Akira Kurosawa [nota 1] (黒澤 明 o 黒沢 明, Kurosawa Akira , 23 de marzo de 1910 - 6 de septiembre de 1998) fue un cineasta japonés que dirigió 30 películas en una carrera que abarcó más de cinco décadas. Es ampliamente considerado como uno de los cineastas más grandes e influyentes de la historia del cine . Kurosawa mostró un estilo audaz y dinámico , fuertemente influenciado por el cine occidental pero distinto de él; estuvo involucrado en todos los aspectos de la producción cinematográfica .
Kurosawa entró en la industria cinematográfica japonesa en 1936, tras una breve etapa como pintor. Tras años trabajando en numerosas películas como ayudante de dirección y guionista, debutó como director durante la Segunda Guerra Mundial con la popular película de acción Sanshiro Sugata (1943). Después de la guerra, la aclamada película Drunken Angel (1948), en la que Kurosawa eligió al entonces poco conocido actor Toshiro Mifune para un papel protagonista, consolidó la reputación del director como uno de los cineastas jóvenes más importantes de Japón. Los dos continuarían colaborando en otras quince películas.
Rashomon (1950), que se estrenó en Tokio, se convirtió en la sorprendente ganadora del León de Oro en el Festival de Cine de Venecia de 1951. El éxito comercial y crítico de esa película abrió los mercados cinematográficos occidentales por primera vez a los productos de la industria cinematográfica japonesa, lo que a su vez condujo al reconocimiento internacional de otros cineastas japoneses. Kurosawa dirigió aproximadamente una película por año a lo largo de la década de 1950 y principios de la de 1960, incluidas varias películas muy valoradas (y a menudo adaptadas), entre ellas Ikiru (1952), Los siete samuráis (1954), Trono de sangre (1957), La fortaleza oculta (1958), Yojimbo (1961), High and Low (1963) y Barba roja (1965). Después de la década de 1960 se volvió mucho menos prolífico; aun así, su trabajo posterior, incluidas dos de sus últimas películas, Kagemusha (1980) y Ran (1985), continuó recibiendo gran aclamación.
En 1990, recibió el premio Oscar a la trayectoria . A título póstumo, fue nombrado " asiático del siglo " en la categoría "Arte, literatura y cultura" por la revista AsianWeek y CNN , y fue citado allí como una de las cinco personas que más contribuyeron a la mejora de Asia en el siglo XX. Su carrera ha sido honrada con numerosas retrospectivas, estudios críticos y biografías tanto impresas como en vídeo, y con lanzamientos en muchos medios de consumo.
Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910, [2] en Ōimachi en el distrito Ōmori de Tokio. Su padre Isamu (1864-1948), miembro de una familia de samuráis de la prefectura de Akita , trabajó como director de la escuela secundaria inferior del Instituto de Educación Física del Ejército , mientras que su madre Shima (1870-1952) provenía de una familia de comerciantes que vivía en Osaka . [3] Akira era el octavo y más joven de los hijos de la familia moderadamente rica, con dos de sus hermanos ya adultos en el momento de su nacimiento y uno fallecido, dejando a Kurosawa para crecer con tres hermanas y un hermano. [3] [4]
Además de promover el ejercicio físico, Isamu Kurosawa estaba abierto a las tradiciones occidentales y consideraba que el teatro y las películas tenían un valor educativo. Animaba a sus hijos a ver películas; el joven Akira vio sus primeras películas a los seis años. [5] Una importante influencia formativa fue su maestro de escuela primaria , el Sr. Tachikawa, cuyas prácticas educativas progresistas despertaron en su joven alumno primero el amor por el dibujo y luego el interés por la educación en general. [6] Durante esta época, Akira también estudió caligrafía y esgrima de kendo . [7]
Otra influencia importante de la infancia de Akira fue Heigo Kurosawa (1906-1933), hermano cuatro años mayor de Akira. Tras el Gran terremoto de Kantō y la posterior Masacre de Kantō de 1923, Heigo llevó a Akira, de trece años, a ver la devastación. Cuando Akira quiso apartar la vista de los cadáveres de humanos y animales esparcidos por todas partes, Heigo se lo prohibió, alentándolo en cambio a enfrentarse a sus miedos enfrentándolos directamente. Algunos comentaristas han sugerido que este incidente influiría en la carrera artística posterior de Kurosawa, ya que el director rara vez dudaba en enfrentarse a verdades desagradables en su trabajo. [8] [9]
Heigo tenía un gran talento académico, pero poco después de no conseguir un lugar en la escuela secundaria más importante de Tokio , comenzó a distanciarse del resto de la familia, prefiriendo concentrarse en su interés por la literatura extranjera. [4] A fines de la década de 1920, Heigo se convirtió en benshi (narrador de películas mudas) para los teatros de Tokio que mostraban películas extranjeras y rápidamente se hizo un nombre. Akira, que en ese momento planeaba convertirse en pintor, [10] se mudó con él y los dos hermanos se volvieron inseparables. [11] Con la guía de Heigo, Akira devoró no solo películas, sino también espectáculos de teatro y circo, [12] mientras exhibía sus pinturas y trabajaba para la Liga de Artistas Proletarios de izquierda. Sin embargo, nunca pudo ganarse la vida con su arte y, como comenzó a percibir a la mayor parte del movimiento proletario como "poner ideales políticos incumplidos directamente en el lienzo", perdió su entusiasmo por la pintura. [13]
Con la creciente producción de películas sonoras a principios de los años 30, los narradores cinematográficos como Heigo comenzaron a perder su trabajo y Akira se mudó de nuevo a casa de sus padres. En julio de 1933, Heigo se suicidó. Kurosawa ha comentado sobre la sensación duradera de pérdida que sintió con la muerte de su hermano [14] y el capítulo de Something Like an Autobiography que lo describe, escrito casi medio siglo después del evento, se titula "Una historia que no quiero contar". [15] Solo cuatro meses después, el hermano mayor de Kurosawa también murió, dejando a Akira, a los 23 años, como el único de los hermanos Kurosawa que aún vivía, junto con sus tres hermanas supervivientes. [11] [15]
En 1935, el nuevo estudio cinematográfico Photo Chemical Laboratories, conocido como PCL (que más tarde se convertiría en el importante estudio Toho ), anunció la contratación de ayudantes de dirección. Aunque no había demostrado ningún interés previo en el cine como profesión, Kurosawa presentó el ensayo requerido, en el que se pedía a los solicitantes que discutieran las deficiencias fundamentales de las películas japonesas y encontraran formas de superarlas. Su punto de vista medio burlón era que si las deficiencias eran fundamentales, no había forma de corregirlas. El ensayo de Kurosawa le valió una convocatoria para realizar los exámenes de seguimiento, y el director Kajirō Yamamoto , que estaba entre los examinadores, se encariñó con Kurosawa e insistió en que el estudio lo contratara. Kurosawa, de 25 años, se unió a PCL en febrero de 1936. [16] [17]
Durante sus cinco años como asistente de dirección, Kurosawa trabajó con numerosos directores, pero la figura más importante en su desarrollo fue Yamamoto. De sus 24 películas como asistente de dirección , trabajó en 17 bajo la dirección de Yamamoto, muchas de ellas comedias protagonizadas por el popular actor Ken'ichi Enomoto , conocido como "Enoken". [18] Yamamoto alimentó el talento de Kurosawa, promoviéndolo directamente de tercer asistente de dirección a asistente de dirección principal después de un año. [19] Las responsabilidades de Kurosawa aumentaron y trabajó en tareas que iban desde la construcción del escenario y el desarrollo de la película hasta la búsqueda de locaciones, el pulido del guión, los ensayos, la iluminación, el doblaje, la edición y la dirección de segunda unidad. [20] En la última de las películas de Kurosawa como asistente de dirección de Yamamoto, Horse (1941), Kurosawa se hizo cargo de la mayor parte de la producción, ya que su mentor estaba ocupado con el rodaje de otra película. [21]
Yamamoto le aconsejó a Kurosawa que un buen director necesitaba dominar la escritura de guiones. [22] Kurosawa pronto se dio cuenta de que las ganancias potenciales de sus guiones eran mucho más altas que lo que le pagaban como asistente de dirección. [23] Más tarde escribió o coescribió todas sus películas, y con frecuencia escribió guiones para otros directores, como la película de Satsuo Yamamoto , El triunfo de las alas ( Tsubasa no gaika , 1942). Esta escritura de guiones externa le serviría a Kurosawa como un negocio secundario lucrativo que duraría hasta bien entrada la década de 1960, mucho después de que se hiciera famoso. [24] [25]
En los dos años posteriores al estreno de Horse en 1941, Kurosawa buscó una historia que pudiera usar para lanzar su carrera como director. Hacia fines de 1942, aproximadamente un año después del ataque japonés a Pearl Harbor , el novelista Tsuneo Tomita publicó su novela de judo inspirada en Musashi Miyamoto , Sanshiro Sugata , cuyos anuncios intrigaron a Kurosawa. Compró el libro el día de su publicación, lo devoró de una sentada e inmediatamente le pidió a Toho que asegurara los derechos cinematográficos. El instinto inicial de Kurosawa resultó correcto ya que, en pocos días, otros tres grandes estudios japoneses también se ofrecieron a comprar los derechos. Toho prevaleció y Kurosawa comenzó la preproducción de su trabajo debut como director. [26] [27]
El rodaje de Sanshiro Sugata comenzó en Yokohama en diciembre de 1942. La producción se desarrolló sin problemas, pero conseguir que la censura aprobara la película completa fue un asunto completamente diferente. La oficina de censura consideró que la obra era objetablemente "británica-estadounidense" según los estándares del Japón en tiempos de guerra, y fue solo gracias a la intervención del director Yasujirō Ozu , que defendió la película, que Sanshiro Sugata fue finalmente aceptada para su estreno el 25 de marzo de 1943 (Kurosawa acababa de cumplir 33 años). La película se convirtió en un éxito tanto de crítica como comercial. Sin embargo, la oficina de censura más tarde decidiría cortar unos 18 minutos de metraje, gran parte de los cuales ahora se consideran perdidos. [28] [29]
