Una película independiente , película independiente , película independiente o película independiente es un largometraje o cortometraje que se produce fuera del sistema de estudios cinematográficos principales , además de ser producido y distribuido por compañías de entretenimiento independientes (o, en algunos casos, distribuido por importantes compañías). Las películas independientes a veces se distinguen por su contenido y estilo y por cómo se realiza la visión artística de los realizadores. A veces, las películas independientes se hacen con presupuestos considerablemente más bajos que las películas de los grandes estudios. [1]
No es inusual que actores conocidos que participan en películas independientes acepten recortes salariales sustanciales por diversas razones: si realmente creen en el mensaje de la película, se sienten en deuda con un cineasta por una pausa en su carrera; De lo contrario, su carrera está estancada o se sienten incapaces de gestionar un compromiso más significativo con una película de estudio; la película ofrece la oportunidad de mostrar un talento que no ha ganado fuerza en el sistema de estudios; o simplemente porque quieren trabajar con un director en particular al que admiran. Muchos ejemplos de esto último incluyen a John Travolta y Bruce Willis que recibieron menos salario por trabajar con Quentin Tarantino en Pulp Fiction . [2]
Generalmente, el marketing de las películas independientes se caracteriza por un estreno limitado , a menudo en salas de cine independientes , pero también pueden tener importantes campañas de marketing y un estreno amplio . Las películas independientes a menudo se proyectan en festivales de cine locales, nacionales o internacionales antes de su distribución (estreno en cines o venta minorista). Una producción cinematográfica independiente puede rivalizar con una producción cinematográfica convencional si cuenta con la financiación y la distribución necesarias.
En 1908, se formó como fideicomiso la Motion Picture Patents Company o "Edison Trust" . El Trust era un cártel que tenía el monopolio de la producción y distribución cinematográfica y comprendía a las principales compañías cinematográficas de la época ( Edison , Biograph , Vitagraph , Essanay , Selig , Lubin , Kalem , American Star , American Pathé ), el principal distribuidor ( George Kleine ) y el mayor proveedor de películas en bruto, Eastman Kodak . Varios cineastas rechazaron o se les negó la membresía en el fideicomiso y llegaron a ser descritos como "independientes".
En el momento de la formación del MPPC, Thomas Edison poseía la mayoría de las principales patentes relacionadas con películas cinematográficas, incluida la de películas en bruto . El MPPC hizo cumplir enérgicamente sus patentes, entablando constantemente demandas y recibiendo medidas cautelares contra cineastas independientes. Debido a esto, varios cineastas respondieron construyendo sus propias cámaras y trasladando sus operaciones a Hollywood, California , donde la distancia desde la base de Edison en Nueva Jersey hizo más difícil para el MPPC hacer cumplir sus patentes. [3]
El Edison Trust pronto acabó con dos decisiones de la Corte Suprema de los Estados Unidos : una en 1912, que canceló la patente de la película en bruto, y una segunda en 1915, que canceló todas las patentes de MPPC. Aunque estas decisiones lograron legalizar el cine independiente, harían poco para remediar la prohibición de facto de las pequeñas producciones; Los cineastas independientes que habían huido al sur de California durante la vigencia del fideicomiso ya habían sentado las bases para el sistema de estudios del cine clásico de Hollywood .
A principios de 1910, el director DW Griffith fue enviado por Biograph Company a la costa oeste con su grupo de actores, formado por los artistas Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore y otros. Comenzaron a filmar en un terreno baldío cerca de Georgia Street en el centro de Los Ángeles . Mientras estaban allí, la compañía decidió explorar nuevos territorios, viajando varias millas al norte hasta Hollywood , un pequeño pueblo que era amigable y positivo acerca de la compañía cinematográfica que filmaba allí. Luego, Griffith filmó la primera película jamás rodada en Hollywood, In Old California , un melodrama de Biograph sobre California en el siglo XIX, mientras pertenecía a México. Griffith permaneció allí durante meses e hizo varias películas antes de regresar a Nueva York.
Durante la era Edison de principios del siglo XX, muchos inmigrantes judíos encontraron trabajo en la industria cinematográfica estadounidense. Bajo el Edison Trust, pudieron dejar su huella en un negocio completamente nuevo: la exhibición de películas en salas de cine llamadas nickelodeons . En unos pocos años, hombres ambiciosos como Samuel Goldwyn , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer y los hermanos Warner (Harry, Albert, Samuel y Jack) se pasaron al lado de producción del negocio. Después de enterarse del éxito de Biograph en Hollywood, en 1913 muchos de esos aspirantes a cineastas se dirigieron al oeste para evitar las tarifas impuestas por Edison. Pronto se convirtieron en los jefes de un nuevo tipo de empresa: el estudio de cine .
Al establecer un nuevo sistema de producción, distribución y exhibición independiente de The Edison Trust en Nueva York, estos estudios abrieron nuevos horizontes para el cine en Estados Unidos . El oligopolio de Hollywood reemplazó al monopolio de Edison. Dentro de este nuevo sistema, pronto se estableció un orden jerárquico que dejaba poco espacio para los recién llegados. A mediados de la década de 1930, en la cima estaban los cinco estudios principales, 20th Century Fox , Metro-Goldwyn-Mayer , Paramount Pictures , RKO Pictures y Warner Bros. Luego vinieron tres compañías más pequeñas, Columbia Pictures , United Artists y Universal Studios. . Finalmente estaba " Poverty Row ", un término general utilizado para abarcar cualquier otro estudio más pequeño que logró abrirse camino en el cada vez más exclusivo negocio cinematográfico.
Si bien los pequeños estudios que formaron Poverty Row podrían caracterizarse por existir "independientemente" de cualquier estudio importante, utilizaron el mismo tipo de sistemas de negocios integrados vertical y horizontalmente que los jugadores más grandes del juego. Aunque la eventual desintegración del sistema de estudios y su restrictiva red de distribución de cadenas de cines dejaría a las salas de cine independientes ansiosas por el tipo de producto populista y de gran capacidad de los estudios Poverty Row, ese mismo cambio de paradigma también conduciría al declive y a la definitiva desaparición de "Poverty Row" como fenómeno de Hollywood. Si bien los tipos de películas producidas por los estudios Poverty Row solo crecieron en popularidad, con el tiempo estarían cada vez más disponibles tanto en las principales productoras como en los productores independientes que ya no necesitaban depender de la capacidad de un estudio para empaquetar y publicar su trabajo.
