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El arte católico es arte producido por o para miembros de la Iglesia Católica . Esto incluye artes visuales ( iconografía ), escultura , artes decorativas , artes aplicadas y arquitectura . En un sentido más amplio, también se pueden incluir la música católica y otras artes. Las expresiones de arte pueden o no intentar ilustrar, complementar y retratar de forma tangible la enseñanza católica. El arte católico ha desempeñado un papel destacado en la historia y el desarrollo del arte occidental desde al menos el siglo IV. El tema principal del arte católico ha sido la vida y la época de Jesucristo , junto con las personas asociadas con él, incluidos sus discípulos , los santos y motivos de la Biblia católica .
Las obras de arte más antiguas que se conservan son los frescos pintados en las paredes de las catacumbas y casas de reunión de los cristianos perseguidos del Imperio Romano . La Iglesia en Roma fue influenciada por el arte romano y los artistas religiosos de la época. Los sarcófagos de piedra de los cristianos romanos exhiben las estatuas talladas más antiguas que se conservan de Jesús, María y otras figuras bíblicas. La legalización del cristianismo con el Edicto de Milán (313) transformó el arte católico, que adoptó formas más ricas como mosaicos y manuscritos iluminados . La controversia iconoclasta dividió brevemente a la Iglesia occidental y a la Iglesia oriental , después de lo cual el desarrollo artístico avanzó en direcciones separadas. El arte románico y gótico floreció en la Iglesia occidental a medida que el estilo de la pintura y las estatuas avanzaba en una dirección cada vez más naturalista.
The Protestant Reformation in the 16th century produced new waves of image-destruction, to which the Catholic Church responded with the dramatic, elaborate emotive Baroque and Rococo styles to emphasise beauty as a transcendental. In the 19th century the leadership in Western art moved away from the Catholic Church which, after embracing historical revivalism, was increasingly affected by the modernist movement, a movement that in its "rebellion" against nature counters the church's emphasis on nature as a good creation of God.
Christian art is nearly as old as Christianity itself. The oldest Christian sculptures are from Roman sarcophagi, dating to the beginning of the 2nd century. As a persecuted sect, however, the earliest Christian images were arcane and meant to be intelligible only to the initiated. Early Christian symbols include the dove, the fish, the lamb, the cross, symbolic representation of the Four Evangelists as beasts, and the Good Shepherd. Early Christians also adapted Roman decorative motifs like the peacock, grapevines, and the good shepherd. It is in the Catacombs of Rome that recognizable representations of Christian figures first appear in number. The recently excavated Dura-Europos house church on the borders of Syria dates from around 265 AD and holds many images from the persecution period. The surviving frescoes of the baptistry room are among the most ancient Christian paintings. We can see the "Good Shepherd", the "Healing of the paralytic" and "Christ and Peter walking on the water". A much larger fresco depicts the two Marys visiting Christ's tomb.[2]
En el siglo IV, el Edicto de Milán permitió el culto cristiano público y condujo al desarrollo de un arte cristiano monumental. Los cristianos pudieron construir edificios para el culto más grandes y hermosos que los lugares de reunión furtivos que habían estado utilizando. Las fórmulas arquitectónicas existentes para los templos eran inadecuadas porque los sacrificios paganos se realizaban al aire libre, a la vista de los dioses, con el templo, que albergaba las figuras del culto y el tesoro, como telón de fondo. Como modelo arquitectónico para las grandes iglesias, los cristianos eligieron la basílica , el edificio público romano utilizado para la justicia y la administración. Estas iglesias-basílicas tenían una nave central con una o más naves a cada lado y un ábside redondeado en un extremo: sobre esta plataforma elevada se sentaban el obispo y los sacerdotes , y también el altar . Aunque parece que los primeros altares se construyeron con madera (como es el caso de la iglesia de Dura-Europos), los altares de este período se construyeron con piedra y comenzaron a tener un diseño más rico. Ahora se podrían utilizar materiales más ricos para el arte, como los mosaicos que decoran Santa María la Mayor en Roma y las basílicas de Rávena del siglo V , donde comienzan a desarrollarse secuencias narrativas.
Gran parte del arte cristiano tomó prestado de la imaginería imperial, incluido Cristo en Majestad y el uso del halo como símbolo de santidad. El arte cristiano de la Antigüedad tardía reemplazó el naturalismo helenístico clásico por una estética más abstracta. El objetivo principal de este nuevo estilo era transmitir un significado religioso en lugar de representar con precisión objetos y personas. Se ignoraron la perspectiva realista, las proporciones, la luz y el color en favor de la simplificación geométrica, la perspectiva inversa y las convenciones estandarizadas para representar individuos y eventos. Los iconos de Cristo, María y los santos, las tallas de marfil [3] y los manuscritos iluminados se convirtieron en medios importantes, incluso más importantes en términos de comprensión moderna, ya que casi todas las pocas obras supervivientes, aparte de los edificios, de la época consisten en estos objetos portátiles.
