El estilo bohemio , a menudo denominado "boho chic", es una elección de moda y estilo de vida que se caracteriza por su esencia poco convencional y de espíritu libre. Si bien sus orígenes precisos son objeto de debate, se cree que el estilo bohemio ha sido influenciado por el estilo de vida nómada del pueblo romaní desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX. El término "bohemio" en sí mismo deriva del francés "Bohémien", originalmente asociado con la comunidad romaní debido a una idea errónea histórica de que se originaron en Bohemia , una región de la República Checa . [1]
A lo largo de la historia, la moda bohemia ha sufrido transformaciones significativas, que reflejan los cambios culturales y las influencias de cada época. Hoy en día, la moda bohemia contemporánea adopta telas fluidas , colores vibrantes y materiales naturales tejidos en lugar de tejidos de punto . Este estilo se inspira en varias fuentes, incluidos los movimientos de contracultura de las décadas de 1960 y 1970, que recuerdan la vestimenta que usaron los asistentes al festival de música inaugural de Woodstock . [1]
El estilo bohemio ha alcanzado popularidad mundial y resulta atractivo para las personas que buscan un enfoque único e individualista de la moda y el estilo de vida. Fomenta una sensación de libertad y autoexpresión y suele atraer a quienes prefieren vivir de forma poco convencional, a veces de forma nómada , y que pueden residir en colonias o comunas, lo que fomenta un fuerte sentido de comunidad.
La subcultura bohemia ha estado estrechamente relacionada con artistas e intelectuales predominantemente masculinos. Las contrapartes femeninas han estado estrechamente relacionadas con las Grisettes , mujeres jóvenes que combinaban la prostitución a tiempo parcial con varias otras ocupaciones. En el primer cuarto del siglo XIX, el término " grisette " también se refería a las mujeres jóvenes independientes. A menudo trabajaban como costureras o asistentes de modistas y frecuentaban lugares artísticos y culturales bohemios en París. Muchas grisettes trabajaban como modelos de artistas, a menudo brindándoles favores sexuales además de posar para ellos. Durante la época del rey Luis Felipe , llegaron a dominar la escena del modelaje bohemio.
Debido al papel y la influencia que tuvieron en el arte francés del siglo XIX, la grisette se convirtió en un personaje frecuente en la ficción francesa. Sin embargo, Jonathan Swift las mencionó ya en 1730. El término "grisette" en poesía significaba cualidades tanto de coquetería como de aspiración intelectual. George du Maurier basó gran parte de Trilby en sus experiencias como estudiante en la Bohemia parisina durante la década de 1850. La historia de Poe de 1842 se basó en el asesinato sin resolver de Mary Cecilia Rogers cerca de la ciudad de Nueva York, subtitulada "Una secuela de ' Los asesinatos de la calle Morgue ' ". Fue la primera historia de detectives de ficción que intentó proporcionar una solución real a un crimen real. La grisette más perdurable es Mimi en la novela (y posterior obra de teatro) de Henri Murger Scènes de la vie de Bohème , la fuente de la famosa ópera de Puccini La bohème .
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En 1848, William Makepeace Thackeray utilizó la palabra bohemia en su novela La feria de las vanidades . En 1862, la Westminster Review describió al bohemio como «simplemente un artista o literato que, consciente o inconscientemente, se aparta de los convencionalismos en la vida y en el arte». Durante la década de 1860, el término se asoció en particular con el movimiento prerrafaelita , el grupo de artistas y estetas del que Dante Gabriel Rossetti era el más destacado: [2]
A medida que avanzaba la década de 1860, Rossetti se convertiría en el gran príncipe de la bohemia, pues sus desviaciones de los estándares normales se volvían más audaces. Entonces se convirtió en el epítome de lo no convencional; sus exigencias egocéntricas necesariamente exigían que sus amigos cercanos remodelaran sus propias vidas en torno a él. Su bohemia era como una red en la que otros quedaban atrapados, ninguno más que William y Jane Morris . [3]
Jane Morris , que se convertiría en la musa de Rossetti, personificó, probablemente más que ninguna de las mujeres asociadas con los prerrafaelitas, un estilo de vestir fluido y sin restricciones que, aunque poco convencional en ese momento, sería muy influyente en ciertos períodos durante el siglo XX. [4] Ella y otras, incluida la mucho menos extravagante Georgiana Burne-Jones (esposa de Edward Burne-Jones , [5] uno de los prerrafaelitas posteriores), evitaron los corsés y las crinolinas de la era victoriana de mediados a finales, [6] una característica que impresionó al escritor estadounidense Henry James cuando le escribió a su hermana en 1869 sobre la atmósfera bohemia de la casa de los Morris en el distrito de Bloomsbury de Londres y, en particular, la presencia "medieval oscura y silenciosa" de su castellana :
Es difícil decir si es una gran síntesis de todos los cuadros prerrafaelitas jamás realizados... si es un original o una copia. En cualquier caso, es una maravilla. Imaginemos a una mujer alta y delgada con un vestido largo de un material morado pálido, sin aros (ni nada más, debería decir) con una masa de pelo negro alborotado amontonado en grandes proyecciones onduladas en cada una de sus sienes... un cuello largo, sin collar, y en su lugar una docena de tiras de cuentas extravagantes. [7]
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En su obra Pygmalion (1912), Bernard Shaw indudablemente se basó en la entonces anciana Jane Morris para el papel de la señora Higgins. Describió el salón de la señora Higgins y se refirió a un retrato de ella "cuando desafió la moda de su juventud con uno de los hermosos trajes rossettianos que, cuando fueron caricaturizados por personas que no entendían, llevaron a los absurdos del esteticismo popular [sic] en la década de 1870". [8]
