John Michael Frankenheimer (19 de febrero de 1930 - 6 de julio de 2002) [1] fue un director de cine y televisión estadounidense conocido por dramas sociales y películas de acción y suspenso. Entre sus créditos se encuentran Birdman of Alcatraz (1962), The Manchurian Candidate (1962), Seven Days in May (1964), The Train (1964), Seconds (1966), Grand Prix (1966), French Connection II (1975), Domingo negro (1977), La isla del Dr. Moreau (1996) y Ronin (1998).
Ganó cuatro premios Emmy (tres consecutivos) en la década de 1990 por dirigir las películas para televisión Against the Wall , The Burning Season , Andersonville y George Wallace , la última de las cuales también recibió un Globo de Oro a la mejor miniserie o película para televisión .
Los casi 40 largometrajes y más de 50 obras de teatro para televisión de Frankenheimer se destacaron por su influencia en el pensamiento contemporáneo. Se convirtió en un pionero del "thriller político moderno", habiendo comenzado su carrera en el apogeo de la Guerra Fría . [2]
Tenía grandes logros técnicos desde sus días en la televisión en vivo; muchas de sus películas se caracterizaron por crear "dilemas psicológicos" para sus protagonistas masculinos además de tener un fuerte "sentido del entorno", [2] similar en estilo a las películas del director Sidney Lumet , para quien había trabajado anteriormente como asistente de dirección. Desarrolló una "tremenda propensión a explorar situaciones políticas" que atraparían a sus personajes. [2]
El crítico de cine Leonard Maltin escribe que "en su época [década de 1960]... Frankenheimer trabajó con los mejores escritores, productores y actores en una serie de películas que trataban temas que estaban en la cima del momento, cosas que todos enfrentamos". ". [3]
Siempre fui un niño muy introvertido, y desde los siete años recuerdo haber encontrado un gran escape en las películas... con toda seriedad, siempre me han interesado muchísimo las películas y no fue algo que me pasó más tarde en vida. Miro hacia atrás y me doy cuenta de que era el medio que más me gustaba. – John Frankenheimer, citado en El cine de John Frankenheimer (1968) [4]
Frankenheimer nació en Queens , Nueva York, hijo de Helen Mary ( de soltera Sheedy) y Walter Martin Frankenheimer, un corredor de bolsa. [3] [5] Su padre era de ascendencia judía alemana , su madre era católica irlandesa y Frankenheimer se crió en la religión de su madre. [6] [7] Cuando era joven, Frankenheimer, el mayor de tres hermanos, luchó por imponerse ante su dominante padre. [8]
Al crecer en la ciudad de Nueva York, quedó fascinado con el cine a una edad temprana y recuerda asistir con avidez al cine todos los fines de semana. Frankenheimer informa que en 1938, a la edad de siete u ocho años, asistió a un maratón de 25 episodios y 7 horas y media de El llanero solitario acompañado por su tía. [4]
En 1947, se graduó en la Academia Militar La Salle en Oakdale, Long Island, Nueva York, y en 1951 obtuvo una licenciatura en inglés en el Williams College de Williamstown, Massachusetts. Como capitán del equipo de tenis de Williams, Frankenheimer consideró brevemente una carrera profesional en el tenis, pero lo reconsideró: [9]
Dejé eso cuando realmente comencé a actuar a los dieciocho o diecinueve años, porque no había tiempo para hacer ambas cosas... mi interés era más hacia la actuación en esos días y lo que quería ser era actor. Actué en la universidad y en acciones de verano durante un año. Pero realmente no era un muy buen actor. Yo era bastante tímido y bastante rígido... [10]
Después de graduarse del Williams College, Frankenheimer fue reclutado en la Fuerza Aérea y asignado al Cuerpo de Entrenamiento de Oficiales de Reserva (ROTC), sirviendo en la sala de correo del Pentágono en Washington, DC. Rápidamente solicitó y fue transferido, sin ninguna calificación formal, [11] a un escuadrón cinematográfico de la Fuerza Aérea en Burbank, California . Fue allí donde el teniente Frankenheimer "realmente empezó a pensar seriamente en dirigir". [12]
Frankenheimer recuerda su aprendizaje inicial en la unidad de fotografía de la Fuerza Aérea como uno de libertad casi ilimitada. Cuando era un oficial subalterno, afirmó Frankenheimer, a sus superiores "no les habría importado menos" lo que hacía en términos de utilización del equipo cinematográfico. Frankenheimer informa que tenía libertad para configurar la iluminación, operar la cámara y realizar la edición de proyectos que él mismo concebía. Su primera película fue un documental sobre una planta de fabricación de asfalto en Sherman Oaks, California . [13] El teniente Frankenheimer recuerda su pluriempleo, por 40 dólares a la semana, como escritor, productor y camarógrafo haciendo infomerciales de televisión para un criador de ganado local en Northridge, California , en los que se presentaba ganado en los escenarios interiores. La FCC puso fin a la programación después de 15 semanas. Además de dominar los elementos básicos del cine, Frankenheimer comenzó a leer mucho sobre técnica cinematográfica, incluidos los escritos del director soviético Sergei Eisenstein . [14] Frankenheimer fue dado de baja del ejército en 1953. [15]
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Durante sus años en el servicio militar, Frankenheimer buscó enérgicamente una carrera cinematográfica en el sur de California. En su defecto, a los 23 años, regresó a Nueva York después de su baja militar para buscar trabajo en la emergente industria de la televisión. Su seriedad impresionó a los ejecutivos de televisión de Columbia Broadcasting System (CBS), lo que le consiguió un trabajo en el verano de 1953 como director de fotografía en The Garry Moore Show . [16] Frankenheimer recuerda su aprendizaje en la CBS:
Cuando me detengo y miro hacia atrás [ The Garry Moore Show ]... yo era particularmente adecuado para ese trabajo... lo que harías es preparar una toma para el director. Él te diría lo que quería y tú lo obtendrías del camarógrafo... También serías responsable del calendario del espectáculo. Pero creo (bueno, lo sé) que nací con buen ojo para la cámara y por eso el trabajo realmente jugaba directamente con lo que yo llamaría mi propia fuerza. [17]
Los guiones de televisión [de la década de 1950] que exploraban problemas a nivel social fueron sistemáticamente ignorados (es decir, discriminación racial, pobreza estructural y otros males sociales). En cambio, se quejan los críticos, demasiados dramas de la "edad de oro" eran poco más que cuentos morales simplistas que se centraban en los problemas y conflictos cotidianos de individuos débiles enfrentados a defectos personales como el alcoholismo, la codicia, la impotencia y el divorcio, por ejemplo... [Es] importante señalar que la "edad de oro" coincidió con la era de la Guerra Fría y el macartismo y que las referencias a la guerra fría, como evitar el comunismo y amar a Estados Unidos, se incorporaron con frecuencia en las obras de televisión de mediados a finales de la década de 1950. – Anna Everett en el Museo de Comunicaciones por Radiodifusión "Edad de Oro" [18]
Frankenheimer fue contratado como asistente del director Sidney Lumet para la serie de dramatización histórica de CBS You Are There , y más adelante en Danger de Charles Russell y Person to Person de Edward R. Murrow . A finales de 1954, Frankenheimer reemplazó a Lumet como director en You Are There y Danger bajo un contrato de cinco años (con una opción estándar del estudio de despedir a un director con un aviso de dos semanas). El debut como director de Frankenheimer fue The Plot Against King Solomon (1954), un éxito de crítica. [19]
A lo largo de la década de 1950 dirigió más de 140 episodios de programas como Playhouse 90 y Climax. bajo los auspicios del ejecutivo de CBS Hubbell Robinson y el productor Martin Manulis . [20] Entre ellas se incluyeron adaptaciones destacadas de obras de Shakespeare , Eugene O'Neill , F. Scott Fitzgerald , Ernest Hemingway y Arthur Miller . Actores y actrices destacados del teatro y el cine protagonizaron estas producciones en vivo, entre ellos Ingrid Bergman , John Gielgud , Mickey Rooney , Geraldine Page y Jack Lemmon . Frankenheimer es ampliamente considerado una figura preeminente de la llamada " Edad de Oro de la Televisión ". [21] [22]
El historiador de cine Stephen Bowie ofrece esta valoración del legado de Frankenheimer de la "Edad de Oro" de la televisión:
Junto con Sidney Lumet, John Frankenheimer fue el principal director que surgió y fue influenciado por la estética del drama televisivo en vivo, que floreció brevemente en los EE. UU .... La fama posterior de Frankenheimer y su nostalgia frecuentemente repetida por la televisión en vivo han designado lo considera el exponente por excelencia de la forma: éste es un error crucial. La estética de la televisión en vivo estaba definida por sus limitaciones temporales y espaciales: todo lo que podía mostrarse era lo que podía crearse físicamente en una hora o media hora y fotografiarse dentro de los confines de un espacio pequeño [enfatizando] los estrechos entornos obreros ( "drama de cocina") porque eran los más fáciles de montar para su transmisión en vivo... [aunque] perfectamente adaptados a este mundo de intimidad emocional y claustrofobia física, Frankenheimer reaccionó instintivamente contra ello. Buscó estrategias materiales y visuales que ampliaran los límites de lo que se podía hacer en la televisión en vivo... Como director de televisión en vivo que llevó el medio en una dirección explícitamente cinematográfica, Frankenheimer era en realidad el menos típico. [23]
