La pintura de paisajes , también conocida como arte paisajístico , es la representación en pintura de escenarios naturales como montañas, valles, ríos, árboles y bosques , especialmente cuando el tema principal es una vista amplia, con sus elementos dispuestos en una composición coherente . En otras obras, los fondos de paisajes para las figuras todavía pueden formar una parte importante de la obra. El cielo casi siempre se incluye en la vista y el clima es a menudo un elemento de la composición. Los paisajes detallados como tema diferenciado no se encuentran en todas las tradiciones artísticas y se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada de representación de otros temas. [1]
Dos tradiciones principales surgen de la pintura occidental y del arte chino , que se remontan en ambos casos a más de mil años. El reconocimiento de un elemento espiritual en el arte del paisaje está presente desde sus inicios en el arte de Asia oriental, que se nutre del taoísmo y otras tradiciones filosóficas, pero en Occidente solo se hace explícito con el Romanticismo .
Las vistas de paisajes en el arte pueden ser completamente imaginarias o copiadas de la realidad con distintos grados de precisión. Si el propósito principal de una imagen es representar un lugar real y específico, especialmente si incluye edificios de manera destacada, se denomina vista topográfica . [2] Estas vistas, extremadamente comunes en los grabados de Occidente, a menudo se consideran inferiores a los paisajes de las bellas artes, aunque la distinción no siempre es significativa; prejuicios similares existían en el arte chino, donde la pintura literaria generalmente representaba vistas imaginarias, mientras que los artistas profesionales pintaban vistas reales. [3]
La palabra «paisaje» entró en el idioma inglés moderno como landskip (con diversas ortografías), una anglicización del holandés landschap , a principios del siglo XVII, puramente como término para obras de arte, y su primer uso como palabra para una pintura fue en 1598. [4] En pocas décadas se utilizó para describir vistas en poesía, [5] y, finalmente, como término para vistas reales. Sin embargo, el término cognado landscaef o landskipe para un trozo de tierra despejado ya existía en inglés antiguo , aunque no se registra en inglés medio . [6]
Las primeras formas de arte del mundo representan poco de lo que realmente podría llamarse paisaje, aunque se incluyen líneas de tierra y, a veces, indicaciones de montañas, árboles u otros elementos naturales. Los primeros "paisajes puros" sin figuras humanas son frescos del arte minoico de alrededor de 1500 a. C. [7]
Las escenas de caza, especialmente las que se desarrollan en el paisaje cerrado de los cañaverales del delta del Nilo del Antiguo Egipto, pueden transmitir una fuerte sensación de lugar, pero el énfasis se pone en las formas vegetales individuales y en las figuras humanas y animales, más que en el paisaje general. Los frescos de la Tumba de Nebamun , que ahora se encuentra en el Museo Británico (c. 1350 a. C.), son un ejemplo famoso.
Para representar de forma coherente un paisaje completo, se necesita algún sistema aproximado de perspectiva o escala de distancias, y, según las evidencias literarias, esto parece haberse desarrollado por primera vez en la Antigua Grecia en el período helenístico , aunque no sobreviven ejemplos a gran escala. Sobreviven más paisajes romanos antiguos , desde el siglo I a. C. en adelante, especialmente frescos de paisajes que decoran habitaciones que se han conservado en los sitios arqueológicos de Pompeya , Herculano y otros lugares, y mosaicos . [8]
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La tradición de pintura con tinta china de shan shui ("montaña-agua"), o paisaje "puro", en el que el único signo de vida humana es generalmente un sabio o un vistazo de su cabaña, utiliza fondos paisajísticos sofisticados para representar sujetos, y el arte paisajístico de este período conserva un estatus clásico y muy imitado dentro de la tradición china.
Tanto la tradición romana como la china suelen mostrar grandes panoramas de paisajes imaginarios, generalmente con una cadena de montañas espectaculares como telón de fondo (en China, a menudo con cascadas y en Roma, con mar, lagos o ríos). Estos se utilizaban con frecuencia, como en el ejemplo ilustrado, para salvar la distancia entre una escena en primer plano con figuras y una vista panorámica lejana, un problema persistente para los artistas paisajistas. El estilo chino generalmente mostraba solo una vista lejana o utilizaba terreno muerto o niebla para evitar esa dificultad.