Esta tabla enumera las empresas activas a finales de 1935 e ilustra las categorías comúnmente utilizadas para caracterizar el sistema de Hollywood.
El sistema de estudios rápidamente se volvió tan poderoso que algunos cineastas volvieron a buscar la independencia. El 24 de mayo de 1916, se formó Lincoln Motion Picture Company , el primer estudio cinematográfico propiedad y controlado por cineastas independientes. [4] En 1919, cuatro de las principales figuras del cine mudo estadounidense ( Mary Pickford , Charles Chaplin , Douglas Fairbanks y DW Griffith ) formaron United Artists. Cada uno tenía una participación del 20%, y el 20% restante estaba en manos del abogado William Gibbs McAdoo . [5] La idea de la empresa se originó con Fairbanks, Chaplin, Pickford y la estrella del vaquero William S. Hart un año antes mientras viajaban por los EE. UU. vendiendo bonos Liberty para ayudar en el esfuerzo de la Primera Guerra Mundial . Ya veteranos de Hollywood, las cuatro estrellas de cine comenzaron a hablar de formar su propia compañía para controlar mejor su propio trabajo y su futuro. Fueron estimulados por las acciones de productores y distribuidores establecidos de Hollywood, que estaban tomando medidas para reforzar su control sobre los salarios y las licencias creativas de sus estrellas. Con la incorporación de Griffith, comenzó la planificación, pero Hart se retiró antes de que las cosas se formalizaran. Cuando se enteró de su plan, Richard A. Rowland , director de Metro Pictures , observó: "Los reclusos se están apoderando del asilo".
Los cuatro socios, con el asesoramiento de McAdoo (yerno y exsecretario del Tesoro del entonces presidente Woodrow Wilson ), formaron su empresa de distribución, con Hiram Abrams como su primer director general. Los términos originales exigían que Pickford, Fairbanks, Griffith y Chaplin produjeran de forma independiente cinco películas cada año, pero cuando la compañía comenzó a funcionar en 1920-1921, los largometrajes se estaban volviendo más caros y más pulidos, y los tiempos de ejecución se habían estabilizado en alrededor de noventa minutos (u ocho carretes). Se creía que nadie, por muy popular que fuera, podía producir y protagonizar cinco largometrajes de calidad al año. En 1924, Griffith se había retirado y la empresa se enfrentaba a una crisis: o contratar a otros para ayudar a mantener un costoso sistema de distribución o admitir la derrota. El veterano productor Joseph Schenck fue contratado como presidente. No sólo había estado produciendo películas durante una década, sino que además tenía compromisos para películas protagonizadas por su esposa, Norma Talmadge , su cuñada, Constance Talmadge , y su cuñado, Buster Keaton . Se firmaron contratos con varios productores independientes, especialmente con Samuel Goldwyn , Howard Hughes y más tarde con Alexander Korda . Schenck también formó una sociedad separada con Pickford y Chaplin para comprar y construir teatros bajo el nombre de United Artists.
Aún así, incluso con una ampliación de la empresa, UA tuvo problemas. La llegada del sonido acabó con las carreras de Pickford y Fairbanks. Chaplin, lo suficientemente rico como para hacer lo que quisiera, trabajaba sólo ocasionalmente. Schenck renunció en 1933 para organizar una nueva compañía con Darryl F. Zanuck , Twentieth Century Pictures , que pronto añadió cuatro películas al año a la agenda de la UA. Fue sustituido como presidente por el director de ventas Al Lichtman , quien dimitió a los pocos meses. Pickford produjo algunas películas, y en varias ocasiones Goldwyn, Korda, Walt Disney , Walter Wanger y David O. Selznick fueron nombrados "socios productores" (es decir, compartiendo las ganancias), pero la propiedad aún recaía en los fundadores. A medida que pasaron los años y la dinámica del negocio cambió, estos "socios productores" se alejaron. Goldwyn y Disney se fueron a RKO , Wanger a Universal Pictures , Selznick y Korda se jubilaron . A finales de la década de 1940, United Artists prácticamente había dejado de existir como productor o distribuidor.
En 1941, Mary Pickford , Charles Chaplin , Walt Disney , Orson Welles , Samuel Goldwyn , David O. Selznick , Alexander Korda y Walter Wanger (muchas de las mismas personas que eran miembros de United Artists) fundaron la Sociedad de Productores Independientes de Películas. . Los miembros posteriores incluyeron a William Cagney , Sol Lesser y Hal Roach . La Sociedad tenía como objetivo preservar los derechos de los productores independientes en una industria abrumadoramente controlada por el sistema de estudios. SIMPP luchó para poner fin a las prácticas monopolísticas de los cinco principales estudios de Hollywood que controlaban la producción, distribución y exhibición de películas. En 1942, el SIMPP presentó una demanda antimonopolio contra los United Detroit Theatres de Paramount. La denuncia acusaba a Paramount de conspiración para controlar los cines de estreno y posteriores en Detroit. Fue la primera demanda antimonopolio presentada por productores contra expositores alegando monopolio y restricción del comercio. En 1948, la Corte Suprema de los Estados Unidos ordenó a los estudios cinematográficos de Hollywood vender sus cadenas de cines y eliminar ciertas prácticas anticompetitivas. Esto efectivamente puso fin al sistema de estudios de la Edad de Oro de Hollywood . Para 1958, muchas de las razones para la creación del SIMPP habían sido corregidas y el SIMPP cerró sus oficinas.
Los esfuerzos del SIMPP y la llegada de cámaras portátiles económicas durante la Segunda Guerra Mundial hicieron posible que cualquier persona en Estados Unidos interesada en hacer películas escribiera, produjera y dirigiera una sin la ayuda de ningún estudio cinematográfico importante . Estas circunstancias pronto dieron lugar a una serie de obras muy influyentes y aclamadas por la crítica, entre ellas Meshes of the Afternoon de Maya Deren en 1943, Fireworks de Kenneth Anger en 1947 y Little Fugitive de Morris Engel, Ruth Orkin y Ray Abrashkin en 1953. Cineastas como Ken Jacobs , con poca o ninguna formación formal, comenzó a experimentar con nuevas formas de hacer y filmar películas.