Un biógrafo de Edward Burne-Jones , escribiendo un siglo después de Shaw ( Fiona MacCarthy , 2011), ha señalado que, en 1964, cuando Barbara Hulanicki abrió en Londres la influyente tienda Biba , las "ropas largas, caídas y sin estructura", aunque más sexys que los vestidos retratados en pinturas de Burne-Jones como La escalera dorada o Las sirenas , se parecían a ellas. [9] El biógrafo de la diseñadora británica del siglo XX Laura Ashley ha descrito el interior de Biba como un lugar con una atmósfera que "olía a sexo... [Fue] diseñado para parecer un burdel con sus lujosos muebles escarlata, negros y dorados, pero, curiosamente, implicaba un estilo eduardiano anticuado de sexo prohibido con boas de plumas , palmeras en macetas, percheros de madera curvada e iluminación oscura" [10] MacCarthy observó también que "la apariencia andrógina de las figuras masculinas de Burne-Jones reflejaba el sentimiento sexualmente ambivalente" de finales de los años 1960. [11]
Se sabe que Effie Gray , cuyo matrimonio con John Ruskin fue anulado en 1854 antes de casarse con el pintor prerrafaelita John Millais , utilizó flores como adorno y probablemente también como una "declaración" asertiva. Mientras estaba en Escocia con Ruskin (todavía su esposo) y Millais, recogió dedaleras para colocarlas en su cabello. Las usó en el desayuno, a pesar de que su esposo le pidió que no lo hiciera, un gesto de desafío, en un momento de creciente crisis en su relación, que llegó a la atención crítica de Florence Nightingale [12] (que tendía a considerar a otras personas de su sexo con "desprecio apenas disimulado" y generalmente no simpatizaba con los "derechos de las mujeres" [13] ). Unas semanas antes, el día del solsticio de verano , Effie (posiblemente inspirada por El sueño de una noche de verano de Shakespeare ) había sido vista por su anfitriona, Pauline Trevelyan , como "lucía encantadora" con estefanotis en su cabello en una fiesta nocturna en Northumberland , [14] mientras que, el año anterior, un amigo le había traído un jarrón de flores para el cabello desde Venecia . [15] El padre de Ruskin evidentemente se sorprendió al enterarse de que, cuando Effie estaba en Venecia, se había quitado el sombrero en público, aparentemente por el calor. [15]
En 1853 Millais pintó Effie con dedaleras en el pelo , que la muestra luciendo flores mientras hace una labor de costura. Otras pinturas de mediados y finales del siglo XIX, como Love's Shadow ( 1867) de Frederick Sandys , de una niña con una rosa en el pelo, chupando una ramita de flores, que fue descrita en 1970 como "un trabajo de relaciones públicas de primera clase para la gente de las flores", [16] y The Heart of the Rose (1889) de Burne-Jones , [17] han sido citadas como presagio del " poder de las flores " de mediados y finales de la década de 1960.
A principios del siglo XX, un número cada vez mayor de mujeres profesionales, sobre todo en los Estados Unidos, intentaban vivir fuera de los parámetros tradicionales de la sociedad. Entre 1870 y 1910, la tasa de matrimonio entre las mujeres educadas en los Estados Unidos cayó al 60% (un 30% menos que el promedio nacional). En 1893, sólo en el estado de Massachusetts, unas 300.000 mujeres se ganaban la vida en casi 300 ocupaciones. La invención de la máquina de escribir en 1867 fue un estímulo particular. Por ejemplo, a principios del siglo XX, el 80% de los taquígrafos eran mujeres. [18]
En esa época, movimientos como la Sociedad del Vestido Racional (1881), en la que participaron los Morris y Georgiana Burne-Jones, empezaban a ejercer cierta influencia en la vestimenta femenina, aunque el estilo prerrafaelita todavía se consideraba "avanzado" a finales del siglo XIX. [19] La precoz hija de la reina Victoria , la princesa Luisa , una consumada pintora y artista que se relacionaba con los círculos bohemios, simpatizaba con el vestido racional y con el movimiento femenino en desarrollo en general (aunque se decía que su rumoreado embarazo a los 18 años había sido disimulado por una corsetería ajustada). [20]
Sin embargo, no fue realmente hasta la Primera Guerra Mundial que "muchas mujeres trabajadoras" se embarcaron en una revolución en la moda que redujo en gran medida el peso y las restricciones que les imponía su ropa". [21] Algunas mujeres que trabajaban en fábricas usaban pantalones. El sujetador (inventado en 1889 por la feminista Herminie Cadolle [22] y patentado en Estados Unidos por Mary Phelps Jacob en 1914) comenzó gradualmente a reemplazar al corsé. [23] En los astilleros, los " trajes de pantalón " (el término "traje de pantalón" se adoptó en Estados Unidos en la década de 1920) eran prácticamente esenciales para permitir a las mujeres subir y bajar escaleras. [24] Los artistas del music hall también ayudaron a ampliar los límites de la moda; estos incluyeron a Vesta Tilley , cuya atrevida adopción en el escenario de un vestido masculino bien confeccionado no solo influyó en la vestimenta de los hombres, sino que también prefiguró en gran medida los estilos adoptados por algunas mujeres en el período de entreguerras. Se entendió ampliamente que Tilley buscaba autenticidad adicional al usar ropa interior masculina, aunque fuera del escenario, era mucho más convencional tanto en su vestimenta como en su apariencia general. [25]
A principios de la década de 1920, lo que había sido un recurso de guerra, la necesidad de economizar en material, se había convertido en una declaración de libertad por parte de las mujeres jóvenes. Esto se manifestó en dobladillos más cortos (justo por encima de la rodilla en 1925-1926) [21] y peinados masculinos, acompañados de lo que Robert Graves y Alan Hodge describieron como "el nuevo y fantástico desarrollo de la música jazz ". [26] En los Juegos Olímpicos de Amberes de 1920, la tenista francesa Suzanne Lenglen atrajo la atención con una falda hasta la rodilla que dejaba al descubierto su liguero cada vez que saltaba para golpear una pelota. A partir de entonces, la ropa deportiva para mujeres, al igual que la ropa del día a día, se volvió más libre, [27] aunque, después de la Segunda Guerra Mundial , cuando la jugadora estadounidense Gussie Moran apareció en los campeonatos de Wimbledon de 1949 con una falda corta que dejaba al descubierto unas bragas ribeteadas de encaje , el All England Lawn Tennis and Croquet Club la acusó de traer "vulgaridad y pecado al tenis" y rechazó al diseñador de la indumentaria, Teddy Tinling , durante muchos años. [28]
