Un estreno itinerante en salas de cine o una reserva de asientos es la práctica de estrenar una película en un número limitado de salas de cine en las principales ciudades durante un período específico de tiempo antes del estreno general de la película. Los estrenos itinerantes suelen imitar una producción teatral en vivo, con un ambiente elegante y precios algo más altos que durante un estreno general. Se utilizaban comúnmente para promocionar películas importantes de los años 1920 a 1960 y generar entusiasmo.
Los roadshows tenían una serie de características que los diferenciaban de los estrenos normales. Había un intermedio entre los dos "actos" de la película, y el primer acto solía ser algo más largo que el segundo. Las películas seleccionadas para el roadshow eran típicamente más largas que la película habitual, con una duración de entre un poco más de dos horas y cuatro horas o más, contando el intermedio. No había cortos que acompañaran a la película y rara vez había tráilers promocionales . Las proyecciones se limitaban a una o dos al día, se vendían con reserva de asiento y los precios de entrada eran más altos que los de las proyecciones normales. Se vendían programas de recuerdo que contenían fotos de la película, fotos y biografías de su elenco y equipo principal e información sobre la producción de la película, ocasionalmente junto con otros productos. De manera similar a las producciones teatrales itinerantes , las películas se presentaban en una ciudad durante un número limitado de semanas antes de que el material fílmico se trasladara a otra ciudad. Finalmente, aunque no todos los roadshows estaban destinados a esto, a veces actuaban como predecesores de los grupos de discusión modernos para medir la recepción de la audiencia. Una vez hecho esto, se animaba a los miembros de la audiencia a escribir sus pensamientos y comentarios en tarjetas, y los productores usaban los comentarios, además de monitorear a la audiencia, para evaluar qué partes de la versión "larga" de una película deberían cortarse para duraciones más cortas durante el estreno general.
Los roadshows fueron rentables y efectivos en los primeros años del cine, cuando las películas se difundían de boca en boca y los estrenos eran más graduales. Sin embargo, los cambios sociales de los años 60 y 70 opacaron el prestigio del estilo "evento". En los años 70, había menos salas ornamentadas al estilo de los palacios de cine , y más salas de cine se adaptaron a edificios eficientes pero poco románticos, inadecuados para eventos elegantes. Los roadshows se convirtieron en estrenos limitados después de los años 70, cuando el atractivo del teatro en vivo falso comenzó a desaparecer y más películas optaron por un enfoque de " superproducción " de estreno en tantos cines como fuera posible simultáneamente.
El formato de roadshow se había utilizado desde los días del cine mudo , pero el auge de la pantalla panorámica y el sonido estereofónico en la década de 1950 lo hizo especialmente atractivo para los ejecutivos de los estudios, que esperaban alejar al público de la televisión presentando películas de una manera que un público de esa época nunca podría esperar ver en casa. Posiblemente, la primera película que se mostró en un roadshow fue la película francesa Les Amours de la reine Elisabeth en Estados Unidos en 1912, una película de 53 minutos protagonizada por la actriz de teatro Sarah Bernhardt .
Las películas proyectadas en formato de roadshow antes de 1951 incluían:
Las películas británicas que se exhibieron como atracciones itinerantes en los EE. UU. incluyeron:
En un estreno itinerante, una película épica a gran escala se estrenaría en ciudades más grandes en un compromiso muy similar a un musical teatral, a menudo con componentes como una obertura , primer acto, intermedio, entreacto , segundo acto y música de salida. La obertura, que se distingue de la música del título principal, se tocaba antes del comienzo de la película, mientras las luces aún estaban encendidas y las cortinas aún estaban cerradas. Cuando las luces se atenuaban, la obertura terminaba, las cortinas se abrían y la película comenzaba con su música principal y los créditos iniciales. La música de salida se tocaba después de que la película hubiera terminado, después de los créditos finales, mientras las luces del auditorio estaban encendidas y las cortinas estaban cerradas. Muchos cines hasta la década de 1980 tenían cortinas que cubrían la pantalla y que se abrían cuando la función comenzaba realmente y se cerraban cuando terminaba.
Algunos programas de espectáculos itinerantes imitaban el calendario de funciones de teatro en vivo, como el teatro de Broadway . Los miércoles, sábados y domingos se proyectaban dos veces, mientras que durante el resto de la semana, las películas se proyectaban solo una vez al día.