Las primeras películas de Frankenheimer abordaron temas contemporáneos como "la delincuencia juvenil, la criminalidad y el entorno social" y están representadas por The Young Stranger (1957), The Young Savages (1961) y All Fall Down (1962). [24]
La primera incursión de Frankenheimer en el cine se produjo cuando todavía tenía contrato con la televisión CBS. El director de CBS en California, William Dozier , se convirtió en director ejecutivo de los estudios de cine RKO . A Frankenheimer se le asignó la dirección de una versión cinematográfica de su programa televisivo Climax! producción titulada "Deal a Blow", escrita por el hijo de William Dozier, Robert. La versión cinematográfica de 1956, The Young Stranger , está protagonizada por James MacArthur como el hijo adolescente rebelde de un poderoso productor de cine de Hollywood ( James Daly ). Frankenheimer recordó que su primera experiencia cinematográfica le pareció insatisfactoria: [25]
Tengo en gran estima a mis equipos [de televisión], porque los selecciono personalmente; En The Young Stranger me asignaron un equipo y pensé que eran terribles y me trataron muy mal. Me amargó mucho toda la experiencia... Me sentí muy confinado, constreñido y un mal director... Hubo tantas cosas que pensé que podría haber hecho pero no las hice... Como resultado de esta experiencia Me harté del cine y volví a la televisión. [26]
Frankenheimer añade que a finales de la década de 1950, la televisión estaba pasando de las producciones en vivo a los programas grabados: "... un director de televisión en vivo era como ser un herrero de pueblo después de la llegada del automóvil... Sabía que tenía que salir... ." En 1961, Frankenheimer abandonó la televisión y regresó al cine después de una pausa de cuatro años, continuando su examen de los temas sociales que informaron su El joven extraño de 1957 . [27] El historiador de cine Gordon Gow distingue el manejo de Frankenheimer de temas que abordan el individualismo y los "inadaptados" durante la obsesión de los años cincuenta por los adolescentes descontentos:
Había un sentimiento especialmente cierto en el problema del chico de 16 años que se convirtió en "El joven extraño"... Esta película, en 1957, en el apogeo de la moda de los adolescentes problemáticos , sonaba una tranquila nota de contraste. En parte, su calidad genuina podría atribuirse al hecho de que [tanto el director como el escritor] tenían veintitantos años, mucho más cerca de la edad de su personaje central [James MacArthur], él mismo tenía unos veinte años en ese momento (pero parecía más joven). ) ... Lo que lo hizo especialmente distintivo en medio del sensacionalismo general fue la trivialidad del delito menor del chico: una pequeña pelea en un cine de barrio ... La diferencia entre The Young Stranger , que logró un final feliz plausiblemente, y el general serie de películas sobre problemas de delincuentes fue su moderación... [28]
El segundo esfuerzo cinematográfico de Frankenheimer está basado en A Matter of Conviction (1959) , del novelista Evan Hunter . Los ejecutivos de publicidad de United Artists cambiaron el título de taquilla por el vagamente escabroso The Young Savages, a lo que Frankenheimer se opuso. [29] La historia involucra el intento de explotación política de un descarado asesinato que involucra a pandillas juveniles puertorriqueñas e italianas ambientado en el Harlem español de la ciudad de Nueva York . [30] El fiscal de distrito, Dan Cole ( Edward Andrews ), que aspira a la gobernación del estado, envía al fiscal de distrito Hank Bell ( Burt Lancaster ) para reunir pruebas para asegurar una condena. Bell, que creció en el distrito de viviendas, escapó de sus orígenes empobrecidos para lograr el éxito social y económico. Inicialmente adopta una hostilidad cínica hacia los jóvenes que investiga, lo que sirve a sus propios objetivos profesionales. La narrativa explora las complejidades humanas y legales del caso y la lucha de Bell para enfrentar sus prejuicios y compromisos personales y sociales. [31] La fascinante secuencia inicial de la película que representa un asesinato, que es clave para la trama, revela los orígenes de Frankenheimer en la televisión. La acción, "brillantemente filmada y editada", ocurre antes de los créditos y está acompañada por una banda sonora convincente del compositor David Amram , que sirve para captar rápidamente el interés de la audiencia. [32]
Los jóvenes salvajes , aunque se centra en la delincuencia juvenil, es cinematográficamente un avance significativo con respecto a la primera película de temática similar de Frankenheimer, The Young Stranger (1957). [33] El historiador de cine Gerald Pratley atribuye esto a la insistencia de Frankenheimer en seleccionar cuidadosamente a su principal soporte técnico para el proyecto, incluido el escenógrafo Bert Smidt, el director de fotografía Lionel Lindon y el guionista JP Miller . [34] Pratley observó:
" Los Jóvenes Salvajes son mucho más vivos y reales que [ El Joven Extraño ]... los jóvenes bien podrían ser algunos de los que conocimos en la primera película, pero ahora más avanzados en sus caminos delincuentes. La actuación en todo momento es autoritaria, con vívidos representaciones de los jugadores italianos y puertorriqueños... toda la película está fotográficamente viva con un fuerte sentido visual que caracterizaría todo el trabajo futuro de Frankenheimer..." [33]
Aunque "artificiales y familiares en sus preocupaciones sociales", Frankenheimer y el protagonista Burt Lancaster, ambos liberales en su perspectiva política, dramatizan la "pobreza, la violencia y la desesperación de la vida urbana" con una moderación tal que "los acontecimientos y los personajes parecen consistentemente creíbles". " [35] Frankenheimer recordó: "Filmé Los jóvenes salvajes principalmente para mostrarle a la gente que podía hacer una película, y aunque no fue completamente exitoso, mi punto quedó demostrado... La película se hizo con un presupuesto relativamente barato y se rodó en exteriores". en Nueva York para una empresa de Hollywood es muy caro. Esos eran los días anteriores a la alcaldesa Lindsay , cuando había que pagar a todos los policías de la zona..." [36]
La película sobre la mayoría de edad All Fall Down fue filmada y estrenada mientras Birdman of Alcatraz (1962) de Frankenheimer estaba en postproducción y su The Manchurian Candidate (1962) estaba en preproducción. [37] [38]
La película fue escrita por William Inge , quien también escribió Esplendor en la hierba (1961) y trata sobre el personaje de Berry-Berry ( Warren Beatty ), un estafador emocionalmente irresponsable, y su adorado hermano menor Clinton ( Brandon deWilde ), a quien Berry-Berry Aparece como una figura romántica byronesca . El trato cruel del hermano mayor hacia Echo O'Brien ( Eva Marie Saint ), su amante que queda embarazada, desengaña a la ingenua Clinton de la perfección de Berry-Berry. Su angustiada percepción le permite a Clinton alcanzar madurez emocional e independencia. [39] [40] [41] El crítico de cine David Walsh comenta:
" All Fall Down es vagamente moralista y conformista, y las escenas del merecido pago del personaje de Beatty son extremadamente artificiales. All Fall Down se salva gracias a las interpretaciones de Eva Marie Saint, tranquila y elegante, como la desafortunada Echo, y Angela Lansbury, extravagante. y extravagante, como la madre de Berry-Berry, en cuyo interior parecen arder fuegos incestuosos. Los críticos han señalado que Annabell Willart (Lansbury) fue la primera de tres madres desesperadamente controladoras en las películas de Frankenheimer de 1962: las otras dos interpretadas por Thelma Ritter en Birdman of Alcatraz (1962) y Lansbury nuevamente en The Manchurian Candidate (1961). En las tres películas, el padre es débil o está ausente. [42]
“Realmente no puedo pensar en una escena de Birdman of Alcatraz que me haya gustado. Me gusta el efecto total de la película, pero no creo que haya ninguna escena que destaque para mí como extraordinaria de alguna manera”. – John Frankenheimer en El cine de John Frankenheimer (1969) de Gerald Pratley [43]
Basada en una biografía de Thomas E. Gaddis , Birdman of Alcatraz (1962) es una dramatización a modo de documental de la vida de Robert Stroud , condenado a cadena perpetua en régimen de aislamiento por matar a un guardia de prisión. [44] Mientras cumple su condena, Stroud ( Burt Lancaster ) se convierte en un respetado experto en enfermedades aviares a través del estudio de los canarios. Frankenheimer rastrea el surgimiento de Stroud de su misantropía antisocial hacia una madurez humana, a pesar de las brutales condiciones de su encarcelamiento. [45]
