John Cromwell (nacido Elwood Dager ; 23 de diciembre de 1886 - 26 de septiembre de 1979) fue un actor y director de cine y teatro estadounidense. Sus películas abarcaron desde los primeros días del cine sonoro hasta el cine negro a principios de la década de 1950, momento en el que su carrera como director casi terminó por la lista negra de Hollywood . [2]
Nacido como Elwood Dager en Toledo, Ohio, en el seno de una acomodada familia escocesa-inglesa, ejecutivos de la industria del acero y el hierro, Cromwell se graduó de la escuela secundaria privada en la Academia Militar Howe en 1905, pero nunca siguió una educación superior. [3]
Al dejar la escuela, Cromwell inmediatamente comenzó su carrera escénica realizando giras con sociedades anónimas en Chicago y luego se dirigió a la ciudad de Nueva York cuando tenía poco más de 20 años. Considerado como Elwood Dager en su juventud, cambió su nombre a John Cromwell a la edad de 26 años después de una aparición en el escenario de Nueva York en 1912. [4]
Cromwell hizo su debut en Broadway en el papel de John Brooke en Mujercitas (1912), una adaptación de la novela de Louisa May Alcott . La producción fue un éxito inmediato y tuvo 184 funciones. [5]
A lo largo de su carrera teatral, Cromwell trabajó en estrecha colaboración con uno de los productores de Broadway más destacados de la época, William A. Brady . De hecho, prácticamente todas las producciones teatrales en las que participó Cromwell antes de comenzar su carrera cinematográfica fueron producidas por Brady. [6] [7] La mujer pintada (1913) marcó el primer encargo de Cromwell como director de escena. Escrita por Frederic Arnold Kummer , la obra se cerró en dos días. [8] En 1914, actuaba y codirigía producciones, incluida "Too Many Cooks" (1914), que tuvo 223 funciones. [9]
En 1915, se unió a la New York Repertory Company y actuó en los estrenos estadounidenses de dos obras de George Bernard Shaw : Major Barbara en 1916, como el personaje "Charles Lomax", y en una reposición de Conversion del Capitán Brassbound . La carrera escénica de Cromwell fue interrumpida por un breve período en el ejército estadounidense durante la Primera Guerra Mundial. [10] [11]
En la década de 1920, Cromwell se había convertido en un respetado director de Broadway, a menudo en colaboración con los codirectores Frank Craven o William Brady. Cromwell actuó con frecuencia en el escenario durante este período, que incluyó obras de los futuros ganadores del premio Pulitzer Sidney Howard y Robert E. Sherwood . En 1927, Cromwell dirigió y protagonizó el drama de gánsteres The Racket , con el recién llegado Edward G. Robinson debutando en un papel de tipo duro del tipo por el que Robinson se hizo conocido a lo largo de su carrera cinematográfica. [12]
En 1928, Cromwell se mudó a Hollywood para trabajar como director de diálogos durante la transición de la industria cinematográfica hacia las películas con sonido. Aunque Cromwell regresó a Broadway en años posteriores, su ocupación principal después de 1928 fue la de director de cine. [13]
El famoso productor de cine de Paramount Lasky , BP Schulberg, contrató a Cromwell, de 42 años, como actor de cine en octubre de 1928, en el momento de la transición de toda la industria de las producciones mudas a la nueva tecnología de sonido. Después de un debut satisfactorio en la película sonora de 1929 The Dummy , en la que participaron Ruth Chatterton , Fredric March , Jack Oakie y ZaSu Pitts , Cromwell fue invitado a compartir tareas de dirección con Edward Sutherland , un cineasta experimentado.
Aunque Cromwell nunca había trabajado detrás de una cámara, Paramount estaba ansiosa por contratar directores de escena experimentados "debido a su presunto conocimiento en el manejo del diálogo". Por errónea que fuera esta suposición, Cromwell y Sutherland disfrutaron de una colaboración productiva completando dos de las primeras películas sonoras, ambas en 1929: Close Harmony , una novela romántica de una banda de jazz, y The Dance of Life , basada en la obra Burlesque de George Mankers Watters (la codirección de Sutherland fue sin acreditar en La danza de la muerte ). Cromwell tuvo un papel actoral menor en cada una de estas producciones. [14] [15]
En una entrevista de 1973 con Leonard Maltin , Cromwell ofreció una evaluación franca de sus dificultades para adaptarse al nuevo medio como director de cine:
Nunca me acostumbré al fantástico alcance de la cámara y a lo que la elección de una toma puede afectar a una escena... [aunque] siempre estuve muy consciente de la composición. Tuve que confiar enormemente en mi camarógrafo, especialmente al principio. Nunca pude aprender mucho sobre iluminación porque me parece que cada camarógrafo que tuve era tan diferente del anterior en su técnica que se hacía casi imposible aprender a menos que simplemente le tomaras tiempo y te dedicaras a ello. Así que tuve que estar completamente a su merced... Pero tuve mucha suerte. Tuve algunos camarógrafos maravillosos, maravillosos porque nunca me decepcionaron... hombres como Jimmy Howe , Charlie Lang , Arthur Miller . [dieciséis]
Durante las primeras películas de Cromwell con Paramount, se le asignó la tarea de dirigir a la estrella de cine y teatro George Bancroft , la principal propiedad del estudio. Bancroft había actuado en varias películas mudas de éxito con el director en ascenso de Paramount, Josef von Sternberg , que culminó con una nominación a Mejor Actor para Bancroft en Thunderbolt (1930). The Mighty (1930) fue la primera de cuatro parejas de Cromwell con Bancroft y su primer debut en solitario como director. [17]
En su siguiente película, The Street of Chance , Cromwell formó un vínculo personal y profesional con el productor David O. Selznick en su primera producción, entonces asistente de BP Schulberg. La película, protagonizada por William Powell , Kay Francis y Jean Arthur , fue un éxito de taquilla. [18]
En 1930, Paramount Famous Lasky Corporation cambió su nombre a Paramount Publix Corporation debido a la creciente importancia de la cadena Publix Theatre.
The Texan (1930) fue la adaptación de Cromwell delcuento de O. Henry " A Double-Dyed Deceiver " y protagonizada por la estrella en ascenso de Paramount, Gary Cooper . [19]
Paramount reclutó nuevamente a los actores Powell y Francis en For the Defense de Cromwell (también 1930), un drama legal que involucra a un abogado y su prometida criminal. Dirigió la segunda versión cinematográfica de Tom Sawyer de Mark Twain (también 1930) con Jackie Coogan interpretando al epónimo Tom.
