar manualmente agujeros en los huesos y fabricar flautas sencillas. [1]
Los antiguos egipcios desarrollaron instrumentos de cuerda, como arpas , liras y laúdes , que requerían la fabricación de cuerdas finas y algún tipo de sistema de clavijas para ajustar el tono de las cuerdas. Los antiguos egipcios también utilizaban instrumentos de viento como clarinetes dobles e instrumentos de percusión como platillos .
En la antigua Grecia , los instrumentos incluían el aulos de doble lengüeta y la lira.
En la Biblia se mencionan numerosos instrumentos, entre ellos el cornu , la flauta , la lira , el arpa y la gaita . Durante los tiempos bíblicos, también se utilizaban el cornu, la flauta , el cuerno, el órgano de tubos , la flauta y la trompeta .
Durante la Edad Media , se utilizó la notación musical para crear un registro escrito de las notas de las melodías del canto llano .
Durante la era musical del Renacimiento (c. 1400-1600), se inventó la imprenta , lo que permitió la producción masiva de partituras (que antes se copiaban a mano). Esto ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área más amplia.
Durante la era barroca (c. 1600-1750), se desarrollaron tecnologías para instrumentos de teclado , lo que condujo a mejoras en los diseños de los órganos de tubos y el clavicémbalo , y al desarrollo de un nuevo instrumento de teclado aproximadamente en 1700, el piano .
En la era clásica , Beethoven añadió nuevos instrumentos a la orquesta, como el flautín , el contrafagot , los trombones y la percusión desafinada en su Novena Sinfonía .
Durante la era de la música romántica (c. 1810-1900), una de las principales formas en que el público conocía las nuevas composiciones era mediante la venta de partituras , que los aficionados a la música interpretaban en casa con su piano u otros instrumentos. En el siglo XIX, se añadieron a la orquesta nuevos instrumentos como saxofones , bombardinos , tubas de Wagner y cornetas .
A principios del siglo XX, con la invención y popularización del disco de gramófono (comercializado en 1892) y la transmisión por radio (que comenzó con fines comerciales alrededor de 1919-1920), hubo un gran aumento en la escucha de música y fue más fácil distribuirla a un público más amplio. [1]
El desarrollo de la grabación de sonido tuvo una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares , ya que permitió la amplia difusión de grabaciones de canciones y grupos. La invención de la grabación de sonido también dio origen a un nuevo subgénero de la música clásica : la música concreta, un estilo de composición electrónica.
La invención de la grabación multipista permitió a las bandas pop superponer muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una presentación en vivo.
A principios del siglo XX, las tecnologías eléctricas, como las pastillas electromagnéticas , los amplificadores y los altavoces, se utilizaron para desarrollar nuevos instrumentos eléctricos, como el piano eléctrico (1929), la guitarra eléctrica (1931), el órgano electromecánico (1934) y el bajo eléctrico (1935). La orquesta del siglo XX adquirió nuevos instrumentos y nuevos sonidos. Algunas piezas orquestales utilizaron la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico o el theremin .
La invención del transistor en miniatura en 1947 permitió la creación de una nueva generación de sintetizadores , que se utilizaron por primera vez en la música pop en la década de 1960. A diferencia de las tecnologías de instrumentos de teclado anteriores, los teclados sintetizadores no tienen cuerdas, tubos ni púas de metal. Un teclado sintetizador crea sonidos musicales utilizando circuitos electrónicos o, más tarde, chips de computadora y software . Los sintetizadores se hicieron populares en el mercado masivo a principios de la década de 1980.
Con el desarrollo de potentes microchips , se introdujeron varias nuevas tecnologías de música electrónica o digital en la década de 1980 y décadas posteriores, incluidas las cajas de ritmos y los secuenciadores de música . Las tecnologías de música electrónica y digital son cualquier dispositivo, como una computadora, una unidad de efectos electrónicos o software, que utiliza un músico o compositor para ayudar a hacer o interpretar música. [2] El término generalmente se refiere al uso de dispositivos electrónicos, hardware de computadora y software de computadora que se utilizan en la interpretación , reproducción, composición , grabación y reproducción de sonido, mezcla , análisis y edición de música.