En 1962, la producción y el rodaje de Birdman of Alcatraz ya estaban en marcha cuando United Artists reclutó a Frankenheimer para reemplazar al director británico Charles Crichton . [46] [47] Como tal, ya se habían tomado decisiones clave de producción, y Frankenheimer se consideraba a sí mismo como un "director contratado" con poco control directo sobre la producción. [48] El productor Harold Hecht y el guionista Guy Trosper insistieron en una adaptación exhaustiva de la biografía de Gaddis. El primer montaje filmado que surgió duró más de cuatro horas. Cuando se descartó simplemente editar el trabajo por considerarlo impracticable, se reescribió el guión y la película se volvió a filmar en gran medida, produciendo un montaje final de dos horas y media. [49] Según Frankenheimer, en la década de 1950 tuvo la opción de hacer una adaptación televisiva de la historia de Stroud, pero la Oficina Federal de Prisiones advirtió a la CBS y el proyecto fue abandonado. [50] [51]
El thriller político de Frankenheimer de 1962, El candidato de Manchuria , es ampliamente considerado como su obra cinematográfica más notable. [52] El biógrafo Gerald Prately observa que “el impacto de esta película fue enorme. Con ello, John Frankenheimer se convirtió en una fuerza a tener en cuenta en el cine contemporáneo; lo estableció como el cineasta más artístico, realista y vital que trabaja en Estados Unidos o en otros lugares”. [53]
Frankenheimer y el productor George Axelrod compraron la novela de Richard Condon en 1959 después de que muchos estudios de Hollywood ya la hubieran rechazado. Después de que Frank Sinatra se comprometió con la película, consiguieron el respaldo de United Artists. [54] La trama se centra en el veterano de la Guerra de Corea Raymond Shaw, parte de una prominente familia política. Los captores chinos y rusos le lavan el cerebro a Shaw después de que su pelotón del ejército es encarcelado. Regresa a la vida civil en los Estados Unidos, donde se convierte en un asesino “ dormiente ” involuntario en una conspiración comunista internacional para subvertir y derrocar al gobierno estadounidense. [55]
La película fue coprotagonizada por Laurence Harvey (como el sargento Raymond Shaw), Janet Leigh , James Gregory y John McGiver . Angela Lansbury , como madre y controladora de su hijo asesino "dormido", obtuvo una nominación al Premio de la Academia por una interpretación "fascinante" en "el papel cinematográfico más importante de su carrera". [56] Frank Sinatra , como el mayor Bennett Marco, que invierte los mecanismos de control mental de Shaw y expone la conspiración, ofrece quizás su interpretación cinematográfica más satisfactoria. [57] Frankenheimer declaró que, tanto técnica como conceptualmente, tenía “control total” sobre la producción. [58]
La “fluidez” técnica exhibida en The Manchurian Candidate revela la lucha de Frankenheimer por transmitir esta narrativa de la Guerra Fría . El historiador de cine Andrew Sarris comentó que el director estaba "obviamente sudando por su técnica... en lugar de construir secuencias, Frankenheimer las explota prematuramente, impidiendo que sus películas se unan de manera coherente". [59] The Manchurian Candidate , sin embargo, transmite la “paranoia y el delirio de los años de la Guerra Fría” [60] a través de su puesta en escena de estilo documental . Una demostración de la bravura de dirección y la “invención visual” de Frankenheimer aparece en la notable secuencia de lavado de cerebro, que presenta los siniestros procedimientos desde la perspectiva tanto del perpetrador como de la víctima. [61] [62] La complejidad de la secuencia y sus antecedentes en la televisión son descritos por el crítico de cine Stephen Bowie:
“La famosa secuencia de lavado de cerebro en la que Frankenheimer se mueve sin problemas entre una perspectiva objetiva (los soldados capturados en un seminario comunista) y una subjetiva (los soldados que asisten a una inocua reunión de la Ladies' Garden Society). Este tour de force fue una destilación pura de la técnica televisiva de Frankenheimer, comenzando con una panorámica consciente de 360 grados que utilizó decorados "salvajes" que permitieron a las cámaras de televisión moverse a posiciones aparentemente imposibles". [63]
En 1968, Frankenheimer reconoció que los métodos que utilizó en televisión eran “el mismo tipo de estilo que usé en The Manchurian Candidate . Fue la primera vez que tuve la seguridad y la confianza en mí mismo para volver a hacer lo que realmente se me daba bien en la televisión”. [64] Desde el punto de vista compositivo, Frankenheimer concentra a sus actores en un montaje de “lente larga”, en el que se producen interacciones dramáticas en primer plano, plano medio y plano largo, una configuración que repitió “obsesivamente”. El crítico de cine Stepen Bowie observa que "este estilo significó que la producción inicial de Frankenheimer se convirtiera en un cine de exactitud más que de espontaneidad". [sesenta y cinco]
“Creo cada vez más que nuestra sociedad está siendo manipulada y controlada... el aspecto más importante es que [en 1962] este país apenas se estaba recuperando de la era McCarthy y nunca se había filmado nada al respecto. Quería hacer una película que mostrara cuán ridículo era todo el síndrome de extrema derecha de McCarthy y cuán peligroso es el síndrome de extrema izquierda ... El candidato de Manchuria abordó la era McCarthy, toda la idea del fanatismo, la extrema derecha y la extrema izquierda es realmente lo mismo, y su idiotez. Quería mostrar eso y creo que lo hicimos”. - John Frankenheimer en The Cinema of John Frankenheimer (1969) de Gerald Pratley [66]
El candidato de Manchuria fue liberado en el período posterior al Temor Rojo , a principios de la década de 1960, cuando aún prevalecía la ideología política anticomunista. [67] Apenas un mes después del estreno de la película, la administración de John F. Kennedy estaba en medio de la crisis de los misiles cubanos y una política arriesgada nuclear con la Unión Soviética. [68]
El hecho de que Frankenheimer y el guionista Axelrod persistieran en la producción es una medida de su liberalismo político, en un período histórico en el que, según el biógrafo Gerald Pratley, “era claramente peligroso hablar de política en la vena franca y satírica que caracterizaba esta película. " [69] El crítico de cine David Walsh añade que “el nivel de convicción y urgencia” que informa The Manchurian Candidate refleja “la relativa confianza y optimismo que sentían los liberales estadounidenses a principios de los años sesenta”. [70] La “aterradora parábola” de Frankenheimer sobre el medio político estadounidense fue lo suficientemente bien recibida como para evitar su rechazo sumario por parte de los distribuidores. [71]
El candidato de Manchuria , debido a su temática y su proximidad al asesinato de Kennedy , está indisolublemente ligado a ese acontecimiento. [72] Frankenheimer lo reconoció cuando, en 1968, describió El candidato de Manchuria como “una película horriblemente profética. Es aterrador lo que ha sucedido en nuestro país desde que se hizo esa película”. [73]
Después de completar The Manchurian Candidate , Frankenheimer recuerda que estaba decidido a continuar haciendo cine: “Quería iniciar el proyecto, quería tener el control total, no quería volver nunca más para que me contrataran como director”. [74] Le ofrecieron un contrato para dirigir una película biográfica sobre la cantante francesa Edith Piaf , con Natalie Wood en el papel protagónico. Rechazó enfáticamente la oferta cuando supo que las canciones de Piaf se cantarían en inglés, en lugar del francés original. [75]
En 1963, Frankenheimer y el guionista George Axelrod conocieron al productor Edward Lewis , considerando una producción televisiva sobre la Unión Estadounidense por las Libertades Civiles . Cuando el proyecto se consideró demasiado costoso para la televisión, un socio de Lewis, el actor y productor Kirk Douglas , se acercó a Frankenheimer para comprar y adaptar para filmar la novela Siete días en mayo de Fletcher Knebel y Charles W. Bailey II. [76]
“Las pantallas de televisión, que se vislumbran a lo largo de Siete días de mayo , son una de las marcas registradas más reconocibles de Frankenheimer... Frankenheimer se convirtió en el primer cineasta en reconocer el papel de la televisión en la sociedad moderna como una intrusión en la privacidad y como una herramienta mediante la cual los poderosos manipulan a los demás. ”—Crítico de cine Stephen Bowie en John Frankenheimer Senses of Cinema (2006) [23]
Siete días en mayo (1964), basada estrechamente en la novela más vendida de Fletcher Knebel y Charles W. Bailey II y con un guión de Rod Serling , dramatiza un intento de golpe de estado militar en los Estados Unidos, ambientado en 1974 . 77] Los perpetradores están liderados por el general James M. Scott ( Burt Lancaster ), presidente del Estado Mayor Conjunto (JCS), un autoritario virulentamente anticomunista. Cuando el presidente estadounidense Jordan Lyman ( Fredric March ) negocia un tratado de desarme nuclear con la Unión Soviética (un acto que Scott considera traición), Scott moviliza a su camarilla militar. Operando en una base remota en el oeste de Texas , se preparan para apoderarse de las redes de comunicación de la nación y tomar el control del Congreso. Cuando el coronel Martin “Jiggs” Casey ( Kirk Douglas ), ayudante del JCS de Scott, descubre el golpe planeado, queda consternado y convence al presidente Lyman de la gravedad de la amenaza. Lyman moviliza a sus propios leales al gobierno y se produce un choque sobre los principios constitucionales entre Lyman y Scott en la Oficina Oval, con el presidente denunciando al general como un traidor a la Constitución de los Estados Unidos. Cuando Scott queda expuesto públicamente, sus partidarios militares lo abandonan y la conspiración colapsa. [78] Frankenheimer señala la continuidad actual de sus thrillers políticos: [79]
