Andy Warhol ( nacido Andrew Warhola Jr. , 6 de agosto de 1928 - 22 de febrero de 1987) fue un artista visual, director de cine y productor estadounidense. Figura destacada del movimiento pop art , Warhol es considerado uno de los artistas estadounidenses más importantes de la segunda mitad del siglo XX. [2] [3] [4] Sus obras exploran la relación entre la expresión artística, la publicidad y la cultura de las celebridades que floreció en la década de 1960, y abarcan una variedad de medios, incluida la pintura, la serigrafía , la fotografía, el cine y la escultura. Algunas de sus obras más conocidas incluyen las serigrafías Campbell's Soup Cans (1962) y Marilyn Diptych (1962), las películas experimentales Empire (1964) y Chelsea Girls (1966), y los eventos multimedia conocidos como Exploding Plastic Inevitable (1966-67).
Nacido y criado en Pittsburgh , Warhol inicialmente persiguió una exitosa carrera como ilustrador comercial en la década de 1950. Después de exhibir su trabajo en galerías de arte , comenzó a recibir reconocimiento como un artista influyente y controvertido en la década de 1960. Su estudio de Nueva York, The Factory , se convirtió en un conocido lugar de reunión que reunía a distinguidos intelectuales, drag queens , dramaturgos, gente de la calle bohemia , celebridades de Hollywood y mecenas adinerados. [5] [6] [7] Dirigió y produjo varias películas underground protagonizadas por una colección de personalidades conocidas como superestrellas de Warhol , y se le atribuye la inspiración de la expresión ampliamente utilizada " 15 minutos de fama ". Warhol dirigió y produjo la banda de rock experimental Velvet Underground . También fundó Interview y fue autor de numerosos libros, entre ellos The Philosophy of Andy Warhol y Popism: The Warhol Sixties .
En junio de 1968, Warhol casi fue asesinado por la feminista radical Valerie Solanas , quien le disparó dentro de su estudio. [8] Después de una cirugía de vesícula biliar , Warhol murió de arritmia cardíaca en febrero de 1987 a la edad de 58 años en Nueva York.
Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas , libros y largometrajes y documentales. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal de Pittsburgh, que alberga una extensa colección permanente de arte y archivos, es el museo más grande de los Estados Unidos dedicado a un solo artista. Warhol ha sido descrito como el " barómetro del mercado del arte". [9] Muchas de sus creaciones son muy coleccionables y muy valiosas. Sus obras incluyen algunas de las pinturas más caras jamás vendidas . [10] En 2013, una serigrafía de 1963 titulada Silver Car Crash (Double Disaster) se vendió por 105 millones de dólares. En 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) se vendió por 195 millones de dólares, que es el precio más alto pagado en una subasta por una obra de un artista estadounidense.
Warhol nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania. [11] Fue el cuarto hijo de Ondrej Warhola (americanizado como Andrew Warhola Sr.; 1889-1942) [12] [13] y Julia Warhola ( de soltera Zavacká, 1891-1972). [14] Sus padres eran emigrantes lemko [15] [16] de clase trabajadora de Mikó , Austria-Hungría (ahora llamada Miková, ubicada en el noreste de la actual Eslovaquia ).
El padre de Warhol emigró a los Estados Unidos en 1912 y trabajó en una mina de carbón. [17] Su esposa se unió a él en Pittsburgh en 1921. [18] La familia vivió en 55 Beelen Street y más tarde en 3252 Dawson Street en el barrio de Oakland de Pittsburgh. [19] Eran católicos rutenos y asistían a la iglesia católica bizantina de San Juan Crisóstomo . Warhol tenía dos hermanos mayores: Paul (1922-2014) y John (1925-2010). [20] El hijo de Paul, James Warhola , se convirtió en un exitoso ilustrador de libros infantiles. Warhol tenía una hermana mayor, Maria, que murió en la infancia en Austria-Hungría. [17]
En tercer grado, Warhol sufrió corea de Sydenham (también conocida como la danza de San Vito), una enfermedad del sistema nervioso que provoca movimientos involuntarios de las extremidades y que se cree que es una complicación de la escarlatina , que provoca manchas en la pigmentación de la piel. [21] En los momentos en que estaba confinado a la cama, dibujaba, escuchaba la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine alrededor de su cama. Warhol describió más tarde este período como muy importante en el desarrollo de su personalidad, sus habilidades y sus preferencias. Cuando Warhol tenía 13 años, su padre murió en un accidente. [22]
En su adolescencia, Warhol se graduó en la Schenley High School en 1945, y también ganó un premio Scholastic Art and Writing Award . [23] Después de graduarse de la escuela secundaria, se inscribió en el Carnegie Institute of Technology, ahora Carnegie Mellon University en Pittsburgh, donde estudió arte comercial . Durante su tiempo allí, Warhol se unió al Modern Dance Club y a la Beaux Arts Society del campus. [24] [25] También se desempeñó como director de arte de la revista de arte estudiantil, Cano , ilustrando una portada en 1948 y una ilustración interior de página completa en 1949. [26] [27] Se cree que estas son sus dos primeras obras de arte publicadas. [27] Warhol obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en diseño pictórico en 1949. [28] Más tarde ese año, se mudó a la ciudad de Nueva York y comenzó una carrera en ilustración de revistas y publicidad.
Warhol dedicó su carrera al arte comercial y publicitario, donde su primer encargo fue dibujar zapatos para la revista Glamour en 1949. [29] [30] En la década de 1950, Warhol trabajó como diseñador para el fabricante de zapatos Israel Miller. [30] [31] Mientras trabajaba en la industria del calzado, Warhol desarrolló su técnica de "línea borrada", aplicando tinta al papel y luego secando la tinta mientras aún estaba húmeda, lo que era similar a un proceso de impresión en la escala más rudimentaria. Su uso de papel de calco y tinta le permitió repetir la imagen básica y también crear infinitas variaciones sobre el tema. [30] El fotógrafo estadounidense John Coplans recordó que "nadie dibujaba zapatos como Andy. De alguna manera, le daba a cada zapato un temperamento propio, una especie de sofisticación astuta, al estilo de Toulouse-Lautrec , pero la forma y el estilo se transmitían con precisión y la hebilla siempre estaba en el lugar correcto. Los niños del apartamento [que Andy compartía en Nueva York – nota de Coplans] notaron que las palas de los dibujos de zapatos de Andy se hacían cada vez más largas, pero a [Israel] Miller no le importaba. A Miller le encantaban".
En 1952, se le atribuye a Alexander Iolas el descubrimiento de Andy Warhol, y organizó su primera exposición individual en la Galería Hugo de Nueva York. Aunque esa muestra no fue bien recibida, en 1956 Warhol fue incluido en su primera exposición colectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. [32] [33] En 1956, Warhol viajó por todo el mundo con su amigo, el diseñador de producción Charles Lisanby, estudiando arte y cultura en varios países. [34] Los dibujos a tinta "caprichosos" de Warhol de anuncios de zapatos figuraron en algunas de sus primeras exposiciones en la Galería Bodley de Nueva York en 1957. [35]
Warhol habitualmente utilizaba el recurso de calcar fotografías proyectadas con un epidiascopio . [36] Utilizando impresiones de Edward Wallowitch , su "primer novio", [37] las fotografías sufrían una sutil transformación durante el trazado a menudo superficial de contornos y sombreado de sombras por parte de Warhol. Warhol utilizó la fotografía de Wallowitch Young Man Smoking a Cigarette ( c. 1956 ) [38] para un diseño de 1958 para una portada de libro que presentó a Simon and Schuster para la novela pulp de Walter Ross The Immortal , y más tarde utilizó otras para su serie de pinturas. [39] [40]
Con la rápida expansión de la industria discográfica , RCA Records contrató a Warhol, junto con otro artista independiente, Sid Maurer, para diseñar portadas de álbumes y materiales promocionales. [41]
Warhol fue uno de los primeros en adoptar el proceso de serigrafía como técnica para realizar pinturas. En 1961, Warhol compró una casa adosada en el 1342 de Lexington Avenue en Carnegie Hill , que también utilizó como su estudio de arte. [42] [43] En 1962, Max Arthur Cohn le enseñó a Warhol técnicas de serigrafía en su negocio de artes gráficas en Manhattan. [44] [45] En su libro Popism: The Warhol Sixties , Warhol escribe: "Cuando haces algo completamente mal, siempre encuentras algo". [46]
En mayo de 1962, Warhol apareció en un artículo en Time con su pintura Big Campbell's Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962), que inició su motivo más sostenido, la lata de sopa Campbell's . [47] Esa pintura se convirtió en la primera de Warhol en ser exhibida en un museo cuando se exhibió en el Wadsworth Atheneum en Hartford en julio de 1962. [48] El 9 de julio de 1962, la exposición de Warhol se inauguró en la Galería Ferus en Los Ángeles con Campbell's Soup Cans , marcando su debut en la Costa Oeste del arte pop . [49] [50] [51]
En noviembre de 1962, Warhol realizó una exposición en la Stable Gallery de Eleanor Ward en Nueva York. La exhibición incluyó las obras Gold Marilyn , ocho de la clásica serie "Marilyn" también llamada " Flavor Marilyns ", Marilyn Diptych , 100 Soup Cans , 100 Coke Bottles y 100 Dollar Bills . Gold Marilyn fue comprada por el arquitecto Philip Johnson y donada al Museo de Arte Moderno. En la exhibición, Warhol conoció al poeta John Giorno , quien protagonizaría la primera película de Warhol, Sleep (1964). [52]
En diciembre de 1962, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York organizó un simposio sobre el arte pop, durante el cual se criticó a artistas como Warhol por "capitular" ante el consumismo. Los críticos se quedaron horrorizados por la abierta aceptación de Warhol de la cultura del mercado, que marcó el tono de su recepción. [53]