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Los hallazgos de los sitios arqueológicos paleolíticos sugieren que las personas prehistóricas usaban herramientas de tallado y perforación para crear instrumentos. Los arqueólogos han encontrado flautas paleolíticas talladas a partir de huesos en los que se han perforado agujeros laterales. La disputada flauta Divje Babe , un fémur perforado de oso de las cavernas , tiene al menos 40.000 años de antigüedad. Instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda , como el Ravanahatha , se han recuperado de los sitios arqueológicos de la civilización del valle del Indo . [3] La India tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo: se encuentran referencias a la música clásica india ( marga ) en los Vedas , antiguas escrituras de la tradición hindú . [4] La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre 7000 y 6600 a. C. [5]
En el Egipto prehistórico , la música y el canto se usaban comúnmente en la magia y los rituales, y se usaban pequeñas conchas como silbatos . [6] : 26–30 La evidencia de instrumentos musicales egipcios data del período predinástico , cuando los cantos funerarios desempeñaron un papel importante en la religión egipcia y fueron acompañados por badajos y posiblemente la flauta . La evidencia más confiable de tecnologías de instrumentos data del Imperio Antiguo , cuando se desarrollaron tecnologías para construir arpas, flautas y clarinetes dobles. [7] Los instrumentos de percusión, liras y laúdes fueron utilizados por el Reino Medio . Los platillos de metal fueron utilizados por los antiguos egipcios. [8] A principios del siglo XXI, el interés en la música del período faraónico comenzó a crecer, inspirado por la investigación de musicólogos nacidos en el extranjero como Hans Hickmann . A principios del siglo XXI, músicos y musicólogos egipcios dirigidos por el profesor de musicología Khairy El-Malt en la Universidad Helwan de El Cairo habían comenzado a reconstruir instrumentos musicales del Antiguo Egipto, un proyecto que aún continúa. [9]
La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro gracias a las excavaciones realizadas por Sir Mortimer Wheeler . [10]
Según las Escrituras , Jubal fue el padre de los arpistas y organistas (Gén. 4:20-21). El arpa era uno de los instrumentos principales y el favorito de David , y se menciona más de cincuenta veces en la Biblia. Se utilizaba tanto en ceremonias alegres como en ceremonias de luto, y su uso fue "elevado a su máxima perfección bajo David" (1 Sam. 16:23). Lockyer añade que "era la dulce música del arpa la que a menudo desposeía a Saúl de su melancolía (1 Sam. 16:14-23; 18:10-11). [11] : 46 Cuando los judíos estaban cautivos en Babilonia colgaron sus arpas y se negaron a usarlas mientras estaban en el exilio, siendo anteriormente parte de los instrumentos utilizados en el Templo (1 R. 10:12). Otro instrumento de cuerda de la clase del arpa, y también utilizado por los antiguos griegos, era la lira. Un instrumento similar era el laúd, que tenía un cuerpo grande en forma de pera, un mástil largo y un diapasón con trastes y tornillos en la cabeza para afinar. Las monedas que mostraban instrumentos musicales, las monedas de la Rebelión de Bar Kojba , fueron emitidas por los judíos durante la Segunda Rebelión Judía contra el Imperio Romano de 132-135 d. C. Además de ellas, estaba el salterio , otro instrumento de cuerda al que se hace referencia casi treinta veces en las Escrituras. Según Según Josefo , tenía doce cuerdas y se tocaba con una pluma , no con la mano. Otro escritor sugirió que era como una guitarra, pero con una forma triangular plana y encordada de lado a lado. [11] : 49
Entre los instrumentos de viento utilizados en el período bíblico estaban la corneta , la flauta, el cuerno, el órgano, la flauta y la trompeta. [11] : 50 También había trompetas de plata y el oboe doble . Werner concluye que, a partir de las medidas tomadas de las trompetas en el Arco de Tito en Roma y de las monedas, "las trompetas eran muy agudas con un cuerpo delgado y un sonido estridente". Añade que en La guerra de los hijos de la luz contra los hijos de las tinieblas , un manual de organización y estrategia militar descubierto entre los Rollos del Mar Muerto , estas trompetas "parecen claramente capaces de regular su tono con bastante precisión, ya que se supone que emiten señales bastante complicadas al unísono". [12] Whitcomb escribe que el par de trompetas de plata fueron fabricadas de acuerdo con la ley mosaica y probablemente estaban entre los trofeos que el emperador Tito trajo a Roma cuando conquistó Jerusalén. Añade que en el Arco elevado al victorioso Tito, "hay un relieve esculpido de estas trompetas, mostrando su forma antigua. (ver foto) [13]
Según Whitcomb, la flauta se utilizaba habitualmente en ocasiones festivas y de duelo. «Incluso el hebreo más pobre se veía obligado a contratar a dos flautistas para que tocaran en el funeral de su esposa». [13] El shofar (el cuerno de un carnero) todavía se utiliza para fines litúrgicos especiales, como los servicios de Año Nuevo judío en las comunidades ortodoxas. Como tal, no se considera un instrumento musical, sino un instrumento de simbolismo teológico que se ha mantenido intencionadamente en su carácter primitivo. En la antigüedad se utilizaba para advertir de un peligro, para anunciar la luna nueva o el comienzo del sabbat , o para anunciar la muerte de un notable. «En su uso estrictamente ritual, llevaba los gritos de la multitud a Dios», escribe Werner. [14]