La Penguin Social History of Britain señaló que "en la década de 1920 los periódicos estaban llenos de anuncios de 'lencería' y 'ropa interior' que habrían sido clasificados como indecentes una generación antes". [29] Así, en la novela cómica de Ben Travers Rookery Nook (1923), una joven expulsada de su casa en ropa de dormir y que necesita ropa de día comentó: " Combies . Eso está bien. Pero en verano, ya sabes, no lo hacemos", [30] mientras que en el thriller de Agatha Christie , El misterio de las siete esferas (1929), la heroína aristocrática, Lady "Bundle" Brent , llevaba sólo "una bagatela insignificante" debajo de su vestido; como muchas " it girls " de la vida real de su clase, se había liberado de las "expectativas gentiles" de generaciones anteriores. [31]
En Hollywood, la actriz Carole Lombard , que en los años 30 combinaba la vivacidad con el atractivo sexual, nunca llevaba sujetador y "evitaba las bragas". [32] Sin embargo, declaró que, aunque "vivo según un código de hombres diseñado para adaptarse al mundo de los hombres, al mismo tiempo nunca olvido que el primer trabajo de una mujer es elegir el tono adecuado de lápiz labial". [33] Casualmente, las ventas de camisetas interiores masculinas cayeron drásticamente en los Estados Unidos cuando se reveló que el futuro marido de Lombard, Clark Gable , no llevaba una en una famosa escena en el dormitorio de un motel con Claudette Colbert en la película Sucedió una noche (1934). Según Gable, "la idea era lucir semidesnuda y asustar a la mocosa para que se fuera a su propia cama al otro lado de la manta [colgando de un tendedero para separar las camas gemelas]". Sin embargo, "dio la impresión de que ir sin ella era un signo vital de la virilidad de un hombre". [34]
En términos más generales, la adopción por parte de la industria cinematográfica estadounidense del Código de Producción Hays a principios de la década de 1930 tuvo un efecto significativo en la forma en que se representaban en el cine las cuestiones morales, y especialmente las sexuales. Esto incluyó un enfoque más conservador en materia de vestimenta. Mientras que el tipo de lencería escasa que se exhibía en algunas producciones anteriores (por ejemplo, Joan Blondell y Barbara Stanwyck en Night Nurse , 1931) [35] tendía a reflejar tendencias que, en la década de 1920, desafiaban las convenciones y eran consideradas por muchas mujeres jóvenes como liberadoras, en los primeros años de la Depresión tales exhibiciones comenzaron a ser consideradas bastante ampliamente como indeseables. Los acontecimientos de finales de la década de 1960 y de 1970, cuando se abandonaron las restricciones del código, siguieron un patrón similar, aunque, para entonces, a menudo eran las propias mujeres las que estaban a la vanguardia de la resistencia a las imágenes sexualizadas.
Al mirar en retrospectiva este período, Graves y Hodge notaron el prolongado curso que "las modas femeninas atrevidas siempre habían tomado del burdel al escenario, luego a Bohemia, a la sociedad, a las sirvientas de la sociedad, a la moza de fábrica y finalmente a la mujer suburbana". [36]
Entre las mujeres bohemias de principios del siglo XX, el «look gitano» era un tema recurrente, popularizado, entre otras, por Dorothy «Dorelia» McNeill (1881-1969), musa , amante y segunda esposa del pintor Augustus John (1878-1961), cuyas faldas amplias y colores brillantes dieron lugar al llamado «look Dorelia». [37] Katherine Everett , de soltera Olive, exalumna de la Slade School of Art de Londres, ha descrito el «corpiño ajustado, cosido a mano y de color canario de McNeill sobre una falda suelta oscura fruncida, y su cabello muy negro y brillante, que enfatizaba los largos pendientes de plata que eran su único adorno». [38]
Everett también recordaba los bosques de los Johns "con cerezos silvestres en flor y una modelo con el pelo rojo al viento, vestida de blanco, siendo perseguida dentro y fuera de los árboles por niños desnudos". [39] Con similar falta de inhibición, ya en 1907 la heredera estadounidense Natalie Barney (1875-1972) dirigía a mujeres de ideas afines en bailes sáficos en su jardín parisino, [40] cuyas fotografías se ven poco diferentes de las escenas de Woodstock en 1969 y otros festivales "pop" de finales de los años 1960 y principios de los 1970.
Por el contrario, el pelo corto a la altura de la rodilla era a menudo un rasgo bohemio, [29] que se originó en París alrededor de 1909 y fue adoptado por los estudiantes del Slade [41] varios años antes de que actrices de cine estadounidenses como Colleen Moore y Louise Brooks ("la chica del casco negro") se asociaran con él a mediados de la década de 1920. Este estilo era claramente discernible en un autorretrato en xilografía de 1916 de Dora Carrington , que había ingresado al Slade en 1910, [42] y, de hecho, el periodista e historiador Sir Max Hastings se ha referido a " barcos de pesca ocupados por chicas reclinadas con el pelo corto" como una imagen popular duradera, aunque engañosa, del "idilio antes de la tormenta" de la Primera Guerra Mundial. [43]
En el cuento de F. Scott Fitzgerald , Bernice Bobs Her Hair (1920), una joven que desea convertirse en una " vampiro de la sociedad " considera la adopción de un bob como un preludio necesario, [44] mientras que la actuación sexualmente cargada de Louise Brooks como Lulu en la película de GW Pabst , Pandora's Box (1929), dejó una imagen perdurable del estilo, que ha sido replicada en la pantalla a lo largo de los años, más vívidamente por Cyd Charisse en Singin' in the Rain (1952), Isabelle de Funès como Valentina en Baba Yaga (1973) [45] y Melanie Griffith en Something Wild (1986).
