Edward Kennedy " Duke " Ellington (29 de abril de 1899 - 24 de mayo de 1974) fue un pianista de jazz , compositor y líder de la orquesta de jazz del mismo nombre desde 1923 hasta el resto de su vida. [1]
Nacido y criado en Washington, DC, Ellington residió en la ciudad de Nueva York desde mediados de la década de 1920 y adquirió un perfil nacional a través de las apariciones de su orquesta en el Cotton Club de Harlem . Un maestro en la escritura de miniaturas para el formato de grabación de tres minutos a 78 rpm, Ellington escribió o colaboró en más de mil composiciones; su extenso cuerpo de trabajo es el mayor legado personal registrado de jazz, y muchas de sus piezas se han convertido en estándares . También grabó canciones escritas por los miembros de su banda, como " Caravan " de Juan Tizol , que aportó un tinte español al jazz de big band.
A finales de la década de 1930, Ellington inició una colaboración de casi treinta años con el compositor, arreglista y pianista Billy Strayhorn , a quien llamó su compañero de escritura y arreglos. [2] Con Strayhorn, compuso múltiples composiciones extendidas o suites, así como muchas piezas cortas. Durante algunos años, al comienzo de la participación de Strayhorn, la orquesta de Ellington contó con el bajista Jimmy Blanton y el saxofonista tenor Ben Webster y alcanzó un pico creativo. [3] Algunos años más tarde, después de un período de bajo perfil, una aparición de Ellington y su orquesta en el Festival de Jazz de Newport en julio de 1956 condujo a un importante resurgimiento y a giras mundiales regulares. Ellington grabó para la mayoría de las compañías discográficas estadounidenses de su época, actuó y compuso la música de varias películas y compuso un puñado de musicales escénicos.
Aunque es una figura fundamental en la historia del jazz , en opinión de Gunther Schuller y Barry Kernfeld , "el compositor más significativo del género", [4] el propio Ellington abrazó la frase "más allá de toda categoría", considerándola un principio liberador, y refiriéndose a su música como parte de la categoría más general de música americana. [5] Ellington era conocido por su uso inventivo de la orquesta, o big band, así como por su elocuencia y carisma. Recibió un premio especial póstumo del Premio Pulitzer de música en 1999. [6]
Ellington nació el 29 de abril de 1899, hijo de James Edward Ellington y Daisy (de soltera Kennedy) Ellington en Washington, DC. Ambos padres eran pianistas. Daisy tocaba principalmente canciones de salón y James prefería arias de ópera . [7] Vivían con los padres de Daisy en 2129 Ida Place (ahora Ward Place) NW, en el vecindario West End de DC . [8] El padre de Duke nació en Lincolnton, Carolina del Norte , el 15 de abril de 1879, y en 1886 se mudó a DC con sus padres. [9] Daisy Kennedy nació en Washington, DC, el 4 de enero de 1879, hija de dos ex esclavos estadounidenses . [8] [10] James Ellington hizo planos para la Armada de los Estados Unidos .
Cuando Ellington era niño, su familia mostró orgullo racial y apoyo en su hogar, al igual que muchas otras familias. Los afroamericanos en DC trabajaron para proteger a sus hijos de las leyes Jim Crow de la época . [11]
A los siete años, Ellington comenzó a recibir lecciones de piano de Marietta Clinkscales. [7] Daisy rodeó a su hijo de mujeres dignas para reforzar sus modales y enseñarle elegancia. Sus amigos de la infancia notaron que su manera informal y casual y su vestimenta elegante le daban el porte de un joven noble, [12] por lo que comenzaron a llamarlo "Duque". Ellington le dio crédito a su amigo Edgar McEntee por el apodo: "Creo que sintió que para poder ser elegible para su compañía constante, debería tener un título. Entonces me llamó Duke". [13]
Aunque Ellington tomó lecciones de piano, estaba más interesado en el béisbol. " El presidente [Theodore] Roosevelt venía a veces en su caballo y "se detenía y nos veía jugar", recordó. [14] Ellington fue a la Escuela Secundaria Técnica Armstrong en Washington, DC Su primer trabajo fue vender maní en los juegos de béisbol de los Washington Senators . .
Ellington empezó a colarse en el salón de billar de Frank Holiday a los catorce años. Escuchar la música de los pianistas del billar encendió el amor de Ellington por el instrumento y comenzó a tomar en serio sus estudios de piano. Entre los muchos pianistas que escuchó se encontraban Doc Perry, Lester Dishman, Louis Brown, Turner Layton , Gertie Wells, Clarence Bowser, Sticky Mack, Blind Johnny, Cliff Jackson , Claude Hopkins , Phil Wurd, Caroline Thornton, Luckey Roberts , Eubie Blake. , Joe Rochester y Harvey Brooks . [15]
En el verano de 1914, mientras trabajaba como vendedor de refrescos en el Poodle Dog Café, Ellington escribió su primera composición, "Soda Fountain Rag " (también conocida como "Poodle Dog Rag"). Creó la pieza de oído, ya que aún no había aprendido a leer ni escribir música. "Tocaba el 'Soda Fountain Rag' como un vals de un paso , de dos pasos , de tango y de fox trot ", recordó Ellington. "Los oyentes nunca supieron que era la misma pieza. Estaba establecido que tenía mi propio repertorio". [16] En su autobiografía, La música es mi amante (1973), Ellington escribió que faltó a más lecciones de las que asistió, sintiendo en ese momento que el piano no era su talento.