Entre los instrumentos de percusión se encontraban campanas , platillos, sistros , panderos , tamboriles y panderetas . El pandero o pandero era un pequeño tambor de mano utilizado en ocasiones festivas y se consideraba un instrumento de mujeres. En tiempos modernos, el Ejército de Salvación lo utilizaba a menudo. Según la Biblia, cuando los hijos de Israel salieron de Egipto y cruzaron el Mar Rojo , « Miriam tomó un pandero en sus manos; y todas las mujeres salieron en pos de ella con panderos y danzas». [11]
En la Antigua Grecia , los instrumentos utilizados en toda la música se pueden dividir en tres categorías, [15] [ cita breve incompleta ] según cómo se produce el sonido: cuerdas, vientos y percusión. Entre los instrumentos utilizados en la música de la Antigua Grecia se encontraban los siguientes:
En la Eneida , Virgilio hace numerosas referencias a la trompeta. La lira, la cítara, el aulos, el hidraulis (órgano de agua) y la trompeta encontraron su lugar en la música de la antigua Roma .
Los romanos pueden haber tomado prestado el método griego [19] de notación enquiriádica para registrar su música si es que usaban alguna notación. Cuatro letras (en notación inglesa 'A', 'G', 'F' y 'C') indicaban una serie de cuatro tonos sucesivos. Los signos de ritmo, escritos sobre las letras, indicaban la duración de cada nota. El arte romano representa varios instrumentos de viento de madera , "metales" , percusión y cuerdas . [20] Los instrumentos de estilo romano se encuentran en partes del Imperio donde no se originaron e indican que la música estaba entre los aspectos de la cultura romana que se extendieron por las provincias.
Los instrumentos romanos incluyen:
Varios instrumentos musicales utilizados posteriormente en la música medieval europea fueron influenciados por los instrumentos musicales árabes , incluido el rabel (un antepasado del violín ) del rebab y el naker del naqareh . [30] Muchos instrumentos europeos tienen raíces en instrumentos orientales anteriores que fueron adoptados del mundo islámico . [31] El rabāb árabe , también conocido como violín de púas, es el instrumento de cuerda frotada más antiguo conocido y el antepasado de todos los instrumentos de arco europeos, incluido el rabel, la lira bizantina y el violín. [32] [33]
Las versiones de cuerda pulsada y de arco del rebab coexistieron. [34] Los instrumentos de arco se convirtieron en el rebec o rabel y los instrumentos de cuerda pulsada en el gittern . Curt Sachs relacionó este instrumento con la mandola , el kopuz y el gambus , y denominó a la versión de arco rabâb. [34]
El laúd árabe en la música islámica fue el antepasado directo del laúd europeo. [35] El laúd también se cita como precursor de la guitarra moderna . [36] La guitarra tiene raíces en el laúd de cuatro cuerdas, traído a Iberia por los moros en el siglo VIII. [37] Un antepasado directo de la guitarra moderna es la guitarra morisca , que se usaba en España en 1200. En el siglo XIV, simplemente se la denominaba guitarra. [38]
El origen de los instrumentos musicales automáticos se remonta al siglo IX cuando los hermanos persas Banū Mūsā inventaron un órgano accionado por energía hidráulica utilizando cilindros intercambiables con clavijas, [39] y también una máquina automática para tocar la flauta utilizando energía de vapor . [40] [41] Estos fueron los primeros instrumentos musicales mecánicos automatizados. [39] El flautista automático de los hermanos Banu Musa fue el primer dispositivo musical programable , el primer secuenciador musical , [42] y el primer ejemplo de tecnología musical repetitiva, impulsada por hidráulica . [43]
En 1206, el ingeniero árabe Al-Jazari inventó una banda de autómatas humanoides programables . [44] Según Charles B. Fowler, los autómatas eran una " banda de robots " que realizaban "más de cincuenta acciones faciales y corporales durante cada selección musical". [45] También fue la primera caja de ritmos programable . Entre los cuatro músicos autómatas , dos eran bateristas. Era una caja de ritmos en la que las clavijas ( levas ) chocaban contra pequeñas palancas que operaban la percusión. Se podía hacer que los bateristas tocaran diferentes ritmos y diferentes patrones de batería si se movían las clavijas. [46]
Durante la era de la música medieval (476 a 1400) las melodías de canto llano utilizadas para las canciones religiosas eran principalmente monofónicas (una sola línea, melodía sin acompañamiento). En los primeros siglos de la era medieval, estos cantos se enseñaban y difundían por tradición oral ("de oído"). La música medieval más antigua no tenía ningún tipo de sistema de notación para escribir melodías. A medida que Roma intentaba estandarizar los diversos cantos en grandes distancias de su imperio, se necesitaba una forma de notación musical para escribir las melodías. Se introdujeron varios signos escritos sobre los textos del canto, llamados neumas . En el siglo IX, se estableció firmemente como el método principal de notación musical. El siguiente desarrollo en la notación musical fueron los neumas elevados , en los que los neumas se colocaban cuidadosamente a diferentes alturas en relación con los demás. Esto permitía que los neumas dieran una indicación aproximada del tamaño de un intervalo determinado, así como de la dirección.