Durante 1931-1932, Cromwell cumplió con sus compromisos de dirigir a Bancroft en tres películas más. De hecho, Cromwell había aceptado continuar trabajando con Bancroft sólo si Paramount le permitía dirigir a Gary Cooper y Helen Hayes en una adaptación de la novela de Hemingway Adiós a las armas , un proyecto que finalmente fue dirigido por Frank Borzage .
Las películas de Bancroft incluyen Scandal Sheet , con su coprotagonista Clive Brook , Rich Man's Folly (ambas de 1931), una adaptación de Dombey and Son de Dickens y The World and the Flesh (también de 1931), un romance ambientado en la Rusia revolucionaria. La visión profesional de Cromwell sobre la actuación de Bancroft en Rich Man's Folly suscitó estos comentarios:
[El papel] debería haber sido absolutamente espléndido para Bancroft, excepto que requería conciencia del material, ¡del cual no tenía ninguna! Para él siempre fue simplemente un papel más que desempeñar de la misma manera antigua... [20]
Cromwell hizo tres películas más para Paramount-Publix, todas estrenadas en 1931: Scandal Sheet , con Bancroft, Unfaithful , con Ruth Chatterton y The Vice Squad, con Paul Lukas y Kay Francis . [21]
Durante la preproducción de The World and the Flesh de 1932 , una historia de la revolución bolchevique de 1917, Cromwell se disgustó tanto con la calidad del escenario como con la fuerte reducción del tiempo de ensayo por parte de la Paramount. La perspectiva histórica y la experiencia escénica de Cromwell informaron los siguientes comentarios:
El Mundo y la Carne fue el punto culminante de degradación desde mi punto de vista. ¡Era una historia tan estúpida e inventada! Yo personalmente me había interesado en la Revolución Rusa y había escuchado mucho de un periodista... Lincoln Steffens que había estado en Moscú en el momento en que ocurrió... Y así tuve una idea de las posibilidades que había de que haz una foto real. Luego, para tener esta... esta historia casi repugnante, ¡el mismo viejo hachís sirvió como guión! Decidí que eso sería lo último, intentaría escapar." [22]
En las primeras películas sonoras, los estudios, que sólo tenían experiencia con películas sin diálogos (mudas), cedieron a los directores de escena de Broadway expertos en diálogos, como Cromwell, a quienes reclutaron durante la transición al cine sonoro. En la producción inicial de For the Defense , Cromwell informa que le informaron sobre un cambio en la política relativa a los ensayos:
Establecí el calendario de ensayos habitual [de dos semanas y media ], pero en la reunión de producción Schulberg dijo: "No podemos tener más ensayos, John". Le pregunté qué quería decir y continuó: "Es una pérdida de tiempo. Los directores [de cine] no saben qué hacer con los ensayos..." Yo también lo había notado, pero había mejorado cada minuto de mi carrera. tiempo con los ensayos, así que dije: "Bueno, sabes que no tienes que hacer eso conmigo, sabes que no pierdo el tiempo". Schulberg respondió: "Si te doy el privilegio, todos lo querrán, y eso simplemente creará una situación..." [23]
Cromwell negoció con el productor y acordaron intercambiar días de rodaje a cambio de días de ensayo. Cromwell recordó: "Creo que terminé con cuatro días de ensayo [al] recortar dos días del calendario de rodaje. ¡Increíble! No podía creerlo años después". [24] [25]
El abandono de Cromwell de Paramount lo llevó a "abandonar el lote" después de The World and the Flesh , y con la ayuda de su agente Myron Selznick , se mudó a RKO . En ese momento, David O. Selznick dirigía RKO y Cromwell recordaba con cariño su experiencia profesional allí: "RKO siempre fue un lugar entrañable para mí; tenía un sentimiento distintivo de independencia e individualidad que nunca perdió". [26]
RKO asignó inicialmente a Cromwell la dirección de "una serie de telenovelas y películas sobre conflictos familiares". Entre ellos se encontraba Sweepings (1933), protagonizada por Lionel Barrymore en una actuación inusualmente "moderada". Cromwell dirigió The Silver Cord , una adaptación de una obra que dirigió en 1926. Su adaptación cinematográfica de 1933 trata sobre una joven esposa, Irene Dunne , que lucha con su entrometida suegra Laura Hope Crews . La imagen, que menospreciaba la "maternidad", fue considerada audaz en su época. [27]
Cromwell remató esta serie con Double Harness (1933), "un drama interior astuto y sofisticado" con Ann Harding y William Powell . [28]
Cromwell filmó una entonces controvertida adaptación de la novela Ann Vickers (1933) de Sinclair Lewis . Irene Dunne interpretó al personaje del mismo nombre, una reformadora social que expone las condiciones degradantes en las cárceles estadounidenses y tiene una aventura con el jurista Walter Huston . El guión de Jane Murfin refleja las caracterizaciones de la novela de Lewis, donde Vickers es una "defensora del control de la natalidad" que se involucra en una relación extramarital. El guión provocó la ira de la Administración del Código de Producción y de la Iglesia Católica. El presidente del Comité de Relaciones con el Estudio (SRC), James Wingate, calificó el guión de "vulgarmente ofensivo". El SRC, que supervisa el MPPDA , exigió una revisión del guión de Murfin. Los gerentes de RKO protestaron y se llegó a un compromiso cuando el personaje de Dunne fue liberado de los cargos de adulterio mediante un cambio en su estado civil. Aunque obtuvo la aprobación, la película ayudó a impulsar la formación de la Administración del Código de Producción, que luego censuró rigurosamente las películas durante casi 25 años, en gran parte bajo el liderazgo del cruzado moral católico Joseph Ignatius Breen . [29]
Las dos primeras películas de Cromwell de 1934 se consideran "en gran medida olvidables" según el autor Michael Barson, comenzando con una "mal interpretada" Katharine Hepburn en Spitfire . [30]
Hepburn, de 26 años de RKO, como "Spitfire" (su sobrenombre peyorativo) fue concebido como un "estudio del personaje" en lugar de una narrativa genuina, para mostrar a la joven estrella en ascenso. Basada en la obra Trigger de Lula Vollmer, Hepburn tiene la improbable tarea de retratar a una marimacho antisocial y curandera en una comunidad rural. Cromwell admitió que era escéptico sobre la idoneidad de Hepburn para el papel y se opuso a su artificial acento campestre. La propia Hepburn intentó, sin éxito, salir de la película. [31]
Cromwell, luchando por preparar sus tomas y consciente de evitar sobrecostos, discutió con Hepburn sobre volver a filmar una escena clave. Los contratiempos provocaron el rotundo rechazo de Cromwell a sus peticiones y el director, "a quien no le gustó mucho la película", recordó que "creo que esas [disputas] se reflejaron en la película". No obstante, las composiciones visuales de Cromwell, junto con el trabajo de su director de fotografía Edward Cronjager, muestran la actuación "exuberante" de Hepburn, en la que "sus celebraciones físicas de las alegrías de la vida hacen de esta una película excéntrica y simpática". Sorprendentemente, la película tuvo un éxito de taquilla. [32]
Cromwell completó otra telenovela con Irene Dunne y Ralph Bellamy , This Man is Mine (1934).