Little Fugitive se convirtió en la primera película independiente nominada al Premio de la Academia al Mejor Guión Original en los Premios de la Academia Estadounidenses . [6] También recibió el León de Plata en Venecia . Tanto las películas de Engel como las de Anger ganaron elogios de la floreciente Nueva Ola francesa en el extranjero , con Fireworks inspirando elogios y una invitación para estudiar con él en Europa por parte de Jean Cocteau , y François Truffaut citando a Little Fugitive como una inspiración esencial para su obra fundamental, Los 400 golpes. . A medida que avanzaba la década de 1950, el nuevo paradigma cinematográfico de bajo presupuesto ganó mayor reconocimiento internacional, con películas como la aclamada por la crítica [7] [8] [9] [10] Apu Trilogy (1955-1959) de Satyajit Ray .
A diferencia de las películas realizadas dentro del sistema de estudios, estas nuevas películas de bajo presupuesto podían permitirse el lujo de correr riesgos y explorar nuevos territorios artísticos fuera de la narrativa clásica de Hollywood. A Maya Deren pronto se le unió en Nueva York una multitud de cineastas de vanguardia con ideas afines que estaban interesados en crear películas como obras de arte más que como entretenimiento. Basado en la creencia común de que el "cine oficial" se estaba "quedando sin aliento" y se había vuelto "moralmente corrupto, estéticamente obsoleto, temáticamente superficial [y] temperamentalmente aburrido", [11] esta nueva generación de independientes formó The Film- Makers' Cooperative , una organización sin fines de lucro dirigida por artistas que utilizarían para distribuir sus películas a través de un archivo centralizado. Fundada en 1962 por Jonas Mekas , Stan Brakhage , Shirley Clarke , Gregory Markopoulos y otros, la Cooperativa proporcionó una salida importante para muchas de las luminarias creativas del cine de la década de 1960, incluidos Jack Smith y Andy Warhol . Cuando regresó a Estados Unidos, Ken Anger estrenaría allí muchas de sus obras más importantes. Mekas y Brakhage fundarían en 1970 el Anthology Film Archives , que también resultaría esencial para el desarrollo y la preservación del cine independiente, incluso hasta el día de hoy.
No todas las películas de bajo presupuesto existían como proyectos artísticos no comerciales. El éxito de películas como Little Fugitive , que se habían realizado con presupuestos bajos (o a veces inexistentes ), fomentó un enorme auge en la popularidad de las películas que no eran de estudio. La realización de películas de bajo presupuesto prometía retornos exponencialmente mayores (en términos de porcentajes) si la película lograba tener éxito en los cines. Durante este tiempo, el productor y director independiente Roger Corman comenzó un amplio trabajo que se volvería legendario por su frugalidad y su agotador calendario de rodaje. Hasta su llamado "retiro" como director en 1971 (siguió produciendo películas incluso después de esta fecha) producía hasta siete películas al año, igualando y a menudo superando el calendario de cinco por año que los ejecutivos de United Los artistas alguna vez pensaron que era imposible.
Como las de la vanguardia, las películas de Roger Corman aprovecharon el hecho de que, a diferencia del sistema de estudios, las películas independientes nunca habían estado sujetas a su código de producción autoimpuesto . El ejemplo de Corman (y el de otros como él) ayudaría a iniciar un auge de las películas independientes de serie B en los años 1960, cuyo principal objetivo era atraer al mercado juvenil con el que los grandes estudios habían perdido contacto. Al prometer sexo , violencia sin sentido , uso de drogas y desnudez , estas películas esperaban atraer al público a los cines independientes ofreciéndoles mostrarles lo que los grandes estudios no podían. Las películas de terror y ciencia ficción experimentaron un período de tremendo crecimiento durante este tiempo. A medida que estos pequeños productores, cines y distribuidores continuaron intentando debilitarse entre sí, la película shlock de grado B pronto cayó al nivel de la película Z , una categoría de nicho de películas con valores de producción tan bajos que se convirtieron en un espectáculo en su propia categoría. derecho propio. El público de culto que atrajeron estas imágenes pronto las convirtió en candidatas ideales para proyecciones de películas de medianoche que giraban en torno a la participación del público y el cosplay .
En 1968, un joven cineasta llamado George A. Romero sorprendió al público con La noche de los muertos vivientes , un nuevo tipo de película de terror independiente, intensa e implacable. Esta película se estrenó justo después del abandono del código de producción, pero antes de la adopción del sistema de clasificación MPAA . Como tal, fue la primera y última película de este tipo que disfrutó de una proyección completamente ilimitada, en la que los niños pequeños pudieron presenciar la nueva marca de sangre altamente realista de Romero. Esta película ayudaría a establecer el clima de terror independiente en las próximas décadas, ya que películas como La masacre de la motosierra de Texas (1974) y Holocausto caníbal (1980) continuaron superando los límites.
Con el código de producción abandonado y películas violentas e inquietantes como la de Romero ganando popularidad, Hollywood optó por aplacar al inquieto público cinéfilo con el sistema de clasificación MPAA, que impondría restricciones a la venta de entradas a los jóvenes. A diferencia del código de producción, este sistema de clasificación representaba una amenaza para las películas independientes en el sentido de que afectaría el número de entradas que podrían vender y reduciría la participación del cine grindhouse en el mercado juvenil. Este cambio ampliaría aún más la división entre películas comerciales y no comerciales.