Un contraste importante entre la pintura de paisajes en Occidente y Asia Oriental ha sido que mientras que en Occidente hasta el siglo XIX ocupaba una posición baja en la jerarquía aceptada de géneros , en Asia Oriental la clásica pintura china de tinta sobre agua de montaña era tradicionalmente la forma más prestigiosa de arte visual. Las teorías estéticas en ambas regiones otorgaban el estatus más alto a las obras que exigían más imaginación del artista. En Occidente se trataba de pintura histórica , pero en Asia Oriental era el paisaje imaginario, donde los practicantes famosos eran, al menos en teoría, literatos aficionados , incluidos varios emperadores tanto de China como de Japón. A menudo también eran poetas cuyas líneas e imágenes se ilustraban entre sí. [9]
Sin embargo, en Occidente, la pintura histórica llegó a requerir un amplio fondo paisajístico cuando era necesario, por lo que la teoría no funcionó del todo en contra del desarrollo de la pintura de paisajes: durante varios siglos, los paisajes fueron promovidos regularmente al estatus de pintura histórica mediante la adición de pequeñas figuras para crear una escena narrativa, típicamente religiosa o mitológica.
En el arte medieval occidental temprano , el interés por el paisaje desaparece casi por completo y se mantiene vivo solo en copias de obras de la Antigüedad Tardía , como el Salterio de Utrech ; la última reelaboración de esta fuente, en una versión gótica temprana, reduce los paisajes previamente extensos a unos pocos árboles que llenan los huecos de la composición, sin sensación de espacio general. [10] Un renacimiento del interés por la naturaleza se manifestó inicialmente principalmente en representaciones de pequeños jardines como el Hortus Conclusus o en tapices de mil flores . Los frescos de figuras trabajando o jugando frente a un fondo de árboles densos en el Palacio de los Papas, en Aviñón, son probablemente una supervivencia única de lo que era un tema común. [11] Varios frescos de jardines han sobrevivido de casas romanas como la Villa de Livia . [12]
Durante el siglo XIV, Giotto di Bondone y sus seguidores comenzaron a reconocer la naturaleza en su trabajo, introduciendo cada vez más elementos del paisaje como escenario de fondo para la acción de las figuras en sus pinturas. [13] A principios del siglo XV, la pintura de paisajes se estableció como un género en Europa, como un escenario para la actividad humana, a menudo expresada en un tema religioso, como los temas del Descanso en la Huida a Egipto , el Viaje de los Reyes Magos o San Jerónimo en el Desierto . Los manuscritos iluminados de lujo fueron muy importantes en el desarrollo temprano del paisaje, especialmente la serie de los Trabajos de los Meses como los de las Très Riches Heures du Duc de Berry , que convencionalmente mostraban pequeñas figuras del género en escenarios de paisajes cada vez más grandes. Un avance particular se muestra en las Horas de Turín-Milán menos conocidas , ahora destruidas en gran parte por el fuego, cuyos desarrollos se reflejaron en la pintura neerlandesa temprana durante el resto del siglo. El artista conocido como "Hand G", probablemente uno de los hermanos Van Eyck , fue especialmente exitoso en reproducir efectos de luz y en una progresión aparentemente natural desde el primer plano hasta la vista lejana. [14] Esto fue algo que otros artistas encontrarían difícil durante un siglo o más, y a menudo resolvían el problema mostrando un fondo de paisaje desde encima de un parapeto o alféizar de ventana, como si estuviera desde una altura considerable. [15]
Los fondos de paisajes para diversos tipos de pintura se volvieron cada vez más prominentes y hábiles durante el siglo XV. El período alrededor de finales del siglo XV vio dibujos de paisajes puros y acuarelas de Leonardo da Vinci , Alberto Durero , Fra Bartolomeo y otros, pero los temas de paisajes puros en pintura y grabado , todavía pequeños, fueron producidos por primera vez por Albrecht Altdorfer y otros de la Escuela Alemana del Danubio a principios del siglo XVI. [16] Sin embargo, los exteriores de las alas de un tríptico de Gerard David , fechado en "alrededor de 1510-15", son los más antiguos de los Países Bajos , y posiblemente de Europa. [17] Al mismo tiempo, Joachim Patinir en los Países Bajos desarrolló el " paisaje del mundo ", un estilo de paisaje panorámico con pequeñas figuras y utilizando un punto de vista aéreo alto, que siguió siendo influyente durante un siglo, siendo utilizado y perfeccionado por Pieter Brueghel el Viejo . El desarrollo italiano de un completo sistema de perspectiva gráfica era conocido en toda Europa, lo que permitía pintar vistas grandes y complejas de forma muy eficaz.