A continuación, abordó el tema de las trabajadoras de fábricas en tiempos de guerra en The Most Beautiful , una película de propaganda que filmó en un estilo semidocumental a principios de 1944. Para obtener actuaciones realistas de sus actrices, el director las hizo vivir en una fábrica real durante el rodaje, comer la comida de la fábrica y llamarse entre sí por los nombres de sus personajes. Utilizaría métodos similares con sus intérpretes a lo largo de su carrera. [30] [31]
Durante la producción, la actriz que interpretaba a la líder de los trabajadores de la fábrica, Yōko Yaguchi , fue elegida por sus colegas para presentar sus demandas al director. Ella y Kurosawa estaban constantemente en desacuerdo, y fue a través de estas discusiones que paradójicamente los dos se volvieron cercanos. Se casaron el 21 de mayo de 1945, con Yaguchi embarazada de dos meses (nunca reanudó su carrera como actriz), y la pareja permanecería junta hasta su muerte en 1985. [32] [33] Tuvieron dos hijos, ambos sobrevivientes de Kurosawa a partir de 2018 [actualizar]: un hijo, Hisao, nacido el 20 de diciembre de 1945, que se desempeñó como productor en algunos de los últimos proyectos de su padre, y Kazuko , una hija, nacida el 29 de abril de 1954, que se convirtió en diseñadora de vestuario. [34]
Poco antes de casarse, Kurosawa fue presionado por el estudio contra su voluntad para dirigir una secuela de su primera película. La película Sanshiro Sugata Parte II , a menudo abiertamente propagandística y que se estrenó en mayo de 1945, se considera generalmente una de sus películas más flojas. [35] [36] [37]
Kurosawa decidió escribir el guion de una película que fuera a la vez fácil de censurar y menos costosa de producir. The Men Who Tread on the Tiger's Tail , basada en la obra de Kabuki Kanjinchō y protagonizada por el comediante Enoken, con quien Kurosawa había trabajado a menudo durante sus días de asistente de dirección, se completó en septiembre de 1945. Para entonces, Japón se había rendido y la ocupación de Japón había comenzado. Los nuevos censores estadounidenses interpretaron los valores supuestamente promovidos en la película como demasiado "feudales" y prohibieron la obra. No se estrenó hasta 1952, el año en que también se estrenó otra película de Kurosawa, Ikiru . Irónicamente, mientras estaba en producción, la película ya había sido duramente criticada por los censores japoneses en tiempos de guerra por ser demasiado occidental y "democrática" (en particular, les disgustaba el portero cómico interpretado por Enoken), por lo que la película probablemente no habría visto la luz del día incluso si la guerra hubiera continuado más allá de su finalización. [38] [39]
Después de la guerra, Kurosawa, influenciado por los ideales democráticos de la Ocupación, buscó hacer películas que establecieran un nuevo respeto hacia el individuo y el yo [ cita requerida ] . La primera película de este tipo, No Regrets for Our Youth (1946), inspirada tanto en el incidente de Takigawa de 1933 como en el caso de espionaje en tiempos de guerra de Hotsumi Ozaki , criticó el régimen de preguerra de Japón por su opresión política. [ nota 2 ] Atípicamente para el director, el personaje central heroico es una mujer, Yukie ( Setsuko Hara ), quien, nacida en el privilegio de la clase media alta, llega a cuestionar sus valores en una época de crisis política. El guion original tuvo que ser reescrito en gran medida y, debido a su tema controvertido y el género de su protagonista, la obra terminada dividió a los críticos. Sin embargo, logró ganar la aprobación del público, que convirtió las variaciones del título de la película en un eslogan de posguerra . [ 41 ]
Su siguiente película, One Wonderful Sunday , se estrenó en julio de 1947 con críticas mixtas. Es una historia de amor relativamente sencilla y sentimental que trata sobre una pareja de posguerra empobrecida que intenta disfrutar, dentro de la devastación del Tokio de posguerra, de su único día libre semanal. La película tiene la influencia de Frank Capra , D. W. Griffith y F. W. Murnau , cada uno de los cuales estaba entre los directores favoritos de Kurosawa. [42] [43] Otra película estrenada en 1947 con la participación de Kurosawa fue el thriller de acción y aventuras, Snow Trail , dirigida por Senkichi Taniguchi a partir del guion de Kurosawa. Marcó el debut del joven e intenso actor Toshiro Mifune . Fue Kurosawa quien, con su mentor Yamamoto, había intervenido para persuadir a Toho de que contratara a Mifune, durante una audición en la que el joven impresionó mucho a Kurosawa, pero logró alienar a la mayoría de los otros jueces. [44]
Drunken Angel es considerada a menudo como el primer trabajo importante del director. [45] Aunque el guion, como todos los trabajos de Kurosawa de la era de la ocupación, tuvo que pasar por reescrituras debido a la censura estadounidense, Kurosawa sintió que esta era la primera película en la que podía expresarse libremente. Una cruda historia de un médico que intenta salvar a un gánster ( yakuza ) con tuberculosis , también fue la primera vez que Kurosawa dirigió a Mifune, quien pasó a desempeñar papeles importantes en todas menos una de las siguientes 16 películas del director (la excepción fue Ikiru ). Si bien Mifune no fue elegido como protagonista en Drunken Angel , su actuación explosiva como el gánster domina tanto el drama que desvió el enfoque del personaje principal, el médico alcohólico interpretado por Takashi Shimura , que ya había aparecido en varias películas de Kurosawa. Sin embargo, Kurosawa no quería sofocar la inmensa vitalidad del joven actor, y el carácter rebelde de Mifune electrizó al público de la misma manera que la postura desafiante de Marlon Brando sorprendería al público cinematográfico estadounidense unos años más tarde. [46] La película se estrenó en Tokio en abril de 1948 con excelentes críticas y fue elegida por la prestigiosa encuesta de críticos Kinema Junpo como la mejor película de su año, la primera de las tres películas de Kurosawa en recibir ese honor. [47] [48] [49] [50]
Tras la finalización de El ángel borracho , Toho se vio envuelto en una huelga laboral que duró meses , en la que el sindicato de Toho ocupó las instalaciones del estudio. Cuando la dirección de Toho dejó de pagar los salarios de los trabajadores, Kurosawa formó una compañía de actuación itinerante para recaudar fondos, dirigiendo La proposición de Antón Chéjov y una adaptación de El ángel borracho protagonizada por Mifune y Shimura. [51] Desilusionado por la división y la violencia entre los empleados de Toho, las tácticas deshonestas de la dirección de Toho y la ruptura de la ocupación por parte de la policía y el enfrentamiento militar , Kurosawa dejó Toho, recordando más tarde: "Había llegado a comprender que el estudio que había pensado que era mi hogar en realidad pertenecía a extraños". [52]
Kurosawa, junto con el productor Sōjirō Motoki y sus colegas directores y amigos Kajirō Yamamoto, Mikio Naruse y Senkichi Taniguchi, formaron una nueva unidad de producción independiente llamada Asociación de Arte Cinematográfico (Eiga Geijutsu Kyōkai). Para el trabajo debut de esta organización y la primera película para los estudios Daiei , Kurosawa recurrió a una obra contemporánea de Kazuo Kikuta y, junto con Taniguchi, la adaptó para la gran pantalla. The Quiet Duel fue protagonizada por Toshiro Mifune como un joven médico idealista que lucha contra la sífilis , un intento deliberado de Kurosawa de alejar al actor de ser encasillado como gánster. Estrenada en marzo de 1949, fue un éxito de taquilla, pero generalmente se considera uno de los logros menores del director. [53] [54] [55] [56]
Su segunda película de 1949, también producida por Film Art Association y estrenada por Shintoho , fue Stray Dog . Es una película de detectives (quizás la primera película japonesa importante de ese género) [57] que explora el estado de ánimo de Japón durante su dolorosa recuperación de posguerra a través de la historia de un joven detective, interpretado por Mifune, y su fijación en la recuperación de su pistola, que fue robada por un veterano de guerra sin dinero que procede a usarla para robar y asesinar. Adaptada de una novela inédita de Kurosawa al estilo de un escritor favorito suyo, Georges Simenon , fue la primera colaboración del director con el guionista Ryuzo Kikushima , quien más tarde ayudaría a escribir el guión de otras ocho películas de Kurosawa. Una famosa secuencia, prácticamente sin palabras, que dura más de ocho minutos, muestra al detective, disfrazado de veterano empobrecido, vagando por las calles en busca del ladrón de armas; Empleó imágenes documentales reales de los barrios de Tokio devastados por la guerra filmadas por el amigo de Kurosawa, Ishirō Honda , el futuro director de Godzilla . [58] [59] [60] La película se considera un precursor de los géneros contemporáneos de películas de procedimientos policiales y de policías amigos . [61]
Scandal , estrenada por Shochiku en abril de 1950, se inspiró en las experiencias personales del director con el periodismo amarillista japonés y su enojo hacia él . La obra es una ambiciosa mezcla de drama judicial y película de problemas sociales sobre la libertad de expresión y la responsabilidad personal, pero incluso Kurosawa consideró que el producto final era dramáticamente desenfocado e insatisfactorio, y casi todos los críticos están de acuerdo. [62] Sin embargo, sería la segunda película de Kurosawa de 1950 la que finalmente le haría ganar a él y al cine japonés una audiencia internacional completamente nueva.
