Marc Chagall [a] (nacido Moishe Shagal ; 6 de julio [ OS 24 de junio] 1887 - 28 de marzo de 1985 [b] ) fue un artista ruso-francés. [c] Uno de los primeros modernistas , estuvo asociado con la École de Paris, así como con varios estilos artísticos importantes y creó obras en una amplia gama de formatos artísticos, incluyendo pinturas, dibujos, ilustraciones de libros, vidrieras , escenografías, cerámicas, tapices y grabados de bellas artes.
Chagall nació en 1887 en el seno de una familia judía cerca de Vitebsk , hoy Bielorrusia , pero en ese momento en la Zona de Asentamiento del Imperio Ruso. Antes de la Primera Guerra Mundial , viajó entre San Petersburgo , París y Berlín . Durante ese período, creó su propia mezcla y estilo de arte moderno, basado en sus ideas del folclore judío y de Europa del Este. Pasó los años de la guerra en su natal Bielorrusia, convirtiéndose en uno de los artistas más distinguidos del país y miembro de la vanguardia modernista , fundando la Escuela de Artes de Vitebsk . Más tarde trabajó en Moscú y sus alrededores en condiciones difíciles durante los tiempos difíciles en Rusia después de la Revolución bolchevique , antes de volver a París en 1923. Durante la Segunda Guerra Mundial , escapó de la Francia ocupada a los Estados Unidos, donde vivió en la ciudad de Nueva York durante siete años antes de regresar a Francia en 1948.
El crítico de arte Robert Hughes se refirió a Chagall como "el artista judío por excelencia del siglo XX". Según el historiador de arte Michael J. Lewis, Chagall fue considerado como "el último sobreviviente de la primera generación de modernistas europeos". Durante décadas, "también había sido respetado como el artista judío más preeminente del mundo". [15] Utilizando el medio de las vidrieras, produjo vidrieras para las catedrales de Reims y Metz , así como para el Fraumünster en Zúrich , vidrieras para la ONU y el Instituto de Arte de Chicago y las Vidrieras de Jerusalén en Israel. También hizo pinturas a gran escala, incluida parte del techo de la Ópera de París . Experimentó la "edad de oro" del modernismo en París, donde "sintetizó las formas de arte del cubismo , el simbolismo y el fauvismo , y la influencia del fauvismo dio lugar al surrealismo ". Sin embargo, a lo largo de estas fases de su estilo "siguió siendo enfáticamente un artista judío, cuyo trabajo era una larga ensoñación de la vida en su pueblo natal de Vitebsk". [16] "Cuando Matisse muera", comentó Pablo Picasso en la década de 1950, "Chagall será el único pintor que quede que entienda lo que es realmente el color". [17]
Marc Chagall nació como Moishe Shagal en 1887, en una familia judía en Liozna , [1] cerca de la ciudad de Vitebsk , Bielorrusia, entonces parte del Imperio ruso . [18] En el momento de su nacimiento, la población de Vitebsk era de aproximadamente 66.000. La mitad de la población era judía. [16] Una pintoresca ciudad de iglesias y sinagogas, fue llamada " Toledo ruso " por el artista Ilya Repin , en honor a la ciudad cosmopolita del antiguo Imperio español . [19] Debido a que la ciudad fue construida principalmente de madera, poco de ella sobrevivió años de ocupación y destrucción durante la Segunda Guerra Mundial.
Chagall era el mayor de nueve hijos. El apellido Shagal es una variante del nombre Segal , que en una comunidad judía solía ser usado por una familia levita . [20] Su padre, Khatskl (Zachar) Shagal, trabajaba para un comerciante de arenques, y su madre, Feige-Ite, vendía comestibles en su casa. Su padre trabajaba duro, cargando barriles pesados, y ganaba 20 rublos al mes (el salario promedio en todo el Imperio ruso era de 13 rublos al mes). Chagall escribió sobre esos primeros años:
Día tras día, en invierno y en verano, a las seis de la mañana, mi padre se levantaba y se dirigía a la sinagoga. Allí rezaba su oración habitual por algún muerto. A su regreso, preparaba el samovar , bebía té y se ponía a trabajar. Un trabajo infernal, el trabajo de un galeote. ¿Por qué intentar ocultarlo? ¿Cómo contarlo? Ninguna palabra aliviará jamás la suerte de mi padre... Siempre había mantequilla y queso en abundancia en nuestra mesa. El pan con mantequilla, como un símbolo eterno, nunca se apartó de mis manos infantiles. [21]
Una de las principales fuentes de ingresos de la población judía de la ciudad era la fabricación de ropa que se vendía en todo el Imperio ruso. También fabricaban muebles y diversas herramientas agrícolas. [22] Desde finales del siglo XVIII hasta la Primera Guerra Mundial, el gobierno imperial ruso confinó a los judíos a vivir dentro de la Zona de Asentamiento , que incluía las actuales Ucrania, Bielorrusia, Polonia, Lituania y Letonia, que se correspondía casi exactamente con el territorio de la Mancomunidad de Polonia-Lituania que fue tomada por la Rusia imperial a finales del siglo XVIII. Eso llevó a la creación de pueblos-mercado judíos ( shtetls ) en toda la actual Europa del Este, con sus propios mercados, escuelas, hospitales y otras instituciones comunitarias. [23] : 14
Chagall escribió cuando era niño: "A cada paso que daba sentía que era judío, la gente me lo hacía sentir". [24] [25] Durante un pogromo , Chagall escribió: "Las farolas de la calle están apagadas. Siento pánico, especialmente delante de las ventanas de los carniceros. Allí se pueden ver terneros que todavía están vivos tirados junto a las hachas y cuchillos de los carniceros". [25] [26] Cuando algunos pogromniks le preguntaron "¿judío o no?", Chagall recordó haber pensado: "Mis bolsillos están vacíos, mis dedos sensibles, mis piernas débiles y están sedientas de sangre. Mi muerte sería inútil. Quería tanto vivir". [25] [26] Chagall negó ser judío, lo que llevó a los pogromniks a gritar "¡Está bien! ¡Váyanse!" [25] [26]
La mayor parte de lo que se sabe sobre la vida temprana de Chagall proviene de su autobiografía, Mi vida . En ella, describe la gran influencia que la cultura del judaísmo jasídico tuvo en su vida como artista. Chagall contó cómo se dio cuenta de que las tradiciones judías en las que había crecido estaban desapareciendo rápidamente y que necesitaba documentarlas. Desde la década de 1730, la propia Vitebsk había sido un centro de esa cultura, con sus enseñanzas derivadas de la Cábala . La estudiosa de Chagall, Susan Tumarkin Goodman, describe los vínculos y las fuentes de su arte con su hogar de antaño:
El arte de Chagall puede entenderse como la respuesta a una situación que ha marcado durante mucho tiempo la historia de los judíos rusos. Aunque fueron innovadores culturales que hicieron importantes contribuciones a la sociedad en general, los judíos eran considerados marginados en una sociedad frecuentemente hostil... El propio Chagall nació en una familia profundamente religiosa; sus padres eran judíos jasídicos observantes que encontraban satisfacción espiritual en una vida definida por su fe y organizada por la oración. [23] : 14
En el Imperio ruso de aquella época, a los niños judíos no se les permitía asistir a escuelas regulares y las universidades imponían una cuota para ellos . También se restringía su movimiento dentro de la ciudad. Chagall, por tanto, recibió su educación primaria en la escuela religiosa judía local, donde estudió hebreo y la Biblia. A los 13 años, su madre intentó inscribirlo en una escuela secundaria regular, y él recuerda: "Pero en esa escuela no aceptan judíos. Sin dudarlo un momento, mi valiente madre se acercó a un profesor". Le ofreció al director 50 rublos para que lo dejara asistir, lo que él aceptó. [21]
Un punto de inflexión en su vida artística llegó cuando vio por primera vez a un compañero de estudios dibujando. Baal-Teshuvá escribe que, para el joven Chagall, ver a alguien dibujar "era como una visión, una revelación en blanco y negro". Chagall diría más tarde que no había arte de ningún tipo en la casa de su familia y que el concepto le resultaba totalmente ajeno. Cuando Chagall le preguntó al compañero de escuela cómo había aprendido a dibujar, su amigo le respondió: "Ve y busca un libro en la biblioteca, idiota, elige cualquier dibujo que te guste y cópialo". Pronto empezó a copiar imágenes de libros y la experiencia le resultó tan gratificante que decidió que quería convertirse en artista. [22]
Goodman escribe que Chagall finalmente le confió a su madre: "Quiero ser pintor", aunque ella aún no podía entender su repentino interés por el arte o por qué elegiría una vocación que "parecía tan poco práctica". El joven Chagall explicó: "Hay un lugar en la ciudad; si me admiten y si completo el curso, saldré como un artista regular. ¡Sería tan feliz!". Era 1906, y había notado el estudio de Yehuda (Yuri) Pen , un artista realista que dirigía una escuela de dibujo en Vitebsk. Al mismo tiempo, los futuros artistas El Lissitzky y Ossip Zadkine también fueron estudiantes de Pen. Debido a la juventud de Chagall y la falta de ingresos, Pen se ofreció a enseñarle gratis. Sin embargo, después de unos meses en la escuela, Chagall se dio cuenta de que la pintura de retratos académicos no le convenía. [22]
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Goodman señala que durante ese período en la Rusia imperial, los judíos tenían dos formas de unirse al mundo del arte: una era “ocultar o negar sus raíces judías” y la otra –la que eligió Chagall– era “valorar y expresar públicamente sus raíces judías” integrándolas en el arte. Para Chagall, ese era también su medio de “autoafirmación y expresión de principios”. [23] : 14
El biógrafo de Chagall, Franz Meyer, explica que, con las conexiones entre su arte y su vida temprana, "el espíritu jasídico sigue siendo la base y la fuente de alimento de su arte". [27] Lewis añade: "Aunque más tarde se convertiría en un artista cosmopolita, su acervo de imágenes visuales nunca se expandiría más allá del paisaje de su infancia, con sus calles nevadas, casas de madera y violinistas omnipresentes... [con] escenas de la infancia tan indeleblemente grabadas en la mente y que las dotarían de una carga emocional tan intensa que sólo podía ser descargada de manera oblicua a través de una repetición obsesiva de los mismos símbolos e ideogramas crípticos..." [16]
Años después, a los 57 años, mientras vivía en Estados Unidos, Chagall confirmó que cuando publicó una carta abierta titulada "A mi ciudad Vitebsk":
¿Por qué? ¿Por qué te dejé hace tantos años?... Pensabas: el niño busca algo, busca una sutileza tan especial, ese color que desciende como estrellas del cielo y se posa, brillante y transparente, como la nieve sobre nuestros tejados. ¿De dónde lo ha sacado? ¿Cómo le ha llegado a un niño como él? No sé por qué no lo ha podido encontrar con nosotros, en la ciudad, en su tierra natal. Tal vez el niño esté "loco", pero "loco" por amor al arte... Pensabas: "Puedo ver, estoy grabado en el corazón del niño, pero él sigue "volando", sigue esforzándose por despegar, tiene "viento" en la cabeza".... Yo no viví contigo, pero no tengo un solo cuadro que no respire con tu espíritu y tu reflejo. [28]
En 1906 se trasladó a San Petersburgo , que era entonces la capital del Imperio ruso y el centro de la vida artística del país, con famosas escuelas de arte. Como a los judíos no se les permitía entrar en la ciudad sin un pasaporte interno, consiguió un pasaporte temporal de un amigo. Se matriculó en una prestigiosa escuela de arte y estudió allí durante dos años. [22] En 1907, había comenzado a pintar autorretratos y paisajes naturalistas. Chagall era un miembro activo de la logia masónica irregular , el Gran Oriente de los Pueblos de Rusia . [29] Pertenecía a la logia "Vitebsk".