Sin embargo, tener una audiencia cinematográfica clasificada es estrictamente voluntario para los independientes y no existe ningún impedimento legal para estrenar películas sin clasificación. Sin embargo, las películas no clasificadas enfrentan obstáculos en el marketing porque los medios de comunicación como canales de televisión, periódicos y sitios web a menudo imponen sus propias restricciones a las películas que no vienen con una clasificación nacional incorporada para evitar presentar películas a audiencias jóvenes inapropiadas. [12]
Tras la llegada de la televisión y el caso Paramount , los principales estudios intentaron atraer al público con el espectáculo. Los procesos de pantalla ancha y las mejoras técnicas, como Cinemascope , sonido estéreo , 3-D y otros, se desarrollaron en un intento de retener a la audiencia cada vez menor brindándoles una experiencia increíble. Los años cincuenta y principios de los sesenta vieron un Hollywood dominado por musicales, epopeyas históricas y otras películas que se beneficiaron de estos avances. Esto resultó comercialmente viable durante la mayor parte de la década de 1950. Sin embargo, a finales de la década de 1960, la cuota de audiencia estaba disminuyendo a un ritmo alarmante. Varios fracasos costosos, incluidos Cleopatra (1963) y ¡Hola, muñequita! (1969) ejerció una gran presión sobre los estudios. Mientras tanto, en 1951, los abogados convertidos en productores Arthur Krim y Robert Benjamin habían llegado a un acuerdo con los restantes accionistas de United Artists que les permitiría intentar revivir la empresa y, si el intento tenía éxito, comprarla después de cinco años. años.
El intento fue un éxito y en 1955 United Artists se convirtió en el primer "estudio" sin un estudio real. UA alquiló espacio en Pickford/Fairbanks Studio, pero no era propietaria de un estudio como tal. Debido a esto, muchas de sus películas se rodarían en exteriores. Actuando principalmente como banqueros, ofrecían dinero a productores independientes. Por lo tanto, UA no tenía los gastos generales, el mantenimiento ni el costoso personal de producción que encarecían los costos en otros estudios. UA salió a bolsa en 1956 y, a medida que los otros estudios principales cayeron en declive, UA prosperó, agregando relaciones con los hermanos Mirisch , Billy Wilder , Joseph E. Levine y otros.
A finales de la década de 1950, RKO había cesado la producción cinematográfica y los cuatro restantes de los cinco grandes reconocieron que no sabían cómo llegar al público juvenil. En un intento por captar esta audiencia, los estudios contrataron a una gran cantidad de cineastas jóvenes (muchos de los cuales fueron asesorados por Roger Corman ) y les permitieron hacer sus películas con relativamente poco control del estudio. Warner Brothers ofreció al productor novato Warren Beatty el 40% de los ingresos brutos de su película Bonnie and Clyde (1967) en lugar de una tarifa mínima. La película había recaudado más de 70 millones de dólares en todo el mundo en 1973. Estos éxitos iniciales allanaron el camino para que el estudio cediera el control casi total a la generación de la escuela de cine y comenzara lo que los medios de comunicación denominaron " Nuevo Hollywood ".
Dennis Hopper , el actor estadounidense, debutó como escritor y director con Easy Rider (1969). Junto con su productor, coprotagonista y coguionista Peter Fonda , Hopper fue responsable de una de las primeras películas completamente independientes del Nuevo Hollywood. Easy Rider debutó en Cannes y obtuvo el "Premio a la Primera Película" ( francés : Prix de la premiere oeuvre ), tras lo cual recibió dos nominaciones al Oscar, una al mejor guión original y otra por la destacada actuación del alumno de Corman, Jack Nicholson, en la película secundaria. papel de George Hanson, un abogado alcohólico de la Unión Estadounidense por las Libertades Civiles . [13] Siguiendo los pasos de Easy Rider poco después vino el revivido Midnight Cowboy de United Artists (también 1969), que, al igual que Easy Rider , tomó numerosas señales de Kenneth Anger y sus influencias en la Nueva Ola francesa. Se convirtió en la primera y única película con clasificación X en ganar el Premio de la Academia a la mejor película. Midnight Cowboy también tuvo la distinción de presentar cameos de muchas de las principales superestrellas de Warhol , que ya se habían convertido en símbolos del clima militante anti-Hollywood de la comunidad cinematográfica independiente de Nueva York.
Al cabo de un mes, otro joven aprendiz de Corman, Francis Ford Coppola , debutó en España en el Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián con The Rain People (1969), una película que había producido a través de su propia compañía, American Zoetrope . Aunque el público estadounidense pasó por alto en gran medida a The Rain People , Zoetrope se convertiría en una fuerza poderosa en el Nuevo Hollywood. A través de Zoetrope, Coppola firmó un acuerdo de distribución con el gigante de los estudios Warner Bros., que explotaría para lograr amplios estrenos de sus películas sin quedar sujeto a su control. Estas tres películas proporcionaron a los principales estudios de Hollywood un ejemplo a seguir y una nueva generación de talentos de la que aprovechar. El cofundador de Zoetrope, George Lucas, hizo su debut cinematográfico con THX 1138 (1971), también estrenada por Zoetrope a través de su acuerdo con Warner Bros., anunciándose como otro gran talento del Nuevo Hollywood. Al año siguiente, dos directores de New Hollywood se habían consolidado lo suficiente como para que a Coppola se le ofreciera la supervisión de El Padrino (1972) de Paramount y Lucas había obtenido financiación de estudio para American Graffiti (1973) de Universal. A mediados de la década de 1970, los principales estudios de Hollywood continuaron recurriendo a estos nuevos cineastas tanto en busca de ideas como de personal, produciendo películas como Paper Moon (1973) y Taxi Driver (1976), todas las cuales tuvieron éxito comercial y de crítica. Estos éxitos de los miembros de New Hollywood llevaron a cada uno de ellos, a su vez, a plantear exigencias cada vez más extravagantes, tanto al estudio como, finalmente, al público.
Si bien la mayoría de los miembros de la nueva generación de Hollywood fueron, o comenzaron como, cineastas independientes, varios de sus proyectos fueron producidos y estrenados por grandes estudios. La nueva generación de Hollywood pronto se afianzó firmemente en una encarnación revivida del sistema de estudios, que financiaba el desarrollo, la producción y la distribución de sus películas. Muy pocos de estos cineastas financiaron o estrenaron de forma independiente una película propia, o trabajaron en una producción financiada de forma independiente durante el apogeo de la influencia de la generación. Películas aparentemente independientes como Taxi Driver , The Last Picture Show y otras eran películas de estudio: los guiones se basaban en propuestas de estudio y posteriormente los pagaban los estudios, la financiación de la producción corría por parte del estudio y el marketing y la distribución de las películas eran responsabilidad de los estudios. diseñado y controlado por la agencia de publicidad del estudio. Aunque Coppola hizo esfuerzos considerables para resistir la influencia de los estudios, optando por financiar él mismo su arriesgada película de 1979, Apocalypse Now , en lugar de comprometerse con los ejecutivos escépticos del estudio, él y cineastas como él habían salvado a los viejos estudios de la ruina financiera proporcionándoles una nueva fórmula para el éxito.