El cabello bob también se asoció con muchas cantantes y actrices populares en la década de 1960 y con frecuencia ha sido evocado por escritores y directores, así como diseñadores de moda, buscando recuperar el espíritu hedonista o libre de la década de 1920. Por ejemplo, Cocaine Blues (1989) de Kerry Greenwood y las novelas posteriores sobre Phryne Fisher , una glamorosa, pero poco convencional investigadora aristocrática a finales de los años veinte en Melbourne , Australia, transmitieron una imagen - "cinco pies y dos pulgadas [157,5 centímetros] con ojos verdes y cabello negro cortado en una gorra" [46] - que luego fue cultivada con estilo en la televisión por Essie Davis en Miss Fisher's Murder Mysteries (2012) de ABC. [ 47 ]
En torno a 1926 se popularizó un estilo aún más corto, conocido como el « corte de Eton »: [21] a su llegada a Tilling (Rye), en la novela cómica de EF Benson, Mapp and Lucia (1931), Lucia describió a la «pintoresca» Irene como «una chica sin sombrero y con un corte de Eton. Iba vestida con un jersey de pescador y pantalones bombachos». Durante muchos años se hicieron con frecuencia suposiciones triviales sobre la sexualidad de las mujeres con peinados cortos; un historiador de la década de 1980 escribió sobre el «campamento por la paz» de Greenham Common en Inglaterra que «concientizó al público sobre la separación feminista e incluso sobre el lesbianismo, hasta entonces visto en los medios de comunicación masivos –cuando se lo reconocía– ya fuera en términos de androginia con corte de Eton o de fantasía pornográfica». [48] Aun así, otros han establecido un marcado contraste entre el comportamiento bohemio de las mujeres de Greenham y el "maquillaje atrevido y la vestimenta imponente " que tendían a definir la moda femenina en general en los años 1980 [49] (la llamada "década del diseñador").
Un historiador social ha observado que "el jersey de lana inocuo, ahora conocido [en Gran Bretaña] como el jersey o el pulóver, fue la primera prenda de vestir que se volvió intercambiable entre hombres y mujeres y, como tal, fue visto como un síntoma peligroso de confusión de género". [21] Los pantalones para mujeres, a veces usados varonilmente como una expresión de sexualidad (como por Marlene Dietrich como cantante de cabaret en la película de 1930, Morocco , en la que se vistió con un traje de corbata blanca y besó a una chica en la audiencia) [50] también se hicieron populares en las décadas de 1920 y 1930, al igual que los aspectos de lo que muchos años después a veces se denominaría " shabby chic ". [51] La sobrina de Winston Churchill, Clarissa, estaba entre quienes usaban un traje a medida a fines de la década de 1930. [52]
Después de la Segunda Guerra Mundial, el " New Look " de Christian Dior , lanzado en París en 1947, aunque se basó en estilos que habían comenzado a surgir en 1938-1939, [53] estableció el patrón para la moda femenina en general hasta la década de 1960. Remontándose en algunos aspectos a la Belle Epoque de finales del siglo XIX y principios del XX (y por lo tanto no un estilo "nuevo" como tal), fue criticado por algunos como excesivamente femenino y, con sus corsés acompañantes y el susurro de enaguas con volantes , como un retroceso al "trabajo de emancipación ganado a través de la participación en dos guerras mundiales". [54] También, por un tiempo, se opuso a la tendencia hacia la moda juvenil que, después de la Primera Guerra Mundial , tendió a seguir a los grandes conflictos. [55]
Las influencias estadounidenses habían sido desalentadas durante la ocupación nazi de Francia , pero, notablemente en la forma de be-bop y otros tipos de jazz, eran fuertes entre la sociedad intelectual de los cafés a mediados y fines de la década de 1940. [56] En 1947, Samedi-Soir destapó lo que llamó los " trogloditas de Saint-Germain", [57] es decir, los bohemios del distrito de la margen izquierda parisina ( Rive Gauche ) de Saint-Germain-des-Prés , que parecían agruparse en torno al filósofo existencialista Jean-Paul Sartre . Estos incluían a Roger Vadim (que se casó y lanzó la carrera de la actriz Brigitte Bardot en la década de 1950), el novelista Boris Vian (desde entonces descrito como "el epítome de la Bohemia de la margen izquierda, situado en el centro de su rehabilitación de posguerra") [58] y la cantante Juliette Gréco .
En la liberación de París en 1944, el periodista estadounidense Ernie Pyle observó que las mujeres estaban todas "vestidas de manera brillante con blusas blancas o rojas y faldas campesinas coloridas, con flores en el pelo y grandes pendientes llamativos". [59] mientras que Lady Diana Cooper , cuyo marido, Duff Cooper , se convirtió en embajador británico en París ese año, escribió que, durante la ocupación, las mujeres parisinas habían usado "sombreros grotescamente grandes con flores y frutas y plumas y cintas", así como altos zapatos de madera tallada. [60] Sin embargo, en contraste con esos llamativos adornos bohemios y, posteriormente, el "New Look" (que en sí mismo escandalizó a algunas parisinas), la ropa de las bohemias de la posguerra era predominantemente negra: cuando Gréco actuó por primera vez fuera de Saint-Germain, afrentó a parte de su audiencia al usar "pantalones negros, sus pies descalzos se deslizaron en sandalias doradas". [61] En la vejez, afirmó que este estilo de vestir surgió de la pobreza:
Cuando era adolescente en París, sólo tenía un vestido y un par de zapatos, así que los chicos de la casa empezaron a vestirme con sus viejos abrigos y pantalones negros. De la miseria surgió una moda. Cuando la gente me copiaba, me parecía un poco ridículo, pero no me importaba. Me hacía sonreír. [62]
Más de cincuenta años después, Gréco actuó en Londres y fue descrito como una obra "que todavía rezumaba estilo bohemio". [63]
Captando el espíritu de la época, David Profumo ha escrito sobre cómo su madre, la actriz Valerie Hobson , quedó fascinada con el compañero de piso de Roger Vadim, el director Marc Allégret , mientras filmaba Blanche Fury en 1947:
El estilo de vida aparentemente bohemio de Allégret atraía vivamente su lado romántico y ella disfrutaba del ambiente de la Rive Gauche, al que él la presentó durante las discusiones sobre guiones en París. Había cenas con André Gide , Jean Cocteau y Zizi Jeanmaire , la mujer de piernas largas . Para una atractiva mujer británica que se sentía privada de atención... esta era una situación ideal para algún tipo de despertar. [64]