La dedicación de Constantinopla como capital en el año 330 d. C. creó un gran nuevo centro artístico cristiano para el Imperio Romano de Oriente , que pronto se convirtió en una unidad política separada. Las principales iglesias constantenopolitanas construidas bajo el emperador Constantino y su hijo, Constancio II , incluían los cimientos originales de Santa Sofía y la Iglesia de los Santos Apóstoles . [4] A medida que el Imperio Romano Occidental se desintegró y fue tomado por pueblos "bárbaros", el arte del Imperio Bizantino alcanzó niveles de sofisticación, poder y arte nunca antes vistos en el arte cristiano, y estableció los estándares para aquellas partes de Occidente. todavía en contacto con Constantinopla.
Este logro fue frenado por la controversia sobre el uso de imágenes talladas y la interpretación adecuada del Segundo Mandamiento, que condujo a la crisis de iconoclasia o destrucción de imágenes religiosas, que sacudió al Imperio entre 726 y 843. La restauración del iconodulismo ortodoxo resultó en una estricta estandarización de la imaginería religiosa dentro de la Iglesia Ortodoxa Oriental . El arte bizantino se volvió cada vez más conservador, a medida que se consideraba que la forma de las imágenes mismas, a muchas de las cuales se les atribuía un origen divino o se pensaba que habían sido pintadas por San Lucas u otras figuras, tenía un estatus no muy lejano al de un texto bíblico. Podrían copiarse, pero no mejorarse. Como concesión al sentimiento iconoclasta, la escultura religiosa monumental fue efectivamente prohibida. Ninguna de estas actitudes se mantuvo en Europa occidental, pero el arte bizantino tuvo, no obstante, gran influencia allí hasta la Alta Edad Media , y siguió siendo muy popular mucho después, con un gran número de iconos de la escuela cretense exportados a Europa hasta el Renacimiento . Siempre que fue posible, se tomaron prestados artistas bizantinos para proyectos como mosaicos en Venecia y Palermo . Los enigmáticos frescos de Castelseprio pueden ser un ejemplo de obra de un artista griego que trabaja en Italia.
El arte del catolicismo oriental siempre ha estado bastante más cerca del arte ortodoxo de Grecia y Rusia y en países cercanos al mundo ortodoxo, especialmente Polonia , el arte católico tiene muchas influencias ortodoxas. Es posible que la Virgen Negra de Częstochowa fuera de origen bizantino; ha sido repintada y es difícil saberlo. Otras imágenes ciertamente de origen griego, como la Salus Populi Romani y Nuestra Señora del Perpetuo Socorro , ambos iconos en Roma, han sido objeto de específica veneración durante siglos.
Aunque a menudo se ha resistido a esta influencia, especialmente en Rusia, el arte católico también ha afectado a las representaciones ortodoxas en muchos aspectos, especialmente en países como Rumania y en la escuela cretense posbizantina , que lideró el arte ortodoxo griego bajo el dominio veneciano en los siglos XV y XIX. Siglos XVI. El Greco abandonó Creta cuando era relativamente joven, pero Michael Damaskinos regresó después de un breve período en Venecia y pudo alternar entre los estilos italiano y griego. Incluso el tradicionalista Teófanes el Cretense , que trabajó principalmente en el Monte Athos , muestra sin embargo una inconfundible influencia occidental.
La posición teológica católica sobre las imágenes sagradas ha seguido siendo efectivamente idéntica a la expuesta en los Libri Carolini , aunque esta, la expresión medieval más completa de las opiniones occidentales sobre las imágenes, era de hecho desconocida durante la Edad Media. Fue preparado alrededor del año 790 para Carlomagno después de que una mala traducción hiciera creer a su corte que el Segundo Concilio bizantino de Nicea había aprobado el culto a las imágenes, lo que en realidad no era el caso. La contraexplosión católica estableció un camino intermedio entre las posiciones extremas de la iconoclasia bizantina y los iconódulos , aprobando la veneración de las imágenes por lo que representaban, pero no aceptando lo que se convirtió en la posición ortodoxa, que las imágenes participaban en cierto grado de la naturaleza de la cosa. representaban (una creencia que más tarde resurgiría en Occidente con el neoplatonismo renacentista ).
Para la iglesia occidental, las imágenes eran sólo objetos hechos por artesanos, destinados a estimular los sentidos de los fieles y a ser respetados por el bien del tema representado, no en sí mismos. Aunque en la práctica devocional popular a menudo ha estado presente una tendencia a ir más allá de estos límites, la iglesia era, antes del advenimiento de la idea de coleccionar arte antiguo, por lo general brutal al deshacerse de las imágenes que ya no eran necesarias, para gran pesar de los historiadores del arte. La escultura más monumental del primer milenio que ha sobrevivido fue desmenuzada y reutilizada como escombros en la reconstrucción de iglesias.