“Siete días de mayo fueron para mí tan importantes como El candidato de Manchuria . Sentí que la voz de los militares era demasiado fuerte... el síndrome del General MacArthur era muy evidente... Siete días en mayo fue la oportunidad para ilustrar la tremenda fuerza que es el complejo militar-industrial ... "No pedimos cooperación al Pentágono porque sabíamos que no la obtendríamos". [80]
El personaje del general Scott ha sido identificado por los historiadores del cine como una combinación de dos destacadas figuras militares y políticas: Curtis LeMay y Edwin Walker . [81] La película pone gran énfasis en la santidad de las normas constitucionales estadounidenses como baluarte contra las usurpaciones de elementos antidemocráticos en los Estados Unidos. [82] El biógrafo Gerald Pratley escribe:
“Un aspecto digno de admirar es el uso que hace Frankenheimer de los discursos pronunciados por el presidente Lyman. Algunos críticos se burlaron de ellos porque [reflejan] "líneas respetables y liberales", y March los presenta con completo naturalismo en momentos en que lógicamente son necesarios, y con gran honestidad y convicción. Reafirman principios [constitucionales] familiares... Frankenheimer los maneja de manera intencionada, pero nunca de manera propagandística...” [83]
La crítica de cine Joanne Laurier añade que “el tema principal del guionista Rod Serling y Frankenheimer es la necesidad de que los militares estén subordinados a un gobierno civil electo”. Como énfasis visual, “los créditos iniciales de Siete días de mayo pasan sobre una imagen del borrador original de 1787 de la Constitución de los Estados Unidos . [84]
Siete días en mayo ha sido ampliamente elogiada por el alto calibre de las actuaciones del elenco. [85] El biógrafo Charles Higham escribe que "la película está interpretada con extraordinaria habilidad, lo que demuestra que la intensidad de Frankenheimer se comunicó con éxito a sus actores". [86]
Frankenheimer, un ex oficial de la Fuerza Aérea que trabajó brevemente en el Pentágono, [87] anticipó la hostilidad del establishment militar hacia la premisa de Siete Días en mayo . [88] De hecho, circularon memorandos internos en la Oficina Federal de Investigaciones (FBI) registrando la alarma de que Siete Días en Mayo podría dañar potencialmente la reputación de la oficina. [89] Los críticos de cine Joanne Laurier y David Walsh informan que “Los militares y el FBI tomaron nota muy definida de Siete días en mayo, revelando su intensa sensibilidad a tales críticas. Un memorando descubierto en el archivo del FBI de Ronald Reagan revela que a la oficina le preocupaba que la película fuera utilizada como propaganda comunista y, por lo tanto, fuera 'perjudicial para nuestras Fuerzas Armadas y nuestra nación'”. [90] El presidente Kennedy personalmente expresó su aprobación por la adaptación cinematográfica , y su secretario de prensa, Pierre Salinger , permitieron a Frankenheimer ver la Oficina Oval para dibujar su interior. [91] [84]
Siete días en mayo , filmada en el verano de 1963, su estreno estaba previsto para diciembre de ese año, pero se retrasó debido al asesinato del presidente John F. Kennedy en noviembre. El estreno de la sátira Dr. Strangelove (1964) del director Stanley Kubrick también se pospuso. [92] Frankenheimer reconoció los aspectos “proféticos” de su El candidato de Manchuria (1962), una película que examina los asesinatos políticos conspirativos. [73] El contexto histórico en el que aparecieron Siete días de mayo lo vincula inevitablemente con el asesinato de Kennedy en 1963. [93] El crítico de cine David Walsh hace explícita la conexión: “Cuando Siete días en mayo llegó a los cines, Kennedy había sido asesinado, en una operación que se cree ampliamente que fue organizada por aquellos con conexiones militares o con la CIA”. [94]
Siete días en mayo fue bien recibido por la crítica y el público. [95]
A principios de 1964, Frankenheimer se mostró reacio a embarcarse en otro proyecto cinematográfico debido a la fatiga: “ El tren es una película que no tenía intención de hacer jamás [y] no era un tema que me importara mucho... Simplemente terminó Siete días de mayo (1964). Estaba bastante cansado”. [96]
Adaptada de la novela Le Front de l'Art: Le front de l'art: Défense des collections françaises, 1939-1945 de Rose Valland , la película de estilo documental examina la lucha desesperada de la Resistencia francesa para interceptar un tren cargado con objetos de valor incalculable. tesoros artísticos y sabotearlos antes de que los oficiales de la Wehrmacht pudieran escapar con ellos a la Alemania nazi. La película dramatiza una lucha de voluntades entre el inspector de ferrocarriles francés Labiche ( Burt Lancaster ) y el conocedor de arte alemán, el coronel von Waldheim ( Paul Scofield ), encargado de apoderarse de la obra de arte. [97] El rodaje de El tren había comenzado en Francia cuando el cineasta Arthur Penn , originalmente contratado para dirigir la adaptación, fue despedido por el actor y productor Lancaster, supuestamente por incompatibilidad personal y diferencias interpretativas irreconciliables. [98]
Frankenheimer, que había dirigido con éxito a Lancaster en tres películas anteriores, aceptó sustituir a Penn, pero con graves reservas, considerando el guión “casi espantoso” y señalando que “el maldito tren no salió de la estación hasta la pág. 140.” [99] Frankenheimer pospuso la producción de Seconds (1966) para adaptarse a la producción de Lancaster. [100]
El rodaje de The Train se suspendió temporalmente y el metraje existente se descartó. Frankenheimer, en colaboración con los guionistas Nedrick Young (sin acreditar), Franklin Coen, Frank Davis y Walter Bernstein , elaboraron un guión completamente nuevo que combinaba suspenso, intriga y acción, reflejando los requisitos previos de Lancaster. [101]
“Lo que quería dejar claro [en El tren ] era que ninguna obra de arte vale más que una vida humana. De eso se trata la película. Lo siento muy profundamente. Pero decir que la película es una exposición de un tema como ese es realmente ser injusto con la película... la vida de las personas, lo que hacen y cómo piensan, sienten y se comportan, es en sí mismo importante... Honestidad y La realidad se refleja en las actitudes de las personas, sin que los individuos tengan que realizar grandes hazañas o ser grandes héroes o villanos que proclamen grandes mensajes sobre la vida... El tren es este tipo de película”. John Frankenheimer en El cine de John Frankenheimer, de Gerald Pratley (1969). ). [102]
Frankenheimer inserta una pregunta ética en la narrativa: ¿Está justificado sacrificar una vida humana para salvar una obra de arte? Su controvertida respuesta fue enfáticamente no. [103] El crítico de cine Stephen Bowie observa: ““La tesis de Frankenheimer—que la vida humana tiene más valor que el arte—puede parecer simplista, pero agrega un componente moral esencial a lo que de otro modo sería solo una costosa versión de acción real de un tren eléctrico. .” [104] The Train es elogiado por su realismo tipo documental y la magistral integración de Frankenheimer de la narrativa humana con sus escenas de acción de tour-de-force. [105]
"Destrozar trenes era fácil de hacer. Es la fantasía infantil de todo niño. No hay un solo niño que alguna vez haya tenido un tren eléctrico que no haya querido arruinarlo, poniendo un vagón en la vía y enviando una locomotora. Bueno, por supuesto, hicimos precisamente eso.”—John Frankenheimer en The Cinema of John Frankenheimer (1969), de Gerald Pratley. [106]
El biógrafo Gerald Pratley ofrece esta valoración del manejo de Frankenheimer de la compleja serie de secuencias de trenes, discerniendo la influencia del director soviético Sergei Eisenstein :
“El experto sentido narrativo de Frankenheimer transmite los acontecimientos junto con un drama y emoción cada vez mayores y, en ocasiones, una tragedia abrumadora cuando los hombres son asesinados a tiros... puede destrozar trenes y organizar ataques aéreos, y aun así mantiene a sus personajes en un alto nivel. de interés... La insistencia de Frankenheimer en utilizar fondos naturales le da una tremenda sensación de realidad a la película. Las siluetas austeras y dramáticas de la locomotora blindada camuflada que sale de los cobertizos son dignas de Eisenstien; la persecución dentro del túnel que muestra la locomotora deteniéndose a centímetros de la abertura y el maquinista tirando de la cadena del silbato es magistral”. [107]
El crítico de cine Tim Palen explica la experiencia técnica de Frankenheimer en El tren : “El director hace un excelente uso de lentes gran angular, largos travellings y primeros planos extremos manteniendo al mismo tiempo la profundidad de campo... se asegura deliberadamente de que los elaborados movimientos y cortes de la cámara sean precisos. planeado de manera que 'logísticamente sabías dónde estaba cada tren', en relación con la acción”. [108] The Train ejemplifica la centralidad de las aplicaciones técnicas que comenzaron a caracterizar el enfoque cinematográfico de Frankenheimer a finales de la década de 1960, “blandiendo el estilo por sí mismo”. [109]
El guión original de The Train recibió una nominación al Premio de la Academia. [110] [111] Había costado 6,7 millones de dólares. [112] y fue una de las 13 películas más populares en el Reino Unido en 1965. [113]