Después de terminar Scandal , los estudios Daiei se acercaron a Kurosawa para hacer otra película para ellos. Kurosawa eligió un guion de un joven aspirante a guionista, Shinobu Hashimoto , quien eventualmente trabajaría en nueve de sus películas. Su primer trabajo conjunto se basó en el cuento experimental de Ryūnosuke Akutagawa " In a Grove ", que relata el asesinato de un samurái y la violación de su esposa desde varios puntos de vista diferentes y conflictivos. Kurosawa vio potencial en el guion y, con la ayuda de Hashimoto, lo pulió y amplió y luego se lo presentó a Daiei, quienes estuvieron felices de aceptar el proyecto debido a su bajo presupuesto. [63]
El rodaje de Rashomon comenzó el 7 de julio de 1950 y, tras un extenso trabajo de localización en el bosque primigenio de Nara , finalizó el 17 de agosto. Sólo se dedicó una semana a una apresurada posproducción, obstaculizada por un incendio en el estudio, y la película terminada se estrenó en el Teatro Imperial de Tokio el 25 de agosto, expandiéndose a nivel nacional al día siguiente. La película fue recibida con críticas tibias, con muchos críticos desconcertados por su temática y tratamiento únicos, pero sin embargo fue un éxito financiero moderado para Daiei. [64] [65] [66]
La siguiente película de Kurosawa, para Shochiku, fue El idiota , una adaptación de la novela del escritor favorito del director, Fiódor Dostoyevski . La historia se traslada de Rusia a Hokkaido , pero por lo demás se adhiere estrechamente al original, un hecho visto por muchos críticos como perjudicial para la obra. Una edición ordenada por el estudio la acortó del corte original de Kurosawa de 265 minutos a solo 166 minutos, lo que hizo que la narrativa resultante fuera extremadamente difícil de seguir. La versión cinematográfica severamente editada es ampliamente considerada como uno de los trabajos menos exitosos del director y la versión original de larga duración ya no existe. Las críticas contemporáneas de la versión editada mucho más acortada fueron muy negativas, pero la película fue un éxito moderado en la taquilla, en gran parte debido a la popularidad de una de sus estrellas, Setsuko Hara. [67] [68] [69] [70]
Mientras tanto, sin que Kurosawa lo supiera, Rashomon había sido presentada en el Festival de Cine de Venecia , debido a los esfuerzos de Giuliana Stramigioli , una representante de una compañía cinematográfica italiana con sede en Japón, que había visto y admirado la película y convenció a Daiei para que la presentara. El 10 de septiembre de 1951, Rashomon recibió el premio más importante del festival, el León de Oro , lo que sorprendió no solo a Daiei sino al mundo cinematográfico internacional, que en ese momento desconocía en gran medida la tradición cinematográfica japonesa de décadas de antigüedad. [71]
Después de que Daiei exhibiera brevemente una copia subtitulada de la película en Los Ángeles, RKO compró los derechos de distribución de Rashomon en los Estados Unidos. La compañía estaba asumiendo un riesgo considerable. Solo había lanzado una película subtitulada anteriormente en el mercado estadounidense, y la única película hablada japonesa anterior lanzada comercialmente en Nueva York había sido la comedia de Mikio Naruse, Wife! Be Like a Rose!, en 1937: un fracaso de crítica y taquilla. Sin embargo, la carrera comercial de Rashomon , ayudada en gran medida por las buenas críticas de los críticos e incluso del columnista Ed Sullivan , recaudó $ 35,000 en sus primeras tres semanas en un solo cine de Nueva York, una suma casi inaudita en ese momento.
Este éxito, a su vez, condujo a una moda en Estados Unidos y Occidente por las películas japonesas durante la década de 1950, reemplazando el entusiasmo por el cine neorrealista italiano . [72] A fines de 1952, Rashomon se estrenó en Japón, Estados Unidos y la mayor parte de Europa. Entre los cineastas japoneses cuyo trabajo, como resultado, comenzó a ganar premios en festivales y lanzamientos comerciales en Occidente, se encontraban Kenji Mizoguchi ( La vida de Oharu , Ugetsu , Sansho el alguacil ) y, algo más tarde, Yasujirō Ozu ( Cuentos de Tokio , Una tarde de otoño ), artistas muy respetados en Japón pero, antes de este período, casi totalmente desconocidos en Occidente. [73] La creciente reputación de Kurosawa entre el público occidental en la década de 1950 haría que este fuera más comprensivo con la recepción de generaciones posteriores de cineastas japoneses, desde Kon Ichikawa , Masaki Kobayashi , Nagisa Oshima y Shohei Imamura hasta Juzo Itami , Takeshi Kitano y Takashi Miike .
Con su carrera impulsada por su repentina fama internacional, Kurosawa, ahora reunido con su estudio cinematográfico original, Toho (que produciría sus siguientes 11 películas), se puso a trabajar en su próximo proyecto, Ikiru . Basada en La muerte de Iván Ilich de León Tolstoi , la película está protagonizada por Takashi Shimura como un burócrata de Tokio plagado de cáncer, Watanabe, en una búsqueda final de significado antes de su muerte. [74] Para el guion, Kurosawa trajo a Hashimoto y al escritor Hideo Oguni , quien luego coescribiría doce películas de Kurosawa. A pesar del tema sombrío de la obra, los guionistas adoptaron un enfoque satírico, que algunos han comparado con el trabajo de Brecht , tanto para el mundo burocrático de su héroe como para la colonización cultural estadounidense de Japón. (Las canciones pop estadounidenses ocupan un lugar destacado en la película). Debido a esta estrategia, a los cineastas se les suele atribuir el mérito de salvar la película del tipo de sentimentalismo común en los dramas sobre personajes con enfermedades terminales. Ikiru se estrenó en octubre de 1952 con excelentes críticas (Kurosawa obtuvo su segundo premio Kinema Junpo a la "Mejor Película") y un enorme éxito de taquilla. Sigue siendo la más aclamada de todas las películas del artista ambientadas en la era moderna. [75] [76] [77]
En diciembre de 1952, Kurosawa llevó a sus guionistas de Ikiru , Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni, a una residencia aislada de cuarenta y cinco días en una posada para crear el guion de su siguiente película, Seven Samurai . El trabajo de conjunto fue la primera película de samuráis propiamente dicha de Kurosawa , el género por el que se haría más famoso. La sencilla historia, sobre un pueblo agrícola pobre en el Japón del período Sengoku que contrata a un grupo de samuráis para defenderlo contra un inminente ataque de bandidos, recibió un tratamiento épico completo, con un elenco enorme (en gran parte compuesto por veteranos de producciones anteriores de Kurosawa) y una acción meticulosamente detallada, que se extiende a casi tres horas y media de tiempo en pantalla. [78]
Se emplearon tres meses en la preproducción y un mes en ensayos. El rodaje duró 148 días repartidos en casi un año, interrumpido por problemas de producción y financiación y por los problemas de salud de Kurosawa. La película se estrenó finalmente en abril de 1954, medio año después de la fecha de estreno original y con un presupuesto tres veces superior al previsto, lo que la convirtió en la película japonesa más cara jamás realizada (sin embargo, según los estándares de Hollywood, fue una producción con un presupuesto bastante modesto, incluso para aquella época). La película recibió una reacción crítica positiva y se convirtió en un gran éxito, recuperando rápidamente el dinero invertido y proporcionando al estudio un producto que podían comercializar internacionalmente (aunque con amplias ediciones). Con el tiempo (y con los estrenos en cines y en vídeo doméstico de la versión sin cortes), su reputación ha ido creciendo de forma constante. Ahora algunos comentaristas la consideran la mejor película japonesa jamás realizada y, en 1999, una encuesta de críticos de cine japoneses también la votó como la mejor película japonesa jamás realizada. [78] [79] [80] En la versión más reciente (2022) de la encuesta "Mejores películas de todos los tiempos" de Sight & Sound del British Film Institute (BFI) , ampliamente respetada, Seven Samurai se ubicó en el puesto 20 entre todas las películas de todos los países en las encuestas de críticos y empató en el puesto 14 en las encuestas de directores, recibiendo un lugar en las listas de los diez mejores de 48 críticos y 22 directores. [81]
En 1954, las pruebas nucleares en el Pacífico estaban provocando tormentas radiactivas en Japón y un incidente particular en marzo había expuesto a un barco pesquero japonés a la lluvia radiactiva , con resultados desastrosos. Es en esta atmósfera de ansiedad que la siguiente película de Kurosawa, I Live in Fear , fue concebida. La historia trataba sobre un anciano dueño de una fábrica (Toshiro Mifune) tan aterrorizado por la perspectiva de un ataque nuclear que se decide a trasladar a toda su familia extendida (tanto legal como extramatrimonial) a lo que imagina es la seguridad de una granja en Brasil. La producción fue mucho más fluida que la película anterior del director, pero unos días antes de que terminara el rodaje, el compositor, colaborador y amigo cercano de Kurosawa, Fumio Hayasaka, murió (de tuberculosis) a la edad de 41 años. La banda sonora de la película fue terminada por el estudiante de Hayasaka, Masaru Sato , quien luego pasaría a componer las bandas sonoras de las siguientes ocho películas de Kurosawa. Vivo con miedo se estrenó en noviembre de 1955 con críticas mixtas y una reacción moderada del público, convirtiéndose en la primera película de Kurosawa que perdió dinero durante su exhibición original en cines. Hoy en día, muchos la consideran una de las mejores películas que abordan los efectos psicológicos del estancamiento nuclear mundial. [82] [83] [84]
