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Mascarón (arquitectura)

Mascarón Art Déco sobre la puerta de la calle Mademoiselle n.º 40, París, c. 1930

En arquitectura y artes decorativas , un adorno de mascarón es un rostro, generalmente humano, a veces aterrador o quimérico , cuya supuesta función era originalmente ahuyentar a los malos espíritus para que no entraran en el edificio. [1] El concepto fue posteriormente adaptado para convertirse en un elemento puramente decorativo. Los estilos arquitectónicos más recientes en emplear ampliamente mascarones fueron Beaux Arts y Art Nouveau . [2] [3] Además de la arquitectura, los mascarones se utilizan en las otras artes aplicadas .

Tipos

Hombre verde

En el siglo XI, los canteros europeos comenzaron a añadir mascarones tallados con hojas, conocidos como Hombres Verdes, a la decoración de las iglesias, una imagen que los estudiosos de principios del siglo XX sugirieron que representaba en secreto a un dios precristiano superviviente. Hoy en día, pocos estudiosos creen en esta idea. El Hombre Verde se interpreta principalmente como un símbolo de renacimiento, que representa el ciclo de nuevo crecimiento que ocurre cada primavera . [4]

Bucráneo

Un bucranium (plural: bucrania ) es un mascarón de cráneo de buey, usado habitualmente en la Antigüedad para decorar monumentos funerarios y conmemorativos. El motivo tiene su origen en una ceremonia en la que se colgaba una cabeza de buey de las vigas de madera que sostenían el techo del templo; esta escena fue posteriormente representada, en piedra, en el friso, o dinteles de piedra, sobre las columnas de los templos dóricos . El cráneo de buey suele estar decorado con cintas y festones . El motivo fue reutilizado durante el Renacimiento , perdiendo su antiguo simbolismo, quedando reducido únicamente a un simple adorno. Posteriormente dejó de usarse hasta el siglo XVIII, cuando las excavaciones de Pompeya y Herculano dan lugar al Neoclasicismo , un movimiento que intentó revivir la estética de la Grecia y Roma clásicas. [8] [9]

Historia

En la Antigüedad, la Edad Media y el Renacimiento , los mascarones se utilizaban principalmente como decoración, pero en ocasiones también para amenazar a los malos espíritus. A partir del Barroco , se utilizaban únicamente como adorno, generalmente colocados en la parte superior de diversos objetos ( clavijas de ventanas o puertas , tiradores, cartelas , etc.).

Antigüedad

Antiguo Oriente Próximo y Egipto

Los mascarones eran poco comunes en el Próximo Oriente antiguo. Los que se utilizaban solían tener forma de cabeza de toro o de león. Se pueden ver buenos ejemplos en las liras de Ur .

En el antiguo Egipto, Hathor era la diosa suprema del amor, identificada por los griegos con Afrodita . Su rostro se utilizaba para decorar múltiples objetos. La mayoría de las veces se la representaba como una mujer que llevaba un tocado con cuernos y un disco solar. Los espejos y la sistra (un instrumento musical utilizado en el antiguo Egipto) presentan un mascarón de Hathor en el mango. Algunos espejos la presentan porque en Egipto a menudo estaban hechos de oro o bronce y, por lo tanto, simbolizaban el disco solar, y porque estaban conectados con la belleza y la feminidad. [12] Hathor a veces se representaba como un rostro humano con orejas de bovino. Este rostro similar a una máscara se colocó en los capiteles de las columnas a partir del final del Imperio Antiguo . Las columnas de este estilo se usaron en muchos templos de Hathor y otras diosas. [13] Los mascarones también estaban presentes en los vasos canopos egipcios . Estos eran recipientes utilizados para almacenar los órganos internos extraídos durante la momificación . Los primeros jarrones eran sencillos, pero durante el Primer Periodo Intermedio , las tapas de los jarrones comenzaron a modelarse en forma de cabezas humanas. A partir de la Dinastía XVIII , se diseñaron cada uno con un mascarón diferente, por lo que se asemejaban a los cuatro hijos de Horus ( babuino , chacal , halcón y humano). [14]

Mundo grecorromano

En la antigua Grecia , Roma y la arquitectura de la civilización etrusca , los mascarones de león se usaban a menudo para decorar las cornisas de los templos . Los extremos de las tejas en los bordes de un techo se ocultaban mediante bloques ornamentales conocidos como antefixae , que a veces estaban decorados con mascarones humanos. [16]

En ocasiones, los mascarones se utilizaban con fines amenazadores. Medusa decora el arquitrabe del templo de Dídima y está destinada a asustar a los enemigos de Apolo , estilizada de forma que se la pueda ver desde lejos y permita el juego de luces y sombras.