Entre 1908 y 1910, Chagall fue alumno de Léon Bakst en la Escuela de Dibujo y Pintura Zvantseva. Durante su estancia en San Petersburgo, descubrió el teatro experimental y la obra de artistas como Paul Gauguin . [30] Bakst, también judío, fue diseñador de arte decorativo y famoso como dibujante y diseñador de escenografías y vestuario para los Ballets Rusos , y ayudó a Chagall actuando como modelo a seguir para el éxito judío. Bakst se mudó a París un año después. El historiador de arte Raymond Cogniat escribe que después de vivir y estudiar arte por su cuenta durante cuatro años, "Chagall entró en la corriente principal del arte contemporáneo... Una vez finalizado su aprendizaje, Rusia había desempeñado un papel inicial memorable en su vida". [31] : 30
Chagall permaneció en San Petersburgo hasta 1910, visitando a menudo Vitebsk, donde conoció a Bella Rosenfeld . En Mi vida , Chagall describió su primer encuentro con ella: "Su silencio es mío, sus ojos míos. Es como si supiera todo sobre mi infancia, mi presente, mi futuro, como si pudiera ver a través de mí". [22] : 22 Bella escribió más tarde, sobre su encuentro, "Cuando vislumbrabas sus ojos, eran tan azules como si hubieran caído directamente del cielo. Eran ojos extraños... largos, almendrados... y cada uno parecía navegar solo, como un pequeño barco". [32]
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En 1910, Chagall se trasladó a París para desarrollar su estilo artístico. El historiador de arte y curador James Sweeney señala que cuando Chagall llegó por primera vez a París, el cubismo era la forma de arte dominante y el arte francés todavía estaba dominado por la "perspectiva materialista del siglo XIX". Pero Chagall llegó de Rusia con "un don de color maduro, una respuesta fresca y desvergonzada al sentimiento, un sentimiento por la poesía simple y un sentido del humor", agrega. Estas nociones eran ajenas a París en ese momento y, como resultado, su primer reconocimiento no vino de otros pintores sino de poetas como Blaise Cendrars y Guillaume Apollinaire . [34] : 7 El historiador de arte Jean Leymarie observa que Chagall comenzó a pensar en el arte como "emergiendo del ser interno hacia afuera, del objeto visto hacia la efusión psíquica", que era lo opuesto a la forma cubista de crear. [35]
Por lo tanto, desarrolló amistades con Guillaume Apollinaire y otros artistas de vanguardia , incluidos Robert Delaunay y Fernand Léger . [36] Baal-Teshuva escribe que "el sueño de Chagall de París, la ciudad de la luz y, sobre todo, de la libertad, se había hecho realidad". [22] : 33 Sus primeros días fueron una dificultad para Chagall, de 23 años, que se sentía solo en la gran ciudad y no podía hablar francés. Algunos días "se sentía como si huyera de regreso a Rusia, mientras soñaba despierto mientras pintaba, sobre las riquezas del folclore eslavo , sus experiencias jasídicas , su familia y especialmente Bella".
En París, se matriculó en la Académie de La Palette , una escuela de arte de vanguardia donde enseñaban los pintores Jean Metzinger , André Dunoyer de Segonzac y Henri Le Fauconnier , y también encontró trabajo en otra academia. Pasaba sus horas libres visitando galerías y salones, especialmente el Louvre ; entre los artistas que llegó a admirar se encontraban Rembrandt , los hermanos Le Nain , Chardin , van Gogh , Renoir , Pissarro , Matisse , Gauguin , Courbet , Millet , Manet , Monet , Delacroix y otros. Fue en París donde aprendió la técnica del gouache , que utilizó para pintar escenas bielorrusas. También visitó Montmartre y el Barrio Latino "y era feliz simplemente respirando el aire parisino". [22] Baal-Teshuvá describe esta nueva fase en el desarrollo artístico de Chagall:
Chagall paseaba exultante, embriagado, por las calles y las orillas del Sena. Todo lo que rodeaba la capital francesa le emocionaba: las tiendas, el olor del pan recién hecho por la mañana, los mercados con sus frutas y verduras frescas, los amplios bulevares, los cafés y restaurantes y, sobre todo, la Torre Eiffel. Otro mundo completamente nuevo que se le abrió fue el caleidoscopio de colores y formas en las obras de los artistas franceses. Chagall examinó con entusiasmo sus múltiples y diferentes tendencias, lo que le obligó a repensar su posición como artista y decidir qué camino creativo quería seguir. [22] : 33
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Durante su estancia en París, Chagall recordaba constantemente su hogar en Vitebsk, ya que París también era el hogar de muchos pintores, escritores, poetas, compositores, bailarines y otros emigrados del Imperio ruso. Sin embargo, "noche tras noche pintaba hasta el amanecer", y sólo entonces se iba a la cama durante unas horas, y resistía las muchas tentaciones de la gran ciudad por la noche. [22] : 44 "Mi patria existe sólo en mi alma", dijo una vez. [35] : viii Continuó pintando motivos y temas judíos de sus recuerdos de Vitebsk, aunque incluyó escenas parisinas, en particular la Torre Eiffel, junto con retratos. Muchas de sus obras eran versiones actualizadas de pinturas que había hecho en Rusia, transpuestas en claves fauvistas o cubistas . [16]
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Chagall desarrolló todo un repertorio de motivos extravagantes: figuras fantasmales flotando en el cielo, ... el violinista gigante bailando sobre casas de muñecas en miniatura, el ganado y los úteros transparentes y, dentro de ellos, diminutas crías durmiendo boca abajo. [16] La mayoría de sus escenas de la vida en Vitebsk fueron pintadas mientras vivía en París, y "en cierto sentido eran sueños", señala Lewis. Su "matiz de añoranza y pérdida", con una apariencia distante y abstracta, hizo que Apollinaire se sintiera "impresionado por esta cualidad", llamándolas "sobrenaturales". Sus "híbridos animales/humanos y fantasmas aéreos" se convertirían más tarde en una influencia formativa en el surrealismo . [16] Chagall, sin embargo, no quería que su obra se asociara con ninguna escuela o movimiento y consideraba que su propio lenguaje personal de símbolos tenía significado para él. Pero Sweeney señala que otros a menudo todavía asocian su obra con "pintura ilógica y fantástica", especialmente cuando utiliza "curiosas yuxtaposiciones representativas". [34] : 10
Sweeney escribe que "ésta es la contribución de Chagall al arte contemporáneo: el despertar de una poesía de la representación, evitando la ilustración factual por un lado, y las abstracciones no figurativas por el otro". André Breton dijo que "con él solo, la metáfora hizo su regreso triunfal a la pintura moderna". [34] : 7
Como echaba de menos a su prometida, Bella, que seguía en Vitebsk —«pensaba en ella día y noche», escribe Baal-Teshuvá— y tenía miedo de perderla, Chagall decidió aceptar una invitación de un conocido marchante de arte de Berlín para exponer su obra, con la intención de continuar su viaje a Bielorrusia, casarse con Bella y luego regresar con ella a París. Chagall llevó 40 lienzos y 160 gouaches, acuarelas y dibujos para exponerlos. La exposición, celebrada en la galería Sturm de Herwarth Walden , fue un gran éxito: «Los críticos alemanes lo elogiaron positivamente». [22]
Después de la exposición, continuó su viaje a Vitebsk, donde tenía previsto quedarse sólo el tiempo suficiente para casarse con Bella. Sin embargo, al cabo de unas semanas, comenzó la Primera Guerra Mundial, que cerró la frontera rusa por tiempo indefinido. Un año después se casó con Bella Rosenfeld y tuvieron su primera hija, Ida. Antes del matrimonio, Chagall tuvo dificultades para convencer a los padres de Bella de que sería un marido adecuado para su hija. Les preocupaba que se casara con un pintor de una familia pobre y se preguntaban cómo la mantendría. Convertirse en un artista de éxito se convirtió en una meta y una inspiración. Según Lewis, "[L]as pinturas eufóricas de esta época, que muestran a la joven pareja flotando como un globo sobre Vitebsk (sus edificios de madera tallados a la manera de Delaunay) son las más alegres de su carrera". [16] Sus fotografías de boda también fueron un tema al que volvería en años posteriores cuando reflexionara sobre este período de su vida. [22] : 75
En 1915, Chagall comenzó a exponer su obra en Moscú, primero en un salón conocido y en 1916 expuso cuadros en San Petersburgo. Volvió a mostrar su arte en una exposición de artistas de vanguardia en Moscú. Esta exposición le trajo reconocimiento y varios coleccionistas adinerados comenzaron a comprar su arte. También comenzó a ilustrar varios libros en yiddish con dibujos a tinta. Ilustró El mago de IL Peretz en 1917. [37] Chagall tenía 30 años y había comenzado a hacerse conocido. [22] : 77
La Revolución de Octubre de 1917 fue una época peligrosa para Chagall, aunque también le ofreció una oportunidad. Chagall escribió que llegó a temer las órdenes bolcheviques que se imponían en las vallas, y escribió: «Las fábricas se paralizaban. Los horizontes se abrían. Espacio y vacío. No más pan. Las letras negras de los carteles matinales me hacían sentir mal del corazón». [38] Chagall solía pasar hambre durante días, y más tarde recordó haber visto «a una novia, a los mendigos y a los pobres desgraciados cargados con fardos», lo que le llevó a concluir que el nuevo régimen había puesto al Imperio ruso «patas arriba, como yo pongo mis cuadros». [38] Para entonces era uno de los artistas más distinguidos de la Rusia imperial y miembro de la vanguardia modernista , que disfrutaba de privilegios especiales y prestigio como el «brazo estético de la revolución». [16] Se le ofreció un puesto destacado como comisario de artes visuales del país, pero prefirió algo menos político y en su lugar aceptó un trabajo como comisario de artes de Vitebsk. Esto dio como resultado la fundación de la Escuela Superior de Artes de Vitebsk que, añade Lewis, se convirtió en la "escuela de arte más distinguida de la Unión Soviética".