Cromwell se embarcó en una película que resultó muy ofensiva para los censores, pero inmensamente popular entre los cinéfilos: Of Human Bondage . [33]
Aunque el historiador de cine John Baxter considera que la adaptación de Cromwell de la novela Of Human Bondage de W. Somerset Maugham está "sobrevalorada", el crítico Jon Hopwood postuló que el director "se hizo un nombre" en Hollywood con esta película. [34] [35]
La película dramatiza formas de tiranía y obsesión personal, en las que una camarera poco sofisticada y desalmada, Mildred ( Bette Davis ), emplea poca astucia para ganarse el afecto de un joven estudiante de medicina modesto y con pies zambos , Philip ( Leslie Howard ). Las escenas están rodadas con gran eficacia y efecto en las que "el movimiento de la cámara parece representar el estado emocional de los personajes". [36] Cromwell se adaptó a las limitaciones presupuestarias del estudio, empleando decorados interiores espartanos con buenos resultados para enfatizar la "irrealidad" de las rutinas diarias de los estudiantes de medicina. [37]
Mildred, de Bette Davis, vio el surgimiento de la actriz en una actuación "revolucionaria" y "su primer papel cinematográfico verdaderamente grandioso". La interpretación de Davis transmite plenamente "la vulgaridad y venalidad" del personaje, impresionando a los ejecutivos de los estudios y al público. [38]
Al igual que Ann Vickers de 1933 de Cromwell , Of Human Bondage recibió la desaprobación de la Production Code Administration (PCA), encabezada por el activista católico Joseph Breen . La PCA exigió una serie de modificaciones al escenario, entre ellas que el diagnóstico de sífilis de Mildred se cambiara a tuberculosis y que se atenuara la tosquedad de la interpretación de Davis de la "camarera descuidada". RKO cumplió rápidamente bajo amenaza de una multa de 25.000 dólares por infracción. [39] [40]
A pesar de que los ejecutivos del estudio se sometieron a la censura, Of Human Bondage fue objeto de piquetes en las principales ciudades del Medio Oeste de los Estados Unidos por parte de la Legión Nacional Católica de la Decencia . Tal vez en respuesta a la reputación que la película adquirió gracias a estas manifestaciones, la película batió récords de asistencia en el Teatro Hippodrome de Chicago, donde cientos de espectadores fueron rechazados. A nivel nacional, la película disfrutó de un tremendo éxito de taquilla. [41] [42]
En cuanto al manejo exitoso del papel de Davis por parte de Cromwell, nunca fue etiquetado como un "director de mujeres" (como lo fueron directores como George Cukor ). Sin embargo, su amplia experiencia como intérprete le dotó de una simpatía que provocó excelentes interpretaciones de sus intérpretes, especialmente de las mujeres. La actuación de Davis fue una manifestación temprana de esta saludable influencia. [43] [44]
"Ya sea por suerte o por designio, la ecléctica carrera de Cromwell ha sido redimida por las contribuciones iconográficas de Irene Dunne, Katharine Hepburn, Bette Davis, Madeleine Carroll , Mary Astor , Carole Lombard ... Afortunadamente, sus deficiencias formales rara vez oscurecen los bellos impulsores de la obra de Cromwell. vehículos."— Andrew Sarris (The American Cinema, 1968) [45]
La última película estrenada en 1934 dirigida por Cromwell fue un drama romántico posterior a la Primera Guerra Mundial, The Fountain, sobre una inglesa que debe decirle a su devoto marido alemán que regresa de la guerra que se ha enamorado de su amor de la infancia. [46]
El historiador de cine Kingsley Canham considera que esta es una película "clave" en la obra de Cromwell, que muestra la "elegancia" y la "seguridad" del director en su manejo de la decoración y su relación con las actuaciones. [47]
La "inquietud y el examen de conciencia" de la esposa expatriada Julie ( Ann Harding ) y su amante, el aviador británico internado Lewis ( Brian Aherne ), se transmite a través de movimientos de cámara y con un mínimo de diálogo. La naturaleza "metafísica" de este romance se hace explícita con la inserción por parte de Cromwell de un extracto del poema " Dejection " del poeta inglés Coleridge . Canham elogia La Fuente como "sin duda uno de los logros más destacados de Cromwell..." [48]
Después de terminar Of Human Bondage , Cromwell disfrutó de un agradable interludio haciendo Village Tale (1935), "uno de los proyectos favoritos de Cromwell". La película, que comprende una serie de estudios de personajes, presenta a Guinn "Big Boy" Williams y Ann Dvorak . [49] Jalna y I Dream Too Much (ambas de 1935), representan un regreso a las representaciones de "telenovelas" de Cromwell sobre relaciones familiares y conflictos matrimoniales. La esposa del director, Kay Johnson, apareció en Jalna y Henry Fonda protagonizó I Dream too Much . [50]
Después de sus recientes colaboraciones con Pandro S. Berman y otros productores, Cromwell se reunió con David O. Selznick, siguiéndolo en United Artists y 20th Century Fox para hacer cinco películas: Little Lord Fauntleroy (1936), To Mary – with Love (1936) , Banjo on My Knee (1936), El prisionero de Zenda (1937) y Argel (1938). [51]
David O. Selznick reclutó a Cromwell para hacer una nueva versión de la película de la era muda Little Lord Fauntleroy (1921) [52] [53]
La elección del actor infantil Freddy Bartholomew para el papel principal, según Canham, fue un golpe maestro de Selznick y la dirección de Cromwell muestra el "puro profesionalismo" de las habilidades interpretativas de Bartholomew. Cromwell seleccionó sabiamente su elenco de reparto entre la famosa "colonia inglesa" de expatriados británicos de Hollywood. Una película que enfatiza la caracterización sobre el incidente, el manejo de la cámara por parte de Cromwell dota a la imagen de una calidad cinematográfica que evita la impresión de "literatura filmada". [54]
La primera película creada bajo Selznick International Pictures , Little Lord Fauntleroy fue su producción más rentable hasta Lo que el viento se llevó (1939).
