Eugène Henri Paul Gauguin ( 7 de junio de 1848 - 8 de mayo de 1903) fue un pintor, escultor, grabador, ceramista y escritor francés , cuyo trabajo se ha asociado principalmente con los movimientos posimpresionista y simbolista . También fue un influyente practicante del grabado en madera y las xilografías como formas de arte. [1] [2] Aunque solo tuvo un éxito moderado durante su vida, Gauguin desde entonces ha sido reconocido por su uso experimental del color y su estilo sintetista que se distinguían del impresionismo .
Gauguin nació en París en 1848, en medio del tumulto del año revolucionario de Europa . En 1850, la familia de Gauguin se instaló en Perú , donde experimentó una infancia privilegiada que dejó una impresión duradera en él. Más tarde, las dificultades financieras los llevaron de regreso a Francia, donde Gauguin recibió educación formal. Inicialmente trabajó como corredor de bolsa, Gauguin comenzó a pintar en su tiempo libre, su interés por el arte se avivó con visitas a galerías y exposiciones . La crisis financiera de 1882 afectó significativamente su carrera de corredor, lo que provocó un cambio de tiempo completo a la pintura. La educación artística de Gauguin fue en gran parte autodidacta e informal, moldeada significativamente por sus asociaciones con otros artistas en lugar de la formación académica . Su entrada en el mundo del arte fue facilitada por su relación con Camille Pissarro , un destacado impresionista . Pissarro asumió un papel de mentor para Gauguin, presentándole a otros artistas y técnicas impresionistas.
Expuso con los impresionistas a principios de la década de 1880, pero pronto comenzó a desarrollar su estilo distintivo, caracterizado por un uso más audaz del color y una temática menos tradicional. Su trabajo en Bretaña y Martinica mostró su inclinación por representar la vida y los paisajes nativos . En la década de 1890, el arte de Gauguin dio un giro significativo durante su estancia en Tahití , entonces una colonia francesa , donde buscó refugio de la civilización occidental , impulsado por los tropos colonialistas del exotismo que prevalecían en ese momento. Durante ese tiempo, se casó polémicamente con tres adolescentes tahitianas con las que más tarde tuvo hijos. [3] Los últimos años de Gauguin en Tahití y las Islas Marquesas estuvieron marcados por problemas de salud y dificultades económicas.
Sus pinturas de ese período, caracterizadas por colores vivos y temas simbolistas, resultarían muy exitosas entre los espectadores europeos por su exploración de las relaciones entre las personas, la naturaleza y el mundo espiritual . El arte de Gauguin se hizo popular después de su muerte, en parte por los esfuerzos del comerciante Ambroise Vollard , quien organizó exposiciones de su obra al final de su carrera y ayudó a organizar dos importantes exposiciones póstumas en París. [4] [5] Su trabajo influyó en la vanguardia francesa y en muchos artistas modernos, como Pablo Picasso y Henri Matisse , y es muy conocido por su relación con Vincent y Theo van Gogh .
Gauguin nació en París, hijo de Clovis Gauguin y Aline Chazal, el 7 de junio de 1848, año de levantamientos revolucionarios en toda Europa. Su padre, un periodista liberal de 34 años de una familia de empresarios de Orleans, [6] se vio obligado a huir de Francia cuando las autoridades francesas cerraron el periódico para el que escribía. [7] [8] La madre de Gauguin era la hija de 22 años de André Chazal, un grabador, y Flora Tristan , una autora y activista de los primeros movimientos socialistas. Su unión terminó cuando André agredió a su esposa Flora y fue sentenciado a prisión por intento de asesinato. [9]
La abuela materna de Paul Gauguin, Flora Tristan, era hija ilegítima de Thérèse Laisnay y Don Mariano de Tristan Moscoso. No se conocen detalles de los antecedentes familiares de Thérèse; Don Mariano provenía de una familia aristocrática española de la ciudad peruana de Arequipa . Era un oficial de los Dragones . [10] Los miembros de la rica familia Tristan Moscoso ocupaban posiciones poderosas en Perú. [11] Sin embargo, la muerte inesperada de Don Mariano sumió a su amante e hija Flora en la pobreza. [12] Cuando el matrimonio de Flora con André fracasó, solicitó y obtuvo un pequeño acuerdo monetario de los parientes peruanos de su padre. Navegó a Perú con la esperanza de aumentar su parte de la fortuna de la familia Tristan Moscoso. Esto nunca se materializó; Pero publicó con éxito un popular diario de viaje sobre sus experiencias en Perú que lanzó su carrera literaria en 1838. La abuela materna de Gauguin, partidaria activa de las primeras sociedades socialistas, ayudó a sentar las bases de los movimientos revolucionarios de 1848. Puesto bajo vigilancia por la policía francesa y sufriendo exceso de trabajo, murió en 1844. [13] Su nieto Paul "idolatraba a su abuela y conservó copias de sus libros con él hasta el final de su vida". [14]
En 1850, Clovis Gauguin partió hacia Perú con su esposa Aline y sus hijos pequeños con la esperanza de continuar su carrera periodística bajo los auspicios de las relaciones sudamericanas de su esposa. [15] Murió de un ataque cardíaco en el camino, y Aline llegó a Perú como viuda con Paul, de 18 meses, y su hermana de 2 años y medio , Marie. La madre de Gauguin fue recibida por su tío abuelo paterno, cuyo yerno, José Rufino Echenique , asumiría pronto la presidencia de Perú. [16] Hasta los seis años, Paul disfrutó de una educación privilegiada, atendido por niñeras y sirvientes. Conservó un vívido recuerdo de ese período de su infancia que le inculcó "impresiones indelebles del Perú que lo persiguieron el resto de su vida". [17] [18]
La idílica infancia de Gauguin terminó abruptamente cuando los mentores de su familia perdieron el poder político durante los conflictos civiles peruanos en 1854. Aline regresó a Francia con sus hijos, dejando a Paul con su abuelo paterno, Guillaume Gauguin, en Orleans. Privada por el clan peruano Tristan Moscoso de una generosa anualidad organizada por su tío abuelo, Aline se instaló en París para trabajar como modista. [19]
Después de asistir a un par de escuelas locales, Gauguin fue enviado al prestigioso internado católico Petit Séminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin . [20] Pasó tres años en la escuela. A la edad de 14 años, ingresó en el Instituto Loriol en París, una escuela preparatoria naval, antes de regresar a Orleans para realizar su último año en el Lycée Jeanne D'Arc. Gauguin se alistó como asistente de piloto en la marina mercante . Tres años más tarde, se unió a la marina francesa, en la que sirvió durante dos años. [21] Su madre murió el 7 de julio de 1867, pero no se enteró durante varios meses hasta que una carta de su hermana Marie lo alcanzó en la India. [22] [23]
En 1871, Gauguin regresó a París, donde consiguió un trabajo como corredor de bolsa. Un amigo cercano de la familia, Gustave Arosa , le consiguió un trabajo en la Bolsa de París ; Gauguin tenía 23 años. Se convirtió en un exitoso hombre de negocios parisino y lo siguió siendo durante los siguientes 11 años. En 1879 ganaba 30.000 francos al año (unos 145.000 dólares estadounidenses de 2019) como corredor de bolsa, y otra cantidad en sus tratos en el mercado del arte. [24] [25] Pero en 1882 la bolsa de París se desplomó y el mercado del arte se contrajo. Las ganancias de Gauguin se deterioraron drásticamente y finalmente decidió dedicarse a la pintura a tiempo completo. [26] [27]
En 1873 se casó con una mujer danesa , Mette-Sophie Gad (1850-1920). Durante los siguientes diez años, tuvieron cinco hijos: Émile (1874-1955); Aline (1877-1897); Clovis (1879-1900); Jean René (1881-1961); y Paul Rollon (1883-1961). En 1884, Gauguin se había mudado con su familia a Copenhague , Dinamarca , donde siguió una carrera comercial como vendedor de lonas . No tuvo éxito: no podía hablar danés y los daneses no querían lonas francesas. Mette se convirtió en el principal sostén de la familia, dando lecciones de francés a los diplomáticos en formación.
Su familia de clase media y su matrimonio se desintegraron después de 11 años, cuando Gauguin se vio obligado a dedicarse por completo a la pintura. Regresó a París en 1885, después de que su esposa y su familia le pidieran que se fuera porque había renunciado a los valores que compartían. [ aclaración necesaria ] [28] [29] El último contacto físico de Gauguin con ellos fue en 1891, y Mette finalmente rompió con él decisivamente en 1894. [30] [31] [32] [33]
En 1873, cuando se convirtió en corredor de bolsa, Gauguin comenzó a pintar en su tiempo libre. Su vida parisina se centró en el distrito 9 de París . Gauguin vivía en el número 15 de la rue la Bruyère. [34] [35] Cerca estaban los cafés frecuentados por los impresionistas. Gauguin también visitaba galerías con frecuencia y compraba obras de artistas emergentes. Entabló amistad con Camille Pissarro [36] y lo visitaba los domingos para pintar en su jardín. Pissarro le presentó a varios otros artistas. En 1877 Gauguin "se mudó a la parte baja del mercado y al otro lado del río, a las zonas urbanas más pobres y nuevas" de Vaugirard. Aquí, en el tercer piso del número 8 de la rue Carcel, tenía su primera casa con un estudio . [35]
Su íntimo amigo Émile Schuffenecker , un ex corredor de bolsa que también aspiraba a convertirse en artista, vivía cerca. Gauguin mostró pinturas en exposiciones impresionistas celebradas en 1881 y 1882 (anteriormente, una escultura de su hijo Émile había sido la única escultura en la 4.ª Exposición Impresionista de 1879). Sus pinturas recibieron críticas despectivas, aunque varias de ellas, como Los jardines de Vaugirard , son hoy muy valoradas. [37] [38]
En 1882, la bolsa se desplomó y el mercado del arte se contrajo. Paul Durand-Ruel , el principal marchante de arte de los impresionistas, se vio especialmente afectado por la crisis y durante un tiempo dejó de comprar cuadros de pintores como Gauguin. Los ingresos de Gauguin se redujeron drásticamente y durante los dos años siguientes fue formulando lentamente sus planes de convertirse en artista a tiempo completo. [36] Los dos veranos siguientes, pintó con Pissarro y, ocasionalmente, con Paul Cézanne .