El siguiente proyecto de Kurosawa, Throne of Blood , una adaptación de Macbeth de William Shakespeare —ambientada, como Los siete samuráis , en la era Sengoku— representó una ambiciosa transposición de la obra inglesa a un contexto japonés. Kurosawa instruyó a su actriz principal, Isuzu Yamada , para que considerara la obra como si fuera una versión cinematográfica de un clásico literario japonés en lugar de un europeo. Dado el aprecio de Kurosawa por la actuación teatral japonesa tradicional, la actuación de los actores, particularmente Yamada, se basa en gran medida en las técnicas estilizadas del teatro Noh . Se filmó en 1956 y se estrenó en enero de 1957 con una respuesta nacional ligeramente menos negativa que la que había sido el caso de la película anterior del director. En el extranjero, Throne of Blood , independientemente de las libertades que se toma con su material original, rápidamente se ganó un lugar entre las adaptaciones de Shakespeare más celebradas. [85] [86] [87] [88]
Casi inmediatamente después se produjo otra adaptación de una obra clásica de teatro europea, con la producción de The Lower Depths , basada en una obra de Maxim Gorky , que tuvo lugar en mayo y junio de 1957. En contraste con el estilo shakespeariano de Throne of Blood , The Lower Depths se filmó en solo dos sets confinados, para enfatizar la naturaleza restringida de las vidas de los personajes. Aunque fiel a la obra, esta adaptación de material ruso a un entorno completamente japonés (en este caso, el período Edo tardío ), a diferencia de su anterior The Idiot , fue considerada artísticamente exitosa. La película se estrenó en septiembre de 1957 y recibió una respuesta mixta similar a la de Throne of Blood . Sin embargo, algunos críticos la clasifican entre las obras más subestimadas del director. [89] [90] [91] [92]
Las tres películas siguientes de Kurosawa después de Los siete samuráis no habían logrado cautivar al público japonés de la manera en que lo había hecho esa película. El estado de ánimo de la obra del director se había vuelto cada vez más pesimista y oscuro incluso cuando Japón entró en un período de auge de crecimiento a gran velocidad y aumento del nivel de vida. Fuera de sintonía con el estado de ánimo predominante de la época, las películas de Kurosawa cuestionaron la posibilidad de redención a través de la responsabilidad personal, particularmente en Trono de sangre y Los bajos fondos . Reconoció esto y apuntó deliberadamente a una película más alegre y entretenida para su próxima producción mientras cambiaba al nuevo formato de pantalla ancha que había estado ganando popularidad en Japón. La película resultante, La fortaleza oculta , es una comedia dramática de acción y aventuras sobre una princesa medieval, su leal general y dos campesinos que necesitan viajar a través de las líneas enemigas para llegar a su región natal. Estrenada en diciembre de 1958, La fortaleza oculta se convirtió en un enorme éxito de taquilla en Japón y fue recibida calurosamente por los críticos tanto en Japón como en el extranjero. Hoy en día, la película se considera uno de los esfuerzos más ligeros de Kurosawa, aunque sigue siendo popular, sobre todo porque es una de las principales influencias en la ópera espacial de 1977 de George Lucas , Star Wars . [93] [94] [95] [96]
A partir de Rashomon , las producciones de Kurosawa se habían vuelto cada vez más grandes en alcance y también lo habían sido los presupuestos del director. Toho, preocupado por este desarrollo, sugirió que podría ayudar a financiar sus propias obras, lo que haría que las posibles pérdidas del estudio fueran menores, al tiempo que se permitía a su vez una mayor libertad artística como coproductor. Kurosawa estuvo de acuerdo y en abril de 1959 se estableció la Kurosawa Production Company, con Toho como accionista mayoritario. [97]
A pesar de arriesgar su propio dinero, Kurosawa eligió una historia que era más directamente crítica de las élites políticas y empresariales japonesas que cualquier trabajo anterior. The Bad Sleep Well , basada en un guion del sobrino de Kurosawa, Mike Inoue, es un drama de venganza sobre un joven que es capaz de infiltrarse en la jerarquía de una empresa japonesa corrupta con la intención de exponer a los hombres responsables de la muerte de su padre. Su tema resultó de actualidad: mientras la película estaba en producción, se llevaron a cabo las protestas masivas de Anpo contra el nuevo tratado de seguridad entre Estados Unidos y Japón , que muchos japoneses, particularmente los jóvenes, vieron como una amenaza para la democracia del país al dar demasiado poder a las corporaciones y los políticos. La película se estrenó en septiembre de 1960 con una reacción crítica positiva y un modesto éxito de taquilla. La secuencia de apertura de 25 minutos que muestra una recepción de boda corporativa es ampliamente considerada como una de las escenas más hábilmente ejecutadas de Kurosawa, pero el resto de la película a menudo se percibe como decepcionante en comparación. La película también ha sido criticada por emplear al héroe convencional de Kurosawan para combatir un mal social que no puede resolverse mediante las acciones de individuos, por valientes o astutos que sean. [98] [99] [100] [101]
Yojimbo ( El guardaespaldas ), la segunda película de Kurosawa Production, se centra en un samurái sin amo, Sanjuro, que se pasea por una ciudad del siglo XIX gobernada por dos facciones violentas opuestas y las provoca para que se destruyan entre sí. El director utilizó este trabajo para jugar con muchas convenciones del género, particularmente el western , al mismo tiempo que ofrecía una representación gráfica de la violencia sin precedentes (para la pantalla japonesa). Algunos comentaristas han visto al personaje de Sanjuro en esta película como una figura de fantasía que mágicamente revierte el triunfo histórico de la clase mercantil corrupta sobre la clase samurái. Con Tatsuya Nakadai en su primer papel importante en una película de Kurosawa, y con la innovadora fotografía de Kazuo Miyagawa (que filmó Rashomon ) y Takao Saito , la película se estrenó en abril de 1961 y fue un éxito comercial y de crítica, recaudando más que cualquier película anterior de Kurosawa. La película y sutono de cómic negro también fueron ampliamente imitados en el extranjero. Por un puñado de dólares, de Sergio Leone, fue un remake virtual (no autorizado) escena por escena, en el que Toho presentó una demanda en nombre de Kurosawa y prevaleció. [102] [103] [104]
Tras el éxito de Yojimbo , Kurosawa se vio presionado por Toho para crear una secuela. Kurosawa recurrió a un guion que había escrito antes de Yojimbo , y lo reelaboró para incluir al héroe de su película anterior. Sanjuro fue la primera de las tres películas de Kurosawa en ser adaptadas de la obra del escritor Shūgorō Yamamoto (las otras serían Barba Roja y Dodeskaden ). Tiene un tono más ligero y se acerca más a una película de época convencional que Yojimbo , aunque su historia de una lucha de poder dentro de un clan samurái se retrata con fuertes matices cómicos. La película se estrenó el 1 de enero de 1962, superando rápidamente el éxito de taquilla de Yojimbo y obteniendo críticas positivas. [105] [106] [107]
Mientras tanto, Kurosawa había dado instrucciones a Toho para que comprara los derechos cinematográficos de King's Ransom , una novela sobre un secuestro escrita por el autor y guionista estadounidense Evan Hunter , bajo su seudónimo de Ed McBain, como parte de su serie de libros policiales 87th Precinct . El director pretendía crear una obra que condenara el secuestro, que consideraba uno de los peores crímenes. La película de suspenso, titulada High and Low , se rodó durante la segunda mitad de 1962 y se estrenó en marzo de 1963. Rompió el récord de taquilla de Kurosawa (la tercera película consecutiva en hacerlo), se convirtió en la película japonesa más taquillera del año y recibió excelentes críticas. Sin embargo, su triunfo se vio un poco empañado cuando, irónicamente, la película fue culpada de una ola de secuestros que ocurrieron en Japón en esa época (él mismo recibió amenazas de secuestro dirigidas a su pequeña hija, Kazuko). Muchos comentaristas consideran que High and Low es una de las obras más fuertes del director. [108] [109] [110] [111]
Kurosawa pasó rápidamente a su siguiente proyecto, Barba Roja . Basada en una colección de cuentos de Shūgorō Yamamoto e incorporando elementos de la novela de Dostoievski El insultado y el ofendido , es una película de época, ambientada en una clínica para pobres de mediados del siglo XIX, en la que los temas humanistas de Kurosawa reciben quizás su declaración más completa. Yasumoto, un joven médico engreído y materialista, formado en el extranjero, se ve obligado a convertirse en interno en la clínica bajo la severa tutela del doctor Niide, conocido como "Akahige" ("Barba Roja"), interpretado por Mifune. Aunque inicialmente se resiste a Barba Roja, Yasumoto llega a admirar su sabiduría y coraje y a percibir a los pacientes de la clínica, a quienes al principio despreciaba, como dignos de compasión y dignidad. [112]