"Para Cromwell, el trabajo del director no era arrojar chispas individuales de creatividad, sino fusionar los esfuerzos de todo el equipo creativo para el mejor interés de la obra terminada. Ese altruismo siempre ha sido raro en el cine, y Tanto los críticos como los historiadores han pasado por alto a Cromwell durante mucho tiempo,
pero evaluaciones recientes de su trabajo, en particular películas tardías tan amargas como Caged y The Goddess , lo han establecido como un director de sustancia y estilo, no simplemente como un literato contratado por Paramount, RKO o Selznick." – Biógrafo Richard Koszarski de Hollywood Directors: 1914-1940 [55]
Selznick encargó a Cromwell filmar "otro drama matrimonial" estrenado por los estudios 20th Century Fox con Claire Trevor la intrusa y Myrna Loy y Warner Baxter como la feliz pareja. [56] Banjo on My Knee (1936), ambientada en Nueva Orleans y una comedia de errores intercalada con producciones musicales, incluía una interpretación extravagante de " St. Louis Blues " de WC Handy . La película tiene similitudes en cuanto a ambientación y puesta en escena con Show Boat del director James Whale, estrenada el mismo año. [57]
Cromwell, según Canham, no logra desarrollar cinematográficamente los personajes de sus coprotagonistas Barbara Stanwyck y Joel McCrea y reduce a caricaturas a los habitantes plebeyos del delta del río Mississippi. [58]
Walter Brennan fue elegido como el patriarca rural Newt Holley, quien emerge como un bienvenido alivio cómico en una película, escribe Canham, donde "nada le resulta fácil a la gente en las películas de Cromwell y la ambición a menudo oculta el fracaso o la muerte de los plebeyos o incluso de la realeza ruritana ". [59]
Al revivir el espadachín del novelista Anthony Hope El prisionero de Zenda , David O. Selznick asumió un riesgo calculado en cuanto al gusto popular. El hecho de que el protagonista Ronald Colman estuviera contratado por Selznick fue el factor clave para seguir adelante con el proyecto. [60] La decisión de elegir a John Cromwell como director se basó en su demostrada capacidad para manejar actores y su disciplinada observancia de las restricciones presupuestarias. [61]
A pesar de la habilidad de Cromwell con actores masculinos y femeninos, surgió un divertido contratiempo durante el desarrollo del guión y del guión gráfico. Ronald Colman (al igual que el actor de cine John Barrymore ) prefirió presentar un solo perfil facial a la cámara para ocultar su "lado malo". La coprotagonista Madeleine Carroll pronto se acercó a Cromwell, alegando un defecto facial en el mismo lado que Colman, lo que significaba que cualquier primer plano cara a cara en pantalla pondría a un actor en desventaja. [62]
Como recordó el director Cromwell:
Llamé a Jimmy Howe [el camarógrafo] y le pregunté si [Carroll] tenía un lado malo, y me dijo: "¡No podrías culparla si la pusieras de cabeza!". Entonces volví con ella y le señalé lo ridículo que era y que no podríamos filmar la película si ella tuviera el mismo lado [malo] que Colman. Después de eso, ella no me habló durante el resto de la película. [63]
A pesar del "estilo generalmente fluido de la obra terminada", la autoría de varias de las escenas de acción sigue siendo cuestionable. Selznick se mostró inflexible en cuanto a contratar a los directores George Cukor y Woody van Dyke para inculcar un elemento expresivo más agudo en la actuación o para proporcionar una presentación más gráfica de los episodios de acción. La "elegancia visual" ampliamente reconocida de Cromwell puede haber influido en la "mala opinión que Selznick tenía de él como director de acción". [64] Tanto Cukor como Van Dyke no fueron acreditados como era habitual según las reglas del Gremio de Directores. [65] [66]
El crítico de cine Michael Barson considera El prisionero de Zenda de Cromwell como el comienzo de su "edad de oro" entre los directores de Hollywood, y una producción que merece ser calificada de "clásico". [67] [68]
Argel (1938), nueva versión de Cromwell del thriller francés Pepe Le Moko (1936) del director Julien Duvivier , lanzó las carreras en Hollywood de dos actores europeos: Charles Boyer y Hedy Lamarr . Cromwell obtuvo una excelente actuación de Boyer como un ladrón internacional que iguala su ingenio con el inspector de la policía local interpretado por Joseph Calleia , intentando atraer al fugitivo francés de su refugio en la "Casbah", el barrio natal de Argel. El diálogo, "estrecho y lógico", fue elaborado por John Howard Lawson , con contribuciones del novelista y guionista James M. Cain . Cromwell y su director de fotografía James Wong Howe fabricaron con éxito un facsímil "pulido" del original de Duvivier para el productor Walter Wanger . [69]
Cromwell se esforzó por lograr un impresionante debut como actor estadounidense del austriaco Lamarr, a quien Wanger deseaba convertir en un "segundo Garbo ". Cromwell recordó:
Podía sentir su insuficiencia [como actriz], Wanger podía sentirlo y podía ver a Boyer preocuparse... A veces la palabra personalidad es intercambiable con presencia, aunque no son lo mismo. Pero el principio se aplica y Hedy tampoco tenía personalidad. ¿Cómo podían pensar que ella podría convertirse en una segunda Garbo?... Bueno, hicimos la película y lo hicimos bien. Los críticos vieron que no podía actuar, pero se las arregló y vendieron la película diciendo efusivamente lo hermosa que era. Me llevaré algo de crédito por hacer que su actuación sea aceptable, pero sólo puedo compartir el crédito con Boyer al cincuenta por ciento. [70]
Cromwell hizo un intento fallido de dirigir Las aventuras de Marco Polo, del productor Sam Goldwyn (finalmente terminada por el director Archie Mayo y John Ford en 1938), seguido brevemente por un regreso a los escenarios para dirigir Fredric March y Florence Eldridge . [71]
Mientras Selznick estaba profundamente inmerso en la preproducción de Lo que el viento se llevó (1939), contrató a Cromwell para dirigir a Carole Lombard y James Stewart en la comedia romántica Hechos el uno para el otro (1939). La sencilla narrativa de jóvenes recién casados que luchan tanto con "lo trivial como con lo traumático" proporcionó una plataforma para mostrar el hábil manejo del elenco por parte de Cromwell. [72]
Lombard estaba ansiosa por un papel con potencial dramático (había sido designada como "La reina de la comedia chiflada " en sus papeles anteriores). [73] Se benefició del guión sencillo "que permitió una gran comprensión de los personajes y una inusual cantidad de flexibilidad en la interpretación del elenco". La interpretación dramática de Lombard de su esposa Jane Mason resulta "informal y muy humana". [74] [75] Stewart se adapta perfectamente al papel del joven marido poco asertivo pero entrañable que necesita la guía discreta de su cónyuge más maduro. [76] [77]