Ellington continuó escuchando, mirando e imitando a pianistas de ragtime , no sólo en Washington, DC sino también en Filadelfia y Atlantic City , donde vacacionaba con su madre durante el verano. [16] A veces escuchaba música extraña interpretada por aquellos que no podían permitirse muchas partituras, por lo que, para variar, tocaban las partituras al revés. [17] Henry Lee Grant, profesor de música de Dunbar High School , le dio lecciones privadas de armonía . Con la orientación adicional del pianista y líder de banda de Washington Oliver "Doc" Perry, Ellington aprendió a leer partituras , proyectar un estilo profesional y mejorar su técnica. Ellington también se inspiró en sus primeros encuentros con los pianistas James P. Johnson y Luckey Roberts. Más tarde, en Nueva York, recibió el consejo de Will Marion Cook , Fats Waller y Sidney Bechet . Comenzó a tocar en cafés y clubes en Washington, DC y sus alrededores. Su apego a la música era tan fuerte que en 1916 rechazó una beca de arte para el Instituto Pratt en Brooklyn. Tres meses antes de graduarse, abandonó la Armstrong Manual Training School, donde estudiaba arte comercial. [18]
Trabajando como pintor de carteles independiente desde 1917, Ellington comenzó a formar grupos para tocar en bailes. En 1919, conoció al baterista Sonny Greer de Nueva Jersey, quien animó la ambición de Ellington de convertirse en músico profesional. Ellington construyó su negocio musical a través de su trabajo diario. Cuando un cliente le pedía que hiciera un cartel para un baile o fiesta, le preguntaba si tenían entretenimiento musical; de lo contrario, Ellington se ofrecería a jugar para la ocasión. También trabajó como mensajero en la Marina de los EE. UU. y en los departamentos de Estado, donde hizo una amplia gama de contactos.
Ellington se mudó de la casa de sus padres y compró la suya propia mientras se convertía en un pianista de éxito. Al principio, tocó en otros conjuntos y, a finales de 1917, formó su primer grupo, "The Duke's Serenaders" ("Colored Syncopators", proclamaba el anuncio de su directorio telefónico). [18] También era el agente de reservas del grupo. Su primera cita para jugar fue en el True Reformer's Hall, donde se llevó a casa 75 centavos. [19]
Ellington tocó en todo el área de DC y en Virginia para bailes de sociedades privadas y fiestas de embajadas. La banda incluía a su amigo de la infancia Otto Hardwick , quien comenzó a tocar el contrabajo, luego pasó al saxo con melodía en do y finalmente se decidió por el saxofón alto; Arthur Whetsel a la trompeta; Elmer Snowden al banjo; y Sonny Greer a la batería. La banda prosperó, actuando tanto para audiencias afroamericanas como blancas, algo poco común en la sociedad segregada de la época. [20]
Cuando su baterista Sonny Greer fue invitado a unirse a la Wilber Sweatman Orchestra en la ciudad de Nueva York, Ellington dejó su exitosa carrera en DC y se mudó a Harlem , convirtiéndose finalmente en parte del Harlem Renaissance . [21] Nuevas modas de danza como el Charleston surgieron en Harlem, así como el teatro musical afroamericano , incluido Shuffle Along de Eubie Blake y Noble Sissle (este último era su vecino) . Después de que los jóvenes músicos dejaron la Sweatman Orchestra para emprender su propio camino, encontraron una escena de jazz emergente que era altamente competitiva y con un camino difícil. Se dedicaban al billar durante el día y tocaban en todos los conciertos que podían encontrar. La joven banda conoció al pianista Willie "The Lion" Smith , quien los introdujo en la escena y les dio algo de dinero. Tocaban en fiestas en casas de alquiler para obtener ingresos. Después de unos meses, los jóvenes músicos regresaron a Washington, DC, sintiéndose desanimados.
En junio de 1923, dieron un concierto en Atlantic City, Nueva Jersey y otro en el prestigioso Exclusive Club de Harlem. A esto le siguió, en septiembre de 1923, un traslado al Hollywood Club (en 49th y Broadway) y un compromiso de cuatro años, que le dio a Ellington una sólida base artística. Era conocido por tocar la corneta al final de cada actuación. El grupo se llamó inicialmente Elmer Snowden and his Black Sox Orchestra y tenía siete miembros, incluido el trompetista James "Bubber" Miley . Se rebautizaron como Washingtonians. Snowden dejó el grupo a principios de 1924 y Ellington asumió el cargo de director de la banda. Después de un incendio, el club fue reabierto como Club Kentucky (a menudo denominado Kentucky Club).
Luego, Ellington grabó ocho discos en 1924, y recibió el crédito de composición en tres, incluido "Choo Choo". [22] En 1925, Ellington contribuyó con cuatro canciones a Chocolate Kiddies, protagonizada por Lottie Gee y Adelaide Hall , [ cita necesaria ] una revista exclusivamente afroamericana que presentó al público europeo los estilos e intérpretes afroamericanos. Duke Ellington y su Kentucky Club Orchestra crecieron hasta convertirse en un grupo de diez músicos; desarrollaron su propio sonido a través de la expresión no tradicional de los arreglos de Ellington, los ritmos callejeros de Harlem y los gruñidos y wah-wahs de trombón con sonidos exóticos, trompetas chirriantes y toques de blues de saxofón de los miembros de la banda. Durante un corto tiempo, el saxofonista soprano y clarinetista Sidney Bechet tocó con ellos, convirtiéndose supuestamente en la personalidad dominante del grupo, y Sonny Greer dijo que Bechet "equipó a la banda como un guante". Su presencia resultó en fricciones con Miley y el trombonista Charlie Irvis , cuyos estilos diferían de la forma de tocar de Bechet, influenciada por Nueva Orleans. Fue principalmente la falta de fiabilidad de Bechet (estuvo ausente durante tres días seguidos) lo que hizo que su asociación con Ellington durara poco. [23]
En octubre de 1926, Ellington llegó a un acuerdo con el agente-editor Irving Mills , [24] dándole a Mills una participación del 45% en el futuro de Ellington. [25] Mills tenía buen ojo para los nuevos talentos y publicó composiciones de Hoagy Carmichael , Dorothy Fields y Harold Arlen al principio de sus carreras. Después de grabar un puñado de caras acústicas durante 1924-26, la firma de Ellington con Mills le permitió grabar prolíficamente. Sin embargo, en ocasiones grabó diferentes versiones de la misma melodía. Mills regularmente tomaba el crédito de co-compositor. Desde el comienzo de su relación, Mills organizó sesiones de grabación en casi todos los sellos, incluidos Brunswick , Victor , Columbia , OKeh , Pathé (y su filial, Perfect), el grupo de sellos ARC/Plaza (Oriole, Domino, Jewel, Banner) y sus etiquetas de tiendas de bajo costo (Cameo, Lincoln, Romeo), Hit of the Week y las etiquetas más baratas de Columbia (Harmony, Diva, Velvet Tone, Clarion), etiquetas que le dieron a Ellington el reconocimiento popular. En OKeh, sus discos solían publicarse como The Harlem Footwarmers. Por el contrario, los Brunswick solían aparecer como The Jungle Band. Whoopee Makers y Ten BlackBerries eran otros seudónimos.