Yūzō Kayama , que interpreta a Yasumoto, era una estrella de cine y música extremadamente popular en ese momento, particularmente por su serie de comedias musicales "Young Guy" ( Wakadaishō ), por lo que contratarlo para que apareciera en la película prácticamente le garantizó a Kurosawa una fuerte taquilla. El rodaje, el más largo del cineasta, duró más de un año (después de cinco meses de preproducción) y finalizó en la primavera de 1965, dejando al director, su equipo y sus actores exhaustos. Red Beard se estrenó en abril de 1965, convirtiéndose en la producción japonesa más taquillera del año y la tercera (y última) película de Kurosawa en encabezar la prestigiosa encuesta anual de críticos Kinema Jumpo . Sigue siendo una de las obras más conocidas y queridas de Kurosawa en su país natal. Fuera de Japón, los críticos han estado mucho más divididos. La mayoría de los comentaristas reconocen sus méritos técnicos y algunos la elogian como una de las mejores de Kurosawa, mientras que otros insisten en que carece de complejidad y poder narrativo genuino, y otros afirman que representa un retroceso respecto del compromiso previo del artista con el cambio social y político. [113] [114] [115] [116]
La película marcó el fin de una era para su creador. El propio director lo reconoció en el momento de su estreno, diciéndole al crítico Donald Richie que un ciclo de algún tipo acababa de terminar y que sus futuras películas y métodos de producción serían diferentes. [117] Su predicción resultó bastante acertada. A partir de finales de la década de 1950, la televisión comenzó a dominar cada vez más el tiempo libre de la otrora numerosa y fiel audiencia del cine japonés. Y a medida que los ingresos de las compañías cinematográficas caían, también lo hacía su apetito por el riesgo, en particular el riesgo representado por los costosos métodos de producción de Kurosawa. [118]
Red Beard también marcó el punto medio, cronológicamente, en la carrera del artista. Durante sus veintinueve años anteriores en la industria cinematográfica (que incluyen sus cinco años como asistente de dirección), había dirigido veintitrés películas, mientras que durante los veintiocho años restantes, por muchas razones complejas, completaría solo siete más. Además, por razones nunca explicadas adecuadamente, Red Beard sería su última película protagonizada por Toshiro Mifune. Yū Fujiki , un actor que trabajó en The Lower Depths , observó, con respecto a la cercanía de los dos hombres en el set, "el corazón del Sr. Kurosawa estaba en el cuerpo del Sr. Mifune". [119] Donald Richie ha descrito la relación entre ellos como una "simbiosis" única. [120]
Cuando el contrato exclusivo de Kurosawa con Toho llegó a su fin en 1966, el director de 56 años estaba considerando seriamente un cambio. Al observar el estado problemático de la industria cinematográfica nacional y haber recibido ya docenas de ofertas del extranjero, la idea de trabajar fuera de Japón le atraía como nunca antes. [121]
Para su primer proyecto en el extranjero, Kurosawa eligió una historia basada en un artículo de la revista Life . El thriller de acción de Embassy Pictures , que se filmaría en inglés y se llamaría simplemente Runaway Train , habría sido su primera película en color. Pero la barrera del idioma resultó ser un problema importante, y la versión en inglés del guion ni siquiera estaba terminada cuando se suponía que comenzaría el rodaje en otoño de 1966. El rodaje, que requirió nieve, se trasladó al otoño de 1967 y luego se canceló en 1968. Casi dos décadas después, otro director extranjero que trabajaba en Hollywood, Andrei Konchalovsky , finalmente hizo Runaway Train (1985), aunque a partir de un nuevo guion basado libremente en el de Kurosawa. [122]
Mientras tanto, el director se había involucrado en un proyecto hollywoodense mucho más ambicioso. Tora! Tora! Tora!, producida por 20th Century Fox y Kurosawa Production, sería una representación del ataque japonés a Pearl Harbor desde los puntos de vista estadounidense y japonés, con Kurosawa dirigiendo la mitad japonesa y un cineasta anglófono dirigiendo la mitad estadounidense. Pasó varios meses trabajando en el guion con Ryuzo Kikushima y Hideo Oguni, pero muy pronto el proyecto comenzó a desmoronarse. El director de las secuencias estadounidenses resultó no ser David Lean , como se había planeado originalmente, sino el estadounidense Richard Fleischer . El presupuesto también se redujo y el tiempo en pantalla asignado para el segmento japonés ahora no sería más de 90 minutos, un problema importante, considerando que el guion de Kurosawa duraba más de cuatro horas. Después de numerosas revisiones con la participación directa de Darryl Zanuck , se acordó un guion cortado más o menos finalizado en mayo de 1968.
El rodaje comenzó a principios de diciembre, pero Kurosawa sólo duraría poco más de tres semanas como director. Le costó mucho trabajar con un equipo desconocido y con los requisitos de una producción de Hollywood, mientras que sus métodos de trabajo desconcertaron a sus productores estadounidenses, que finalmente concluyeron que el director debía estar enfermo mental. Kurosawa fue examinado en el Hospital Universitario de Kioto por un neuropsicólogo, el Dr. Murakami, cuyo diagnóstico fue enviado a Darryl Zanuck y Richard Zanuck en los estudios Fox indicando un diagnóstico de neurastenia que decía que "sufre trastornos del sueño, está agitado con sentimientos de ansiedad y en excitación maníaca causada por la enfermedad mencionada anteriormente. Es necesario que descanse y reciba tratamiento médico durante más de dos meses". [123] En la víspera de Navidad de 1968, los estadounidenses anunciaron que Kurosawa había dejado la producción debido a "fatiga", lo que en realidad lo despidió. Finalmente, fue reemplazado, para las secuencias japonesas de la película, por dos directores, Kinji Fukasaku y Toshio Masuda . [124]
Tora! Tora! Tora!, que finalmente se estrenó en septiembre de 1970 con críticas poco entusiastas, fue, como dijo Donald Richie, una "tragedia casi absoluta" en la carrera de Kurosawa. Había pasado años de su vida en un proyecto logísticamente de pesadilla al que finalmente no contribuyó ni un pie de película filmado por él mismo. (Su nombre fue eliminado de los créditos, aunque el guion utilizado para la mitad japonesa seguía siendo suyo y de sus coguionistas). Se distanció de su colaborador de toda la vida, el escritor Ryuzo Kikushima, y nunca volvió a trabajar con él. El proyecto había expuesto inadvertidamente la corrupción en su propia compañía de producción (una situación que recordaba a su propia película, Los malos duermen bien ). Su propia cordura había sido puesta en duda. Lo peor de todo es que la industria cinematográfica japonesa -y tal vez el propio Kurosawa- empezaron a sospechar que nunca volvería a hacer otra película. [125] [126]
Sabiendo que su reputación estaba en juego tras la muy publicitada debacle de Tora! Tora! Tora!, Kurosawa pasó rápidamente a un nuevo proyecto para demostrar que todavía era viable. En su ayuda acudieron sus amigos y famosos directores Keisuke Kinoshita , Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa , quienes junto con Kurosawa establecieron en julio de 1969 una compañía de producción llamada el Club de los Cuatro Caballeros (Yonki no kai). Aunque el plan era que los cuatro directores crearan una película cada uno, se ha sugerido que la verdadera motivación de los otros tres directores era facilitarle a Kurosawa la realización exitosa de una película y, por lo tanto, encontrar su camino de regreso al negocio. [127] [128]
El primer proyecto propuesto y en el que se trabajó fue una película de época que se llamaría Dora-heita , pero cuando se consideró que era demasiado cara, la atención se centró en Dodesukaden , una adaptación de otra obra de Shūgorō Yamamoto, nuevamente sobre los pobres y los indigentes. La película se rodó rápidamente (para los estándares de Kurosawa) en aproximadamente nueve semanas, con Kurosawa decidido a demostrar que todavía era capaz de trabajar de manera rápida y eficiente con un presupuesto limitado. Para su primer trabajo en color, se dejaron de lado la edición dinámica y las composiciones complejas de sus películas anteriores, y el artista se centró en la creación de una paleta audaz, casi surrealista, de colores primarios, para revelar el ambiente tóxico en el que viven los personajes. Se estrenó en Japón en octubre de 1970, pero aunque tuvo un éxito crítico menor, fue recibida con indiferencia por el público. La película perdió dinero y provocó la disolución del Club de los Cuatro Caballeros. La recepción inicial en el extranjero fue algo más favorable, pero desde entonces Dodesukaden se ha considerado típicamente un experimento interesante no comparable con el mejor trabajo del director. [129]
Después de luchar con la producción de Dodesukaden , Kurosawa se dedicó al trabajo televisivo al año siguiente por única vez en su carrera con Song of the Horse , un documental sobre caballos de carrera pura sangre. Presentaba una voz en off narrada por un hombre ficticio y un niño (con las voces de los mismos actores que el mendigo y su hijo en Dodesukaden ). Es el único documental en la filmografía de Kurosawa; el pequeño equipo incluyó a su frecuente colaborador Masaru Sato, quien compuso la música. Song of the Horse también es única en la obra de Kurosawa en el sentido de que incluye un crédito de editor, lo que sugiere que es la única película de Kurosawa que no cortó él mismo. [130]
Al no poder conseguir financiación para seguir trabajando y supuestamente por problemas de salud, Kurosawa aparentemente llegó al punto de quiebre: el 22 de diciembre de 1971, se cortó las muñecas y la garganta varias veces. El intento de suicidio resultó infructuoso y la salud del director se recuperó bastante rápido, por lo que Kurosawa se refugió en la vida doméstica, sin saber si alguna vez volvería a dirigir una película. [131]