Un claro éxito de crítica, pero mediocre en taquilla, Cromwell estaba encantado de tener la oportunidad de dirigir a Lombard en su próximo largometraje: In Name Only (1939). [78] Otra producción en un género que Cromwell estaba bien equipado para presentar, el melodrama marital, Lombard interpreta a "la otra mujer" del rico Cary Grant , atrapado en un matrimonio infeliz con la posesiva Kay Francis . [79]
Julie, de Lombard, una viuda que sufre "ilusiones destrozadas" de poseer alguna vez a Grant, primero debe abandonar toda esperanza antes de que el destino intervenga en su nombre. Grant conserva su "ligereza natural" para ofrecer una serie de escenas cómicas que evitan socavar la credibilidad de su personaje, y la obsesiva matrona de Kay Francis acepta darle el divorcio a Grant con esta invectiva maligna: "¡Espero que ambos sean miserables!" La comprensión general de Cromwell de la atmósfera dramática sirve para mezclar las actuaciones y "casi lo logra". [80]
El historiador Kingley Canham ofrece una visión del manejo que hizo Cromwell de las "ilusiones románticas" inherentes a las narrativas melodramáticas:
La realidad está siempre presente en el trabajo de Cromwell, aflorando incluso en sus ofertas más ligeras... la actitud del director hacia su material de 'telenovela' difiere de la de otros artistas [como] Cukor , Borzage y Stahl ... en que es básicamente anti- romántico, restando importancia al sentimentalismo y optando en su lugar por el realismo y la practicidad. [81]
Los ejecutivos de RKO encargaron a Cromwell la adaptación de la obra del dramaturgo Robert Sherwood Abe Lincoln en Illinois , que había sido producida con gran éxito en Broadway en 1938. La producción teatral ganadora del premio Pulitzer trataba sobre los inicios de la carrera del presidente estadounidense Abraham Lincoln , quien dirigió la Unión. fuerzas a la victoria en la Guerra Civil Americana . La guerra que se estaba desarrollando en Europa y el Lejano Oriente dio una resonancia especial al tema. [82]
A pesar de que 20th Century Fox estaba muy avanzada en la producción de una película de John Ford protagonizada por Henry Fonda que dramatizaba los mismos acontecimientos de la vida de Lincoln, esto no disuadió las ofertas por los derechos cinematográficos del drama histórico de Sherwood y el productor independiente Max Gordon financió su compra por 250.000 dólares, que será filmada por los estudios RKO. El actor de teatro Raymond Massey , que interpretó el papel de Lincoln en la producción de Broadway, fue seleccionado, con la total aprobación de Sherwood, para interpretar el papel cinematográfico de Abe Lincoln en Illinois .
La caracterización que Cromwell hace de Lincoln es distinta de la que hace Ford en El joven señor Lincoln (1939). Mientras que Ford presenta una figura mitológica que pasa de ser un humilde abogado rural a la posición más exaltada de la nación, la de Cromwell se basa menos en la iconografía y enfatiza los detalles históricos que revelan el carácter inicial de Lincoln como menos exaltado: "Raymond Massey [emerge] como un hombre mucho menos Lincoln más confiado que Henry Fonda". [83]
Cromwell utiliza la presentación de la relación histórica de Lincoln con Ann Rutledge (interpretada por May Howard) para establecer aspectos del carácter esencial de Lincoln y evita la romantización de Ford de Rutledge en El joven Abe Lincoln , que presenta un elogio sentimental junto a la tumba. [84]
La actriz Ruth Gordon , en su debut en la pantalla como la futura señora Lincoln, proporciona un antídoto clave contra el inexperto Lincoln de Cromwell, que es perezoso, escéptico y carente de ambición. Mary Todd, de Gordon, se propone francamente preparar a Lincoln para afrontar su destino antes de casarse con él, proporcionando "una interpretación cinematográfica notablemente astuta". El trabajo de iluminación y cámara del director de fotografía James Wong Howe documenta eficazmente la transformación en Lincoln que le valió a Howe una nominación al Oscar. [85]
Ya en 1919, Cromwell se había interesado mucho en el drama psicológico del novelista Joseph Conrad Victory: An Island Tale (1915), sobre un expatriado inglés que intenta retirarse como recluso a una pequeña isla de Indonesia. Su existencia solitaria se deshace cuando rescata a una joven, lo que lleva a la infiltración de su santuario por parte de una banda de sociópatas, con resultados trágicos. Cromwell se puso en contacto personalmente con Conrad poco después de la publicación de Victory para obtener los derechos de producción y dramáticos de la obra, sólo para descubrir que se había concedido el permiso al productor Laurence Irving y McDonald Hastings, respectivamente. Cromwell dirigió una versión de su adaptación en los Estados Unidos en la década de 1920 que fracasó rápidamente. [86]
Veinte años más tarde, Cromwell filmó su versión cinematográfica, Victory (1940), para Paramount con Fredrick March como el recluso Hendrik Heyst y Betty Field como Alma, y Cedric Hardwicke como el patológico Sr. Jones (que también actúa como narrador). La relación profesional de Cromwell con March había comenzado en Broadway en 1925 cuando dirigió March en Harvest de Kay Horton . [87] [88]
Cromwell no estaba satisfecho con algunos miembros del reparto de Victory, particularmente con el del actor británico Cedric Hardwicke:
Luego [estaba] el señor Hardwicke, a quien conocía, o creía conocer, bastante bien. No sé qué diablos le pasó. Simplemente se desplomó conmigo por completo, y sentí que no dio ninguna indicación de qué se trataba el papel... no parecía haber ningún esfuerzo de su parte. [89]
Cromwell consideró más satisfactorio su próximo proyecto. En la adaptación cinematográfica de Cromwell, Así termina nuestra noche (1941), una adaptación de la novela Flotsam (1939) de Erich Maria Remarque , Fredrick March interpreta a un fugitivo antinazi perseguido por las autoridades fascistas austriacas. En su huida se encuentra con otros exiliados, interpretados por Glenn Ford y Margaret Sullavan , y su libertad sólo se consigue mediante un sacrificio supremo. Erich von Stroheim aparece en un papel secundario como el oficial nazi de las SS Brenner. [90]
Cromwell estaba particularmente satisfecho con el guión de Talbot Jennings y, aunque la película no fue un éxito comercial, Cromwell consideró Así termina la noche "una de las mejores". [91]
Cromwell menospreció su siguiente encargo, Son of Fury , calificándolo estrictamente de "un proyecto de estudio". Financiado generosamente por 20th Century Fox pero controlado en cada fase para asegurar su éxito comercial, Cromwell se limitó a utilizar sus "lujosos decorados" de Darryl F. Zanuck para fabricar una pieza de época "un disfraz original de 20th Century Fox". [92]