Además de los rostros, los mascarones a veces adoptaban la forma de máscaras de teatro. Las manifestaciones teatrales son inicialmente una ceremonia sagrada vinculada al culto de Dioniso . Estas ceremonias sagradas se reflejan en frisos decorativos con los rostros de Dioniso ( también conocido como Baco), ménades (bacantes entre los romanos), sátiros y Sileno , todos con festones entre ellos, que decoran los edificios religiosos.

Un cierto tipo de mascarón utilizado en el mundo grecorromano era el bucranium , una cabeza o cráneo de toro, que luego sería redescubierto en el Renacimiento y utilizado en estilos que utilizan el vocabulario clásico de decoración y diseño.

Posteriormente, el Imperio Romano tomó todos estos elementos decorativos, ya que incorporó muchos elementos culturales de la Antigua Grecia.

Mesoamérica precolombina

Porcelana

En el Neolítico , en China, se crearon pequeños objetos de jade . La dureza del jade le confiere durabilidad, lo que contribuyó a su conservación a lo largo de milenios. Algunos de estos objetos, como el cong , un tubo recto con un interior circular y una sección exterior cuadrada, estaban decorados con mascarones muy estilizados.

Durante la Edad del Bronce china (las dinastías Shang y Zhou ), las intercesiones de la corte y la comunicación con el mundo espiritual eran realizadas por un chamán (posiblemente el propio rey). En la dinastía Shang ( c. 1600-1050 a. C.), la deidad suprema era Shangdi , pero las familias aristocráticas preferían contactar con los espíritus de sus antepasados. Preparaban para ellos elaborados banquetes de comida y bebida, calentados y servidos en vasijas rituales de bronce . Estas vasijas de bronce tenían muchas formas, dependiendo de su propósito: para vino, agua, cereales o carne, y algunas de ellas estaban marcadas con caracteres legibles, lo que muestra el desarrollo de la escritura. Uno de los motivos más utilizados en estas vasijas era el taotie , un mascarón estilizado dividido simétricamente, con fosas nasales, ojos, cejas, mandíbulas, mejillas y cuernos, rodeados de patrones incisos. [23]

Edad media

El uso de mascarones continuó durante la Edad Media. Se encuentran en la arquitectura gótica , especialmente en el siglo XIV [24] . Los mascarones también se utilizaron en la arquitectura medieval rusa .

Renacimiento

Los artistas del Renacimiento releen los mitos de la Antigüedad grecorromana, que les proporcionan nuevos temas y ornamentos. Descubrimientos arqueológicos como las excavaciones de las Termas de Caracalla por los Farnesio o el Laocoonte y sus hijos , inspiran a escultores y arquitectos de los siglos XV y XVI. La Villa del emperador Adriano y el Panteón de Roma ofrecen modelos de construcción radicalmente diferentes del estilo gótico . Las formas de la Antigüedad vuelven a ponerse de moda: columnas , pilastras , frontones , cúpulas y estatuas decoran los edificios de esta época.

En el Quattrocento las últimas influencias góticas tendieron a desaparecer; no fue hasta principios del siglo XVI cuando los rostros decorativos de la Antigüedad volvieron a tomar su lugar en forma de mascarones.

La moda renacentista se extendió al resto de Europa occidental. Llegó a Francia con las guerras italianas . Rosso Fiorentino (nacido en Florencia en 1494, fallecido en Fontainebleau en 1540) y Le Primatice (nacido en Bolonia en 1504 y fallecido en París en 1570) llegaron a trabajar en Fontainebleau para el rey de Francia Francisco I. Rosso, que trabajó en Italia hasta el saqueo de la ciudad de Roma en 1527 , dominaba la técnica del estuco . Le Primatice había colaborado en Mantua con Giulio Romano .