Esto llevó rápidamente a que se colocaran una o dos líneas, cada una representando una nota particular, sobre la partitura con todos los neumas relacionados con ellas. La línea o líneas actuaban como punto de referencia para ayudar al cantante a medir qué notas eran más altas o más bajas. Al principio, estas líneas no tenían un significado particular y en su lugar tenían una letra colocada al principio que indicaba qué nota representaba. Sin embargo, las líneas que indicaban el do central y el fa un quinto más abajo se convirtieron lentamente en las más comunes. La finalización del pentagrama de cuatro líneas se atribuye generalmente a Guido d' Arezzo (c. 1000-1050), uno de los teóricos musicales más importantes de la Edad Media. El sistema de notación neumática, incluso en su estado más desarrollado, no definía claramente ningún tipo de ritmo para el canto de notas o la interpretación de melodías. El desarrollo de la notación musical hizo que fuera más rápido y fácil enseñar melodías a nuevas personas y facilitó la difusión de la música a grandes distancias geográficas.
Los instrumentos utilizados para interpretar música medieval incluyen versiones anteriores, menos sofisticadas mecánicamente, de una serie de instrumentos que continúan utilizándose en la década de 2010. Los instrumentos medievales incluyen la flauta, que estaba hecha de madera y podía fabricarse como un instrumento de soplado lateral o de soplado final (carecía de las complejas teclas de metal y las almohadillas herméticas de las flautas de metal de la década de 2010); la flauta dulce de madera y el instrumento relacionado llamado gemshorn ; y la flauta de pan (un grupo de columnas de aire unidas entre sí). La música medieval utilizó muchos instrumentos de cuerda pulsada como el laúd, el mandore , el gittern y el salterio . Los dulcémeles , similares en estructura al salterio y la cítara , originalmente se pulsaban, pero comenzaron a ser golpeados por martillos en el siglo XIV después de la llegada de nueva tecnología que hizo posibles las cuerdas de metal.
También se utilizaban cuerdas frotadas. La lira frotada del Imperio bizantino fue el primer instrumento de cuerda frotada europeo registrado. El geógrafo persa Ibn Khurradadhbih del siglo IX (fallecido en 911) citó la lyra bizantina como un instrumento de arco equivalente al rabāb árabe e instrumento típico de los bizantinos junto con el urghun ( órgano ), el shilyani (probablemente un tipo de arpa o lira) y el salandj (probablemente una gaita ). [48] La zanfona era un violín mecánico que utilizaba una rueda de madera colofonia unida a una manivela para "arquear" sus cuerdas. Los instrumentos sin caja de resonancia como el arpa de mandíbula también eran populares en la época. Las primeras versiones del órgano , el violín (o vielle ) y el trombón (llamado sacabuche ) existieron en la era medieval.
La era de la música renacentista (entre 1400 y 1600 aproximadamente) fue testigo del desarrollo de muchas tecnologías nuevas que afectaron la interpretación y distribución de canciones y piezas musicales. Alrededor de 1450 se inventó la imprenta , que hizo que las partituras impresas fueran mucho más baratas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música escrita se copiaba laboriosamente a mano). La mayor disponibilidad de partituras impresas ayudó a difundir los estilos musicales con mayor rapidez y en un área geográfica más amplia.