En octubre de 1883, escribió a Pissarro diciéndole que había decidido ganarse la vida pintando a cualquier precio y le pidió ayuda, que Pissarro al principio le proporcionó de buena gana. El siguiente enero, Gauguin se mudó con su familia a Ruán , donde podían vivir más barato y donde pensó que había visto oportunidades cuando visitó a Pissarro allí el verano anterior. Sin embargo, la aventura resultó infructuosa y, a finales de año, Mette y los niños se mudaron a Copenhague ; Gauguin los siguió poco después, en noviembre de 1884, trayendo consigo su colección de arte, que posteriormente permaneció en Copenhague. [39] [40]
La vida en Copenhague resultó igualmente difícil y su matrimonio se volvió tenso. A instancias de Mette, con el apoyo de su familia, Gauguin regresó a París al año siguiente. [41] [42]
Tras un breve periodo en Italia, en las pequeñas localidades de San Salvo y Ururi, Gauguin regresó a París en junio de 1885 acompañado de su hijo Clovis, de seis años. Los otros niños se quedaron con Mette en Copenhague, donde contaban con el apoyo de familiares y amigos, mientras que la propia Mette consiguió trabajo como traductora y profesora de francés. Al principio, a Gauguin le resultó difícil volver a entrar en el mundo del arte en París y pasó su primer invierno de vuelta en la pobreza, obligado a aceptar una serie de trabajos de baja categoría. Clovis acabó enfermando y fue enviado a un internado, y la hermana de Gauguin, Marie, proporcionó los fondos. [43] [44] Durante este primer año, Gauguin produjo muy poco arte. Expuso 19 pinturas y un relieve en madera en la octava (y última) exposición impresionista en mayo de 1886. [45]
La mayoría de estas pinturas eran obras anteriores de Rouen o Copenhague y no había nada realmente novedoso en las pocas nuevas, aunque sus Baigneuses à Dieppe ("Mujeres bañándose") introdujo lo que se convertiría en un motivo recurrente, la mujer entre las olas. Sin embargo, Félix Bracquemond compró una de sus pinturas. Esta exposición también estableció a Georges Seurat como líder del movimiento de vanguardia en París. Gauguin rechazó despectivamente la técnica puntillista neoimpresionista de Seurat y más tarde ese mismo año rompió decisivamente con Pissarro, quien a partir de ese momento se mostró bastante antagónico hacia Gauguin. [46] [47]
Gauguin pasó el verano de 1886 en la colonia de artistas de Pont-Aven, en Bretaña. En primer lugar, le atrajo la idea de que vivir allí era barato. Sin embargo, tuvo un éxito inesperado entre los jóvenes estudiantes de arte que acudían allí en verano. Su temperamento naturalmente pugilístico (era un boxeador y un esgrimista consumados) no fue un impedimento en el relajado balneario. Durante ese período se le recordó tanto por su apariencia extravagante como por su arte. Entre estos nuevos asociados se encontraba Charles Laval , que acompañaría a Gauguin al año siguiente a Panamá y Martinica . [48] [49]
Ese verano, realizó algunos dibujos al pastel de figuras desnudas a la manera de Pissarro y los de Degas expuestos en la octava exposición impresionista de 1886. Pintó principalmente paisajes como La Bergère Bretonne ("La pastora bretona"), en los que la figura desempeña un papel secundario. Su Jeunes Bretons au bain ("Jóvenes bretones bañándose"), que introduce un tema al que regresaba cada vez que visitaba Pont-Aven, está claramente en deuda con Degas en su diseño y uso audaz del color puro. Los dibujos ingenuos del ilustrador inglés Randolph Caldecott , utilizados para ilustrar una popular guía sobre Bretaña, habían captado la imaginación de los artistas estudiantiles de vanguardia en Pont-Aven, ansiosos por liberarse del conservadurismo de sus academias, y Gauguin los imitó conscientemente en sus bocetos de muchachas bretonas. [50] Estos bocetos fueron posteriormente transformados en pinturas en su estudio de París. La más importante de ellas es Cuatro mujeres bretonas , que muestra un marcado alejamiento de su estilo impresionista anterior, además de incorporar algo de la calidad ingenua de la ilustración de Caldecott, exagerando los rasgos hasta el punto de la caricatura. [49] [51]
Gauguin, junto con Émile Bernard , Charles Laval, Émile Schuffenecker y muchos otros, volvió a visitar Pont-Aven después de sus viajes a Panamá y Martinica. El uso audaz del color puro y la elección simbolista de los temas distinguen lo que ahora se llama la Escuela de Pont-Aven . Decepcionado con el impresionismo , Gauguin sintió que la pintura europea tradicional se había vuelto demasiado imitativa y carecía de profundidad simbólica. En contraste, el arte de África y Asia le parecía lleno de simbolismo y vigor místicos. En Europa, en ese momento, estaba de moda el arte de otras culturas, especialmente el de Japón ( japonismo ). Fue invitado a participar en la exposición de 1889 organizada por Les XX .
Bajo la influencia del arte popular y de los grabados japoneses , la obra de Gauguin evolucionó hacia el cloisonnismo , un estilo que recibió su nombre del crítico Édouard Dujardin para describir el método de pintura de Émile Bernard con áreas planas de color y contornos audaces, que le recordaban a Dujardin la técnica medieval del esmaltado cloisonné . Gauguin apreciaba mucho el arte de Bernard y su audacia con el empleo de un estilo que se adaptaba a Gauguin en su búsqueda por expresar la esencia de los objetos en su arte. [52]
En El Cristo amarillo (1889) de Gauguin, a menudo citado como una obra cloisonnista por excelencia, la imagen se redujo a áreas de color puro separadas por gruesos contornos negros. En estas obras Gauguin prestó poca atención a la perspectiva clásica y eliminó audazmente las sutiles gradaciones de color, prescindiendo así de los dos principios más característicos de la pintura postrenacentista . Su pintura evolucionó más tarde hacia el sintetismo en el que ni la forma ni el color predominan, sino que cada uno tiene un papel igual.
En 1887, Gauguin abandonó Francia junto con su amigo, otro joven pintor, Charles Laval . Su sueño era comprar tierras propias en la pequeña isla panameña de Taboga , donde declaró que deseaba vivir "de pescado y fruta y por nada... sin ansiedad por el día o por el mañana". Cuando llegó a la ciudad portuaria de Colón , Gauguin se había quedado sin dinero y encontró trabajo como obrero en la construcción francesa del Canal de Panamá . Durante este tiempo, Gauguin escribió cartas a su esposa, Mette, lamentando las arduas condiciones: "Tengo que cavar... desde las cinco y media de la mañana hasta las seis de la tarde, bajo el sol tropical y la lluvia", escribió. "Por la noche soy devorado por los mosquitos". Mientras tanto, Laval había estado ganando dinero dibujando retratos de funcionarios del canal, trabajo que Gauguin detestaba ya que solo los retratos hechos de manera lasciva se venderían. [53]
Gauguin sentía un profundo desprecio por Panamá y en un momento dado fue arrestado en la ciudad de Panamá por orinar en público. Lo obligaron a marchar por la ciudad a punta de pistola y a pagar una multa de cuatro francos. Después de descubrir que el precio de las tierras en Taboga era inalcanzable (y después de enfermarse gravemente en la isla, donde posteriormente fue internado en un sanatorio para enfermos de fiebre amarilla y malaria), [54] decidió abandonar Panamá. [53]
Más tarde, ese mismo año, Gauguin y Laval pasaron el tiempo de junio a noviembre cerca de Saint Pierre en la isla caribeña de Martinica , una colonia francesa. Sus pensamientos y experiencias durante este tiempo están registrados en sus cartas a su esposa y a su amigo artista Emile Schuffenecker. [55] En ese momento, Francia tenía una política de repatriación según la cual si un ciudadano se arruinaba o se quedaba varado en una colonia francesa, el estado pagaría el viaje de regreso en barco. Al salir de Panamá, protegidos por la política de repatriación, Gauguin y Laval decidieron desembarcar en el puerto de St. Pierre en Martinica. Los académicos no están de acuerdo sobre si Gauguin decidió quedarse en la isla intencional o espontáneamente.
Al principio, la «cabaña de los negros» en la que vivían le convenía, y disfrutaba viendo a la gente en sus actividades diarias. [56] Sin embargo, el clima en verano era caluroso y la cabaña goteaba cuando llovía. Gauguin también sufrió disentería y fiebre de los pantanos . Mientras estuvo en Martinica, produjo entre 10 y 20 obras (12 es la estimación más común), viajó mucho y aparentemente entró en contacto con una pequeña comunidad de inmigrantes indios ; un contacto que luego influiría en su arte a través de la incorporación de símbolos indios. Durante su estadía, el escritor Lafcadio Hearn también estuvo en la isla. [57] Su relato proporciona una comparación histórica para acompañar las imágenes de Gauguin.
Gauguin terminó 11 pinturas conocidas durante su estancia en Martinica, muchas de las cuales parecen derivar de su cabaña. Sus cartas a Schuffenecker expresan un entusiasmo por la ubicación exótica y los nativos representados en sus pinturas. Gauguin afirmó que cuatro de sus pinturas en la isla eran mejores que el resto. [58] Las obras en su conjunto son escenas figurativas al aire libre de colores brillantes y pintadas con ligereza. Aunque su tiempo en la isla fue corto, seguramente fue influyente. Recicló algunas de sus figuras y bocetos en pinturas posteriores, como el motivo de Entre los mangos , [59] que se replica en sus abanicos. Las poblaciones rurales e indígenas siguieron siendo un tema popular en la obra de Gauguin después de que dejó la isla.