A principios de 1963, Warhol alquiló su primer estudio, un antiguo parque de bomberos en el 159 de la calle 87 Este. [54] En este estudio, creó su serie Elvis , que incluía Eight Elvises (1963) y Triple Elvis (1963). [55] Estos retratos, junto con una serie de retratos de Elizabeth Taylor , se mostraron en su segunda exposición en la Galería Ferus de Los Ángeles. [56] Más tarde ese año, Warhol trasladó su estudio a la calle 47 Este, que se convertiría en The Factory . [57] The Factory se convirtió en un lugar de reunión popular para una amplia gama de artistas, escritores, músicos y celebridades underground. [58]
Warhol realizó su segunda exposición en la Stable Gallery a principios de 1964, en la que se exhibieron esculturas de cajas comerciales apiladas y esparcidas por todo el espacio para asemejarse a un almacén. [59] Para la exposición, Warhol encargó cajas de madera a medida y serigrafió gráficos sobre ellas. Las esculturas ( Brillo Box , Del Monte Peach Box , Heinz Tomato Ketchup Box , Kellogg's Cornflakes Box , Campbell's Tomato Juice Box y Mott's Apple Juice Box) se vendieron por entre 200 y 400 dólares, dependiendo del tamaño de la caja. [60]
Un evento fundamental fue la exposición The American Supermarket en la galería Upper East Side de Paul Bianchini a fines de 1964. [61] La muestra se presentó como un entorno típico de supermercado pequeño, excepto que todo en ella, desde los productos, los alimentos enlatados, la carne, los carteles en la pared, etc., fue creado por destacados artistas pop de la época, entre ellos el escultor Claes Oldenburg , Mary Inman y Bob Watts . [61] Warhol diseñó una bolsa de compras de papel de $ 12, blanca y lisa con una lata de sopa Campbell's roja. [61] Su pintura de una lata de sopa Campbell's costó $ 1,500, mientras que cada lata autografiada se vendió por tres por $ 18, $ 6.50 cada una. [61] [62] La exhibición fue uno de los primeros eventos masivos que confrontó directamente al público en general tanto con el arte pop como con la eterna pregunta de qué es el arte. [63]
En 1967, Warhol fundó Factory Additions para su empresa de grabado y publicación. [64]
Como ilustrador de anuncios en la década de 1950, Warhol utilizó asistentes para aumentar su productividad. La colaboración seguiría siendo un aspecto definitorio (y controvertido) de sus métodos de trabajo a lo largo de su carrera; esto fue particularmente cierto en la década de 1960. Uno de los colaboradores más importantes durante este período fue Gerard Malanga . Malanga ayudó al artista con la producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras en The Factory, el estudio de Warhol revestido de papel de aluminio y pintura plateada en la calle 47 (más tarde trasladado a Broadway). Otros miembros del grupo de Warhol en The Factory incluían a Freddie Herko , Ondine , Ronald Tavel , Mary Woronov , Billy Name y Brigid Berlin (de quien aparentemente obtuvo la idea de grabar sus conversaciones telefónicas). [65]
Durante la década de 1960, Warhol también preparó un séquito de excéntricos bohemios y de la contracultura a los que les otorgó la designación de " superestrellas ", entre ellos Nico , Joe Dallesandro , Edie Sedgwick , Viva , Ultra Violet , Holly Woodlawn , Jackie Curtis y Candy Darling . Todas estas personas participaron en las películas de Factory, y algunas, como Berlin, siguieron siendo amigas de Warhol hasta su muerte. Figuras importantes del mundo del arte y el cine underground de Nueva York, como el escritor John Giorno y el cineasta Jack Smith , también aparecen en las películas de Warhol (muchas de ellas estrenadas en el New Andy Warhol Garrick Theatre y el 55th Street Playhouse ) de la década de 1960, lo que revela las conexiones de Warhol con una amplia gama de escenas artísticas durante este tiempo. Menos conocido fue su apoyo y colaboración con varios adolescentes durante esta época, que alcanzarían prominencia más tarde en la vida, incluido el escritor David Dalton , [66] el fotógrafo Stephen Shore [67] y la artista Bibbe Hansen (madre del músico pop Beck ). [68]
En noviembre de 1964, la primera serie Flowers de Warhol se exhibió en la galería Leo Castelli de Nueva York. [69] En mayo de 1965, su segunda serie Flowers , que tenía más tamaños y variaciones de color que la anterior, se mostró en la Galerie Ileana Sonnabend en París. [70] [71] Durante este viaje, Warhol anunció que se retiraba del arte para centrarse en el cine. [72]
En 1967, Warhol tenía la intención de presentar la película Chelsea Girls (1966) en el Festival de Cine de Cannes, pero no se proyectó porque "las autoridades del festival explicaron que la película era demasiado larga y había problemas técnicos". [1]
El 3 de junio de 1968, la escritora feminista radical Valerie Solanas disparó contra Warhol y Mario Amaya , crítico de arte y curador, en The Factory. [73] Antes del tiroteo, Solanas había sido una figura marginal en la escena de The Factory. Fue autora del Manifiesto SCUM , [74] un panfleto feminista separatista que abogaba por la eliminación de los hombres; y apareció en la película de Warhol de 1968 Yo, un hombre . Más temprano el día del ataque, Solanas había sido rechazada en The Factory después de pedir la devolución de un guion que le había dado a Warhol. Al parecer, el guion se había extraviado. [75]
Warhol y Amaya fueron llevados al Hospital Columbus en una ambulancia. [76] Amaya recibió solo heridas menores y fue dada de alta del hospital más tarde ese mismo día. [77] Warhol resultó gravemente herido por el ataque y apenas sobrevivió. [78] Fue dado de alta del hospital después de casi dos meses el 28 de julio de 1968. [79] Jed Johnson , uno de los ayudantes de la Factory, había estado en el ascensor con Warhol y Solanas mientras subían a la Factory. [80] [78] Durante la hospitalización de Warhol, Johnson lo visitó regularmente y desarrollaron una profunda relación. [81] [82] Posteriormente, Johnson se mudó con Warhol para ayudarlo a recuperarse y cuidar a su madre Julia Warhola. [83] Warhol tuvo efectos físicos por el resto de su vida, incluido el hecho de tener que usar un corsé quirúrgico . [21] El tiroteo tuvo un profundo efecto en la vida y el arte de Warhol. [84] [85] [86]
Solanas se entregó a la policía unas horas después del ataque y dijo que Warhol "tenía demasiado control sobre mi vida". [73] [87] Posteriormente se le diagnosticó esquizofrenia paranoide y finalmente fue condenada a tres años de prisión. [88] Después del tiroteo, la Factory pasó a estar más regulada y Warhol se centró en convertirla en una empresa comercial. Atribuyó a su colaborador Paul Morrissey la transformación de la Factory en una "oficina normal". [86]
En septiembre de 1968, Warhol organizó una fiesta en la Factory para el álbum de Nico , The Marble Index . [89]
Warhol y sus superestrellas Viva y Ultra Violet aparecieron en la portada de la edición del 10 de noviembre de 1968 de The New York Times Magazine . [90] En un artículo titulado "El regreso de Andy Warhol", Warhol reflexionó sobre el tiroteo: "Desde que me dispararon, todo es un sueño para mí. No sé de qué se trata nada. Es como si ni siquiera supiera si realmente estoy vivo o si morí. Es triste. Como si no pudiera decir hola o adiós a la gente. La vida es como un sueño". [91]
Warhol recordó años después:
"Antes de que me dispararan, siempre pensé que estaba más a medias que completamente presente; siempre sospeché que estaba viendo la televisión en lugar de vivir la vida. A veces la gente dice que la forma en que suceden las cosas en las películas es irreal, pero en realidad es la forma en que suceden las cosas en la vida lo que es irreal. Las películas hacen que las emociones parezcan muy fuertes y reales, mientras que cuando las cosas realmente te suceden, es como ver la televisión: no sientes nada. Justo cuando me dispararon y desde entonces, supe que estaba viendo la televisión. Los canales cambian, pero es todo televisión". [92]
En 1969, Warhol y el periodista británico John Wilcock fundaron la revista Interview . [93]
En comparación con el éxito y el escándalo de la obra de Warhol en la década de 1960, los primeros años de la década de 1970 fueron años mucho más tranquilos, ya que se volvió más emprendedor. En general, se lo consideraba tranquilo, tímido y un observador meticuloso. El crítico de arte Robert Hughes lo llamó "el lunar blanco de Union Square ". [94] Su moda evolucionó de lo que Warhol llamó su "look de cuero" a su " look Brook Brothers ", que incluía una camisa y corbata Brooks Brothers, una chaqueta DeNoyer y jeans Levi's . [95] [96]
A medida que Warhol continuó incursionando en el cine, se había establecido como "una de las figuras del arte pop más celebradas y conocidas que surgieron de los años sesenta". [97] El Museo de Arte de Pasadena en Pasadena organizó una gran retrospectiva de su trabajo en 1970, que viajó por los Estados Unidos y el extranjero. [98] En 1971, la exposición se montó en la Tate Gallery de Londres y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York. [99] [100] La muestra del Whitney presentó claramente el Cow Wallpaper (1966) de Warhol como fondo para sus pinturas. [100] [101]
En mayo de 1971, la primera y única producción teatral de Warhol, Andy Warhol's Pork , se inauguró en el Teatro Experimental La MaMa de Nueva York. [102] En agosto de 1971, se llevó al Roundhouse de Londres. [102]
En 1971, Warhol y su socio comercial Paul Morrissey compraron Eothen, una finca frente al mar en Montauk, Nueva York, en Long Island . [103] Comenzaron a alquilar la casa principal de la propiedad en 1972. [104] Lee Radziwill , Jackie Kennedy , The Rolling Stones , Elizabeth Taylor , Halston y John Lennon estuvieron entre los huéspedes notables de la finca. [105]
Aunque Warhol era considerado apolítico, participó en una exposición con el cartel Vote McGovern (1972) en un esfuerzo por recaudar fondos para la campaña presidencial de George McGovern de 1972. [106] [107]