Los paisajes fueron idealizados, reflejando en su mayoría un ideal pastoral extraído de la poesía clásica que fue expresado plenamente por primera vez por Giorgione y el joven Tiziano , y permanecieron asociados sobre todo con el paisaje italiano montañoso y boscoso, que fue representado por artistas del norte de Europa que nunca habían visitado Italia, al igual que los literatos que vivían en las llanuras de China y Japón pintaron montañas vertiginosas. Aunque a menudo se animaba a los artistas jóvenes a visitar Italia para experimentar la luz italiana , muchos artistas del norte de Europa podían ganarse la vida vendiendo paisajes italianizantes sin siquiera molestarse en hacer el viaje. De hecho, ciertos estilos fueron tan populares que se convirtieron en fórmulas que podían copiarse una y otra vez. [18]
La publicación en Amberes en 1559 y 1561 de dos series de un total de 48 grabados (los Pequeños paisajes ) a partir de dibujos de un artista anónimo conocido como el Maestro de los Pequeños paisajes marcó un cambio desde los paisajes imaginarios, distantes y de contenido religioso del paisaje mundial hacia representaciones en primer plano a la altura de los ojos de fincas y pueblos identificables poblados de figuras dedicadas a actividades cotidianas. Al abandonar el punto de vista panorámico del paisaje mundial y centrarse en lo humilde, rural e incluso topográfico, los Pequeños paisajes sentaron las bases para la pintura de paisajes neerlandeses en el siglo XVII. Después de la publicación de los Pequeños paisajes, los artistas paisajistas de los Países Bajos continuaron con el paisaje mundial o siguieron el nuevo estilo presentado por los Pequeños paisajes. [19]
La popularidad de las escenas de paisajes exóticos se puede ver en el éxito del pintor Frans Post , que pasó el resto de su vida pintando paisajes brasileños después de un viaje allí entre 1636 y 1644. Otros pintores que nunca cruzaron los Alpes pudieron ganar dinero vendiendo paisajes de Renania , y otros más por construir escenas de fantasía para un encargo particular, como la vista de Smeerenburg de Cornelis de Man en 1639.
Se desarrollaron fórmulas compositivas que utilizan elementos como el repujado que siguen siendo influyentes en la fotografía y la pintura modernas, en particular por Poussin [20] y Claude Lorrain , ambos artistas franceses que vivieron en la Roma del siglo XVII y pintaron principalmente temas clásicos o escenas bíblicas ambientadas en los mismos paisajes. A diferencia de sus contemporáneos holandeses, los paisajistas italianos y franceses todavía querían con frecuencia mantener su clasificación dentro de la jerarquía de géneros como pintura histórica al incluir pequeñas figuras para representar una escena de la mitología clásica o la Biblia. Salvator Rosa le dio emoción pintoresca a sus paisajes al mostrar el país más salvaje del sur de Italia, a menudo poblado por bandidos . [21]
La pintura holandesa de la Edad de Oro del siglo XVII vio un crecimiento espectacular de la pintura de paisajes, en la que se especializaron muchos artistas, y el desarrollo de técnicas realistas extremadamente sutiles para representar la luz y el clima. Hay diferentes estilos y períodos, y subgéneros de pintura marina y animal, así como un estilo distintivo de paisaje italianizante. La mayoría de los paisajes holandeses eran relativamente pequeños, pero los paisajes de la pintura barroca flamenca , todavía generalmente poblados, eran a menudo muy grandes, sobre todo en la serie de obras que Peter Paul Rubens pintó para sus propias casas. Los grabados de paisajes también fueron populares, y los de Rembrandt y las obras experimentales de Hercules Seghers generalmente se consideran los mejores.