De hecho, fue durante este período que la definición misma de película independiente se volvió borrosa. Aunque Midnight Cowboy fue financiada por United Artists, la compañía era ciertamente un estudio. Asimismo, Zoetrope era otro "estudio independiente" que trabajaba dentro del sistema para crear un espacio para directores independientes que necesitaban financiación. George Lucas dejaría Zoetrope en 1971 para crear su propio estudio independiente, Lucasfilm , que produciría las exitosas franquicias Star Wars e Indiana Jones . De hecho, las dos únicas películas del movimiento que pueden describirse como absolutamente independientes son Easy Rider, al principio, y They All Laughed , de Peter Bogdanovich , al final. Pyotr Bogdanovich recuperó los derechos del estudio sobre su película de 1980 y pagó su distribución de su propio bolsillo, convencido de que la película era mejor de lo que el estudio creía; finalmente quebró por esto.
En retrospectiva, se puede ver que Tiburón (1975) de Steven Spielberg y Star Wars (1977) de George Lucas marcaron el principio del fin del Nuevo Hollywood. Con sus éxitos de taquilla sin precedentes, estas películas impulsaron la mentalidad de éxito de Hollywood, dando a los estudios un nuevo paradigma sobre cómo ganar dinero en este panorama comercial cambiante. El enfoque en premisas de alto concepto , con mayor concentración en productos vinculados (como juguetes), productos derivados en otros medios (como bandas sonoras) y el uso de secuelas (que se habían hecho más respetables con El Padrino de Coppola) . Parte II ), todos mostraron a los estudios cómo ganar dinero en el nuevo entorno.
Al darse cuenta de cuánto dinero se podía ganar con el cine, las grandes corporaciones comenzaron a comprar los estudios de Hollywood restantes, salvándolos del olvido que cayó sobre RKO en los años 50. Con el tiempo, incluso RKO revivió; la mentalidad corporativa que estas compañías trajeron al negocio cinematográfico exprimiría lentamente a los más idiosincrásicos de estos jóvenes cineastas, al tiempo que acogería a los más maleables y comercialmente exitosos. [14]
El crítico de cine Manohla Dargis describió esta era como la "era feliz" del cine de la década que "fue menos revolución que lo de siempre, con exageraciones rebeldes". [15] También señaló en su artículo del New York Times que los entusiastas insistían en que esta era era "cuando las películas estadounidenses crecieron (o al menos estaban protagonizadas por actrices mal vestidas); cuando los directores hacían lo que querían (o al menos se transformaban en marcas); cuando los directores hacían lo que querían (o al menos se transformaban en marcas); cuando la creatividad mandaba (o al menos se volvía gloriosamente loca, aunque a menudo con el dinero del estudio)". [dieciséis]
Durante la década de 1970, se produjeron cambios en las representaciones temáticas de la sexualidad y la violencia en el cine estadounidense, destacando representaciones intensificadas de sexo y violencia realistas. Los directores que deseaban llegar al público general del viejo Hollywood aprendieron rápidamente a estilizar estos temas para hacer sus películas atractivas y atractivas en lugar de repulsivas u obscenas. Sin embargo, al mismo tiempo que los inconformistas estudiantes de cine de la Nueva Ola estadounidense estaban desarrollando las habilidades que usarían para apoderarse de Hollywood, muchos de sus compañeros habían comenzado a desarrollar su estilo de realización cinematográfica en una dirección diferente. Influenciado por directores extranjeros y artísticos como Ingmar Bergman y Federico Fellini , shockers de explotación (es decir, Joseph P. Mawra , Michael Findlay y Henri Pachard ) y cine de vanguardia ( Kenneth Anger , Maya Deren y Bruce Conner [17] [ 18] ) varios jóvenes cineastas comenzaron a experimentar con la transgresión no como un atractivo de taquilla, sino como un acto artístico . Directores como John Waters y David Lynch se harían un nombre a principios de la década de 1970 por las imágenes extrañas y a menudo inquietantes que caracterizaban sus películas.
Cuando el primer largometraje de Lynch, Eraserhead (1977), llamó la atención del productor Mel Brooks , pronto se encontró a cargo de la película de 5 millones de dólares The Elephant Man (1980) para Paramount. Aunque Eraserhead era estrictamente una película independiente y de bajo presupuesto, Lynch hizo la transición con una gracia sin precedentes. La película fue un gran éxito comercial y obtuvo ocho nominaciones al Premio de la Academia , incluidas las de Mejor Director y Mejor Guión Adaptado para Lynch. [19] También estableció su lugar como un director de Hollywood comercialmente viable, aunque algo oscuro y poco convencional. Al ver a Lynch como un compañero converso del estudio, George Lucas , fanático de Eraserhead y ahora el favorito de los estudios, le ofreció a Lynch la oportunidad de dirigir su próxima secuela de Star Wars , El regreso del Jedi (1983). Sin embargo, Lynch había visto lo que les había sucedido a Lucas y sus compañeros de armas después de su intento fallido de acabar con el sistema de estudio. Rechazó la oportunidad y afirmó que preferiría trabajar en sus propios proyectos. [20]
En cambio, Lynch optó por dirigir una adaptación de gran presupuesto de la novela de ciencia ficción Dune de Frank Herbert para De Laurentiis Entertainment Group del productor italiano Dino De Laurentiis , con la condición de que la compañía lanzara un segundo proyecto de Lynch, sobre el cual el director habría completado control creativo. Aunque De Laurentiis esperaba que fuera la próxima Star Wars , Dune (1984) de Lynch fue un fracaso comercial y de crítica, recaudando apenas 27,4 millones de dólares a nivel nacional frente a un presupuesto de 45 millones de dólares. De Laurentiis, furioso porque la película había sido un desastre comercial, se vio obligado a producir cualquier película que Lynch deseara. Ofreció a Lynch sólo 6 millones de dólares para minimizar el riesgo si la película no lograba recuperar sus costos; sin embargo, la película Blue Velvet (1986) fue un éxito rotundo, lo que le valió otro Premio de la Academia al Mejor Director . [21] Lynch posteriormente regresó al cine independiente y no trabajó con otro estudio importante durante más de una década.