En octubre de 1972, su obra fue incluida en la muestra inaugural del Museo de Arte del Sur de Texas en Corpus Christi, Texas . [108] Entre 1972 y 1973, Warhol creó una serie de retratos del líder comunista chino Mao Zedong con financiación de dos galerías de Nueva York, Knoedler & Co. y la Leo Castelli Gallery, así como del coleccionista de arte Peter Brant . [109] [3] En febrero de 1974, algunos de los retratos de Mao se instalaron en el Museo Galliera de París. [110]
Warhol y su socio de muchos años, Jed Johnson, recibieron un perro salchicha, Archie (Bunker) Warhol, para Navidad en 1972. [111] [9] Warhol adoraba a Archie y lo llevaba a todas partes: al estudio, a fiestas, a restaurantes y a viajes a Europa. [15] [112] Creó retratos de Archie, Johnson y Amos, un segundo perro salchicha que adquirieron unos años más tarde. [10]
Warhol visitaba Europa con más frecuencia a principios de los años 1970. Tenía una gran afición por París y en 1973 había comprado un apartamento en la rue du Cherche-Midi, en la margen izquierda de París . [113] [114] [115] En 1974, Warhol y Johnson se mudaron de su casa en Lexington Avenue a una casa adosada en 57 East 66th Street, en el barrio Lenox Hill de Manhattan . [116]
En mayo de 1975, Warhol asistió a la cena de estado del presidente Gerald Ford en honor del Sha de Irán , Mohammad Reza Pahlavi , en la Casa Blanca . [117]
En 1975, Warhol publicó La filosofía de Andy Warhol (De A a B y de regreso) . [118] En septiembre de 1975, realizó una gira de presentación de libros por ocho ciudades de Estados Unidos, seguida de paradas en Italia, Francia e Inglaterra. [4]
En 1976, la galería Coe Kerr de Manhattan encargó a Warhol y al pintor Jamie Wyeth que se pintaran mutuamente retratos. [119] En enero de 1977, Warhol viajó a Kuwait para la inauguración de su exposición en la galería Dhaiat Abdulla Al Salem. [120] En junio de 1977, Warhol fue invitado a una recepción especial en honor a los "artistas inaugurales" que habían contribuido con grabados a la campaña presidencial de Jimmy Carter . [121] En 1977, el coleccionista de arte Richard Weisman encargó a Warhol que creara Atletas , diez retratos compuestos por los principales atletas de la época. [122]
La apertura del Studio 54 en 1977 marcó el comienzo de una nueva era en la vida nocturna de la ciudad de Nueva York. Warhol solía socializar en el Studio 54 y tomar nota de las actividades impulsadas por las drogas en las que participaban sus amigos en las fiestas. [123] En 1977, Warhol comenzó a tomar fotografías de hombres desnudos en varias poses y realizando actos sexuales que se convirtieron en "paisajes" para lo que se conoció como la serie Torsos and Sex Parts . [124] [125] La mayoría de los hombres eran estafadores callejeros y prostitutos masculinos traídos a la Factory por el amante de Halston, Victor Hugo . [126] [127] Esto provocó tensión en la relación de Warhol con Johnson, quien no aprobaba su amistad con Hugo. [128] [83] "Cuando se inauguró el Studio 54, las cosas cambiaron con Andy. Era Nueva York en el apogeo de su período más decadente, y yo no participé. Nunca me gustó esa escena... Andy sólo estaba perdiendo el tiempo, y era realmente molesto... Pasaba su tiempo con la gente más ridícula", dijo Johnson. [83]
En 1979, Warhol formó una compañía editorial, Andy Warhol Books, y lanzó el libro Exposures , que contenía sus fotografías de amigos y conocidos famosos. [129] En noviembre de 1979, se embarcó en una gira de libros de tres semanas en los EE. UU. [130]
Según el ex editor de Interview Bob Colacello , Warhol dedicó gran parte de su tiempo a reunir nuevos y ricos mecenas para encargos de retratos, entre ellos el Sha de Irán Mohammad Reza Pahlavi, su esposa, la emperatriz Farah Pahlavi , su hermana , la princesa Ashraf Pahlavi , Mick Jagger , Liza Minnelli , John Lennon , Diana Ross y Brigitte Bardot . [131] [132] En noviembre de 1979, el Museo Whitney de Arte Estadounidense montó la exposición Andy Warhol: Retratos de los años 70 para celebrar la "celebridad muy comercial de los años 70, la década de la revista People y los vaqueros de diseño ". [133] A algunos críticos no les gustaron sus exhibiciones de retratos de personalidades y celebridades, calificándolas de superficiales, fáciles y comerciales, sin profundidad ni indicación del significado de los sujetos. [134]
Warhol tuvo un resurgimiento del éxito crítico y financiero en la década de 1980, en parte debido a su afiliación y amistades con una serie de artistas jóvenes y prolíficos, que dominaban el " mercado alcista " del arte neoyorquino de la década de 1980: Jean-Michel Basquiat , Julian Schnabel , David Salle y otros llamados neoexpresionistas , así como miembros del movimiento Transvantgarde en Europa, incluidos Francesco Clemente y Enzo Cucchi . Warhol también ganó credibilidad callejera y el artista de graffiti Fab Five Freddy le rindió homenaje pintando un tren entero con latas de sopa Campbell. [135]
Su exposición de 1980 Diez retratos de judíos del siglo XX en el Museo Judío de Manhattan fue duramente criticada por los críticos. Warhol, que no estaba interesado en el judaísmo ni en los judíos, había descrito en su diario: "Se van a vender". [134]
La Academia de Arte de Nueva York fue fundada en parte por Warhol. [136] Establecida por primera vez en 1980, la misión del instituto era "revivir los métodos tradicionales de formación de artistas". [137] Según Stuart Pivar, cofundador y coleccionista de arte, "lo que sucedió fue que el modernismo se volvió aburrido [para Warhol]... Pero su plan de juego general, lo que realmente creía, era que la era moderna estaba desapareciendo y que estábamos entrando en un período neoclásico ". [137]
En 1981, Warhol trabajó en un proyecto con Peter Sellars y Lewis Allen que crearía un espectáculo itinerante llamado A No Man Show , con un robot animatrónico de tamaño natural en la imagen exacta de Warhol. [138] El robot Andy Warhol podría entonces leer los diarios de Warhol como una producción teatral. [139] [140] Warhol fue citado diciendo: "Me gustaría ser una máquina, ¿a ti no?" [141]
Warhol también apreciaba el intenso glamour de Hollywood . Una vez dijo: "Me encanta Los Ángeles. Me encanta Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero a mí me encanta el plástico. Quiero ser plástico". [142] Warhol ocasionalmente caminaba por las pasarelas de moda y hacía promociones de productos, representado por Zoli Agency y más tarde por Ford Models . [143]
En 1983, Warhol creó una serie de serigrafías de especies en peligro de extinción para su exposición Warhol's Animals: Species at Risk en el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York. [144] Donó 10 de los 150 juegos que hizo a organizaciones de vida silvestre "para que pudieran venderlos y recaudar dinero". [144]
Antes de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo de 1984 , formó equipo con otros 15 artistas, entre ellos David Hockney y Cy Twombly , y contribuyó con una impresión de Speed Skater a la colección Art and Sport. El Speed Skater se utilizó para el cartel oficial de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo . [145]
En 1984, Vanity Fair encargó a Warhol que produjera un retrato de Prince , para acompañar un artículo que celebraba el éxito de Purple Rain y la película que la acompañaba . [146] Haciendo referencia a los numerosos retratos de celebridades producidos por Warhol a lo largo de su carrera, Orange Prince (1984) fue creado utilizando una composición similar a la serie "Flavors" de Marilyn de 1962, entre algunos de los primeros retratos de celebridades de Warhol. [147] Prince está representado en una paleta de colores pop comúnmente utilizada por Warhol, en naranja brillante con reflejos de verde brillante y azul. Los rasgos faciales y el cabello están serigrafiados en negro sobre el fondo naranja. [148] [149] [150]
En septiembre de 1985, la exposición conjunta de Warhol con Basquiat, Paintings , se inauguró con críticas negativas en la Tony Shafrazi Gallery. [151] Ese mes, a pesar de la aprensión de Warhol, su serie de serigrafías Reigning Queens se mostró en la Leo Castelli Gallery . [152] En los Andy Warhol Diaries , Warhol señaló: "Se suponía que eran solo para Europa; aquí a nadie le importa la realeza y será otra mala crítica". [153]
En enero de 1987, Warhol viajó a Milán para la inauguración de su última exposición, La última cena , en el Palazzo delle Stelline. [154] El mes siguiente, Warhol posó con el músico de jazz Miles Davis para el desfile de moda de Koshin Satoh en el Tunnel de la ciudad de Nueva York el 17 de febrero de 1987. [155] [156]
Warhol murió a los 58 años después de una cirugía de vesícula biliar en el Hospital de Nueva York en Manhattan el 22 de febrero de 1987. [157] Según se informa, se había estado recuperando bien de la cirugía antes de morir mientras dormía a las 6:32 am debido a un repentino latido irregular del corazón postoperatorio . [158] Antes de su diagnóstico y operación, Warhol retrasó la revisión de sus problemas recurrentes de vesícula biliar, ya que tenía miedo de ingresar a los hospitales y ver a los médicos. [159]
Los hermanos de Warhol llevaron su cuerpo de regreso a Pittsburgh, donde se celebró un velatorio con el ataúd abierto en la funeraria Thomas P. Kunsak. El ataúd de bronce macizo tenía barandillas bañadas en oro y tapizado blanco. Warhol estaba vestido con un traje de cachemira negro, una corbata con estampados de cachemira, una peluca platino y gafas de sol. Estaba acostado sosteniendo un pequeño libro de oraciones y una rosa roja. La liturgia fúnebre se celebró en la Iglesia Católica Bizantina del Espíritu Santo en el lado norte de Pittsburgh el 27 de febrero de 1987. El elogio fúnebre estuvo a cargo de monseñor Peter Tay. Yoko Ono y John Richardson fueron los oradores. El ataúd estaba cubierto de rosas blancas y helechos espárragos .