Chagall consiguió para su facultad a algunos de los artistas más importantes del país, como El Lissitzky y Kazimir Malevich . También incorporó a su primer maestro, Yehuda Pen . Chagall intentó crear una atmósfera de colectivo de artistas de mentalidad independiente, cada uno con su propio estilo único. Sin embargo, esto pronto resultaría difícil, ya que algunos de los miembros clave de la facultad preferían un arte suprematista de cuadrados y círculos, y desaprobaban el intento de Chagall de crear un "individualismo burgués". Chagall dimitió entonces como comisario y se trasladó a Moscú.
En Moscú le ofrecieron un trabajo como diseñador de escenarios para el recién formado Teatro de Cámara Estatal Judío. [39] Estaba previsto que comenzara a funcionar a principios de 1921 con varias obras de Sholem Aleichem . Para su inauguración, creó una serie de grandes murales de fondo utilizando técnicas que aprendió de Bakst, su primer maestro. Uno de los murales principales medía 2,7 m de alto por 7,3 m de largo e incluía imágenes de varios temas animados, como bailarines, violinistas, acróbatas y animales de granja. Un crítico de la época lo llamó "jazz hebreo en pintura". Chagall lo creó como un "depósito de símbolos y dispositivos", señala Lewis. [16] Los murales "constituyeron un hito" en la historia del teatro y fueron precursores de sus posteriores obras a gran escala, incluidos los murales para la Ópera Metropolitana de Nueva York y la Ópera de París . [22] : 87
La Primera Guerra Mundial terminó en 1918, pero la Guerra Civil Rusa continuó y la hambruna se extendió. Los Chagall se vieron en la necesidad de mudarse a una ciudad más pequeña y menos costosa cerca de Moscú, aunque Chagall ahora tenía que viajar a Moscú diariamente, utilizando trenes abarrotados. En 1921, trabajó como profesor de arte junto con su amigo el escultor Isaac Itkind en un refugio para niños judíos en los suburbios de Malakhovka , que albergaba a jóvenes refugiados que habían quedado huérfanos por los pogromos. [17] : 270 Mientras estaba allí, creó una serie de ilustraciones para el ciclo de poesía yiddish Grief escrito por David Hofstein , quien era otro maestro en el refugio de Malakhovka. [17] : 273
Tras vivir en condiciones primitivas entre 1921 y 1922, decidió volver a Francia para poder desarrollar su arte en un país más confortable. Numerosos artistas, escritores y músicos también planeaban trasladarse a Occidente. Solicitó un visado de salida y, mientras esperaba su aprobación incierta, escribió su autobiografía, Mi vida . [22] : 121
En 1923, Chagall abandonó Moscú para regresar a Francia. En su camino se detuvo en Berlín para recuperar los numerosos cuadros que había dejado allí expuestos diez años antes, antes de que comenzara la guerra, pero no pudo encontrar ni recuperar ninguno de ellos. No obstante, después de regresar a París, volvió a "redescubrir la libre expansión y la realización que eran tan esenciales para él", escribe Lewis. Con todas sus obras tempranas ahora perdidas, comenzó a intentar pintar a partir de sus recuerdos de sus primeros años en Vitebsk con bocetos y pinturas al óleo. [16]
Entabló una relación comercial con el marchante de arte francés Ambroise Vollard , lo que le inspiró a empezar a crear grabados para una serie de libros ilustrados, entre ellos Las almas muertas de Gógol , la Biblia y las Fábulas de La Fontaine . Estas ilustraciones acabarían representando sus mejores esfuerzos en el campo del grabado. [16] En 1924 viajó a Bretaña y pintó La fenêtre sur l' Île-de-Bréhat . [40] En 1926 realizó su primera exposición en Estados Unidos en la galería Reinhardt de Nueva York, que incluyó unas 100 obras, aunque no viajó a la inauguración. En cambio, se quedó en Francia, "pintando sin cesar", señala Baal-Teshuva. [22] No fue hasta 1927 que Chagall se hizo un nombre en el mundo del arte francés, cuando el crítico de arte e historiador Maurice Raynal le concedió un lugar en su libro Pintores franceses modernos . Sin embargo, Raynal todavía no sabía cómo describir con precisión a Chagall a sus lectores:
Chagall interroga la vida a la luz de una sensibilidad refinada, ansiosa, infantil, de un temperamento ligeramente romántico... una mezcla de tristeza y alegría característica de una visión grave de la vida. Su imaginación, su temperamento, sin duda prohíben una severidad latina en la composición. [17] : 314
Durante este período viajó por toda Francia y la Costa Azul , donde disfrutó de los paisajes, la vegetación colorida, el azul del mar Mediterráneo y el clima templado. Hizo repetidos viajes al campo, llevando su cuaderno de bocetos. [17] : 9 También visitó países cercanos y más tarde escribió sobre las impresiones que algunos de esos viajes le dejaron:
Quisiera recordar lo provechosos que han sido para mí, en el sentido artístico, mis viajes fuera de Francia: a Holanda, a España, a Italia, a Egipto, a Palestina o simplemente al sur de Francia. Allí, en el sur, por primera vez en mi vida, vi ese verdor intenso, como nunca había visto en mi propio país. En Holanda creí descubrir esa luz familiar y palpitante, como la luz entre la tarde y el crepúsculo. En Italia encontré esa paz de los museos que la luz del sol infundía vida. En España, me alegró encontrar la inspiración de un pasado místico, aunque a veces cruel, y la canción de su cielo y de su gente. Y en Oriente [Palestina] encontré inesperadamente la Biblia y una parte de mi ser. [28] : 77
Tras regresar a París de uno de sus viajes, Vollard encargó a Chagall que ilustrara el Antiguo Testamento . Aunque podría haber completado el proyecto en Francia, utilizó el encargo como excusa para viajar al Mandato Británico de Palestina y experimentar por sí mismo la Tierra Santa . En 1931, Marc Chagall y su familia viajaron a Tel Aviv por invitación de Meir Dizengoff . Dizengoff había animado previamente a Chagall a visitar Tel Aviv en relación con el plan de Dizengoff de construir un Museo de Arte Judío en la nueva ciudad. Chagall y su familia fueron invitados a alojarse en la casa de Dizengoff en Tel Aviv, que más tarde se convertiría en el Salón de la Independencia del Estado de Israel .
Chagall acabó quedándose en Tierra Santa durante dos meses. Se sentía como en casa en Israel, donde mucha gente hablaba yiddish y ruso. Según Jacob Baal-Teshuvá, "quedó impresionado por el espíritu pionero de la gente de los kibutzim y profundamente conmovido por el Muro de los Lamentos y los demás lugares sagrados". [22] : 133
Chagall le dijo más tarde a un amigo que Israel le había producido «la impresión más vívida que jamás había recibido». Sin embargo, Wullschlager señala que, mientras que Delacroix y Matisse habían encontrado inspiración en el exotismo del norte de África, él, como judío en Israel, tenía una perspectiva diferente. «Lo que realmente buscaba allí no era un estímulo externo, sino una autorización interior de la tierra de sus antepasados para sumergirse en su trabajo sobre las ilustraciones de la Biblia». [17] : 343 Chagall afirmó que «en Oriente encontré la Biblia y parte de mi propio ser».
Como resultado, se sumergió en "la historia de los judíos, sus juicios, profecías y desastres", señala Wullschlager. Añade que comenzar el encargo fue un "riesgo extraordinario" para Chagall, ya que finalmente se había convertido en un pintor contemporáneo destacado, pero ahora terminaría con sus temas modernistas y se adentraría en "un pasado antiguo". [17] : 350 Entre 1931 y 1934 trabajó "obsesivamente" en "La Biblia", incluso yendo a Ámsterdam para estudiar cuidadosamente las pinturas bíblicas de Rembrandt y El Greco , para ver los extremos de la pintura religiosa. Caminó por las calles del barrio judío de la ciudad para volver a sentir la atmósfera anterior. Le dijo a Franz Meyer:
No vi la Biblia, la soñé. Desde la más tierna infancia, la Biblia me cautivó. Siempre me ha parecido y me sigue pareciendo hoy la mayor fuente de poesía de todos los tiempos. [17] : 350
Chagall veía el Antiguo Testamento como una "historia humana, ... no con la creación del cosmos sino con la creación del hombre, y sus figuras de ángeles se riman o se combinan con las de los humanos", escribe Wullschlager. Señala que en una de sus primeras imágenes bíblicas, "Abraham y los tres ángeles", los ángeles están sentados y charlan con una copa de vino "como si acabaran de llegar a cenar". [17] : 350
Volvió a Francia y al año siguiente había completado 32 de las 105 láminas totales. En 1939, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, había terminado 66. Sin embargo, Vollard murió ese mismo año. Cuando la serie se completó en 1956, fue publicada por Edition Tériade . Baal-Teshuva escribe que "las ilustraciones eran impresionantes y tuvieron gran aceptación. Una vez más, Chagall había demostrado ser uno de los artistas gráficos más importantes del siglo XX". [22] : 135 Leymarie ha descrito estos dibujos de Chagall como "monumentales" y,
...llenas de inspiración divina, que recorren el destino legendario y la historia épica de Israel desde el Génesis hasta los Profetas, pasando por los Patriarcas y los Héroes. Cada cuadro se vuelve uno con el acontecimiento, informando al texto con una intimidad solemne desconocida desde Rembrandt. [35] : ix
Poco después de que Chagall comenzara a trabajar en la Biblia , Adolf Hitler llegó al poder en Alemania. Se estaban introduciendo leyes antisemitas y se había establecido el primer campo de concentración en Dachau . Wullschlager describe los primeros efectos en el arte:
Los nazis habían iniciado su campaña contra el arte modernista tan pronto como tomaron el poder. El arte expresionista, cubista, abstracto y surrealista —todo lo intelectual, judío, extranjero, de inspiración socialista o difícil de entender— fue objeto de ataques, desde Picasso y Matisse hasta Cézanne y van Gogh; en su lugar, se ensalzó el realismo alemán tradicional, accesible y abierto a la interpretación patriótica. [17] : 374
A principios de 1937, un comité dirigido por Joseph Goebbels confiscó cerca de veinte mil obras de museos alemanes por considerarlas "degeneradas" . [17] : 375 Aunque la prensa alemana en su día "se había desmayado por él", las nuevas autoridades alemanas se burlaron del arte de Chagall, describiéndolos como "judíos verdes, morados y rojos que salían disparados de la tierra, tocando violines, volando por el aire... representando [un] asalto a la civilización occidental". [17] : 376
Después de que Alemania invadiera y ocupara Francia, los Chagall permanecieron en la Francia de Vichy , sin saber que los judíos franceses, con la ayuda del gobierno de Vichy , estaban siendo recogidos y enviados a campos de concentración alemanes, de los que pocos regresarían. El gobierno colaboracionista de Vichy, dirigido por el mariscal Philippe Pétain , inmediatamente después de asumir el poder estableció una comisión para "redefinir la ciudadanía francesa" con el objetivo de despojar a los "indeseables", incluidos los ciudadanos naturalizados, de su nacionalidad francesa. Chagall había estado tan involucrado con su arte, que no fue hasta octubre de 1940, después de que el gobierno de Vichy, a instancias de las fuerzas de ocupación nazis, comenzara a aprobar leyes antisemitas, que comenzó a comprender lo que estaba sucediendo. Al enterarse de que los judíos estaban siendo retirados de los puestos públicos y académicos, los Chagall finalmente "despertaron ante el peligro al que se enfrentaban". Pero Wullschlager señala que "para entonces estaban atrapados". [17] : 382 Su único refugio podía ser Estados Unidos, pero "no podían costear el pasaje a Nueva York" ni la gran fianza que cada inmigrante debía presentar al entrar para asegurarse de no convertirse en una carga financiera para el país.