Barroco y rococó

El arte barroco , que sucedió al manierismo y se desarrolló como resultado de las tensiones religiosas entre católicos y protestantes en toda Europa, surgió a finales del siglo XVI. El nombre puede derivar de "barocco", la palabra portuguesa para perla deformada, y describe un arte que combinaba emoción, dinamismo y dramatismo con colores potentes, realismo y fuertes contrastes tonales. Entre 1545 y 1563, en el Concilio de Trento , se decidió que el arte religioso debía fomentar la piedad, el realismo y la precisión y, al atraer la atención y la empatía de los espectadores, glorificar a la Iglesia católica y fortalecer la imagen del catolicismo. Dado que la arquitectura y el diseño barrocos ampliaron el vocabulario clásico del Renacimiento, los mascarones continuaron utilizándose. Durante los siglos XVII y XVIII, eran con mayor frecuencia claves decoradas sobre puertas o ventanas arqueadas, dentro de un cartucho . Estaban presentes especialmente en el primer piso de muchos palacios, que a menudo tienen ventanas y puertas arqueadas continuas. Otro uso frecuente fue en la parte superior de los cartuchos.

Al barroco le siguió el rococó , que mantuvo algunas de las características del barroco, como la monumentalidad y las formas curvas, pero llegó con nuevas características, como los colores pastel, la ornamentación foliar, la asimetría y el énfasis en la arquitectura secular. El rococó también se asocia principalmente con la arquitectura palaciega y doméstica, en comparación con cómo el barroco a menudo se ve como un estilo principalmente eclesiástico. Una de las características más notables es su delicadeza. Además del uso de líneas curvas y flores, la fantasía del estilo también es visible en las muchas obras de arte que muestran escenas de la vida aristocrática. Las personas en la pintura rococó de artistas como Antoine Watteau , Jean-Baptiste van Loo , François Boucher o Jean Siméon Chardin tienen caras de cupido. Por supuesto, esta característica también está presente en la escultura, incluidos los mascarones. Como en el caso de la arquitectura barroca, la mayoría de los mascarones rococó se colocan en las claves de puertas o ventanas arqueadas. Buenos ejemplos de ellos están presentes en la mayoría de los hoteles particulares desde el reinado de Luis XV (1715-1774).

Las interacciones entre las naciones de Europa occidental y el resto del mundo provocadas por la exploración colonialista han tenido un impacto en la estética. En raras ocasiones, para hacer que un edificio o un objeto fuera más exagerado, se añadieron mascarones de nativos americanos , mostrándolos con tocados de plumas estereotipados. De manera similar, se añadieron mascarones de africanos subsaharianos en edificios de la Place de la Bourse en Burdeos , Francia. Son el resultado del hecho de que la colonización y la esclavitud contribuyeron a la riqueza de la ciudad de Burdeos, tanto a través del comercio de esclavos, el comercio de bienes producidos por esclavos y la posesión de plantaciones. De todas estas formas de exotismo , la más popular fue la chinoiserie , un estilo en bellas artes , arquitectura y diseño, popular durante el siglo XVIII, que se inspiró en gran medida en el arte chino, pero también en el rococó al mismo tiempo. Como viajar a China u otros países del Lejano Oriente era algo difícil en esa época y, por lo tanto, seguía siendo un misterio para la mayoría de los occidentales, la imaginación europea se alimentó de las percepciones de Asia como un lugar de riqueza y lujo, y en consecuencia, los mecenas, desde los emperadores hasta los comerciantes, compitieron entre sí para adornar sus viviendas con productos asiáticos y decorarlas en estilos asiáticos. Donde los objetos asiáticos eran difíciles de obtener, los artesanos y pintores europeos dieron un paso adelante para satisfacer la demanda, creando una mezcla de formas rococó y figuras, motivos y técnicas asiáticas. Como resultado, algunos aristócratas europeos construyeron pabellones de jardín inspirados en lo que los arquitectos imaginaban que sería la arquitectura china. Por supuesto, muchos de sus elementos están mucho más cerca del rococó que de los palacios de la dinastía Qing . Algunas de estas estructuras presentan mascarones de personas del Lejano Oriente , como en el caso de la Casa China del Parque Sanssouci en Potsdam , Alemania, o el Pabellón Chino de los jardines del Palacio Drottningholm en Suecia . [31]