En cuestiones prácticas relacionadas con el uso de imágenes, a diferencia de su lugar teórico en la teología, los Libri Carolini estaban en el extremo antiicónico del espectro de puntos de vista católicos, desaprobando, por ejemplo, el encendido de velas antes de las imágenes. Tales puntos de vista fueron expresados a menudo por líderes de iglesias individuales, como el famoso ejemplo de San Bernardo de Claraval , aunque muchos otros se inclinaron por el otro lado y alentaron y encargaron arte para sus iglesias. De hecho, Bernardo sólo se oponía a las imágenes decorativas en los monasterios que no fueran específicamente religiosas, y predicadores populares como San Bernardino de Siena y Savonarola apuntaban regularmente a imágenes seculares propiedad de los laicos.
Si bien la estructura política del Imperio Romano Occidental colapsó después de la caída de Roma, la Iglesia continuó financiando el arte donde pudo. Las obras más numerosas que se conservan del período temprano son manuscritos iluminados, en esta fecha presumiblemente todos creados por el clero, que a menudo incluía a abades y otras figuras importantes. El híbrido monástico entre estilos decorativos "bárbaros" y el libro en el arte insular de las Islas Británicas del siglo VII iba a tener una enorme influencia en el arte europeo durante el resto de la Edad Media , proporcionando una vía alternativa al clasicismo, transmitido al continente por la misión hiberno-escocesa . En este período, el libro del Evangelio , con el arte figurativo confinado principalmente a retratos de evangelistas , solía ser el tipo de libro más profusamente decorado; el Libro de Kells es el ejemplo más famoso.
El emperador Carlomagno del siglo IX se propuso crear obras de arte apropiadas al estatus de su Imperio revivido. El arte carolingio y otoniano se limitó en gran medida al círculo de la corte imperial y a diferentes centros monásticos, cada uno de los cuales tenía su propio estilo artístico distintivo. Los artistas carolingios intentaron conscientemente emular los ejemplos de arte bizantino y de la Antigüedad tardía que tenían a su disposición, copiando manuscritos como la Cronografía de 354 y produciendo obras como el Salterio de Utrecht , que todavía divide a los historiadores del arte en cuanto a si se trata de una copia de un arte mucho más antiguo. manuscrito anterior o una creación carolingia original. Este, a su vez, fue copiado tres veces en Inglaterra, la última en estilo gótico temprano.
Las tallas de marfil, a menudo utilizadas para portadas de libros, se inspiraron en los dípticos de la Antigüedad tardía . Por ejemplo, la portada y la contraportada de los Evangelios de Lorsch representan un triunfo imperial del siglo VI, adaptado al triunfo de Cristo y la Virgen. Pero también retomaron la tradición insular, especialmente en los detalles decorativos, mejorándola mucho en cuanto a la representación de la figura humana. En abadías y conventos de toda Europa occidental se produjeron copias de las Escrituras o libros litúrgicos ilustrados en vitela y adornados con metales preciosos. Una obra como el Codex Aureus de Estocolmo ("Libro de Oro") podría estar escrita en pan de oro sobre vitela púrpura , imitando los manuscritos imperiales romanos y bizantinos. [5] El arte anglosajón era a menudo más libre, hacía más uso de dibujos lineales animados, y había otras tradiciones distintas, como el grupo de extraordinarios manuscritos mozárabes de España, incluido el Beato de Saint-Sever , y los de Girona y el Biblioteca Morgan .
Carlomagno tenía un crucifijo de tamaño natural con la figura de Cristo en metales preciosos en su Capilla Palatina de Aquisgrán , y muchos de esos objetos, ahora desaparecidos, están registrados en grandes iglesias anglosajonas y en otros lugares. La Virgen Dorada de Essen y algunas figuras relicarias más pequeñas son ahora todo lo que queda de esta espectacular tradición, completamente fuera de las normas bizantinas. Al igual que la figura de Essen, es de suponer que todas ellas estaban hechas de finas láminas de oro o plata sostenidas por un núcleo de madera.
El arte románico , precedido durante mucho tiempo por el prerrománico , se desarrolló en Europa occidental aproximadamente desde el año 1000 d.C. hasta el surgimiento del estilo gótico. La construcción de iglesias se caracterizó por un aumento en altura y tamaño total. Los techos abovedados estaban sostenidos por gruesos muros de piedra, enormes pilares y arcos de medio punto. Los interiores oscuros estaban iluminados por frescos de Jesús, María y los santos, a menudo basados en modelos bizantinos.