Seconds presenta una historia surrealista e inquietante de un ejecutivo corporativo desilusionado, Arthur Hamilton ( John Randolph ). En un esfuerzo por escapar de su existencia vacía, se somete a una traumática intervención quirúrgica que transforma su cuerpo en el de un hombre más joven, Tony Wilson ( Rock Hudson ). El esfuerzo de Randolph por borrar su antiguo yo en una nueva personalidad resulta inútil y conduce a su horrible desaparición. [114] [115] El biógrafo Gerald Pratley describe Seconds como “una imagen fría, gris y aterradora de un mundo deshumanizado... basada en la antigua búsqueda de la eterna juventud... una amalgama de misterio, horror y ciencia ficción... ” [116]
Basada en una novela de David Ely y un guión de Lewis John Carlino , Frankenheimer explicó sus objetivos temáticos:
“Un individuo es lo que es y tiene que vivir con su vida. Él no puede cambiar nada, y toda la literatura y las películas actuales sobre el escapismo son simplemente basura porque no puedes ni debes escapar jamás de lo que eres. Tu experiencia es lo que te convierte en la persona que eres... De eso se trata realmente la película. También se trata de esa tontería en la sociedad de que siempre debes ser joven, este énfasis en la juventud en la publicidad... Quería hacer un retrato práctico pero aterrador de las grandes empresas que harían cualquier cosa por cualquiera, siempre que estés dispuesto a hacerlo. pagar por ello [y] la creencia de que todo lo que necesitas hacer en la vida es tener éxito financiero”. [117] [118]
Frankenheimer reconoció su dificultad para elegir a los ancianos y desmoralizó a Arthur Hamilton, lo que obligó al director a mostrar de manera convincente su metamorfosis, tanto quirúrgica como fisiológica, en el joven y artístico Tony Wilson. Se consideró un papel dual interpretado por un solo actor, y Frankenheimer abogó por el actor británico Laurence Olivier . Paramount rechazó esto a favor de dos actores, en los que un actor (Randolph) sufre una transformación radical para emerger con la apariencia y la identidad del otro (Hudson). La interpretación de Wilson por parte de Rock Hudson introdujo una preocupante cuestión de verosimilitud que Frankenheimer reconoció plenamente: "Sabíamos que íbamos a pasar un momento terrible para lograr que el público creyera que el hombre que entró en la sala de operaciones (Randolph) podría emerger como Rock Hudson, citando la la disparidad física entre los actores como problemática. [119] [118] El historiador de cine Gerald Pratley está de acuerdo: “la debilidad [en Seconds ] es tratar de convencer al público de que el actor que interpreta a Hamilton podría emerger, después de la cirugía plástica, como Wilson en la forma de Rock Hudson. Aquí es donde el star system ha trabajado en contra de Frankeheimer”. [120]
Frankenheimer identificó la fuente de la debilidad de la película menos en las disparidades físicas de sus actores, y más en sus dificultades para transmitir los temas necesarios para explicar la incapacidad de Wilson para adaptarse socialmente a su nueva vida: "Pensábamos que habíamos demostrado por qué [Wilson] fracasó, pero cuando terminó la película me di cuenta de que no”. [121] [118]
La destreza técnica de Frankenheimer se muestra en Seconds , donde el director y su camarógrafo James Wong Howe experimentaron con varios lentes, incluido el lente ojo de pez de 9,5 mm para lograr la "distorsión y exageración" que dramatizaría la lucha de Hamilton por "liberarse de su camisa de fuerza emocional". .” [122]
El uso de distorsiones visuales por parte de Howe y Frankenheimer es fundamental para revelar los estados mentales alucinatorios de su personaje y, según Frankenheimer, “casi psicodélicos”. En una escena, se utilizan un total de cuatro Arriflexes para enfatizar la impotencia sexual de Hamilton con su ex esposa. [123] El historiador de cine Peter Wilshire considera que la elección de Frankenheimer de James Wong Howe como camarógrafo para el proyecto fue su "decisión direccional más importante". Howe fue nominado a los Premios de la Academia a la Mejor Fotografía por sus esfuerzos. [124]
A instancias de Frankenheimer, los ejecutivos de Paramount aceptaron presentar Seconds en el Festival de Cine de Cannes de 1966 , con la esperanza de que la película confiriera prestigio al estudio y mejorara los ingresos de taquilla. Por el contrario, Seconds fue atacada duramente por la crítica europea en el concurso cinematográfico, calificándola de misántropa y “cruel”. Frankenheimer recordó que “fue un desastre” y declinó asistir a la conferencia de prensa posterior al festival. A raíz de este fiasco, Paramount retiró los recursos promocionales y Seconds fracasó en taquilla. [125] Como consuelo por sus fracasos críticos y comerciales, Seconds finalmente fue recompensado con un culto entre los cineastas. [126] [127]
La valoración crítica de la película ha variado ampliamente. Gerald Pratley, en 1968, declara que Segundos , a pesar de su mala acogida en 1966, algún día será reconocida como “una obra maestra”. [128] El crítico de cine Peter Wilshire ofrece elogios matizados: "A pesar de sus obvias debilidades, Seconds es una película extremadamente compleja, innovadora y ambiciosa". [118] Brian Baxter menosprecia Seconds como "vergonzoso... poco convincente, incluso como ciencia ficción". [129] y el crítico David Walsh considera que Seconds es “particularmente desacertado, tenso y tonto”. [24] El biógrafo Charles Higham escribe:
“ Seconds , magníficamente filmada por James Wong Howe... no logra el retrato político de los ricos de California que la habría convertido en un triunfo. Los importantes pasajes centrales de Malibú tienen toda la suavidad de un sueño hecho realidad. Al conspirar con su propio objetivo, Frankenheimer demuestra que la corrupción se ha apoderado de él. Ni siquiera un poderoso clímax (el héroe que prefiere la muerte en Nueva York a la 'vida' en Malibú y regresa para ser asesinado en una horrible escena de quirófano) altera el hecho de que la película se ha visto comprometida". [130] [131]
A mediados de los años sesenta, Frankenheimer se había convertido en uno de los principales directores de Hollywood. [132] Como tal, MGM proporcionó una generosa financiación para Grand Prix (1966), la primera película en color de Frankenheimer y filmada en Cinerama de 70 mm . [133] Ex piloto de carreras aficionado, abordó el proyecto con genuino entusiasmo. [134]
El guión de Robert Alan Aurthur y un Frankenheimer no acreditado trata sobre la suerte profesional y personal del piloto de Fórmula Uno Pete Aron ( James Garner ) durante toda una temporada de carreras competitivas. La acción culmina en Monza, donde Aron, Scott Stoddard ( Brian Bedford ), Jean Pierre Sarti ( Yves Montand ) y Nino Barlini ( Antonio Sabàto Sr. ) compiten por el campeonato, con resultados trágicos. [135] [136]
Deseando crear una representación altamente realista de las carreras y su entorno, reunió una panoplia de técnicas cinematográficas innovadoras con ingeniosos aparatos y efectos especiales. [137] Trabajando estrechamente con el director de fotografía Lionel Lindon , Frankenheimer montó cámaras directamente en los autos de carrera, eliminando tomas de proceso y brindando al público una vista de la acción desde el punto de vista del conductor. [138] [139]
Frankenheimer incorporó pantallas divididas para yuxtaponer entrevistas tipo documental de los corredores con tomas de acción a alta velocidad en la pista. [140] Frankenheimer explica su uso del “cañón de hidrógeno”: [141]
“Los efectos especiales, los accidentes, fueron muy difíciles de hacer. Tuve un excelente especialista en efectos especiales, Milton Rice, que ideó un cañón de hidrógeno que funcionaba según el principio de una lanzaguisantes. El automóvil estaba sujeto a un eje y cuando el hidrógeno explotó, el automóvil fue literalmente propulsado por el aire como un proyectil a aproximadamente 125 a 135 millas por hora y podía apuntarlo a donde quisiera que fuera. Y todos los naufragios se hicieron de esa manera. Eran coches reales. Ningún modelo. Todo fue muy real. Y por eso era bueno…” [142]
“No digo que sea mi mejor película. Pero sin duda es una de las películas más satisfactorias que he hecho... poder satisfacer tus fantasías con diez millones y medio de dólares es, creo, maravilloso”.—John Frankenheimer en Grand Prix en Gerald El cine de John Frankenheimer, de Pratley (1969) [143]
Caracterizado en gran medida por la valiente aplicación de Frankenheimer de su sorprendente estilo cinematográfico, Grand Prix ha sido calificado por el crítico de cine David Walsh como “en gran medida un ejercicio técnico” y según The Film Encyclopedia, “blandiendo el estilo por sí mismo”. [144] [145] El historiador de cine Andrew Sarris observó que el estilo de Frankenheimer había "degenerado en un academicismo omnipresente, un verdadero glosario de técnicas cinematográficas". [146]
Un éxito comercial, Grand Prix obtuvo tres premios Oscar en los Premios de la Academia por Mejores Efectos de Sonido (por Gordon Daniel ), Mejor Montaje ( Henry Berman , Stu Linder y Frank Santillo ) y Mejor Grabación de Sonido ( Franklin Milton y Roy Charman ) [147 ]