En septiembre de 1927, King Oliver rechazó una contratación regular para su grupo como banda de la casa en el Harlem's Cotton Club ; [26] la oferta pasó a Ellington después de que Jimmy McHugh lo sugiriera y Mills organizara una audición. [27] Ellington tuvo que aumentar de un grupo de seis a once integrantes para cumplir con los requisitos de la dirección del Cotton Club para la audición, [28] y el compromiso finalmente comenzó el 4 de diciembre . [29] Con una transmisión de radio semanal, el La clientela exclusivamente blanca y adinerada del Cotton Club llegaba todas las noches para verlos. En el Cotton Club, el grupo de Ellington interpretó toda la música de las revistas, que mezclaban comedia, números de baile, vodevil, burlesque, música y alcohol ilícito . Los números musicales fueron compuestos por Jimmy McHugh y la letra de Dorothy Fields (más tarde Harold Arlen y Ted Koehler ), con algunos originales de Ellington mezclados. (Aquí se mudó con una bailarina, su segunda esposa, Mildred Dixon ). Las transmisiones de radio semanales del club le dieron a Ellington exposición nacional. Al mismo tiempo, Ellington también grabó canciones de Fields-JMcHugh y Fats Waller - Andy Razaf .
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Aunque el trompetista Bubber Miley fue miembro de la orquesta sólo durante un corto período, tuvo una gran influencia en el sonido de Ellington. [30] Como uno de los primeros exponentes del gruñido de trompeta, Miley cambió el dulce sonido de la banda de baile del grupo a uno que era más atractivo, que sus contemporáneos denominaron Jungle Style, que se puede ver en su coro principal en East St. Louis Toodle-Oo ( 1926). [31] En octubre de 1927, Ellington y su orquesta grabaron varias composiciones en el Adelaide Hall . Una cara en particular, " Creole Love Call ", se convirtió en una sensación mundial y les dio a Ellington y Hall su primer disco de éxito. [32] [33] Miley había compuesto la mayor parte de " Creole Love Call " y " Black and Tan Fantasy ". Miley, alcohólica, tuvo que dejar la banda antes de que ganaran fama. Murió en 1932 a la edad de 29 años, pero fue una influencia importante para Cootie Williams , quien lo reemplazó.
En 1929, la Cotton Club Orchestra apareció en el escenario durante varios meses en Show Girl de Florenz Ziegfeld , junto con las estrellas de vodevil Jimmy Durante , Eddie Foy, Jr. , Ruby Keeler , y con música y letras de George Gershwin y Gus Kahn . Will Vodery , supervisor musical de Ziegfeld, recomendó a Ellington para el espectáculo. [34] Según Beyond Category: The Life and Genius of Duke Ellington de John Edward Hasse , "Quizás durante la ejecución de Show Girl , Ellington recibió lo que más tarde denominó 'valiosas lecciones de orquestación de Will Vody'". En su biografía de 1946, Duke Ellington , Barry Ulanov escribió:
De Vodery, como él mismo dice (Ellington), extrajo sus convicciones cromáticas , sus usos de los tonos ordinariamente ajenos a la escala diatónica , con la consiguiente alteración del carácter armónico de su música, su ampliación, la profundización de sus recursos. Se ha vuelto costumbre atribuir las influencias clásicas de Duke ( Delius , Debussy y Ravel ) al contacto directo con su música. En realidad, su serio aprecio por esos y otros compositores modernos se produjo después de conocer a Vody. [35]
El trabajo cinematográfico de Ellington comenzó con Black and Tan (1929), un cortometraje de RKO totalmente afroamericano de 19 minutos de duración [36] en el que interpretó al héroe "Duke". También apareció en la película Check and Double Check de Amos 'n' Andy estrenada en 1930, que presenta a la orquesta tocando "Old Man Blues" en una escena de baile extendida. [37] Ese año, Ellington y su orquesta conectaron con una audiencia completamente diferente en un concierto con Maurice Chevalier y también actuaron en el Roseland Ballroom , "el salón de baile más importante de Estados Unidos". El compositor australiano Percy Grainger fue uno de sus primeros admiradores y partidarios. Escribió: "Los tres más grandes compositores que jamás hayan existido son Bach , Delius y Duke Ellington. Desafortunadamente, Bach está muerto, Delius está muy enfermo, pero estamos felices de tener hoy a The Duke con nosotros". [38] El primer período de Ellington en el Cotton Club concluyó en 1931.
Ellington dirigió la orquesta dirigiendo desde el teclado utilizando claves de piano y gestos visuales; muy raramente dirigía con bastón. En 1932, su orquesta constaba de seis instrumentos de metal, cuatro lengüetas y una sección rítmica de cuatro músicos. [39] Como líder, Ellington no era un estricto disciplinario; mantuvo el control de su orquesta con una combinación de encanto, humor, halagos y astuta psicología. Una persona compleja y reservada, revelaba sus sentimientos sólo a sus íntimos más cercanos. Usó efectivamente su personalidad pública para desviar la atención de sí mismo.
Ellington firmó exclusivamente con Brunswick en 1932 y permaneció con ellos hasta finales de 1936 (aunque con un breve cambio de 1933-1934 a Victor cuando Irving Mills trasladó temporalmente sus actos de Brunswick).
A medida que la Depresión empeoraba, la industria discográfica entró en crisis, perdiendo más del 90% de sus artistas en 1933. [40] Ivie Anderson fue contratada como vocalista destacada de la Orquesta de Ellington en 1931. Es la vocalista de " It Don't Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing) " (1932) entre otras grabaciones. Sonny Greer había estado proporcionando voces ocasionales y continuó haciéndolo en una función de conversación cruzada con Anderson. La exposición a la radio ayudó a mantener el perfil público de Ellington cuando su orquesta comenzó a realizar giras. Los otros 78 de esta época incluyen: " Mood Indigo " (1930), " Sophisticated Lady " (1933), " Solitude " (1934) y " In a Sentimental Mood " (1935).