A diferencia del primero, John Waters estrenó la mayoría de sus películas durante sus primeros años de vida a través de su propia productora, Dreamland Productions . A principios de los años 1980, New Line Cinema aceptó trabajar con él en Poliéster (1981). Durante la década de 1980, Waters se convertiría en un pilar del movimiento cinematográfico independiente con sede en Nueva York conocido como " Cine de la Transgresión ", un término acuñado por Nick Zedd en 1985 para describir un grupo informal de artistas neoyorquinos con ideas afines que utilizaban valor impactante y humor en sus películas y videoarte en Super 8 mm . Otros actores clave en este movimiento fueron Kembra Pfahler , Casandra Stark , Beth B , Tommy Turner, Richard Kern y Lydia Lunch . Reuniéndose en torno a instituciones como la Cooperativa de Cineastas y el Archivo de Cine de Antología, esta nueva generación de independientes se dedicó a desafiar al ahora establecido Nuevo Hollywood, proponiendo que "todas las escuelas de cine sean destruidas y nunca se hagan películas aburridas". de nuevo." [22]
En 1978, Sterling Van Wagenen y Charles Gary Allison , con el presidente Robert Redford (veterano de New Hollywood y estrella de Butch Cassidy and the Sundance Kid ) fundaron el Festival de Cine de Utah/EE.UU . en un esfuerzo por atraer más cineastas a Utah y mostrar lo que El potencial del cine independiente podría ser. En ese momento, el objetivo principal del evento era presentar una serie de películas retrospectivas y paneles de discusión de cineastas; sin embargo también incluyó un pequeño programa de nuevas películas independientes. El jurado del festival de 1978 estuvo encabezado por Gary Allison e incluyó a Verna Fields , Linwood Gale Dunn , Katherine Ross , Charles E. Sellier Jr. , Mark Rydell y Anthea Sylbert . En 1981, el mismo año en que United Artists, comprada por MGM tras el fracaso financiero de Heaven's Gate ( 1980) de Michael Cimino , [23] dejó de existir como sede para cineastas independientes, Sterling Van Wagenen abandonó el festival de cine para Ayudó a fundar el Instituto Sundance con Robert Redford. En 1985, el ya consolidado Instituto Sundance, dirigido por Sterling Van Wagenen, asumió la dirección del Festival de Cine de Estados Unidos, que atravesaba dificultades financieras. Gary Beer y Sterling Van Wagenen encabezaron la producción del Festival de Cine de Sundance inaugural, que incluyó al director de programa Tony Safford y a la directora administrativa Jenny Walz Selby.
En 1991, el festival pasó a llamarse oficialmente Festival de Cine de Sundance , en honor al famoso papel de Redford como The Sundance Kid . [24] A través de este festival se lanzó el movimiento Cine Independiente . Figuras tan notables como Kevin Smith , Robert Rodríguez , Quentin Tarantino , David O. Russell , Paul Thomas Anderson , Steven Soderbergh , James Wan , Hal Hartley , Joel y Ethan Coen y Jim Jarmusch obtuvieron resonantes elogios de la crítica y ventas de taquilla sin precedentes. La importancia del Festival de Cine de Sundance está documentada en el trabajo del profesor Emanuel Levy Cinema of Outsiders: The Rise of American Independent Film, (NYU Press, 1999; 2001).
En 2005, alrededor del 15% de los ingresos de taquilla nacional de Estados Unidos provinieron de estudios independientes. [25]
La década de 1990 vio el ascenso y el éxito de las películas independientes no sólo en el circuito de festivales de cine sino también en la taquilla, mientras que actores consagrados, como Bruce Willis , John Travolta y Tim Robbins , encontraron el éxito tanto en películas independientes como en los estudios de Hollywood. Película (s. [26] Teenage Mutant Ninja Turtles en 1990 de New Line Cinema recaudó más de $ 100 millones en los Estados Unidos, lo que la convierte en la película independiente más exitosa en la historia de la taquilla hasta ese momento. [27] Miramax Films tuvo una serie de éxitos con Sex, Lies, and Videotape , My Left Foot y Clerks , poniendo a Miramax y New Line Cinema en la mira de las grandes empresas que buscaban sacar provecho del éxito de los estudios independientes. En 1993, Disney compró Miramax por 60 millones de dólares. Turner Broadcasting , en un acuerdo de mil millones de dólares, adquirió New Line Cinema, Fine Line Features y Castle Rock Entertainment en 1994. Las adquisiciones demostraron ser un buen movimiento para Turner Broadcasting cuando New Line lanzó The Mask y Dumb & Dumber , Castle Rock. lanzó The Shawshank Redemption y Miramax lanzó Pulp Fiction , todos en 1994. [27]
Las adquisiciones de los estudios más pequeños por parte del conglomerado Hollywood fueron en parte un plan para hacerse cargo de la industria cinematográfica independiente y al mismo tiempo iniciar sus propios estudios "independientes". Los siguientes son todos estudios "independientes" propiedad del conglomerado Hollywood:
A principios de la década de 2000, Hollywood producía tres clases diferentes de películas: 1) éxitos de taquilla de gran presupuesto , 2) películas artísticas , películas especializadas y películas de nicho de mercado producidas por las "indies" propiedad del conglomerado y 3) películas de género y especialidades que venían de verdaderos estudios y productores independientes. La tercera categoría comprendía más de la mitad de las películas lanzadas en los Estados Unidos y su producción normalmente costaba entre 5 y 10 millones de dólares. [29]
Hollywood estaba produciendo estas tres clases diferentes de largometrajes por medio de tres tipos diferentes de productores. Los productos superiores eran los grandes éxitos de taquilla de bajo presupuesto y los vehículos estrella de alto costo comercializados por los seis principales estudios productores-distribuidores. Los presupuestos de las películas de los principales estudios ascendieron a un promedio de 100 millones de dólares, de los cuales aproximadamente un tercio se gastó en marketing debido a las grandes campañas de estreno. Otra clase de largometrajes de Hollywood incluía películas artísticas, películas especializadas y otras películas de nicho de mercado controladas por las filiales independientes de los conglomerados. Los presupuestos de estas películas independientes promediaban 40 millones de dólares por estreno a principios de la década de 2000, y se gastaban entre 10 y 15 millones de dólares en marketing (MPA, 2006:12). La última clase de películas consistía en películas de género y especializadas cuyas campañas de estreno eran administradas por productores-distribuidores independientes con sólo unas pocas docenas o posiblemente unos cientos de pantallas en mercados urbanos selectos. Películas como estas normalmente cuestan menos de 10 millones de dólares, pero frecuentemente menos de 5 millones de dólares, con pequeños presupuestos de marketing que aumentan cuando una película en particular se presenta. [30]