Neoclasicismo e historicismo

Las excavaciones realizadas durante el siglo XVIII en Pompeya y Herculano , que habían quedado enterradas bajo cenizas volcánicas durante la erupción del Vesubio en el año 79 d. C. , inspiraron un retorno al orden y la racionalidad. [37] A mediados del siglo XVIII, la antigüedad se mantuvo como estándar para la arquitectura como nunca antes. La arquitectura neoclásica se centró en los detalles de la antigua Grecia y Roma , las paredes blancas y sencillas y la grandeza de la escala. En comparación con los estilos anteriores, el barroco y el rococó, los exteriores neoclásicos tendían a ser más minimalistas, con líneas rectas y angulares, pero aún así estaban ornamentados.

El neoclasicismo fue el statu quo desde mediados y finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX. La transición del rococó al neoclasicismo no fue dramática. El estilo Luis XVI en Francia muestra claramente el fuerte interés de los arquitectos y diseñadores por los volúmenes, proporciones y motivos de la antigua Grecia y Roma, pero sus creaciones aún tienen el aire aristocrático y acogedor del rococó. Del mismo modo, algunas de las creaciones de Robert Adam , uno de los arquitectos británicos más conocidos que diseñaron en el estilo neoclásico, aún tienen la delicadeza del rococó, como en el caso del comedor del Osterley Park en Londres.

Después de la Revolución Francesa , la arquitectura y el diseño neoclásicos abogaron por un retorno a la austeridad después de los "excesos" del rococó y, por lo tanto, limitaron el uso de mascarones. El estilo Imperio del Primer Imperio Francés (1800-1815) no presentó muchos mascarones humanos, ya que son raros en la arquitectura y el diseño de la Antigua Grecia y Roma, pero los edificios y diseños de este período presentan mascarones de león, ya que estos están presentes en la Antigüedad. Los bucráneos también estaban presentes, pero principalmente bajo la forma de una cabeza en lugar de una calavera. La piedra angular a menudo decorada en los siglos pasados ​​​​se dejó vacía a principios del siglo XIX. El interés por la Antigua Grecia y Roma también condujo a un apetito por el Antiguo Egipto. Después de la campaña francesa en Egipto y Siria , el arte egipcio fue llevado a colecciones europeas, y la historia, la naturaleza y la vida en Egipto fueron documentadas por científicos. A veces, los edificios y diseños neoclásicos mezclan elementos grecorromanos con motivos egipcios.

En paralelo con el neoclasicismo, el romanticismo fue otro movimiento que se desarrolló en el siglo XVIII y que alcanzó su apogeo en el XIX. El romanticismo se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo , así como por la glorificación del pasado y la naturaleza, prefiriendo lo medieval a lo clásico. Una mezcla de factores literarios, religiosos y políticos impulsó a los arquitectos y diseñadores británicos de finales del siglo XVIII y XIX a mirar hacia atrás, a la Edad Media, en busca de inspiración. [38] En Francia, el romanticismo no fue el factor clave que llevó al renacimiento de la arquitectura y el diseño góticos. El vandalismo de monumentos y edificios asociados con el Antiguo Régimen ocurrió durante la Revolución Francesa . Debido a esto, un arqueólogo, Alexandre Lenoir , fue nombrado curador del depósito de Petits-Augustins, donde se habían transportado esculturas, estatuas y tumbas extraídas de iglesias, abadías y conventos. Organizó el Museo de los Monumentos Franceses (1795-1816) y fue el primero en recuperar el gusto por el arte de la Edad Media, que progresó lentamente hasta florecer un cuarto de siglo después. Los mascarones no son muy comunes en el Renacimiento gótico, ya que en la Edad Media estaban presentes principalmente en ménsulas . [39]

Además de la Edad Media, gracias al Romanticismo, también se despertó el interés por otros períodos, como el Renacimiento, el Barroco y el Rococó. Sin una autoridad única y dominante en cuanto a estilo, el pluralismo se generalizó. El neogótico coexistió con un renacimiento del Rococó y con resurgimientos de otros estilos históricos, algunos de ellos no occidentales.