Después de la liturgia, el ataúd fue llevado al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista en Bethel Park , un suburbio al sur de Pittsburgh, donde Warhol fue enterrado cerca de sus padres. [160] El sacerdote dijo una breve oración junto a la tumba y roció agua bendita sobre el ataúd. Antes de que el ataúd fuera bajado, la amiga íntima de Warhol y editora asociada de Interview , Paige Powell , dejó caer una copia de la revista y una botella de Beautiful Eau de Parfum de Estée Lauder en la tumba. [161] [162] Se celebró un servicio conmemorativo en Manhattan para Warhol en la Catedral de San Patricio el 1 de abril de 1987. [163]
En diciembre de 1991, la familia de Warhol demandó al hospital en la Corte Suprema de Nueva York por atención inadecuada, ante el juez Ira Gammerman , diciendo que la arritmia fue causada por atención inadecuada e intoxicación por agua . [164] El caso de mala praxis se resolvió rápidamente fuera de los tribunales; la familia de Warhol recibió una suma de dinero no revelada. [165]
Antes de su cirugía, los médicos habían esperado que Warhol sobreviviera, aunque una reevaluación del caso unos treinta años después de su muerte mostró muchos indicios de que la cirugía de Warhol era de hecho más riesgosa de lo que se pensaba originalmente. [166] Se informó ampliamente en ese momento que Warhol había muerto de una cirugía "de rutina", aunque al considerar factores como su edad, antecedentes familiares de problemas de vesícula biliar, su herida de bala anterior y su estado médico en las semanas previas al procedimiento, el riesgo potencial de muerte después de la cirugía parecía haber sido significativo. [166]
A principios de la década de 1960, el arte pop era una forma experimental que varios artistas estaban adoptando de forma independiente; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein , se convertirían más tarde en sinónimos del movimiento. Warhol, que se haría famoso como el "Papa del pop", se volcó en este nuevo estilo, donde los temas populares podían formar parte de la paleta del artista. Sus primeras pinturas muestran imágenes extraídas de caricaturas y anuncios publicitarios, pintadas a mano con gotas de pintura. Esas gotas emulaban el estilo de exitosos expresionistas abstractos como Willem de Kooning .
A partir de estos comienzos, desarrolló su estilo y temas posteriores. En lugar de trabajar sobre un tema característico, como comenzó a hacer, trabajó cada vez más en un estilo característico, eliminando lentamente lo hecho a mano del proceso artístico. Warhol utilizó con frecuencia la serigrafía ; sus dibujos posteriores fueron calcados a partir de proyecciones de diapositivas. En el apogeo de su fama como pintor, Warhol tuvo varios asistentes, incluido el notable artista George Condo , [167] que produjo sus múltiples serigrafiados, siguiendo sus instrucciones para hacer diferentes versiones y variaciones. [168]
Las primeras pinturas de arte pop de Warhol se exhibieron en abril de 1961, y sirvieron como telón de fondo para la exhibición de la ventana de los grandes almacenes Bonwit Teller de Nueva York. Este fue el mismo escenario que sus contemporáneos del arte pop Jasper Johns , James Rosenquist y Robert Rauschenberg también habían adornado una vez. [169] Fue la galerista Muriel Latow quien ideó las ideas tanto para las latas de sopa como para las pinturas de dólares de Warhol. El 23 de noviembre de 1961, Warhol le escribió a Latow un cheque por $50 que, según la biografía de Warhol de 2009, Pop, The Genius of Warhol , fue el pago por haber tenido la idea de las latas de sopa como tema. [170] Para su primera gran exposición, Warhol pintó sus famosas latas de sopa Campbell's, que afirmó haber comido para el almuerzo durante la mayor parte de su vida.
Fue durante la década de 1960 cuando Warhol comenzó a realizar pinturas de objetos icónicos estadounidenses como billetes de dólar, hongos atómicos , sillas eléctricas , latas de sopa Campbell's, botellas de Coca-Cola , celebridades como Marilyn Monroe , Elvis Presley y Elizabeth Taylor , así como titulares de periódicos o fotografías de perros policía atacando a manifestantes afroamericanos durante la campaña de Birmingham en el movimiento por los derechos civiles . Su obra se volvió popular y controvertida. Warhol dijo esto sobre Coca-Cola:
Lo bueno de este país es que Estados Unidos inició la tradición de que los consumidores más ricos compren básicamente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la televisión y ver Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensa que tú también puedes beber Coca-Cola. Una Coca-Cola es una Coca-Cola y ninguna cantidad de dinero puede ofrecerte una Coca-Cola mejor que la que bebe el vagabundo de la esquina. Todas las Coca-Colas son iguales y todas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el vagabundo lo sabe y tú lo sabes. [171]
En 1962, Warhol creó su famosa serie Marilyn . Las Flavor Marilyns fueron seleccionadas de un grupo de catorce lienzos de la subserie, cada uno de 20" x 16". Algunos de los lienzos recibieron el nombre de varios sabores de caramelos Life Savers, incluidos Cherry Marilyn , Lemon Marilyn y Licorice Marilyn . Los demás se identifican por sus colores de fondo. [172]
Warhol produjo obras tanto cómicas como serias; su tema podía ser una lata de sopa o una silla eléctrica. Warhol utilizó las mismas técnicas (serigrafías, reproducidas en serie y a menudo pintadas con colores brillantes) ya pintara celebridades, objetos cotidianos o imágenes de suicidios, accidentes automovilísticos y desastres, como en la serie Muerte y desastre de 1962-1963. [173]
En la década de 1970, Warhol se convirtió en un artista comercial, pintando principalmente retratos por encargo de celebridades. [174] [133] En 1979, Warhol recibió el encargo de pintar una versión de carreras del BMW M1 Grupo 4 para la cuarta entrega del proyecto BMW Art Car . [175] Inicialmente se le pidió que pintara un BMW 320i en 1978, pero se cambió el modelo del automóvil y no calificó para la carrera de ese año. [176] [177] [178] Warhol fue el primer artista en pintar directamente sobre el automóvil él mismo en lugar de dejar que los técnicos transfirieran un diseño de modelo a escala al automóvil. [175] Según se informa, solo le tomó 23 minutos pintar todo el automóvil. [179] Los pilotos de carreras Hervé Poulain , Manfred Winkelhock y Marcel Mignot condujeron el automóvil en las 24 Horas de Le Mans de 1979. [ 175]
Se ha dicho que algunas de las obras de Warhol, así como su propia personalidad, son keatonianas . Se ha dicho que Warhol se hacía el tonto ante los medios de comunicación. A veces se negaba a explicar su obra. Ha sugerido que todo lo que uno necesita saber sobre su obra está "ya ahí 'en la superficie ' ". [180]
Sus manchas de tinta de Rorschach tienen la intención de ser comentarios pop sobre el arte y lo que el arte podría ser. Su papel pintado de vacas (literalmente, papel pintado con un motivo de vaca ) y sus pinturas de oxidación (lienzos preparados con pintura de cobre que luego se oxidaba con orina) también son dignos de mención en este contexto. Igualmente digno de mención es la forma en que estas obras, y sus medios de producción, reflejaban la atmósfera de la "Factory" de Andy en Nueva York. El ex editor de Interview , Bob Colacello, proporciona algunos detalles sobre las "pinturas de orina" de Andy:
Victor... era el meador fantasma de Andy en las Oxidaciones. Venía a la Fábrica a orinar sobre lienzos que ya habían sido imprimados con pintura a base de cobre por Andy o Ronnie Cutrone , un segundo meador fantasma muy apreciado por Andy, quien decía que la vitamina B que tomaba Ronnie hacía que el color fuera más bonito cuando el ácido de la orina volvía verde el cobre. ¿Andy alguna vez usó su propia orina? Mi diario muestra que cuando comenzó la serie, en diciembre de 1977, lo hizo, y hubo muchos otros: chicos que venían a almorzar y bebían demasiado vino, y les resultaba divertido o incluso halagador que les pidieran que ayudaran a Andy a "pintar". Andy siempre tenía un poco más de energía en su andar mientras los guiaba a su estudio. [181]
El retrato de Basquiat realizado por Warhol en 1982, Jean-Michel Basquiat , es una serigrafía sobre una "pintura de orina" de cobre oxidado. [182] [183] Después de muchos años de serigrafía, oxidación, fotografía, etc., Warhol volvió a pintar con un pincel en la mano. En 1983, Warhol comenzó a colaborar con Basquiat y Clemente. [184] Warhol y Basquiat crearon una serie de más de 50 grandes obras colaborativas entre 1984 y 1985. [185] A pesar de las críticas cuando se mostraron por primera vez, Warhol llamó a algunas de ellas "obras maestras", y fueron influyentes para su trabajo posterior. [186]
En 1984, el coleccionista y galerista Alexander Iolas encargó a Warhol que produjera una obra basada en La última cena de Leonardo da Vinci para una exposición en el antiguo refectorio del Palazzo delle Stelline en Milán , frente a Santa Maria delle Grazie , donde se puede ver el mural de Leonardo da Vinci. [187] Warhol superó las demandas del encargo y produjo casi 100 variaciones sobre el tema, en su mayoría serigrafías y pinturas, y entre ellas una escultura en colaboración con Basquiat, los Diez sacos de boxeo (La última cena) . [188] La exposición de Milán que se inauguró en enero de 1987 con un conjunto de 22 serigrafías, fue la última exposición tanto del artista como del galerista. [189] La serie de La última cena fue vista por algunos como "posiblemente su mejor obra", [190] pero por otros como "insipida, religiosa" y "sin espíritu". [191] Es la serie más grande de obras de temática religiosa realizada por cualquier artista estadounidense. [190]