Los holandeses tendían a hacer pinturas más pequeñas para casas más pequeñas. Algunas especialidades paisajísticas holandesas nombradas en los inventarios de la época incluyen la Batalje , o escena de batalla; [22] la Maneschijntje , [23] o escena a la luz de la luna; la Bosjes , [24] o escena de bosque; la Boederijtje , o escena de granja, [25] y la Dorpje o escena de pueblo. [26] Aunque no se nombró en ese momento como un género específico, la popularidad de las ruinas romanas inspiró a muchos pintores paisajistas holandeses de la época a pintar las ruinas de su propia región, como monasterios e iglesias en ruinas después de la Tormenta de Beelden . [27]
Se considera a Jacob van Ruisdael el más versátil de todos los pintores paisajistas del Siglo de Oro holandés. [28] La popularidad de los paisajes en los Países Bajos fue en parte un reflejo de la virtual desaparición de la pintura religiosa en una sociedad calvinista , y el declive de la pintura religiosa en los siglos XVIII y XIX en toda Europa combinado con el Romanticismo para dar a los paisajes un lugar mucho mayor y más prestigioso en el arte del siglo XIX de lo que habían asumido antes.
En Inglaterra, los paisajes habían sido en un principio fondos de retratos, que por lo general sugerían parques o fincas de terratenientes, aunque en su mayoría pintados en Londres por un artista que nunca había visitado las onduladas tierras de su modelo. La tradición inglesa fue fundada por Anthony van Dyck y otros artistas, en su mayoría flamencos, que trabajaban en Inglaterra, pero en el siglo XVIII las obras de Claude Lorrain fueron coleccionadas con gran entusiasmo e influyeron no solo en las pinturas de paisajes, sino también en los jardines paisajísticos ingleses de Capability Brown y otros.
En el siglo XVIII, la pintura de acuarela , principalmente de paisajes, se convirtió en una especialidad inglesa, con un mercado floreciente para las obras profesionales y un gran número de pintores aficionados, muchos de ellos siguiendo los sistemas populares que se encuentran en los libros de Alexander Cozens y otros. A principios del siglo XIX, los artistas ingleses con las mayores reputaciones modernas eran en su mayoría pintores de paisajes dedicados, que mostraban la amplia gama de interpretaciones románticas del paisaje inglés que se encuentran en las obras de John Constable , JMW Turner y Samuel Palmer . Sin embargo, todos ellos tuvieron dificultades para establecerse en el mercado del arte contemporáneo, que todavía prefería las pinturas históricas y los retratos. [29]
En Europa, como dijo John Ruskin , [30] y Sir Kenneth Clark confirmó, la pintura de paisajes fue la "principal creación artística del siglo XIX", y "el arte dominante", con el resultado de que en el período siguiente la gente "era propensa a asumir que la apreciación de la belleza natural y la pintura de paisajes es una parte normal y duradera de nuestra actividad espiritual" [31]. En el análisis de Clark, las formas europeas subyacentes para convertir la complejidad del paisaje en una idea eran cuatro enfoques fundamentales: la aceptación de símbolos descriptivos, una curiosidad sobre los hechos de la naturaleza, la creación de fantasía para calmar los temores profundamente arraigados de la naturaleza, y la creencia en una Edad de Oro de armonía y orden, que podría ser recuperada.
El siglo XVIII también fue una época de gran importancia para la estampa topográfica, que representaba con mayor o menor exactitud una vista real, algo que rara vez ocurría con la pintura de paisajes. Al principio, la mayoría de las estampas se centraban en un edificio, pero a lo largo del siglo, con el crecimiento del movimiento romántico, los paisajes puros se hicieron más comunes. La estampa topográfica, que a menudo estaba destinada a enmarcarse y colgarse en una pared, siguió siendo un medio muy popular hasta el siglo XX, pero a menudo se la clasificaba como una forma de arte inferior a la de un paisaje imaginario.