Tallas en piedra adornaban el exterior y el interior, en particular el tímpano sobre la entrada principal, que a menudo presentaba un Cristo en Majestad o en el Juicio, y el gran crucifijo de madera fue una innovación alemana desde el comienzo del período. Los capiteles de las columnas también estaban a menudo tallados con escenas figurativas. El conjunto de iglesias grandes y bien conservadas de Colonia , entonces la ciudad más grande al norte de los Alpes, y Segovia en España, se encuentran hoy entre los mejores lugares para apreciar el impacto de las nuevas iglesias más grandes en el paisaje de la ciudad, pero muchos edificios individuales existen, desde las catedrales de Durham , Ely y Tournai hasta un gran número de iglesias individuales, especialmente en el sur de Francia e Italia. En zonas más prósperas, muchas iglesias románicas sobreviven cubiertas por una renovación barroca, mucho más fácil de hacer con ellas que con una iglesia gótica.
Pocas de las grandes pinturas murales que originalmente cubrían la mayoría de las iglesias han sobrevivido en buenas condiciones. El Juicio Final normalmente se representaba en el muro occidental, con un Cristo en Majestad en la semicúpula del ábside. Se desarrollaron extensos ciclos narrativos de la Vida de Cristo , y la Biblia, con el Salterio , se convirtió en el típico foco de iluminación, con mucho uso de iniciales historiadas . El trabajo en metal, incluida la decoración en esmalte , se volvió muy sofisticado y han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para albergar reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia , obra de Nicolás de Verdún y otros (ca. 1180-1225).
El arte gótico surgió en Francia a mediados del siglo XII. La basílica de Saint-Denis construida por el abad Suger fue el primer edificio importante de estilo gótico. Las nuevas órdenes monásticas , especialmente los cistercienses y los cartujos , fueron importantes constructores que desarrollaron estilos distintivos que difundieron por toda Europa. Los frailes franciscanos construyeron iglesias urbanas funcionales con enormes naves abiertas para predicar a grandes congregaciones. Sin embargo, las variaciones regionales siguieron siendo importantes, incluso cuando, a finales del siglo XIV, había evolucionado un estilo universal coherente conocido como Gótico Internacional , que continuó hasta finales del siglo XV y más allá en muchas áreas. Los principales medios del arte gótico fueron la escultura, la pintura sobre paneles , las vidrieras , los frescos y el manuscrito iluminado , aunque la imaginería religiosa también se expresó en orfebrería, tapices y vestimentas bordadas. Las innovaciones arquitectónicas del arco apuntado y el contrafuerte permitieron iglesias más altas y ligeras con grandes áreas de ventanas acristaladas. El arte gótico aprovechó al máximo este nuevo entorno, contando una historia narrativa a través de imágenes, esculturas, vidrieras y una arquitectura altísima. La catedral de Chartres es un excelente ejemplo de esto.
El arte gótico era a menudo de naturaleza tipológica , reflejando la creencia de que los acontecimientos del Antiguo Testamento prefiguraban los del Nuevo, y que ese era, de hecho, su significado principal. Escenas del Antiguo y Nuevo Testamento se mostraron una al lado de la otra en obras como el Speculum Humanae Salvationis y la decoración de iglesias. El período gótico coincidió con un gran resurgimiento de la devoción mariana , en el que las artes visuales jugaron un papel importante. Las imágenes de la Virgen María se desarrollaron desde los tipos hieráticos bizantinos, pasando por la Coronación de la Virgen , hasta tipos más humanos e íntimos, y los ciclos de la Vida de la Virgen fueron muy populares. Artistas como Giotto , Fra Angelico y Pietro Lorenzetti en Italia, y la pintura holandesa temprana , aportaron realismo y una humanidad más natural al arte. Los artistas occidentales y sus mecenas se volvieron mucho más confiados en la iconografía innovadora y se ve mucha más originalidad, aunque la mayoría de los artistas todavía utilizaban fórmulas copiadas. El libro de horas se desarrolló principalmente para el usuario lego que podía permitírselo (el ejemplo más antiguo conocido parece haber sido escrito para una laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240) y ahora los ejemplos reales y aristocráticos se convirtieron en el tipo de libro de horas. El manuscrito suele estar lujosamente decorado. La mayor parte del arte religioso, incluidos los manuscritos iluminados, ahora era producido por artistas laicos, pero el mecenas que lo encargaba a menudo especificaba en detalle lo que debía contener la obra.