El artista Maurizio Cattelan describe que es difícil separar los encuentros cotidianos del arte de Andy Warhol: "Eso es probablemente lo mejor de Warhol: la forma en que penetró y resumió nuestro mundo, hasta el punto de que distinguir entre él y nuestra vida cotidiana es básicamente imposible, y en cualquier caso inútil". Warhol fue una inspiración para las compilaciones de revistas y fotografías de Cattelan, como Permanent Food, Charley y Toilet Paper . [192]
En el período justo antes de su muerte, Warhol estaba trabajando en Cars , una serie de pinturas para Mercedes-Benz . [193]
Según un artículo de Artnet de 2023 , "Aunque a menudo se le asocia con el grabado, específicamente la serigrafía, Warhol también fue un ilustrador y dibujante increíblemente talentoso, y el dibujo fue una parte integral de su práctica a lo largo de su carrera. Sus primeros dibujos en papel guardan un parecido con las técnicas de dibujo de línea continua y contorno ciego, lo que le da a su trabajo una sensación de facilidad e inmediatez. Mientras trabajaba principalmente en publicidad comercial, fue pionero en la técnica de línea borrosa, que sintetizaba el dibujo de grafito sobre papel con elementos del grabado. Warhol continuó su práctica del dibujo durante los últimos años de su vida y carrera, y el trabajo de este período posterior ejemplifica una larga y legendaria carrera de habilidad y técnica perfeccionadas". [194]
En 1970, las pantallas y matrices de película que se habían utilizado para producir obras originales de Warhol en la década de 1960 se llevaron a Europa para la producción de serigrafías de Warhol bajo el nombre de "Sunday B Morning". Warhol firmó y numeró una edición de 250 antes de que se produjeran versiones no autorizadas sin firmar. [195] Las obras no autorizadas fueron el resultado de una pelea entre Warhol y algunos de los empleados de su estudio de la ciudad de Nueva York que fueron a Bruselas , donde produjeron obras estampadas con "Sunday B Morning" y "Add Your Own Signature Here". [196] Dado que las obras comenzaron como una colaboración, Warhol facilitó la duplicación exacta proporcionando los negativos fotográficos y códigos de color precisos. [197] Algunas de las producciones no autorizadas llevaban la marca "Esto no es mío, Andy Warhol". [195] Las reproducciones no autorizadas más famosas son las serigrafías del portafolios de Marilyn Monroe de 1967 . Estas impresiones de Marilyn Monroe de "Sunday B Morning" se encontraban entre las que todavía estaban en producción en 2013. [198] Las galerías de arte y los comerciantes también comercializan versiones reimpresas de Sunday B Morning de varias otras obras de serigrafía, incluidas Flowers , Campbell's Soup I , Campbell's Soup Cans II , Gold Marilyn Monroe Mao y las impresiones de billetes de Dollare. [199] Aunque las versiones originales de Sunday B Morning tenían sellos negros en la parte posterior, en la década de 1980, cambiaron a azul. [200]
En 1970, el cuadro de Warhol "Lata de sopa Campbell con etiqueta descascarada" (1962) se vendió por 60.000 dólares en una subasta de Parke-Bernet Galleries . [201] En aquel momento, era el precio más alto jamás pagado en una subasta pública por una obra de un artista estadounidense vivo. [201]
En la década de 1970, el precio de un retrato encargado por Warhol era de 25.000 dólares, y dos por 40.000. [174] [133] El valor de la obra de Andy Warhol ha seguido una trayectoria ascendente sin fin desde su muerte en 1987. En 2014, sus obras acumularon 569 millones de dólares en subastas, lo que representó más de una sexta parte del mercado mundial del arte. [202] Sin embargo, ha habido algunas caídas. Según la marchante de arte Dominique Lévy : "El comercio de Warhol se mueve como un sube y baja: sube y baja, pero cada nuevo máximo y mínimo está por encima del anterior". [203] Ella atribuye esto a la afluencia constante de nuevos coleccionistas intrigados por Warhol. "En diferentes momentos, diferentes grupos de coleccionistas ingresaron al mercado de Warhol, y eso resultó en picos de demanda, luego satisfacción y una desaceleración", antes de que el proceso se repita en otro grupo demográfico o en la siguiente generación. [203]
En 1998, Orange Marilyn (1964), una representación de Marilyn Monroe, se vendió por 17,3 millones de dólares, lo que en ese momento estableció un nuevo récord como el precio más alto pagado por una obra de arte de Warhol. [204] En 2007, una de las pinturas de Elizabeth Taylor de 1963 de Warhol, Liz (Colored Liz) , que era propiedad del actor Hugh Grant , se vendió por 23,7 millones de dólares en Christie's . [205] [206]
En 2007, Stefan Edlis y Gael Neeson vendieron Turquoise Marilyn (1964) de Warhol al financista Steven A. Cohen por 80 millones de dólares. [207] En mayo de 2007, Green Car Crash (1963) se vendió por 71,1 millones de dólares y Lemon Marilyn (1962) se vendió por 28 millones de dólares en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Christie's. [208] En 2007, Large Campbell's Soup Can (1964) se vendió en una subasta de Sotheby's a un coleccionista sudamericano por 7,4 millones. [209] En noviembre de 2009, 200 One Dollar Bills (1962) en Sotheby's por 43,8 millones de dólares. [210]
En 2008, Annibale Berlingieri vendió Eight Elvises (1963) por 100 millones de dólares a un comprador privado. [211] La obra muestra a Elvis Presley en una pose de pistolero . Se exhibió por primera vez en 1963 en la Galería Ferus de Los Ángeles. Warhol hizo 22 versiones de los retratos de Elvis , once de las cuales se conservan en museos. [56] En mayo de 2012, Double Elvis (Ferus Type) se vendió en una subasta en Sotheby's por 37 millones de dólares. [212] [213] En noviembre de 2014, Triple Elvis (Ferus Type) se vendió por 81,9 millones de dólares en Christie's. [214]
En mayo de 2010, un autorretrato violeta de Warhol de 1986 que era propiedad del diseñador de moda Tom Ford se vendió por 32,6 millones de dólares en Sotheby's. [215] En noviembre de 2010, Men in Her Life (1962), basado en Elizabeth Taylor, se vendió por 63,4 millones de dólares en Phillips de Pury y Coca-Cola (4) (1962) se vendió por 35,3 millones de dólares en Sotheby's. [216] [217] En mayo de 2011, el primer autorretrato de Warhol de 1963 a 1964 se vendió por 38,4 millones de dólares y un autorretrato rojo de 1986 se vendió por 27,5 millones de dólares en Christie's. [218] En mayo de 2011, Liz No. 5 (Early Colored Liz) se vendió por 26,9 millones de dólares en Phillips. [219]
En noviembre de 2013, el díptico de Warhol de 1963, Silver Car Crash (Double Disaster) , raramente visto , se vendió en Sotheby's por 105,4 millones de dólares, un nuevo récord para el artista. [220] [221] En noviembre de 2013, Coca-Cola (3) (1962) se vendió por 57,3 millones de dólares en Christie's. [222] En mayo de 2014, White Marilyn (1962) se vendió por 41 millones de dólares en Christie's. [223] En noviembre de 2014, Four Marlons (1964), que representa a Marlon Brando, se vendió por 69,6 millones de dólares en Christie's. [224] En mayo de 2015, Silver Liz (díptico) , pintado en 1963, se vendió por 28 millones de dólares y Colored Mona Lisa (1963) se vendió por 56,2 millones de dólares en Christie's. [225] [226] En mayo de 2017, la pintura de Warhol de 1962 Big Campbell's Soup Can With Can Opener (Vegetable) se vendió por 27,5 millones de dólares en Christie's. [227] En 2017, el multimillonario gestor de fondos de cobertura Ken Griffin compró Orange Marilyn de forma privada por unos 200 millones de dólares. [228] En marzo de 2022, Silver Liz (Ferus Type) se vendió por 2.300 millones de yenes (18,9 millones de dólares) en la subasta Shinwa, lo que estableció un nuevo récord para la oferta más alta jamás realizada en una subasta en Japón. [229] En mayo de 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) se vendió por 195 millones de dólares en Christie's, convirtiéndose en la obra de arte estadounidense más cara vendida en una subasta. [230]
Entre los primeros coleccionistas y partidarios influyentes de Warhol se encontraban Emily y Burton Tremaine . Entre las más de 15 obras de arte adquiridas, [231] Marilyn Diptych (ahora en la Tate Modern de Londres) [232] y A boy for Meg (ahora en la National Gallery of Art de Washington, DC), [233] se adquirieron directamente del estudio de Warhol en 1962. Una Navidad, Warhol dejó una pequeña Cabeza de Marilyn Monroe junto a la puerta de los Tremaine en su apartamento de Nueva York en agradecimiento por su apoyo y aliento. [234]
Warhol era un fanático del "arte comercial", como afirmó en su libro The Philosophy of Andy Warhol from A to B and Back Again (La filosofía de Andy Warhol de A a B y de vuelta) . "Me metí en el arte comercial. Quería ser un hombre de negocios del arte o un artista comercial. Ser bueno en los negocios es el tipo de arte más fascinante", dijo. Su transformación en un mero artista comercial fue un punto de crítica. [235] Sin embargo, en retrospectiva, algunos críticos han llegado a ver la superficialidad y comercialidad de Warhol como "el espejo más brillante de nuestros tiempos", afirmando que "Warhol había capturado algo irresistible sobre el espíritu de la época de la cultura estadounidense en la década de 1970". [134]
Además de sus pinturas y dibujos, Warhol dirigió y produjo películas, dirigió la Velvet Underground y escribió numerosos libros, además de producir obras en medios tan diversos como el audio, la fotografía, la escultura, el teatro, la moda y el arte escénico. Su capacidad para difuminar las fronteras entre el arte, el comercio y la vida cotidiana fue fundamental para su filosofía creativa.