Bellas Artes y Art Nouveau

El revivalismo del siglo XIX condujo con el tiempo al eclecticismo (mezcla de elementos de diferentes estilos). Debido a que los arquitectos generalmente revivieron los estilos clásicos, la mayoría de los edificios y diseños eclécticos tienen un aspecto distintivo. En Francia, generalmente eran mezclas de elementos tomados desde el Renacimiento hasta Napoleón (incluido el neoclasicismo y sus formas). El edificio más famoso de este tipo es la Ópera Garnier de París, que combina, por ejemplo, columnas dobles tomadas del barroco con líneas de tejado de mascarones y festones tomados del neoclasicismo, en la fachada principal. Solos, estos elementos recuerdan a un período específico, pero están colocados de manera coherente y armoniosa. Muchos de los mascarones de la arquitectura y los diseños eclécticos del siglo XIX y principios del XX están inspirados en los que se encuentran en el barroco y el rococó , y al igual que en los siglos XVII y XVIII, a menudo están en una piedra angular y en un cartucho .

La Belle Époque fue un período que comenzó alrededor de 1871-1880 y que terminó con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914. Se caracterizó por el optimismo, la paz regional, la prosperidad económica, la expansión colonial y las innovaciones tecnológicas, científicas y culturales. El eclecticismo alcanzó su apogeo en este período, con la arquitectura Beaux Arts . El estilo toma su nombre de la École des Beaux-Arts de París, donde se desarrolló y donde estudiaron muchos de los principales exponentes del estilo. Los edificios de este estilo a menudo presentan columnas jónicas con sus volúmenes en la esquina (como los que se encuentran en el barroco francés ), un nivel de sótano rústico, simplicidad general pero con algunas partes realmente detalladas, puertas arqueadas y un arco sobre la entrada como el del Petit Palais en París. El estilo apuntaba a una opulencia barroca a través de estructuras monumentales profusamente decoradas que evocaban el Versalles de Luis XIV . Debido a la atmósfera etérea del estilo, muchos mascarones de estilo Beaux Arts tienen una expresión tranquila y segura, y la mayoría de ellos son femeninos. Los mascarones masculinos también estaban presentes en ocasiones en la decoración, pero generalmente como rostros de Hermes , Poseidón o Hércules .

Además de las Bellas Artes, otro movimiento que fue popular durante la Belle Époque fue el Art Nouveau . Rechazando el eclecticismo, el Art Nouveau fue uno de los primeros estilos del Modernismo . Tuvo múltiples versiones en diferentes países. La forma belga y francesa se caracteriza por formas orgánicas, adornos tomados del mundo vegetal, líneas sinuosas, asimetría (especialmente cuando se trata del diseño de objetos), el motivo del latigazo , la mujer fatal y otros elementos de la naturaleza. En Austria, Alemania y el Reino Unido, tomó una forma geométrica más estilizada, como una forma de protesta hacia el revivalismo y el eclecticismo. Los adornos geométricos que se encuentran en las pinturas de Gustav Klimt y en los muebles de Koloman Moser son representativos de la Secesión vienesa (Art Nouveau austríaco). [43] Los mascarones Art Nouveau consisten a menudo en rostros de mujeres jóvenes, mostrando la preferencia de muchos artistas Art Nouveau por la femme fatale , una tipología de la mujer misteriosa, hermosa y seductora cuyos encantos atrapan a sus amantes, a menudo llevándolos a trampas comprometedoras y mortales. A menudo se la muestra como una criatura de la noche, fusionada con el mundo natural. Al igual que los Beaux Arts, muchos mascarones Art Nouveau tienen expresiones tranquilas y seguras. Algunos de los más impresionantes se encuentran en joyería. Los mascarones Art Nouveau eran a veces maximalistas , el rostro tenía diferentes accesorios y/o follaje a su alrededor.