El año anterior, un perfume creado para Hobson se había comercializado como "Grandes esperanzas" para coincidir con su papel como Estella Havisham en la película de David Lean del mismo nombre, basada en la novela de Charles Dickens de 1861. En Inglaterra, esto atrajo la clientela de la entonces estudiante de la Universidad de Oxford Margaret Roberts, más tarde primera ministra británica Margaret Thatcher , quien, un poco atrevida para la época, también compró sujetadores rosas "push-up". [65] En 1953, cuando Hobson protagonizó el musical El rey y yo en Londres, era evidente que había conservado una mezcla parisina de elegancia y bohemia. Un periodista del Daily Mirror describió su "aspecto pálido y elegante, su ropa bien educada ... le gusta el bordado y la pintura", mientras que una joven de Eton que visitó su camerino recordó que "lo habían pintado recién de rosa y blanco para ella, y era como entrar en un atrevido apartamento francés". [66] Diez años después, cuando el marido de Hobson, el político John Profumo , se vio envuelto en un escándalo sexual que amenazó con desestabilizar al gobierno británico, el primer ministro Harold Macmillan escribió que "su esposa [la de Profumo] es muy agradable y sensata. Por supuesto, estas personas viven en una sociedad libertina, teatral y bohemia donde nadie conoce realmente a nadie y todos son "queridos"". [67]
El París de posguerra fue recordado con cariño en 2007, cuando Francia introdujo la prohibición de fumar en lugares públicos. Durante muchos años, se pensó que el aroma de Gauloises y Gitanes era una característica inseparable de la sociedad de café parisina, pero el propietario de Les Deux Magots , antaño frecuentado por Sartre, Simone de Beauvoir , Albert Camus y otros escritores, observó que "las cosas han cambiado. Los escritores de hoy no son tan adictos a los cigarrillos". [68] Un periodista británico que entrevistó a Juliette Gréco en 2010 describió Les Deux Magots y el Café de Flore como "lugares turísticos ahora demasiado caros" y señaló que "las cadenas de tiendas y los restaurantes caros han reemplazado a las librerías, los cafés y las ideas revolucionarias de Jean-Paul Sartre y la Rive Gauche de Simone de Beauvoir ". [69] Como medida del cambio de actitud hacia la cocina y la moda, a principios del siglo XXI el 80% de los croissants franceses se elaboraban en plantas de alimentos, mientras que, en 2014, solo una fábrica seguía fabricando la tradicional boina masculina asociada con impresores, artistas, activistas políticos y, durante los años de entreguerras, el tenista Jean Borotra . [70]
Los rasgos bohemios del París de posguerra se extendieron a otras partes urbanas del mundo francófono, en particular a Argel , donde creció una cultura underground de "clubs de jazz, chicas y drogas" -en palabras del productor de punk rock Marc Zermati , que estaba en la ciudad en el apogeo de la guerra de Argelia a fines de la década de 1950, "todo muy francés". [71] Sin embargo, esa guerra marcó un punto de inflexión que, en opinión de algunos, fue tan traumático que "la gente francesa común" miró a Estados Unidos como "un nuevo modelo de placer y felicidad". [72] Esto, a su vez, condujo a la música ye-ye de principios y mediados de la década de 1960 (nombrada así por el uso de "yeah, yeah" de la banda británica The Beatles en algunas de sus primeras canciones [73] ) y el surgimiento de cantantes como Johnny Hallyday y Françoise Hardy .
Los franceses también adoptaron a varios cantantes británicos ( Petula Clark , Gillian Hills , Jane Birkin ) que actuaron con éxito en francés, y Birkin formó una relación a largo plazo con el cantautor Serge Gainsbourg , quien fue una figura seminal en la música popular francesa en los años 1960 y 1970. En 1968, los grandes disturbios industriales y estudiantiles en París y otras partes de Francia estuvieron a punto de derrocar al gobierno del presidente Charles de Gaulle , quien, después de liderar a los franceses libres durante la Segunda Guerra Mundial, había regresado al poder en el momento de la emergencia argelina. Los eventos de 1968 representaron otro hito significativo en la Francia de posguerra, [74] aunque su impacto a largo plazo fue probablemente más en la vida cultural, social y académica que en el sistema político, que, a través de la constitución de la Quinta República (1958), ha permanecido prácticamente intacto. [75] De hecho, una paradoja de 1968 fue que las primeras manifestaciones estudiantiles estallaron en Nanterre , cuya zona de influencia incluía los afluentes y " chic " distritos 16 y 17 de París. Sus estudiantes eran más elegantes y "modernos" que los de la Sorbona en el Barrio Latino de la ciudad , siendo descritos en ese momento en términos que tipifican de manera más general los estilos y actitudes de los jóvenes de finales de los años 1960:
Son las chicas las que delatan el espectáculo: culottes , cuero brillante, minifaldas , botas, que llegan en Mini Cooper ... El sentimiento rebelde es más evidente entre los chicos: pelo largo, gafas cuadradas, barbas a lo Che Guevara [revolucionario cubano, fallecido en 1967]. La imagen en Nanterre en mayo era de muchísimas muñecas pintadas conviviendo con revolucionarios desaliñados. [76]
En Estados Unidos, los seguidores de la contracultura " beat " (probablemente mejor definida por la novela de Jack Kerouac , On the Road , ambientada a finales de los años 1940, escrita en 1952 y publicada en 1957) se asociaban con suéteres negros de cuello alto (o de cuello alto), jeans de mezclilla azul y sandalias. La influencia de este movimiento se podía ver en la personalidad y las canciones de Bob Dylan a principios y mediados de los años 1960, películas "road" como Easy Rider (1969) y la " New Wave " orientada al punk de mediados de los años 1970, que, entre otras cosas, produjo un ícono del estilo boho en Deborah Harry de la banda neoyorquina Blondie . (Sin embargo, al igual que con algunos músicos estadounidenses de mediados de los años 1960, como Sonny y Cher , Blondie llegó a la prominencia internacional solo después de una gira por Gran Bretaña en 1978.) [77]