Warhol asistió al estreno en 1962 de la composición estática de La Monte Young llamada Trio for Strings y posteriormente creó su famosa serie de películas estáticas. El cineasta Jonas Mekas , que acompañó a Warhol al estreno de Trio, afirma que las películas estáticas de Warhol se inspiraron directamente en la performance. [236] Entre 1963 y 1968, realizó más de 60 películas, [237] además de unos 500 retratos cortos en blanco y negro de los visitantes de la Factory. [238]
Una de sus películas más famosas, Sleep , muestra al poeta John Giorno durmiendo durante seis horas. La película Blow Job, de 35 minutos, es una toma continua del rostro de DeVeren Bookwalter supuestamente recibiendo sexo oral del cineasta Willard Maas , aunque la cámara nunca se inclina hacia abajo para ver esto. Otra, Empire (1964), consta de ocho horas de metraje del Empire State Building en la ciudad de Nueva York al anochecer. La película Eat consiste en un hombre comiendo un hongo durante 45 minutos.
Batman Drácula es una película de 1964 producida y dirigida por Warhol, sin el permiso de DC Comics . Se proyectó solo en sus exhibiciones de arte. Warhol, fanático de la serie Batman , la película fue un "homenaje" a la serie y se considera la primera aparición de un Batman descaradamente exagerado . Hasta hace poco se creía que la película se había perdido, hasta que se mostraron escenas de la película con cierta extensión en el documental de 2006 Jack Smith and the Destruction of Atlantis .
La película Vinyl de Warhol de 1965 es una adaptación de la popular novela distópica de Anthony Burgess La naranja mecánica . Otras películas registran encuentros improvisados entre los habituales de la Factory, como Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El artista underground Jack Smith aparece en la película Camp .
La película más popular y de mayor éxito de crítica de Warhol fue Chelsea Girls (1966). La película fue sumamente innovadora, ya que consistía en dos películas de 16 mm proyectadas simultáneamente, con dos historias diferentes que se mostraban en tándem. Desde la cabina de proyección, se subía el sonido de una película para explicar esa "historia", mientras que se bajaba para la otra. La multiplicación de imágenes evocaba las obras seminales de Warhol en serigrafía de principios de los años 60.
Warhol era un fanático del trabajo cinematográfico del cineasta Radley Metzger [239] y comentó que la película de Metzger, The Lickerish Quartet , era "una obra maestra escandalosamente perversa". [240] [241] [242] Blue Movie —una película en la que las superestrellas de Warhol Viva y Louis Waldon hacen el amor en la cama— fue la última película de Warhol como director. [243] [244] La película, una película seminal en la Edad de Oro del Porno , fue, en ese momento, controvertida por su enfoque franco de un encuentro sexual. [245] [246] Blue Movie se proyectó públicamente en la ciudad de Nueva York en 2005, por primera vez en más de 30 años. [247]
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A raíz del tiroteo de 1968, el director asistente de Warhol, Paul Morrissey , se hizo cargo de la mayoría de las tareas de realización cinematográfica para el colectivo Factory, dirigiendo el cine de marca Warhol hacia una producción cinematográfica de serie B más convencional y basada en la narrativa con Flesh , Trash y Heat . Todas estas películas, incluidas las posteriores Drácula de Andy Warhol y Frankenstein de Andy Warhol , fueron mucho más convencionales que cualquier cosa que Warhol como director hubiera intentado. Estas últimas películas "Warhol" fueron protagonizadas por Joe Dallesandro, más una estrella de Morrissey que una verdadera superestrella de Warhol . La última película de Factory, Bad , fue protagonizada por Carroll Baker y se hizo sin Morrissey ni Dallesandro. [248] Fue dirigida por el novio de Warhol, Jed Johnson, quien había ayudado a Morrissey en varias películas. [248]
La mayoría de las películas dirigidas por Warhol fueron retiradas de circulación por él mismo y la gente que lo rodeaba y que dirigía su negocio. Tras la muerte de Warhol, las películas fueron restauradas lentamente por el Museo Whitney y ocasionalmente se proyectan en museos y festivales de cine. [249] Pocas de las películas dirigidas por Warhol están disponibles en vídeo o DVD.
A mediados de la década de 1960, Warhol adoptó a la banda Velvet Underground , convirtiéndolos en un elemento crucial del espectáculo de arte de performance multimedia Exploding Plastic Inevitable . Warhol, junto con Paul Morrissey, actuó como mánager de la banda, presentándoles a Nico (quien actuaría con la banda a pedido de Warhol). Mientras representaba a The Velvet Underground, Andy los hacía vestir de negro para actuar frente a películas que también estaba presentando. [250] En 1966, "produjo" su primer álbum The Velvet Underground & Nico , además de proporcionar la carátula del álbum. Su participación real en la producción del álbum equivalió simplemente a pagar el tiempo de estudio.
Después del primer álbum de la banda, Warhol y el líder de la banda Lou Reed comenzaron a estar más en desacuerdo sobre la dirección que debía tomar la banda, y su amistad artística terminó. [251] En 1989, después de la muerte de Warhol, Reed y John Cale se reunieron por primera vez desde 1972 para escribir, interpretar, grabar y lanzar el álbum conceptual Songs for Drella , un tributo a Warhol. En octubre de 2019, se informó que una cinta de audio de música públicamente desconocida de Reed, basada en el libro de Warhol de 1975, " La filosofía de Andy Warhol: de A a B y de regreso ", fue descubierta en un archivo del Museo Andy Warhol en Pittsburgh. [252]
Warhol diseñó muchas portadas de álbumes para varios artistas, comenzando con la portada fotográfica del álbum debut de John Wallowitch , This Is John Wallowitch!!! (1964). Diseñó la portada de los álbumes de The Rolling Stones Sticky Fingers (1971) y Love You Live (1977), y los álbumes de John Cale The Academy in Peril (1972) y Honi Soit en 1981. Una de las últimas obras de Warhol fue un retrato de Aretha Franklin para la portada de su álbum de oro de 1986 Aretha . [253]
En 1984, Warhol codirigió el video musical " Hello Again " de Cars , y apareció en el video como camarero. [254] [255] En 1986, Warhol codirigió el video musical " Misfit " de Curiosity Killed the Cat e hizo un cameo en el video. [256] [257] [258]
A principios de la década de 1950, Warhol produjo varias carpetas sin encuadernar de su obra.
El primero de varios libros encuadernados y autoeditados por Warhol fue 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy , impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel con marca de agua de la marca Arches utilizando su técnica de línea borrada para las litografías. La edición original estaba limitada a 190 copias numeradas y coloreadas a mano, utilizando las tintas del Dr. Martin. La mayoría de estas fueron regaladas por Warhol a clientes y amigos. La copia n.º 4, con la inscripción "Jerry" en la portada y entregada a Geraldine Stutz , se utilizó para una impresión facsímil en 1987, [259] y el original fue subastado en mayo de 2006 por US$35.000 por Doyle New York . [260]
Otros libros autoeditados de Warhol incluyen:
El libro de Warhol A La Recherche du Shoe Perdu (1955) marcó su "transición de artista comercial a artista de galería". [261] (El título es un juego de palabras de Warhol con el título de À la recherche du temps perdu del autor francés Marcel Proust .) [261]
Después de ganar fama, Warhol "escribió" varios libros que fueron publicados comercialmente:
Warhol creó la revista de moda Interview , que todavía se publica. Se cree que la letra del título de la portada es de su puño y letra o de la de su madre, Julia Warhola, que solía escribir textos para sus primeras piezas comerciales. [266]
Warhol creó portadas para varias revistas, incluidas Time y Vogue . [267]
Aunque Andy Warhol es más conocido por sus pinturas y películas, escribió obras en muchos medios diferentes.