A principios de 1973, el estudio soviético Mosfilm se acercó al cineasta para preguntarle si estaría interesado en trabajar con ellos. Kurosawa propuso una adaptación de la obra autobiográfica del explorador ruso Vladimir Arsenyev, Dersu Uzala . El libro, sobre un cazador de Goldi que vive en armonía con la naturaleza hasta que es destruido por la civilización invasora, era uno que había querido hacer desde la década de 1930. En diciembre de 1973, Kurosawa, de 63 años, partió hacia la Unión Soviética con cuatro de sus ayudantes más cercanos, comenzando una estancia de año y medio en el país. El rodaje comenzó en mayo de 1974 en Siberia, y filmar en condiciones naturales extremadamente duras resultó muy difícil y exigente. La película terminó en abril de 1975, con un Kurosawa completamente exhausto y nostálgico que regresó a Japón con su familia en junio. Dersu Uzala tuvo su estreno mundial en Japón el 2 de agosto de 1975 y tuvo un buen desempeño en taquilla. Aunque la recepción crítica en Japón fue moderada, la película tuvo mejores críticas en el extranjero, ganando el Premio de Oro en el IX Festival Internacional de Cine de Moscú , [132] así como un Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera . Hoy en día, los críticos siguen divididos sobre la película: algunos la ven como un ejemplo del supuesto declive artístico de Kurosawa, mientras que otros la cuentan entre sus mejores obras. [133] [134]
Aunque le presentaron propuestas para proyectos televisivos, no tenía ningún interés en trabajar fuera del mundo del cine. No obstante, el director bebedor aceptó aparecer en una serie de anuncios televisivos para el whisky Suntory , que se emitieron en 1976. Aunque temía no poder hacer otra película, el director siguió trabajando en varios proyectos, escribiendo guiones y creando ilustraciones detalladas, con la intención de dejar un registro visual de sus planes en caso de que nunca pudiera filmar sus historias. [135]
En 1977, George Lucas estrenó Star Wars , una película de ciencia ficción de gran éxito influenciada por La fortaleza escondida de Kurosawa . Lucas, como muchos otros directores del Nuevo Hollywood , veneraba a Kurosawa y lo consideraba un modelo a seguir, y se sorprendió al descubrir que el cineasta japonés no podía conseguir financiación para ningún nuevo trabajo. Los dos se reunieron en San Francisco en julio de 1978 para discutir el proyecto que Kurosawa consideraba más viable económicamente: Kagemusha , la historia épica de un ladrón contratado como doble de un señor japonés medieval de un gran clan. Lucas, cautivado por el guion y las ilustraciones de Kurosawa, aprovechó su influencia sobre 20th Century Fox para obligar al estudio que había despedido a Kurosawa solo diez años antes a producir Kagemusha , luego reclutó a su compañero fan Francis Ford Coppola como coproductor. [136]
La producción comenzó en abril del año siguiente, con Kurosawa muy animado. El rodaje duró desde junio de 1979 hasta marzo de 1980 y estuvo plagado de problemas, entre los que se encontraba el despido del actor principal original, Shintaro Katsu —conocido por interpretar al popular personaje Zatoichi— debido a un incidente en el que el actor insistió, en contra de los deseos del director, en grabar en vídeo su propia actuación (fue sustituido por Tatsuya Nakadai, en su primero de dos papeles protagonistas consecutivos en una película de Kurosawa). La película se completó sólo unas semanas después de lo previsto y se estrenó en Tokio en abril de 1980. Rápidamente se convirtió en un éxito masivo en Japón. La película también fue un éxito de crítica y taquilla en el extranjero, ganando la codiciada Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1980 en mayo, aunque algunos críticos, entonces y ahora, han criticado la película por su supuesta frialdad. Kurosawa pasó gran parte del resto del año en Europa y América promocionando Kagemusha , recolectando premios y reconocimientos y exhibiendo como arte los dibujos que había hecho para servir como guiones gráficos para la película. [137] [138]
El éxito internacional de Kagemusha le permitió a Kurosawa continuar con su siguiente proyecto, Ran , otra epopeya en una línea similar. El guion, basado en parte en El rey Lear de Shakespeare, mostraba a un daimyō (señor de la guerra) despiadado y sediento de sangre , interpretado por Tatsuya Nakadai, quien, después de desterrar tontamente a su único hijo leal, entrega su reino a sus otros dos hijos, quienes luego lo traicionan, hundiendo así a todo el reino en la guerra. Como los estudios japoneses todavía se sentían cautelosos sobre producir otra película que se ubicaría entre las más caras jamás realizadas en el país, se necesitó nuevamente ayuda internacional. Esta vez vino del productor francés Serge Silberman , quien había producido las últimas películas de Luis Buñuel . El rodaje no comenzó hasta diciembre de 1983 y duró más de un año. [139]
En enero de 1985, la producción de Ran se detuvo cuando la esposa de Kurosawa, Yōko, de 64 años, enfermó. Ella murió el 1 de febrero. Kurosawa regresó para terminar su película y Ran se estrenó en el Festival de Cine de Tokio el 31 de mayo, con un estreno generalizado al día siguiente. La película fue un éxito financiero moderado en Japón, pero mayor en el extranjero y, como había hecho con Kagemusha , Kurosawa se embarcó en un viaje a Europa y América, donde asistió a los estrenos de la película en septiembre y octubre. [140]
Ran ganó varios premios en Japón, pero no fue tan honrada allí como lo habían sido muchas de las mejores películas del director de los años 1950 y 1960. Sin embargo, el mundo del cine se sorprendió cuando Japón pasó por alto la selección de Ran en favor de otra película como su entrada oficial para competir por una nominación al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera, que finalmente fue rechazada para la competencia en la 58.ª edición de los Premios de la Academia . Tanto el productor como el propio Kurosawa atribuyeron el hecho de que ni siquiera se presentara Ran para la competencia a un malentendido: debido a las reglas arcanas de la academia, nadie estaba seguro de si Ran calificaba como unapelícula japonesa , una película francesa (debido a su financiamiento) o ambas, por lo que no se presentó en absoluto. En respuesta a lo que al menos parecía ser un desaire flagrante por parte de sus propios compatriotas, el director Sidney Lumet lideró una exitosa campaña para que Kurosawa recibiera una nominación al Oscar a Mejor Director ese año ( Sydney Pollack finalmente ganó el premio por dirigir Memorias de África ). La diseñadora de vestuario de Ran , Emi Wada , ganó el único Oscar de la película. [141] [142]
Kagemusha y Ran , en particular esta última, suelen considerarse entre las mejores obras de Kurosawa. Tras el estreno de Ran , Kurosawa la señalaría como su mejor película, un cambio de actitud importante para el director que, cuando se le preguntaba cuál de sus obras era la mejor, siempre había respondido "mi próxima". [143] [144]
Para su siguiente película, Kurosawa eligió un tema muy diferente a todos los que había filmado antes. Mientras que algunas de sus películas anteriores (por ejemplo, Drunken Angel y Kagemusha ) habían incluido breves secuencias de sueños, Dreams iba a estar basada completamente en los propios sueños del director. Significativamente, por primera vez en más de cuarenta años, Kurosawa, para este proyecto profundamente personal, escribió el guion solo. Aunque su presupuesto estimado era menor que el de las películas inmediatamente anteriores, los estudios japoneses todavía no estaban dispuestos a respaldar una de sus producciones, por lo que Kurosawa recurrió a otro famoso fan estadounidense, Steven Spielberg , quien convenció a Warner Bros. para comprar los derechos internacionales de la película terminada. Esto facilitó que el hijo de Kurosawa, Hisao, como coproductor y pronto director de Kurosawa Production, negociara un préstamo en Japón que cubriera los costos de producción de la película. El rodaje tardó más de ocho meses en completarse, y Dreams se estrenó en Cannes en mayo de 1990 con una recepción educada pero moderada, similar a la reacción que la película generaría en otras partes del mundo. [145] En 1990, aceptó el Premio de la Academia a la trayectoria . En su discurso de aceptación, dijo la famosa frase "Estoy un poco preocupado porque siento que todavía no entiendo el cine". [146] En ese momento, Bob Thomas de The Daily Spectrum señaló que Kurosawa era "considerado por muchos críticos como el mejor cineasta vivo". [147]
Kurosawa se dedicó a una historia más convencional con Rhapsody in August (Rhapsody en agosto ), la primera película del director producida íntegramente en Japón desde Dodeskaden más de veinte años antes, que exploraba las cicatrices del bombardeo nuclear que destruyó Nagasaki al final de la Segunda Guerra Mundial. Fue una adaptación de una novela de Kiyoko Murata , pero las referencias de la película al bombardeo de Nagasaki provenían del director en lugar del libro. Esta fue su única película que incluyó un papel para una estrella de cine estadounidense: Richard Gere , que interpreta un pequeño papel como el sobrino de la anciana heroína. El rodaje tuvo lugar a principios de 1991, y la película se estrenó el 25 de mayo de ese año con una reacción crítica en gran parte negativa, especialmente en los Estados Unidos, donde el director fue acusado de promulgar sentimientos ingenuamente antiamericanos, [148] [149] aunque Kurosawa rechazó estas acusaciones.