Un ejemplo temprano de esta forma de presentación se utilizó en Lo que el viento se llevó (1939). La película, de casi cuatro horas de duración, se dividía en los componentes antes mencionados.
El estreno original en cines de Fantasía de Walt Disney , presentado en Fantasound en grandes ciudades seleccionadas de los Estados Unidos, nunca tuvo obertura, entreacto ni música de salida. Aun así, Fantasía se estrenó primero en formato de espectáculo itinerante, incluyó un intermedio en su primera presentación y se presentó originalmente sin créditos en pantalla para perpetuar la experiencia de asistir a un concierto: el programa de recuerdo impreso, que se entregó a los espectadores al ingresar al cine, presentaba los créditos de la película.
La presentación original en Nueva York de la película en inglés Cyrano de Bergerac (1950), protagonizada por José Ferrer y basada en la obra francesa de Edmond Rostand de 1897, también se presentó en formato de espectáculo itinerante (es decir, una o dos funciones al día), aunque la película dura solo dos horas, no se produjo con un gran presupuesto y no contiene un intermedio. [5]
La versión en color de Show Boat (1951) también se mostró en formato de roadshow en algunos cines, a pesar de durar menos de dos horas y no tener obertura, intermedio, entreacto o música de salida. [6]
Desde aproximadamente 1952 hasta principios de la década de 1970, cuando el público se pasó a la televisión, los estudios intentaron atraer a los espectadores de cine de nuevo a las salas de cine haciendo epopeyas en formato panorámico y utilizando el método de presentación y promoción de los "roadshows". Las películas filmadas en 3D a veces también se mostraban en formato roadshow con intermedio, independientemente de la duración real, así como muchas películas filmadas en procesos de pantalla ancha , como CinemaScope , Todd-AO , MGM Camera 65 y Super Panavision 70 , y películas que se ampliaban a 70 mm a partir del negativo de 35 mm. Como resultado, hubo una avalancha de películas roadshow durante esas décadas, a menudo más de una en un solo año.
Entre ellos estaban:
No todos los estrenos itinerantes posteriores a 1951 fueron éxitos. Varios de ellos, especialmente los musicales, fueron fracasos de taquilla que hicieron perder dinero a los estudios, incluso si antes habían sido éxitos como espectáculos teatrales.
Algunas de las películas, como Otelo de Olivier o Hamlet de Burton , no estaban destinadas a ser éxitos de taquilla, sino que fueron creadas como un medio para llevar estas producciones a un público más amplio del que podría haberlas visto en el escenario, de forma similar a lo que haría el American Film Theatre a mediados de la década de 1970.
Muchos de estos estrenos itinerantes, incluida La bella durmiente de Disney , se proyectaron en sonido estereofónico de seis pistas , una característica no estándar de las películas en ese momento. West Side Story , aunque se mostró en 70 mm y sonido estereofónico de seis pistas, se mostró con un intermedio con todas las copias de 70 mm, así como con sus reediciones de 70 mm, pero, en la mayoría de las áreas, se mostró sin uno para aumentar la tensión en la trama, una idea recomendada por los propios cineastas.
Algunas películas, como Los cañones de Navarone (1961), se exhibieron ocasionalmente como presentaciones itinerantes para estrenos internacionales, incluso si no estaban pensadas como presentaciones itinerantes para estrenos nacionales. [8]
El rey y yo (1956), que originalmente se había exhibido en formato estereofónico de 35 mm y 4 pistas y sin obertura, intermedio ni música de salida, se reestrenó en 1961 en formato de 70 mm con obertura, intermedio y música de salida, remezclada en sonido estereofónico de seis pistas y exhibida en formato de roadshow. La película se había realizado originalmente en Cinemascope 55 y, gracias a los avances tecnológicos, ahora se podía volver a estrenar en un proceso llamado Grandeur 70. [ 9]
Las películas realizadas en Cinerama de tres cámaras siempre recibieron presentaciones itinerantes para mostrar la tecnología. Los requisitos especiales necesarios para mostrar películas en Cinerama (una sala con una pantalla enorme y ultra curva, tres proyectores funcionando simultáneamente y sonido estereofónico de siete pistas) hicieron imposible mostrar sus películas en un estreno general a menos que la imagen se convirtiera al formato estándar de un proyector (es decir, Panavision ).
Como la mayoría de ellos cortaban los lados de la imagen combinada original, eventualmente, con el advenimiento de las lentes anamórficas, una serie de presentaciones itinerantes de Cinerama pudieron comprimirse en una película normal de 70 mm de 5 perforaciones y, con las pantallas extra anchas instaladas, los cines normales de 70 mm pudieron reproducir estos títulos de Cinerama reformateados.