La primera incursión de Frankenheimer en la “comedia ligera” representa un alejamiento importante de su trabajo, a menudo distópico y dramático, que aborda cuestiones sociales y sus películas de acción de gran presupuesto. [148] The Extraordinary Seaman presenta una colección de personajes inadaptados ambientados en los últimos días de la Segunda Guerra Mundial en el teatro del Pacífico. El teniente comandante británico Finchhaven, RN ( David Niven ), un fantasma, está condenado a una existencia parecida al holandés errante , vagando por los mares en su barco Cascarrabias en busca de redención por su vergonzosa ineptitud durante una misión de combate de la Primera Guerra Mundial . Durante la Segunda Guerra Mundial , el Cascarrabias es fletado y luego varado en una remota isla del Pacífico por los asistentes a la fiesta. Cuatro marineros estadounidenses náufragos se topan con el barco no apto para navegar: el teniente Morton Krim ( Alan Alda ), el cocinero 3/C WWJ Oglethorpe ( Mickey Rooney ), el compañero de artillero Orville Toole ( Jack Carter ) y el marinero 1/C Lightfoot Star ( Manu Tupou ). Jennifer Winslow ( Faye Dunaway ), propietaria de un garaje en la jungla, proporciona suministros para reparar el cascarrabias abandonado para poder salir de la isla. El comandante Finchaven recluta a una tripulación en gran parte incompetente para buscar y hundir un acorazado japonés y así reivindicar el honor de su familia. La imagen de 79 minutos muestra los "peligros y desventuras" posteriores de la tripulación. [149] [150] The Extraordinary Seaman , basado en un guión y una historia de Phillip Rock , es una parodia de las convenciones y clichés de la época de la guerra que integra clips de noticieros de la época para lograr un efecto cómico. [151] [152]
“No creo que se pueda hacer una película contra la guerra matando a mucha gente y mostrando 'lo horrible que es la guerra' en los últimos cinco minutos después de haber pasado dos horas de diversión con ametralladoras y bombas... Quiero decir, una de las películas de guerra más atroces jamás realizadas es Los boinas verdes (1968). Estoy en contra de violencia como esta... Creo que es totalmente incorrecto que al final intenten justificar toda esta violencia con alguna declaración pretenciosa. No haré una película así. No creo en ello.”—John Frankenheimer en The Cinema of John Frankenheimer (1969) de Gerald Pratley [153]
Frankenheimer se involucra en un burlesco simulado y heroico , titulando los episodios de la película "Gran Alianza", "La tormenta que se avecina", "Su mejor hora", La bisagra del destino" y "Triumph and Tragedy", tomados de la obra de Winston Churchill. memorias de guerra. [154]
Filmada durante la Guerra de Vietnam , el historiador de cine Gerald Pratley percibe "una fuerte relación temática" entre la oposición de Frankenheimer a la invasión estadounidense de Indochina y El marinero extraordinario . Frankenheimer recuerda que él y el guionista Phillip Rock “decidimos que realmente podíamos usar esta premisa [de un oficial naval fantasmal] para hacer una declaración contra la guerra. Creo que lo hicimos, y eso aterrorizó a MGM." [155] [156]
Metro-Goldwyn-Mayer retrasó el estreno de la película durante dos años, supuestamente debido a su mala respuesta entre los críticos y las "proyecciones pésimas", aunque Frankenheimer atribuye el retraso a cuestiones legales para obtener la publicación de imágenes de noticieros históricos. [157] [158] El estudio sólo hizo esfuerzos superficiales para promocionar y exhibir la película después de las malas críticas críticas y la débil respuesta de taquilla de The Extraordinary Seaman . [159]
Frankenheimer abordó con presteza su adaptación cinematográfica de The Fixer de Bernard Malamud , obteniendo las galeradas de la novela de 1966 antes de su publicación. [160] The Fixer se basa en la persecución y juicio de 1913 del campesino judío Menahem Mendel Beilis , acusado de difamación de sangre durante el reinado del zar Nicolás II [161] [162]
The Fixer fue ampliamente elogiado por los críticos de cine por el éxito de Frankenheimer al obtener actuaciones sobresalientes de Alan Bates como el brutalizado Yakov Shepsovitch Bok, Dirk Bogarde como Boris Bibikov, su humanitario abogado defensor designado por el tribunal, y David Warner como el Conde Odoevsky. Ministerio de Justicia. [163] Bates recibió su única nominación al Premio de la Academia como Mejor Actor por este papel. [164] Renata Adler del New York Times observó que “la dirección, de John Frankenheimer, es poderosa y discreta. Desvía la mirada ante las fáciles y feas consumaciones de la violencia... y te da crédito por imaginar el resultado”. [165] Esto, a pesar de la admisión de Frankenheimer de que “hay una escena muy violenta en The Fixer ”:
“Hay que mostrar lo que pasó este hombre [Bok] durante cinco años de prisión y lo que le hicieron sus captores. Los ejecutivos de Metro estaban preocupados por esta escena. Dijeron que "con el clima actual es peligroso mostrar esto". Dije 'tiene que estar ahí'. Esta es la escena donde los rusos vienen y lo golpean por negarse a convertirse al cristianismo... no es una escena de violencia puesta ahí por sí misma. Espero que el público sienta esto... No creo en la violencia por el bien de la explotación”. [166]
“ The Fixer investiga el hecho de que la victoria que obtuvo Yakov Bok estaba siendo llevada a juicio... el Ministro de Justicia, el Conde Odoevsky, ofrece a Bok un perdón. Y Bok dice 'no'... Esa, creo, es probablemente la mejor escena de la película... The Fixer trata sobre la dignidad de un ser humano que nunca supo que tenía esta fuerza en él, y de repente la encuentra dentro de sí. él...Bok no es un hombre [literario]. Es un campesino y se ve esta gran fuerza desarrollada dentro de él. De eso se trata la película. No tiene nada que ver con el hecho de que sea judío. Podría ser cualquier hombre, en cualquier momento, en cualquier lugar... Creo que es una muy buena historia para contar”.—John Frankenheimer en The Cinema of John Frankenheimer (1969) de Gerald Pratley [167]
Mientras que Frankenheimer estaba profundamente satisfecho con su manejo cinematográfico de la obra ganadora del Premio Pulitzer de Malamud , declarando "Me siento mejor con The Fixer que con cualquier cosa que haya hecho en mi vida", [168] varios críticos de cine registraron severas críticas. El crítico de cine Roger Ebert escribió:
“La tarea de Frankenheimer era hacer una película que, en sí misma, fuera una declaración moral. Ha fracasado. La película tiene poca realidad propia; en cambio, extrae su poder y emoción de la materia prima de su tema... La tentación es elogiar la película porque estamos de acuerdo con su mensaje. Ésta es la misma falacia crítica que llevó a elogiar El juicio de Nuremberg (1961), una película comercial corrupta, porque desaprobamos los crímenes de guerra nazis. Una película no se vuelve buena simplemente adoptando la posición ideológica correcta”. [169]
Ebert añade: "Lo que se necesitaban eran menos discursos humanistas conscientes... Frankenheimer debería habernos mostrado el sufrimiento de su héroe y las kafkianas torturas legales del Estado, sin comentarlas". [169]
La crítica de cine Renata Adler señala al guionista y víctima de la lista negra Dalton Trumbo por menosprecio:
“La trivialidad del guión de Dalton Trumbo, la vieja fórmula sentimental de Hollywood (unos momentos de suave felicidad, una hora y media de reveses y miseria, con violines, un final feliz y relámpago con batería) se aplica, casi intacta, a Dog historias, historias de caballos, historias de deportes, historias de amor”. [165]
Adler concluye que "no es suficiente poner [a Bok-Bates] en algunos aprietos cliché... [el diálogo] se vuelve degradante y vulgar cuando se desarrolla con aproximaciones de elocuencia de ficción de trama pirateada". [170] El biógrafo Charles Higham descarta la película y escribe que "desde el fracaso comercial de Seconds (1966), las películas de Frankenheimer han sido mediocres, desde The Fixer (1968) hasta The Horsemen (1971)". [171]
Frankenheimer se hizo amigo cercano del senador Robert F. Kennedy durante la realización de The Manchurian Candidate en 1962. En 1968, Kennedy le pidió a Frankenheimer que hiciera algunos comerciales para usarlos en la campaña presidencial, en la que esperaba convertirse en el candidato demócrata . La noche de su asesinato, en junio de 1968, fue Frankenheimer quien llevó a Kennedy desde el aeropuerto de Los Ángeles hasta el hotel Ambassador para su discurso de aceptación. [6] [172]
The Gypsy Moths era un drama romántico sobre un grupo de paracaidistas arrasadores y su impacto en una pequeña ciudad del medio oeste. La celebración de Americana fue protagonizada por el habitual Lancaster de Frankenheimer, reuniéndolo con sucoprotagonista de From Here to Eternity, Deborah Kerr , y también contó con Gene Hackman . La película no logró encontrar público, pero Frankenheimer afirmó que era una de sus favoritas. [173]
Frankenheimer siguió esto con I Walk the Line en 1970. La película, protagonizada por Gregory Peck y Tuesday Weld , sobre un sheriff de Tennessee que se enamora de la hija de un licor ilegal , tenía canciones de Johnny Cash . El siguiente proyecto de Frankenheimer lo llevó a Afganistán. The Horseman se centró en la relación entre un padre y un hijo, interpretados por Jack Palance y Omar Sharif . El personaje de Sharif, un experto jinete, practicaba el deporte nacional afgano del buzkashi .