Según Wullschlager, "la velocidad con la que Francia se derrumbó asombró a todos: el ejército francés [apoyado por los británicos] capituló incluso más rápidamente que Polonia" un año antes. Las ondas de choque cruzaron el Atlántico... ya que hasta entonces París había sido equiparada con la civilización en todo el mundo no nazi". [17] : 388 Sin embargo, el apego de los Chagall a Francia "los cegó ante la urgencia de la situación". [17] : 389 Muchos otros artistas rusos y judíos conocidos finalmente intentaron escapar: estos incluyeron a Chaïm Soutine , Max Ernst , Max Beckmann , Ludwig Fulda , el autor Victor Serge y el galardonado autor Vladimir Nabokov , quien, aunque no era judío, estaba casado con una mujer judía. [41] : 1181 El autor ruso Victor Serge describió a muchas de las personas que vivían temporalmente en Marsella que esperaban emigrar a los EE. UU.:
Aquí hay un callejón de mendigos que reúne los restos de revoluciones, democracias e intelectos aplastados... En nuestras filas hay suficientes médicos, psicólogos, ingenieros, pedagogos, poetas, pintores, escritores, músicos, economistas y hombres públicos para vitalizar todo un gran país. [17] : 392
Después de la insistencia de su hija Ida, que "percibió la necesidad de actuar rápido", [17] : 388 y con la ayuda de Alfred Barr del Museo de Arte Moderno de Nueva York , Chagall se salvó al tener su nombre añadido a la lista de artistas destacados cuyas vidas estaban en riesgo y que Estados Unidos debería tratar de rescatar. Varian Fry , el periodista estadounidense, e Hiram Bingham IV , el vicecónsul estadounidense en Marsella, llevaron a cabo una operación de rescate para sacar de contrabando a artistas e intelectuales de Europa a los EE. UU. proporcionándoles visas falsificadas para los EE. UU. En abril de 1941, Chagall y su esposa fueron despojados de su ciudadanía francesa. Los Chagall se alojaron en el Hotel Moderne de Marsella, donde fueron arrestados junto con otros judíos. Varian Fry logró presionar a la policía francesa para que lo liberara, amenazándolos con un escándalo. [42] [43] Chagall fue uno de los más de 2000 que fueron rescatados por esta operación. Chagall y Bella abandonaron Francia en mayo de 1941, «cuando ya era casi demasiado tarde», añade Lewis. También invitaron a Picasso y Matisse a venir a Estados Unidos, pero decidieron quedarse en Francia. El 10 de junio de 1941, Chagall y Bella partieron de Lisboa a bordo del barco portugués Mouzinho . Entre los pasajeros había 119 niños refugiados, a los que Chagall dio lecciones de dibujo durante el viaje. [44] El barco llegó a Staten Island el 21 de junio, [45] el día antes de que Alemania invadiera la Unión Soviética. Ida y su marido Michel los siguieron en el famoso barco de refugiados Navemar con una gran caja de obras de Chagall. [46] Un encuentro casual de posguerra en un café francés entre Ida y el analista de inteligencia Konrad Kellen llevó a Kellen a llevar más pinturas a su regreso a Estados Unidos. [47]
Incluso antes de llegar a los Estados Unidos en 1941, Chagall recibió el tercer premio del Premio Carnegie en 1939 por "Los novios" . Después de estar en los Estados Unidos descubrió que ya había alcanzado "estatura internacional", escribe Cogniat, aunque se sentía poco adecuado para este nuevo papel en un país extranjero cuyo idioma aún no podía hablar. Se convirtió en una celebridad en gran parte contra su voluntad, sintiéndose perdido en el extraño entorno. [31] : 57
Después de un tiempo, comenzó a establecerse en Nueva York, que estaba llena de escritores, pintores y compositores que, como él, habían huido de Europa durante las invasiones nazis. Vivió en el número 4 de la calle 74 Este . [48] Pasó tiempo visitando galerías y museos, y se hizo amigo de otros artistas, incluidos Piet Mondrian y André Breton . [22] : 155
Baal-Teshuvá escribe que a Chagall le "encantaba" ir a los barrios de Nueva York donde vivían judíos, especialmente el Lower East Side . Allí se sentía como en casa, disfrutando de la comida judía y pudiendo leer la prensa yiddish, que se convirtió en su principal fuente de información ya que aún no hablaba inglés. [22]
Los artistas contemporáneos aún no entendían o ni siquiera les gustaba el arte de Chagall. Según Baal-Teshuvá, "tenían poco en común con un narrador folclórico de origen ruso-judío con propensión al misticismo". La Escuela de París, a la que se hacía referencia como "surrealismo parisino", significaba poco para ellos. [22] : 155 Sin embargo, esas actitudes comenzarían a cambiar cuando Pierre Matisse , hijo del reconocido artista francés Henri Matisse , se convirtió en su representante y dirigió las exposiciones de Chagall en Nueva York y Chicago en 1941. Una de las primeras exposiciones incluyó 21 de sus obras maestras de 1910 a 1941. [22] El crítico de arte Henry McBride escribió sobre esta exhibición para el New York Sun :
Chagall es tan gitano como cualquiera... estos cuadros hacen más por su reputación que cualquier cosa que hayamos visto anteriormente... Sus colores brillan con poesía... su obra es auténticamente rusa como la canción de un barquero del Volga... [49]
El coreógrafo Léonide Massine del Ballet Theatre de Nueva York le ofreció un encargo para diseñar los decorados y el vestuario de su nuevo ballet, Aleko . Este ballet pondría en escena las palabras de la narración en verso de Alexander Pushkin Los gitanos con la música de Chaikovski . El ballet estaba planeado originalmente para un debut en Nueva York, pero como medida de ahorro de costos se trasladó a México, donde los costos de mano de obra eran más baratos que en Nueva York. Si bien Chagall había hecho escenografías antes mientras estaba en Rusia, este era su primer ballet y le daría la oportunidad de visitar México. Mientras estaba allí, rápidamente comenzó a apreciar las "formas primitivas y el arte colorido de los mexicanos", señala Cogniat. Encontró "algo muy relacionado con su propia naturaleza", e hizo todos los detalles de color para los decorados mientras estaba allí. [31] Finalmente, creó cuatro grandes telones de fondo e hizo que costureras mexicanas cosieran los trajes de ballet.
Cuando el ballet se estrenó en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México el 8 de septiembre de 1942, se consideró un "éxito notable". [22] Entre el público se encontraban otros famosos pintores de murales que acudieron a ver la obra de Chagall, entre ellos Diego Rivera y José Clemente Orozco . Según Baal-Teshuvá, cuando terminó el último compás de la música, "hubo un aplauso tumultuoso y 19 llamadas a escena, y el propio Chagall fue llamado de nuevo al escenario una y otra vez". La producción se trasladó entonces a Nueva York, donde se presentó cuatro semanas después en la Metropolitan Opera y la respuesta se repitió: "de nuevo Chagall fue el héroe de la velada". [22] : 158 El crítico de arte Edwin Denby escribió sobre la inauguración para el New York Herald Tribune que la obra de Chagall:
se ha convertido en una exposición dramatizada de pinturas gigantes... Supera todo lo que Chagall ha hecho en escala de caballete, y es una experiencia impresionante, de un tipo que uno difícilmente espera en el teatro. [50]
Después de que Chagall regresara a Nueva York en 1943, los acontecimientos actuales comenzaron a interesarle más, y esto se vio reflejado en su arte, donde pintó temas que incluían la Crucifixión y escenas de guerra. Se enteró de que los alemanes habían destruido la ciudad donde se crió, Vitebsk, y se angustió mucho. [22] : 159 También se enteró de los campos de concentración nazis . [22] Durante un discurso en febrero de 1944, describió algunos de sus sentimientos:
Mientras tanto, el enemigo bromea diciendo que somos una "nación estúpida". Pensó que cuando comenzara a masacrar a los judíos, todos nosotros, en nuestro dolor, de repente lanzaríamos el mayor grito profético, y se nos unirían los humanistas cristianos. Pero, después de dos mil años de "cristianismo" en el mundo, digan lo que quieran, pero, con pocas excepciones, sus corazones están en silencio... Veo a los artistas de las naciones cristianas sentarse en silencio. ¿Quién los ha oído hablar? No se preocupan por sí mismos, y nuestra vida judía no les preocupa. [28] : 89
En el mismo discurso, elogió a la Rusia soviética por haber hecho todo lo posible para salvar a los judíos:
Los judíos siempre le estarán agradecidos. ¿Qué otro gran país ha salvado a un millón y medio de judíos de las manos de Hitler y ha compartido con ellos su último pedazo de pan? ¿Qué país ha abolido el antisemitismo? ¿Qué otro país ha dedicado al menos un trozo de tierra como región autónoma para los judíos que quieren vivir allí? Todo esto, y mucho más, pesa mucho en la balanza de la historia. [28] : 89
El 2 de septiembre de 1944, Bella murió repentinamente debido a una infección por estreptococos, que no pudo ser tratada en el Mercy General Hospital, ya que no tenían penicilina debido a las restricciones de la guerra. Como resultado, dejó todo trabajo durante muchos meses, y cuando volvió a pintar, sus primeros cuadros estaban relacionados con preservar la memoria de Bella. [31] Wullschlager escribe sobre el efecto en Chagall: "A medida que las noticias sobre el Holocausto en curso en los campos de concentración nazis se fueron extendiendo a lo largo de 1945 , Bella ocupó su lugar en la mente de Chagall junto con los millones de víctimas judías". Incluso consideró la posibilidad de que su "exilio de Europa hubiera minado su voluntad de vivir". [17] : 419
Tras un año de convivencia con su hija Ida y su marido Michel Gordey, inició un romance con Virginia Haggard, hija del diplomático Godfrey Haggard y sobrina nieta del escritor H. Rider Haggard ; su relación duró siete años. Tuvieron un hijo juntos, David McNeil, nacido el 22 de junio de 1946. [22] Haggard recordó sus "siete años de abundancia" con Chagall en su libro, My Life with Chagall (Robert Hale, 1986).