Warhol vivió como un hombre homosexual antes del movimiento de liberación gay . En 1980, Warhol le dijo a un entrevistador que todavía era virgen. El ex editor de Interview Bob Colacello, que estuvo presente en la entrevista, sintió que probablemente era cierto y que el poco sexo que tenía era probablemente "una mezcla de voyeurismo y masturbación , para usar la palabra [de Andy] abstracto " . [289] La afirmación de virginidad de Warhol parecería ser contradicha por su tratamiento hospitalario en 1960 por condilomas , una enfermedad de transmisión sexual . [290] Su amigo Charles Lisanby , por quien Warhol tenía sentimientos románticos no correspondidos , dijo que Warhol le dijo que el sexo era "desordenado y desagradable". [83] [34] "Me dijo que había tenido sexo algunas veces, lo había probado y realmente no le había gustado", dijo Lisanby. [83] Además, algunos otros amigos de Warhol afirmaron haberlo visto teniendo relaciones sexuales o haberlo oído hablar de sus relaciones sexuales. [83]
Debido a la propia admisión de Warhol de que era asexual, se ha asumido que sus relaciones eran platónicas. [291] La superestrella de Warhol , Jay Johnson, dijo: "Disfrutaba de la idea de que lo consideraran un voyeur y que lo consideraran asexual. Esa era su mística". [291] El fotógrafo de Factory y amante de Warhol, Billy Name, afirmó que él era "la esencia de la sexualidad. Lo impregnaba todo. Andy lo exudaba, junto con su gran creatividad artística... Traía alegría a todo el mundo del arte en Nueva York". [292] [293] "Pero su personalidad era tan vulnerable que se convirtió en una defensa para mostrarse inexpresivo", dijo Name. [294] Otros amantes de Warhol incluyeron al aspirante a cineasta Danny Williams y al artista John Giorno . [295] [296] El ejecutivo de Paramount Pictures, Jon Gould, fue uno de sus últimos compañeros. [291] Su relación más duradera fue con Jed Johnson , quien lo cuidó hasta que recuperó la salud después de que le dispararan, luego se convirtió en su colaborador y más tarde alcanzó la fama como diseñador de interiores. [297] Warhol y Johnson "funcionaron como marido y marido, compartiendo una cama y una vida doméstica" durante 12 años. [83]
El hecho de que la homosexualidad de Warhol influyera en su obra y diera forma a su relación con el mundo del arte es un tema importante de investigación sobre el artista y es un tema que el propio Warhol abordó en entrevistas, en conversaciones con sus contemporáneos y en sus publicaciones ( por ejemplo , Popism: The Warhol 1960s ). A lo largo de su carrera, Warhol produjo fotografías eróticas y dibujos de desnudos masculinos. Muchas de sus obras más famosas (retratos de Liza Minnelli, Judy Garland y Elizabeth Taylor y películas como Blow Job , My Hustler y Lonesome Cowboys ) se inspiran en la cultura gay underground o exploran abiertamente la complejidad de la sexualidad y el deseo. Como ha sido abordado por una variedad de académicos, muchas de sus películas se estrenaron en cines de pornografía gay , incluido el New Andy Warhol Garrick Theatre y el 55th Street Playhouse, a fines de la década de 1960. [298]
Las primeras obras que Warhol presentó a una galería de bellas artes, dibujos homoeróticos de desnudos masculinos, fueron rechazadas por ser demasiado abiertamente homosexuales. [37] En Popism , además, el artista recuerda una conversación con el cineasta Emile de Antonio sobre la dificultad que tuvo Warhol para ser aceptado socialmente por los artistas homosexuales Jasper Johns y Robert Rauschenberg , entonces más famosos (pero en el armario ) . De Antonio explicó que Warhol era "demasiado elegante y eso los molesta". En respuesta a esto, Warhol escribe: "No había nada que pudiera decir al respecto. Era demasiado cierto. Así que decidí que simplemente no me iba a importar, porque esas eran todas las cosas que no quería cambiar de todos modos, que no creía que 'debería' querer cambiar... Otras personas podían cambiar sus actitudes, pero yo no". [37] [299] Al explorar la biografía de Warhol, muchos recurren a este período (finales de la década de 1950 y principios de la de 1960) como un momento clave en el desarrollo de su personalidad.
Algunos han sugerido que su frecuente negativa a comentar su obra, a hablar de sí mismo (limitándose en las entrevistas a respuestas como "Um, no" y "Um, sí", y a menudo permitiendo que otros hablen por él) —e incluso la evolución de su estilo pop— se puede rastrear hasta los años en que Warhol fue rechazado por primera vez por los círculos internos del mundo del arte de Nueva York. [300]
Warhol era un católico ruteno practicante . Colaboraba regularmente como voluntario en refugios para personas sin hogar en la ciudad de Nueva York, en particular durante las épocas más concurridas del año, y se describía a sí mismo como una persona religiosa. [302] Muchas de las obras posteriores de Warhol representaban temas religiosos, incluidas dos series, Detalles de pinturas renacentistas (1984) y La última cena (1986). Además, se encontró póstumamente un conjunto de obras de temática religiosa en su patrimonio. [302]
Warhol asistía regularmente a misa , y el sacerdote de la iglesia de Warhol, San Vicente Ferrer , dijo que el artista iba allí casi a diario, [302] aunque no se le vio tomando la comunión o confesándose y se sentaba o arrodillaba en los bancos de la parte de atrás. [289] El sacerdote pensó que tenía miedo de ser reconocido; Warhol dijo que se sentía cohibido por ser visto en una iglesia católica latina persignándose "a la manera ortodoxa " (de derecha a izquierda en lugar de al revés). [289]
El arte de Warhol está notablemente influenciado por la tradición cristiana oriental , que era tan evidente en sus lugares de culto. [302] El hermano de Warhol ha descrito al artista como "realmente religioso, pero no quería que la gente lo supiera porque [era] privado". A pesar de la naturaleza privada de su fe, en el panegírico de Warhol, John Richardson lo describió como devoto: "Hasta donde sé, fue responsable de al menos una conversión ... Se enorgullecía considerablemente de financiar los estudios de su sobrino para el sacerdocio". [302]
Warhol era un ávido coleccionista. Sus amigos se referían a sus numerosas colecciones, que no sólo llenaban su casa de cuatro pisos, sino también un almacén cercano, como "las cosas de Andy". La verdadera extensión de sus colecciones no se descubrió hasta después de su muerte, cuando el Museo Andy Warhol de Pittsburgh recibió 641 cajas de sus "cosas".
Las colecciones de Warhol incluían un cartel de recuerdos de Coca-Cola y pinturas del siglo XIX junto con menús de aviones, facturas impagas, masa de pizza, novelas pornográficas, periódicos, sellos, volantes de supermercados y tarros de galletas, entre otras excentricidades. [303] También incluía obras de arte importantes, como Miss Bentham de George Bellows . [304] Una de sus principales colecciones era la de sus pelucas. Warhol tenía más de 40 y se sentía muy protector de sus peluquines, que eran cosidos por un peluquero de Nueva York a partir de pelo importado de Italia. En 1985, una niña le arrebató la peluca de la cabeza a Warhol. Más tarde se descubrió en la entrada del diario de Warhol de ese día que escribió: "No sé qué me impidió empujarla por el balcón".
En 1960, había comprado un dibujo de una bombilla de Jasper Johns. [305] Otro objeto encontrado en las cajas de Warhol en el museo de Pittsburgh era un pie humano momificado del Antiguo Egipto . El curador de antropología del Museo Carnegie de Historia Natural pensó que lo más probable es que Warhol lo hubiera encontrado en un mercadillo. [306]
Warhol coleccionó muchos libros, con más de 1200 títulos en su colección. De estos, 139 títulos han sido identificados públicamente a través de un catálogo de subastas de Sotheby's de 1988, The Andy Warhol Collection y se pueden ver en línea. [307] Su colección de libros refleja su gusto e intereses eclécticos, e incluye libros escritos por y sobre algunos de sus conocidos y amigos. Algunos de los títulos de su colección incluyen The Two Mrs. Grenvilles: A Novel de Dominick Dunne , Artists in Uniform de Max Eastman , Andrews' Diseases of the Skin: Clinical Dermatology de George Clinton Andrews, DV de Diana Vreeland , Blood of a Poet de Jean Cocteau , Watercolours de Francesco Clemente, Little World, Hello! de Jimmy Savo , Hidden Faces de Salvador Dalí y The Dinah Shore Cookbook . [308]
En 1991, la familia Warhol y el Ministerio de Cultura eslovaco fundaron el Museo de Arte Moderno de la Familia Warhol en Medzilaborce , Eslovaquia . En 1996, pasó a llamarse Museo de Arte Moderno Andy Warhol . [309]
En 1994 se inauguró en Pittsburgh el Museo Andy Warhol . [310] Alberga la mayor colección de obras del artista en el mundo. [309]
En 1998, la casa adosada de Warhol en el Upper East Side , en el número 57 E 66th Street de Manhattan, fue designada monumento cultural por el Centro de Preservación de Monumentos Históricos para conmemorar el 70.º aniversario de su cumpleaños. [311]
En 2002, el Servicio Postal de Estados Unidos emitió un sello de 18 centavos en conmemoración de Warhol. Diseñado por Richard Sheaff de Scottsdale, Arizona , el sello fue presentado en una ceremonia en el Museo Andy Warhol y presenta la pintura de Warhol "Autorretrato, 1964". [312] [313] En marzo de 2011, una estatua cromada de Andy Warhol y su cámara Polaroid fue revelada en Union Square en la ciudad de Nueva York. [314]
En 2012, un cráter de Mercurio recibió el nombre de Warhol. [315]
En 2013, para honrar el 85 aniversario del nacimiento de Warhol, el Museo Andy Warhol y EarthCam lanzaron un proyecto colaborativo titulado Figment , una transmisión en vivo de la tumba de Warhol. [316] [317]
El testamento de Warhol dictaba que todo su patrimonio —con la excepción de unos pocos legados modestos a miembros de la familia— se destinaría a crear una fundación dedicada al «promoción de las artes visuales». Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby's tardó nueve días en subastar su patrimonio después de su muerte; la subasta recaudó más de 20 millones de dólares. [318]
En 1987, de acuerdo con el testamento de Warhol, se creó la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales. La fundación es el patrimonio de Andy Warhol, pero también tiene la misión de "fomentar la expresión artística innovadora y el proceso creativo" y está "centrada principalmente en apoyar obras de naturaleza desafiante y a menudo experimental". [319]
La Artists Rights Society es el representante de los derechos de autor en Estados Unidos de la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts para todas las obras de Warhol, con excepción de los fotogramas de las películas de Warhol. [320] El representante de los derechos de autor en Estados Unidos de los fotogramas de las películas de Warhol es el Warhol Museum de Pittsburgh. [321] Además, la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts tiene acuerdos vigentes para su archivo de imágenes. Todas las imágenes digitales de Warhol son gestionadas exclusivamente por Corbis , mientras que todas las imágenes en transparencia de Warhol son gestionadas por Art Resource. [322]
En 2007, la Fundación Andy Warhol publicó su Informe Anual del 20º Aniversario en un conjunto de tres volúmenes: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Subvenciones y Exposiciones; y Vol. III, Programa Legado. [323]
La Fundación está en proceso de compilar su catálogo razonado de pinturas y esculturas en volúmenes que cubren bloques de años de la carrera del artista. Los volúmenes IV y V se publicaron en 2019. Los volúmenes posteriores aún están en proceso de compilación. [324]
La Fundación sigue siendo una de las mayores organizaciones que otorga subvenciones para las artes visuales en los EE. UU. [325]
Muchas de las obras y posesiones de Warhol se exhiben en el Museo Andy Warhol de Pittsburgh. La fundación donó más de 3.000 obras de arte al museo. [326]
Del 19 de noviembre de 2021 al 19 de junio de 2022, el Museo de Brooklyn exhibió la exposición Andy Warhol: Revelation . [327] Revelation examina temas como la vida y la muerte, el poder y el deseo, el papel y la representación de la mujer, la imaginería renacentista, las tradiciones y rituales familiares e inmigrantes, las representaciones y duplicaciones de Cristo y el cuerpo católico y el deseo queer. Entre los más de cien objetos en exhibición se encontraban materiales de fuentes raras y artículos recién descubiertos que brindan una mirada fresca e íntima al proceso creativo de Warhol, así como importantes pinturas de su serie épica La última cena (1986), la película experimental The Chelsea Girls (1966), una película inacabada que representa la puesta del sol encargada por la familia de Menil y financiada por la Iglesia Católica Romana y dibujos creados por la madre de Warhol, Julia Warhola, cuando vivía con su hijo en la ciudad de Nueva York. [328]
Warhol fundó Interview , un escenario para celebridades a las que "apoyaba" y una empresa en la que trabajaban sus amigos. Incluso se podría decir que producía personas (como en el caso de la "superestrella" warholiana y el retrato warholiano). Warhol promocionó productos, apareció en anuncios publicitarios e hizo frecuentes apariciones como invitado famoso en programas de televisión y películas.