El protagonista, Benjamin Blake, heredero del título de baronet, es interpretado por el actor infantil Roddy McDowell cuando era joven y luego por Tyrone Power cuando era adulto. Curiosamente, aunque un lapso de tiempo muestra la transformación del joven Blake de niño a hombre, su tío Sir Arthur Blake George Sanders no muestra signos perceptibles de envejecimiento. [93]
Cromwell recordó haber disfrutado de su trabajo con el protagonista Tyrone Power "y particularmente con [su coprotagonista] Gene Tierney " ya que "nunca la vi en una película que me gustara hasta Son or Fury y creo que fue porque trabajé muy duro para conseguirla". dejar de actuar y ser simple." [94]
El historiador Kingsley Canham emitió este juicio sobre la dirección de la imagen por parte de Cromwell:
Son of Fury contiene los dos extremos de la carrera de Cromwell, [y] desafortunadamente, en la confrontación entre el buen gusto, un presupuesto generoso y una caracterización atmosférica por un lado y la sumisión a la influencia del estudio por el otro, este último demuestra ser el factor más fuerte. . [95]
Como parte de la promoción de su protegida, Jennifer Jones , de 25 años , Selznick reclutó a Cromwell para dirigir un himno a la familia estadounidense durante la guerra, Since You Went Away (1944). [96]
El historiador de cine Kingley Canham describe Since You Went Away como "sin duda una de las obras de propaganda bélica más superiores, pulidas y eficaces que surgieron del cine durante la Segunda Guerra Mundial". [97] Selznick, insatisfecho con el guión escrito por la autora Margaret Buell Wilder, lo revisó para crear una celebración del frente interno estadounidense como una “fortaleza inexpugnable” que sustenta el esfuerzo bélico estadounidense. [98] [99]
El reparto incluye a Claudette Colbert , Shirley Temple , Joseph Cotten , Lionel Barrymore , Robert Walker y Agnes Moorehead . El manejo de las escenas por parte de Cromwell establece, escribe Canham, "una calidez y convicción" que supera las interpretaciones superficiales. [100] [101] A pesar de la gran participación habitual de Selznick en la producción, el despliegue del elenco y los técnicos por parte de Cromwell fue tal que "su reputación como profesional de Hollywood podría haber sobrevivido enteramente gracias a Since You Went Away ". [102] [103]
Un éxito comercial y de crítica, la película recibió nueve nominaciones al Oscar, incluida la de Mejor Película, prácticamente todo el reparto y todos los créditos técnicos, pero ganó sólo una, por la música de Max Steiner.
Cromwell regresó a RKO para hacer una de sus películas más gratificantes personalmente, The Enchanted Cottage (1945), una nueva versión de la producción cinematográfica muda de 1924 del director John S. Robertson , ambas basadas en la obra de teatro homónima de 1921 de Arthur Wing Pinero. . [104]
Una fantasía romántica, “manejada con percepción y sentimiento” por Cromwell, cuenta la historia (presentada en flashbacks) de un veterano de combate desfigurado, Robert Young, que regresa de la Segunda Guerra Mundial y una doncella del "patito feo" , Dorothy McGuire , que se casan y juntos descubren El poder transformador del amor. El pianista y compositor Herbert Marshall , cegado por la guerra, contribuye a su triunfo personal. [105] [106]
Al regresar a 20th Century Fox, Cromwell se embarcó en otro proyecto satisfactorio, Anna and the King of Siam (1947), "una demostración de la habilidad de Cromwell" que le valió premios Oscar por cinematografía y dirección de arte. La historia de 1944 de la autora Margaret Landon se basa en las memorias de la angloindia Anna Leonowens , quien sirvió como institutriz del rey Mongkut de Siam (ahora Tailandia) en la década de 1860. El Rey es interpretado por Rex Harrison y la institutriz por Irene Dunne . Su tarea es tutorizar a sus numerosos hijos engendrados en su harén y "guiar al rey en asuntos de estado y hogar" informada por su sensibilidad pequeñoburguesa. Cromwell evita tanto la comedia menor como el espectáculo, concentrándose en el desarrollo del personaje del Rey y Anna. [107] [108]
Un éxito de taquilla y de los Premios de la Academia, la historia de Leonowens apareció como un musical de Broadway de Rodgers y Hammerstein en 1951 y en una película en The King and I (1956). [109] [110]
RKO asignó a Cromwell el drama Night Song (1948), protagonizado por Dana Andrews y Merle Oberon, sobre una mujer adinerada de la alta sociedad que se esfuerza por avanzar en la carrera de un pianista ciego. Calificada como “un desastre [y] una película increíble”, la única gracia salvadora de la película es un cameo de Arthur Rubinstein tocando el piano. [111]
Durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, Cromwell creó una serie de películas que se consideran cine negro y reflejan la trampa del director como un compañero de viaje acusado de simpatías comunistas por los investigadores del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes y ejecutivos de Hollywood durante la Era macartista emergente . Cromwell afirmó que "nunca fui nada que sugiriera un rojo , y nunca hubo la más mínima evidencia para acusarme de serlo". Sin embargo, Cromwell estuvo en la lista negra de la industria cinematográfica de Hollywood de 1952 a 1958. [112]
Los estudios Warner Bros., con la estrella de cine Humphrey Bogart bajo contrato, aceptaron a regañadientes un intercambio de actores con Columbia Pictures de Harry Cohn , poniendo a Bogart a disposición del estudio rival por un período de tiempo limitado. Bogart tuvo la opción de elegir director y guión, y se decidió por Cromwell. [113] [114] Cromwell recordó su primer encuentro con el actor en la producción de Broadway de 1922 de Drifting , en la que Bogart interpretó los papeles de Ernie Crockett y El tercer marido: [115]
Había puesto a Humphrey Bogart en el escenario cuando era niño; solía frecuentar el Playhouse Theatre [y] asistía a los ensayos... [una vez, cuando un jugador destacado no se presentó] alguien pensó en Bogart, que en ese momento era el más responsable, el más encantador [de los jóvenes prospectos] . Por supuesto, tenía los ojos desorbitados al hacerlo, y creo que una vez me dijo: "Sr. Cromwell... ¿Me pongo de cara al público cuando digo mis líneas o hablo con los personajes?" Pasé por todas estas cosas con él, pero la obra fue un terrible fracaso. [116]