El Greenwich Village de Nueva York , que desde finales del siglo XIX había atraído a muchas mujeres con ideales feministas o de " amor libre ", [78] fue un imán particular para los bohemios a principios de los años 1960. La novia de Bob Dylan , Suze Rotolo , que apareció con él en la portada de su segundo álbum The Freewheelin' Bob Dylan (1963), recordó que el Village era "el lugar al que iba gente como yo, gente que no pertenecía al lugar de donde venía... donde los escritores que estaba leyendo y los artistas que estaba mirando habían vivido o habían pasado por allí". [79] Estos "beatniks" (como se los conoció a fines de la década de 1950) fueron, en muchos sentidos, los antecedentes del movimiento hippie que se formó en la Costa Oeste de los EE. UU. a mediados de la década de 1960 [80] y cobraron protagonismo cuando los primeros baby boomers de la posguerra alcanzaron la mayoría de edad en el " Verano del Amor " de 1967. El Monterey Pop Festival fue un hito importante de ese año, que se asoció con el "flowerpower" , la psicodelia , la oposición a la guerra de Vietnam y la música inventiva y las modas fluidas y coloridas de, entre otros, Jimi Hendrix , los Mamas & the Papas , Jefferson Airplane y el grupo británico The Beatles , cuyo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , se dice que hizo que el gurú de la psicodelia, Timothy Leary , comentara que "mi trabajo está terminado". [81]
El documental Festival ( Murray Lerner , 1967) registró cómo los "universitarios de aspecto impecable" que asistieron al Festival Folklórico de Newport (Rhode Island) en 1963-1964 se habían vuelto, en 1965 (cuando Bob Dylan causó sensación en el festival de ese año tocando una guitarra eléctrica), "considerablemente más desaliñados": "los hippies estaban esperando nacer". [82] Entre otras cosas, el uso de corbatas masculinas, que, a mediados de la década de 1960, a menudo se basaban en patrones de cachemira del siglo XIX, [10] disminuyó a medida que se introdujeron las patillas y las gafas de sol: en la época del juicio de los 7 de Chicago (finales de 1969), el pelo sobre los cuellos se había vuelto tan común que estaba comenzando a trascender el estilo bohemio, adquiriendo popularidad masiva en la década de 1970. El comerciante de arte londinense Jeremy Maas reflexionó a mediados de la década de 1980 que:
No había duda de que el movimiento hippie y su influencia repercutida en Inglaterra debían gran parte de su imaginería, sus modales, vestimenta y apariencia personal al ideal prerrafaelita... Todos los que participamos en estas exposiciones [de pinturas prerrafaelitas] observamos que entre los visitantes había cada vez más personas de la generación más joven, que habían comenzado a parecerse a las figuras de los cuadros que habían venido a ver. [83]
Jimmy Page , de la banda británica Led Zeppelin , que coleccionaba pinturas prerrafaelitas, observó sobre Edward Burne-Jones que "el romance de las leyendas artúricas [capturadas en sus pinturas] y la vida bohemia de los artistas que estaban reelaborando estas historias parecían muy en sintonía con nuestro tiempo", [84] mientras que el autor David Waller señaló en 2011 que los temas de Burne-Jones "tienen mucho en común con las chicas rockeras de los sesenta y sus paladines estrellas del pop ". [85]
Aunque el Saturday Book anual registró en 1956 una opinión de que "Londres ahora no es más que cafeterías ostentosas, con ositos de peluche y pequeñas chicas en vaqueros", [86] el look "eduardiano" (" teddy boy ") de la época no coincidía con los gustos bohemios. Para las mujeres, el legado del "New Look" todavía era evidente, aunque los dobladillos en general habían subido ya que, como dijo un periodista en 1963, "las fotografías de aquellas primeras y audaces portadoras del New Look las hacen parecer extrañamente perdidas y desconcertadas, como si hubieran confundido su entrada y hubieran salido al escenario cincuenta años tarde". [87] Los focos bohemios durante este período fueron los clubes de jazz y los bares de espresso de Soho y Fitzrovia . Sus habituales solían llevar cuellos de polo; en palabras de un historiador social, "miles de estudiantes pálidos, vestidos con abrigos de lona, estaban encorvados en las cafeterías sobre sus copias de Jean-Paul Sartre y Jack Kerouac". [88] Varios bares y clubes también atendían los gustos bohemios, en particular el Colony Room Club en Soho, inaugurado en 1948 por Muriel Belcher , una lesbiana de Birmingham . [89] Al igual que con el fenómeno literario de los llamados " Jóvenes Enfadados " a partir de 1956, la imagen era más masculina que femenina. Sin embargo, cuando la cantante Alma Cogan quiso marcar su éxito comprando abrigos de visón para su madre y su hermana, la actriz Sandra Caron, esta última pidió una trenca en su lugar porque quería ser considerada una actriz seria y "una especie de beatnik". [90] En 1960, la futura autora Jacqueline Wilson , que, cuando era adolescente, vivía en Kingston-upon-Thames , Surrey, captó esta apariencia después de ver a dos conocidos en una tienda de discos "con trencas turquesas , jeans extremadamente ajustados y zapatos de cha-cha siendo abrazados por un grupo de horribles niños de peluche con manchas". [91]
En la novela de Iris Murdoch The Bell (1958), una estudiante de arte llamada Dora Greenfield compró "grandes faldas multicolores y discos de jazz y sandalias". Sin embargo, cuando Gran Bretaña emergió de la austeridad de la posguerra , algunas mujeres bohemias encontraron influencias de la Europa continental, adoptando, por ejemplo, el " look gamine ", con sus jerseys negros y peinados cortos, casi aniñados, asociados con las actrices de cine Audrey Hepburn ( Sabrina , 1954, y como una "beatnik griega" [92] en Funny Face , 1957) y Jean Seberg ( Bonjour Tristesse , 1958 y A bout de souffle , 1960), así como la novelista francesa Françoise Sagan , quien, como dijo un crítico, "fue celebrada por la variedad de sus parejas y por conducir autos deportivos rápidos descalza como un ejemplo de la vida libre". [93] En 1961, Fenella Fielding interpretó a una "Greciana vestida de rímel" en The Rebel con el comediante Tony Hancock , [92] mientras que, más recientemente, Talulah Riley replicó el look para las escenas de la adaptación de ITV de 2006 de The Moving Finger de Agatha Christie , [94] ambientada en 1951.