Los paisajes en acuarela sobre papel se convirtieron en una especialidad diferenciada, sobre todo en Inglaterra, donde se desarrolló una tradición particular de artistas talentosos que sólo, o casi exclusivamente, pintaban paisajes en acuarela, algo que no ocurrió en otros países. Se trataba muy a menudo de vistas reales, aunque a veces las composiciones se modificaban para conseguir un efecto artístico. Las pinturas se vendían a un precio relativamente bajo, pero se producían mucho más rápidamente. Estos profesionales podían aumentar sus ingresos entrenando a los "ejércitos de aficionados" que también pintaban. [32]
Entre los artistas más destacados se encuentran John Robert Cozens , Francis Towne , Thomas Girtin , Michael Angelo Rooker , William Pars , Thomas Hearne y John Warwick Smith , todos ellos a finales del siglo XVIII, y John Glover , Joseph Mallord William Turner , John Varley , John Sell Cotman , Anthony Copley Fielding y Samuel Palmer a principios del siglo XIX. [33]
El movimiento romántico intensificó el interés existente en el arte del paisaje, y los paisajes remotos y salvajes, que habían sido un elemento recurrente en el arte paisajístico anterior, ahora cobraron mayor importancia. El alemán Caspar David Friedrich tenía un estilo distintivo, influenciado por su formación danesa , donde se había desarrollado un estilo nacional distintivo, inspirado en el ejemplo holandés del siglo XVII. A esto añadió un romanticismo cuasi místico. Los pintores franceses tardaron más en desarrollar la pintura de paisajes, pero a partir de la década de 1830, Jean-Baptiste-Camille Corot y otros pintores de la Escuela de Barbizon establecieron una tradición paisajística francesa que se convertiría en la más influyente en Europa durante un siglo, con los impresionistas y postimpresionistas por primera vez haciendo de la pintura de paisajes la principal fuente de innovación estilística general en todos los tipos de pintura.
El nacionalismo de las nuevas Provincias Unidas había sido un factor en la popularidad de la pintura paisajística holandesa del siglo XVII y en el siglo XIX, cuando otras naciones intentaron desarrollar escuelas de pintura nacionales distintivas, el intento de expresar la naturaleza especial del paisaje de la patria se convirtió en una tendencia general. En Rusia, como en Estados Unidos, el tamaño gigantesco de las pinturas era en sí mismo una declaración nacionalista. En Polonia, los principales representantes de la pintura paisajística , en la segunda parte del siglo XIX, fueron Maksymilian Gierymski , Józef Chełmoński y Stanisław Masłowski [34] [35] [36]
En España, el principal impulsor del género fue el pintor de origen belga Carlos de Haes , uno de los profesores de paisaje más activos de la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid desde 1857. Tras estudiar con los grandes maestros paisajistas flamencos, desarrolló su técnica para pintar al aire libre. [37] De regreso a España, Haes llevó a sus alumnos con él a pintar al campo; bajo su enseñanza los «pintores proliferaron y aprovecharon el nuevo sistema ferroviario para explorar los rincones más lejanos de la topografía de la nación». [38] [39]
En los Estados Unidos, la Escuela del río Hudson , que se desarrolló a mediados y finales del siglo XIX, es probablemente el desarrollo nativo más conocido del arte paisajístico. Estos pintores crearon obras de escala gigantesca que intentaron capturar el alcance épico de los paisajes que las inspiraron. La obra de Thomas Cole , el fundador generalmente reconocido de la escuela, tiene mucho en común con los ideales filosóficos de las pinturas de paisajes europeas: una especie de fe secular en los beneficios espirituales que se obtienen de la contemplación de la belleza natural. Algunos de los artistas posteriores de la Escuela del río Hudson, como Albert Bierstadt , crearon obras menos reconfortantes que ponían un mayor énfasis (con mucha exageración romántica) en el poder crudo, incluso aterrador, de la naturaleza. Frederic Edwin Church , un estudiante de Cole, sintetizó las ideas de sus contemporáneos con las de los viejos maestros europeos y los escritos de John Ruskin y Alexander von Humboldt para convertirse en el pintor de paisajes estadounidense más importante del siglo. [40] Los mejores ejemplos del arte paisajístico canadiense se pueden encontrar en las obras del Grupo de los Siete , destacado en la década de 1920. [41]
Aunque ciertamente menos dominantes en el período posterior a la Primera Guerra Mundial, muchos artistas importantes todavía pintaron paisajes en la amplia variedad de estilos ejemplificados por Edvard Munch , Georgia O'Keeffe , Charles E. Burchfield , Neil Welliver , Alex Katz , Milton Avery , Peter Doig , Andrew Wyeth , David Hockney y Sidney Nolan .