Kurosawa no perdió tiempo en pasar a su siguiente proyecto: Madadayo , o Not Yet . Basada en ensayos autobiográficos de Hyakken Uchida , la película sigue la vida de un profesor japonés de alemán durante la Segunda Guerra Mundial y más allá. La narrativa se centra en las celebraciones de cumpleaños anuales con sus antiguos alumnos, durante las cuales el protagonista declara su falta de voluntad de morir todavía, un tema que se estaba volviendo cada vez más relevante para el creador de la película, de 81 años. El rodaje comenzó en febrero de 1992 y finalizó a fines de septiembre. Su estreno el 17 de abril de 1993 fue recibido con una reacción aún más decepcionada que la que había sido el caso con sus dos obras anteriores. [150]
Sin embargo, Kurosawa siguió trabajando. Escribió los guiones originales de The Sea is Watching en 1993 y After the Rain en 1995. Mientras daba los toques finales a esta última obra en 1995, Kurosawa se resbaló y se rompió la base de la columna vertebral. Después del accidente, usaría una silla de ruedas por el resto de su vida, poniendo fin a cualquier esperanza de que dirigiera otra película. [151] Su deseo de siempre —morir en el set mientras filmaba una película [149] [152] — nunca se cumpliría.
Después de su accidente, la salud de Kurosawa comenzó a deteriorarse. Mientras que su mente se mantuvo aguda y vivaz, su cuerpo se estaba rindiendo, y durante el último medio año de su vida, el director estuvo confinado en gran parte a la cama, escuchando música y viendo televisión en casa. El 6 de septiembre de 1998, Kurosawa murió de un derrame cerebral en Setagaya, Tokio , a la edad de 88 años . [153] [154] En el momento de su muerte, Kurosawa tenía dos hijos, su hijo Hisao Kurosawa que se casó con Hiroko Hayashi y su hija Kazuko Kurosawa que se casó con Harayuki Kato, junto con varios nietos. [34] Uno de sus nietos, el actor Takayuki Kato y nieto de Kazuko, se convirtió en actor de reparto en dos películas desarrolladas póstumamente a partir de guiones escritos por Kurosawa que permanecieron sin producirse durante su propia vida, After the Rain (1999) de Takashi Koizumi y The Sea is Watching (2002) de Kei Kumai . [155]
Aunque Kurosawa es conocido principalmente como cineasta, también trabajó en teatro y televisión y escribió libros. Una lista detallada, incluida su filmografía completa, se puede encontrar en la lista de obras de Akira Kurosawa .
Kurosawa mostró un estilo audaz y dinámico, fuertemente influenciado por el cine occidental pero distinto de él; estuvo involucrado en todos los aspectos de la producción cinematográfica . [156] Fue un guionista talentoso y trabajó en estrecha colaboración con sus coguionistas desde el desarrollo de la película en adelante para asegurar un guion de alta calidad, que él consideraba la base firme de una buena película. Con frecuencia se desempeñó como editor de sus propias películas. Su equipo, conocido como el "Kurosawa-gumi" (黒澤組, grupo Kurosawa) , que incluía al director de fotografía Asakazu Nakai , el asistente de producción Teruyo Nogami y el actor Takashi Shimura , fue notable por su lealtad y confiabilidad.
El estilo de Kurosawa está marcado por una serie de dispositivos y técnicas. En sus películas de los años 1940 y 1950, emplea con frecuencia el " corte axial ", en el que la cámara se acerca o se aleja del sujeto a través de una serie de cortes de salto coincidentes en lugar de tomas de seguimiento o disoluciones . [157] Otro rasgo estilístico es el "corte en movimiento", que muestra el movimiento en la pantalla en dos o más tomas en lugar de una ininterrumpida. [158] Una forma de puntuación cinematográfica fuertemente identificada con Kurosawa es el barrido , un efecto creado a través de una impresora óptica : una línea o barra parece moverse a través de la pantalla, borrando el final de una escena y revelando la primera imagen de la siguiente. Como dispositivo de transición, se utiliza como sustituto del corte recto o la disolución; en su obra madura, el barrido se convirtió en la firma de Kurosawa.
En la banda sonora de la película, Kurosawa favoreció el contrapunto sonido-imagen, en el que la música o los efectos de sonido parecían comentar irónicamente la imagen en lugar de enfatizarla. Las memorias de Teruyo Nogami dan varios ejemplos de este tipo en Drunken Angel y Stray Dog . Kurosawa también estuvo involucrado con varios de los compositores contemporáneos más destacados de Japón, incluidos Fumio Hayasaka y Tōru Takemitsu . [159]
Kurosawa empleó una serie de temas recurrentes en sus películas: la relación maestro-discípulo entre un mentor, generalmente mayor, y uno o más novatos, que a menudo implica dominio espiritual y técnico, así como autodominio; el campeón heroico, el individuo excepcional que surge de la masa de personas para producir algo o corregir algún error; la representación de condiciones climáticas extremas como dispositivos dramáticos y símbolos de la pasión humana; y la recurrencia de ciclos de violencia salvaje en la historia. Según Stephen Prince, el último tema, al que llama "la contratradición del modo heroico y comprometido del cine de Kurosawa", comenzó con Trono de sangre (1957) y reapareció en las películas de la década de 1980. [161]
Kurosawa es citado a menudo como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. [162] [163] [164] [165] [166] En 1999, fue nombrado " Asiático del siglo " en la categoría "Artes, literatura y cultura" por la revista AsianWeek y CNN , citado como "una de las [cinco] personas que más contribuyeron a la mejora de Asia en los últimos 100 años". [167] Kurosawa ocupó el tercer lugar en la encuesta de directores y el quinto en la encuesta de críticos en la lista de 2002 de Sight & Sound de los mejores directores de todos los tiempos. En 2008, en conmemoración del centenario del nacimiento de Kurosawa, en 2010, se puso en marcha un proyecto llamado AK100, cuyo objetivo es "mostrar a los jóvenes, que son los representantes de la próxima generación, y a todas las personas del mundo, la luz y el espíritu de Akira Kurosawa y el maravilloso mundo que creó". [168]
Muchos cineastas se han visto influenciados por la obra de Kurosawa. Ingmar Bergman calificó su propia película El manantial de la virgen como una «imitación turística... pésima de Kurosawa», y añadió: «En aquella época mi admiración por el cine japonés estaba en su apogeo. ¡Yo mismo era casi un samurái!». [169] Federico Fellini consideraba a Kurosawa «el mayor ejemplo vivo de todo lo que un autor de cine debería ser». [170] Steven Spielberg citó la visión cinematográfica de Kurosawa como algo que dio forma a la suya. [171] Satyajit Ray , que recibió póstumamente el premio Akira Kurosawa a la trayectoria en dirección en el Festival Internacional de Cine de San Francisco de 1992, [172] había dicho antes sobre Rashomon :
El efecto que la película me produjo [cuando la vi por primera vez en Calcuta en 1952] fue electrizante. La vi tres veces en días consecutivos y cada vez me preguntaba si habría otra película en algún lugar que diera una prueba tan sostenida y deslumbrante del dominio de un director sobre todos los aspectos de la realización cinematográfica. [173]
Roman Polanski consideró a Kurosawa entre los tres cineastas que más favorecía, junto con Fellini y Orson Welles , y eligió Los siete samuráis , Trono de sangre y La fortaleza escondida para elogiarlos. [174] Bernardo Bertolucci consideró que la influencia de Kurosawa fue seminal: "Las películas de Kurosawa y La Dolce Vita de Fellini son las cosas que me empujaron, me succionaron para ser director de cine". [175] Andrei Tarkovsky citó a Kurosawa como uno de sus favoritos y nombró Los siete samuráis como una de sus diez películas favoritas. [176] Sidney Lumet llamó a Kurosawa el " Beethoven de los directores de cine". [177] Werner Herzog reflexionó sobre los cineastas con los que se siente afín y las películas que admira:
Griffith –especialmente su Nacimiento de una nación y Flores rotas– , Murnau , Buñuel , Kurosawa e Iván el Terrible de Eisenstein … me vienen a la mente… Me gusta La pasión de Juana de Arco de Dreyer , Tormenta sobre Asia de Pudovkin y La Tierra de Dovzhenko … Ugetsu Monogatari de Mizoguchi , La sala de música de Satyajit Ray … Siempre me he preguntado cómo Kurosawa hizo algo tan bueno como Rashomon ; el equilibrio y el flujo son perfectos, y utiliza el espacio de una manera tan bien equilibrada. Es una de las mejores películas jamás realizadas. [178]