Si bien la audiencia estadounidense de Ellington siguió siendo principalmente afroamericana durante este período, la orquesta tenía muchos seguidores en el extranjero. Viajaron a Inglaterra y Escocia en 1933, además de Francia (tres conciertos en la Salle Pleyel de París) [41] y Países Bajos antes de regresar a Nueva York. [42] [43] El 12 de junio de 1933, la Orquesta de Duke Ellington hizo su debut británico en el London Palladium ; [44] Ellington recibió una ovación cuando subió al escenario. [45] Eran uno de los 13 actos del proyecto de ley y estaban restringidos a ocho números cortos; la reserva duró hasta el 24 de junio. [43] [46] La visita británica vio a Ellington ganar elogios de miembros de la comunidad musical seria, incluido el compositor Constant Lambert , lo que impulsó el interés de Ellington en componer obras más largas.
Sus piezas más largas ya habían comenzado a aparecer. Ellington había compuesto y grabado "Creole Rhapsody" ya en 1931 (publicado en ambas caras de un disco de 12" para Victor y en ambas caras de un disco de 10" para Brunswick). [47] Un tributo a su madre, "Reminiscing in Tempo", tomó cuatro caras de discos de 10" y 78 rpm para grabar en 1935 después de su muerte ese año. [48] Symphony in Black (también 1935), un cortometraje, presentó su pieza ampliada 'A Rhapsody of Negro Life'. Presentó a Billie Holiday y ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje Musical. [49] Ellington y su orquesta también aparecieron en las películas Murder at the Vanities y Belle of the Nineties (ambas de 1934) . ).
Para el agente Mills, la atención fue un triunfo publicitario, ya que Ellington ahora era conocido internacionalmente. En la gira de la banda por el sur segregado en 1934, evitaron algunas de las dificultades de viaje de los afroamericanos viajando en vagones privados. Estos proporcionaron alojamiento, comedor y almacenamiento accesibles para el equipo, evitando al mismo tiempo las indignidades de las instalaciones segregadas.
Sin embargo, la competencia se intensificó a medida que bandas de swing como la de Benny Goodman comenzaron a recibir una atención generalizada. El baile swing se convirtió en un fenómeno juvenil, particularmente entre el público universitario blanco, y la facilidad de baile impulsó ventas y reservas récord. Las máquinas de discos proliferaron por todo el país, difundiendo el evangelio del swing. La banda de Ellington ciertamente sabía hacer swing, pero sus puntos fuertes eran el estado de ánimo, los matices y la riqueza de la composición, de ahí su afirmación "el jazz es música, el swing es negocio". [50]
A partir de 1936, Ellington comenzó a realizar grabaciones con grupos más pequeños (sextetos, octetos y nonetos) extraídos de su orquesta de entonces de 15 músicos. [51] Compuso piezas destinadas a presentar a un instrumentista específico, como "Jeep's Blues" para Johnny Hodges , "Yearning for Love" para Lawrence Brown , "Trumpet in Spades" para Rex Stewart , " Echoes of Harlem " para Cootie Williams y "Lamento del clarinete" de Barney Bigard . [52] En 1937, Ellington regresó al Cotton Club, que se había trasladado al distrito de teatros del centro de la ciudad . En el verano de ese año, su padre murió y, debido a muchos gastos, las finanzas de Ellington estaban apretadas. Sin embargo, su situación mejoró en los años siguientes.
Después de dejar al agente Irving Mills, firmó con la Agencia William Morris . Mills, sin embargo, continuó grabando a Ellington. Después de sólo un año, sus sellos Master y Variety (los grupos pequeños habían grabado para este último) colapsaron a finales de 1937. Mills volvió a colocar a Ellington en Brunswick y esas unidades de grupos pequeños en Vocalion hasta 1940. Se siguieron grabando bandas conocidas. , " Caravana " en 1937 y "Dejé que una canción saliera de mi corazón" al año siguiente.
Billy Strayhorn , originalmente contratado como letrista, comenzó su asociación con Ellington en 1939. [53] Apodado "Sweet Pea" por sus modales apacibles, Strayhorn pronto se convirtió en un miembro vital de la organización de Ellington. Ellington mostró un gran cariño por Strayhorn y nunca dejó de hablar elogiosamente del hombre y su relación de trabajo colaborativo: "mi brazo derecho, mi brazo izquierdo, todos los ojos en la parte posterior de mi cabeza, mis ondas cerebrales en su cabeza y las suyas en mío". [54] Strayhorn, con su formación en música clásica, no sólo contribuyó con sus letras y música originales, sino que también arregló y pulió muchas de las obras de Ellington, convirtiéndose en un segundo Ellington o "el doble de Duke". No era raro que Strayhorn sustituyera a Duke, ya fuera dirigiendo o ensayando la banda, tocando el piano, en el escenario y en el estudio de grabación. [55] La década terminó con una gira europea muy exitosa en 1939 justo cuando la Segunda Guerra Mundial se avecinaba en Europa.