La industria del cine independiente existe a nivel mundial. Muchos de los festivales de cine más prestigiosos se celebran en varias ciudades del mundo. [31] El Festival Internacional de Cine de Berlín atrae a más de 130 países, lo que lo convierte en el festival de cine más grande del mundo. [32] Otros eventos importantes incluyen el Festival Internacional de Cine de Toronto , el Festival Internacional de Cine de Hong Kong y el Festival Panafricano de Cine y Televisión de Uagadugú . [31]
La Unión Europea , concretamente a través de la Iniciativa Europea de Cine y VOD (ECVI), ha establecido programas que intentan adaptar la industria cinematográfica a una creciente demanda digital de servicios de cine en vídeo bajo demanda, fuera de las proyecciones teatrales. Con este programa, la oferta VOD se combina con la proyección de películas tradicionales. [33] También hay un mayor impulso por parte de los gobiernos nacionales de la UE para financiar todos los aspectos de las artes, incluido el cine. [34] La Comisión Europea para la Cultura tiene un sector audiovisual, por ejemplo, cuyo papel es principalmente ayudar a distribuir y promover películas y festivales en toda Europa. Además, la Comisión organiza la formulación de políticas, la investigación y la presentación de informes sobre "alfabetización mediática" y "distribución digital". [34]
Al igual que con otros medios, la disponibilidad de nuevas tecnologías ha impulsado la democratización del cine y el crecimiento del cine independiente. A finales de los años cuarenta y cincuenta, nuevas cámaras portátiles económicas facilitaron a los cineastas independientes la producción de contenidos sin el respaldo de un estudio. La aparición de las videocámaras en los años ochenta amplió el grupo de cineastas que experimentaban con la nueva tecnología disponible. Más recientemente, el cambio de las películas a las cámaras digitales, la edición no lineal de bajo costo y el paso a la distribución a través de Internet han llevado a que más personas puedan hacer y exhibir sus propias películas, incluidos jóvenes e individuos de comunidades marginadas. Estas personas pueden tener poca o ninguna formación técnica o académica formal, sino que son cineastas autodidactas que utilizan fuentes en línea para aprender el oficio. Los aspirantes a cineastas pueden variar desde aquellos que simplemente tienen acceso a un teléfono inteligente o una cámara digital, hasta aquellos que escriben guiones "especificados" (para presentarlos a los estudios), establecen contactos activamente y utilizan el crowdsourcing y otros tipos de financiación para producir sus películas de forma profesional. A menudo, los aspirantes a cineastas tienen otros trabajos diarios para mantenerse económicamente mientras presentan sus guiones e ideas a productoras cinematográficas independientes, agentes de talentos e inversores adinerados. Este reciente renacimiento impulsado por la tecnología ha ayudado a impulsar otras industrias de apoyo, como el segmento de cámaras "prosumidores" y las escuelas de cine para aquellos que son menos autodidactas. Los programas de cine en universidades como NYU en Nueva York y USC en Los Ángeles se han beneficiado de este crecimiento transitorio. [35]
El aspecto económico del cine también es un obstáculo menor que antes, porque ya no se necesita el respaldo de un estudio importante para acceder a la financiación cinematográfica necesaria. Los servicios de financiación colectiva como Kickstarter , Pozible y Tubestart han ayudado a personas a recaudar miles de dólares; suficiente para financiar sus propias producciones de bajo presupuesto. [36] Como resultado de la caída del costo de la tecnología para hacer, editar y distribuir películas digitalmente, la realización de películas es más accesible que nunca.
Los largometrajes suelen proyectarse en festivales de cine como el Festival de Cine de Sundance, el Festival de Cine de Slamdance, el Festival South by Southwest , el Festival de Cine Raindance, el Festival de Cine de Telluride y el Festival de Cine de Palm Springs. [37] Los ganadores de premios de estas exhibiciones tienen más probabilidades de ser elegidos para su distribución por los principales distribuidores de películas. Los festivales de cine y proyecciones como estas son sólo una de las opciones en las que se pueden producir/estrenar películas de forma independiente.
El desarrollo del cine independiente en los años 1990 y el siglo XXI ha sido estimulado por una serie de innovaciones técnicas, incluido el desarrollo de cámaras cinematográficas digitales asequibles que pueden superar la calidad de la película y software de edición por computadora fácil de usar. Hasta que estuvieron disponibles las alternativas digitales, el costo del equipo y el material cinematográfico profesional fue un obstáculo importante para los cineastas independientes que querían hacer sus propias películas. Películas exitosas como Blair Witch Project (que recaudó más de 248,6 millones de dólares con solo gastar 60.000 dólares) han surgido de esta nueva accesibilidad a las herramientas cinematográficas. En 2002, el coste de las películas de 35 mm aumentó un 23%, según Variety . [38] La llegada de las videocámaras de consumo en 1985 y, lo que es más importante, la llegada del vídeo digital a principios de los años 1990, redujeron la barrera tecnológica para la producción cinematográfica. La computadora personal y el sistema de edición no lineal han eliminado el uso de soportes de edición como el KEM, reduciendo drásticamente los costos de postproducción, mientras que tecnologías como DVD , Blu-ray Disc y servicios de video en línea han simplificado la distribución; Los servicios de transmisión de video han hecho posible distribuir una versión digital de una película a un país entero o incluso al mundo, sin involucrar el envío o almacenamiento de DVD físicos o carretes de película. La tecnología 3-D está disponible para cineastas independientes de bajo presupuesto. En la segunda década del siglo XXI, las cámaras de alta calidad de los teléfonos móviles permitieron a la gente hacer, editar y distribuir películas en un único dispositivo económico.