En Dead Reckoning (1947), Bogart interpreta a un curtido veterano de la Segunda Guerra Mundial que se embarca en una persecución mortal para localizar al asesino de un compañero de armas. Lizabeth Scott es la mujer fatal del cine negro . [117] La narrativa, a menudo incoherente, refleja la lucha de Cromwell por darle sentido al desconcertante guión. Cromwell recordó:
No teníamos historia. [Los guionistas] proporcionaron el montón habitual de material que siempre tenían a mano para ver a quién podían pasárselo... Finalmente conseguí esto, algo nocivo, pero sentí que tal vez [Bogart y yo] podríamos hacer algo de eso. [118]
A pesar de estas limitaciones conceptuales, Cromwell logra un nivel de coherencia que ofrece una película vigorosa de estilo negro. [119]
Durante las investigaciones de 1947 del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes (HUAC) sobre la industria cinematográfica, John Cromwell fue identificado como una persona de interés vinculada a la supuesta subversión comunista en Hollywood. [120] Cromwell se describió a sí mismo como "un demócrata 'liberal'" y afirma que no se volvió políticamente activo hasta la campaña de reelección para la tercera candidatura del presidente estadounidense Franklin Delano Roosevelt a la Casa Blanca en 1940. La mayor parte de esto, según a Cromwell, se limitó a cobrar las cuotas de membresía del Comité Demócrata de Hollywood, que estaba formado por "3.000 miembros". [121] En una entrevista de 1973 con el historiador de cine Leonard Maltin para la revista Action , Cromwell relató los esfuerzos del estudio para socavar su trabajo durante la caza de brujas anticomunista :
Empecé a sentir la presión... Le pedí a mi agente que averiguara si yo estaba en una lista de 200 nombres [de sospechosos de ser comunistas] que se suponía circularía universalmente en todos los grandes estudios, y él hizo lo que quería. pudo averiguarlo y dijo: "¡Por supuesto que no!". Y sentí que esto era prácticamente una autorización porque mi nombre estaba en la lista local del estado [de California] y había aparecido muy a menudo. Entonces obtuve el contrato de RKO. [122]
El agente de Cromwell había negociado un excelente contrato cinematográfico, pero a las pocas semanas RKO fue comprada por el productor de cine y anticomunista Howard Hughes . Como recordó Cromwell, "la total libertad de la política entre estudios se esfumó". El cambio de propiedad provocó un éxodo de guionistas y técnicos de los estudios cuya "reputación" era percibida por los ejecutivos de Hollywood como "teñida" de simpatías por el comunismo: los guionistas "sabían que era inútil quedarse allí". [123] [124]
Al permanecer bajo contrato, Cromwell decidió perseverar en RKO, confiando en que "no podrían hacerme mucho daño". Por el contrario, Cromwell percibió un esfuerzo consciente por expulsarlo cuando los ejecutivos de RKO le presentaron un ultimátum: aceptar guiones y guiones dictados por el estudio, o violar su contrato. Cromwell estaba convencido de que un guionista se había acercado a Hughes, instándolo a comprar los derechos de una historia que le resultaba tan repugnante que el director se vería obligado a rechazarla, proporcionando a la RKO motivos para rescindir su lucrativo acuerdo. [125] Cromwell describe su dilema:
Simplemente me enviaron un guión y me dijeron 'esta será tu próxima tarea'. Miré el guión y el título era Me casé con un comunista y pensé que era algo gracioso... Nunca leí un guión tan malo en mi vida; Cuanto más lo pensaba, más me convencía de que nunca podría realizarse... [pero] decidí seguir adelante. [126]
Cromwell informa que el estudio asignó inmediatamente un guionista al equipo de preproducción que era "uno de los peores ' cazadores de brujas ' [anticomunistas] de Hollywood, y vi que esto fue bastante deliberado". [127] A varios guionistas se les asignó la tarea de desarrollar un guión viable a partir de la historia defectuosa. Llegaron a un acuerdo con Cromwell y finalmente convencieron a la dirección de RKO de que era "lógicamente" imposible hacer la película. Cuando los retrasos en la producción amenazaron con activar la disposición del "triple salario" en el contrato de Cromwell, RKO prestó a Cromwell a Warner Bros. para hacer Caged . La película final, finalmente estrenada en 1949, tuvo que ser retitulada La mujer del muelle 13 . [128]
La película negra de Cromwell Caged (1950) es una denuncia de una jerarquía social y sexual estadounidense ambientada en el microcosmos de una prisión de mujeres. Entre las "películas más amargas" de Cromwell, el historiador Kingsley Canham describe su formulación:
Se construye en una progresión de acusaciones estructuradas en términos de su importancia. Los hombres son vistos como la perdición de las mujeres; el duro trato en prisión los embrutece; la indiferencia y las artimañas oficiales impiden la ayuda liberal; y su corrupción se completa con su contacto con criminales empedernidos que son ellos mismos víctimas. [129]
Cromwell, una producción de Warner Brothers, adoptó los efectos visuales, los temas y la música dramática característicos de las películas del estudio, incluidos sus diálogos "duros". [130] [131]
En el centro del trabajo de Cromwell (y "contra el tipo") se encuentran las sólidas actuaciones de Eleanor Parker , Agnes Moorehead , Hope Emerson , Betty Garde y Lee Patrick , a través de quienes "expone su caso". [132] [133]
Cromwell regresó a RKO (con John Houseman como productor) en el intento de los estudios de duplicar el éxito de Caged, nuevamente un drama criminal, donde Dennis O'Keefe es el objeto de amor de Jane Greer y Lizabeth Scott : The Company She Keeps (1951) . Cromwell no logró aprovechar al máximo el talentoso reparto ni dramatizar eficazmente el confuso guión. [134]
La última película de Cromwell antes de su expulsión de los estudios de Hollywood bajo la lista negra anticomunista fue The Racket (1951). La obra de Bartlett Cormack se produjo en Broadway en 1927, con Cromwell en el papel principal del Capitán McQuigg (con la futura estrella de cine Edward G. Robinson en un pequeño papel). En la adaptación cinematográfica muda de 1928 de la obra dirigida por Lewis Milestone y producida por Howard Hughes, de 22 años, Robinson es elevado al papel del gángster Nick Scanlon para esta versión cinematográfica muda. [135] [136] Robert Mitchum retoma el papel del honesto capitán de policía Thomas McQuigg, el mismo personaje que el director Cromwell había interpretado en Broadway en 1927. [137]
La versión cinematográfica de Cromwell es un cine negro oscuro y pesimista que hace alarde del gangsterismo de "la estructura de las corporaciones comerciales... los matones sin cerebro... los fiadores corruptos, los policías y los jueces corruptos hasta el 'Hombre' invisible en la cima". La película, que incluye escenas de lucha efectivas y llenas de suspenso, ofrece "entretenimiento capaz".