Dos músicos que se unieron a Ellington en ese momento crearon sensación por derecho propio, Jimmy Blanton y Ben Webster . Blanton fue contratado efectivamente en el acto a finales de octubre de 1939, antes de que Ellington supiera su nombre, cuando asistió a un concierto de Fate Marable en St Louis. [57] El efímero Blanton transformó el uso del contrabajo en el jazz, permitiéndole funcionar como un instrumento solista/melódico en lugar de un instrumento rítmico únicamente. [58] Una enfermedad terminal lo obligó a irse a fines de 1941 después de aproximadamente dos años. El mandato principal de Ben Webster con Ellington abarcó de 1939 a 1943. Una de sus ambiciones, le dijo a su empleador anterior, Teddy Wilson , que entonces dirigía una gran banda, que Ellington era el único rival por el que dejaría a Wilson. [59] Fue el primer saxofonista tenor habitual de la orquesta y aumentó el tamaño de la sección de saxos a cinco por primera vez. [60] [59] Muy influenciado por Johnny Hodges, a menudo le daba crédito a Hodges por mostrarle "cómo tocar mi trompeta". Los dos hombres se sentaron uno al lado del otro en la orquesta. [61]
El trompetista Ray Nance se unió, reemplazando a Cootie Williams , que había desertado y se había pasado a Benny Goodman . Además, Nance añadió el violín a los colores instrumentales que Ellington tenía a su disposición. Existen grabaciones de la fecha del primer concierto de Nance el 7 de noviembre de 1940 en Fargo, Dakota del Norte . Realizadas de forma privada por Jack Towers y Dick Burris, estas grabaciones se publicaron legítimamente por primera vez en 1978 como Duke Ellington at Fargo, 1940 Live ; se encuentran entre las primeras de las innumerables actuaciones en vivo que sobreviven. Nance también fue un vocalista ocasional, aunque Herb Jeffries fue el principal vocalista masculino en esta época (hasta 1943), mientras que Al Hibbler (que reemplazó a Jeffries en 1943) continuó hasta 1951. Ivie Anderson se fue en 1942 por razones de salud después de 11 años, el mandato más largo de cualquiera de los vocalistas de Ellington. [62]
Una vez más grabando para Victor (de 1940), con los grupos pequeños publicados en su sello Bluebird , continuaron fluyendo obras maestras de tres minutos en caras de discos de 78 rpm de Ellington, Billy Strayhorn, el hijo de Ellington, Mercer Ellington , y los miembros de la orquesta. [63] " Cotton Tail ", "Main Stem", " Harlem Air Shaft ", "Jack the Bear" y decenas de otros datan de este período. " Take the "A" Train " de Strayhorn , un éxito en 1941, se convirtió en el tema de la banda, reemplazando a " East St. Louis Toodle-Oo ". Ellington y sus asociados escribieron para una orquesta de voces distintivas que mostraban una tremenda creatividad. [64] Las grabaciones comerciales de esta época fueron reeditadas en la colección de 3 CD, Never No Lament , en 2003.
El objetivo a largo plazo de Ellington, sin embargo, era ampliar la forma del jazz desde ese límite de tres minutos, del que era un maestro reconocido. [65] Si bien había compuesto y grabado algunas piezas extensas antes, tales obras ahora se convirtieron en una característica habitual de la producción de Ellington. En esto, le ayudó Strayhorn, que había disfrutado de una formación más completa que Ellington en las formas asociadas con la música clásica. El primero de ellos, Negro, marrón y beige (1943), estuvo dedicado a contar la historia de los afroamericanos y el lugar de la esclavitud y la iglesia en su historia. [66] Black, Brown and Beige debutó en el Carnegie Hall el 23 de enero de 1943, iniciando una serie anual de conciertos de Ellington en el lugar durante los siguientes cuatro años. Si bien algunos músicos de jazz habían tocado antes en el Carnegie Hall, ninguno había interpretado nada tan elaborado como el trabajo de Ellington. Desafortunadamente, iniciando un patrón regular, las obras más largas de Ellington en general no fueron bien recibidas.
Una excepción parcial fue Jump for Joy , un musical de larga duración basado en temas de identidad afroamericana, que debutó el 10 de julio de 1941 en el Mayan Theatre de Los Ángeles. Los actores de Hollywood John Garfield y Mickey Rooney invirtieron en la producción, y Charlie Chaplin y Orson Welles se ofrecieron a dirigir. [67] En una actuación, Garfield insistió en que Herb Jeffries, que era de piel clara, debía usar maquillaje. Ellington objetó en el intervalo y comparó a Jeffries con Al Jolson . El cambio fue revertido. El cantante comentó más tarde que el público debió pensar que era un personaje completamente diferente en la segunda mitad del espectáculo. [68]
Aunque se agotaron las entradas y recibió críticas positivas, [69] tuvo sólo 122 funciones hasta el 29 de septiembre de 1941, con una breve reposición en noviembre de ese año. Su tema no lo hizo atractivo para Broadway; Ellington tenía planes incumplidos de llevarlo allí. [70] A pesar de esta decepción, una producción de Broadway de Beggar's Holiday de Ellington , su único libro musical, se estrenó el 23 de diciembre de 1946, [71] bajo la dirección de Nicholas Ray .
El acuerdo sobre la primera prohibición de grabar de 1942 a 1944 , que provocó un aumento de las regalías pagadas a los músicos, tuvo un efecto grave en la viabilidad financiera de las grandes bandas, incluida la Orquesta de Ellington. Sus ingresos como compositor finalmente lo subvencionaron. Aunque siempre gastó generosamente y obtuvo unos ingresos respetables de las operaciones de la orquesta, los ingresos de la banda a menudo sólo cubrían los gastos. [72] Sin embargo, en 1943 Ellington le pidió a Webster que se fuera; La personalidad del saxofonista inquietaba a sus colegas y el saxofonista entraba regularmente en conflicto con el líder. [73]
Los músicos que se alistaron en el ejército y las restricciones de viaje dificultaron las giras de las grandes bandas, y el baile quedó sujeto a un nuevo impuesto, que continuó durante muchos años, afectando las elecciones de los propietarios de los clubes. Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial, el foco de la música popular se estaba desplazando hacia cantantes cantantes como Frank Sinatra y Jo Stafford . A medida que el costo de contratar big bands había aumentado, los propietarios de clubes ahora encontraron que los grupos de jazz más pequeños eran más rentables. Algunos de los nuevos trabajos de Ellington, como el largometraje vocal sin palabras "Transblucency" (1946) con Kay Davis , no iban a tener un alcance similar al de las nuevas estrellas emergentes.
Ellington continuó su propio curso a través de estos cambios tectónicos. Mientras Count Basie se vio obligado a disolver todo su conjunto y trabajar como octeto durante un tiempo, Ellington pudo realizar una gira por la mayor parte de Europa occidental entre el 6 de abril y el 30 de junio de 1950, con la orquesta tocando 74 fechas durante 77 días. [74] Durante la gira, según Sonny Greer, Ellington no interpretó las obras más nuevas. Sin embargo, la composición ampliada de Ellington, Harlem (1950), estaba en proceso de completarse en ese momento. Más tarde, Ellington presentó su partitura al presidente amante de la música, Harry Truman . También durante su estancia en Europa, Ellington componería la música para una producción teatral de Orson Welles . Titulado Time Runs in Paris [75] y An Evening With Orson Welles in Frankfurt , el programa de variedades también contó con la recién descubierta Eartha Kitt , quien interpretó la canción original de Ellington "Hungry Little Trouble" como Helena de Troya . [76]
En 1951, Ellington sufrió una pérdida significativa de personal: Sonny Greer, Lawrence Brown y, lo más importante, Johnny Hodges se marcharon para dedicarse a otras empresas. Sin embargo, sólo Greer era un miembro permanente. El baterista Louie Bellson reemplazó a Greer y su "Skin Deep" fue un éxito para Ellington. El tenor Paul Gonsalves se unió en diciembre de 1950 [74] después de períodos con Count Basie y Dizzy Gillespie y permaneció por el resto de su vida, mientras que Clark Terry se unió en noviembre de 1951. [77]
André Previn dijo en 1952: "Sabes, Stan Kenton puede pararse frente a mil violines y mil metales y hacer un gesto dramático y cada arreglista de estudio puede asentir con la cabeza y decir: Oh, sí, eso se hace así. Pero Duke simplemente levanta el dedo, tres cuernos emiten un sonido y ¡no sé qué es! [78] Sin embargo, en 1955, después de tres años de grabar para Capitol , Ellington carecía de una afiliación discográfica regular.