Objeto Imposible , también conocida como Historia de una Historia de Amor , sufrió dificultades de distribución y no fue ampliamente difundida. Luego vino una película de cuatro horas de The Iceman Cometh de O'Neill , en 1973, protagonizada por Lee Marvin , y la decididamente poco convencional 99 y 44/100% Dead , una comedia negra criminal protagonizada por Richard Harris .
Con su fluido francés y su conocimiento de la cultura francesa , se le pidió a Frankenheimer que dirigiera French Connection II , ambientada íntegramente en Marsella . Con Hackman retomando su papel del policía de Nueva York Popeye Doyle, la película fue un éxito y le consiguió a Frankenheimer su siguiente trabajo. Black Sunday , basada en la única novela del autor Thomas Harris que no es Hannibal Lecter hasta ese momento, involucra a un agente israelí del Mossad ( Robert Shaw ) que persigue a una terrorista pro-palestina ( Marthe Keller ) y a un veterano de Vietnam afectado por el trastorno de estrés postraumático ( Bruce Dern) . ), que planean un espectacular asesinato en masa que involucra al dirigible Goodyear que sobrevuela el Super Bowl . Se rodó en el lugar del Super Bowl X real en enero de 1976 en Miami, con el uso de un dirigible Goodyear real. [172] La película tuvo muy buenas pruebas, y Paramount y Frankenheimer tenían grandes expectativas, pero no fue un éxito (paramount culpó del fracaso al trabajo de efectos especiales en el clímax, y Universal Studios estrenó el thriller de temática similar Two- Aviso Minuto sólo seis meses antes).
En 1977, Carter DeHaven contrató a Frankenheimer para dirigir el guión de William Sackheim y Michael Kozoll para First Blood . Después de considerar a Michael Douglas , Powers Boothe y Nick Nolte para el papel de John Rambo, Frankenheimer eligió a Brad Davis . También eligió a George C. Scott como el coronel Trautman . Sin embargo, la producción fue abandonada después de que Orion Pictures adquiriera su distribuidora Filmways , y el guión de Sackheim y Kozoll sería reescrito por Sylvester Stallone como base para la película de 1982 de Ted Kotcheff . [174] [175]
En la biografía de Champlin se cita a Frankenheimer diciendo que su problema con el alcohol le llevó a realizar un trabajo que estaba por debajo de sus propios estándares en Prophecy (1979), una película de monstruos ecológicos sobre un oso grizzly mutante que aterroriza un bosque en Maine.
En 1981, Frankenheimer viajó a Japón para rodar la película de culto de acción y artes marciales The Challenge , con Scott Glenn y el actor japonés Toshiro Mifune . Le dijo a Champlin que su consumo de alcohol se volvió tan severo durante el rodaje en Japón que de hecho bebió en el set, algo que nunca había hecho antes, y como resultado ingresó a rehabilitación al regresar a Estados Unidos. La película se estrenó en 1982, junto con su adaptación televisiva de HBO de la aclamada obra The Rainmaker .
En 1985, Frankenheimer dirigió una adaptación del bestseller de Robert Ludlum The Holcroft Covenant , protagonizada por Michael Caine . A esto le siguió al año siguiente otra adaptación, 52 Pick-Up , de la novela de Elmore Leonard . Dead Bang (1989) siguió a Don Johnson mientras se infiltraba en un grupo de supremacistas blancos . En 1990, regresó al género del thriller político de la Guerra Fría con La Cuarta Guerra, con Roy Scheider (con quien Frankenheimer había trabajado anteriormente en 52 Pick-Up ) como un coronel del ejército que se ve envuelto en una peligrosa guerra personal con un oficial soviético. No fue un éxito comercial.
La mayoría de sus películas de la década de 1980 no tuvieron mucho éxito, ni crítica ni financieramente, pero Frankenheimer pudo regresar en la década de 1990 al regresar a sus raíces en la televisión. Dirigió dos películas para HBO en 1994: Against the Wall y The Burning Season , que le valieron varios premios y un renovado reconocimiento. El director también dirigió dos películas para Turner Network Television , Andersonville (1996) y George Wallace (1997), que fueron muy elogiadas.
La película de Frankenheimer de 1996 La isla del Doctor Moreau , que asumió después del despido del director original Richard Stanley , fue la causa de innumerables historias de problemas de producción y choques de personalidad y recibió críticas mordaces. Se decía que Frankenheimer no podía soportar a Val Kilmer , el joven coprotagonista de la película y cuya interrupción supuestamente había llevado a la destitución de Stanley a media semana de comenzar la producción. [176] [177] Cuando se completó la última escena de Kilmer, Frankenheimer supuestamente dijo: "Ahora saca a ese bastardo de mi set". También afirmó: "Hay dos cosas que nunca haré en toda mi vida: nunca escalaré el Monte Everest y nunca volveré a trabajar con Val Kilmer". El veterano director también profesó que "Will Rogers nunca conoció a Val Kilmer". En una entrevista, Frankenheimer se negó a hablar sobre la película y solo dijo que pasó momentos miserables al realizarla.
Sin embargo, su siguiente película, Ronin de 1998 , protagonizada por Robert De Niro , fue un regreso a la forma, presentando las elaboradas persecuciones de autos ahora características de Frankenheimer entretejidas en una trama laberíntica de espionaje. Coprotagonizada por un elenco internacional que incluía a Jean Reno y Jonathan Pryce , fue un éxito de crítica y taquilla. Cuando la década de 1990 llegó a su fin, incluso tuvo un raro papel actoral, apareciendo en un cameo como un general estadounidense en The General's Daughter (1999). Anteriormente tuvo un cameo no acreditado como director de televisión en su película Black Sunday de 1977 .
La última película teatral de Frankenheimer, Reindeer Games de 2000 , protagonizada por Ben Affleck , tuvo un rendimiento inferior. En 2001, trabajó en el cortometraje de acción de BMW Ambush para la serie promocional The Hire , protagonizada por Clive Owen . La última película de Frankenheimer, Path to War (2002) para HBO , fue nominada a numerosos premios. Una mirada retrospectiva a la guerra de Vietnam , protagonizada por Michael Gambon como el presidente Lyndon Johnson junto con Alec Baldwin y Donald Sutherland .
Frankenheimer estaba programado para dirigir Exorcist: The Beginning , pero antes de que comenzara la filmación se anunció que se retiraría, citando problemas de salud. Paul Schrader lo reemplazó. Aproximadamente un mes después, murió repentinamente en Los Ángeles, California, a causa de un derrame cerebral debido a complicaciones posteriores a una cirugía de columna a la edad de 72 años.