Hubo algunas excepciones notables al formato estándar de estreno en giras, tres de ellas producciones de Shakespeare. Una de ellas fue Otelo (1965), que era esencialmente un registro visual filmado de la producción teatral de Laurence Olivier en Londres en 1964, filmada en un estudio de cine, pero en escenarios ampliados. La película en color de casi tres horas, hecha en Panavision y exhibida en 35 mm y sonido mono en muchas áreas, se exhibió en 70 mm y sonido estereofónico de seis pistas en exactamente una sola exhibición: en Londres en 1966. [10]
Al ser una película que se encontraba a medio camino entre una obra de teatro fotografiada y una verdadera película, la película no hizo suficiente uso de las vistas espectaculares que las epopeyas de pantalla ancha de los años 60 solían presumir. Además, si bien no tenía obertura, música de entreacto o música de salida, se exhibía dos veces al día con un intermedio, como casi todos los estrenos de espectáculos itinerantes. Sin embargo, se exhibió en los cines estadounidenses durante un tiempo extremadamente limitado: solo dos días, [11] en contraste con los habituales y prolongados meses de exhibición de los que disfrutan la mayoría de las películas de espectáculos itinerantes.
Lo mismo ocurrió con Hamlet , de Richard Burton , que se presentó en el mismo tipo de formato extremadamente limitado que Otelo . Filmada durante dos días en un proceso en blanco y negro llamado Electronovisión , que se parecía a una transmisión en video de la década de 1960, esta producción de más de tres horas no presentó ninguno de los elementos épicos que eran un estándar de estreno teatral itinerante: ningún escenario impresionante, ningún color magnífico, ningún vestuario hermoso o sonido estereofónico, solo un intermedio a mitad de la presentación. Ni siquiera era, estrictamente hablando, una versión cinematográfica a gran escala de la obra, sino simplemente una grabación visual de una representación de la misma en el Teatro Lunt-Fontanne , con una audiencia en vivo. Con tres horas y once minutos, fue entonces la versión cinematográfica más larga de Hamlet .
Otra excepción fue la versión de Franco Zeffirelli de Romeo y Julieta (1968), que, aunque fotografiada en hermosos escenarios y ciertamente con el aspecto de una epopeya, se mostró en la mayoría de las áreas en sonido monoaural (aunque sus tres álbumes de banda sonora se hicieron en estéreo) y se proyectó en una relación de aspecto de pantalla de 1.66:1; es decir, aproximadamente las dimensiones de la pantalla de cine promedio de la actualidad o la pantalla de HDTV, no las pantallas muy anchas requeridas para películas hechas en Ultra Panavision , CinemaScope, Todd-AO o cualquiera de los otros procesos de pantalla ancha inventados en la década de 1950, lo que significó que la película carecía de muchos de los elementos de espectáculo itinerante habituales de la época. Sin embargo, el lanzamiento mexicano de la película, presentó una mezcla envolvente estéreo de seis pistas y se mostró con su relación de aspecto original de 1.66:1 enmarañada a un 70 mm estándar de 2.2 pulgadas.) [12]
De manera similar, la primera versión cinematográfica de El león en invierno (1968), aunque fue un estreno itinerante filmado en el lugar con hermosos colores y paisajes, en lugar de ser lanzado en 70 mm y sonido estéreo de 6 pistas, aunque se mostró en Technicolor, solo fue en película Panavision (anamórfica) de 35 mm y sonido mono. Solo en Australia y en su reestreno en Londres en 1973 se mostró la imagen tanto en 70 mm como en sonido estereofónico. [13] [14] Nicholas and Alexandra (1971), otro lanzamiento itinerante, también se mostró en 70 mm y 6 pistas solo en Europa, mientras que su lanzamiento en los EE. UU. fue en Panavision normal con sonido monofónico. [15] [16]
Además de las anteriores, El diario de Ana Frank (1959), El juicio de Núremberg (1961), El día más largo (1962) y ¿Arde París? (1966) fueron cuatro epopeyas que se rodaron en blanco y negro en lugar de en color. Antes de eso, las epopeyas itinerantes se estrenaban alternadamente en blanco y negro o en color.