La aparición de Ellington en el Festival de Jazz de Newport el 7 de julio de 1956 le devolvió una prominencia más amplia. El largometraje " Diminuendo and Crescendo in Blue " constaba de dos temas que habían estado en el libro de la banda desde 1937. Ellington, que había terminado abruptamente el set programado de la banda debido a la llegada tardía de cuatro músicos clave, llamó a los dos temas como era el momento. acercándose a la medianoche. Al anunciar que las dos piezas estarían separadas por un interludio interpretado por el saxofonista tenor Paul Gonsalves , Ellington procedió a guiar a la banda a través de las dos piezas, con el solo maratónico de 27 coros de Gonsalves que azotó a la multitud en un frenesí, llevando al Maestro a tocar. más allá del toque de queda a pesar de las urgentes peticiones del organizador del festival, George Wein, para que pusieran fin al programa.
El concierto fue noticia internacional y dio lugar a una de las cinco portadas de la revista Time dedicadas a un músico de jazz, [79] y dio lugar a un álbum producido por George Avakian que se convertiría en el LP más vendido de la carrera de Ellington. [80] Gran parte de la música del LP fue, de hecho, simulada, y sólo alrededor del 40% procedía del concierto en sí. Según Avakian, Ellington no estaba satisfecho con algunos aspectos de la actuación y sentía que los músicos no habían ensayado lo suficiente. [80] La banda se reunió al día siguiente para volver a grabar varios temas con la adición del sonido falso de una multitud, ninguno de los cuales fue revelado a los compradores del álbum. No fue hasta 1999 que la grabación del concierto se publicó correctamente por primera vez. La renovada atención suscitada por la aparición de Newport no debería haber sorprendido a nadie, Johnny Hodges había regresado el año anterior, [81] y la colaboración de Ellington con Strayhorn se renovó casi al mismo tiempo, bajo términos más favorables para el joven. [82]
El álbum original de Ellington at Newport fue el primer lanzamiento de un nuevo contrato de grabación con Columbia Records que produjo varios años de estabilidad discográfica, principalmente bajo la dirección del productor Irving Townsend , quien convenció a Ellington de producciones tanto comerciales como artísticas. [83]
En 1957, CBS (la corporación matriz de Columbia Records) transmitió una producción televisiva en vivo de A Drum Is a Woman , una suite alegórica que recibió críticas mixtas. Las apariciones en festivales en el nuevo Festival de Jazz de Monterey y en otros lugares proporcionaron lugares para la exposición en vivo, y una gira europea en 1958 fue bien recibida. Such Sweet Thunder (1957), basada en las obras y personajes de Shakespeare , y The Queen's Suite (1958), dedicada a la reina Isabel II de Gran Bretaña , fueron productos del renovado ímpetu que la aparición de Newport ayudó a crear. Sin embargo, esta última obra no se publicó comercialmente en ese momento. A finales de la década de 1950, Ella Fitzgerald también grabó su Duke Ellington Songbook (Verve) con Ellington y su orquesta, un reconocimiento de que las canciones de Ellington ahora se habían convertido en parte del canon cultural conocido como el ' Gran Cancionero Americano '.
Por esta época, Ellington y Strayhorn comenzaron a trabajar en la composición musical de películas . El primero de ellos fue Anatomía de un asesinato (1959), [39] un drama judicial dirigido por Otto Preminger y protagonizado por James Stewart , en el que Ellington aparecía al frente de un combo de bar de carretera. Los historiadores del cine han reconocido la partitura "como un hito: la primera música cinematográfica significativa de Hollywood escrita por afroamericanos que comprende música no diegética , es decir, música cuya fuente no es visible ni implicada en la acción de la película, como una banda en pantalla. " La partitura evitó los estereotipos culturales que anteriormente caracterizaban las partituras de jazz y rechazó una estricta adherencia a lo visual en formas que presagiaban el cine New Wave de los años 60". [84] Ellington y Strayhorn, siempre buscando un nuevo territorio musical, produjeron suites para John La novela Dulce jueves de Steinbeck , La suite El cascanueces de Tchaikovsky y Peer Gynt de Edvard Grieg .
A Anatomy of a Murder le siguió Paris Blues (1961), que incluía a Paul Newman y Sidney Poitier como músicos de jazz. Por este trabajo, Ellington fue nominado al Premio de la Academia a la mejor banda sonora .
A principios de la década de 1960, Ellington se dedicó a grabar con artistas que habían sido rivales amistosos en el pasado o que eran músicos más jóvenes que se centraban en estilos posteriores. Las orquestas de Ellington y Count Basie grabaron juntas el disco First Time! El conde conoce al duque (1961). Durante un período en el que Ellington se encontraba entre contratos discográficos, grabó con Louis Armstrong ( Roulette ), Coleman Hawkins , John Coltrane (ambos para Impulse ) y participó en una sesión con Charles Mingus y Max Roach que produjo Money Jungle ( United Artists ). álbum. Firmó con el nuevo sello Reprise de Frank Sinatra , pero la asociación con el sello duró poco.
Los músicos que habían trabajado anteriormente con Ellington regresaron a la Orquesta como miembros: Lawrence Brown en 1960 y Cootie Williams en 1962.