La iconografía se vio afectada por cambios en la teología, con representaciones de la Asunción de María ganando terreno sobre la antigua Muerte de la Virgen , y en prácticas devocionales como la Devotio Moderna , que produjo nuevos tratamientos de Cristo en temas andachtsbilder como el Varón de Dolores. , Cristo pensativo y Piedad , que enfatizaban su sufrimiento y vulnerabilidad humanos, en un movimiento paralelo al de las representaciones de la Virgen. Muchas de esas imágenes eran ahora pequeñas pinturas al óleo destinadas a la meditación y la devoción privadas en los hogares de los ricos. Incluso en los Juicios Finales se solía mostrar a Cristo exponiendo su pecho para mostrar las heridas de su Pasión . Los santos se mostraban con mayor frecuencia, y los retablos mostraban santos relevantes para una iglesia en particular o un donante que asistía a una crucifixión o a la Virgen y el Niño entronizados , o ocupaban el espacio central ellos mismos (esto generalmente para obras diseñadas para capillas laterales). Durante el período, muchos rasgos iconográficos antiguos que se originaron en los apócrifos del Nuevo Testamento fueron eliminados gradualmente bajo la presión clerical, como las parteras en la Natividad , aunque otros estaban demasiado bien establecidos y se consideraban inofensivos. [6]
En la pintura holandesa temprana, procedente de las ciudades más ricas del norte de Europa, se combinaba un nuevo realismo minucioso en la pintura al óleo con alusiones teológicas sutiles y complejas, expresadas precisamente a través de escenarios muy detallados de escenas religiosas. El Retablo de Mérode (década de 1420) de Robert Campin y la Anunciación de Washington Van Eyck o la Virgen del canciller Rolin (ambas de 1430, de Jan van Eyck ) son ejemplos. [7]
En el siglo XV, la introducción de grabados baratos , principalmente en xilografía , hizo posible que incluso los campesinos tuvieran imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, diminutas en la parte inferior del mercado, a menudo de colores toscos, se vendieron por miles, pero ahora son extremadamente raras y la mayoría han sido pegadas en las paredes. También eran populares y baratos los recuerdos de las peregrinaciones a los santuarios, como insignias, medallas y ampollas estampadas con imágenes de arcilla o plomo. Desde mediados de siglo , los libros en bloque , con texto e imágenes grabadas en madera, parecen haber sido asequibles para los párrocos de los Países Bajos , donde eran más populares. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, todavía en su mayoría sobre temas religiosos, se estaban volviendo rápidamente accesibles a la clase media próspera, al igual que los grabados de bastante alta calidad realizados por grabadores como Israhel van Meckenem y Master ES.
Para los ricos, las pequeñas pinturas sobre paneles , incluso los polípticos al óleo , se estaban volviendo cada vez más populares, y a menudo mostraban retratos de donantes junto a, aunque a menudo mucho más pequeños, la Virgen o los santos representados. Por lo general, se exhibían en el hogar.
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El arte renacentista , fuertemente influenciado por el "renacimiento" (francés: renacimiento ) del interés por el arte y la cultura de la antigüedad clásica, inicialmente continuó las tendencias del período anterior sin cambios fundamentales, pero utilizando vestimentas y entornos arquitectónicos clásicos que, después de todo, eran muy apropiado para escenas del Nuevo Testamento. Sin embargo, en muchas pinturas religiosas del Renacimiento temprano se observa una clara pérdida de intensidad religiosa : los famosos frescos de la Capilla Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio (1485-1490) parecen más interesados en la descripción detallada de escenas de la vida de la ciudad burguesa que en sus temas reales, las La Vida de la Virgen y la de Juan Bautista , y la Capilla de los Magos de Benozzo Gozzoli (1459-1461) es más una celebración del estatus de los Medici que una Llegada de los Magos . Ambos ejemplos (que todavía usaban ropas contemporáneas) provienen de Florencia , el corazón del Renacimiento temprano, y el lugar donde el carismático predicador dominico Savonarola lanzó su ataque a la mundanalidad de la vida y el arte de los ciudadanos, culminando con su famosa Hoguera . de las Vanidades en 1497; de hecho, otros predicadores llevaban décadas realizando eventos similares, pero a menor escala. Muchos artistas del Renacimiento temprano , como Fra Angelico y Botticelli , eran extremadamente devotos, y este último fue uno de los muchos que cayeron bajo la influencia de Savonarola.
El breve Alto Renacimiento ( c. 1490-1520 ) de Leonardo da Vinci , Miguel Ángel y Rafael transformó el arte católico de manera más fundamental, rompiendo con la antigua iconografía que estaba completamente integrada con las convenciones teológicas para composiciones originales que reflejaban tanto los imperativos artísticos como la influencia de Humanismo renacentista . Tanto Miguel Ángel como Rafael trabajaron casi exclusivamente para el papado durante gran parte de sus carreras, incluido el año de 1517, cuando Martín Lutero escribió sus Noventa y cinco tesis . La conexión entre los acontecimientos no fue sólo cronológica, ya que las indulgencias que provocaron a Lutero ayudaron a financiar el programa artístico papal, como han señalado muchos historiadores.