Uno de los ejemplos de este nuevo enfoque independiente de la realización cinematográfica es el documental Genghis Blues , nominado al Oscar en 1999 , que fue filmado por los hermanos Belic con dos videocámaras Hi8 y ganó el Premio del Público del Festival de Cine de Sundance de ese año por un documental. [39] En ese momento, la distribución todavía se basaba en películas, por lo que la película tuvo que ser "filmada" desde el formato de video digital entrelazado a una película que se ejecuta a la velocidad tradicional de 24 fotogramas por segundo, por lo que los artefactos entrelazados son perceptibles a veces. En 2004, Panasonic lanzó la videocámara DVX100, que presentaba una velocidad de disparo de 24 cuadros por segundo similar a la de una película. Esto dio a los cineastas independientes la posibilidad de grabar vídeo a una velocidad de fotogramas considerada estándar para las películas en ese momento [40] y abrió la posibilidad de una conversión limpia de fotograma digital a fotograma de película. Con esta cámara se rodaron varias películas aclamadas, por ejemplo Iraq in Fragments . [41] Los dispositivos más recientes permiten "filmar" a velocidades de cuadro muy altas para facilitar la distribución en varias velocidades de cuadro sin artefactos.
Aunque las nuevas cámaras de cine como Arri Alexa , RED Epic y muchas DSLR nuevas cuestan miles de dólares, las películas independientes siguen siendo más baratas que nunca y crean imágenes que parecen películas de 35 mm sin el mismo alto costo. Estas cámaras también funcionan mejor que las películas tradicionales debido a su capacidad para funcionar en situaciones extremadamente oscuras o con poca luz en relación con la película. En 2008, Nikon lanzó la primera cámara DSLR que también podía grabar vídeos, la Nikon D90 . Con un sensor más grande que el de una videocámara tradicional, estas DSLR permiten un mayor control sobre la profundidad de campo, excelentes capacidades con poca luz y una gran variedad de lentes intercambiables, incluidas lentes de cámaras de película antiguas, cosas que los cineastas independientes han estado anhelando. durante años. Con la creación de nuevas cámaras de cine, ligeras y accesibles, los documentales también se han beneficiado enormemente. Antes era imposible capturar la extrema naturaleza salvaje de la madre naturaleza debido a la falta de maniobrabilidad de las cámaras de película; sin embargo, con la creación de las DSLR, los realizadores de documentales pudieron llegar a lugares de difícil acceso para capturar lo que no podían lograr con las cámaras de cine. [42] Incluso se han colocado cámaras en animales para permitirles ayudar a filmar escenas nunca antes vistas.
Las nuevas tecnologías también han permitido el desarrollo de nuevas técnicas cinematográficas con origen en películas independientes, como el desarrollo del objetivo zoom a principios del siglo XX. El uso de la (controvertida) toma manual que se hizo popular en la innovadora The Blair Witch Project también dio lugar a un subgénero completamente nuevo: la película de metraje encontrado .
El cine independiente también se ha beneficiado del nuevo software de edición. En lugar de necesitar una posta para realizar la edición, los cineastas independientes utilizan una computadora personal o incluso simplemente un teléfono celular con software de edición para editar sus películas. El software de edición disponible incluye Avid Media Composer , Adobe Premiere Pro , Final Cut Pro , (software de gradación de color) DaVinci Resolve y muchos más . También hay muchos tutoriales y cursos gratuitos disponibles en línea para enseñar diferentes habilidades de posproducción necesarias para utilizar estos programas. Estas nuevas tecnologías permiten a los cineastas independientes crear películas comparables a películas de alto presupuesto. Las imágenes generadas por computadora (CGI) también se han vuelto más accesibles, pasando de ser un proceso altamente especializado realizado por empresas de posproducción a una tarea que pueden realizar artistas independientes.
Francis Ford Coppola , durante mucho tiempo defensor de las nuevas tecnologías como la edición no lineal y las cámaras digitales , dijo en 2007 que "el cine está escapando al control del financista, y eso es algo maravilloso. No hay que ir de sombrero en entregarle la mano a algún distribuidor de películas y decirle: 'Por favor, ¿me dejarías hacer una película?'" [43]
Hoy en día, los teléfonos con cámara de píxeles altos se utilizan ampliamente también para la cinematografía cinematográfica convencional. New Love Meetings , una película documental filmada con Nokia N90 , dirigida por Barbara Seghezzi y Marcello Mencarini en 2005 desde Italia , Why Didn't Anybody Tell Me It Would Become This Bad in Afganistán , una película de docuficción filmada con Samsung , dirigida por Cyrus Frisch en 2007 desde Países Bajos , SMS Sugar Man , una película narrativa filmada con Sony Ericsson W900i , dirigida por Aryan Kaganof en 2008 desde Sudáfrica , Veenavaadanam una película documental filmada con Nokia N70 , dirigida por Sathish Kalathil en 2008 desde India , Jalachhayam una película narrativa Filmadas con un Nokia N95 y dirigidas por Sathish Kalathil en 2010 desde la India , son los primeros trabajos experimentales conocidos con teléfonos con cámara de primera generación .
Hooked Up , To Jennifer , Tangerine , 9 Rides , Unsane , High Flying Bird , Ghost , Pondicherry I WeirDo , Banger son algunos ejemplos filmados con iPhones .
La distancia entre Los Ángeles y Nueva York también resultó reconfortante para los productores de cine independientes, ya que les facilitó evitar ser acosados o demandados por Motion Picture Patents Company, también conocida como The Trust, que Thomas Edison ayudó a crear en 1909.