Muchos instrumentos surgieron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que ya existían en la época medieval. Los instrumentos de viento metal del Renacimiento eran tradicionalmente tocados por profesionales. Algunos de los instrumentos de viento metal más comunes que se tocaban eran:
Instrumentos de cuerda incluidos:
Instrumentos de percusión incluidos:
Instrumentos de viento de madera incluidos:
Durante la era barroca de la música (aproximadamente entre 1600 y 1750), se desarrollaron tecnologías para instrumentos de teclado que llevaron a mejoras en los diseños de órganos de tubos y clavecines y al desarrollo de los primeros pianos . Durante el período barroco, los constructores de órganos desarrollaron nuevos tipos de tubos y lengüetas que crearon nuevos colores tonales. Los constructores de órganos crearon nuevos registros que imitaban varios instrumentos, como la viola da gamba . El período barroco se considera a menudo como la "edad de oro" de la construcción de órganos, ya que prácticamente todos los refinamientos importantes del instrumento se llevaron a su apogeo. Constructores como Arp Schnitger , Jasper Johannsen, Zacharias Hildebrandt y Gottfried Silbermann construyeron instrumentos que mostraban tanto una artesanía exquisita como un sonido hermoso. Estos órganos presentaban acciones mecánicas de teclas bien equilibradas, lo que le daba al organista un control preciso sobre el habla de los tubos. Los órganos de Schnitger presentaban timbres de lengüeta particularmente distintivos y grandes divisiones Pedal y Rückpositiv.
Los constructores de clavecines del sur de los Países Bajos construyeron instrumentos con dos teclados que podían utilizarse para la transposición . Estos instrumentos flamencos sirvieron como modelo para la construcción de clavecines de la era barroca en otras naciones. En Francia, los teclados dobles se adaptaron para controlar diferentes coros de cuerdas, creando un instrumento musicalmente más flexible (por ejemplo, el teclado superior podía ajustarse a un registro de laúd silencioso, mientras que el teclado inferior podía ajustarse a un registro con varios coros de cuerdas, para un sonido más fuerte). Los instrumentos de la cúspide de la tradición francesa, de fabricantes como la familia Blanchet y Pascal Taskin , se encuentran entre los clavecines más admirados de todos y se utilizan con frecuencia como modelos para la construcción de instrumentos modernos. En Inglaterra, las firmas Kirkman y Shudi produjeron clavecines sofisticados de gran potencia y sonoridad. Los constructores alemanes ampliaron el repertorio sonoro del instrumento añadiendo coros de dieciséis pies , que se sumaban al registro inferior, y coros de dos pies, que se sumaban al registro superior.
El piano fue inventado durante la era barroca por el experto fabricante de clavecines Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Padua , Italia, que fue empleado por Ferdinando de' Medici, Gran Príncipe de Toscana . Cristofori inventó el piano en algún momento antes de 1700. [49] [50] Si bien el clavicordio permitía un control expresivo del volumen, con pulsaciones de teclas más fuertes o más fuertes creando un sonido más fuerte (y viceversa) y notas bastante sostenidas, era demasiado silencioso para grandes interpretaciones. El clavicémbalo producía un sonido suficientemente fuerte, pero ofrecía poco control expresivo sobre cada nota. Presionar una tecla del clavicémbalo más fuerte o más suave no tenía efecto en el volumen del instrumento. El piano ofrecía lo mejor de ambos, combinando volumen con control dinámico. El gran éxito de Cristofori fue resolver, sin ningún ejemplo previo, el problema mecánico fundamental del diseño de pianos: el martillo debe golpear la cuerda, pero no permanecer en contacto con ella (como una tangente permanece en contacto con una cuerda de clavicordio) porque esto amortiguaría el sonido. Además, el martillo debe volver a su posición de reposo sin rebotar violentamente, y debe ser posible repetir la misma nota rápidamente. El mecanismo de piano de Cristofori fue un modelo para los muchos enfoques de mecanismos de piano que siguieron. Los primeros instrumentos de Cristofori eran mucho más fuertes y tenían más sustain que el clavicordio. Aunque el piano se inventó en 1700, el clavicémbalo y el órgano de tubos continuaron siendo ampliamente utilizados en orquestas y conciertos de música de cámara hasta fines del siglo XVIII. Llevó tiempo que el nuevo piano ganara popularidad. Sin embargo, hacia 1800, el piano se usaba generalmente en lugar del clavicémbalo (aunque el órgano de tubos continuó utilizándose en música sacra, como las misas).