Escribir y tocar música es una cuestión de intenciones... No puedes simplemente tirar un pincel contra la pared y llamar arte a lo que suceda. Mi música se adapta a la personalidad tonal del intérprete. Pienso demasiado en términos de alterar mi música para que el intérprete quede impresionado por la música accidental. No puedes tomarte en serio los garabatos. [dieciséis]
Ahora actuaba en todo el mundo y pasaba una parte importante de cada año en giras por el extranjero. Como consecuencia, formó nuevas relaciones de trabajo con artistas de todo el mundo, incluida la vocalista sueca Alice Babs , y los músicos sudafricanos Dollar Brand y Sathima Bea Benjamin ( A Morning in Paris , 1963/1997).
Ellington escribió una partitura original para la producción del director Michael Langham de Timón de Atenas de Shakespeare en el Festival de Stratford en Ontario, Canadá, que se inauguró el 29 de julio de 1963. Langham la ha utilizado para varias producciones posteriores, incluida una adaptación mucho posterior de Stanley. Silverman que amplía la partitura con algunas de las obras más conocidas de Ellington.
Ellington fue preseleccionado para el Premio Pulitzer de Música en 1965. Sin embargo, finalmente ese año no se otorgó ningún premio. [85] Entonces, con 66 años, bromeó: "El destino está siendo amable conmigo. El destino no quiere que sea famoso demasiado joven". [86] En 1999, recibió póstumamente un Premio Pulitzer especial "que conmemora el centenario de su nacimiento, en reconocimiento a su genio musical, que evocó estéticamente los principios de la democracia a través del jazz y, por lo tanto, hizo una contribución indeleble al arte. y Cultura." [6] [87]
En septiembre de 1965 estrenó el primero de sus Conciertos Sagrados . Creó una liturgia cristiana de jazz. Aunque la obra recibió críticas mixtas, Ellington estaba orgulloso de la composición y la interpretó decenas de veces. A este concierto le siguieron otros dos del mismo tipo en 1968 y 1973, conocidos como Segundo y Tercer Concierto Sagrado. Muchos vieron las suites de Música Sacra como un intento de reforzar el apoyo comercial a la religión organizada. Sin embargo, Ellington simplemente dijo que era "lo más importante que he hecho". [88] El piano Steinway con el que se compusieron los Conciertos Sagrados forma parte de la colección del Museo Nacional de Historia Estadounidense del Smithsonian . Al igual que Haydn y Mozart , Ellington dirigió su orquesta desde el piano; siempre tocaba las partes del teclado cuando se interpretaban los Conciertos Sagrados. [89]
Duke cumplió 65 años en la primavera de 1964, pero no mostró signos de desaceleración mientras continuaba grabando obras importantes como The Far East Suite (1966), New Orleans Suite (1970), The Afro-Eurasian Eclipse (1971) y la Suite Latinoamericana (1972), gran parte de ella inspirada en sus giras mundiales. Fue durante esta época que grabó su único álbum con Frank Sinatra , titulado Francis A. & Edward K. (1967).
En 1972-1974, Ellington trabajó en su única ópera, Queenie Pie , junto con Maurice Peress . A Ellington se le ocurrió la idea de escribir una ópera sobre una esteticista negra en la década de 1930, pero no la terminó. [90] [91]
Entre los últimos espectáculos que realizaron Ellington y su orquesta se encuentran uno el 21 de marzo de 1973 en el Salón de Música de la Universidad Purdue , dos el 22 de marzo de 1973 en el Auditorio Sturges-Young en Sturgis, Michigan [92] y el Eastbourne Performance . el 1 de diciembre de 1973, publicado posteriormente en LP. [93] Ellington realizó lo que se considera su último concierto completo en un salón de baile de la Universidad del Norte de Illinois el 20 de marzo de 1974. Desde 1980, ese salón de baile ha sido dedicado como el "Salón de baile Duke Ellington". [94]
Ellington se casó con su novia de la secundaria, Edna Thompson (m. 1967), el 2 de julio de 1918, cuando tenía 19 años. [95] La primavera siguiente, el 11 de marzo de 1919, Edna dio a luz a su único hijo, Mercer Kennedy Ellington. . [95]
A Ellington se le unieron su esposa y su hijo en la ciudad de Nueva York a finales de la década de 1920, pero la pareja pronto se separó permanentemente. [96] Según su obituario en la revista Jet , sentía "nostalgia por Washington" y regresó. [97] En 1929, Ellington se convirtió en compañero de Mildred Dixon , [98] quien viajó con él, dirigió Tempo Music, inspiró canciones, como " Sophisticated Lady ", [99] en la cima de su carrera, y crió a su hijo. . [100] [101] [102]
En 1938, dejó a su familia (su hijo tenía 19 años) y se mudó con Beatrice "Evie" Ellis, una empleada del Cotton Club. [103] Su relación, aunque tormentosa, continuó después de que Ellington conoció y formó una relación con Fernanda de Castro Monte a principios de la década de 1960. [104] Ellington apoyó a ambas mujeres por el resto de su vida. [105]
La hermana de Ellington, Ruth (1915-2004), dirigió más tarde Tempo Music, su editorial musical. [102] El segundo marido de Ruth fue el bajo-barítono McHenry Boatwright , a quien conoció cuando él cantó en el funeral de su hermano. [106] Cuando era adulto, su hijo Mercer Ellington (m. 1996) tocaba la trompeta y el piano, dirigía su propia banda y trabajaba como gerente comercial de su padre. [107]
Ellington era miembro de Alpha Phi Alpha [108] y era un masón asociado con la masonería Prince Hall . [109]
Ellington murió el 24 de mayo de 1974 por complicaciones de cáncer de pulmón y neumonía , [110] pocas semanas después de cumplir 75 años. En su funeral, al que asistieron más de 12.000 personas en la Catedral de San Juan el Divino , Ella Fitzgerald resumió la ocasión: "Es un día muy triste. Ha fallecido un genio". [111]
Fue enterrado en el cementerio Woodlawn , en el Bronx , Nueva York. [112]
Se han dedicado numerosos monumentos a Duke Ellington en ciudades desde Nueva York y Washington, DC hasta Los Ángeles.