Frankenheimer nació en una familia políticamente conservadora y asistió a una academia militar católica. Se desempeñó como oficial subalterno en la Fuerza Aérea de EE. UU. durante la Guerra de Corea . En su juventud, consideró brevemente ingresar al sacerdocio. [178]
Llegó a la mayoría de edad durante el apogeo de las investigaciones del Terror Rojo y del Comité de Actividades Anticomunistas de la Cámara Anticomunista a principios de la década de 1950, un período en el que los estudios de Hollywood pusieron en la lista negra a cineastas y guionistas de izquierda. Las primeras sensibilidades políticas liberales de Frankenheimer se manifestaron por primera vez en disputas con su padre conservador, un corredor de bolsa:
Cuando estaba en la escuela secundaria, comencé a estar en desacuerdo mucho con mi padre en política, porque él era realmente muy conservador. Él realmente quería el status quo y yo no quería el status quo. Toda la cuestión racial realmente me molestó mucho. Vengo de Nueva York y una de mis primeras novias fue una bailarina afroamericana. Y esto causó una especie de furor dentro de mi familia. [179]
La “sensibilidad liberal” de Frankenheimer surgió profesionalmente cuando comenzó su aprendizaje en la temprana industria de la televisión: [180]
Cuando entré en la televisión en vivo [en 1952], estaba todo el asunto de McCarthy; no te puedes imaginar lo terrible que fue. Eso realmente me impulsó a entrar en la arena política. Y, por supuesto, en la televisión en vivo era muy difícil hacer cosas políticas porque estaba la lista negra. Se podría hacer cualquier cosa psicológica, pero nada sociológico. [181]
El crítico de cine David Walsh señala que “cualquier medio que surgiera como propiedad con fines de lucro de grandes corporaciones estadounidenses y bajo el estrecho escrutinio de las autoridades estadounidenses en medio de la Guerra Fría, con su anticomunismo, conformismo y clima intelectual generalmente estancado, sería inevitablemente ser deformado por esos procesos... Frankenheimer trabajó y aparentemente prosperó dentro de este marco artístico e ideológico general”. [24]
En una entrevista de 1998 con el crítico de cine Alex Simon, Frankenheimer recordó que su primer contacto con la política de la familia Kennedy se produjo durante las campañas presidenciales de 1960:
Probablemente era el director de televisión más conocido. Y me pidieron que hiciera algún trabajo para John Kennedy. Y no sé... tenía 30 años. Estaba pasando por un divorcio [con mi esposa Carolyn Miller] y simplemente no quería lidiar con eso, así que dije que no. [181]
A la luz del asesinato de Kennedy en noviembre de 1963, Frankenheimer se lamentó: "Luego lo mataron y siempre me sentí culpable por no haber hecho ese trabajo para él desde el principio". [181]
Durante el rodaje de The Manchurian Candidate (1962), Frankenheimer informa que él y el productor y guionista George Axelrod estaban ansiosos de que la administración Kennedy pudiera oponerse al complot, que representa gráficamente un intento de asesinato de un candidato presidencial liberal por parte de una conspiración de derecha. . Cuando enviaron al miembro del reparto Frank Sinatra , amigo personal de Kennedy, para sondear su reacción ante la película, Kennedy (que había leído la novela de Richard Condon ) respondió con entusiasmo: "Me encanta El candidato de Manchuria . ¿Quién va a interpretar a la madre? " [182] [183]
“...No existe un hombre apolítico. Tienes que tomar una postura en la vida. Quedé muy impresionado y devoto del senador Robert Kennedy. Creo en lo que él representaba... Organicé, supervisé y dirigí todas sus apariciones en películas para televisión. A eso me dediqué de lleno...su muerte fue una pérdida irreemplazable...Creo que él representaba todo lo bueno de este país. Y ha habido un vacío terrible desde que lo mataron”. - John Frankenheimer en El cine de John Frankenheimer (1969) de Gerald Pratley [184]
Cuando Frankenheimer comenzó la preproducción de su thriller político Siete días en mayo (1964) en el verano de 1963, se acercó al secretario de prensa de Kennedy, Pierre Salinger , para organizar la filmación de un segmento en las cercanías de la Casa Blanca . La historia trata sobre un golpe político organizado por un presidente fascista del Estado Mayor Conjunto (interpretado por Burt Lancaster ) para deponer al presidente liberal (interpretado por Fredric March ) e instalar una dictadura militar. Kennedy aprobó la fotografía y acomodó a Frankenheimer retirándose a su casa en Hyannisport durante el fin de semana durante el rodaje de la Casa Blanca. [185] [186]
En cuanto a si Frankenheimer conoció a Kennedy, el director ofreció versiones contradictorias. Al biógrafo Gerald Pratley en 1968, Frankenheimer le dijo: "Nunca tuve el placer de conocer [a JFK] personalmente", pero señaló que Kennedy había apoyado plenamente la producción de Siete días en mayo . En 1998, durante una entrevista con el crítico de cine Alex Simon, Frankenheimer recordó que Kennedy supuestamente le dijo a Salinger: "si es John Frankenheimer [que dirige Siete días en mayo ], quiero conocerlo". Frankenheimer añade: “Así que lo conocí y asistí con él a una conferencia de prensa. Fue maravilloso conmigo”. [187] [188]
Frankenheimer consideró el asesinato de Kennedy como una profunda calamidad para Estados Unidos: "Creo que perdimos nuestra inocencia como país con la muerte de John F. Kennedy". [189]
Los críticos de cine Joanne Laurier y David Walsh observan que “el asesinato de Kennedy marcó un punto de inflexión histórico. Uno de sus objetivos, que finalmente logró, fue virar las políticas del gobierno estadounidense hacia la derecha e intimidar a la oposición política”. [90]
El vínculo más significativo de Frankenheimer con los Kennedy fue su relación política y personal con el senador Robert F. Kennedy , a quien rápidamente comprometió sus servicios durante la campaña presidencial de 1968: “Cuando [Robert Kennedy] declaró su candidatura en el 68, inmediatamente llamé [ director de campaña] Pierre Salinger y dijo 'Pierre, quiero ser parte de esto'". [190] [191]
Frankenheimer informa que filmó las apariciones de campaña de Robert Kennedy y entrenó al senador para mejorar su personalidad política, brindando este apoyo a Kennedy durante tres meses en la primavera de 1968. [192]
Frankenheimer quedó devastado por el asesinato de RFK en junio de 1968, debido en parte a su proximidad al evento. Kennedy pasó la noche antes de las primarias de California en la casa de Frankenheimer en Malibú. Primero tenía previsto acompañar a Kennedy a través del Hotel Ambassador después del discurso de victoria del candidato en las primarias de California. Los primeros informes noticiosos mencionaron a Frankenheimer como uno de los heridos en el séquito de Kennedy. Frankenheimer y su esposa Evans Evans estaban esperando en una entrada lateral del Hotel Ambassador para recoger a Kennedy cuando salió de la conferencia de prensa y llevarlo a su casa. Según Frankenheimer, presenciaron cómo la policía sacaba de las instalaciones a Sirhan Sirhan , más tarde condenado por el tiroteo, y luego descubrieron que Kennedy había sido herido de muerte. [193]
Traumatizado por el acontecimiento, Frankenheimer se retiró de la política y, tras completar Las polillas gitanas (1969), se trasladó a Francia para estudiar artes culinarias. Recordó en 1998: “Sí. Logré terminar una película, The Gypsy Moths , pero pensé: '¿Cuál es el punto? ¿Qué importa realmente todo esto? Quiero decir, cuando eres parte de algo así y de repente te lo quitan con una sola bala [chasquea los dedos]. Realmente te hace hacer un balance de lo que es importante... Fue entonces cuando fui a Francia, y fue entonces cuando fui a Le Cordon Bleu , porque tenía que hacer otra cosa con mi vida, y realmente no podía acercarme a la política. durante mucho tiempo después de eso”. [194] Walsh comenta:
Las preocupaciones sociales de Frankenheimer desaparecieron en gran medida de su trabajo durante las siguientes dos décadas. Se identificó cada vez más como un "director de acción" con obras competentes y poco inspiradas como French Connection II (1975) y Black Sunday (1977). El primero es memorable principalmente por el tono de violencia, incluso violencia sádica, que aparece en la obra de Frankenheimer. Esto alcanzó un punto culminante en la espeluznante e inútil 52 Pick-Up (1986) y perduró en el trabajo de Frankenheimer hasta sus últimos largometrajes, incluidos Ronin (1998) y Reindeer Games (2000). [195]
La colección de imágenes en movimiento de John Frankenheimer se conserva en el Academy Film Archive. [196]
Series de TV
Televisión y peliculas
Premios de cine de la Academia Británica
Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York
Frankenheimer también fue miembro del Salón de la Fama de la Televisión y fue incluido en 2002. [197]