Unos meses después de que los Aliados lograran liberar París de la ocupación nazi, con la ayuda de los ejércitos aliados, Chagall publicó una carta en un semanario de París, "A los artistas de París":
En los últimos años me he sentido triste por no poder estar con vosotros, amigos míos. Mi enemigo me obligó a tomar el camino del exilio. En ese trágico camino perdí a mi mujer, compañera de mi vida, la mujer que fue mi inspiración. Quiero decir a mis amigos de Francia que ella se une a mí en este saludo, ella que amó a Francia y al arte francés con tanta fidelidad. Su última alegría fue la liberación de París... Ahora, cuando París sea liberado, cuando el arte de Francia resucite, también el mundo entero, de una vez por todas, quedará libre de los enemigos satánicos que querían aniquilar no sólo el cuerpo sino también el alma; el alma, sin la cual no hay vida, no hay creación artística. [28] : 101
En 1946, su obra empezó a ser más reconocida. El Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una gran exposición que representaba 40 años de su obra, y que ofreció a los visitantes una de las primeras impresiones completas de la naturaleza cambiante de su arte a lo largo de los años. La guerra había terminado y comenzó a hacer planes para regresar a París. Según Cogniat, "descubrió que estaba aún más apegado que antes, no solo a la atmósfera de París, sino a la ciudad misma, a sus casas y sus vistas". [31] Chagall resumió sus años viviendo en los EE. UU.:
Yo viví aquí, en América, durante la guerra inhumana en la que la humanidad se abandonó a sí misma... He visto el ritmo de la vida. He visto a América luchando con los aliados... la riqueza que ha distribuido para aliviar a la gente que tuvo que sufrir las consecuencias de la guerra... Me gusta América y los americanos... la gente allí es franca. Es un país joven con las cualidades y los defectos de la juventud. Es un placer amar a gente así... Sobre todo me impresiona la grandeza de este país y la libertad que da. [22] : 170
Regresó definitivamente a Francia durante el otoño de 1947, donde asistió a la inauguración de la exposición de sus obras en el Museo Nacional de Arte Moderno . [31]
Tras regresar a Francia, viajó por toda Europa y eligió vivir en la Costa Azul , que en ese momento se había convertido en una especie de "centro artístico". Matisse vivía cerca de Saint-Paul-de-Vence , a unos once kilómetros al oeste de Niza , mientras que Picasso vivía en Vallauris . Aunque vivían cerca y a veces trabajaban juntos, existía una rivalidad artística entre ellos, ya que sus trabajos eran muy diferentes, y nunca llegaron a ser amigos a largo plazo. Según la amante de Picasso, Françoise Gilot , Picasso todavía sentía un gran respeto por Chagall, y una vez le dijo:
Cuando Matisse muera, Chagall será el único pintor que entienda lo que es el color... Sus lienzos están pintados de verdad, no están simplemente amontonados. Algunas de las últimas cosas que ha hecho en Vence me convencen de que nunca ha habido nadie desde Renoir que tenga el sentido de la luz que tiene Chagall". [51]
En abril de 1952, Virginia Haggard dejó a Chagall por el fotógrafo Charles Leirens y luego se convirtió en fotógrafa profesional.
La hija de Chagall, Ida, se casó con el historiador de arte Franz Meyer en enero de 1952 y, sintiendo que su padre echaba de menos la compañía de una mujer en su casa, le presentó a Valentina (Vava) Brodsky, una mujer de origen judío ruso similar, que había dirigido un exitoso negocio de sombreros en Londres. Ella se convirtió en su secretaria y, después de unos meses, aceptó quedarse solo si Chagall se casaba con ella. El matrimonio se celebró en julio de 1952 [22] : 183 —aunque seis años después, cuando hubo un conflicto entre Ida y Vava, «Marc y Vava se divorciaron e inmediatamente se volvieron a casar bajo un acuerdo más favorable a Vava» ( Jean-Paul Crespelle , autor de Chagall, l'Amour le Réve et la Vie , citado en Haggard: My Life with Chagall ).
En 1954 fue contratado como decorador de escenarios para la producción de Robert Helpmann de la ópera Le Coq d'Or de Rimsky-Korsakov en la Royal Opera House, Covent Garden , pero se retiró. El diseñador australiano Loudon Sainthill fue contratado con poca antelación para ocupar su lugar. [52]
En los años siguientes, no sólo produjo pinturas y obras gráficas, sino también numerosas esculturas y cerámicas, entre ellas azulejos, jarrones pintados, platos y jarras. También comenzó a trabajar en formatos de mayor escala, produciendo grandes murales, vidrieras, mosaicos y tapices. [22]
En 1963, Chagall recibió el encargo de pintar el nuevo techo de la Ópera de París ( Palais Garnier ), un majestuoso edificio del siglo XIX y monumento nacional. André Malraux , ministro de Cultura de Francia, quería algo único y decidió que Chagall sería el artista ideal. Sin embargo, esta elección de artista causó controversia: algunos se opusieron a que un judío ruso decorara un monumento nacional francés; a otros no les gustó que el techo del edificio histórico fuera pintado por un artista moderno. Algunas revistas escribieron artículos condescendientes sobre Chagall y Malraux, sobre los cuales Chagall comentó a un escritor:
Realmente me tenían jurada... Es sorprendente la forma en que los franceses resienten a los extranjeros. Uno vive aquí la mayor parte de su vida. Uno se convierte en ciudadano francés naturalizado... trabaja por nada decorando sus catedrales, y aun así lo desprecian. Uno no es uno de ellos. [22] : 196
Sin embargo, Chagall continuó con el proyecto, que le llevó un año al artista de 77 años completar. El lienzo final tenía casi 220 metros cuadrados y requirió 200 kg de pintura. Tenía cinco secciones que se pegaron a paneles de poliéster y se izaron hasta el techo de 21 metros de altura. Las imágenes que Chagall pintó en el lienzo rindieron homenaje a los compositores Mozart , Wagner , Músorgski , Berlioz y Ravel , así como a actores y bailarines famosos. [22] : 199
El 23 de septiembre de 1964 se presentó al público en presencia de Malraux y 2.100 invitados. El corresponsal en París del New York Times escribió: "Por una vez, los mejores asientos estaban en el círculo más alto: [22] : 199 Baal-Teshuvá escribe:
Para empezar, la gran lámpara de cristal que colgaba del centro del techo estaba apagada... todo el cuerpo de baile subió al escenario, tras lo cual, en honor a Chagall, la orquesta de la ópera interpretó el final de la " Sinfonía Júpiter " de Mozart, el compositor favorito de Chagall. Durante los últimos compases de la música, la lámpara se encendió, dando vida a la pintura del techo del artista en todo su esplendor, provocando un aplauso entusiasta del público. [22] : 199
Después de que se inaugurara el nuevo techo, "incluso los más enconados oponentes del encargo parecieron callarse", escribe Baal-Teshuva. "La prensa declaró unánimemente que la nueva obra de Chagall era una gran contribución a la cultura francesa". Malraux dijo más tarde: "¿Qué otro artista vivo podría haber pintado el techo de la Ópera de París como lo hizo Chagall?... Es sobre todo uno de los grandes coloristas de nuestro tiempo... muchos de sus lienzos y el techo de la Ópera representan imágenes sublimes que se encuentran entre la mejor poesía de nuestro tiempo, al igual que Tiziano produjo la mejor poesía de su época". [22] : 199 En el discurso de Chagall al público, explicó el significado de la obra:
Allí arriba, en mi cuadro, quise reflejar, como un espejo en un ramo, los sueños y creaciones de los cantantes y músicos, recordar el movimiento del público vestido de colores que estaba abajo y honrar a los grandes compositores de ópera y ballet... Ahora ofrezco esta obra como un regalo de gratitud a Francia y a su Escuela de París , sin la cual no habría color ni libertad. [28] : 151
Según Cogniat, en toda la obra de Chagall, durante todas las etapas de su vida, fueron sus colores los que atrajeron y capturaron la atención del espectador. Durante sus primeros años, su gama estaba limitada por su énfasis en la forma y sus cuadros nunca dieron la impresión de dibujos pintados. Añade: "Los colores son una parte viva e integral del cuadro y nunca son pasivamente planos o banales como una idea de último momento. Esculpen y animan el volumen de las formas... se entregan a vuelos de fantasía e invención que añaden nuevas perspectivas y tonos graduados y mezclados... Sus colores ni siquiera intentan imitar la naturaleza, sino más bien sugerir movimientos, planos y ritmos". [31]
Fue capaz de transmitir imágenes impactantes utilizando sólo dos o tres colores. Cogniat escribe: "Chagall no tiene rival en esta capacidad de dar una impresión vívida de movimiento explosivo con el uso más simple de colores..." A lo largo de su vida, sus colores crearon una "atmósfera vibrante" que se basaba en "su propia visión personal". [31] : 60
La juventud de Chagall le dejó una "poderosa memoria visual y una inteligencia pictórica", escribe Goodman. Después de vivir en Francia y experimentar la atmósfera de libertad artística, su "visión se elevó y creó una nueva realidad, una que se nutría tanto de su mundo interior como del exterior". Pero fueron las imágenes y los recuerdos de sus primeros años en Bielorrusia los que sostendrían su arte durante más de 70 años. [23] : 13
Según Cogniat, hay ciertos elementos en su arte que han permanecido permanentes y visibles a lo largo de su carrera. Uno de ellos fue su elección de temas y la forma en que los retrataba. "El elemento más obviamente constante es su don para la felicidad y su compasión instintiva, que incluso en los temas más serios le impide la dramatización..." [31] : 89 Los músicos han sido una constante durante todas las etapas de su obra. Después de que se casó por primera vez, "los amantes se han buscado, se han abrazado, se han acariciado, han flotado en el aire, se han encontrado en coronas de flores, se han estirado y se han lanzado en picado como el paso melodioso de sus vívidos sueños diurnos. Los acróbatas se contorsionan con la gracia de flores exóticas en el extremo de sus tallos; las flores y el follaje abundan por todas partes". [31] Wullschlager explica las fuentes de estas imágenes:
Para él, los payasos y los acróbatas siempre se parecían a figuras de pinturas religiosas... La evolución de las obras circenses... refleja un enturbiamiento gradual de su visión del mundo, y los artistas circenses ahora dieron paso al profeta o sabio en su obra, una figura en la que Chagall vertió su ansiedad a medida que Europa se oscurecía y ya no podía confiar en la lumiére-liberté de Francia para inspirarse. [17] : 337
Chagall describió su amor por la gente del circo:
¿Por qué me conmueven tanto sus maquillajes y sus muecas? Con ellos puedo avanzar hacia nuevos horizontes... Chaplin intenta hacer en el cine lo que yo intento hacer en mis pinturas. Es quizás el único artista actual con el que podría entenderme sin tener que decir una sola palabra. [17] : 337
Sus primeros cuadros a menudo mostraban la ciudad donde nació y se crió, Vitebsk . Cogniat señala que son realistas y dan la impresión de una experiencia de primera mano al capturar un momento en el tiempo con acción, a menudo con una imagen dramática. Durante sus últimos años, como por ejemplo en la "serie de la Biblia", los temas eran más dramáticos. Se las arregló para mezclar lo real con lo fantástico, y combinado con su uso del color, las imágenes siempre fueron al menos aceptables, si no poderosas. Nunca intentó presentar la realidad pura, sino que siempre creó sus atmósferas a través de la fantasía. [31] : 91 En todos los casos, el "tema más persistente de Chagall es la vida misma, en su simplicidad o su complejidad oculta... Presenta para nuestro estudio lugares, personas y objetos de su propia vida".