A pesar de lo familiarizado que estaba Cromwell con el material, Howard Hughes de RKO rechazó su montaje final y reclutó al director Nicholas Ray para filmar escenas adicionales. Se informa que Cromwell abandonó el set disgustado. Debido a su inclusión en la lista negra de los estudios de Hollywood, Cromwell no volvió a trabajar en la industria cinematográfica hasta finales de la década. [138]
Durante los años de inactividad forzada de los estudios que comenzaron en 1952, el único compromiso de Cromwell en Hollywood fue un pequeño papel actoral en Top Secret Affair (1957), dirigida por HC Potter y protagonizada por Kirk Douglas y Susan Hayward . El historiador Kingsley Canham informa que el antiguo director estuvo "activo en el teatro" durante estos años intermedios. Cromwell se sintió tentado a volver a dirigir películas cuando Columbia Pictures le prometió la opción de realizar el "primer montaje" de la película propuesta. La Diosa (1958) fue su último trabajo cinematográfico importante y "en muchos aspectos una de sus mejores películas". [139]
La historia y el guión del dramaturgo Paddy Chayefsky detallan el trágico ascenso y caída de una actriz ficticia de Hollywood, Emily Ann Faulkner/Rita Shawn. Cromwell optó por presentar la saga en tres episodios cronológicos y dramáticos: "Retrato de una joven, Maryland 1930" (Faulkner interpretado por Patty Duke, de 9 años ), "Retrato de una joven" y "Retrato de una Goddess" (los dos últimos interpretados por Kim Stanley ). [140] [141]
Cromwell utiliza la película como plataforma para "parodiar amargamente el emocionalismo de sus películas anteriores", vinculando los episodios mediante la repetición de fragmentos de diálogo de los personajes que "hacen eco" a lo largo de la película. [142]
La Diosa surge como el ajuste de cuentas de Cromwell con la industria cinematográfica de Hollywood. La caracterización de Emily Ann Faulkner y Rita Shawn emerge como una crítica al sistema de Hollywood. El historiador de cine Kingsley Canham observa:
La heroína de Cromwell es a la vez víctima y monstruo; a ella se le permite una ambigüedad de carácter que comparten muchas de sus villanas, pero él no muestra piedad ni lástima por los mecánicos de la industria cinematográfica a quienes acusa de su caída. La película le ofrece la oportunidad de desahogar su relación de amor/odio durante toda su vida en la industria cinematográfica. [143]
Cromwell descubrió que los derechos de su “primer corte” eran inadecuados para preservar su trabajo, y en la edición posterior realizada gracias a los esfuerzos del escritor Chayefsky, La Diosa se redujo a la mitad de su longitud original. Cromwell finalmente abandonó el proyecto. [144]
La carrera cinematográfica de Cromwell se cerró con dos películas mediocres: The Scavengers (1959), protagonizada por Vince Edwards y Carol Ohmart , realizada en Filipinas, y un drama de bajo presupuesto, A Matter of Morals (1961), realizado en sueco con Maj-Britt Nilsson y Patricio O'Neal . [145]
Cromwell dedicó el resto de su carrera principalmente al teatro donde había comenzado. Escribió tres obras de teatro, todas representadas en Nueva York; Protagonizó junto a Helen Hayes una reposición de What Every Woman Knows , dirigió la compañía original de Broadway de Desk Set y finalmente encontró satisfacción artística en cuatro temporadas en el teatro Tyrone Guthrie de Minneapolis, fundado por el director británico expatriado en 1963 cuando, como Cromwell, se había desencantado con el creciente comercialismo de Broadway.
Cromwell fue elegido por Robert Altman para el papel del Sr. Rose para la película 3 Women (1977), protagonizada por Shelley Duvall y Sissy Spacek , y como el obispo Martin en A Wedding (1978), protagonizada por Desi Arnaz, Jr. , Carol Burnett , Geraldine Chaplin. , Mia Farrow , Vittorio Gassman y Lillian Gish . Su esposa Ruth Nelson también apareció en ambas películas de Altman.
Cromwell se casó cuatro veces. Su primera esposa, la actriz de teatro Alice Lindahl, murió de influenza en 1918. [146] Él y la actriz de teatro Marie Goff se divorciaron. Cromwell se casó luego con la actriz Kay Johnson en 1928 y se divorció en 1946. Su último matrimonio, con la actriz Ruth Nelson en 1947, duró hasta su muerte en 1979. [1] [147] Cromwell y Johnson tuvieron dos hijos; [148] uno es el actor James Cromwell . [ cita necesaria ]
Murió a los 92 años en Santa Bárbara, California, de una embolia pulmonar. [149]
De 1912 a 1928. [150]