Desde aproximadamente 1790 en adelante, el piano de la era de Mozart sufrió enormes cambios que llevaron a la forma moderna del instrumento. Esta revolución fue en respuesta a la preferencia de los compositores y pianistas por un sonido de piano más potente y sostenido, y fue posible gracias a la Revolución Industrial en curso con recursos como el alambre de piano de acero de alta calidad para las cuerdas y la fundición de precisión para la producción de marcos de hierro . Con el tiempo, el rango tonal del piano también aumentó de las cinco octavas de la época de Mozart al rango de más de 7 que se encuentra en los pianos modernos. El progreso tecnológico temprano le debe mucho a la firma Broadwood . John Broadwood se unió a otro escocés, Robert Stodart, y un holandés, Americus Backers , para diseñar un piano con caja de clavicémbalo, el origen del "grand". Lo lograron alrededor de 1777. Rápidamente se ganaron una reputación por el esplendor y el tono poderoso de sus instrumentos, y Broadwood construyó algunos que eran progresivamente más grandes, más ruidosos y de construcción más robusta.
Enviaron pianos tanto a Joseph Haydn como a Ludwig van Beethoven , y fueron la primera empresa en construir pianos con un rango de más de cinco octavas: cinco octavas y una quinta (intervalo) durante la década de 1790, seis octavas en 1810 (Beethoven usó las notas adicionales en sus obras posteriores) y siete octavas en 1820. Los fabricantes vieneses siguieron estas tendencias de manera similar; sin embargo, las dos escuelas usaban diferentes acciones de piano: los Broadwoods eran más robustos, los instrumentos vieneses eran más sensibles.
La instrumentación de Beethoven para orquesta agregó flautín , contrafagot y trombones al final triunfal de su Sinfonía n.º 5. Un flautín y un par de trombones ayudan a transmitir tormenta y sol en la Sexta . El uso que hizo Beethoven del flautín, el contrafagot, los trombones y la percusión desafinada en su Novena Sinfonía amplió el sonido de la orquesta.
Durante la era de la música romántica (c. 1810 a 1900), una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música amateur interpretaban en casa en su piano o en grupos de música de cámara , como cuartetos de cuerda . Los saxofones comenzaron a aparecer en algunas partituras de orquesta del siglo XIX. Si bien aparece solo como instrumento solista destacado en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky y las Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón está incluido en otras obras, como el Boléro de Ravel , las Suites 1 y 2 de Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev . El bombardino aparece en algunas obras del Romanticismo tardío y del siglo XX , generalmente tocando partes marcadas como "tuba tenor", incluyendo Los planetas de Gustav Holst y Ein Heldenleben de Richard Strauss . La tuba wagneriana , un miembro modificado de la familia de las trompas, aparece en el ciclo de Richard Wagner El anillo del nibelungo y en varias otras obras de Strauss, Béla Bartók y otros; tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 en mi mayor de Anton Bruckner . [51] Las cornetas aparecen en el ballet El lago de los cisnes de Piotr Ilich Chaikovski , La Mer de Claude Debussy y en varias obras orquestales de Héctor Berlioz .
El piano continuó experimentando desarrollos tecnológicos en la era romántica, hasta la década de 1860. En la década de 1820, el centro de innovación en la construcción de pianos se había trasladado a París , donde la firma Pleyel fabricó pianos utilizados por Frédéric Chopin y la firma Érard fabricó los utilizados por Franz Liszt . En 1821, Sébastien Érard inventó el mecanismo de doble escape , que incorporaba una palanca de repetición (también llamada balancier ) que permitía repetir una nota incluso si la tecla aún no había subido a su posición vertical máxima. Esto facilitaba la ejecución rápida de notas repetidas, un dispositivo musical explotado por Liszt. Cuando el invento se hizo público, revisado por Henri Herz , el mecanismo de doble escape se convirtió gradualmente en estándar en los pianos de cola y todavía se incorpora en todos los pianos de cola que se producen actualmente. Otras mejoras del mecanismo incluyeron el uso de cubiertas de fieltro para los martillos en lugar de cuero o algodón en capas. El fieltro, introducido por primera vez por Jean-Henri Pape en 1826, era un material más consistente que permitía rangos dinámicos más amplios a medida que aumentaban los pesos de los martillos y la tensión de las cuerdas. El pedal de sostenuto , inventado en 1844 por Jean-Louis Boisselot y copiado por la firma Steinway en 1874, permitía una gama más amplia de efectos.