Después de absorber las técnicas del fauvismo y el cubismo (bajo la influencia de Jean Metzinger y Albert Gleizes ), [53] Chagall fue capaz de mezclar estas tendencias estilísticas con su propio estilo folklórico. Le dio a la sombría vida de los judíos jasídicos los "matices románticos de un mundo encantado", señala Goodman. Fue combinando los aspectos del modernismo con su "lenguaje artístico único" como pudo captar la atención de críticos y coleccionistas de toda Europa. En general, fue su infancia viviendo en una ciudad provincial bielorrusa lo que le proporcionó una fuente continua de estímulos imaginativos. Chagall se convertiría en uno de los muchos emigrados judíos que luego se convertirían en artistas destacados, todos ellos, de manera similar, habían sido parte de "las minorías más numerosas y creativas de Rusia", señala Goodman. [23] : 13
La Primera Guerra Mundial, que terminó en 1918, había desplazado a casi un millón de judíos y destruido la mayor parte de lo que quedaba de la cultura de los shtetl provinciales que había definido la vida de la mayoría de los judíos de Europa del Este durante siglos. Goodman señala: "El desvanecimiento de la sociedad judía tradicional dejó a artistas como Chagall con recuerdos poderosos que ya no podían alimentarse de una realidad tangible. En cambio, esa cultura se convirtió en una fuente emocional e intelectual que existía únicamente en la memoria y la imaginación... La experiencia había sido tan rica que lo sostuvo durante el resto de su vida". [23] : 15 Sweeney agrega que "si le pides a Chagall que explique sus pinturas, responderá: 'No las entiendo en absoluto. No son literatura. Son solo arreglos pictóricos de imágenes que me obsesionan... " [34] : 7
En 1948, tras regresar a Francia desde los Estados Unidos después de la guerra, vio con sus propios ojos la destrucción que la guerra había traído a Europa y a las poblaciones judías. En 1951, como parte de un libro conmemorativo dedicado a ochenta y cuatro artistas judíos que fueron asesinados por los nazis en Francia, escribió un poema titulado "Para los artistas asesinados: 1950", que inspiró pinturas como El canto de David (ver foto):
Veo el fuego, el humo y el gas que se elevan hasta la nube azul y la vuelven negra. Veo el pelo arrancado, los dientes arrancados. Me abruman con mi paleta rabiosa. Me paro en el desierto ante montones de botas, ropa, ceniza y estiércol, y mascullo mi Kaddish . Y mientras me paro, desde mis cuadros, el David pintado desciende hacia mí, arpa en mano. Quiere ayudarme a llorar y recitar capítulos de los Salmos. [28] : 114–115
Lewis escribe que Chagall "sigue siendo el artista visual más importante que ha dado testimonio del mundo del judaísmo de Europa del Este... y sin darse cuenta se convirtió en el testigo público de una civilización ahora desaparecida". [16] Aunque el judaísmo tiene inhibiciones religiosas sobre el arte pictórico de muchos temas religiosos, Chagall logró usar sus imágenes fantásticas como una forma de metáfora visual combinada con imágenes populares. Su "El violinista en el tejado", por ejemplo, combina un entorno rural folclórico con un violinista como una forma de mostrar el amor judío por la música como algo importante para el espíritu judío.
La música desempeñó un papel importante en la configuración de los temas de su obra. Si bien más tarde llegó a amar la música de Bach y Mozart, durante su juventud estuvo principalmente influenciado por la música de la comunidad jasídica en la que se crió. [54] El historiador de arte Franz Meyer señala que una de las principales razones de la naturaleza poco convencional de su obra está relacionada con el jasidismo que inspiró el mundo de su infancia y juventud y que, de hecho, había impresionado a la mayoría de los judíos de Europa del Este desde el siglo XVIII. Escribe: "Para Chagall, esta es una de las fuentes más profundas, no de inspiración, sino de una cierta actitud espiritual... el espíritu jasídico sigue siendo la base y la fuente de alimento de su arte". [31] : 24 En una charla que Chagall dio en 1963 durante una visita a los EE. UU., analizó algunas de esas impresiones.
Sin embargo, Chagall tenía una relación compleja con el judaísmo. Por un lado, consideraba que su origen cultural judío ruso había sido crucial para su imaginación artística. Pero, por ambivalente que fuera respecto de su religión, no podía evitar recurrir a su pasado judío como material artístico. De adulto, no era un judío practicante, pero a través de sus pinturas y vidrieras, trató continuamente de sugerir un "mensaje más universal", utilizando temas tanto judíos como cristianos. [55]
Durante dos mil años aproximadamente, una reserva de energía nos ha alimentado, sostenido y llenado nuestras vidas, pero durante el último siglo se ha abierto una grieta en esta reserva y sus componentes han comenzado a desintegrarse: Dios, la perspectiva, el color, la Biblia, la forma, la línea, las tradiciones, las llamadas humanidades, el amor, la devoción, la familia, la escuela, la educación, los profetas y el propio Cristo. ¿Acaso yo también he dudado en mi época? Pinté cuadros al revés, decapité personas y las diseccioné, esparciendo los pedazos por el aire, todo en nombre de otra perspectiva, otro tipo de composición pictórica y otro formalismo. [31] : 29
También se esforzó por distanciar su obra de un único enfoque judío. En la inauguración del Museo Chagall en Niza, dijo: "Mi pintura no representa el sueño de un pueblo, sino de toda la humanidad".
Una de las mayores contribuciones de Chagall al arte ha sido su trabajo con vidrieras . Este medio le permitió expresar aún más su deseo de crear colores intensos y frescos y tenía el beneficio adicional de la luz natural y la refracción interactuando y cambiando constantemente: todo, desde la posición en la que se encontraba el espectador hasta el clima exterior, alteraba el efecto visual (aunque este no es el caso de sus vidrieras de Hadassah). No fue hasta 1956, cuando tenía casi 70 años, que diseñó vidrieras [ cita requerida ] para la Église Notre-Dame de Toute Grâce du Plateau d'Assy , su primer proyecto importante. Luego, entre 1958 y 1960, creó vidrieras para la Catedral de Metz .
En 1960, comenzó a crear vidrieras para la sinagoga del Centro Médico Hadassah de la Universidad Hebrea en Jerusalén . Leymarie escribe que "para iluminar la sinagoga tanto espiritual como físicamente", se decidió que las doce ventanas, que representan a las doce tribus de Israel , se llenarían con vidrieras. Chagall imaginó la sinagoga como "una corona ofrecida a la reina judía", y las ventanas como "joyas de fuego translúcido", escribe. Chagall dedicó entonces los dos años siguientes a la tarea, y al finalizarlas en 1961, las ventanas se exhibieron en París y luego en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . Se instalaron de forma permanente en Jerusalén en febrero de 1962. Cada una de las doce ventanas mide aproximadamente 11 pies de alto y 8 pies (2,4 m) de ancho, mucho más grande que cualquier cosa que hubiera hecho antes. Cogniat las considera "su obra más grande en el campo de las vidrieras", aunque Virginia Haggard McNeil recoge la decepción de Chagall porque iban a estar iluminadas con luz artificial y, por tanto, no cambiarían según las condiciones de la luz natural.
El filósofo francés Gaston Bachelard comentó que "Chagall lee la Biblia y de repente los pasajes se vuelven claros". [35] : xii En 1973, Israel lanzó una serie de 12 sellos con imágenes de las vidrieras. [56]
Las vidrieras simbolizan las doce tribus de Israel que fueron bendecidas por Jacob y Moisés en los versículos que concluyen el Génesis y el Deuteronomio. En esos libros, señala Leymarie, "Moisés, al morir, repitió el acto solemne de Jacob y, en un orden algo diferente, bendijo también a las doce tribus de Israel que estaban a punto de entrar en la tierra de Canaán... En la sinagoga, donde las vidrieras están distribuidas de la misma manera, las tribus forman una guardia simbólica de honor alrededor del tabernáculo". [35] : xii Leymarie describe el significado físico y espiritual de las vidrieras:
La esencia de las Ventanas de Jerusalén reside en el color, en la capacidad mágica de Chagall para animar la materia y transformarla en luz. Las palabras no tienen el poder de describir el color de Chagall, su espiritualidad, su calidad musical, su luminosidad deslumbrante, su flujo cada vez más sutil y su sensibilidad a las inflexiones del alma y los transportes de la imaginación. Es a la vez duro como una joya y espumoso, reverberante y penetrante, irradiando luz desde un interior desconocido. [35] : xii
En la ceremonia de inauguración de 1962, Chagall describió sus sentimientos sobre las vidrieras:
Para mí, una vidriera es una separación transparente entre mi corazón y el corazón del mundo. La vidriera tiene que ser seria y apasionante. Es algo que eleva y emociona. Tiene que vivir a través de la percepción de la luz. Leer la Biblia es percibir una cierta luz, y la vidriera tiene que hacerla evidente a través de su sencillez y gracia... Estos pensamientos han anidado en mí durante muchos años, desde el momento en que mis pies caminaron por Tierra Santa, cuando me preparé para crear grabados de la Biblia. Me fortalecieron y me animaron a llevar mi modesto regalo al pueblo judío, ese pueblo que vivió aquí hace miles de años, entre los otros pueblos semíticos. [28] : 145–146
En 1964 Chagall creó una vidriera, titulada Paz , para la ONU en honor a Dag Hammarskjöld , el segundo secretario general de la ONU que murió en un accidente aéreo en Rodesia del Norte en 1961. La ventana tiene aproximadamente 15 pies (4,6 m) de ancho y 12 pies (3,7 m) de alto y contiene símbolos de paz y amor junto con símbolos musicales. [57] En 1967 dedicó una vidriera a John D. Rockefeller en la Union Church de Pocantico Hills , Nueva York.