En el lugar de nacimiento de Ellington, Washington, DC, la Escuela de Artes Duke Ellington educa a estudiantes talentosos que están considerando carreras en las artes brindándoles instrucción artística y programas académicos para preparar a los estudiantes para la educación postsecundaria y carreras profesionales. En 1974, el Distrito cambió el nombre del Puente de Calvert Street, construido originalmente en 1935, a Puente Duke Ellington . Otra escuela es la PS 004 Duke Ellington en Nueva York.
En 1989, se colocó una placa de bronce en el recién nombrado edificio Duke Ellington en 2121 Ward Place NW. [113] En 2012, el nuevo propietario del edificio encargó un mural a Aniekan Udofia que aparece encima de las letras "Duke Ellington". En 2010, el parque triangular, frente al lugar de nacimiento de Duke Ellington, en la intersección de las calles New Hampshire y M NW, fue nombrado Parque Duke Ellington.
La residencia de Ellington en 2728 Sherman Avenue NW, durante los años 1919-1922, [114] está marcada con una placa de bronce.
El 24 de febrero de 2009, la Casa de la Moneda de Estados Unidos emitió una moneda con Duke Ellington, convirtiéndolo en el primer afroamericano en aparecer solo en una moneda estadounidense en circulación. [115] Ellington aparece en el reverso (cruz) del barrio del Distrito de Columbia . [115] La moneda es parte del programa de la Casa de la Moneda de EE. UU. en honor al Distrito y los territorios de EE. UU. [116] y celebra el lugar de nacimiento de Ellington en el Distrito de Columbia. [115] Ellington está representado en el barrio sentado frente a un piano, partitura en mano, junto con la inscripción "Justicia para todos", que es el lema del distrito. [116]
En 1986, se emitió un sello conmemorativo de los Estados Unidos con la imagen de Ellington. [117]
Ellington vivió sus últimos años en Manhattan, en una casa en 333 Riverside Drive , cerca de West 106th Street. Allí también vivía su hermana Ruth, que dirigía su editorial, y su hijo Mercer vivía al lado. Después de su muerte, West 106th Street pasó a llamarse oficialmente Duke Ellington Boulevard.
Un gran monumento a Ellington, creado por el escultor Robert Graham , fue dedicado en 1997 en el Central Park de Nueva York , cerca de la Quinta Avenida y la Calle 110 , una intersección llamada Duke Ellington Circle .
Una estatua de Ellington tocando el piano se encuentra en la entrada del Schoenberg Hall de UCLA . Según la revista UCLA :
Cuando los estudiantes de UCLA quedaron fascinados por las provocativas melodías de Duke Ellington en un club de Culver City en 1937, le pidieron al incipiente genio de la música que ofreciera un concierto gratuito en el Royce Hall . '¡He estado esperando que alguien nos preguntara!' -exclamó Ellington-. El día del concierto, Ellington accidentalmente confundió los lugares y condujo hasta la USC. Finalmente llegó al campus de UCLA y, para disculparse por su tardanza, tocó ante una multitud abarrotada durante más de cuatro horas. Y así, "Sir Duke" y su grupo realizaron la primera actuación de jazz en una sala de conciertos. [118]
El Concurso y Festival de Bandas de Jazz de la Escuela Secundaria Essentially Ellington es una competencia anual de renombre a nivel nacional para prestigiosas bandas de escuelas secundarias. Iniciado en 1996 en Jazz at Lincoln Center , el festival lleva el nombre de Ellington debido al importante enfoque que el festival pone en sus obras.
Después de la muerte de Duke, su hijo Mercer asumió el liderazgo de la orquesta, continuando hasta su muerte en 1996. Al igual que la Count Basie Orchestra , esta "banda fantasma" continuó lanzando álbumes durante muchos años. Digital Duke , acreditado a The Duke Ellington Orchestra, ganó el premio Grammy de 1988 al Mejor Álbum de Gran Conjunto de Jazz . Mercer Ellington se había ocupado de todos los aspectos administrativos del negocio de su padre durante varias décadas. Los hijos de Mercer continúan una conexión con el trabajo de su abuelo.
Gunther Schuller escribió en 1989:
Ellington compuso incesantemente hasta los últimos días de su vida. De hecho, la música era su amante; era su vida total y su compromiso con ella era incomparable e inalterable. En el jazz era un gigante entre gigantes. Y en la música del siglo XX, es posible que algún día sea reconocido como uno de la media docena de grandes maestros de nuestro tiempo. [119] : 157
Martin Williams dijo: "Duke Ellington vivió lo suficiente como para ser nombrado entre nuestros mejores compositores. Y desde su muerte en 1974, no es nada raro verlo nombrado, junto con Charles Ives , como el mejor compositor que hemos producido. , independientemente de la categoría." [120]
En opinión de Bob Blumenthal de The Boston Globe en 1999: "[e]n el siglo transcurrido desde su nacimiento, no ha habido mayor compositor, estadounidense o no, que Edward Kennedy Ellington". [121]
En 2002, el académico Molefi Kete Asante incluyó a Duke Ellington en su lista de los 100 afroamericanos más grandes . [122]
Sus composiciones han sido revisadas por artistas y músicos de todo el mundo como fuentes de inspiración y base de sus carreras interpretativas:
Hay cientos de álbumes dedicados a la música de Duke Ellington y Billy Strayhorn de artistas famosos y desconocidos. Sophisticated Ladies , una revista musical premiada de 1981, incorporó muchas melodías del repertorio de Ellington. Un segundo musical de Broadway que interpola la música de Ellington, Play On! , debutó en 1997.
Ellington obtuvo 14 premios Grammy entre 1959 y 2000 (tres de los cuales fueron póstumos) y un total de 25 nominaciones.
Las grabaciones de Duke Ellington fueron incluidas en el Salón de la Fama de los Grammy , un premio Grammy especial establecido en 1973 para honrar las grabaciones de al menos 25 años de antigüedad que tienen un significado cualitativo o histórico.
{{cite AV media}}: Mantenimiento CS1: bot: estado de la URL original desconocido ( enlace )[ fuente poco confiable? ]La Casa de la Moneda de Estados Unidos lanzó el martes una nueva moneda protagonizada por la leyenda del jazz Duke Ellington, convirtiéndolo en el primer afroamericano en aparecer solo en una moneda estadounidense en circulación.
[...] La moneda se emitió para celebrar el lugar de nacimiento de Ellington, el Distrito de Columbia.