Warhol apareció como él mismo en las películas Dynamite Chicken (1971), Cocaine Cowboys (1979) y Tootsie (1982). [329] [330]
Después de su muerte, Warhol fue interpretado por Crispin Glover en la película The Doors (1991) de Oliver Stone , por Jared Harris en la película I Shot Andy Warhol (1996) de Mary Harron , y por David Bowie en la película Basquiat (1996) de Julian Schnabel. Bowie recordó cómo conocer a Warhol en la vida real lo ayudó en el papel y relató sus primeros encuentros con él:
Me encontré con él un par de veces, pero rara vez compartimos algo más que lugares comunes. La primera vez que nos vimos, se produjo un silencio incómodo hasta que se fijó en mis brillantes zapatos amarillos y empezó a hablar con entusiasmo. Quería ser muy superficial. Y aparentemente carente de emociones, indiferente, como un pez muerto. Lou Reed lo describió con mucha profundidad cuando una vez me dijo que deberían sacar al mercado un muñeco de Andy: un muñeco al que le das cuerda y que no hace nada. Pero logré observarlo bien, y eso fue una ayuda para la película [ Basquiat ...]. [331]
Warhol apareció como personaje en la ópera Jackie O (1997) de Michael Daugherty . El actor Mark Bringleson hace un breve cameo como Warhol en Austin Powers: International Man of Mystery (1997). Muchas películas del cineasta de vanguardia Jonas Mekas han capturado momentos de la vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan representó a Warhol en la película 54 (1998). Guy Pearce interpretó a Warhol en la película Factory Girl (2007) sobre la vida de Edie Sedgwick. [332] El actor Greg Travis interpreta a Warhol en una breve escena de la película Watchmen (2009). El comediante Conan O'Brien interpretó a Warhol en la película Weird: The Al Yankovic Story (2022).
En la película Highway to Hell , un grupo de Andy Warhols forman parte de la Good Intentions Paving Company , donde las almas bien intencionadas son molidas hasta convertirlas en pavimento . [333] En la película Men in Black 3 (2012), Andy Warhol resulta ser en realidad el agente encubierto W de los MIB (interpretado por Bill Hader ). Warhol está organizando una fiesta en The Factory en 1969, donde se encuentra con los agentes K y J de los MIB.
Andy Warhol (interpretado por Tom Meeten ) es uno de los personajes principales del programa de televisión británico de 2012 Noel Fielding's Luxury Comedy . El personaje es retratado con gestos parecidos a los de un robot. En la película de 2017 The Billionaire Boys Club , Cary Elwes interpreta a Warhol en una película basada en la historia real de Ron Levin (interpretado por Kevin Spacey ), un amigo de Warhol que fue asesinado en 1986. [334] En septiembre de 2016, se anunció que Jared Leto interpretaría al personaje principal en Warhol , una próxima película dramática biográfica estadounidense producida por Michael De Luca y escrita por Terence Winter , basada en el libro Warhol: The Biography de Victor Bockris . [335]
En 1965, Warhol y su musa Edie Sedgewick aparecieron en The Merv Griffin Show . [345]
En 1969, Warhol recibió el encargo de Braniff International para aparecer en dos anuncios de televisión para promocionar la campaña "When You Got It – Flaunt It" de la aerolínea de lujo. La campaña fue creada por la agencia de publicidad Lois Holland Calloway, que estaba dirigida por George Lois , creador de una famosa serie de portadas de Esquire . La primera serie de anuncios incluía la improbable pareja de Warhol y el campeón de boxeo de peso pesado Sonny Liston, quienes compartían el hecho de que ambos volaban en Braniff Airways. El extraño anuncio funcionó y Warhol apareció en otro comercial entrando en un avión de Braniff y siendo recibido por una azafata de Braniff, mientras defendía su gusto por volar con Braniff. Los derechos de las películas de Warhol para Braniff y sus contratos firmados son propiedad de un fideicomiso privado y son administrados por la Fundación Braniff Airways en Dallas, Texas. [346]
Warhol apareció en la serie de la BBC Arena en una escena con los escritores William S. Burroughs y Victor Bockris en un episodio que se emitió en enero de 1981. [347] Warhol filmó un segmento para el programa de televisión de comedia de sketches Saturday Night Live , que se emitió en octubre de 1981. [348] En un anuncio de Sony Beta Tapes de 1981 , Warhol apareció junto a una imagen de Marilyn para mostrar la capacidad de las cintas para grabar "colores brillantes y sombreado delicado". [349]
En 1985, Warhol apareció en un comercial de Diet Coke . [349] También tuvo una aparición especial en el episodio número 200 de la serie de televisión The Love Boat , en el que una esposa del Medio Oeste ( Marion Ross ) teme que Andy Warhol le revele a su esposo ( Tom Bosley , quien protagonizó junto a Ross la comedia Happy Days ) su pasado secreto como una superestrella de Warhol llamada Marina del Rey.
En 1986, Warhol apareció en un anuncio del grupo de inversión Drexel Burnham Lambert . [350]
Warhol apareció como un personaje recurrente en la serie de televisión Vinyl , interpretado por John Cameron Mitchell . [351] Warhol fue interpretado por Evan Peters en el episodio de American Horror Story: Cult " Valerie Solanas Died for Your Sins: Scumbag ". El episodio retrata el intento de asesinato de Warhol por parte de Valerie Solanas ( Lena Dunham ). [352]
Warhol influyó fuertemente en la banda de new wave / punk rock Devo , así como en David Bowie. Bowie grabó una canción llamada " Andy Warhol " para su álbum de 1971 Hunky Dory . Lou Reed escribió la canción "Andy's Chest", sobre Valerie Solanas, la mujer que disparó a Warhol, en 1968. La grabó con Velvet Underground, y esta versión fue lanzada en el álbum VU en 1985. La banda Triumph también escribió una canción sobre Andy Warhol, "Stranger In A Strange Land" de su álbum de 1984 Thunder Seven .
Se han escrito muchos libros sobre Warhol. En 1989, se publicó la biografía The Life and Death of Andy Warhol del autor Victor Bockris. [353] Bockris amplió el libro en 2003 para el 75 aniversario del nacimiento de Warhol y lo llamó Warhol: The Biography . [354] El ex editor de Interview Bob Colacello escribió el libro Holy Terror: Andy Warhol Close Up , que se publicó en 1990. [355] Una biografía escrita por el crítico de arte Blake Gopnik se publicó en 2020 bajo el título Warhol . [356] [357] [358]
Warhol aparece como un personaje en la serie de cómics Miracleman . Primero se menciona que fue resucitado por el científico alienígena Mors y posteriormente convence a este último para que produzca copias en masa de sí mismo. [359] Más tarde, se ven 18 copias de Warhol en el inframundo debajo de la estructura piramidal Olympus, donde producen arte pop relacionado con el nuevo régimen sobrehumano. Un clon de Warhol numerado 6 es asignado y desarrolla una amistad con un clon de Emil Gargunza (el creador de Miracleman) antes de la traición de este último y su intento de escape. [360]
Warhol hace una aparición en Los Sims: Superstar como el fotógrafo en Studio Town. [361]
Warhol (interpretado por Jeff Grace) hace un cameo en el videojuego de 2022 Immortality . [362] [363]
Es el artista estadounidense más importante de la segunda mitad del siglo XX.
Actualmente se le considera ampliamente el artista más importante de la segunda mitad del siglo XX.
No hubo mayor reputación que la de Warhol en el arte de los años sesenta, y en el arte de finales del siglo XX no hubo década más importante que la de los sesenta. Gran parte del arte que ha seguido, en Estados Unidos, es impensable sin él (...)
{{cite web}}: CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace )Desde 1976 hasta su muerte en 1987, Andy Warhol (EE. UU., 1928-1987) nunca estuvo sin su cámara. Tomó fotografías en discotecas, cenas, mercadillos y combates de lucha libre. Amigos, novios, socios comerciales, miembros de la alta sociedad, celebridades y transeúntes captaron la atención de Warhol. Basándose en un tesoro de más de 3600 hojas de contacto que incluyen 130 000 exposiciones fotográficas adquiridas en 2014 de The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc., las imágenes documentan la vida cotidiana de Warhol.
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