Otros preferían los estilos más escotados y ajustados de estrellas continentales como Bardot o Gina Lollobrigida . Valerie Hobson estaba entre aquellas cuyo guardarropa se inspiraba en la alta costura italiana ; además de una gran colección de zapatos de tacón de aguja , poseía una falda hecha de piel de pitón . [95] En términos más generales, los gustos europeos, incluidos el scooter Lambretta y la cocina italiana y francesa, que la escritora de cocina Elizabeth David , un poco bohemia, hizo mucho por promover [96] , no solo comenzaron a invadir los círculos bohemios, sino que ofrecieron un contraste, a partir de 1955, con el americanismo más atrevido del rock 'n' roll , con sus asociaciones predominantemente adolescentes .
En 1960, cuando los Beatles (en aquel entonces un oscuro grupo liverpooliano de cinco miembros, en contraposición a los cuatro "fab" que finalmente formaron) trabajaban en Hamburgo , Alemania Occidental, recibieron la influencia de un grupo de la "escuela de arte" bohemia conocido como Exis (por "existencialistas"). Los Exis eran aproximadamente equivalentes a lo que en Francia se conoció como les beats e incluían a la fotógrafa Astrid Kirchherr (por quien el " quinto Beatle " Stuart Sutcliffe abandonó el grupo) y al artista y músico Klaus Voormann (que diseñó la portada del álbum Revolver de los Beatles en 1966).
La esposa de John Lennon , Cynthia, recordó que Kirchherr estaba fascinado por el "estilo teddy-boy" de los Beatles, pero que ellos, a su vez, estaban "cautivados por su ropa negra moderna, su estilo de vida vanguardista , su fotografía y su sentido del estilo". [97] Como resultado, el grupo adquirió chaquetas de cuero negras, así como peinados con flecos que eran el prototipo de los cortes " mop-top " asociados con la " Beatlemanía " en 1963-1964. [98] Esto último coincidió con el resurgimiento del estilo bob para mujeres, promovido en Londres por el peluquero Vidal Sassoon , [99] inicialmente para la actriz Nancy Kwan , y adoptado, entre otros, por las cantantes Cilla Black , [100] Billie Davis y, en Estados Unidos, Bev Bivens de We Five y Tammi Terrell , las diseñadoras de moda Mary Quant y Jean Muir , la actriz estadounidense Barbara Feldon en la serie de televisión Superagente 86 , y, en forma de un bob más largo, Cathy McGowan , quien presentó el influyente programa de música pop de la televisión británica, Ready Steady Go! (1963-1966). [101] Sin embargo, cuando el pelo rubio más largo (asociado, entre muchos otros, con Julie Christie , Samantha Juste , Judy Geeson y la modelo Lorna McDonald , quien, al final de cada edición de Dee Time de la BBC , saltaba al Jaguar E-type abierto de Simon Dee [102] ) llegó a tipificar el estilo de los "sesenta", los anunciantes recurrieron al mundo bohemio en busca de inspiración: a través de su uso de hierbas, se decía que el champú Sunsilk había "robado algo de los gitanos". [103]
La Beatlemanía no creó por sí misma la aparente iconoclasia de los años 1960; sin embargo, como dijo un escritor, "así como Noël Coward y Cole Porter reflejaron la actitud libertina y despreocupada de los [19] años veinte, la música de los Beatles capturó el ritmo de liberación experimentado por toda una generación de personas que crecieron en los años sesenta". [10] A mediados de la década, la música pop británica había estimulado el auge de la moda de lo que Time llamó " el Londres swinging ". [104] Asociado inicialmente con diseños " mod " como la minifalda de Quant , pronto adoptó una gama de estilos esencialmente bohemios. Entre ellas se encontraban las modas militares y victorianas popularizadas por las estrellas que frecuentaban boutiques como Granny Takes a Trip , la "fusión de moda, arte y estilo de vida" inaugurada por Nigel Waymouth en King's Road , Chelsea en enero de 1966, [105] y, en 1967, el estilo hippie, en gran medida importado de Estados Unidos (aunque, como se ha señalado, las tiendas de Londres como Biba habían exhibido, durante algún tiempo, vestidos que se inspiraban en imágenes prerrafaelitas). [106] Keith Richards de los Rolling Stones , cuya primera novia, Linda Keith , había sido, en su adolescencia, una fuerza bohemia en West Hampstead , señaló al regreso de los Stones de una gira estadounidense en 1967 lo rápido que el hippieismo había transformado la escena londinense. [107]
Esta fusión de influencias fue perceptible en dos producciones en blanco y negro para la televisión de la BBC en 1966: la serie Adam Adamant Lives!, protagonizada por Gerald Harper como un aventurero eduardiano que había sido criopreservado en el tiempo y Juliet Harmer como Georgina Jones , una elegante "mod" que se hizo amiga de él, y la producción onírica y más bien gótica de Jonathan Miller de la fantasía infantil de mediados de la época victoriana de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas (1865). [108] (Confirmando la aspiración, Sydney Newman , director de drama televisivo de la BBC en la década de 1960, reflexionó sobre Adam Adamant que "[ellos] nunca pudieron lograr que [la] mentalidad victoriana contrastara con la de los años 60"). [109]
A primera vista, Carroll (seudónimo de Charles Lutwidge Dodgson) había sido un catedrático de la Universidad de Oxford bastante convencional y reprimido , pero fue un fotógrafo entusiasta y artístico en los primeros días de ese medio (tomando, entre otras cosas, imágenes de aspecto bastante bohemio de Alice Liddell y otras jóvenes) [110] y desarrolló una empatía y amistad con varios de los prerrafaelitas; [111] el escultor Thomas Woolner y posiblemente incluso Rossetti lo disuadieron de ilustrar a Alice él mismo, [112] una tarea que fue llevada a cabo en su lugar por John Tenniel . La imaginería de Alice , tanto textual como gráfica, se prestó bien a la psicodelia de finales de la década de 1960. [113] En Estados Unidos, esto fue evidente, entre otras formas, en el "happening Alice" en Central Park , Nueva York (1968) cuando los participantes desnudos se cubrieron de lunares [114] y en la letra de la canción de Grace Slick " White Rabbit " (1966) - "Una pastilla te hace más grande/Y una pastilla te hace más pequeño" - que interpretó tanto con la Great Society como con Jefferson Airplane, incluso con este último en Woodstock en 1969.