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La pintura de paisajes ha sido considerada como "la mayor contribución de China al arte mundial", [44] y debe su carácter especial a la tradición taoísta (daoísta) en la cultura china. [45] William Watson señala que "se ha dicho que el papel del arte del paisaje en la pintura china corresponde al del desnudo en Occidente, como un tema invariable en sí mismo, pero convertido en vehículo de infinitos matices de visión y sentimiento". [46]
Desde la dinastía Han en adelante, se utilizan fondos de paisajes cada vez más sofisticados para representar temas de caza, agricultura o animales, y los ejemplos que se conservan son principalmente relieves de piedra o arcilla de tumbas, que se supone que siguen los estilos predominantes en la pintura, sin duda sin capturar el efecto completo de las pinturas originales. [47] No está claro el estado exacto de las copias posteriores de obras reputadas de pintores famosos (muchos de los cuales están registrados en la literatura) anteriores al siglo X. Un ejemplo es una famosa pintura del siglo VIII de la colección imperial, titulada El emperador Ming Huang viajando en Shu . Esta muestra al séquito cabalgando por montañas vertiginosas del tipo típico de pinturas posteriores, pero está a todo color "produciendo un patrón general que es casi persa", en lo que evidentemente era un estilo popular y de moda de la corte. [48]
El cambio decisivo hacia un estilo de paisaje monocromático, casi desprovisto de figuras, se atribuye a Wang Wei (699-759), también famoso como poeta; en su mayoría solo sobreviven copias de sus obras. [49] Desde el siglo X en adelante, sobrevive un número cada vez mayor de pinturas originales, y las mejores obras de la Escuela del Sur de la dinastía Song (960-1279) siguen estando entre las más valoradas en lo que ha sido una tradición ininterrumpida hasta nuestros días. La convención china valoraba las pinturas del caballero erudito aficionado , a menudo también poeta, por encima de las producidas por profesionales, aunque la situación era más compleja que eso. [50] Si incluyen alguna figura, muy a menudo son esas personas, o sabios, contemplando las montañas. Las obras famosas han acumulado cantidades de "sellos de reconocimiento" rojos , y a menudo poemas agregados por propietarios posteriores: el emperador Qianlong (1711-1799) fue un prolífico añadidor de sus propios poemas, siguiendo a los emperadores anteriores.
La tradición shan shui nunca tuvo la intención de representar lugares reales, ni siquiera cuando se les daban nombres de ellos, como en la convención de las Ocho Vistas . [51] Un estilo diferente, producido por talleres de artistas profesionales de la corte, pintaba vistas oficiales de giras y ceremonias imperiales, con énfasis principal en escenas muy detalladas de ciudades abarrotadas y grandes ceremonias desde un punto de vista elevado. Estas se pintaban en rollos de enorme longitud en colores brillantes (ejemplo a continuación).
La escultura china también logra la difícil hazaña de crear paisajes tridimensionales efectivos. Existe una larga tradición de apreciación de las " piedras para contemplar" : rocas formadas naturalmente, típicamente piedra caliza de las orillas de los ríos de montaña que se ha erosionado hasta adquirir formas fantásticas, que se transportaban a los patios y jardines de los literatos. Probablemente, asociada a ellas está la tradición de tallar rocas mucho más pequeñas de jade o de alguna otra piedra semipreciosa en forma de montaña, incluidas pequeñas figuras de monjes o sabios. Los jardines chinos también desarrollaron una estética muy sofisticada mucho antes que los de Occidente; el karensansui o jardín seco japonés del budismo zen acerca aún más el jardín a la escultura, al representar un paisaje sumamente abstracto.
El arte japonés adaptó inicialmente los estilos chinos para reflejar su interés por los temas narrativos en el arte, con escenas ambientadas en paisajes que se mezclaban con otras que mostraban escenas de palacios o ciudades utilizando el mismo punto de vista elevado, cortando los tejados cuando era necesario. Estas aparecían en los larguísimos rollos yamato-e de escenas que ilustraban el Cuento de Genji y otros temas, en su mayoría de los siglos XII y XIII. El concepto del pintor aficionado caballero tuvo poca resonancia en el Japón feudal , donde los artistas eran generalmente profesionales con un fuerte vínculo con su maestro y su escuela, en lugar de los artistas clásicos del pasado lejano, de los que los pintores chinos tendían a inspirarse. [55] La pintura era inicialmente completamente coloreada, a menudo de forma brillante, y el paisaje nunca abruma a las figuras, que a menudo son bastante grandes.