La iglesia Fraumünster de Zúrich, Suiza, fundada en 853, es conocida por sus cinco grandes vitrales creados por Chagall en 1967. Cada ventana mide 9,8 m de alto por 91 cm de ancho. El historiador de la religión James H. Charlesworth señala que es "sorprendente cómo los símbolos cristianos aparecen en las obras de un artista que proviene de un entorno judío estricto y ortodoxo". Conjetura que Chagall, como resultado de su origen ruso, solía utilizar iconos rusos en sus pinturas, con sus interpretaciones de símbolos cristianos. Explica que los temas que escogía generalmente se derivaban de historias bíblicas y con frecuencia retrataban la "obediencia y el sufrimiento del pueblo elegido de Dios". Uno de los paneles representa a Moisés recibiendo la Torá, con rayos de luz saliendo de su cabeza. En la parte superior de otro panel hay una representación de la crucifixión de Jesús. [58] [59]
En 1978 comenzó a crear vidrieras para la iglesia de San Esteban en Maguncia , Alemania. Hoy, 200.000 visitantes al año visitan la iglesia, y "turistas de todo el mundo peregrinan al Monte de San Esteban para ver las vidrieras de color azul brillante del artista Marc Chagall", afirma el sitio web de la ciudad. "San Esteban es la única iglesia alemana para la que Chagall ha creado vidrieras". [60]
El sitio web también señala: "Los colores se dirigen directamente a nuestra conciencia vital, porque hablan de optimismo, esperanza y alegría en la vida", dice Monseñor Klaus Mayer, quien imparte la obra de Chagall en meditaciones y libros. Mantuvo correspondencia con Chagall durante 1973 y logró persuadir al "maestro del color y del mensaje bíblico" para que creara un signo de apego judeo-cristiano y entendimiento internacional. Siglos antes, Maguncia había sido "la capital de la judería europea" y contenía la comunidad judía más grande de Europa, señala el historiador John Man . [61] : 16 [62] En 1978, a la edad de 91 años, Chagall creó la primera ventana y le siguieron ocho más. El colaborador de Chagall, Charles Marq, complementó la obra de Chagall agregando varias vidrieras que usaban los colores típicos de Chagall.
La Iglesia de Todos los Santos, en Tudeley , es la única iglesia del mundo que tiene sus doce vidrieras decoradas por Chagall. [63] Los otros tres edificios religiosos con conjuntos completos de vidrieras de Chagall son la sinagoga del Centro Médico Hadassah , la Capilla de Le Saillant, en Limousin, y la Iglesia de la Unión de Pocantico Hills , en Nueva York. [64]
Los vitrales de Tudeley fueron encargados por Sir Henry y Lady Rosemary d'Avigdor-Goldsmid como homenaje a su hija Sarah, que murió en 1963 a los 21 años en un accidente de navegación frente a Rye . Cuando Chagall llegó para la dedicación del vitral oriental en 1967 y vio la iglesia por primera vez, exclamó: " C'est magnifique! Je les ferai tous! " ("¡Es hermoso! ¡Los haré todos!"). Durante los siguientes diez años, Chagall diseñó los once vitrales restantes, realizados nuevamente en colaboración con el vidriero Charles Marq en su taller de Reims, en el norte de Francia. Los últimos vitrales se instalaron en 1985, justo antes de la muerte de Chagall.
En el lado norte de la catedral de Chichester hay una vidriera diseñada y creada por Chagall a la edad de 90 años. La vidriera, su último encargo, se inspiró en el Salmo 150: «Todo lo que respira alabe al Señor» por sugerencia del decano Walter Hussey . [65] La vidriera fue inaugurada por la duquesa de Kent en 1978. [66]
Chagall visitó Chicago a principios de la década de 1970 para instalar su mural Las cuatro estaciones , y en ese momento se inspiró para crear un conjunto de vidrieras para el Art Institute of Chicago . [67] Después de conversaciones con el Art Institute y una mayor reflexión, Chagall hizo de las vidrieras un homenaje al Bicentenario estadounidense y, en particular, al compromiso de los Estados Unidos con la libertad cultural y religiosa. [67] Las vidrieras aparecieron de forma destacada en la película de 1986 Ferris Bueller's Day Off . [68] De 2005 a 2010, las vidrieras se trasladaron debido a la construcción cercana de una nueva ala del Art Institute y para la limpieza de archivos. [67]
Chagall trabajó por primera vez en diseños de escenarios en 1914 mientras vivía en Rusia, bajo la inspiración del diseñador teatral y artista Léon Bakst . [69] Fue durante este período en el teatro ruso que las ideas anteriormente estáticas de diseño de escenarios fueron, según Cogniat, "siendo barridas en favor de un sentido totalmente arbitrario del espacio con diferentes dimensiones, perspectivas, colores y ritmos". [31] : 66 Estos cambios atrajeron a Chagall, quien había estado experimentando con el cubismo y quería una forma de animar sus imágenes. Al diseñar murales y diseños de escenarios, los "sueños de Chagall cobraron vida y se convirtieron en un movimiento real". [31]
Como resultado, Chagall jugó un papel importante en la vida artística rusa durante ese tiempo y "fue una de las fuerzas más importantes en la tendencia actual hacia el antirrealismo", que ayudó a la nueva Rusia a inventar creaciones "asombrosas". Muchos de sus diseños fueron hechos para el Teatro Judío de Moscú, que puso en escena numerosas obras judías de dramaturgos como Gogol y Singe. Los diseños de Chagall ayudaron a crear atmósferas ilusorias que se convirtieron en la esencia de las representaciones teatrales. [70]
Después de dejar Rusia, pasaron veinte años antes de que le ofrecieran nuevamente la oportunidad de diseñar escenografías teatrales. En los años intermedios, sus pinturas todavía incluían arlequines, payasos y acróbatas, que según Cogniat "transmiten su apego sentimental y nostalgia por el teatro". [31] Su primer encargo de diseño de escenografías después de Rusia fue para el ballet "Aleko" en 1942, mientras vivía en los EE. UU. En 1945 también recibió el encargo de diseñar los decorados y el vestuario para El pájaro de fuego de Stravinsky . Estos diseños contribuyeron en gran medida a su mayor reputación en los EE. UU. como artista importante y, a partir de 2013, todavía están en uso por el Ballet de la Ciudad de Nueva York .
Cogniat describe cómo los diseños de Chagall "sumergen al espectador en un país de hadas luminoso y colorido donde las formas están definidas brumosamente y los espacios mismos parecen animados con torbellinos o explosiones". [31] Su técnica de usar el color teatral de esta manera alcanzó su punto máximo cuando Chagall regresó a París y diseñó los decorados para Daphnis et Chloé de Ravel en 1958.
En 1964, repintó el techo de la Ópera de París utilizando 220 m2 de lienzo. Pintó dos murales monumentales que cuelgan en lados opuestos de la nueva Ópera Metropolitana en el Lincoln Center de Nueva York, que se inauguró en 1966. Las piezas, The Sources of Music y The Triumph of Music , que cuelgan del nivel del balcón más alto y se extienden hasta el nivel del vestíbulo Grand Tier, se completaron en Francia y se enviaron a Nueva York, y están cubiertas por un sistema de paneles durante las horas en las que la ópera recibe luz solar directa para evitar la decoloración. También diseñó los decorados y el vestuario para una nueva producción de Die Zauberflöte para la compañía que se inauguró en febrero de 1967 [71] y se utilizó durante la temporada 1981/1982.
Chagall también diseñó tapices que fueron tejidos bajo la dirección de Yvette Cauquil-Prince , quien también colaboró con Picasso . Estos tapices son mucho más raros que sus pinturas, y solo 40 de ellos llegaron al mercado comercial. [72] Chagall diseñó tres tapices para el salón de estado de la Knesset en Israel, junto con 12 mosaicos de piso y un mosaico de pared. [73]
Chagall comenzó a aprender sobre cerámica y escultura mientras vivía en el sur de Francia. La cerámica se puso de moda en la Costa Azul y se abrieron varios talleres en Antibes, Vence y Vallauris. Recibió clases junto con otros artistas conocidos, como Picasso y Fernand Léger . Al principio, Chagall pintaba piezas de cerámica ya existentes, pero pronto se amplió y comenzó a diseñar las suyas propias, lo que inició su trabajo como escultor como complemento a su pintura.
Después de experimentar con cerámica y platos, pasó a realizar grandes murales de cerámica. Sin embargo, nunca se conformó con los límites que le imponía el uso de segmentos cuadrados de baldosas, que, como señala Cogniat, "le imponían una disciplina que impedía la creación de una imagen plástica". [31] : 76
La autora Serena Davies escribe que "cuando murió en Francia en 1985 (el último maestro sobreviviente del modernismo europeo, que sobrevivió a Joan Miró por dos años), había experimentado de primera mano las grandes esperanzas y las aplastantes decepciones de la Revolución rusa , y había presenciado el fin de la Zona de Asentamiento , la casi aniquilación del judaísmo europeo y la destrucción de Vitebsk , su ciudad natal, donde solo 118 de una población de 240.000 sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial ". [74]
La última obra de Chagall fue una pieza de arte encargada para el Instituto de Rehabilitación de Chicago . La maqueta titulada Job ya había sido terminada, pero Chagall murió justo antes de que se terminara el tapiz. [75] Yvette Cauquil-Prince estaba tejiendo el tapiz bajo la supervisión de Chagall y fue la última persona que trabajó con Chagall. Salió de la casa de Vava y Marc Chagall a las 4 p. m. del 28 de marzo después de discutir y combinar los colores finales de la maqueta para el tapiz. Él murió esa noche. [76]
Su relación con su identidad judía era "irresoluta y trágica", afirma Davies. Habría muerto sin los ritos judíos, si un extraño judío no se hubiera acercado y hubiera dicho el kaddish , la oración judía por los muertos, sobre su ataúd. [74] Chagall está enterrado junto a su última esposa, Valentina "Vava" Brodsky Chagall, en el cementerio multidenominacional de la ciudad tradicional de artistas de Saint-Paul-de-Vence , en la región francesa de Provenza.