Una innovación que ayudó a crear el sonido del piano moderno fue el uso de un fuerte marco de hierro. También llamado "placa", el marco de hierro se asienta sobre la tabla armónica y sirve como baluarte principal contra la fuerza de la tensión de las cuerdas que puede superar las 20 toneladas en un piano de cola moderno. El marco de hierro fundido de una sola pieza fue patentado en 1825 en Boston por Alpheus Babcock , [52] [ cita corta incompleta ] combinando la placa de pasador de enganche de metal (1821, reclamada por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y barras de resistencia (Thom y Allen, 1820, pero también reclamadas por Broadwood y Érard). La mayor integridad estructural del marco de hierro permitió el uso de cuerdas más gruesas, tensas y numerosas. En 1834, la firma Webster & Horsfal de Birmingham sacó al mercado una forma de alambre de piano hecho de acero fundido ; según Dolge, era "tan superior al alambre de hierro que la firma inglesa pronto tuvo el monopolio". [53] [ cita corta incompleta ]
Otros avances importantes incluyeron cambios en la forma en que se encordan los pianos, como el uso de un "coro" de tres cuerdas en lugar de dos para todas las notas excepto las más graves, y la implementación de una escala de cuerdas superpuestas, en la que las cuerdas se colocan en dos planos separados, cada uno con su propia altura de puente . La estructura de acción mecánica del piano vertical fue inventada en Londres, Inglaterra en 1826 por Robert Wornum , y los modelos verticales se convirtieron en el modelo más popular, ya que también amplificaban el sonido. [54]
Con la música del siglo XX , hubo un gran aumento en la escucha de música, ya que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y distribuir música. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dieron lugar a un nuevo subgénero de música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acusmática [55] y música concreta . La grabación de sonido también fue una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock , porque podía hacer mucho más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una banda y su productor musical podían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.
La orquesta del siglo XX era mucho más flexible que sus predecesoras. [56] [ cita corta incompleta ] En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn , la orquesta estaba compuesta por un núcleo bastante estándar de instrumentos que rara vez se modificaba. A medida que avanzaba el tiempo, y que el período romántico vio cambios en la modificación aceptada con compositores como Berlioz y Mahler, el siglo XX vio que la instrumentación prácticamente podía ser elegida a mano por el compositor. Los saxofones se utilizaron en algunas partituras de orquesta del siglo XX, como las sinfonías n.º 6 y 9 de Vaughan Williams y El festín de Belsasar de William Walton , y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En la década del 2000, la orquesta moderna se estandarizó con la instrumentación moderna que incluye una sección de cuerdas , instrumentos de viento de madera , instrumentos de viento de metal , percusión , piano , celesta , e incluso, para algunas obras del siglo XX o XXI, instrumentos eléctricos como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y/o instrumentos electrónicos como el Theremin o el sintetizador .
La tecnología de la música eléctrica se refiere a los instrumentos musicales y dispositivos de grabación que utilizan circuitos eléctricos, que a menudo se combinan con tecnologías mecánicas. Algunos ejemplos de instrumentos musicales eléctricos incluyen el piano eléctrico electromecánico (inventado en 1929), la guitarra eléctrica (inventada en 1931), el órgano Hammond electromecánico (desarrollado en 1934) y el bajo eléctrico (inventado en 1935). Ninguno de estos instrumentos eléctricos produce un sonido que sea audible para el intérprete o el público en un entorno de interpretación a menos que estén conectados a amplificadores de instrumentos y cajas de altavoces , lo que los hace sonar lo suficientemente alto para que los intérpretes y el público los escuchen. Los amplificadores y los altavoces están separados del instrumento en el caso de la guitarra eléctrica (que utiliza un amplificador de guitarra ), el bajo eléctrico (que utiliza un amplificador de bajo ) y algunos órganos eléctricos (que utilizan un altavoz Leslie o una caja similar) y pianos eléctricos. Algunos órganos eléctricos y pianos eléctricos incluyen el amplificador y la caja de altavoces dentro de la carcasa principal del instrumento.
Un piano eléctrico es un instrumento musical eléctrico que produce sonidos cuando un intérprete presiona las teclas del teclado musical estilo piano . Al presionar las teclas, los martillos mecánicos golpean cuerdas o púas de metal, lo que genera vibraciones que se convierten en señales eléctricas mediante pastillas magnéticas , que luego se conectan a un amplificador de instrumento y un altavoz para producir un sonido lo suficientemente fuerte para que el intérprete y el público lo escuchen. A diferencia de un sintetizador , el piano eléctrico no es un instrumento electrónico . En cambio, es un instrumento electromecánico. Algunos pianos eléctricos tempranos usaban trozos de alambre para producir el tono, como un piano tradicional. Los pianos eléctricos más pequeños usaban astillas cortas de acero, púas de metal o alambres cortos para producir el tono. Los primeros pianos eléctricos se inventaron a fines de la década de 1920.