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Las pinturas de Gauguin sobre Martinica se exhibieron en la galería de su comerciante de colores Arsène Poitier. Allí fueron vistas y admiradas por Vincent van Gogh y su hermano comerciante de arte Theo , cuya firma Goupil & Cie tenía tratos con Portier. Theo compró tres de las pinturas de Gauguin por 900 francos y dispuso que se colgaran en la galería de Goupil, presentando así a Gauguin a clientes adinerados. Este acuerdo con Goupil continuó después de la muerte de Theo en 1891. Al mismo tiempo, Vincent y Gauguin se hicieron amigos cercanos (por parte de Vincent equivalía a algo parecido a la adulación) y mantuvieron correspondencia sobre arte, una correspondencia que fue fundamental para que Gauguin formulara su filosofía del arte . [60] [61]
En 1888, por instigación de Theo, Gauguin y Vincent pasaron nueve semanas pintando juntos en la Casa Amarilla de Vincent en Arles , en el sur de Francia. La relación de Gauguin con Vincent resultó tensa. Su relación se deterioró y finalmente Gauguin decidió irse. En la noche del 23 de diciembre de 1888, según un relato muy posterior de Gauguin, Vincent se enfrentó a Gauguin con una navaja de afeitar . Más tarde esa misma noche, se cortó su propia oreja izquierda. Envolvió el tejido cortado en periódico y se lo entregó a una mujer que trabajaba en un burdel que Gauguin y Vincent habían visitado, y le pidió que "guardara este objeto con cuidado, en memoria mía". Vincent fue hospitalizado al día siguiente y Gauguin se fue de Arles. [62] Nunca se volvieron a ver, pero continuaron carteándose, y en 1890 Gauguin llegó al punto de proponer que formaran un estudio de artista en Amberes . [63] Un autorretrato escultórico de 1889, Jarra en forma de cabeza, parece hacer referencia a la relación traumática de Gauguin con Vincent.
Gauguin afirmó más tarde haber sido decisivo para influir en el desarrollo de Vincent van Gogh como pintor en Arles. Si bien Vincent experimentó brevemente con la teoría de Gauguin de "pintar a partir de la imaginación" en pinturas como Recuerdo del jardín de Etten , no le convenía y rápidamente volvió a pintar a partir de la naturaleza. [64] [65]
Aunque Gauguin dio algunos de sus primeros pasos en el mundo del arte bajo la dirección de Pissarro, Edgar Degas fue el artista contemporáneo más admirado de Gauguin y ejerció una gran influencia en su obra desde el principio, con sus figuras e interiores, así como un medallón tallado y pintado de la cantante Valérie Roumi. [66] Sentía una profunda reverencia por la dignidad y el tacto artísticos de Degas. [67] Fue la amistad más sana y duradera de Gauguin, que abarcó toda su carrera artística hasta su muerte.
Además de ser uno de sus primeros partidarios, incluso comprando obras de Gauguin y persuadiendo al comerciante Paul Durand-Ruel para que hiciera lo mismo, nunca hubo un apoyo público a Gauguin más inquebrantable que el de Degas. [68] Gauguin también compró obras de Degas a principios y mediados de la década de 1870 y su propia predilección por el monotipo probablemente estuvo influenciada por los avances de Degas en el medio. [69]
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La exposición Durand-Ruel de Gauguin en noviembre de 1893, que Degas organizó principalmente, recibió críticas mixtas. Entre los que se burlaron estaban Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir y su antiguo amigo Pissarro. Degas, sin embargo, elogió su trabajo, compró Te faaturuma y admiró la suntuosidad exótica del folclore conjurado de Gauguin. [70] [71] [72] En agradecimiento, Gauguin le regaló a Degas La luna y la tierra , una de las pinturas exhibidas que había atraído la crítica más hostil. [73] El último lienzo de Gauguin Jinetes en la playa (dos versiones) recuerda los cuadros de caballos de Degas que comenzó en la década de 1860, específicamente Hipódromo y Antes de la carrera , lo que da testimonio de su efecto duradero en Gauguin. [74] Degas luego compró dos pinturas en la subasta de Gauguin de 1895 para recaudar fondos para su último viaje a Tahití. Se trataba de Vahine no te vi (Mujer con mango) y la versión que Gauguin pintó de Olympia de Édouard Manet . [73] [75]
En 1890, Gauguin ya había concebido el proyecto de hacer de Tahití su próximo destino artístico. Una subasta exitosa de pinturas en París en el Hôtel Drouot en febrero de 1891, junto con otros eventos como un banquete y un concierto benéfico, proporcionaron los fondos necesarios. [76] La subasta había sido muy ayudada por una crítica halagadora de Octave Mirbeau , cortejado por Gauguin a través de Camille Pissarro . [77] Después de visitar a su esposa e hijos en Copenhague, por lo que resultó ser la última vez, Gauguin zarpó hacia Tahití el 1 de abril de 1891, prometiendo regresar como un hombre rico y comenzar de nuevo. [78] Su intención declarada era escapar de la civilización europea y "todo lo que es artificial y convencional". [79] [80] Sin embargo, se encargó de llevar consigo una colección de estímulos visuales en forma de fotografías, dibujos y grabados. [81] [a]
Pasó los tres primeros meses en Papeete , la capital de la colonia y ya muy influida por la cultura francesa y europea. Su biógrafa Belinda Thomson observa que debió de sentirse decepcionado con su visión de un idilio primitivo. No podía permitirse el estilo de vida de búsqueda de placeres de Papeete, y un primer intento de retrato, Suzanne Bambridge , no fue muy bien recibido. [83] Decidió establecer su estudio en Mataiea, Papeari , a unos 45 kilómetros (28 millas) de Papeete, instalándose en una cabaña de bambú de estilo nativo. Aquí ejecutó pinturas que representan la vida tahitiana, como Fatata te Miti (Junto al mar) y Ia Orana Maria (Ave María) , esta última se convertiría en su pintura tahitiana más preciada. [84]
Muchos de sus mejores cuadros datan de este período. Se cree que su primer retrato de una modelo tahitiana es Vahine no te tiare ( Mujer con una flor ). La pintura es notable por el cuidado con el que delinea los rasgos polinesios . Envió la pintura a su patrón George-Daniel de Monfreid , un amigo de Schuffenecker, que se convertiría en el devoto defensor de Gauguin en Tahití. A fines del verano de 1892, esta pintura se exhibió en la galería de Goupil en París. [85] La historiadora de arte Nancy Mowll Mathews cree que el encuentro de Gauguin con la sensualidad exótica en Tahití, tan evidente en la pintura, fue de lejos el aspecto más importante de su estancia allí. [86] A menudo traducía los títulos de sus obras en tahitiano , sin embargo, algunos de estos títulos a veces estaban muy mal conjugados hasta el punto en que eran casi difíciles de entender para los propios hablantes nativos de tahití. [87]
Gauguin recibió en préstamo copias de Voyage aux îles du Grand Océan de Jacques-Antoine Moerenhout de 1837 y de État de la société tahitienne à l'arrivée des Européens de Edmond de Bovis de 1855 , que contenían relatos completos de la cultura y religión olvidadas de Tahití. Gauguin estaba fascinado por los relatos de la sociedad arioi y su dios Oro . Como estos relatos no contenían ilustraciones y los modelos tahitianos habían desaparecido hacía tiempo, pudo dar rienda suelta a su imaginación. Ejecutó unas veinte pinturas y una docena de tallas de madera durante el año siguiente. La primera de ellas fue Te aa no areois (La semilla de los areoi) , que representa a la esposa terrestre de Oro, Vairaumati, que ahora se conserva en el Museo Metropolitano de Arte . Su cuaderno ilustrado de la época, Ancien Culte Mahorie , se conserva en el Louvre y se publicó en forma de facsímil en 1951. [88] [89] [90]
En total, Gauguin envió nueve de sus cuadros a Monfreid en París, que finalmente se exhibieron en Copenhague en una exposición conjunta con el fallecido Vincent van Gogh. Los informes de que habían tenido una buena acogida (aunque de hecho sólo se vendieron dos de las pinturas tahitianas y sus cuadros anteriores fueron comparados desfavorablemente con los de Van Gogh) fueron lo suficientemente alentadores para que Gauguin contemplara la posibilidad de regresar con unos setenta cuadros más que había completado. [91] [92] En cualquier caso, se había quedado prácticamente sin fondos, y dependía de una subvención estatal para un pasaje gratuito a casa. Además, tenía algunos problemas de salud que el médico local le diagnosticó como problemas cardíacos, lo que Mathews sugiere que pueden haber sido los primeros síntomas de sífilis cardiovascular . [93]
Gauguin escribió más tarde un diario de viaje (publicado por primera vez en 1901) titulado Noa Noa , concebido originalmente como un comentario sobre sus pinturas y que describía sus experiencias en Tahití. Los críticos modernos han sugerido que el contenido del libro fue en parte una fantasía y un plagio. [94] [95] En él reveló que en ese momento había tomado a una niña de 13 años como esposa nativa o vahine (la palabra tahitiana para "mujer"), un matrimonio contraído en el transcurso de una sola tarde. Esta era Teha'amana , llamada Tehura en el diario de viaje, que estaba embarazada de él a fines del verano de 1892. [96] [97] [98] [99] Teha'amana fue el tema de varias de las pinturas de Gauguin, incluidas Merahi metua no Tehamana y el célebre Espíritu de los muertos vigilando , así como una notable talla de madera Tehura ahora en el Museo de Orsay . [100] A finales de julio de 1893, Gauguin había decidido abandonar Tahití y nunca volvería a ver a Teha'amana ni a su hijo, incluso después de regresar a la isla varios años después. [101] El Instituto Wildenstein Plattner publicó en 2021 un catálogo razonado digital de las pinturas de este período. [102]
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En agosto de 1893, Gauguin regresó a Francia, donde continuó pintando cuadros sobre temas tahitianos como Mahana no atua (Día de Dios) y Nave nave moe (Primavera sagrada, dulces sueños) . [105] [101] Una exposición en la galería Durand-Ruel en noviembre de 1894 tuvo un éxito moderado, vendiéndose a precios bastante elevados 11 de los 40 cuadros expuestos. Se instaló en un apartamento en el número 6 de la rue Vercingétorix, en el límite del barrio de Montparnasse frecuentado por artistas, y comenzó a dirigir un salón semanal . Adoptó una personalidad exótica , se vistió con trajes polinesios y mantuvo una relación pública con una joven todavía adolescente, "mitad india, mitad malaya", conocida como Annah la Javanesa . [106] [107]
A pesar del éxito moderado de su exposición de noviembre, posteriormente perdió el patrocinio de Durand-Ruel en circunstancias que no están claras. Mathews caracteriza esto como una tragedia para la carrera de Gauguin. Entre otras cosas, perdió la oportunidad de una introducción al mercado estadounidense. [108] A principios de 1894, preparó xilografías utilizando una técnica experimental para su proyecto de diario de viaje Noa Noa . Regresó a Pont-Aven para el verano. En febrero de 1895 intentó una subasta de sus pinturas en el Hôtel Drouot en París, similar a la de 1891, pero no tuvo éxito. El comerciante Ambroise Vollard , sin embargo, mostró sus pinturas en su galería en marzo de 1895, pero lamentablemente no llegaron a un acuerdo en esa fecha. [109]
Envió una gran escultura de cerámica que llamó Oviri , que había cocido el invierno anterior, al salón de la Société Nationale des Beaux-Arts 1895 que se inauguró en abril. [103] Hay versiones contradictorias sobre cómo fue recibida: su biógrafo y colaborador de Noa Noa , el poeta simbolista Charles Morice , sostuvo (1920) que la obra fue "literalmente expulsada" de la exposición, mientras que Vollard dijo (1937) que la obra fue admitida solo cuando Chaplet amenazó con retirar todo su propio trabajo. [110] En cualquier caso, Gauguin aprovechó la oportunidad para aumentar su exposición pública escribiendo una carta indignada sobre el estado de la cerámica moderna a Le Soir . [111]
En ese momento, ya era evidente que él y su esposa Mette estaban irrevocablemente separados. Aunque había habido esperanzas de una reconciliación, pronto se pelearon por cuestiones de dinero y ninguno de los dos visitó al otro. Gauguin inicialmente se negó a compartir parte alguna de una herencia de 13.000 francos de su tío Isidore que había recibido poco después de regresar. Mette finalmente recibió 1.500 francos, pero ella se indignó y desde ese momento mantuvo contacto con él solo a través de Schuffenecker, lo que fue doblemente irritante para Gauguin, ya que su amigo así conoció el verdadero alcance de su traición. [112] [33]
A mediados de 1895, los intentos de recaudar fondos para el regreso de Gauguin a Tahití habían fracasado, y comenzó a aceptar caridad de sus amigos. En junio de 1895, Eugène Carrière consiguió un pasaje barato de regreso a Tahití, y Gauguin nunca volvió a ver Europa. [113]
Gauguin partió de nuevo hacia Tahití el 28 de junio de 1895. Thomson describe su regreso como esencialmente negativo, ya que su desilusión con la escena artística parisina se vio agravada por dos ataques contra él en el mismo número de Mercure de France ; [116] [117] uno de Emile Bernard y el otro de Camille Mauclair . Mathews señala que su aislamiento en París se había vuelto tan amargo que no tuvo más opción que intentar recuperar su lugar en la sociedad tahitiana. [118] [119]
Llegó en septiembre de 1895 y pasó los seis años siguientes viviendo, en su mayor parte, una vida aparentemente cómoda como artista colono cerca de Papeete, o a veces en Papeete. Durante este tiempo pudo mantenerse con un flujo cada vez más constante de ventas y el apoyo de amigos y simpatizantes, aunque hubo un período de tiempo, entre 1898 y 1899, en el que se sintió obligado a aceptar un trabajo de oficina en Papeete, del que no hay muchos registros. Construyó una espaciosa casa de caña y paja en Puna'auia , en una zona acomodada a diez millas al este de Papeete, habitada por familias ricas, en la que instaló un gran estudio, sin escatimar en gastos. Jules Agostini, un conocido de Gauguin y un consumado fotógrafo aficionado, fotografió la casa en 1896. [120] [121] [122] Más tarde, una venta de terrenos lo obligó a construir una nueva en el mismo vecindario. [123] [124]
Mantenía un caballo y un carruaje , por lo que estaba en condiciones de viajar diariamente a Papeete para participar en la vida social de la colonia si así lo deseaba. Estaba suscrito al Mercure de France (de hecho, era accionista), por entonces la revista crítica más importante de Francia, y mantenía una correspondencia activa con otros artistas, comerciantes, críticos y mecenas en París. [125] Durante su año en Papeete y después, jugó un papel cada vez mayor en la política local, contribuyendo abrasivamente a un periódico local opuesto al gobierno colonial, Les Guêpes (Las avispas) , que se había formado recientemente, y finalmente editó su propia publicación mensual Le Sourire: Journal sérieux (La sonrisa: un periódico serio) , más tarde titulado simplemente Journal méchant (Un periódico perverso) . [126] Sobreviven una cierta cantidad de obras de arte y xilografías de su periódico. [127] En febrero de 1900 se convirtió en el editor de Les Guêpes , por el que cobraba un salario, y continuó como editor hasta que dejó Tahití en septiembre de 1901. El periódico bajo su dirección era conocido por sus ataques difamatorios al gobernador y a la burocracia en general, pero de hecho no era un defensor de las causas nativas, aunque se lo percibía como tal. [128] [129]
Durante el primer año, al menos, no produjo pinturas y le comunicó a Monfreid que, en adelante, se proponía concentrarse en la escultura. De este período, se conservan pocas de sus tallas de madera, la mayoría de las cuales fueron recopiladas por Monfreid. Thomson cita Oyez Hui Iesu (Cristo en la cruz) , un cilindro de madera de medio metro (20") de alto que presenta un curioso híbrido de motivos religiosos. El cilindro puede haberse inspirado en tallas simbólicas similares en Bretaña, como en Pleumeur-Bodou , donde los artesanos locales han cristianizado menhires antiguos. [130] Cuando reanudó la pintura, fue para continuar su serie de larga data de desnudos con carga sexual en pinturas como Te tamari no atua (Hijo de Dios) y O Taiti (Nunca más) . Thomson observa una progresión en la complejidad. [131] Mathews nota un regreso al simbolismo cristiano que lo habría hecho querer por los colonos de la época, ahora ansiosos por preservar lo que quedaba de la cultura nativa al enfatizar la universalidad de los principios religiosos. En estas pinturas, Gauguin se dirigía a una audiencia entre sus compañeros colonos en Papeete, no a su antigua audiencia de vanguardia en París. [132] [133]
Su salud empeoró decididamente y fue hospitalizado varias veces por diversas dolencias. Mientras estaba en Francia, se rompió el tobillo en una pelea de borrachos durante una visita a la costa de Concarneau . [134] La lesión, una fractura expuesta , nunca sanó adecuadamente. Luego comenzaron a aparecerle llagas dolorosas y debilitantes que restringían su movimiento por sus piernas. Estas fueron tratadas con arsénico. Gauguin culpó al clima tropical y describió las llagas como "eccemas", pero sus biógrafos coinciden en que esto debe haber sido el progreso de la sífilis. [93] [135] [b]
En abril de 1897, recibió la noticia de que su hija favorita, Aline, había muerto de neumonía. Ese fue también el mes en que se enteró de que tenía que desalojar su casa porque se había vendido el terreno. Pidió un préstamo bancario para construir una casa de madera mucho más extravagante con hermosas vistas a las montañas y al mar. Pero se excedió al hacerlo y, a finales de año, se enfrentó a la perspectiva real de que su banco le ejecutara la hipoteca. [137] La mala salud y las deudas apremiantes lo llevaron al borde de la desesperación. A finales de año completó su monumental ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿A dónde vamos?, que consideró su obra maestra y su testamento artístico final (en una carta a Monfreid explicó que intentó suicidarse después de terminarla). [138] [139] [140] La pintura se exhibió en la galería de Vollard en noviembre del año siguiente, junto con ocho pinturas temáticamente relacionadas que había completado en julio. [141] Esta fue su primera exposición importante en París desde su muestra de Durand-Ruel en 1893 y fue un rotundo éxito, los críticos elogiaron su nueva serenidad. Sin embargo, ¿De dónde venimos? recibió críticas mixtas y Vollard tuvo dificultades para venderla. Finalmente la vendió en 1901 por 2.500 francos (unos 10.000 dólares estadounidenses del año 2000) a Gabriel Frizeau , de los cuales la comisión de Vollard fue quizás de hasta 500 francos.
Georges Chaudet, el marchante de Gauguin en París, murió en el otoño de 1899. Vollard había estado comprando las pinturas de Gauguin a través de Chaudet y ahora hizo un acuerdo con Gauguin directamente. [142] [143] El acuerdo le proporcionó a Gauguin un anticipo mensual regular de 300 francos a cambio de una compra garantizada de al menos 25 pinturas inéditas al año a 200 francos cada una, y además Vollard se comprometió a proporcionarle sus materiales de arte. Hubo algunos problemas iniciales por ambas partes, pero Gauguin finalmente pudo hacer realidad su anhelado plan de reasentarse en las Islas Marquesas en busca de una sociedad aún más primitiva . Pasó sus últimos meses en Tahití viviendo con considerable comodidad, como lo atestigua la liberalidad con la que entretuvo a sus amigos en ese momento. [144] [145] [146]
Gauguin no pudo continuar su trabajo en cerámica en las islas por la sencilla razón de que no había arcilla adecuada disponible. [147] De manera similar, sin acceso a una imprenta ( Le Sourire fue hectografiado ), [148] se vio obligado a recurrir al proceso de monotipia en su trabajo gráfico. [149] Los ejemplos sobrevivientes de estas impresiones son bastante raros y alcanzan precios muy altos en las salas de subastas. [150]
Durante esta época, Gauguin mantuvo una relación con Pahura (Pau'ura), una tai, hija de unos vecinos de Puna'auia. Gauguin inició esta relación cuando Pau'ura tenía 14 años .+1 ⁄ 2 años de edad. [151] Tuvo dos hijos con ella, de los cuales una niña murió en la infancia. El otro, un niño, lo crió ella misma. Sus descendientes todavía habitaban Tahití en la época de la biografía de Mathews. Pahura se negó a acompañar a Gauguin a las Marquesas lejos de su familia en Puna'auia (antes lo había dejado cuando él empezó a trabajar en Papeete a sólo 10 millas de distancia). [152] Cuando el escritor inglés Willam Somerset Maugham la visitó en 1917, ella no pudo ofrecerle ningún recuerdo útil de Gauguin y lo reprendió por visitarla sin traer dinero de la familia de Gauguin. [153]
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Gauguin había alimentado su plan de establecerse en las Marquesas desde que vio una colección de cuencos y armas marquesanas intrincadamente tallados en Papeete durante sus primeros meses en Tahití. [154] Sin embargo, encontró una sociedad que, como en Tahití, había perdido su identidad cultural. De todos los grupos de islas del Pacífico, las Marquesas fueron las más afectadas por la importación de enfermedades occidentales (especialmente tuberculosis ). [155] Una población del siglo XVIII de unos 80.000 había disminuido a sólo 4.000. [156] Los misioneros católicos tenían influencia y, en su esfuerzo por controlar la embriaguez y la promiscuidad, obligaron a todos los niños nativos a asistir a escuelas misioneras hasta la adolescencia. El gobierno colonial francés fue impuesto por una gendarmería conocida por su malevolencia y estupidez, mientras que los comerciantes, tanto occidentales como chinos, explotaban a los nativos de manera espantosa. [157] [158]
Gauguin se instaló en Atuona, en la isla de Hiva-Oa , a donde llegó el 16 de septiembre de 1901. [c] Esta era la capital administrativa del grupo de islas, pero considerablemente menos desarrollada que Papeete, aunque había un servicio de vapor eficiente y regular entre las dos. Había un médico militar, pero no un hospital. El médico fue trasladado a Papeete en febrero siguiente y, a partir de entonces, Gauguin tuvo que depender de los dos trabajadores sanitarios de la isla, el exiliado vietnamita Nguyen Van Cam (Ky Dong), que se había establecido en la isla pero no tenía formación médica formal, y el pastor protestante Paul Vernier, que había estudiado medicina además de teología. [159] [160] Ambos se convertirían en amigos cercanos. [161]
Compró un terreno en el centro de la ciudad a la misión católica, tras haberse ganado el favor del obispo local asistiendo regularmente a misa. Este obispo era monseñor Joseph Martin, que inicialmente tenía buena disposición hacia Gauguin porque era consciente de que Gauguin se había alineado con el partido católico en Tahití en su periodismo. [162]
Gauguin construyó una casa de dos pisos en su terreno, lo suficientemente resistente como para sobrevivir a un ciclón posterior que arrasó la mayoría de las otras viviendas de la ciudad. Lo ayudaron en la tarea los dos mejores carpinteros marqueses de la isla, uno de ellos llamado Tioka, tatuado de pies a cabeza al estilo tradicional marquesano (una tradición suprimida por los misioneros). Tioka era diácono en la congregación de Vernier y se convirtió en vecino de Gauguin después del ciclón cuando Gauguin le regaló un rincón de su terreno. La planta baja estaba al aire libre y se usaba para comer y estar, mientras que el piso superior se usaba para dormir y como su estudio. La puerta del piso superior estaba decorada con un dintel y jambas de madera policromada tallada que aún sobreviven en museos. El dintel bautizaba la casa como Maison du Jouir (es decir, la casa del placer ), mientras que las jambas recordaban su anterior talla de madera Soyez amoureuses vous serez heureuses (es decir , enamórate, serás feliz ) de 1889. Las paredes estaban decoradas, entre otras cosas, con su preciada colección de cuarenta y cinco fotografías pornográficas que había comprado en Port Said cuando salía de Francia. [163]
Al menos en sus inicios, hasta que Gauguin encontró una vahine , la casa atraía multitudes apreciativas por las tardes de los nativos, que venían a contemplar las imágenes y a festejar hasta media noche. [164] No hace falta decir que todo esto no hizo que Gauguin se ganara el cariño del obispo, menos aún cuando Gauguin erigió dos esculturas que colocó al pie de sus escalones satirizando al obispo y a una sirvienta que se decía que era la amante del obispo, [165] y menos aún cuando Gauguin atacó más tarde el impopular sistema de escuelas misioneras. [166] La escultura del obispo, Père Paillard , se encuentra en la National Gallery of Art, Washington, mientras que su pieza colgante, Thérèse, alcanzó un récord de 30.965.000 dólares por una escultura de Gauguin en una venta de Christie's Nueva York en 2015. [167] [168] Éstas se encontraban entre al menos ocho esculturas que adornaban la casa según un inventario póstumo, la mayoría de las cuales se han perdido en la actualidad. En conjunto representaban un ataque muy público a la hipocresía de la iglesia en materia sexual. [169] [170]
La financiación estatal de las escuelas misioneras había cesado como resultado de la Ley de Asociaciones de 1901 promulgada en todo el imperio francés. [155] [162] [171] Las escuelas continuaron con dificultades como instituciones privadas, pero estas dificultades se agravaron cuando Gauguin estableció que la asistencia a cualquier escuela determinada solo era obligatoria dentro de un área de influencia de aproximadamente dos millas y media de radio. Esto llevó a que numerosas hijas adolescentes fueran retiradas de las escuelas (Gauguin llamó a este proceso "rescate"). Tomó como vahine a una de esas niñas, Vaeoho (también llamada Marie-Rose), la hija de 14 años de una pareja nativa que vivía en un valle adyacente a seis millas de distancia. [172] Esto difícilmente puede haber sido una tarea agradable para ella, ya que las llagas de Gauguin eran para entonces extremadamente nocivas y requerían vendaje diario. [160] Sin embargo, vivió voluntariamente con él y al año siguiente dio a luz a una hija sana cuyos descendientes continúan viviendo en la isla. [173] [174]
En noviembre se había instalado en su nuevo hogar con Vaeoho, un cocinero (Kahui), otros dos sirvientes (sobrinos de Tioka), su perro, Pegau (un juego de palabras con sus iniciales PG ) y un gato. La casa en sí, aunque estaba en el centro de la ciudad, estaba situada entre árboles y apartada de la vista. Las fiestas cesaron y comenzó un período de trabajo productivo, enviando veinte lienzos a Vollard el siguiente abril. [175] Había pensado que encontraría nuevos motivos en las Marquesas, y le escribió a Monfreid: [176] [177]
Creo que en las Marquesas, donde es fácil encontrar modelos (cosa que en Tahití es cada vez más difícil), y con un nuevo territorio que explorar –con temas nuevos y más salvajes, en definitiva–, haré cosas hermosas. Aquí mi imaginación ha empezado a enfriarse y, además, el público se ha acostumbrado tanto a Tahití. El mundo es tan estúpido que si le mostramos lienzos que contengan elementos nuevos y terribles , Tahití se volverá comprensible y encantador. Mis cuadros de Bretaña son ahora agua de rosas por Tahití; Tahití se convertirá en agua de colonia por las Marquesas.
— Paul Gauguin, Carta LII a George Daniel de Monfreid, junio de 1901
De hecho, la mayoría de sus obras de las Marquesas solo pueden distinguirse de las de Tahití por expertos o por sus fechas, [178] cuadros como Dos mujeres siguen sin estar claros en cuanto a su ubicación. [179] Para Anna Szech, lo que las distingue es su reposo y melancolía, aunque contienen elementos de inquietud. Así, en la segunda de las dos versiones de Cavaliers sur la Plage (Jinetes en la playa) , las nubes que se agolpan y las olas espumosas sugieren una tormenta inminente, mientras que las dos figuras distantes sobre caballos grises se hacen eco de figuras similares en otros cuadros que se consideran símbolo de la muerte. [176]
Gauguin eligió pintar paisajes, naturalezas muertas y estudios de figuras en esta época, teniendo en cuenta la clientela de Vollard, evitando los temas primitivos y de paraíso perdido de sus pinturas de Tahití. [180] Pero hay un trío significativo de cuadros de este último período que sugieren preocupaciones más profundas. Los dos primeros son Jeune fille à l'éventail (Muchacha con abanico) y Le Sorcier d'Hiva Oa (Hombre de las Marquesas con capa roja) . La modelo de Jeune fille fue Tohotaua, la pelirroja, hija de un cacique de una isla vecina. El retrato parece haber sido tomado de una fotografía que Vernier envió más tarde a Vollard. El modelo de Le sorcier puede haber sido Haapuani, un bailarín consumado y un mago temido, que era amigo íntimo de Gauguin y, según Bengt Danielsson , estaba casado con Tohotau. [181] Szech señala que el color blanco del vestido de Tohotau es un símbolo de poder y muerte en la cultura polinesia, el retratado cumpliendo con su deber para una cultura maohi en su conjunto amenazada de extinción. [176] Le Sorcier parece haber sido ejecutado al mismo tiempo y representa a un joven de pelo largo que lleva una exótica capa roja. La naturaleza andrógina de la imagen ha atraído la atención de la crítica, dando lugar a la especulación de que Gauguin tenía la intención de representar a un māhū (es decir, una persona del tercer género ) en lugar de un taua o sacerdote. [178] [182] [183] La tercera imagen del trío es el misterioso y hermoso Contes barbares (Cuentos primitivos) que presenta a Tohotau nuevamente a la derecha. La figura de la izquierda es Jacob Meyer de Haan , un amigo pintor de Gauguin de sus días en Pont-Aven que había muerto unos años antes, mientras que la figura del medio es nuevamente andrógina, identificada por algunos como Haapuani. La pose similar a la de Buda y las flores de loto sugieren a Elizabeth Childs que el cuadro es una meditación sobre el ciclo perpetuo de la vida y la posibilidad del renacimiento. [180] Como estas pinturas llegaron a Vollard después de la muerte repentina de Gauguin, no se sabe nada sobre las intenciones de Gauguin en su ejecución. [184]
En marzo de 1902, el gobernador de la Polinesia Francesa, Édouard Petit , llegó a las Marquesas para realizar una inspección. Iba acompañado de Édouard Charlier como jefe del sistema judicial. Charlier era un pintor aficionado que había entablado amistad con Gauguin cuando llegó por primera vez como magistrado a Papeete en 1895. [185] Sin embargo, su relación se había convertido en enemistad cuando Charlier se negó a procesar a Pau'ura, la entonces vahine de Gauguin, por una serie de delitos triviales, supuestamente allanamiento y robo, que había cometido en Puna'auia mientras Gauguin estaba trabajando en Papeete. Gauguin había llegado al extremo de publicar una carta abierta atacando a Charlier sobre el asunto en Les Guêpes . [186] [187] [188] Petit, presumiblemente debidamente advertido, se negó a recibir a Gauguin para entregarle las protestas de los colonos (Gauguin era su portavoz) sobre el odioso sistema impositivo, que hacía que la mayor parte de los ingresos de las Marquesas se gastaran en Papeete. Gauguin respondió en abril negándose a pagar sus impuestos y alentando a los colonos, comerciantes y plantadores a hacer lo mismo. [189]
Casi al mismo tiempo, la salud de Gauguin comenzó a deteriorarse de nuevo, con la misma constelación familiar de síntomas que incluían dolor en las piernas, palpitaciones del corazón y debilidad general. El dolor en su tobillo herido se volvió insoportable y en julio se vio obligado a pedir una trampa en Papeete para poder moverse por la ciudad. [159] En septiembre, el dolor era tan extremo que recurrió a inyecciones de morfina . Sin embargo, estaba lo suficientemente preocupado por el hábito que estaba desarrollando como para entregarle su juego de jeringas a un vecino, confiando en cambio en el láudano . Su vista también estaba empezando a fallarle, como lo atestiguan las gafas que usa en su último autorretrato conocido. En realidad, se trataba de un retrato iniciado por su amigo Ky Dong que él mismo completó, lo que explica su estilo poco característico. [190] Muestra a un hombre cansado y envejecido, pero no completamente derrotado. [191] Durante un tiempo consideró regresar a Europa, a España, para recibir tratamiento. Monfreid le aconsejó: [192] [193]
Al regresar, correrá el riesgo de dañar el proceso de incubación que se está produciendo en la apreciación que el público tiene de usted. Actualmente, usted es un artista único y legendario que nos envía desde los remotos Mares del Sur obras desconcertantes e inimitables que son las creaciones definitivas de un gran hombre que, en cierto modo, ya se ha ido de este mundo. Sus enemigos –y, como todos los que perturban las mediocridades, usted tiene muchos enemigos– callan; pero no se atreven a atacarlo, ni siquiera piense en ello. Usted está tan lejos. No debería regresar... Usted ya es tan inatacable como todos los grandes muertos; usted ya pertenece a la historia del arte .
— George Daniel Monfreid, Carta a Paul Gauguin, alrededor de octubre de 1902
En julio de 1902, Vaeoho, embarazada de siete meses, dejó a Gauguin para regresar a su casa en el valle vecino de Hekeani para tener a su bebé entre familiares y amigos. Dio a luz en septiembre, pero no regresó. Gauguin no tomó otra vahine posteriormente . Fue en esta época cuando su disputa con el obispo Martin sobre las escuelas misioneras alcanzó su punto álgido. El gendarme local, Désiré Charpillet, al principio amigo de Gauguin, escribió un informe al administrador del grupo de islas, que residía en la vecina isla de Nuku Hiva , criticando a Gauguin por alentar a los nativos a retirar a sus hijos de la escuela, así como por alentar a los colonos a retener el pago de sus impuestos. Por suerte, el puesto de administrador había sido ocupado recientemente por François Picquenot, un viejo amigo de Gauguin de Tahití y esencialmente simpatizante de él. Picquenot le aconsejó a Charpillet que no tomara ninguna medida sobre el asunto de las escuelas, ya que Gauguin tenía la ley de su lado, pero autorizó a Charpillet a confiscar los bienes de Gauguin en lugar del pago de impuestos si todo lo demás fallaba. [194] Posiblemente impulsado por la soledad, y a veces incapaz de pintar, Gauguin se dedicó a escribir. [195] [196]
En 1901, el manuscrito de Noa Noa que Gauguin había preparado junto con xilografías durante su interludio en Francia fue finalmente publicado con los poemas de Morice en forma de libro en la edición de La Plume (el manuscrito en sí está ahora alojado en el museo del Louvre). Secciones de él (incluido su relato de Teha'amana) se habían publicado previamente sin xilografías en 1897 en La Revue Blanche , mientras que él mismo había publicado extractos en Les Guêpes mientras era editor. La edición de La Plume estaba planeada para incluir sus xilografías, pero denegó el permiso para imprimirlas en papel liso como deseaban los editores. [197] En verdad, se había desinteresado en la aventura con Morice y nunca vio una copia, rechazando una oferta de cien copias de cortesía. [198] Sin embargo, su publicación lo inspiró a considerar escribir otros libros. [199] A principios de año (1902), había revisado un viejo manuscrito de 1896-97, L'Esprit Moderne et le Catholicisme ( El espíritu moderno y el catolicismo ), sobre la Iglesia católica romana, añadiendo unas veinte páginas que contenían ideas extraídas de sus tratos con el obispo Martin. Envió este texto al obispo Martin, quien respondió enviándole una historia ilustrada de la Iglesia. Gauguin devolvió el libro con comentarios críticos que más tarde publicó en sus reminiscencias autobiográficas. [200] [201] A continuación, preparó un ensayo ingenioso y bien documentado, Racontars de Rapin ( Cuentos de un aficionado ) sobre los críticos y la crítica de arte, que envió para su publicación a André Fontainas , crítico de arte del Mercure de France cuya reseña favorable de ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos? había hecho mucho para restaurar su reputación. Fontainas, sin embargo, respondió que no se atrevía a publicarlo. No se publicó posteriormente hasta 1951. [199] [202] [203] [204] [205]
El 27 de mayo de ese año, el servicio de vapor Croix du Sud naufragó frente al atolón de Apataki y durante un período de tres meses la isla quedó sin correo ni suministros. [206] [207] Cuando se reanudó el servicio de correo, Gauguin escribió un furioso ataque al gobernador Petit en una carta abierta, quejándose, entre otras cosas, de la forma en que habían sido abandonados tras el naufragio. La carta fue publicada por L'Indepéndant , el periódico sucesor de Les Guêpes , ese noviembre en Papeete. De hecho, Petit había seguido una política independiente y pro-nativa, para decepción del Partido Católico Romano, y el periódico estaba preparando un ataque contra él. Gauguin también envió la carta al Mercure de France , que publicó una versión redactada de la misma después de su muerte. [202] A esto le siguió una carta privada al jefe de la gendarmería en Papeete, quejándose de los excesos de su propio gendarme local Charpillet al hacer que los prisioneros trabajaran para él. Danielsson señala que, si bien estas quejas y otras similares estaban bien fundadas, el motivo de todas ellas era la vanidad herida y la simple animosidad. En efecto, en diciembre de ese año Charpillet, que era relativamente partidario de Gauguin, fue reemplazado por otro gendarme, Jean-Paul Claverie, de Tahití, mucho menos dispuesto hacia él y que, de hecho, lo había multado en sus primeros días en Mataiea por indecencia pública, tras haberlo sorprendido bañándose desnudo en un arroyo local tras las quejas de los misioneros que estaban allí. [208]
Su salud se deterioró aún más en diciembre hasta el punto de que apenas podía pintar. Comenzó una memoria autobiográfica que llamó Avant et après (Antes y después) (publicada en traducción en los EE. UU. como Intimate Journals ), que completó durante los siguientes dos meses. [65] Se suponía que el título reflejaba sus experiencias antes y después de llegar a Tahití y como tributo a las memorias inéditas de su propia abuela, Pasado y futuro . Sus memorias resultaron ser una colección fragmentada de observaciones sobre la vida en Polinesia, su propia vida y comentarios sobre literatura y pinturas. Incluyó en ella ataques a temas tan diversos como la gendarmería local , el obispo Martin, su esposa Mette y los daneses en general, y concluyó con una descripción de su filosofía personal concibiendo la vida como una lucha existencial para reconciliar binarios opuestos. [209] [d] Mathews señala dos comentarios finales como una destilación de su filosofía:
Nadie es bueno, nadie es malo, todos somos ambas cosas, de la misma manera y de diferentes maneras…
Es algo tan pequeño, la vida de un hombre, y sin embargo hay tiempo para hacer grandes cosas, fragmentos de la tarea común.— Paul Gauguin, Diarios íntimos , 1903 [212]
Envió el manuscrito a Fontainas para su edición, pero los derechos volvieron a manos de Mette tras la muerte de Gauguin, y no se publicó hasta 1918 (en una edición facsímil); la traducción estadounidense apareció en 1921. [213]
A principios de 1903, Gauguin emprendió una campaña diseñada para exponer la incompetencia de los gendarmes de la isla, en particular de Jean-Paul Claverie, por ponerse directamente del lado de los nativos en un caso que involucraba la supuesta embriaguez de un grupo de ellos. [214] Sin embargo, Claverie escapó a la censura. A principios de febrero, Gauguin escribió al administrador, François Picquenot, alegando corrupción por parte de uno de los subordinados de Claverie. Picquenot investigó las acusaciones, pero no pudo fundamentarlas. Claverie respondió presentando una denuncia contra Gauguin por difamación a un gendarme. Posteriormente, el magistrado local lo multó con 500 francos y lo condenó a tres meses de prisión el 27 de marzo de 1903. Gauguin presentó inmediatamente una apelación en Papeete y se dispuso a recaudar fondos para viajar a Papeete para escuchar su apelación. [215]
En esa época, Gauguin estaba muy débil y sufría muchos dolores y recurrió de nuevo a la morfina. Murió repentinamente en la mañana del 8 de mayo de 1903. [216] [217] [e]
Antes había mandado llamar a su pastor, Paul Vernier, quejándose de desmayos. Habían charlado juntos y Vernier se había ido, creyendo que se encontraba estable. Sin embargo, el vecino de Gauguin, Tioka, lo encontró muerto a las 11 en punto, confirmando el hecho al modo tradicional de las Marquesas, mordiéndole el cuero cabelludo en un intento de reanimarlo. Junto a su cama había una botella vacía de láudano , lo que ha dado lugar a especulaciones de que fue víctima de una sobredosis. [218] [219] Vernier creía que murió de un ataque cardíaco. [220]
Gauguin fue enterrado en el cementerio católico del Calvario (Cimetière Calvaire), Atuona , Hiva 'Oa, a las 2 p. m. del día siguiente. En 1973, se colocó un molde de bronce de su figura de Oviri sobre su tumba, como había indicado que era su deseo. [221] Irónicamente, su vecino más cercano en el cementerio es el obispo Martin, su tumba está coronada por una gran cruz blanca. Vernier escribió un relato de los últimos días de Gauguin y su entierro, reproducido en la edición de O'Brien de las cartas de Gauguin a Monfreid. [222]
La noticia de la muerte de Gauguin no llegó a Francia (a Monfreid) hasta el 23 de agosto de 1903. A falta de testamento, sus efectos menos valiosos fueron subastados en Atuona, mientras que sus cartas, manuscritos y pinturas fueron subastados en Papeete el 5 de septiembre de 1903. Mathews señala que esta rápida dispersión de sus efectos condujo a la pérdida de mucha información valiosa sobre sus últimos años. Thomson señala que el inventario de subasta de sus efectos (algunos de los cuales fueron quemados como pornografía) reveló una vida que no era tan empobrecida o primitiva como le hubiera gustado mantener. [223] Mette Gauguin recibió a su debido tiempo las ganancias de la subasta, unos 4.000 francos. [224] Una de las pinturas subastadas en Papeete fue Maternité II , una versión más pequeña de Maternité I en el Museo del Hermitage. El original fue pintado en la época en que su entonces vahine, Pau'ura, en Puna'auia, dio a luz a su hijo Emile. No se sabe por qué pintó la copia más pequeña. Se vendió por 150 francos a un oficial naval francés, el comandante Cochin, quien dijo que el propio gobernador Petit había ofrecido hasta 135 francos por la pintura. Se vendió en Sotheby's por 39.208.000 dólares estadounidenses en 2004. [225]
El Centro Cultural Paul Gauguin de Atuona cuenta con una reconstrucción de la Maison du Jouir . La casa original permaneció vacía durante unos años, y la puerta aún conservaba el dintel tallado por Gauguin. Finalmente, se recuperó; cuatro de las cinco piezas se conservan en el Museo de Orsay y la quinta en el Museo Paul Gauguin de Tahití. [226]
En 2014, el examen forense de cuatro dientes encontrados en un frasco de vidrio en un pozo cerca de la casa de Gauguin puso en tela de juicio la creencia convencional de que Gauguin había sufrido sífilis. El examen de ADN estableció que los dientes eran casi con certeza de Gauguin, pero no se encontraron rastros del mercurio que se usaba para tratar la sífilis en ese momento, lo que sugiere que Gauguin no sufría de sífilis o que no estaba siendo tratado por ella. [227] [228] En 2007, cuatro muelas podridas , que pueden haber sido de Gauguin, fueron encontradas por arqueólogos en el fondo de un pozo que construyó en la isla de Hiva Oa, en las Islas Marquesas. [229]
Gauguin sobrevivió a tres de sus hijos; su hija favorita, Aline, murió de neumonía; su hijo Clovis murió de una infección en la sangre después de una operación de cadera, [230] y una hija, cuyo nacimiento fue retratado en la pintura de Gauguin de 1896 Te tamari no atua , hija de la joven amante tahitiana de Gauguin, Pau'ura, murió solo unos días después de su nacimiento el día de Navidad de 1896. [231] Su hijo, Émile Gauguin, trabajó como ingeniero de construcción en los EE. UU. y está enterrado en el cementerio histórico de Lemon Bay, en Florida. Otro hijo, Jean René , se convirtió en un conocido escultor y un socialista acérrimo. Murió el 21 de abril de 1961 en Copenhague. Pola (Paul Rollon) se convirtió en artista y crítico de arte y escribió una autobiografía, Mi padre, Paul Gauguin (1937).
Gauguin tuvo otros hijos con sus amantes: Germaine (nacida en 1891) con Juliette Huais (1866-1955); Émile Marae a Tai (nacido en 1899) con Pau'ura; y una hija (nacida en 1902) con Vaeoho (Marie-Rose). Hay algunas especulaciones sobre si la artista belga, Germaine Chardon, era hija de Gauguin. Emile Marae a Tai, analfabeto y criado en Tahití por Pau'ura, fue llevado a Chicago en 1963 por la periodista francesa Josette Giraud y era un artista por derecho propio; sus descendientes todavía vivían en Tahití en 2001. [230] [232]
El primitivismo fue un movimiento artístico de finales del siglo XIX, caracterizado por proporciones corporales exageradas, tótems animales, diseños geométricos y contrastes marcados. El primer artista que utilizó sistemáticamente estos efectos y logró un amplio éxito entre el público fue Paul Gauguin. [233] La élite cultural europea, que descubrió por primera vez el arte de África, Micronesia y los nativos americanos , se sintió fascinada, intrigada y educada por la novedad, la naturaleza salvaje y el poder crudo encarnado en el arte de esos lugares lejanos. Al igual que Pablo Picasso en los primeros días del siglo XX, Gauguin se inspiró y motivó por el poder crudo y la simplicidad del llamado arte primitivo de esas culturas extranjeras. [234]
Gauguin también es considerado un pintor postimpresionista . Sus pinturas audaces, coloridas y orientadas al diseño influyeron significativamente en el arte moderno . Entre los artistas y movimientos de principios del siglo XX que se inspiraron en él se encuentran Vincent van Gogh , Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque , André Derain , el fauvismo , el cubismo y el orfismo , entre otros. Más tarde, influyó en Arthur Frank Mathews y el movimiento Arts and Crafts estadounidense .
John Rewald , reconocido como una autoridad destacada en el arte de finales del siglo XIX, escribió una serie de libros sobre el período postimpresionista, entre ellos Post-Impressionism: From Van Gogh to Gauguin (1956) y un ensayo, Paul Gauguin: Letters to Ambroise Vollard and André Fontainas (incluido en Rewald's Studies in Post-Impressionism , 1986), que analiza los años de Gauguin en Tahití y las luchas por su supervivencia, como se ve a través de la correspondencia con el comerciante de arte Vollard y otros. [235]
Las exposiciones retrospectivas póstumas de Gauguin en el Salón de Otoño de París en 1903, y una aún más grande en 1906, tuvieron una influencia sorprendente y poderosa en la vanguardia francesa y en particular en las pinturas de Pablo Picasso . En el otoño de 1906, Picasso hizo pinturas de mujeres desnudas de gran tamaño y figuras escultóricas monumentales que recordaban la obra de Paul Gauguin y mostraban su interés por el arte primitivo . Las pinturas de figuras masivas de Picasso de 1906 también estuvieron directamente influenciadas por la escultura, la pintura y los escritos de Gauguin. El poder evocado por la obra de Gauguin condujo directamente a Les Demoiselles d'Avignon en 1907. [236]
Según el biógrafo de Gauguin, David Sweetman , Picasso, ya en 1902, se convirtió en un fanático de la obra de Gauguin cuando conoció y se hizo amigo del escultor y ceramista español expatriado Paco Durrio , en París. Durrio tenía varias obras de Gauguin a mano porque era amigo de Gauguin y un agente no remunerado de su trabajo. Durrio intentó ayudar a su amigo pobre en Tahití promocionando su obra en París. Después de que se conocieron, Durrio le presentó a Picasso la cerámica de Gauguin, ayudó a Picasso a hacer algunas piezas de cerámica y le dio a Picasso una primera edición de La Plume de Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin. [237] Además de ver la obra de Gauguin en Durrio, Picasso también vio la obra en la galería de Ambroise Vollard , donde tanto él como Gauguin estaban representados.
Respecto del impacto de Gauguin en Picasso, John Richardson escribió:
La exposición de 1906 de la obra de Gauguin dejó a Picasso más cautivado que nunca por este artista. Gauguin demostró que los tipos de arte más dispares (por no hablar de elementos de la metafísica, la etnología, el simbolismo, la Biblia, los mitos clásicos y mucho más) podían combinarse en una síntesis que era de su tiempo pero atemporal. Un artista también podía confundir las nociones convencionales de belleza, demostró, al unir sus demonios a los dioses oscuros (no necesariamente los tahitianos) y aprovechar una nueva fuente de energía divina. Si en años posteriores Picasso minimizó su deuda con Gauguin, no hay duda de que entre 1905 y 1907 sintió un parentesco muy cercano con este otro Paul, que se enorgullecía de los genes españoles heredados de su abuela peruana. ¿No habría firmado Picasso "Paul" en honor a Gauguin? [238]
Tanto David Sweetman como John Richardson señalan la escultura de Gauguin llamada Oviri (que literalmente significa "salvaje"), la horripilante figura fálica de la diosa tahitiana de la vida y la muerte que estaba destinada a la tumba de Gauguin, exhibida en la exposición retrospectiva de 1906 que condujo aún más directamente a Les Demoiselles. Sweetman escribe: "La estatua de Gauguin Oviri, que se exhibió de manera destacada en 1906, estimuló el interés de Picasso tanto por la escultura como por la cerámica, mientras que las xilografías reforzarían su interés por la estampación, aunque fue el elemento de lo primitivo en todas ellas lo que más condicionó la dirección que tomaría el arte de Picasso. Este interés culminaría en la influyente Les Demoiselles d'Avignon ". [239]
Según Richardson,
El interés de Picasso por la cerámica se vio estimulado aún más por los ejemplos que vio en la retrospectiva de Gauguin de 1906 en el Salón de Otoño . La más inquietante de esas cerámicas (una que Picasso podría haber visto ya en Vollard's) fue la macabra Oviri. Hasta 1987, cuando el Museo de Orsay adquirió esta obra poco conocida (expuesta sólo una vez desde 1906), nunca había sido reconocida como la obra maestra que es, y mucho menos reconocida por su relevancia para las obras que antecedieron a Las señoritas. Aunque mide poco menos de 30 pulgadas de alto, Oviri tiene una presencia imponente, como corresponde a un monumento destinado a la tumba de Gauguin. Picasso quedó muy impresionado por Oviri. 50 años después se alegró mucho cuando [Douglas] Cooper y yo le dijimos que habíamos encontrado esta escultura en una colección que también incluía el yeso original de su cabeza cubista. ¿Ha sido una revelación, como la escultura ibérica ? El encogimiento de hombros de Picasso fue afirmativo a regañadientes. Siempre se mostró reacio a admitir el papel de Gauguin en ponerlo en el camino del primitivismo. [240]
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La primera guía artística de Gauguin vino de Pissarro, pero la relación dejó una huella más personal que estilística. Los maestros de Gauguin fueron Giotto , Rafael , Ingres , Eugène Delacroix , Manet , Degas y Cézanne. [241] [68] [74] [242] [243] Sus propias creencias, y en algunos casos la psicología detrás de su trabajo, también fueron influenciadas por el filósofo Arthur Schopenhauer y el poeta Stéphane Mallarmé . [244] [243]
Gauguin, al igual que algunos de sus contemporáneos, como Degas y Toulouse-Lautrec, empleó una técnica para pintar sobre lienzo conocida como peinture à l'essence . Para ello, se drena el aceite ( aglutinante ) de la pintura y el lodo restante de pigmento se mezcla con trementina. Es posible que haya utilizado una técnica similar para preparar sus monotipos, utilizando papel en lugar de metal, ya que absorbería el aceite dando a las imágenes finales una apariencia mate que deseaba. [245] También probó algunos de sus dibujos existentes con la ayuda de vidrio, copiando una imagen inferior sobre la superficie del vidrio con acuarela o gouache para imprimir. Los grabados en madera de Gauguin no fueron menos innovadores, incluso para los artistas de vanguardia responsables del resurgimiento del grabado en madera que se produjo en ese momento. En lugar de incidir sus bloques con la intención de hacer una ilustración detallada, Gauguin inicialmente cinceló sus bloques de una manera similar a la escultura de madera, seguido de herramientas más finas para crear detalles y tonalidad dentro de sus contornos audaces. Muchas de sus herramientas y técnicas se consideraban experimentales. Esta metodología y uso del espacio se desarrolló en paralelo con su pintura de relieves planos y decorativos. [246]
A partir de Martinica, Gauguin comenzó a utilizar colores análogos muy próximos entre sí para lograr un efecto apagado. [247] Poco después, también hizo sus avances en el color no figurativo, creando lienzos que tenían una existencia independiente y una vitalidad propia. [248] Esta brecha entre la realidad superficial y él mismo desagradó a Pissarro y rápidamente llevó al final de su relación. [249] Sus figuras humanas en este momento también son un recordatorio de su historia de amor con los grabados japoneses, particularmente gravitando hacia la ingenuidad de sus figuras y la austeridad compositiva como influencia en su manifiesto primitivo. [247] Por esa misma razón, Gauguin también se inspiró en el arte popular . Buscó una pureza emocional desnuda de sus sujetos transmitida de una manera sencilla, enfatizando las formas principales y las líneas verticales para definir claramente la forma y el contorno. [250]
Gauguin también utilizó una elaborada decoración formal y colorido en patrones de abstracción, intentando armonizar al hombre y la naturaleza. [251] Sus representaciones de los nativos en su entorno natural son frecuentemente evidentes de serenidad y una sostenibilidad autónoma. [252] Esto complementó uno de los temas favoritos de Gauguin, que era la intrusión de lo sobrenatural en la vida cotidiana, en un caso llegando tan lejos como para recordar los antiguos relieves de las tumbas egipcias con Su nombre es Vairaumati y Ta Matete . [253]
En una entrevista con L'Écho de Paris publicada el 15 de marzo de 1895, Gauguin explica que su enfoque táctico en desarrollo está buscando la sinestesia . [254] Afirma:
En una carta de 1888 a Schuffenecker, Gauguin explica el enorme paso que había dado para alejarse del impresionismo y que ahora estaba decidido a capturar el alma de la naturaleza, las antiguas verdades y el carácter de sus paisajes y habitantes. Gauguin escribió:
Gauguin comenzó a hacer grabados en 1889, resaltados por una serie de zincografías encargadas por Theo van Gogh conocidas como la Suite Volpini , que también aparecieron en la muestra del Café des Arts de 1889. Gauguin no se vio obstaculizado por su inexperiencia en la impresión, e hizo una serie de elecciones provocativas y poco ortodoxas, como una placa de zinc en lugar de piedra caliza ( litografía ), márgenes anchos y grandes hojas de papel de póster amarillo. [257] [258] El resultado fue vívido hasta el punto de ser estridente, pero presagia sus experimentos más elaborados con la impresión en color y la intención de elevar las imágenes monocromáticas.
Sus primeras obras maestras de la impresión fueron de la Suite Noa Noa de 1893-94, donde fue uno de los muchos artistas que reinventaron la técnica del grabado en madera , llevándola a la era moderna. Comenzó la serie poco después de regresar de Tahití, ansioso por recuperar una posición de liderazgo dentro de la vanguardia y compartir imágenes basadas en su excursión a la Polinesia Francesa. Estas xilografías se mostraron en su fallida muestra de 1893 en Paul Durand-Ruel, y la mayoría estaban directamente relacionadas con pinturas suyas en las que había revisado la composición original. Se mostraron nuevamente en una pequeña muestra en su estudio en 1894, donde cosechó raros elogios de la crítica por sus excepcionales efectos pictóricos y escultóricos. La preferencia emergente de Gauguin por el grabado en madera no solo fue una extensión natural de sus relieves y esculturas en madera, sino que también puede haber sido provocada por su importancia histórica para los artesanos medievales y los japoneses. [259]
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Gauguin comenzó a hacer monotipos en acuarela en 1894, probablemente superpuestos a sus xilografías Noa Noa , tal vez incluso sirvieron como fuente de inspiración para ellas. Sus técnicas siguieron siendo innovadoras y era una técnica adecuada para él, ya que no requería equipo elaborado, como una imprenta. A pesar de que a menudo fue una fuente de práctica para pinturas, esculturas o xilografías relacionadas, su innovación en monotipos ofrece una estética claramente etérea; imágenes fantasmales que pueden expresar su deseo de transmitir las verdades inmemoriales de la naturaleza. Su siguiente gran proyecto de xilografía y monotipo no fue hasta 1898-99, conocido como la Suite Vollard . Completó esta emprendedora serie de 475 grabados de unas veinte composiciones diferentes y se los envió al comerciante Ambroise Vollard , a pesar de no ceder ante su pedido de un trabajo vendible y conformado. Vollard no quedó satisfecho y no hizo ningún esfuerzo por venderlos. La serie de Gauguin está marcadamente unificada con la estética en blanco y negro y puede haber tenido la intención de que las impresiones fueran similares a un conjunto de tarjetas de myriorama , en las que se pueden colocar en cualquier orden para crear múltiples paisajes panorámicos. [260] Esta actividad de organizar y reorganizar era similar a su propio proceso de reutilización de sus imágenes y motivos, así como a una tendencia al simbolismo . [261] Imprimió la obra en papel japonés fino como un pañuelo de papel y las múltiples pruebas de gris y negro se podían organizar una sobre otra, cada transparencia de color se mostraba para producir un rico efecto de claroscuro . [262]
En 1899, Gauguin comenzó su experimento radical: los dibujos con transferencia de óleo. Al igual que su técnica de monotipia con acuarela, se trataba de un híbrido entre dibujo y grabado. Las transferencias eran la gran culminación de su búsqueda de una estética de sugerencia primordial, que parece reflejarse en sus resultados, que evocan antiguos calcos, frescos desgastados y pinturas rupestres. El progreso técnico de Gauguin desde la monotipia hasta las transferencias de óleo es bastante notable, y avanzó desde pequeños bocetos hasta hojas ambiciosamente grandes y muy bien acabadas. Con estas transferencias creó profundidad y textura imprimiendo múltiples capas en la misma hoja, comenzando con lápiz de grafito y tinta negra para delinear, antes de pasar al crayón azul para reforzar la línea y añadir sombreado. A menudo completaba la imagen con una capa de tinta oliva o marrón diluida en aceite. La práctica consumió a Gauguin hasta su muerte, alimentando su imaginación y la concepción de nuevos sujetos y temas para sus pinturas. Esta colección también fue enviada a Vollard, quien no quedó impresionado.
Gauguin apreciaba las transferencias de óleo por la forma en que transformaban la calidad de la línea dibujada. Su proceso, de naturaleza casi alquímica, tenía elementos de azar por los que surgían regularmente marcas y texturas inesperadas, algo que le fascinaba. Al metamorfosear un dibujo en una estampa, Gauguin tomó la decisión calculada de renunciar a la legibilidad para ganar misterio y abstracción. [263] [264]
Trabajó en madera durante toda su carrera, particularmente durante sus períodos más prolíficos, y es conocido por haber logrado resultados radicales en la talla antes de hacerlo con la pintura. Incluso en sus primeras exposiciones, Gauguin a menudo incluía esculturas de madera en su exhibición, a partir de las cuales construyó su reputación como un conocedor de lo llamado primitivo. Varias de sus primeras tallas parecen estar influenciadas por el arte gótico y egipcio . [265] En la correspondencia, también afirma una pasión por el arte camboyano y el colorido magistral de las alfombras persas y orientales . [266]
La moda de la obra de Gauguin comenzó poco después de su muerte. Muchas de sus últimas pinturas fueron adquiridas por el coleccionista ruso Sergei Shchukin . [267] Una parte sustancial de su colección se exhibe en el Museo Pushkin y el Hermitage . Las pinturas de Gauguin rara vez se ofrecen a la venta, y sus precios alcanzan decenas de millones de dólares estadounidenses en la sala de subastas cuando se ofrecen. Su Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás?) de 1892 se convirtió en la tercera obra de arte más cara del mundo cuando su propietario, la familia de Rudolf Staechelin , la vendió de forma privada por 210 millones de dólares estadounidenses en septiembre de 2014. Se cree que el comprador fue Qatar Museums . [268]
El Museo Gauguin, de estilo japonés, situado frente al Jardín Botánico de Papeari, en Papeari, Tahití, contiene algunas exposiciones, documentos, fotografías, reproducciones y bocetos originales y grabados de Gauguin y de los tahitianos. En 2003, se inauguró el Centro Cultural Paul Gauguin en Atuona, en las Islas Marquesas .
En 2014 , se descubrió en Italia el cuadro Frutas sobre una mesa (1889), con un valor estimado de entre 10 y 30 millones de euros (entre 8,3 y 24,8 millones de libras esterlinas), que había sido robado en Londres en 1970. El cuadro, junto con una obra de Pierre Bonnard , había sido comprado por un empleado de Fiat en 1975, en una venta de objetos perdidos de un ferrocarril, por 45.000 liras (unas 32 libras esterlinas). [271]
En el siglo XXI, las representaciones primitivistas de Tahití y su gente realizadas por Gauguin han sido objeto de controversia y de renovada atención académica. [272] Sus representaciones de mujeres polinesias han sido descritas como "fantasía racial forjada desde una posición de poder patriarcal y colonialista" y algunos críticos han señalado las relaciones sexuales de Gauguin con adolescentes tahitianas. [273] [274]
Para obtener una lista completa de pinturas de Gauguin, consulte Lista de pinturas de Paul Gauguin .
Autorretratos:
Con el artista Emile Bernard, Gauguin inventó un método de representación del espacio pictórico que utiliza grandes parches de color plano y línea gruesa; estas técnicas influyeron en los artistas de principios del siglo XX. Las obras de Gauguin incluyen Visión después del sermón: Jacob luchando con el ángel (1888), Mahana no atua (El día de Dios) (1814) y Cuentos salvajes (1902).
Les Demoiselles contiene vestigios de Cézanne, El Greco, Gauguin e Ingres, entre otros, con el añadido de aspectos conceptuales del arte primitivo representados adecuadamente con la geometría.
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![Annah la Javanesa (1893), Colección privada[114]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5c/Paul_Gauguin_004.jpg/1280px-Paul_Gauguin_004.jpg)
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![Cavaliers sur la Plage [II] (Jinetes en la playa), 1902, Colección privada](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/Paul_Gauguin_106.jpg/1280px-Paul_Gauguin_106.jpg)
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