La mayoría de los cuadros del siglo XV de este período eran cuadros religiosos. Esto es evidente, en cierto sentido, pero “imágenes religiosas” se refiere a algo más que una determinada gama de temas; significa que las imágenes existieron para cumplir fines institucionales. La Iglesia encargó obras de arte por tres razones principales: la primera fue el adoctrinamiento, las imágenes claras podían transmitir significado a una persona sin educación. El segundo fue la facilidad de recuerdo: las representaciones de santos y otras figuras religiosas permiten un punto de contacto mental. La tercera es incitar el asombro en el corazón del espectador, Juan de Génova creía que esto era más fácil de hacer con imágenes que con palabras. Teniendo en cuenta estos tres principios, se puede suponer que el oro se usaba para inspirar asombro en la mente y el corazón del espectador, mientras que más tarde, durante la Reforma Protestante , la capacidad de reproducir oro mediante el uso de pigmentos simples mostraba la habilidad de un artista de una manera que la aplicación de pan de oro a un panel no [9]
La Reforma Protestante fue un holocausto del arte en muchas partes de Europa. Aunque el luteranismo estaba dispuesto a vivir con gran parte del arte católico existente siempre que no se convirtiera en un foco de devoción, las opiniones más radicales de Calvino , Zwinglio y otros veían las imágenes religiosas públicas de cualquier tipo como idolatría , y el arte fue destruido sistemáticamente en áreas donde sus seguidores dominaban. Este proceso destructivo continuó hasta mediados del siglo XVII, cuando las guerras religiosas trajeron períodos de control protestante iconoclasta sobre gran parte del continente. En Inglaterra y Escocia la destrucción del arte religioso, más intensa durante la Commonwealth inglesa , fue especialmente intensa. Algunas esculturas de piedra, manuscritos iluminados y vidrieras (caras de reemplazar) sobrevivieron, pero de las miles de obras de arte pintadas y talladas en madera de alta calidad producidas en la Gran Bretaña medieval, prácticamente no queda ninguna. [10]
En Roma, el saqueo de 1527 por el emperador católico Carlos V y sus tropas mercenarias, en su mayoría protestantes, fue enormemente destructivo tanto para el arte como para los artistas, muchos de cuyos registros biográficos terminan abruptamente. Otros artistas lograron escapar a diferentes partes de Italia, encontrando a menudo dificultades para retomar el hilo de sus carreras. Los artistas italianos, con alguna excepción como Girolamo da Treviso , parecen haber sentido poca atracción por el protestantismo. En Alemania, sin embargo, figuras destacadas como Alberto Durero y sus alumnos, Lucas Cranach el Viejo , Albrecht Altdorfer y la escuela del Danubio y Hans Holbein el Joven siguieron a los reformadores. El desarrollo de la pintura religiosa alemana se detuvo abruptamente alrededor de 1540, aunque se siguieron produciendo muchos grabados e ilustraciones de libros, especialmente de temas del Antiguo Testamento.
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La pintura italiana después de 1520, con la notable excepción del arte de Venecia , se desarrolló hacia el manierismo , un estilo muy sofisticado, que luchaba por lograr efecto, que despertó la preocupación de muchos eclesiásticos de que carecía de atractivo para la masa de la población. La presión de la Iglesia para restringir las imágenes religiosas afectó al arte desde la década de 1530 y dio como resultado que los decretos de la sesión final del Concilio de Trento en 1563 incluyeran pasajes breves y bastante inexplícitos sobre imágenes religiosas, que iban a tener un gran impacto en el desarrollo del arte católico. Los concilios anteriores de la Iglesia católica rara vez habían sentido la necesidad de pronunciarse sobre estos asuntos, a diferencia de los concilios ortodoxos que a menudo se han pronunciado sobre tipos específicos de imágenes.