La biógrafa de Chagall, Jackie Wullschlager, lo elogia como "pionero del arte moderno y uno de sus más grandes pintores figurativos... [que] inventó un lenguaje visual que registró la emoción y el terror del siglo XX". [17] Y añade:
En sus lienzos leemos el triunfo del modernismo, el avance del arte hacia una expresión de la vida interior que... es uno de los legados más destacados del siglo pasado. Al mismo tiempo, Chagall se vio arrastrado personalmente a los horrores de la historia europea entre 1914 y 1945: guerras mundiales, revolución, persecución étnica, asesinato y exilio de millones de personas. En una época en la que muchos artistas importantes huyeron de la realidad en pos de la abstracción, Chagall destiló sus experiencias de sufrimiento y tragedia en imágenes a la vez inmediatas, simples y simbólicas a las que todo el mundo podía responder. [17] : 4
Los historiadores del arte Ingo Walther y Rainer Metzger se refieren a Chagall como un "poeta, soñador y aparición exótica". Añaden que a lo largo de su larga vida, el "papel de outsider y excéntrico artístico" le resultó natural, ya que parecía ser una especie de intermediario entre mundos: "como un judío con un desdén señorial por la antigua prohibición de la creación de imágenes; como un ruso que iba más allá del ámbito de la autosuficiencia familiar; o el hijo de padres pobres, que creció en una familia numerosa y necesitada". Sin embargo, continuó estableciéndose en el sofisticado mundo de los "elegantes salones artísticos". [77] : 7
Gracias a su imaginación y a su intensa memoria, Chagall fue capaz de utilizar motivos y temas típicos en la mayor parte de su obra: escenas de pueblos, vida campesina y visiones íntimas del pequeño mundo del pueblo judío ( shtetl ). Sus tranquilas figuras y sus gestos sencillos ayudaron a producir un "sentido monumental de dignidad" al traducir los rituales judíos cotidianos a un "reino atemporal de paz icónica". [77] : 8 Leymarie escribe que Chagall "trascendió los límites de su siglo. Ha desvelado posibilidades insospechadas por un arte que había perdido contacto con la Biblia, y al hacerlo ha logrado una síntesis completamente nueva de la cultura judía durante mucho tiempo ignorada por la pintura". Añade que, aunque el arte de Chagall no puede limitarse a la religión, sus "contribuciones más conmovedoras y originales, lo que él llamaba 'su mensaje', son las extraídas de fuentes religiosas o, más precisamente, bíblicas". [35] : x
Walther y Metzger intentan resumir la contribución de Chagall al arte:
Su vida y su arte juntos dieron forma a esta imagen de un visionario solitario, un ciudadano del mundo que aún conservaba mucho de su infancia, un extraño perdido en la maravilla, una imagen que el artista hizo todo lo posible por cultivar. Profundamente religioso y con un profundo amor por la patria, su obra es posiblemente el llamado más urgente a la tolerancia y al respeto por todo lo diferente que los tiempos modernos podrían hacer. [77] : 7
André Malraux lo elogió y dijo: "[Chagall] es el mayor creador de imágenes de este siglo. Ha mirado nuestro mundo con la luz de la libertad y lo ha visto con los colores del amor". [78]
Un óleo de Chagall de 1928, Les Amoureux , de 117,3 x 90,5 cm, que representa a Bella Rosenfeld, la primera esposa del artista y su hogar adoptivo en París, se vendió por 28,5 millones de dólares (con honorarios) en Sotheby's Nueva York, el 14 de noviembre de 2017, casi duplicando el récord de subasta de Chagall de 27 años de antigüedad de 14,85 millones de dólares. [79] [80]
En octubre de 2010, su cuadro Bestiaire et Musique , que representa a una novia y un violinista flotando en un cielo nocturno entre artistas de circo y animales, "fue el lote estrella" en una subasta en Hong Kong. Cuando se vendió por 4,1 millones de dólares, se convirtió en la pintura occidental contemporánea más cara jamás vendida en Asia. [81]
El primer caso judicial en los Estados Unidos relacionado con el arte saqueado por los nazis involucró una pintura de Chagall, llamada indistintamente L'Echelle de Jacob o Le Paysan et l'Echelle o El campesino y la escalera o La escalera de Jacob, que había sido confiscada por la organización de saqueo nazi Einsatzstab Rosenberg (ERR) del apartamento de Menzel en Bruselas en 1941 después de que la familia judía huyera de los nazis . En 1969, la viuda Erna Menzel demandó al coleccionista de arte estadounidense Albert A. List, que había comprado la pintura a Perls Galleries en Nueva York en 1955. En Menzel v List , el tribunal otorgó la pintura de Chagall a Menzel y ordenó a Klaus Perls que pagara a List el valor apreciado de la pintura. [82] [83] [84] [85]
En 2013, se descubrieron obras previamente desconocidas de Chagall en el alijo de obras de arte escondidas por el hijo de uno de los comerciantes de arte de Hitler, Hildebrand Gurlitt. [86]
En 2022, Francia restituyó El padre (Le Père) a los herederos de David Cender, un luthier y fabricante de violines judío-polaco que sobrevivió a Auschwitz, donde su esposa e hija fueron asesinadas. Según el Ministerio de Cultura francés, Chagall había recomprado su propio cuadro después de la guerra sin saber su procedencia, antes de que fuera donado a las colecciones nacionales francesas en 1988. [87] [88] [89]
En febrero de 2024, el New York Times informó que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa) había restituido en secreto Over Vitebsk de Chagall a los herederos de Franz Matthiesen en 2021, y que la restitución implicaba un pago de 4 millones de dólares al museo. La pintura había pasado por el comerciante nazi Kurt Feldhausser y la galería Wehye y su procedencia era objeto de controversia. [90] [91] [92] [93]
En la década de 1990, Daniel Jamieson escribió Los amantes voladores de Vitebsk , una obra sobre la vida de Chagall y su compañera Bella. Se ha reestrenado varias veces, la más reciente en 2020 con Emma Rice dirigiendo una producción que se transmitió en vivo desde Bristol Old Vic y luego se puso a disposición para su visualización a pedido, en asociación con teatros de todo el mundo. [94] Esta producción tenía a Marc Antolin en el papel de Chagall y Audrey Brisson interpretando a Bella Chagall; producida durante la epidemia de COVID, requirió que todo el equipo se pusiera en cuarentena para hacer posible la presentación en vivo y la transmisión. [95]
En 2022, James Sherman escribió Chagall in School , una obra sobre el liderazgo de Chagall en la Escuela de Arte de Vitebsk. Se estrenó en Chicago en el Theatre Wit con Georgette Verdin dirigiendo una producción de Grippo Theatre Company. [96] Esta producción tuvo a John Drea en el papel de Chagall y Yourtana Sulaiman en el papel de Berta (Bella) Chagall. [97] La producción fue bien recibida y la diseñadora Erin Pleake ganó un premio Jeff sin participación accionaria por diseño de proyección. [98]
Durante su vida, Chagall recibió varios honores:
Chagall , un cortometraje documental de 1963, presenta a Chagall. Ganó el premio Oscar de 1964 al mejor cortometraje documental .
Debido al reconocimiento internacional que disfrutó y la popularidad de su arte, varios países han emitido sellos conmemorativos en su honor que representan ejemplos de sus obras. En 1963, Francia emitió un sello de su pintura, La pareja casada de la Torre Eiffel . En 1969, Israel produjo un sello que representa su pintura del Rey David . En 1973, Israel lanzó una serie de 12 sellos con imágenes de las vidrieras que creó para la Sinagoga del Centro Médico de la Universidad Hebrea Hadassah; cada ventana fue hecha para significar una de las " Doce Tribus de Israel ". [56]
En 1987, como homenaje para conmemorar el centenario de su nacimiento en Bielorrusia, siete naciones participaron en un programa ómnibus especial y emitieron sellos postales en su honor. Los países que emitieron los sellos incluyeron Antigua y Barbuda , Dominica, Gambia, Ghana, Sierra Leona y Granada, que juntos produjeron 48 sellos y 10 hojas de recuerdo. Aunque todos los sellos representan sus diversas obras maestras, los nombres de las obras de arte no aparecen en los sellos. [56]
También hubo varias exposiciones importantes de la obra de Chagall durante su vida y después de su muerte.
Durante la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2014 en Sochi, una carroza similar a la de Chagall con nubes y bailarines pasó boca abajo flotando sobre 130 bailarines disfrazados, 40 zancudos y un violinista que tocaba música folclórica. [112] [113]
24 NY2d 91, 246 NE2d 742, 298 NYS2d 979, 6 UCC Rep.Serv. 330vErna Menzel, demandante-demandada, v. Albert A. List, demandado-apelante, y demandante-demandado tercero.vKlaus G. Perls et al., haciendo negocios bajo el nombre de Perls Galleries, demandados-apelantes terceros.vTribunal de Apelaciones de Nueva York. Discutido el 7 de enero de 1969; Decidido el 26 de febrero de 1969.
Klaus fue nombrado como tercero acusado en el caso de arte saqueado de la Segunda Guerra Mundial de 1969, Menzel v. List. Cuando Erna Menzel demandó a Albert List por la propiedad de una pintura de Chagall confiscada a Menzel por los nazis, List a su vez demandó a Perls, quien le había vendido la pintura en 1955, habiéndola comprado él mismo a un comerciante de arte en París. El tribunal le otorgó la pintura de Chagall a Menzel y ordenó a Perls que pagara a List el valor apreciado de la pintura.
El óleo sobre lienzo de 1911, "El padre", que se subastará el 15 de noviembre, fue comprado en 1928 por un fabricante de violines judío polaco, David Cender, que perdió sus posesiones cuando se vio obligado a mudarse al gueto de Lodz. Deportado a Auschwitz, donde su esposa e hija fueron asesinadas, el fabricante de violines sobrevivió y se mudó a Francia en 1958, donde murió en 1966 sin recuperar la posesión de la pintura, cuyo valor se estima ahora entre 6 y 8 millones de dólares.
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