Era una práctica común que los estudios cortaran algunas de estas epopeyas para su estreno general con el fin de que los cines pudieran reservar más funciones por día y presentar la película a "precios populares" reducidos, especialmente si la película duraba más de dos horas. A veces esto se hacía con una película exitosa, como South Pacific , pero más a menudo con una que había sido un fracaso significativo, en un esfuerzo por convertirla en un éxito en su segunda exhibición. Como resultado, algunas de estas películas no se han visto en su totalidad desde su primer estreno, ya que el metraje editado original falta o ya no existe. Gracias al trabajo de los restauradores y conservacionistas cinematográficos , películas como El sueño de una noche de verano (1935), El luto le sienta bien a Electra (1947), Juana de Arco (1948), Ha nacido una estrella (1954) y Fantasía (1940), junto con las películas Por quién doblan las campanas (1943), Espartaco (1960), Lawrence de Arabia (1962), La vuelta al mundo en 80 días (1956) y El mundo está loco, loco, loco, loco (1963), todas ellas con importantes metrajes perdidos, han sido restauradas en los últimos años para que coincidan con la intención original de los cineastas. Sin embargo, varias películas de larga duración, como Lo que el viento se llevó y Los diez mandamientos , nunca se han estrenado en formato editado y casi siempre se proyectaban dos veces al día.
In Old Chicago , a pesar de que su presentación itinerante duró solo 110 minutos, se editó hasta 95 minutos para su lanzamiento general, pero se restauró a su duración completa en DVD. [17]
Con frecuencia, a menos que la película fuera excepcionalmente larga, el intermedio, junto con la obertura, la música de introducción y la música de salida se eliminaban cuando se estrenaba en el gran público, con el fin de ahorrar veinte minutos y posiblemente incluir más proyecciones, y la película se proyectaba como cualquier otra película. A menudo, también, los programas de recuerdo que formaban parte del estreno itinerante de las películas ya no se entregaban durante el estreno general.
La práctica de las presentaciones itinerantes comenzó a desaparecer en la década de 1970, en parte debido a una serie de costosos fracasos de taquilla y en parte debido al auge de los multicines . A medida que los multicines comenzaron a aumentar en número y que cada vez más hoteles y edificios de oficinas de gran altura ocupaban el lugar de los antiguos palacios cinematográficos, los exhibidores de cine comenzaron a mostrar películas largas en un formato más informal. Las epopeyas ganadoras del Oscar de Francis Ford Coppola El Padrino (1972) y El Padrino II (1974), por ejemplo, se hicieron con sonido mono, se mostraron sin intermedios y se realizaron más de dos funciones al día, a pesar de su extrema duración. Barry Lyndon (1975) de Stanley Kubrick se mostró más de dos veces al día, pero incluyó un intermedio.
Aunque algunas películas muy largas como Lo que el viento se llevó , que se reestrenó en 70 mm y sonido de seis pistas en 1967, siempre se exhibirían con un intermedio y algunas películas como Huckleberry Finn (1974) se estrenarían con oberturas hasta 1979, las exhibiciones de nuevas películas con "asiento reservado" se volvieron extremadamente raras. El último musical cinematográfico que recibió oficialmente una participación con asiento reservado fue Horizontes perdidos (1973), un desastre financiero y crítico.
A fines de la década de 1970, solo tres películas (dos populares y una que fue un desastre legendario) recibieron un lugar reservado en los asientos. Michael Cimino hizo la exitosa película The Deer Hunter (1978), que fue un éxito comercial y crítico, ganando el Oscar a la Mejor Película. En su presentación inicial, se amplió a película de 70 mm y se estrenó en una gira. [18] Francis Ford Coppola, director de El Padrino , hizo Apocalypse Now (1979), otra epopeya de tres horas que recibió algunas críticas favorables y ahora se considera una de sus mejores. La película tuvo una historia de producción difícil y, después de cinco años de producción, se estrenó en un lugar reservado en los EE. UU. en 70 mm. [19] Se convirtió en un gran éxito financiero y ganó aún más dinero años después cuando se lanzó la versión del director. La siguiente película de Cimino fue Heaven's Gate (1980), que fue uno de los mayores fracasos de taquilla de la historia. Tuvo un estreno itinerante y se estrenó en una versión de 70 mm con un intermedio. La gira itinerante fue la más corta de la historia, ya que solo se proyectaron en tres salas. La de Nueva York duró tres días, la de Toronto se mostró una sola vez y la de Los Ángeles se canceló.