Según un asistente, Stanley Kubrick consideraba a Kurosawa como "uno de los grandes directores de cine" y hablaba de él "constantemente y con admiración", hasta el punto de que una carta suya "significaba más que cualquier Oscar" y le hizo agonizar durante meses redactando una respuesta. [179] Satyajit Ray admiraba mucho el trabajo de Kurosawa y lo describía como "uno de los gigantes del cine". Robert Altman, al ver por primera vez Rashomon , quedó tan impresionado por la secuencia de fotogramas del sol que comenzó a filmar las mismas secuencias en su trabajo al día siguiente, afirmó. [180] George Lucas citó La fortaleza oculta como la principal inspiración para La guerra de las galaxias . También citó otras películas de Kurosawa como sus favoritas, incluidas Los siete samuráis , Yojimbo e Ikiru . También dijo: "Nunca había visto nada tan poderoso o cinematográfico. Las emociones eran tan fuertes que no importaba que no entendiera la cultura o las tradiciones. Desde ese momento, las películas de Kurosawa han servido como una de mis fuentes más fuertes de inspiración creativa". [181] [182] La película animada de Wes Anderson Isle of Dogs está parcialmente inspirada en las técnicas de filmación de Kurosawa. [183] En el 64º Festival de Cine de Sídney, hubo una retrospectiva de Akira Kurosawa donde se proyectaron películas suyas para recordar el gran legado que ha creado a partir de su trabajo. [184] Zack Snyder lo citó como una de sus influencias para su película de Netflix Rebel Moon . [185]
Kenji Mizoguchi , el aclamado director de Ugetsu (1953) y Sansho the Bailiff (1954), era once años mayor que Kurosawa. Después de mediados de la década de 1950, algunos críticos de la Nouvelle Vague francesa comenzaron a favorecer a Mizoguchi sobre Kurosawa. El crítico y cineasta de la Nouvelle Vague Jacques Rivette , en particular, pensaba que Mizoguchi era el único director japonés cuyo trabajo era a la vez completamente japonés y verdaderamente universal; [186] Kurosawa, por el contrario, se pensaba que estaba más influenciado por el cine y la cultura occidentales, una opinión que ha sido cuestionada. [187]
En Japón, algunos críticos y cineastas consideraban que Kurosawa era elitista. Consideraban que centraba su esfuerzo y atención en personajes excepcionales o heroicos. En su comentario en DVD sobre Los siete samuráis , Joan Mellen sostuvo que ciertas tomas de los personajes samuráis Kambei y Kyuzo, que muestran que Kurosawa les había concedido un estatus o una validez superiores, constituyen una prueba de este punto de vista. Estos críticos japoneses argumentaron que Kurosawa no era lo suficientemente progresista porque los campesinos no eran capaces de encontrar líderes dentro de sus filas. En una entrevista con Mellen, Kurosawa se defendió diciendo:
Quería decir que después de todo los campesinos eran los más fuertes, los que se aferraban estrechamente a la tierra... Eran los samuráis los que eran débiles porque se dejaban llevar por los vientos del tiempo. [158] [188]
Desde principios de los años 50, Kurosawa también fue acusado de complacer los gustos occidentales debido a su popularidad en Europa y Estados Unidos. En los años 70, el director de izquierdas y políticamente comprometido Nagisa Ōshima , que se destacó por su reacción crítica al trabajo de Kurosawa, acusó a Kurosawa de complacer las creencias e ideologías occidentales. [189] Sin embargo, el autor Audie Block consideró que Kurosawa nunca había complacido a un público no japonés y que había denunciado a los directores que lo hicieron. [190]
Tras la muerte de Kurosawa, se han producido varias obras póstumas basadas en sus guiones no filmados. After the Rain , dirigida por Takashi Koizumi, se estrenó en 1999, [191] [192] y The Sea Is Watching , dirigida por Kei Kumai, se estrenó en 2002. [193] Un guion creado por el Yonki no Kai ("Club de los Cuatro Caballeros") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa), en la época en que se hizo Dodeskaden , finalmente fue filmado y estrenado (en 2000) como Dora-heita , por el único miembro fundador sobreviviente del club, Kon Ichikawa. [194] Huayi Brothers Media y CKF Pictures en China anunciaron en 2017 planes para producir una película del guion póstumo de Kurosawa de La máscara de la muerte roja de Edgar Allan Poe para 2020, que se titulará La máscara de la muerte negra . [195] Patrick Frater, escribiendo para la revista Variety en mayo de 2017, declaró que se planeaban otras dos películas inacabadas de Kurosawa, y que Silvering Spear comenzaría a filmarse en 2018. [196]
En septiembre de 2011, se informó que los derechos de remake de la mayoría de las películas de Kurosawa y los guiones no producidos fueron asignados por el Akira Kurosawa 100 Project a la compañía Splendent con sede en Los Ángeles. La directora ejecutiva de Splendent, Sakiko Yamada, declaró que su objetivo era "ayudar a los cineastas contemporáneos a presentar estas historias inolvidables a una nueva generación de cinéfilos". [197]
Kurosawa Production Co., fundada en 1959, sigue supervisando muchos de los aspectos del legado de Kurosawa. El hijo del director, Hisao Kurosawa, es el actual director de la empresa. Su filial estadounidense, Kurosawa Enterprises, está situada en Los Ángeles. Los derechos de las obras de Kurosawa estaban en manos de Kurosawa Production y de los estudios cinematográficos para los que trabajaba, sobre todo Toho. Estos derechos se asignaron después al Akira Kurosawa 100 Project antes de ser reasignados en 2011 a la empresa Splendent, con sede en Los Ángeles. [197] Kurosawa Production trabaja en estrecha colaboración con la Akira Kurosawa Foundation, establecida en diciembre de 2003 y también dirigida por Hisao Kurosawa. La fundación organiza un concurso anual de cortometrajes y encabeza proyectos relacionados con Kurosawa, incluido uno recientemente archivado para construir un museo en memoria del director. [198]
En 1981 se inauguró el Estudio de Cine Kurosawa en Yokohama; desde entonces se han abierto dos sedes más en Japón. [199] Una gran colección de material de archivo, que incluye guiones escaneados, fotografías y artículos de noticias, se ha puesto a disposición a través del Archivo Digital Akira Kurosawa, un sitio web japonés exclusivo mantenido por el Centro de Investigación de Archivos Digitales de la Universidad Ryukoku en colaboración con Kurosawa Production. [200]
La Universidad de Anaheim, en colaboración con Kurosawa Production y la familia Kurosawa, estableció la Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim en la primavera de 2009. La Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim ofrece una Maestría en Bellas Artes (MFA) en línea en realización de películas digitales, respaldada por muchos de los mejores cineastas del mundo. [201]
Kurosawa era conocido por ser un conocedor de la cocina japonesa y, como tal, la fundación de la familia Kurosawa estableció el Grupo de Restaurantes Kurosawa después de su fallecimiento en 1999, abriendo cuatro restaurantes en el área de Tokio con el nombre de la familia. Nagatacho Kurosawa especializado en shabu-shabu , Teppanyaki Kurosawa en Tsukiji especializado en teppanyaki , Keyaki Kurosawa en Nishi-Azabu especializado en soba y Udon Kurosawa especializado en udon en Roppongi. Las cuatro ubicaciones fueron diseñadas para evocar la machiya de la era Meiji de la juventud de Kurosawa y presentar recuerdos de la carrera de Kurosawa. A partir de 2023, solo la ubicación de Tsukiji sigue en funcionamiento. Varios empresarios de todo el mundo también han abierto restaurantes y negocios en honor a Kurosawa sin ninguna conexión con Akira o la finca. [202] [203]
También se han nombrado dos premios cinematográficos en honor a Kurosawa. El premio Akira Kurosawa a la trayectoria en dirección cinematográfica se otorga durante el Festival Internacional de Cine de San Francisco, mientras que el premio Akira Kurosawa se entrega durante el Festival Internacional de Cine de Tokio . [204] [205]
Kurosawa también ha recibido numerosos honores estatales, incluido el de oficial de la Legión de Honor francesa en 1984, Caballero Gran Cruz de la Orden del Mérito de la República Italiana en 1986 y fue el primer cineasta en recibir la Orden de la Cultura de su Japón natal en 1985. Póstumamente, fue reconocido con el Rango de la Tercera Corte Junior , que sería el equivalente moderno de un título nobiliario bajo la aristocracia Kazoku . [206]
Se han realizado numerosos documentales cortos y de larga duración sobre la vida y la obra de Kurosawa, tanto durante su apogeo artístico como después de su muerte. AK , del director de videoensayo francés Chris Marker , se filmó mientras Kurosawa trabajaba en Ran ; sin embargo, el documental se centra más en la personalidad distante pero educada de Kurosawa que en la realización de la película. [207] [208] Otros documentales sobre la vida y las obras de Kurosawa producidos póstumamente incluyen:
Además de ser un precursor magistral de las películas de policías amigos y los procedimientos policiales populares en la actualidad, Stray Dog también es una película de género compleja que examina la difícil situación de los soldados que regresan a casa en Japón después de la guerra.