Periodo de entreguerras

El art déco es un estilo creado como un esfuerzo colectivo de varios diseñadores franceses para crear un nuevo estilo moderno alrededor de 1910. Era poco conocido antes de la Primera Guerra Mundial, pero se volvió muy popular durante el período de entreguerras , estando fuertemente asociado con las décadas de 1920 y 1930. El movimiento fue una mezcla de múltiples características tomadas de las corrientes modernistas de las décadas de 1900 y 1910, como la Secesión de Viena , el cubismo , el fauvismo , el primitivismo , el suprematismo , el constructivismo , el futurismo , De Stijl y el expresionismo . Debido a esto, los mascarones son más angulares y estilizados, como máscaras, claramente influenciados por el cubismo , un movimiento de bellas artes con figuras humanas altamente estilizadas y geometrizadas, como las que se encuentran en Les Demoiselles d'Avignon pintadas por Pablo Picasso . Pintores, escultores, diseñadores y arquitectos también encontraron inspiración en regiones no occidentales, como Asia Oriental, las Américas precolombinas o el arte africano subsahariano. [50] El Art Déco tuvo cuatro fases: temprana, madura, tardía y modernidad aerodinámica . Los edificios de la década de 1910 y principios de la de 1930 son compositiva y estilísticamente similares a los de Bellas Artes de los años 1900 y 1910, pero muy estilizados y con una geometría refinada. Durante esta década se utilizan pilastras y otros elementos clásicos , pero geometrizados, junto con motivos florales simples y adornos abstractos. Un ejemplo del Art Déco temprano es el Edificio de la Compañía Central de Seguros Sociales (ahora el Edificio Asirom) en Bulevardul Carol I, Bucarest , de Ion Ionescu, década de 1930. La mayoría de los mascarones Art Déco están presentes en los primeros edificios y diseños Art Déco. El Art Déco maduro, muy asociado con la década de 1930, era más moderno y exuberante en comparación con la forma temprana. Los retranqueos escalonados son una característica clave de este período. El Art Déco tardío, de finales de la década de 1930 y la década de 1940, allana el camino para el estilo internacional , pero sin abandonar por completo la ornamentación. Los adornos más complejos como los mascarones o el follaje desaparecen por completo durante este período, al considerarse pasados ​​de moda. Las fachadas con esquinas en ángulo de 90° y decoradas mínimamente solo con cornisas simples en cada nivel son características clave de esta fase. Sin embargo, esto no significa que estos edificios sean banales o aburridos. Se utilizaron materiales de colores brillantes en el interior, especialmente mármol y granito , y los exteriores generalmente tenían pararrayos. Al mismo tiempo, el modernismo aerodinámicoTambién fue popular en las décadas de 1930 y 1940, caracterizado por esquinas redondeadas y dinamismo general.

Aunque el modernismo fue la corriente dominante en forma de art déco durante el período de entreguerras, continuaron los resurgimientos de estilos históricos o locales. En Rumania , por ejemplo, la arquitectura neomediterránea fue uno de los principales estilos de la década de 1930, junto con el art déco y el neorrenacimiento rumano (el estilo nacional). Por supuesto, algunos de estos estilos utilizaron mascarones como ornamentación.

A finales del periodo de entreguerras, con el auge de la popularidad del Estilo Internacional , caracterizado por la ausencia total de cualquier ornamentación, se produjo el abandono total de cualquier adorno, incluidos los mascarones.

Posmodernismo

El posmodernismo , un movimiento que cuestionó el modernismo (el status quo después de la Segunda Guerra Mundial), promovió la inclusión de elementos de estilos históricos en nuevos diseños. Un texto temprano que cuestionaba el modernismo fue del arquitecto Robert Venturi , Complexity and Contradiction in Architecture (1966), en el que recomendaba un renacimiento de la "presencia del pasado" en el diseño arquitectónico. Trató de incluir en sus propios edificios cualidades que describió como "inclusión, inconsistencia, compromiso, acomodación, adaptación, superadjacency, equivalencia, enfoque múltiple, yuxtaposición o espacio bueno y malo". [56] Venturi promovió la "cita", lo que significa reutilizar elementos del pasado en nuevos diseños. En parte manifiesto, en parte álbum de recortes arquitectónico acumulado durante la década anterior, el libro representaba la visión de una nueva generación de arquitectos y diseñadores que habían crecido con el modernismo pero que se sentían cada vez más limitados por sus rigideces percibidas. Múltiples arquitectos y diseñadores posmodernos pusieron reinterpretaciones simplificadas de los elementos encontrados en la decoración clásica en sus creaciones. Sin embargo, en la mayoría de los casos se trataba de una gran simplificación y más bien de reinterpretaciones que de verdaderas reutilizaciones de los elementos previstos. Debido a su complejidad, los mascarones se utilizaron muy raramente en la arquitectura y el diseño posmodernos. [57]

Véase también

Notas

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References

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