Un desarrollo que disminuyó la novedad del estreno itinerante moderno fue que, a partir de La guerra de las galaxias (1977), el sonido estereofónico comenzó a usarse cada vez más en películas, incluso en aquellas que no eran realmente grandes espectáculos. Sin embargo, la mayoría de las películas en ese momento todavía se lanzaban solo con sonido mono. Tiburón , por ejemplo, hecha solo dos años antes de La guerra de las galaxias , se lanzó originalmente en este formato. [20] Sin embargo, Rojos (1981), Gandhi (1982) y Scarface (1983) originalmente recibieron lanzamientos con intermedios, debido a sus duraciones extremas, pero mientras que Gandhi recibió un compromiso de 70 mm, Rojos y Scarface no. [21] [22]
En 1984, el formato de espectáculo itinerante también había sido abandonado en gran medida, ya que el auge de los multicines y la competencia de la televisión por cable y el vídeo doméstico comenzaron a forzar cambios en la naturaleza de la industria cinematográfica. Por ejemplo, Carmen (1984), una versión cinematográfica sin cortes de dos horas y media de la ópera de Georges Bizet , no se estrenó como espectáculo itinerante ni se mostró con intermedio, a pesar de que la película era tan fiel a la ópera que mantuvo la división original de la versión teatral en cuatro actos. Esta versión de Carmen también se filmó en estéreo de seis pistas y en exteriores, como muchas epopeyas.
Aunque el formato había desaparecido, Gettysburg (1993), Hamlet (1996) y Gods and Generals (2003) se proyectaron con intermedios debido a su extrema duración en sus estrenos originales. Si bien las tres películas no tenían obertura oficial, entreacto o música de salida, los cines optan por mostrar las películas acompañadas de las bandas sonoras de las películas disponibles comercialmente que se reproducen cuando el público entra y sale de las salas. Gettysburg y Hamlet se proyectaron con dos funciones al día, mientras que Gods and Generals no. Titanic (1997) tenía una duración de 195 minutos, lo que llevó a algunos cines a agregar un breve descanso a mitad de la película o a proyectarla sin comerciales por razones de salud y seguridad. Se ha restaurado dos veces (en 70 mm y luego en 3D 4K) y se ha reeditado en un formato de participación limitada cada vez. [23]
Hoy en día, es más común la práctica de estrenar primero una película en ciudades más grandes, principalmente hacia fines de año, para calificar para la consideración de premios cinematográficos, incluidos los Premios de la Academia . Entre las películas recientes que han seguido la ruta de estreno limitado se encuentran Million Dollar Baby (2004), El aviador (2004), La marcha de los pingüinos (2005) y la película de Disney La princesa y el sapo (2009); estas y otras películas de estreno limitado similares finalmente se estrenaron en gran escala. A veces, esto se hace para permitir que una película reciba un estreno amplio poco después del comienzo del año, mientras califica para los Premios de la Academia del año anterior. A menudo, las películas más pequeñas (a menudo de arte e independientes) recibirán un estreno inicial en Nueva York y Los Ángeles, y luego se expandirán a otras ciudades en función de los resultados; esto se llama "plataforma" o estreno en plataforma .
Ocasionalmente, se realizan presentaciones itinerantes para películas de eventos especiales. En 2006, la película Dreamgirls , basada en el musical de Broadway , se estrenó en tres salas, con asientos reservados y guías de programación. Las entradas tenían un precio significativamente más alto de lo normal, $25. La película en sí no se mostró con un intermedio. [24]
En 2008 y 2009, la película biográfica de cuatro horas Che , protagonizada por Benicio del Toro como el Che Guevara , se mostró en formato de espectáculo itinerante por tiempo limitado en varias ciudades grandes.
Quentin Tarantino , que recuerda con cariño la era de los roadshows, estrenó The Hateful Eight en cines seleccionados el día de Navidad antes de expandirse a un estreno general el 30 de diciembre de 2015. Tarantino filmó la película en 70 mm anamórfico (específicamente el formato Cinerama estéreo de 6 pistas de una sola tira descrito anteriormente) y logró reservar la película en aproximadamente 100 cines en todo el mundo a los que The Weinstein Company proporcionó proyectores de 70 mm y lentes para equipar los cines para hacer frente al formato Cinerama para proyectar la película como lo pretendía el director. Deadline Hollywood se refirió a este lanzamiento como una presentación de roadshow, ya que incluía todas las características de un lanzamiento de roadshow tradicional, como programas, una obertura y un intermedio. [25] [26] [27]