El decreto confirmó la doctrina tradicional de que las imágenes sólo representaban a la persona representada y que la veneración hacia ellas se rendía a la persona misma, no a la imagen, y además ordenaba que:
...se eliminará toda superstición...se evitará toda lascivia; de tal manera que las figuras no sean pintadas ni adornadas con una belleza que excite la lujuria... no se vea nada que sea desordenado, o que esté indecoroso o confusamente dispuesto, nada que sea profano, nada indecoroso, ya que la santidad conviene a la casa. de Dios. Y para que estas cosas se observen más fielmente, el santo Sínodo ordena que a nadie se le permita colocar o hacer colocar ninguna imagen inusual, en ningún lugar o iglesia, cualquiera que sea la excepción, a menos que la imagen haya sido aprobada. de por el obispo... [11]
Diez años después del decreto, Paolo Veronese fue citado por la Inquisición para explicar por qué su Última Cena , un enorme lienzo para el refectorio de un monasterio, contenía, en palabras de la Inquisición: "bufones, alemanes borrachos, enanos y otras groserías similares". así como trajes y escenarios extravagantes, en lo que de hecho es una versión fantástica de una fiesta patricia veneciana. [12] A Veronese le dijeron que debía cambiar su pintura en un período de tres meses; de hecho, simplemente cambió el título a La fiesta en la casa de Leví , que sigue siendo un episodio de los Evangelios, pero menos central doctrinalmente, y no se dijo más. [13] Pero el número de tales tratamientos decorativos de temas religiosos disminuyó drásticamente, al igual que las piezas manieristas "indecorosas o confusamente dispuestas", como varios libros, en particular del teólogo flamenco Molanus ( De Picturis et Imaginibus Sacris, pro vero earum usu contra abusus ("Tratado sobre las Imágenes Sagradas"), 1570), el Cardenal Federico Borromeo ( De Pictura Sacra ) y el Cardenal Gabriele Paleotti ( Discorso , 1582), e instrucciones de los obispos locales, ampliaron los decretos, a menudo entrando en detalles minuciosos sobre lo que era aceptable. Uno de los primeros, Degli Errori dei Pittori (1564), del teólogo dominicano Andrea Gilio da Fabriano, se unió al coro de críticas del Juicio Final de Miguel Ángel y defendió la naturaleza devota y sencilla de gran parte de la imaginería medieval. Pero otros escritores simpatizaban menos con el arte medieval y muchas iconografías tradicionales consideradas sin fundamento bíblico adecuado estaban de hecho prohibidas (por ejemplo, el desmayo de la Virgen ), al igual que cualquier inclusión de elementos paganos clásicos en el arte religioso, y casi toda la desnudez, incluida la del niño Jesús. [14] Según el medievalista Émile Mâle , esta fue "la muerte del arte medieval". [15]
El arte barroco, que se desarrolló durante las décadas posteriores al Concilio de Trento, aunque es tema de debate hasta qué punto esto influyó en él, ciertamente cumplió con la mayoría de los requisitos del concilio, especialmente en las fases anteriores y más simples asociadas con los Carracci y Caravaggio , quien, sin embargo, encontró oposición clerical por el realismo de sus figuras sagradas.
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Los temas se mostraban de forma directa y dramática, con relativamente pocas alusiones abstrusas. La elección de temas se amplió considerablemente, ya que los artistas barrocos se deleitaban en encontrar nuevos episodios bíblicos y momentos dramáticos de la vida de los santos. A medida que el movimiento continuó en el siglo XVII, la simplicidad y el realismo tendieron a reducirse, más lentamente en España y Francia, pero el dramatismo permaneció, producido por la representación de momentos extremos, el movimiento dramático, el color y la iluminación de claroscuros y, si era necesario, huestes de querubines agitados. y nubes arremolinadas, todas destinadas a abrumar al adorador. Arquitectura y escultura apuntaban a los mismos efectos; Bernini (1598-1680) personifica el estilo barroco en esas artes. El arte barroco se extendió por la Europa católica y por las misiones ultramarinas de Asia y América, impulsado por los jesuitas y franciscanos , destacándose la pintura y/o escultura de la Escuela quiteña , la Escuela cuzqueña y la Escuela chilote de imaginería religiosa .
Los nuevos temas icónicos popularizados en el período barroco incluyeron el Sagrado Corazón de Jesús y la Inmaculada Concepción de María; la iconografía definitiva de este último parece haber sido establecida por el maestro y entonces suegro de Diego Velázquez , el pintor y teórico Francisco Pacheco , a quien la Inquisición de Sevilla también contrató la aprobación de nuevas imágenes. La Asunción de María se convirtió en un tema muy común y (a pesar de un Caravaggio del tema) la Muerte de la Virgen casi se extinguió en el arte católico; Molanus y otros habían escrito en contra.
En el siglo XVIII, el barroco secular evolucionó hacia el estilo rococó , aún más extravagante pero más ligero , que era difícil de adaptar a temas religiosos, aunque Gianbattista Tiepolo pudo hacerlo. En la última parte del siglo hubo una reacción, especialmente en arquitectura, contra el barroco y un retorno a formas clásicas y palladianas más austeras.