Una guitarra eléctrica es una guitarra que utiliza una pastilla para convertir la vibración de sus cuerdas en impulsos eléctricos. La pastilla de guitarra más común utiliza el principio de inducción electromagnética directa . La señal generada por una guitarra eléctrica es demasiado débil para accionar un altavoz , por lo que se amplifica antes de enviarse a un altavoz. La salida de una guitarra eléctrica es una señal eléctrica, y la señal puede alterarse fácilmente mediante circuitos electrónicos para agregar "color" al sonido. A menudo, la señal se modifica utilizando efectos electrónicos como reverberación y distorsión . Inventada en 1931, la guitarra eléctrica se convirtió en una necesidad a medida que los guitarristas de jazz buscaban amplificar su sonido en el formato de big band .
El órgano Hammond es un órgano eléctrico , inventado por Laurens Hammond y John M. Hanert [57] y fabricado por primera vez en 1935. Se han producido varios modelos, la mayoría de los cuales utilizan barras de tiro deslizantes para crear una variedad de sonidos. Hasta 1975, los órganos Hammond generaban sonido creando una corriente eléctrica al girar una rueda fónica de metal cerca de una pastilla electromagnética. Se han fabricado alrededor de dos millones de órganos Hammond, y se ha descrito como uno de los órganos más exitosos. El órgano se usa comúnmente con, y asociado con, el altavoz Leslie . El órgano fue comercializado y vendido originalmente por la Hammond Organ Company a las iglesias como una alternativa de menor costo al órgano de tubos impulsado por viento , o en lugar de un piano . Rápidamente se hizo popular entre los directores de bandas de jazz profesionales , quienes descubrieron que el sonido que llenaba la sala de un órgano Hammond podía formar pequeñas bandas, como tríos de órgano , que eran menos costosos que pagar una gran banda completa .
El bajo eléctrico (o guitarra baja) fue inventado en la década de 1930, pero no tuvo éxito comercial ni se usó ampliamente hasta la década de 1950. Es un instrumento de cuerda que se toca principalmente con los dedos o el pulgar, punteando , golpeando, haciendo estallar, rasgueando, golpeando, o punteando con una púa , a menudo conocida como púa. El bajo es similar en apariencia y construcción a una guitarra eléctrica, pero con un mástil y una longitud de escala más largos , y de cuatro a seis cuerdas o cursos . El bajo eléctrico generalmente usa cuerdas de metal y una pastilla electromagnética que detecta las vibraciones de las cuerdas. Al igual que la guitarra eléctrica, el bajo se conecta a un amplificador y un altavoz para presentaciones en vivo.
La tecnología de música electrónica o digital es cualquier dispositivo, como una computadora , una unidad de efectos electrónicos o software , que utiliza un músico o compositor para ayudar a crear o interpretar música . [2] El término generalmente se refiere al uso de dispositivos electrónicos, hardware de computadora y software de computadora que se utilizan en la interpretación , composición , grabación y reproducción de sonido, mezcla , análisis y edición de música. La tecnología de música electrónica o digital está conectada tanto con la creatividad artística como tecnológica. Los músicos y los expertos en tecnología musical se esfuerzan constantemente por idear nuevas formas de expresión a través de la música, y están creando físicamente nuevos dispositivos y software para permitirles hacerlo. Aunque en la década de 2010, el término se usa más comúnmente en referencia a dispositivos electrónicos modernos y software de computadora como estaciones de trabajo de audio digital y software de grabación de sonido digital Pro Tools , las tecnologías musicales electrónicas y digitales tienen precursores en las tecnologías de música eléctrica de principios del siglo XX, como el órgano electromecánico Hammond , que se inventó en 1929. En la década de 2010, el rango ontológico de la tecnología musical ha aumentado enormemente, y ahora puede ser electrónica, digital, basada en software o incluso puramente conceptual.
Un sintetizador es un instrumento musical electrónico que genera señales eléctricas que se convierten en sonido a través de amplificadores de instrumentos y altavoces o auriculares . Los sintetizadores pueden imitar sonidos existentes (instrumentos, voces, sonidos naturales, etc.) o generar nuevos timbres o sonidos electrónicos que no existían antes. A menudo se tocan con un teclado musical electrónico , pero se pueden controlar a través de una variedad de otros dispositivos de entrada, incluidos secuenciadores musicales, controladores de instrumentos , diapasones, sintetizadores de guitarra , controladores de viento y baterías electrónicas . Los sintetizadores sin controladores incorporados a menudo se denominan módulos de sonido y se controlan mediante un dispositivo controlador.