A finales de los años 1960, tiendas como Laura Ashley (cuyo primer outlet en Londres abrió en 1968) [115] promovían rutinariamente el "look campesino" y vendían una gama de "ropa única y excéntrica... La magia era poder ponerse un vestido 'Laura Ashley' e imaginar que habías encontrado algo sacado de una caja de disfraces". [116] Casi al mismo tiempo también, y en los años 1970, el brassière (o sujetador), que, como se ha señalado, había sido visto como una innovación liberadora a principios del siglo, llegó a ser considerado por algunas mujeres, como la académica australiana Germaine Greer ( The Female Eunuch , 1969), como un símbolo indebidamente restrictivo de la feminidad tradicional. Sin embargo, la muy publicitada incidencia de la " quema de sujetadores " en la década de 1970 tendió a ser exagerada y llegó a ser satirizada: por ejemplo, en la película de 1973, Carry On Girls , y en un póster de Young & Rubicam, [117] uno de una serie ligeramente subversiva para el vodka Smirnoff : "Nunca pensé en quemar mi sujetador hasta que descubrí Smirnoff". También fue visto por muchos, incluida la propia Greer, como una distracción de la causa de la "liberación" de las mujeres . [118] Un abogado de Vermont observó más tarde con ironía que "como toda buena feminista en formación en los años sesenta, quemé mi sujetador", pero que "ahora estamos en los noventa... me doy cuenta de que Playtex [fabricante de ropa interior] me había apoyado mejor que cualquier hombre que conozco". [119] Claire Perry , quien se convirtió en miembro conservador del Parlamento en 2010 y más tarde en ministra del gobierno, reflexionó que, como "oficial de mujeres" en la Universidad de Oxford a principios de los años 1980, era "una feminista que quemaba sujetadores con un horrible corte de pelo neorromántico ", pero que su feminismo, en su opinión, había madurado. [120]
A mediados de los años 1980, la cantante estadounidense Madonna había convertido el sujetador en una declaración de moda positiva, incluso provocadora. El estilo extravagante y atrevido de Madonna (notablemente visto con efecto bohemio junto a Rosanna Arquette en la película de 1985, Buscando desesperadamente a Susan ) fue, a su vez, un precursor del llamado " poder femenino " que se asoció en los años 1990 con varias mujeres jóvenes prominentes (como las cantantes Courtney Love , que actuó en el Festival de Glastonbury de 1999 con un sujetador rosa que atrajo los titulares, [121] y las Spice Girls de orientación más comercial ) y series de televisión estadounidenses poco convencionales o extravagantes ( Xena: la princesa guerrera , Buffy la cazavampiros , Caroline in the City , Sexo en Nueva York ).
El periodista Bob Stanley comentó que "los últimos años de la década de 1960 nunca pasan de moda por completo, sólo necesitan un ángulo nuevo que los haga actuales ". [122] Así, las características de la moda hippie resurgieron en varias etapas durante los cuarenta años siguientes.
A mediados y finales de la década de 1980, las variantes de la falda rah-rah corta y fundamentalmente no bohemia (que se originó con las animadoras ) se combinaron con cuero o mezclilla para crear un look con algunas características bohemias o incluso góticas (por ejemplo, por el dúo de cantantes Strawberry Switchblade que se inspiró en la moda punk de los años 1970 ). [123] En la década de 1990, el término "hippie chic " se aplicó a las colecciones de Tom Ford para la casa italiana Gucci . Estas se basaron, entre otras influencias, en el estilo, popular en retrospectiva, de Talitha Getty (fallecida en 1971), esposa actriz de John Paul Getty y nieta de Dorelia McNeil, quien fue representada más famosamente en una fotografía de ella y su esposo tomada por Patrick Lichfield en Marrakech , Marruecos en 1969. [124] Recordando la afluencia de hippies a Marrakech en 1968, Richard Neville , entonces editor de Oz , escribió que "los elegantes vagabundos con faldas bordadas y botas de vaquero estaban tan encantados con la ropa interior de satén brillante de los años 50 favorecida por las matronas de Marrakech que la usaron fuera de sus jeans à la Madonna [la cantante] veinticinco años después". [125]
A principios del siglo XXI, el estilo "boho-chic" se asoció inicialmente con la supermodelo Kate Moss y luego, como un estilo muy popular en 2004-2005, con la actriz Sienna Miller . En Estados Unidos, estilos similares a veces se denominaban " bobo- ", "ashcan chic" o " luxe grunge ", entre sus principales defensoras se encontraban las actrices Mary-Kate Olsen y Zooey Deschanel . Como para ilustrar la naturaleza cíclica de la moda, a fines de la década de 2000, los fuertes rasgos prerrafaelitas eran notables en, entre otras, la cantante Florence Welch , la modelo Karen Elson y la diseñadora Anna Sui . [126]
En Alemania, términos como Bionade-Burguesía , Bionade-Biedermeier o Biohème se refieren a los antiguos bohemios que ganaron una especie de hegemonía cultural con su estilo de vida LOHA ; [127] el fenómeno de que estos antiguos (jóvenes) bohemios se establecieran durante los años es un aspecto típico de los procesos de gentrificación . Un bon mot de Michael Rutschky afirmó que a finales del siglo XX, "no el proletariado , sino la bohemia se convirtió en la clase dominante". [128] El grupo en cuestión utiliza especialmente la comida como medio de distinción [129] [130] [131] y separación. [130] Entre otras, la marca de limonada Bionade se ha relacionado con el fenómeno.