La escena de la Biografía del sacerdote Ippen que se ilustra a continuación es de un pergamino que en su totalidad mide 37,8 cm × 802,0 cm, para solo uno de los doce pergaminos que ilustran la vida de un monje budista ; al igual que sus contrapartes occidentales, los monasterios y templos encargaron muchas de estas obras, y estas han tenido más posibilidades de sobrevivir que sus equivalentes cortesanos. [56] Aún más raras son las supervivencias de biombos plegables byōbu de paisajes y pergaminos colgantes , que parecen tener algo en común en los círculos de la corte: el Cuento de Genji tiene un episodio en el que los miembros de la corte producen las mejores pinturas de sus colecciones para una competencia. Estas eran más cercanas al shan shui chino, pero aún estaban completamente coloreadas. [57]
Del siglo XV en adelante sobreviven muchos más temas de paisajes puros; varios artistas clave son clérigos budistas zen y trabajaron en un estilo monocromático con mayor énfasis en las pinceladas a la manera china. Algunas escuelas adoptaron un estilo menos refinado, con vistas más pequeñas que daban mayor énfasis al primer plano. Un tipo de imagen que tuvo un atractivo duradero para los artistas japoneses, y que llegó a llamarse "estilo japonés", de hecho se encontró por primera vez en China. Este combina uno o más pájaros, animales o árboles grandes en primer plano, generalmente a un lado en una composición horizontal, con un paisaje más amplio más allá, que a menudo solo cubre partes del fondo. Las versiones posteriores de este estilo a menudo prescindieron por completo de un fondo de paisaje.
El estilo ukiyo-e que se desarrolló a partir del siglo XVI, primero en pintura y luego en xilografías coloreadas que eran baratas y estaban ampliamente disponibles, se concentró inicialmente en la figura humana, tanto individual como en grupos. Pero a partir de finales del siglo XVIII, el ukiyo-e paisajístico se desarrolló bajo la dirección de Hokusai e Hiroshige hasta convertirse en el tipo de arte paisajístico japonés más conocido. [58]
Aunque hay algunos elementos de paisaje en el arte anterior, la tradición paisajística de la miniatura persa comienza realmente en el período iljánida , en gran parte bajo la influencia china. Se prefieren los paisajes montañosos rocosos, que se muestran llenos de animales y plantas que se representan de forma cuidadosa e individual, al igual que las formaciones rocosas. La convención particular del punto de vista elevado que se desarrolló en la tradición llena la mayoría de los espacios de la imagen de formato vertical con el paisaje, aunque también se suelen mostrar nubes en el cielo, representadas en una convención ondulada extraída del arte chino. Por lo general, todo lo que se ve está bastante cerca del espectador y hay pocas vistas lejanas. Normalmente, todas las imágenes de paisajes muestran escenas narrativas con figuras, pero hay algunas escenas de paisajes puros dibujados en los álbumes.
La pintura hindú presentaba largas escenas ambientadas en medio de una exuberante vegetación, como exigían muchas de las historias representadas. La pintura mogol combinaba este estilo con el persa, y en las miniaturas de cacerías reales a menudo se representaban amplios paisajes. Son populares las escenas ambientadas durante las lluvias monzónicas , con nubes oscuras y relámpagos. Más tarde, es evidente la influencia de los grabados europeos.