A estas alturas, el ritmo de producción de arte religioso se estaba desacelerando notablemente. Después de una serie de construcciones y reconstrucciones en el período barroco, los países católicos estaban claramente sobrepoblados de iglesias, monasterios y conventos, en el caso de algunos lugares como Nápoles , de manera casi absurda. La Iglesia era ahora menos importante como mecenas que la realeza y la aristocracia, y la demanda de arte de la clase media, en su mayoría secular, estaba aumentando rápidamente. Los artistas ahora podían tener una carrera exitosa pintando retratos, paisajes, naturalezas muertas u otras especialidades de género, sin siquiera pintar un tema religioso, algo inusual hasta ahora inusual en los países católicos, aunque durante mucho tiempo la norma en los protestantes. El número de ventas de pinturas, orfebrería y otros objetos eclesiásticos a coleccionistas privados aumentó durante el siglo, especialmente en Italia, donde el Grand Tour dio lugar a redes de marchantes y agentes. La Virgen de las Rocas de Londres de Leonardo da Vinci fue vendida al artista y marchante escocés Gavin Hamilton por la iglesia de Milán para la que fue pintada alrededor de 1781; la versión del Louvre aparentemente fue desviada de la misma iglesia tres siglos antes por el propio Leonardo para ir al rey de Francia.
En las guerras que siguieron a la Revolución Francesa se vieron grandes cantidades de las mejores obras de arte, en particular pinturas, cuidadosamente seleccionadas para ser apropiadas por los ejércitos franceses o los regímenes seculares que establecieron. Muchos fueron enviados a París para visitar el Louvre (algunos eventualmente serían devueltos, otros no) o museos locales establecidos por los franceses, como el Brera en Milán . La supresión de los monasterios, que había estado en marcha durante décadas bajo los déspotas católicos ilustrados del Antiguo Régimen , por ejemplo en el Edicto sobre instituciones ociosas (1780) de José II de Austria , se intensificó considerablemente. En 1830, gran parte del mejor arte religioso católico se exhibía públicamente en museos, como ha sido el caso desde entonces. Sin duda, esto amplió el acceso a muchas obras y promovió la conciencia pública sobre el patrimonio del arte católico, pero a un costo, ya que los objetos pasaron a considerarse de importancia principalmente artística más que religiosa, y fueron vistos fuera de su contexto y entorno originales. fueron diseñados para.
El siglo XIX vio un repudio generalizado tanto por parte de las iglesias católicas como protestantes del clasicismo, que se asoció con la Revolución Francesa y el secularismo de la Ilustración . Esto condujo al Renacimiento gótico , un retorno a formas de arquitectura, escultura y pintura de influencia gótica, liderado por personas como Augustus Pugin en Inglaterra y Eugène Viollet-le-Duc en Francia. En todo el mundo, se produjeron miles de iglesias y catedrales góticas en una nueva ola de construcción de iglesias, y el estilo gótico colegiado se convirtió en la norma para otras instituciones eclesiásticas. Las iglesias góticas medievales, especialmente en Inglaterra y Francia, fueron restauradas, a menudo con mucha mano dura. En pintura, actitudes similares llevaron al movimiento nazareno alemán y a los prerrafaelitas ingleses . Ambos movimientos abarcaron tanto a miembros católicos como protestantes, pero incluyeron algunos artistas que se convirtieron al catolicismo.
Fuera de estos y movimientos similares, el mundo del arte establecido produjo mucha menos pintura religiosa que en cualquier otro momento desde el Imperio Romano, aunque se realizaron muchos tipos de arte aplicado para accesorios de iglesias en estilo gótico. El arte católico popular comercial floreció utilizando técnicas más baratas para la reproducción masiva. La litografía en color hizo posible reproducir imágenes en color a bajo costo, lo que dio lugar a una circulación mucho más amplia de estampas sagradas . Gran parte de este arte siguió utilizando versiones diluidas de estilos barrocos. El Inmaculado Corazón de María fue un tema nuevo del siglo XIX, y las nuevas apariciones de Lourdes y Fátima , así como los nuevos santos, proporcionaron nuevos temas para el arte.
Los arquitectos comenzaron a revivir otros estilos cristianos anteriores y a experimentar con otros nuevos, produciendo resultados como el Sacre Coeur de París, la Sagrada Familia de Barcelona y la catedral de Westminster de influencia bizantina en Londres. El siglo XX condujo a la adopción de estilos arquitectónicos y artísticos modernistas . Este movimiento rechazó las formas tradicionales en favor de formas utilitarias con un mínimo de decoración. El arte existente evitó el naturalismo y las cualidades humanas, favoreciendo formas estilizadas y abstractas. Ejemplos de modernismo incluyen la Catedral Metropolitana de Cristo Rey de Liverpool y la Catedral de Los Ángeles .
Los artistas católicos modernos incluyen a Brian Whelan , Efren Ordoñez , Ade Bethune , Imogen Stuart y Georges Rouault . [dieciséis]
La temprana adopción de estilos modernistas en los albores del siglo XXI continuó con las tendencias del siglo XX. Los artistas comenzaron a experimentar con materiales y colores. En muchos casos, esto contribuyó a simplificaciones que condujeron a un parecido con el arte cristiano primitivo. La simplicidad fue vista como la mejor manera de llevar mensajes cristianos puros al espectador.
Algunos de los temas más comunes representados en el arte católico:
María:
Otro:
