Una naturaleza muerta ( pl.: naturalezas muertas ) es una obra de arte que representa temas en su mayoría inanimados, típicamente objetos comunes que son naturales (comida, flores, animales muertos, plantas, rocas, conchas, etc.) o creados por el hombre ( vasos, libros, jarrones, joyas, monedas, pipas, etc.). [1]
Con orígenes en la Edad Media y el arte grecorromano antiguo , la pintura de naturalezas muertas surgió como un género distinto y una especialización profesional en la pintura occidental a finales del siglo XVI, y ha seguido siendo importante desde entonces. Una ventaja de la forma de arte de la naturaleza muerta es que le permite al artista mucha libertad para experimentar con la disposición de los elementos dentro de la composición de una pintura. La naturaleza muerta, como género particular, comenzó con la pintura holandesa de los siglos XVI y XVII, y el término inglés still life deriva de la palabra holandesa stilleven . Las primeras pinturas de bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismo religioso y alegórico relacionado con los objetos representados. Las naturalezas muertas posteriores se producen con una variedad de medios y tecnologías, como objetos encontrados, fotografía, gráficos por computadora , así como video y sonido.
El término incluye la pintura de animales muertos, especialmente de caza. Los vivos se consideran arte animal , aunque en la práctica solían pintarse a partir de modelos muertos. Debido al uso de plantas y animales como tema, la categoría de naturaleza muerta también comparte puntos en común con la ilustración zoológica y especialmente botánica . Sin embargo, en el caso de las artes visuales o las bellas artes, la obra no pretende simplemente ilustrar el tema correctamente.
La naturaleza muerta ocupaba el peldaño más bajo de la jerarquía de géneros , pero ha gozado de gran popularidad entre los compradores. Además del tema independiente de la naturaleza muerta, la pintura de naturaleza muerta abarca otros tipos de pintura con elementos de naturaleza muerta prominentes, generalmente simbólicos, e "imágenes que se basan en una multitud de elementos de naturaleza muerta aparentemente para reproducir una 'parte de la vida'. ' ". [2] La pintura trompe-l'œil , que pretende engañar al espectador haciéndole creer que la escena es real, es un tipo especializado de naturaleza muerta, que generalmente muestra objetos inanimados y relativamente planos. [3]
Las pinturas de naturalezas muertas suelen adornar el interior de las tumbas del antiguo Egipto . Se creía que los alimentos y otros elementos representados allí, en el más allá, se volverían reales y estarían disponibles para el uso del difunto. Las pinturas de jarrones de la antigua Grecia también demuestran una gran habilidad para representar objetos y animales cotidianos. Plinio el Viejo menciona a Peiraikos como un pintor de paneles de temas "bajos", como los que sobreviven en versiones en mosaico y pinturas murales provinciales en Pompeya : "peluquerías, puestos de zapateros, asnos, comestibles y temas similares". [4]
También se han encontrado naturalezas muertas similares, de intención más simplemente decorativa, pero con una perspectiva realista, en las pinturas murales y mosaicos de suelo romanos desenterrados en Pompeya, Herculano y Villa Boscoreale , incluido el motivo familiar posterior de un cuenco de cristal con frutas. Los mosaicos decorativos denominados "emblema", que se encuentran en las casas de los romanos ricos, demostraban la variedad de alimentos que disfrutaban las clases altas y también funcionaban como signos de hospitalidad y celebraciones de las estaciones y de la vida. [5]
En el siglo XVI, la comida y las flores volverían a aparecer como símbolos de las estaciones y de los cinco sentidos. También comienza en la época romana la tradición del uso del cráneo en pinturas como símbolo de mortalidad y restos terrenales, a menudo acompañado de la frase Omnia mors aequat (La muerte hace a todos iguales). [6] Estas imágenes de vanitas han sido reinterpretadas a lo largo de los últimos 400 años de la historia del arte, comenzando con los pintores holandeses alrededor de 1600. [7]
La apreciación popular del realismo de la pintura de naturalezas muertas está relacionada con la antigua leyenda griega de Zeuxis y Parrhasius , de quienes se dice que alguna vez compitieron para crear los objetos más realistas, las primeras descripciones de la historia de la pintura trompe-l'œil . [8] Como Plinio el Viejo registró en la época romana antigua, los artistas griegos siglos antes ya estaban avanzados en las artes del retrato , la pintura de género y la naturaleza muerta. Destacó a Peiraikos , "cuyo arte es superado sólo por muy pocos... Pintó barberías y puestos de zapateros, burros, verduras y demás, y por esa razón llegó a ser llamado el 'pintor de temas vulgares'; sin embargo, Estas obras son absolutamente deliciosas y se vendieron a precios más altos que las [pinturas] más grandes de muchos otros artistas". [9]
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Hacia 1300, a partir de Giotto y sus alumnos, la pintura de naturalezas muertas revivió en forma de nichos ficticios en pinturas murales religiosas que representaban objetos cotidianos. [11] A lo largo de la Edad Media y el Renacimiento , la naturaleza muerta en el arte occidental siguió siendo principalmente un complemento de los temas religiosos cristianos y tenía un significado religioso y alegórico. Esto fue particularmente cierto en el trabajo de los artistas del norte de Europa, cuya fascinación por el realismo óptico y el simbolismo altamente detallados los llevó a prestar gran atención al mensaje general de sus pinturas. [12] Pintores como Jan van Eyck utilizaban a menudo elementos de naturaleza muerta como parte de un programa iconográfico . [ cita necesaria ]
A finales de la Edad Media, los elementos de naturaleza muerta, principalmente flores pero también animales y, a veces, objetos inanimados, se pintaban con creciente realismo en los bordes de los manuscritos iluminados , desarrollando modelos y avances técnicos que fueron utilizados por los pintores de imágenes más grandes. Hubo una considerable superposición entre los artistas que hacían miniaturas para manuscritos y los que pintaban paneles, especialmente en la pintura holandesa temprana . Las Horas de Catalina de Cleves , probablemente realizadas en Utrecht alrededor de 1440, son uno de los ejemplos destacados de esta tendencia, con cenefas que presentan una extraordinaria variedad de objetos, incluidas monedas y redes de pesca, elegidos para complementar el texto o la imagen principal de ese momento. punto particular. Los talleres flamencos de finales de siglo llevaron aún más lejos el naturalismo de los elementos fronterizos. Los tapices góticos millefleur son otro ejemplo del creciente interés general por las representaciones precisas de plantas y animales. El conjunto de La dama y el unicornio es el ejemplo más conocido, diseñado en París hacia 1500 y luego tejido en Flandes . [ cita necesaria ]
El desarrollo de la técnica de pintura al óleo por parte de Jan van Eyck y otros artistas del norte de Europa hizo posible pintar objetos cotidianos de esta manera hiperrealista, debido a las cualidades de secado lento, mezcla y superposición de los colores al óleo. [13] Entre los primeros en liberarse del significado religioso estuvieron Leonardo da Vinci , que creó estudios en acuarela de frutas (alrededor de 1495) como parte de su inquieto examen de la naturaleza, y Alberto Durero , que también realizó precisos dibujos en color de la flora y la fauna. [14]
El retrato de Petrus Christus de una novia y un novio visitando a un orfebre es un ejemplo típico de una naturaleza muerta de transición que representa contenido tanto religioso como secular. Aunque su mensaje es en su mayoría alegórico, las figuras de la pareja son realistas y los objetos mostrados (monedas, vasijas, etc.) están pintados con precisión, pero el orfebre es en realidad una representación de San Eligio y los objetos fuertemente simbólicos. Otro tipo de pintura similar es el retrato familiar que combina figuras con una mesa de comida bien puesta, que simboliza tanto la piedad de los sujetos humanos como su agradecimiento por la abundancia de Dios. [15] Alrededor de esta época, comenzaron a pintarse bodegones simples sin figuras (pero sin significado alegórico) en el exterior de las contraventanas de pinturas devocionales privadas. [9] Otro paso hacia la naturaleza muerta autónoma fue la pintura de flores simbólicas en jarrones en el reverso de retratos seculares alrededor de 1475. [16] Jacopo de' Barbari fue un paso más allá con su Naturaleza muerta con perdiz y guanteletes (1504), entre los primeros bodegones trompe-l'œil firmados y fechados , que contiene un contenido religioso mínimo. [17]
Aunque la mayoría de las naturalezas muertas posteriores a 1600 eran pinturas relativamente pequeñas, una etapa crucial en el desarrollo del género fue la tradición, principalmente centrada en Amberes , de las "naturalezas muertas monumentales", que eran pinturas de gran tamaño que incluían grandes extensiones de material de naturaleza muerta. con figuras y a menudo animales. Este fue un desarrollo de Pieter Aertsen , cuyo puesto de carne con la Sagrada Familia dando limosna (1551, hoy Uppsala ) introdujo el tipo con una pintura que aún sorprende. Otro ejemplo es "La carnicería" del sobrino de Aertsen, Joachim Beuckelaer (1568), con su representación realista de carnes crudas dominando el primer plano, mientras que una escena de fondo transmite los peligros de la embriaguez y la lascivia. El tipo de escena de cocina o mercado muy grande desarrollada por Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer suele representar una gran cantidad de comida con una naturaleza muerta con utensilios de cocina y corpulentas criadas flamencas. A menudo se puede distinguir una pequeña escena religiosa en la distancia, o se añade un tema como las Cuatro Estaciones para elevar el tema. Este tipo de naturaleza muerta a gran escala continuó desarrollándose en la pintura flamenca después de la separación del Norte y el Sur, pero es poco común en la pintura holandesa, aunque otras obras de esta tradición anticipan el tipo de pintura de género de " compañía alegre " . [18]
Gradualmente, el contenido religioso disminuyó en tamaño y ubicación en este tipo de pintura, aunque las lecciones morales continuaron como subcontextos. [19] Una de las relativamente pocas obras italianas de este estilo, el tratamiento del mismo tema por parte de Annibale Carracci en 1583, Butcher's Shop , comienza a eliminar los mensajes morales, al igual que otros bodegones de "cocina y mercado" de este estilo. período. [20] Vincenzo Campi probablemente introdujo el estilo de Amberes en Italia en la década de 1570. La tradición continuó durante el siglo siguiente, con varias obras de Rubens , quien en su mayoría subcontrató los elementos de naturalezas muertas y animales a maestros especializados como Frans Snyders y su alumno Jan Fyt . En la segunda mitad del siglo XVI, la naturaleza muerta autónoma evolucionó. [21]
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El siglo XVI fue testigo de una explosión de interés por el mundo natural y de la creación de fastuosas enciclopedias botánicas que registraban los descubrimientos del Nuevo Mundo y Asia. También impulsó el inicio de la ilustración científica y la clasificación de especímenes. Los objetos naturales comenzaron a ser apreciados como objetos de estudio individuales, al margen de cualquier asociación religiosa o mitológica. La ciencia temprana de los remedios a base de hierbas también comenzó en esta época, lo que fue una extensión práctica de este nuevo conocimiento. Además, los mecenas adinerados comenzaron a financiar la colección de especímenes animales y minerales, creando extensos gabinetes de curiosidades . Estos ejemplares sirvieron de modelo a pintores que buscaban realismo y novedad. Se empezaron a recolectar y comercializar conchas, insectos, frutas y flores exóticas, y nuevas plantas como el tulipán (importado a Europa desde Turquía) se celebraron en bodegones. [22]
La explosión hortícola despertó un interés generalizado en Europa y el artista aprovechó eso para producir miles de naturalezas muertas. Algunas regiones y tribunales tenían intereses particulares. La representación de los cítricos, por ejemplo, era una pasión particular de la corte de los Medici en Florencia, Italia. [23] Esta gran difusión de especímenes naturales y el creciente interés por la ilustración natural en toda Europa dieron como resultado la creación casi simultánea de bodegones modernos alrededor de 1600. [24] [25]
A principios de siglo, el pintor español Juan Sánchez Cotán fue pionero en la naturaleza muerta española con pinturas austeras y tranquilas de vegetales, antes de ingresar en un monasterio a los cuarenta años en 1603, tras lo cual pintó temas religiosos. [ cita necesaria ]
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Destacados académicos de principios del siglo XVII, como Andrea Sacchi , sintieron que la pintura de género y de bodegones no tenía la "gravedad" merecida para que la pintura fuera considerada grandiosa. Una influyente formulación de 1667 de André Félibien , historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés se convirtió en la declaración clásica de la teoría de la jerarquía de géneros para el siglo XVIII:
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des frutas, des flores o des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est sure aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus Excellent que tous les autres... [26]
Aquel que produce paisajes perfectos está por encima de otro que sólo produce frutas, flores o mariscos. El que pinta animales vivos es más estimable que el que sólo representa cosas muertas sin movimiento, y como el hombre es la obra más perfecta de Dios en la tierra, también es cierto que el que se hace imitador de Dios en la representación de figuras humanas, es mucho más excelente que todos los demás...".
La naturaleza muerta se desarrolló como una categoría separada en los Países Bajos en el último cuarto del siglo XVI. [27] El término inglés naturaleza muerta deriva de la palabra holandesa stilleven, mientras que las lenguas romances (así como el griego, el polaco, el ruso y el turco) tienden a utilizar términos que significan naturaleza muerta . La pintura holandesa temprana del siglo XV había desarrollado técnicas altamente ilusionistas tanto en la pintura sobre paneles como en los manuscritos iluminados , donde los bordes a menudo presentaban elaboradas exhibiciones de flores, insectos y, en una obra como las Horas de Catalina de Cleves , una gran variedad de objetos. Cuando el manuscrito iluminado fue desplazado por el libro impreso, las mismas habilidades se desplegaron más tarde en la ilustración botánica científica; Los Países Bajos lideraron a Europa tanto en botánica como en su representación artística. El artista flamenco Joris Hoefnagel (1542-1601) pintó acuarelas y gouache de flores y otros bodegones para el emperador Rodolfo II , y hubo muchas ilustraciones grabadas para libros (a menudo coloreadas a mano), como la de Hans Collaert . s Florilegium , publicado por Plantin en 1600. [28]
Alrededor de 1600 pinturas de flores al óleo se convirtieron en una especie de locura; Karel van Mander pintó algunas obras él mismo y registra que otros artistas manieristas del norte, como Cornelis van Haarlem, también lo hicieron. No se conocen piezas florales suyas, pero sí muchas de los principales especialistas, Jan Brueghel el Viejo y Ambrosius Bosschaert , ambos activos en el sur de los Países Bajos. [29]
Mientras que los artistas del Norte encontraron oportunidades limitadas para producir la iconografía religiosa que había sido durante mucho tiempo su elemento básico (las imágenes de temas religiosos estaban prohibidas en la Iglesia Protestante Reformada Holandesa ), la continua tradición del Norte de realismo detallado y símbolos ocultos atrajo a las crecientes clases medias holandesas. , que estaban reemplazando a la Iglesia y al Estado como principales mecenas del arte en los Países Bajos. A esto se sumaba la manía holandesa por la horticultura, en particular por el tulipán . Estas dos visiones de las flores, como objetos estéticos y como símbolos religiosos, se fusionaron para crear un mercado muy fuerte para este tipo de naturalezas muertas. [30] La naturaleza muerta, como la mayoría de las obras de arte holandesas, generalmente se vendía en mercados abiertos o por marchantes, o por artistas en sus estudios, y rara vez se encargaban; por lo tanto, los artistas solían elegir el tema y el arreglo. [31] Este tipo de pintura de naturaleza muerta era tan popular que gran parte de la técnica de la pintura floral holandesa fue codificada en el tratado Groot Schilderboeck de 1740 de Gerard de Lairesse, que brindaba una amplia gama de consejos sobre el color, la disposición, la pincelada y la preparación. de ejemplares, armonía, composición, perspectiva, etc. [32]
El simbolismo de las flores había evolucionado desde los primeros días del cristianismo. Las flores más comunes y sus significados simbólicos incluyen: rosa (Virgen María, fugacidad, Venus, amor); lirio (Virgen María, virginidad, pecho femenino, pureza de espíritu o justicia); tulipán ( vistosidad, nobleza); girasol (fidelidad, amor divino, devoción); violeta (modestia, reserva, humildad); aguileña (melancolía); amapola (poder, sueño, muerte). En cuanto a los insectos, la mariposa representa la transformación y la resurrección mientras que la libélula simboliza la fugacidad y la hormiga el trabajo duro y la atención a la cosecha. [33]
Los artistas flamencos y holandeses también diversificaron y revivieron la antigua tradición griega de bodegones trompe-l'œil , particularmente la imitación de la naturaleza o mimesis , a la que denominaron bedriegertje ("pequeño engaño"). [8] Además de estos tipos de naturalezas muertas, los artistas holandeses identificaron y desarrollaron por separado pinturas de "cocina y mercado", naturalezas muertas de mesa de desayuno y comida, pinturas de vanitas y pinturas de colección alegóricas. [34]
En los Países Bajos católicos del sur se desarrolló el género de las pinturas con guirnaldas. Alrededor de 1607-1608, los artistas de Amberes Jan Brueghel el Viejo y Hendrick van Balen comenzaron a crear estos cuadros que consisten en una imagen (generalmente devocional) rodeada por una exuberante corona de naturaleza muerta. Las pinturas fueron colaboraciones entre dos especialistas: un bodegón y un pintor de figuras. Daniel Seghers desarrolló aún más el género. Originalmente tenían una función devocional, las pinturas con guirnaldas se hicieron extremadamente populares y se usaron ampliamente como decoración de hogares. [35]
Un género especial de naturaleza muerta fue el llamado pronkstilleven (que en holandés significa "naturaleza muerta ostentosa"). Este estilo de pintura de bodegones ornamentados fue desarrollado en la década de 1640 en Amberes por artistas flamencos como Frans Snyders y Adriaen van Utrecht . Pintaron naturalezas muertas que enfatizaban la abundancia al representar una diversidad de objetos, frutas, flores y animales muertos, a menudo junto con personas y animales vivos. El estilo pronto fue adoptado por artistas de la República Holandesa . [36]
Especialmente populares en este período fueron las pinturas de vanitas , en las que suntuosos arreglos de frutas y flores, libros, estatuillas, jarrones, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales y científicos, insignias militares, plata fina y cristal, iban acompañados de recordatorios simbólicos de la vida. impermanencia. Además, una calavera, un reloj de arena o de bolsillo, una vela apagándose o un libro pasando páginas, servirían como mensaje moralizador sobre lo efímero de los placeres sensoriales. A menudo, algunas de las frutas y flores se mostraban empezando a estropearse o desvanecerse para enfatizar el mismo punto. [ cita necesaria ]
Otro tipo de naturaleza muerta, conocida como ontbijtjes o "pinturas de desayuno", representa tanto una presentación literal de delicias que la clase alta podría disfrutar como un recordatorio religioso para evitar la glotonería. [37] Alrededor de 1650, Samuel van Hoogstraten pintó uno de los primeros cuadros de pared, bodegones trompe-l'œil que presentan objetos atados, clavados o sujetos de alguna otra manera a un tablero de pared, un tipo de naturaleza muerta muy Popular en los Estados Unidos en el siglo XIX. [38] Otra variación fue la naturaleza muerta trompe-l'œil que representaba objetos asociados con una profesión determinada, como en el cuadro de Cornelis Norbertus Gysbrecht "Caballete de pintor con pieza de fruta", que muestra todas las herramientas del oficio de un pintor. [39] También fue popular en la primera mitad del siglo XVII la pintura de una gran variedad de especímenes en forma alegórica, como los "cinco sentidos", "los cuatro continentes" o "las cuatro estaciones", que mostraban una diosa o Figura alegórica rodeada de objetos naturales y artificiales apropiados. [40] La popularidad de las pinturas de vanitas y estas otras formas de naturaleza muerta pronto se extendió desde Holanda a Flandes y Alemania, y también a España [41] y Francia.
La producción holandesa de naturalezas muertas fue enorme y se exportaron ampliamente, especialmente al norte de Europa; Gran Bretaña apenas produjo nada por sí misma. La naturaleza muerta alemana siguió de cerca los modelos holandeses; Georg Flegel fue un pionero en la naturaleza muerta pura sin figuras y creó la innovación compositiva de colocar objetos detallados en gabinetes, alacenas y vitrinas, y producir múltiples vistas simultáneas. [42]
En el arte español , un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa artículos de despensa, como víveres, caza y bebida, a menudo dispuestos sobre una simple losa de piedra, y también una pintura con una o más figuras, pero elementos significativos de la naturaleza muerta. normalmente ambientado en una cocina o taberna. A partir del Barroco , este tipo de pinturas se popularizaron en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de bodegones parece haber comenzado y fue mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos , hoy Bélgica y Países Bajos (entonces artistas flamencos y holandeses), que nunca en el sur de Europa. Las naturalezas muertas del norte tenían muchos subgéneros; la pieza del desayuno se complementó con el trompe-l'œil , el ramo de flores y las vanitas . [ cita necesaria ]
En España había muchos menos clientes para este tipo de cosas, pero sí se popularizó una especie de pieza de desayuno , en la que se presentaban unos pocos objetos de comida y vajilla puestos sobre una mesa. La pintura de bodegones en España, también llamada bodegones , era austera. Se diferenciaba de la naturaleza muerta holandesa, que a menudo contenía ricos banquetes rodeados de ornamentados y lujosos artículos de tela o vidrio. El juego en las pinturas españolas suele ser simplemente animales muertos que aún esperan ser desollados. Las frutas y verduras están crudas. Los fondos son bloques geométricos de madera sombríos o sencillos, que a menudo crean un aire surrealista. Si bien tanto las naturalezas muertas holandesas como las españolas a menudo tenían un propósito moral incorporado, la austeridad, que algunos encuentran similar a la desolación de algunas de las mesetas españolas, parece rechazar los placeres sensuales, la plenitud y el lujo de las naturalezas muertas holandesas. [44]
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Aunque la pintura italiana de bodegones (en italiano denominada natura morta , "naturaleza muerta") estaba ganando popularidad, históricamente siguió siendo menos respetada que la pintura "grandiosa" de temas históricos, religiosos y míticos. Por otro lado, los artistas italianos de bodegones de éxito encontraron un amplio patrocinio en su época. [45] Además, las pintoras, aunque pocas, comúnmente elegían o se restringían a pintar naturalezas muertas; Giovanna Garzoni , Laura Bernasconi , Maria Theresa van Thielen y Fede Galizia son ejemplos notables. [ cita necesaria ]
Muchos artistas italianos destacados de otros géneros también produjeron algunas pinturas de naturalezas muertas. En particular, Caravaggio aplicó su influyente forma de naturalismo a la naturaleza muerta. Su Cesta de frutas ( c. 1595-1600 ) es uno de los primeros ejemplos de naturaleza muerta pura, representada con precisión y colocada a la altura de los ojos. [46] Aunque no es abiertamente simbólica, esta pintura era propiedad del cardenal Federico Borromeo y puede haber sido apreciada por razones tanto religiosas como estéticas. Jan Bruegel también pintó su Gran ramo de Milán (1606) para el cardenal, afirmando que lo pintó 'fatta tutti del natturel' (hecho todo a partir de la naturaleza) y cobró más por el esfuerzo extra. [47] Estos se encontraban entre los muchos bodegones de la colección del cardenal, además de su gran colección de curiosidades. Entre otros bodegones italianos, El cocinero , de Bernardo Strozzi , es una "escena de cocina" al estilo holandés, que es a la vez un retrato detallado de una cocinera y de las aves de caza que prepara. [48] De manera similar, uno de los raros bodegones de Rembrandt, La niña con los pavos reales muertos, combina un simpático retrato femenino similar con imágenes de aves de caza. [49]
En la Italia y España católicas, la pintura pura de vanitas era rara y había muchos menos especialistas en naturalezas muertas. En el sur de Europa se emplea más el naturalismo suave de Caravaggio y menos énfasis en el hiperrealismo en comparación con los estilos del norte de Europa. [50] En Francia, los pintores de naturalezas muertas ( naturaleza morte ) fueron influenciados por las escuelas del Norte y del Sur, tomando prestado de las pinturas vanitas de los Países Bajos y los arreglos sobrios de España. [51]
El siglo XVIII continuó en gran medida refinando las fórmulas del siglo XVII y los niveles de producción disminuyeron. En el estilo rococó , la decoración floral se volvió mucho más común en porcelana , papel tapiz , telas y muebles de madera tallada, por lo que los compradores preferían que sus cuadros tuvieran figuras para contrastar. Un cambio fue un nuevo entusiasmo entre los pintores franceses, que ahora constituyen una gran proporción de los artistas más notables, mientras que los ingleses se contentaban con importar. Jean-Baptiste Chardin pintó conjuntos pequeños y sencillos de comida y objetos en un estilo muy sutil que se inspiró en los maestros holandeses del Siglo de Oro y que sería muy influyente en las composiciones del siglo XIX. Los objetos de caza muertos siguieron siendo populares, especialmente para los pabellones de caza; la mayoría de los especialistas también pintaron temas de animales vivos. Jean-Baptiste Oudry combinó magníficas interpretaciones de las texturas de pieles y plumas con fondos simples, a menudo el blanco liso de una pared de despensa encalada, que las resaltaba de manera ventajosa. [ cita necesaria ]
En el siglo XVIII, en muchos casos, las connotaciones religiosas y alegóricas de las naturalezas muertas desaparecieron y las pinturas de mesa de cocina evolucionaron hasta convertirse en representaciones calculadas de variados colores y formas, que mostraban alimentos cotidianos. La aristocracia francesa empleó artistas para ejecutar pinturas de bodegones generosos y extravagantes que adornaban su mesa de comedor, también sin el mensaje moralista vanitas de sus predecesores holandeses. El amor rococó por el artificio llevó a un aumento en el aprecio en Francia por la pintura trompe-l'œil (en francés: "engañar al ojo"). Los bodegones de Jean-Baptiste Chardin emplean una variedad de técnicas, desde el realismo de estilo holandés hasta armonías más suaves. [52]
La mayor parte de la obra de Anne Vallayer-Coster estuvo dedicada al lenguaje de la naturaleza muerta tal como se había desarrollado a lo largo de los siglos XVII y XVIII. [53] Durante estos siglos, el género de la naturaleza muerta ocupó el último lugar en la escala jerárquica. Vallayer-Coster tenía un estilo con sus pinturas que resultaba en su atractivo. Fueron las "líneas audaces y decorativas de sus composiciones, la riqueza de sus colores y texturas simuladas, y las hazañas de ilusionismo que logró al representar una amplia variedad de objetos, tanto naturales como artificiales" [53] lo que atrajo la atención del Royal Académie y los numerosos coleccionistas que compraron sus cuadros. Esta interacción entre arte y naturaleza era bastante común en los bodegones holandeses , flamencos y franceses. [53] Su obra revela la clara influencia de Jean-Baptiste-Siméon Chardin , así como de los maestros holandeses del siglo XVII, cuyo trabajo ha sido mucho más valorado, pero lo que hizo que el estilo de Vallayer-Coster se destacara frente a los demás bodegones. pintores fue su forma única de fusionar el ilusionismo representacional con estructuras compositivas decorativas. [53] [54]
El final del siglo XVIII y la caída de la monarquía francesa cerraron las puertas a la "era" de la naturaleza muerta de Vallayer-Coster y las abrieron a su nuevo estilo floral. [55] Se ha argumentado que este fue el punto culminante de su carrera y por lo que es más conocida. Sin embargo, también se ha argumentado que las pinturas de flores fueron inútiles para su carrera. Sin embargo, esta colección contenía estudios florales al óleo, acuarela y gouache . [55]
Con el surgimiento de las Academias europeas, sobre todo la Académie française , que desempeñó un papel central en el arte académico , la naturaleza muerta comenzó a perder popularidad. Las Academias enseñaban la doctrina de la " Jerarquía de géneros " (o "Jerarquía de la Materia"), que sostenía que el mérito artístico de una pintura se basaba principalmente en su tema. En el sistema académico, la forma más elevada de pintura consistía en imágenes de importancia histórica , bíblica o mitológica, con los temas de naturalezas muertas relegados al orden más bajo de reconocimiento artístico. En lugar de utilizar la naturaleza muerta para glorificar la naturaleza, algunos artistas, como John Constable y Camille Corot , eligieron paisajes para cumplir ese fin. [ cita necesaria ]
Cuando el neoclasicismo comenzó a declinar en la década de 1830, la pintura de género y el retrato se convirtieron en el foco de las revoluciones artísticas realista y romántica. Muchos de los grandes artistas de ese período incluyeron la naturaleza muerta en su obra. Los bodegones de Francisco Goya , Gustave Courbet y Eugène Delacroix transmiten una fuerte corriente emocional y están menos preocupados por la exactitud y más interesados en el estado de ánimo. [56] Aunque están inspirados en los bodegones anteriores de Chardin , las pinturas de bodegones de Édouard Manet son fuertemente tonales y claramente orientadas hacia el impresionismo. Henri Fantin-Latour , utilizando una técnica más tradicional, era famoso por sus exquisitas pinturas de flores y se ganaba la vida casi exclusivamente pintando bodegones para coleccionistas. [57]
Sin embargo, no fue hasta el declive final de la jerarquía académica en Europa y el ascenso de los pintores impresionistas y postimpresionistas que la técnica y la armonía del color triunfaron sobre el tema, y los artistas volvieron a practicar con avidez la naturaleza muerta. En sus primeros bodegones, Claude Monet muestra la influencia de Fantin-Latour, pero es uno de los primeros en romper la tradición del fondo oscuro, que Pierre-Auguste Renoir también descarta en Naturaleza muerta con ramo y abanico (1871), con su fondo naranja brillante. En la naturaleza muerta impresionista, el contenido alegórico y mitológico está completamente ausente, al igual que la pincelada meticulosamente detallada. En cambio, los impresionistas se centraron en la experimentación con pinceladas amplias y suaves, valores tonales y ubicación del color. Los impresionistas y postimpresionistas se inspiraron en los esquemas de color de la naturaleza, pero la reinterpretaron con sus propias armonías de color, que a veces resultaban sorprendentemente antinaturales. Como afirmó Gauguin, "los colores tienen sus propios significados". [58] También se intentan variaciones en la perspectiva, como el uso de recortes ajustados y ángulos altos, como en Fruta exhibida en un soporte de Gustave Caillebotte , una pintura de la que se burlaron en ese momento como una "exhibición de frutas a vista de pájaro". ". [59]
Las pinturas "Girasoles" de Vincent van Gogh son algunas de las naturalezas muertas más conocidas del siglo XIX. Van Gogh utiliza principalmente tonos amarillos y una representación bastante plana para hacer una contribución memorable a la historia de la naturaleza muerta. Su Naturaleza muerta con tablero de dibujo (1889) es un autorretrato en forma de naturaleza muerta, en el que Van Gogh representa muchos elementos de su vida personal, incluida su pipa, comida sencilla (cebollas), un libro inspirador y una carta de su hermano, todo tendido sobre su mesa, sin su propia imagen presente. También pintó su propia versión de un cuadro de vanitas Naturaleza muerta con Biblia abierta, vela y libro (1885). [58]
En los Estados Unidos durante la época revolucionaria, los artistas estadounidenses formados en el extranjero aplicaron estilos europeos a los retratos y naturalezas muertas estadounidenses. Charles Willson Peale fundó una familia de destacados pintores estadounidenses y, como líder importante de la comunidad artística estadounidense, también fundó una sociedad para la formación de artistas y un famoso museo de curiosidades naturales. Su hijo Raphaelle Peale formó parte de un grupo de primeros artistas estadounidenses de naturaleza muerta, que también incluía a John F. Francis , Charles Bird King y John Johnston. [60] En la segunda mitad del siglo XIX, Martin Johnson Heade introdujo la versión estadounidense de la imagen del hábitat o biotopo, que colocaba flores y pájaros en entornos exteriores simulados. [61] Las pinturas trompe-l'œil estadounidenses también florecieron durante este período, creadas por John Haberle , William Michael Harnett y John Frederick Peto . Peto se especializó en la pintura nostálgica de estantes de pared, mientras que Harnett alcanzó el más alto nivel de hiperrealismo en sus celebraciones pictóricas de la vida estadounidense a través de objetos familiares. [62]
Las primeras cuatro décadas del siglo XX constituyeron un período de revolución y fermento artístico excepcional. Los movimientos de vanguardia evolucionaron rápidamente y se superpusieron en una marcha hacia la abstracción total y no figurativa. La naturaleza muerta y otras artes representativas continuaron evolucionando y ajustándose hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, ejemplificada por las pinturas de Jackson Pollock , eliminó todo contenido reconocible. [ cita necesaria ]
El siglo comenzó con varias tendencias arraigándose en el arte. En 1901, Paul Gauguin pintó Naturaleza muerta con girasoles , en homenaje a su amigo Van Gogh, fallecido once años antes. El grupo conocido como Les Nabis , que incluía a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard , retomó las teorías armónicas de Gauguin y añadió elementos inspirados en las xilografías japonesas a sus bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó bodegones notables durante este período, especialmente flores. [63]
Henri Matisse redujo aún más la representación de objetos de naturaleza muerta a poco más que contornos planos y atrevidos llenos de colores brillantes. También simplificó la perspectiva e introdujo fondos multicolores. [64] En algunas de sus naturalezas muertas, como Naturaleza muerta con berenjenas , su mesa de objetos casi se pierde entre los otros patrones coloridos que llenan el resto de la habitación. [65] Otros exponentes del fauvismo , como Maurice de Vlaminck y André Derain , exploraron más a fondo el color puro y la abstracción en sus naturalezas muertas. [ cita necesaria ]
Paul Cézanne encontró en la naturaleza muerta el vehículo perfecto para sus revolucionarias exploraciones en la organización espacial geométrica. Para Cézanne, la naturaleza muerta era un medio principal para alejar la pintura de una función ilustrativa o mimética y pasarla a demostrar de forma independiente los elementos de color, forma y línea, un paso importante hacia el arte abstracto . Además, se puede considerar que los experimentos de Cézanne condujeron directamente al desarrollo de la naturaleza muerta cubista a principios del siglo XX. [66]
Adaptando el cambio de planos y ejes de Cézanne, los cubistas atenuaron la paleta de colores de los fauves y se centraron en cambio en deconstruir objetos en formas y planos geométricos puros. Entre 1910 y 1920, artistas cubistas como Pablo Picasso , Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de naturalezas muertas, que a menudo incluían instrumentos musicales, llevando la naturaleza muerta a la vanguardia de la innovación artística, casi por primera vez. La naturaleza muerta también fue el tema de las primeras obras de collage cubistas sintéticos , como el óvalo "Naturaleza muerta con azote de silla" de Picasso (1912). En estas obras, los objetos de naturaleza muerta se superponen y se entremezclan, manteniendo apenas formas bidimensionales identificables, perdiendo textura superficial individual y fusionándose con el fondo, logrando objetivos casi opuestos a los de la naturaleza muerta tradicional. [67] La naturaleza muerta de Fernand Léger introdujo el uso de abundantes espacios en blanco y formas geométricas superpuestas, coloreadas y claramente definidas para producir un efecto más mecánico. [68]
Rechazando el aplanamiento del espacio por parte de los cubistas, Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento dadaísta tomaron una dirección radicalmente diferente, creando esculturas de naturalezas muertas "ready-made" en 3-D. Como parte de la restauración de algún significado simbólico a la naturaleza muerta, los futuristas y los surrealistas colocaron objetos de naturaleza muerta reconocibles en sus paisajes oníricos. En los bodegones de Joan Miró , los objetos parecen ingrávidos y flotan en un espacio bidimensional ligeramente sugerido, e incluso las montañas se dibujan como líneas simples. [66] En Italia durante este tiempo, Giorgio Morandi fue el pintor de naturaleza muerta más destacado, explorando una amplia variedad de enfoques para representar botellas e implementos de cocina cotidianos. [69] El artista holandés MC Escher , mejor conocido por sus gráficos detallados pero ambiguos, creó Naturaleza muerta y calle (1937), su versión actualizada de la tradicional naturaleza muerta de mesa holandesa. [70] En Inglaterra, Eliot Hodgkin utilizaba témpera para sus bodegones muy detallados. [ cita necesaria ]
Cuando los artistas estadounidenses del siglo XX tomaron conciencia del modernismo europeo , comenzaron a interpretar naturalezas muertas con una combinación de realismo estadounidense y abstracción de origen cubista. Típicos de los bodegones estadounidenses de este período son las pinturas de Georgia O'Keeffe , Stuart Davis y Marsden Hartley , y las fotografías de Edward Weston . Las pinturas de flores en ultraprimer plano de O'Keeffe revelan tanto la estructura física como el subtexto emocional de los pétalos y las hojas de una manera sin precedentes. [ cita necesaria ]
En México, a partir de la década de 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propio estilo de surrealismo, presentando comidas nativas y motivos culturales en sus bodegones. [71]
A partir de la década de 1930, el expresionismo abstracto redujo severamente la naturaleza muerta a representaciones crudas de forma y color, hasta que en la década de 1950 la abstracción total dominó el mundo del arte. Sin embargo, el arte pop de las décadas de 1960 y 1970 invirtió la tendencia y creó una nueva forma de naturaleza muerta. Gran parte del arte pop (como "Latas de sopa Campbell's" de Andy Warhol ) se basa en naturalezas muertas, pero su verdadero tema suele ser la imagen mercantilizada del producto comercial representado más que el objeto físico de la naturaleza muerta en sí. Still Life with Goldfish Bowl (1972) de Roy Lichtenstein combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. Lunch Table (1964) , de Wayne Thiebaud, no retrata el almuerzo de una sola familia, sino una cadena de montaje de alimentos estadounidenses estandarizados. [72]
El movimiento neodadá, incluido Jasper Johns , volvió a la representación tridimensional de Duchamp de objetos domésticos cotidianos para crear su propio estilo de naturaleza muerta, como en Johns' Painted Bronze (1960) y Fool's House (1962). [73] Avigdor Arikha , que comenzó como un abstraccionista , integró las lecciones de Piet Mondrian en sus naturalezas muertas como en sus otras obras; Al tiempo que se reconectaba con las tradiciones de los viejos maestros, logró un formalismo modernista , trabajando en una sola sesión y con luz natural, a través del cual el tema a menudo emergía en una perspectiva sorprendente. [ cita necesaria ]
Los artistas rusos, entre ellos Sergei Ocipov , Victor Teterin , Evgenia Antipova , Gevork Kotiantz , Sergei Zakharov , Taisia Afonina , Maya Kopitseva y otros, hicieron una contribución significativa al desarrollo de la pintura de naturalezas muertas en el siglo XX. [74]
Por el contrario, el auge del fotorrealismo en la década de 1970 reafirmó la representación ilusionista, conservando al mismo tiempo parte del mensaje pop de fusión de objeto, imagen y producto comercial. Típicas a este respecto son las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings . [ cita necesaria ]
Durante los siglos XX y XXI, la noción de naturaleza muerta se ha extendido más allá de las tradicionales formas artísticas bidimensionales de la pintura hacia el videoarte y formas artísticas tridimensionales como la escultura, la performance y la instalación. Algunas obras de bodegones en técnica mixta emplean objetos encontrados, fotografía, vídeo y sonido, e incluso se extienden desde el techo hasta el suelo y llenan una habitación entera en una galería. A través del vídeo, los artistas de bodegones han incorporado al espectador a su obra. Después de la era de la informática con el arte informático y el arte digital , la noción de naturaleza muerta también ha incluido la tecnología digital. Los gráficos generados por computadora han aumentado potencialmente las técnicas disponibles para los artistas de naturaleza muerta. Se utilizan gráficos por computadora en 3D y gráficos por computadora en 2D con efectos fotorrealistas en 3D para generar imágenes sintéticas de naturaleza muerta. Por ejemplo, el software de artes gráficas incluye filtros que se pueden aplicar a gráficos vectoriales 2D o gráficos rasterizados 2D en capas transparentes. Los artistas visuales han copiado o visualizado efectos 3D para generar manualmente efectos fotorrealistas sin el uso de filtros. [ cita necesaria ]
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