La mayoría de los primeros paisajes son claramente imaginarios, aunque desde muy temprano las vistas de paisajes urbanos están claramente destinadas a representar ciudades reales, con distintos grados de precisión. Se utilizaron varias técnicas para simular la aleatoriedad de las formas naturales en composiciones inventadas: el consejo medieval de Cennino Cennini de copiar riscos irregulares de pequeñas rocas ásperas fue aparentemente seguido tanto por Poussin como por Thomas Gainsborough , mientras que Degas copió formas de nubes de un pañuelo arrugado sostenido a contraluz. [61] El sistema de Alexander Cozens utilizaba manchas de tinta al azar para dar la forma básica de un paisaje inventado, que sería elaborado por el artista. [62]
La distintiva vista de fondo del lago de Ginebra hasta el pico Le Môle en La pesca milagrosa de Konrad Witz (1444) se cita a menudo como el primer paisaje rural occidental que muestra una escena específica. [63] Los estudios de paisajes de Durero representan claramente escenas reales, que se pueden identificar en muchos casos, y se hicieron al menos en parte en el lugar; los dibujos de Fra Bartolomeo también parecen claramente esbozados de la naturaleza. Las obras terminadas de Durero parecen utilizar generalmente paisajes inventados, aunque la espectacular vista aérea de su grabado Némesis muestra una vista real de los Alpes , con elementos adicionales. Se sabe que varios paisajistas hicieron dibujos y bocetos de acuarela de la naturaleza, pero la evidencia de que las primeras pinturas al óleo se hicieran al aire libre es limitada. La Hermandad Prerrafaelita hizo esfuerzos especiales en esta dirección, pero no fue hasta la introducción de pinturas al óleo preparadas en tubos en la década de 1870, seguida por el " caballete de caja " portátil, que la pintura al aire libre comenzó a practicarse ampliamente.
Una cortina de montañas al fondo del paisaje es algo habitual en las vistas panorámicas romanas y aún más en los paisajes chinos. En las primeras obras de ambas tradiciones se da relativamente poco espacio al cielo; los chinos solían utilizar niebla o nubes entre las montañas, y también a veces muestran nubes en el cielo mucho antes que los artistas occidentales, que inicialmente utilizaban principalmente nubes como soportes o cubiertas para figuras divinas o el cielo. Tanto las pinturas sobre tabla como las miniaturas en los manuscritos solían tener un "cielo" o fondo estampado o dorado sobre el horizonte hasta aproximadamente 1400, pero los frescos de Giotto y otros artistas italianos habían mostrado cielos azules lisos durante mucho tiempo. El único retablo superviviente de Melchior Broederlam , completado para Champmol en 1399, tiene un cielo dorado poblado no solo por Dios y ángeles, sino también por un pájaro en vuelo. Una escena costera en Las horas de Turín-Milán tiene un cielo nublado con nubes observadas cuidadosamente. En los grabados en madera, un gran espacio en blanco puede provocar que el papel se combe durante la impresión, por lo que Durero y otros artistas suelen incluir nubes o garabatos que representan pájaros para evitar esto.
La tradición monocromática china ha utilizado tinta sobre seda o papel desde sus inicios, con un gran énfasis en la pincelada individual para definir los ts'un o "arrugas" en las laderas de las montañas y otras características del paisaje. La acuarela occidental es un medio más tonal, incluso con dibujos subyacentes visibles.
Tradicionalmente, el arte paisajístico representa la superficie de la Tierra, pero existen otros tipos de paisajes, como los paisajes lunares .
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,_oil_on_canvas,_82_x_101_cm,_Pushkin_Museum,_Moscow._Exhibited_at_the_1905_Salon_d'Automne.jpg/1280px-Andr%C3%A9_Derain,_1905,_Le_s%C3%A9chage_des_voiles_(The_Drying_Sails),_oil_on_canvas,_82_x_101_cm,_Pushkin_Museum,_Moscow._Exhibited_at_the_1905_Salon_d'Automne.jpg)
,_oil_on_canvas,_72.5_x_100_cm,_Rijksmuseum_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller,_Otterlo,_Netherlands.jpg/1280px-Jean_Metzinger,_1906,_Coucher_de_Soleil_No._1_(Landscape),_oil_on_canvas,_72.5_x_100_cm,_Rijksmuseum_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller,_Otterlo,_Netherlands.jpg)
,_oil_on_canvas,_60_x_73_cm,_Mus%C3%A9e_Picasso,_Paris.jpg/1280px-Pablo_Picasso,_1908,_Paysage_aux_deux_figures_(Landscape_with_Two_Figures),_oil_on_canvas,_60_x_73_cm,_Mus%C3%A9e_Picasso,_Paris.jpg)
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Medios relacionados con la pintura de paisajes en Wikimedia Commons